Il film I crimini di Emily segna l’esordio alla regia di John Patton Ford, che firma anche la sceneggiatura di questo thriller criminale indipendente ambientato a Los Angeles. Presentato al Sundance Film Festival nel 2022, il film racconta la storia di una giovane donna intrappolata in una spirale di precarietà economica e sociale, che finisce per entrare nel mondo della frode con carte di credito. La vicenda segue Emily Benetto, una ragazza schiacciata dai debiti universitari e ostacolata nel trovare un lavoro stabile a causa di un precedente penale, elementi che la spingono verso attività illegali sempre più rischiose.

Dal punto di vista del genere, I crimini di Emily si muove tra crime movie, thriller urbano e dramma sociale, fondendo tensione narrativa e riflessione sulle contraddizioni del capitalismo contemporaneo. Il film racconta infatti una protagonista costretta a vivere in una condizione di sopravvivenza costante, in un sistema lavorativo precario che sembra offrire poche possibilità di riscatto. In questo senso il racconto si avvicina a opere che esplorano il lato oscuro dell’ambizione e della marginalità urbana, come Nightcrawler o Drive, dove Los Angeles diventa il teatro di storie criminali che riflettono sulle disuguaglianze sociali e sulle zone grigie della moralità contemporanea.

Al centro del film si trova l’interpretazione di Aubrey Plaza, che offre una delle prove più intense della sua carriera. Conosciuta inizialmente per ruoli comici e sarcastici in serie come Parks and Recreation, Plaza negli anni ha progressivamente ampliato la propria filmografia con personaggi più complessi e ambigui. In I crimini di Emily incarna una protagonista determinata, impulsiva e moralmente ambigua, che si muove tra disperazione e opportunismo. La sua performance è stata ampiamente lodata dalla critica e rappresenta una tappa significativa nella sua evoluzione come attrice drammatica.

Nel resto dell’articolo analizzeremo nel dettaglio il finale del film, proponendo una spiegazione degli eventi conclusivi e del significato che assumono nel percorso della protagonista. Essendo una storia costruita attorno alla trasformazione morale di Emily e alle conseguenze delle sue scelte, il finale rappresenta infatti il momento in cui il film chiarisce la natura del personaggio e il messaggio che la storia vuole lasciare allo spettatore.

La trama di I crimini di Emily

Protagonista del film è Emily Benetto (Aubrey Plaza), una giovane donna che vive a Los Angeles sommersa dai debiti. Una vecchia condanna penale compromette le sue possibilità di trovare un lavoro stabile e risolvere i suoi problemi economici. È così costretta a sopravvivere con impieghi precari mentre affronta continui colloqui senza successo. La svolta arriva quando un collega le propone un lavoro rapido e ben pagato. Emily entra così nel giro losco dei “dummy shopper”, incaricati di acquistare beni costosi con carte di credito rubate. A introdurla in questo mondo è Youcef (Theo Rossi), intermediario carismatico che rimane colpito dalla sua determinazione e dalla precisione con cui Emily porta a termine il primo incarico.

Ben presto la donna viene coinvolta in operazioni sempre più rischiose nel mercato nero di Los Angeles. Tra lei e Youcef nasce un rapporto di complicità e attrazione, mentre lei, aspirante artista con il sogno di cambiare vita, si lascia sedurre dal denaro facile e dall’adrenalina della criminalità. Quando alcuni truffatori tentano di derubarla dei suoi guadagni, Emily reagisce con sorprendente freddezza, dimostrando di essersi ormai profondamente addentrata in un mondo dove ogni errore può avere conseguenze pericolose e fatali.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di I crimini di Emily la situazione precipita quando Emily e Youcef decidono di affrontare direttamente Khalil dopo essere stati esclusi dal giro di frodi. I due organizzano un piano per raggiungere il nascondiglio della banda e recuperare il denaro sottratto. Dopo aver attirato fuori alcuni uomini con un diversivo, riescono a entrare nel rifugio di Khalil. Lo scontro diventa rapidamente violento. Khalil aggredisce brutalmente Youcef e lo ferisce gravemente mentre Emily riesce a reagire usando il taser per immobilizzarlo e impossessarsi del denaro accumulato dalla rete criminale.

Con il denaro finalmente tra le mani, Emily cerca di fuggire insieme a Youcef. Tuttavia la situazione sfugge rapidamente al controllo quando si accorgono di non avere più le chiavi dell’auto. Le sirene della polizia e dei soccorsi si avvicinano rapidamente al luogo dello scontro. Di fronte alla prospettiva di essere arrestata e perdere tutto, Emily prende una decisione drastica. Abbandona Youcef ferito nella macchina e scappa con il denaro. In seguito la polizia fa irruzione nel suo appartamento a Los Angeles, trovandolo completamente vuoto. La donna è ormai sparita.

Il film si conclude mostrando Emily in Sud America, dove sembra aver realizzato parte dei suoi sogni. Riprende a dedicarsi all’arte e costruisce una nuova vita lontano dagli Stati Uniti. Tuttavia la sua esistenza non è davvero cambiata dal punto di vista morale. Emily avvia infatti una nuova organizzazione di frodi con carte di credito, replicando lo stesso sistema in cui era stata coinvolta all’inizio della storia. Recluta nuovi “dummy shoppers” promettendo guadagni rapidi per semplici acquisti, esattamente come era accaduto a lei all’inizio della sua discesa nel crimine.

Questo finale chiarisce il percorso del personaggio e la trasformazione morale che attraversa nel corso del film. All’inizio Emily appare come una giovane donna disperata e intrappolata in un sistema economico che la penalizza per il suo passato e per i debiti accumulati. Con il passare degli eventi impara rapidamente le logiche del crimine e scopre che in quel mondo riesce a esercitare un controllo che la società legale le ha sempre negato. Quando decide di abbandonare Youcef e fuggire con il denaro dimostra di aver interiorizzato completamente questa nuova identità.

Il finale porta così a compimento i temi centrali del film. La storia non racconta una redenzione ma una trasformazione che nasce dalla frustrazione sociale e dalla precarietà economica. Emily comprende che il sistema che la circonda è costruito su dinamiche di sfruttamento e decide di rispondere con le stesse logiche opportunistiche. Il film suggerisce quindi che la criminalità della protagonista non è solo una scelta individuale ma anche il prodotto di un contesto sociale che premia aggressività e spregiudicatezza. In questo senso il percorso di Emily diventa una riflessione amara sul sogno americano e sulle sue contraddizioni.

Diretto da John Wells, Il sapore del successo (leggi qui la recensione) è un film drammatico del 2015 che ruota attorno ad Adam Jones, un rinomato chef con due stelle Michelin che era scomparso dalla scena pubblica dopo aver lasciato il ristorante parigino del suo mentore. Dopo anni, riappare nella vita dei suoi ex colleghi e conoscenti con il desiderio di gestire un ristorante e l’aspirazione di ottenere le tre stelle Michelin. Il film racconta gli sforzi di Adam per realizzare il suo sogno, mentre affronta le inevitabili conseguenze delle sue azioni passate. Poiché il film apre una finestra sulla vita degli chef professionisti, abbiamo cercato di scoprire se il film con Bradley Cooper abbia origini reali. Ecco cosa possiamo dirvi al riguardo!

Il sapore del successo si ispira alle esperienze di chef reali

Il sapore del successo è una storia di fantasia. Lo sceneggiatore Steven Knight ha ideato la trama del film senza seguire la vita di uno chef in particolare. Tuttavia, lui e il regista John Wells si sono ispirati ai percorsi di diversi chef reali per ideare i dettagli e le caratteristiche specifiche dei personaggi. Marcus Wareing, che gestisce il ristorante stellato Michelin Marcus, era uno di loro. “Lui [Steven Knight] voleva scrivere una sceneggiatura sugli chef che un giorno, si sperava, sarebbe stata trasformata in un film, ma prima doveva capire il mondo della cucina. Voleva entrare nella testa di uno chef, e quella testa era proprio la mia”, ha raccontato Wareing a Tasting Table.

Wareing non è stato solo una delle fonti di ispirazione per il personaggio di Adam, ma anche il formatore che ha insegnato ai membri del cast le basi della cucina e della presentazione. Il coinvolgimento del famoso chef nel film ha conferito autenticità anche alle azioni dei personaggi chef. Oltre alla carriera di Wareing, anche la vita di Marco Pierre White ha ispirato Knight a ideare il dramma culinario. Come Adam gestisce l’Adam Jones al Langham Hotel di Londra, White si è affermato come uno dei migliori chef al mondo gestendo ristoranti a Londra.

Inoltre, proprio come Adam aspira a diventare uno chef tre stelle Michelin, White non solo sembrava aspirare allo stesso obiettivo, ma ha anche ottenuto le tre stelle. “Avere un ragazzo che parlava di cibo in modo così appassionato era una cosa completamente nuova. Questo ragazzo [White] era lo chef più giovane dell’epoca ad aver ottenuto tre stelle Michelin. Era di Londra, non aveva mai cucinato in Francia, ma preparava piatti della cucina francese”, ha detto Bradley Cooper, che interpreta Adam, a Marie Claire parlando dell’importanza dello chef. L’attore ha fatto riferimento alle vite di tre famosi chef che conosceva personalmente per interpretare il personaggio.

“Ho creato un personaggio che vedo come una miscela dei tre che ho studiato: Marcus Wareing, Gordon Ramsay e Marco Pierre White. È una combinazione. Le piccole cose che fa, i gesti fisici, sono fondamentalmente cose che ho rubato a tutti e tre”, ha detto Cooper a Yahoo! Movies. Una delle scene famose del film è quella in cui Adam urla ai suoi subordinati perché non cucinano i piatti come lui vorrebbe. La vita reale degli chef ha ispirato questo particolare dettaglio. “Ho parlato con molti chef che dicono che le cose non sono più così, ma ho trascorso molto tempo in molte cucine e sono ancora così”, ha detto Wells a Eater.

Inoltre, Il sapore del successo è una storia di dipendenza e di superamento della stessa. Dopo essere diventato dipendente da droghe e alcol, Adam cerca di rimanere sobrio per realizzare le sue aspirazioni. Migliaia di persone nella vita reale mostrano la determinazione e la resilienza che lui dimostra per riconquistare la propria vita, compreso Cooper, l’attore che interpreta il personaggio. Egli ha parlato apertamente della sua dipendenza in diverse interviste.

Adam rappresenta ognuno di loro, poiché riesce a trovare una strada senza alcol e senza droghe per il suo futuro e ad affrontare le crisi personali. Per ribadire il concetto, Il sapore del successo è un film di finzione con radici significative nella realtà. Sebbene Adam e la sua storia siano fittizi, in lui possiamo trovare caratteristiche specifiche di diverse persone reali, il che rende il regno della narrazione del film non estraneo.

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Beast, del 2017, è un thriller psicologico che esplora le tensioni emotive e morali che scaturiscono da relazioni ambigue e minacce latenti. Diretto da Michael Pearce, al suo debutto cinematografico di rilievo, il film si colloca in un filone di thriller intimisti del periodo come Every Breath You Take – Senza respiro e Men, in cui il pericolo e il terrore emergono soprattutto dai legami personali e dall’ambiente circostante, piuttosto che da minacce esplicitamente sovrannaturali. La suspense è costruita con lentezza, concentrandosi sulla psiche dei personaggi e sul senso di isolamento.

Al centro della narrazione c’è la protagonista, interpretata da Jessie Buckley, che offre una performance intensa e stratificata. La sua vita in un’isola remota è sconvolta dall’arrivo di un uomo dal fascino ambiguo, mentre un serial killer terrorizza la comunità. Il film esplora temi come il controllo, la vulnerabilità femminile e il conflitto tra attrazione e pericolo, combinando elementi di tensione psicologica con una drammatica indagine sulla violenza.

Beast è quindi un titolo da recuperare per chi voglia conoscere meglio Jessie Buckley, oggi nota per ruoli in film acclamati come Hamnet e La sposa!, e per apprezzare la sua capacità di reggere un thriller basato quasi interamente sulle sue sfumature emotive. Nel resto dell’articolo proporremo una spiegazione dettagliata del finale, analizzando come l’epilogo del film risolva le tensioni narrative e psicologiche costruite nel corso della storia.

La trama di Beast

Il film racconta la storia di Moll (Jessie Buckley), una donna di 27 anni che lavora come guida turistica e vive insieme alla sua famiglia benestante, ma conservatrice come il resto degli abitanti dell’isola. La ragazza da sempre si sente oppressa dagli ideali estremamente conservatori della comunità e soprattutto da sua madre (Geraldine James), una donna severa e dispotica, ma continua a vivere con i suoi genitori, perché il padre è affetto da demenza. Inoltre, Moll ha sempre vissuto all’ombra dei suoi familiari, tanto che anche il giorno del suo compleanno viene oscurata dall’annuncio di sua sorella di essere incinta. Sentendosi messa da parte il giorno della sua festa, la 27enne abbandona il party per recarsi in un club, dove incontra un affascinante sconosciuto con cui balla tutta la sera.

Quando i due si recano sulla spiaggia per una passeggiata notturna, l’uomo cerca di avere contatti più intimi con lei, nonostante la ragazza non sia d’accordo. A intervenire in suo aiuto arriva Pascal (Johnny Flynn), che mette in fuga lo sconosciuto, salvandola. Questo incontro fortuito cambia totalmente la vita di Moll, che follemente innamorata di Pascal, decide di lasciare la sua famiglia per vivere con lui. Finalmente la frustrazione in cui ha vissuto così a lungo sembra dissolversi e lei si sente viva. Ma quando viene trovato un cadavere, Pascal diventa il sospettato numero uno dell’indagine e Moll dovrà affrontare la comunità e la su famiglia pur di difenderlo.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Beast, Moll affronta la tensione culminante della sua relazione con Pascal. Dopo essere stata arrestata e interrogata dalla polizia per protezione di un sospetto assassino, Moll torna a casa di Pascal tormentata dai sensi di colpa e dalle pressioni esterne. Le visioni dei suoi errori passati e l’ostilità della comunità la spingono a confrontarsi con le sue scelte. La situazione esplode quando Pascal, ferito dall’idea che Moll possa lasciarlo, diventa violento, colpendola fisicamente e rivelando il lato oscuro della loro relazione, confermando la minaccia latente della figura maschile nella storia.

In seguito Moll decide di affrontare direttamente Pascal per estorcergli una confessione. Durante una cena in riva al mare, lo incoraggia a parlare dei delitti, mostrandogli la sua piena accettazione e rivelando la propria colpa passata per aver aggredito un’altra ragazza. Pascal, inizialmente confuso e vulnerabile, ammette la sua mancanza di rimorso verso le vittime. Moll, apparentemente sollevata dalla sua ammissione, guida il rientro in auto, fino al momento in cui usa la propria astuzia per costringerlo a uscire dalla vettura, provocandone gravi ferite. Il climax si risolve con Moll che lo strangola, assumendo il controllo definitivo della situazione.

Il finale mette in chiaro la trasformazione psicologica di Moll. La sequenza della confessione e dell’eliminazione di Pascal rappresenta la completa assunzione di responsabilità sulle proprie scelte morali e il superamento del senso di impotenza accumulato durante tutto il film. Moll passa da vittima a protagonista attiva della propria storia, dimostrando ingegno e determinazione nel confrontarsi con la minaccia più diretta e personale. La sua azione non è motivata da vendetta fine a se stessa, ma da una volontà di liberarsi dalle dinamiche abusive e di proteggere se stessa, segnando la risoluzione del conflitto centrale del racconto.

Il gesto estremo di Moll sancisce anche la chiusura del tema ricorrente della dualità tra amore e pericolo. La relazione con Pascal, costruita sulla passione e sul rischio, mostra come la linea tra attrazione e minaccia possa essere sottile e pericolosa. Il finale funziona da conclusione simbolica: Moll accetta e rivendica la propria complessità emotiva, confrontando l’oscurità del mondo esterno e quella che si cela dentro le persone che ama. La sua decisione evidenzia come il thriller psicologico del film non sia solo sul crimine, ma sull’autodeterminazione e sul riconoscimento del proprio potere.

Il finale di Beast lascia al pubblico un messaggio complesso riguardo alla vulnerabilità, alla moralità e al desiderio di controllo sulla propria vita. Moll rappresenta l’idea di emancipazione dalle relazioni tossiche e dal giudizio sociale, dimostrando che la libertà richiede spesso scelte dolorose e definitive. La narrazione suggerisce anche la fragilità dell’illusione romantica, mostrando che l’attrazione può mascherare comportamenti pericolosi. Infine, il film esplora la resilienza individuale: Moll emerge come una figura che, pur segnata dal trauma, trova la forza di affrontare l’oscurità sia del mondo che dentro di sé, chiudendo il racconto con un senso di controllo e autonomia finalmente conquistati.

Taika Waititi ha fatto un po’ di tutto. Sebbene abbia lavorato alla saga di Star Wars, al Marvel Cinematic Universe, a serie televisive come Our Flag Means Death e abbia persino vinto un Oscar per la sceneggiatura di Jojo Rabbit, il suo ultimo lungometraggio è la prima storia vera che abbia mai realizzato. Chi segna vince (leggi qui la recensione) può sembrare sulla carta un classico film sportivo motivazionale, ma l’umorismo di Waititi contribuisce a trasformare la storia sportiva di questo perdente in un’altra delle sue commedie caratteristiche.

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Chi segna vince presenta infatti molti dei temi che Waititi ha sottolineato nel corso della sua carriera, tra cui il lavoro di squadra, la perseveranza e la diversità. Sebbene Waititi dimostri certamente che una “storia vera” può ancora sembrare “originale”, mantiene viva l’essenza della storia vera quando si tratta del finale del film. In questo articolo andiamo allora proprio ad approfondire la conclusione del racconto, analizzando ciò che accade e cosa ci lascia una volta terminata la visione.

Thomas Rongen diventa l’allenatore di calcio delle Samoa Americane

Chi segna vince segue l’allenatore di calcio olandese-americano Thomas Rongen (Michael Fassbender), licenziato dalla guida della nazionale maschile Under 20 degli Stati Uniti dopo che la sua squadra non è riuscita a qualificarsi per i Mondiali. Non è solo il curriculum di Rongen a mettere in discussione la sua leadership; le sue tecniche di allenamento aggressive e dominanti lo hanno reso intollerabile sul lavoro. Sebbene la rabbia di Rongen sia intimidatoria, lui è tanto affranto quanto arrabbiato. Rongen sta ancora piangendo la morte della sua figliastra, Nicole (Kaitlyn Dever), rimasta uccisa in un incidente stradale.

Ora si è separato dalla madre di lei, Gail (Elisabeth Moss), e ha bisogno di un nuovo incarico per iniziare il “viaggio spirituale” della guarigione. Il capo di Rongen, Alex Magnussen (Will Arnett), gli dà un ultimatum: può scegliere se accettare il licenziamento o recarsi nelle Samoa Americane per allenare la squadra nazionale di calcio del territorio. Rongen è scettico riguardo a una mossa così drastica, e diventa ancora più diffidente quando viene a conoscenza dei risultati ottenuti dalla squadra. La squadra di calcio delle Samoa Americane è notoriamente pessima e ha appena subito una pesante sconfitta per 31-0 contro la nazionale australiana, che è diventata la peggiore sconfitta nella storia del calcio professionistico.

Rongen non ha alcuna speranza di portare effettivamente la squadra alla vittoria; ha semplicemente bisogno di ripristinare la loro reputazione in modo che le Samoa Americane non siano più oggetto di scherno. Il malcontento di Rongen cresce quando inizia a incontrare i membri della squadra; si rende conto che sono disorganizzati e privi dell’allenamento formale necessario per qualificarsi ai Mondiali. Tuttavia, Rongen capisce che non mancano di entusiasmo e accetta con riluttanza di assumere il ruolo di allenatore.

Paragonandosi al signor Miyagi di Karate Kid e a Tony D’Amato di Ogni maledetta domenica, Rongen ritiene che la squadra abbia bisogno di iniziare un processo di allenamento rigoroso che insegni loro le strategie di gioco di base. Le tecniche di allenamento di Rongen entrano immediatamente in conflitto con lo stile di allenamento più spensierato della squadra; si isola dalla squadra e inizia a mostrare gli stessi segni di rabbia e alcolismo che gli erano costati il lavoro in primo luogo.

Rongen acquisisce una nuova prospettiva sull’allenamento

Tuttavia, la fortuna di Rongen cambia dopo aver instaurato un rapporto con il giocatore fa’afafine Jaiyah Saelua (Kaimana), che diventerà la prima persona transgender a partecipare a una partita di Coppa del Mondo. Jaiyah si rende conto che la conoscenza del gioco di Rongen è ciò di cui la squadra ha bisogno, ma che non sarà in grado di entrare in sintonia con i giocatori se continuerà a sminuirli. Rongen impara gradualmente a mostrare rispetto per Jaiyah, che si estende al resto della squadra. Comincia ad apprezzare la cultura delle Samoa Americane e inizia a prendere sul serio il suo lavoro.

Rongen si rende conto che, anche se il resto del mondo del calcio tratta la squadra delle Samoa Americane come uno scherzo, questo non significa che lui debba farlo. Con l’aiuto di Jaiyah, inizia a ricostruire la fiducia della squadra mentre si prepara per le qualificazioni ai Mondiali. Nel corso di tre settimane, Rongen inizia a instaurare rapporti personali con la squadra, istituendo un regime di allenamento idiosincratico e aggiungendo nuovi giocatori alla squadra. Si rende conto che la squadra è stata ferita dal contraccolpo causato dalle loro sconfitte.

Il senior manager della squadra, Ace (David Fane), è stato preso di mira per i suoi fallimenti, e i giocatori Daru (Beulah Koale), Nicky (Uli Latukefu), Jonah (Chris Alosio), Pisa (Lehi Falepapalangi), Rambo (Semu Filipo) e Smiley (Ioane Goodhue) mancano di fiducia. Sebbene Rongen sia ancora scettico sul fatto che la squadra possa arrivare molto lontano nel campionato, Tavita (Oscar Kightley), il presidente della Federcalcio delle Samoa Americane, gli chiede semplicemente di segnare un gol. Forse essere considerati sfavoriti potrebbe rivelarsi un vantaggio.

La reputazione della squadra delle Samoa Americane viene ripristinata

Rongen guida la squadra in una partita contro Tonga per qualificarsi ai Mondiali del 2014. Sebbene entrambe le squadre stiano giocando bene, Rongen inizia a irritarsi quando la squadra delle Samoa Americane comincia a perdere di vista i fondamentali che lui stesso ha insegnato loro. Rendendosi conto di stare cadendo nello stesso schema che lo aveva condannato in precedenza, Rongen incoraggia la squadra a “divertirsi” invece di stressarsi per la vittoria. Ironia della sorte, questo è esattamente il tipo di messaggio sincero di cui la squadra ha bisogno, e finalmente segna un punto.

Le Samoa Americane vincono la partita e salgono nella classifica nazionale dopo aver segnato un gol in più nei tempi supplementari. Sebbene la vittoria delle Samoa Americane non abbia un impatto sul mondo del calcio quando perdono la partita successiva, contribuisce a ripristinare l’orgoglio civico del Paese; la storia della loro vittoria viene raccontata in una sequenza post-crediti con Waititi nei panni di un prete americano-samoano.

Rongen alla fine decide di lasciare le Samoa Americane e diventa direttore della TFC Academy durante la stagione 2012. Tuttavia, è chiaro che guidare la squadra di outsider ha aiutato Rongen a riprendersi dalla sua depressione; Magnussen gli fa notare che “ti abbiamo mandato lì per aiutarti”, e non il contrario. Anche se non rimane nelle Samoa Americane, il film si conclude con un Rongen gioioso che balla con la squadra, che ora può considerare sia amici che colleghi. Non ha più la reputazione altezzosa che aveva all’inizio del film.

Project Almanac (anche noto come Benvenuti a ieri) del 2015 è un film di fantascienza diretto da Dean Israelite e interpretato da Jonny Weston, Virginia Gardner, Sofia Black-D’Ellia, Sam Lerner e Allen Evangelista. Il film è prodotto da Michael Bay e appartiene al genere found footage, molto popolare all’inizio degli anni 2000. Arriva quindi in ritardo rispetto al genere, dando l’impressione di essere un film ormai superato. Tuttavia, potrebbe comunque essere considerato un film piuttosto intrigante, per via di come i protagonisti affrontano determinate dinamiche e delle conseguenze che ne derivano.

La trama va dunque in tutte le direzioni, con il risultato però che alcune delle motivazioni, sebbene comprensibili, finiscono per diventare piuttosto confuse, soprattutto quando la struttura dello spazio e del tempo potrebbe essere distrutta da un momento all’altro. Alla luce di ciò, in questo articolo andiamo ad approfondire la conclusione di Project Almanac, andando a chiarire alcuni risvolti del finale e come concludono la vicenda narrata.

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Cos’è Project Almanac?

Project Almanac appartiene al genere dei viaggi nel tempo, un sottogenere della fantascienza che si concentra sulla scienza speculativa dei viaggi nel tempo e sulle loro conseguenze per il mondo. Tra i membri più classici di questo sottogenere, possiamo trovare film come “Ritorno al futuro”, “Terminator” e anche film molto complessi come “Primer” o “Looper”. Il genere ha utilizzato l’elemento del viaggio nel tempo per mettere i personaggi di fronte a dilemmi morali seri e ambigui. Project Almanac segue questa tendenza e, come c’era da aspettarsi, le cose non andranno bene.

Il film inizia con la presentazione del nostro protagonista, un giovane scienziato di nome David. Lo vediamo lavorare a un progetto scientifico che presenterà per l’ammissione al MIT. La famiglia e gli amici lo hanno sostenuto e lui è stato ammesso alla prestigiosa scuola di scienze. Tuttavia, non ha i fondi necessari per frequentarla come studente. Sua madre ha intenzione di vendere la loro casa e trasferirsi in un posto più piccolo per avere abbastanza soldi da permettergli di frequentare il MIT. Dice che il padre di David avrebbe fatto lo stesso. Si scopre così che il padre di David è morto in un incidente d’auto molti anni fa.

David, sua sorella Christina e i suoi amici Adam e Quinn iniziano a cercare nel seminterrato qualcosa che possa dare loro abbastanza soldi. Ben, il padre di David, era un inventore, quindi probabilmente lì c’è qualcosa di valore. Trovano davvero qualcosa, una strana macchina che apparentemente è una macchina per viaggiare nel tempo. Sembra tutto molto inverosimile, ma viene alla luce che Ben stava lavorando a questa macchina per il governo prima di morire, il tutto nell’ambito di un progetto chiamato Almanac. David e i suoi amici fanno una scoperta ancora più spaventosa.

Trovano una videocassetta di molti anni fa. In essa vedono David che festeggia il suo compleanno. A quel punto sono tutti bambini e Ben è ancora vivo. Tuttavia, sullo sfondo, scoprono che c’è anche Ben adulto. Come? Sembra impossibile, tranne che per una spiegazione: la macchina funziona e, per qualche motivo, David torna indietro nel tempo fino a quel momento. David e il resto dei suoi amici decidono di completare la macchina e vedere se riescono a usarla. Questo li renderebbe sicuramente famosi e probabilmente anche molto ricchi.

Come è apparso David nel video del compleanno?

Così David e i suoi amici armeggiano con la macchina fino a quando non iniziano a sperimentare con i giocattoli. Riescono persino a trasportare indietro nel tempo una macchinina, ottenendo un enorme successo. Tuttavia, il processo non è del tutto pianificato e lungo il percorso si verificano alcuni errori. Durante uno di questi esperimenti, causano un blackout in tutto il quartiere. A questo punto, la ragazza di cui David è innamorato, Jessie, viene coinvolta nel progetto e suggerisce che forse dovrebbero provare a usare la macchina sugli esseri umani.

È pericoloso, ma David vuole farlo da solo, sapendo che alla fine viaggerà. Tuttavia, l’intero team si offre di accompagnarlo. Viaggiano nel tempo ed entrano nella casa di Quinn. Quinn segna il collo del suo sé addormentato con un pennarello, che appare anche sul suo collo. Tuttavia, quando Quinn si sveglia, succede qualcosa ed entrambi vengono quasi cancellati dall’esistenza. Sembra che due persone non possano conoscere l’esistenza l’una dell’altra sulla stessa linea temporale. Tornano indietro e David scopre che i loro esperimenti hanno causato dei disastri. Comincia a viaggiare indietro nel tempo da solo per sistemare queste cose.

Quinn diventa popolare grazie agli esperimenti, mentre Adam e Christina si baciano e iniziano a frequentarsi. Anche i sentimenti di David diventano una parte pericolosa dell’esperimento. Vuole tornare indietro nel tempo per salvare suo padre dall’incidente e vuole anche tornare al momento in cui avrebbe potuto baciare Jessie, ma non l’ha fatto. Tuttavia, questo diventa un altro problema perché Jessie scopre che lui ha viaggiato indietro nel tempo da solo. Lui ammette di aver viaggiato indietro nel tempo affinché lei potesse innamorarsi di lui. A questo punto, Jessie rivela di essersi innamorata di lui a prima vista. Durante uno di questi viaggi, Jessie incontra il suo sé passato e viene cancellata.

La polizia inizia a perseguire David, vedendolo come un possibile sospettato della scomparsa di Jessie. David conclude che l’unica cosa che può fare è tornare indietro nel tempo e impedire la creazione della macchina. Lo fa, e questo è il momento in cui torna al suo compleanno nel passato. Affronta suo padre, che capisce che completerà la macchina, ma dopo aver scoperto cosa succede, lo distrugge e distrugge se stesso, sapendo che ne creerà un’altra. La linea temporale viene resettata e tutto va bene. Conoscendo la linea temporale passata, David trova finalmente il coraggio di avvicinarsi di nuovo a Jessie, e si capisce che questa volta staranno insieme fin dall’inizio.

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