Il finale di The Gentlemen del 2020 (qui la nostra recensione) è pieno di colpi di scena e svolte impreviste, e c’è molto da analizzare in uno dei migliori film mai realizzati da Guy Ritchie. Il film rappresenta in gran parte un ritorno alle origini per il regista, come dimostra la ricezione positiva di The Gentlemen, e lo vede tornare a concentrarsi sulla scena criminale britannica. Tuttavia, nel suo stile abituale, Ritchie propone una trama che a volte può essere difficile da seguire, soprattutto quando vengono rivelati nuovi dettagli.

Il cast di personaggi di The Gentlemen contribuisce al caos con diverse linee narrative talvolta complicate da seguire. Mickey Pearson (Matthew McConaughey) vuole vendere il suo vasto impero della marijuana a Matthew Berger (Jeremy Strong), che in segreto collabora con Dry Eye (Henry Golding), membro della triade criminale asiatica, per sabotare l’accordo attaccando le coltivazioni di Mickey. Nel frattempo, l’investigatore privato Fletcher (Hugh Grant) ricatta Raymond (Charlie Hunnam), il braccio destro di Mickey, minacciando di rivelare informazioni sull’operazione criminale di Mickey. Il finale di The Gentlemen costruisce così un epilogo tortuoso che rivela la verità in modo divertente, anche se un po’ confuso, e che richiede un’analisi più approfondita.

Il film di Guy Ritchie include anche musica old-school che si adatta allo stile collettivo dei protagonisti. Ecco tutte le canzoni principali presenti nella colonna sonora.

Come finisce il film The Gentlemen

Al centro di uno dei migliori film di Guy Ritchie c’è il business della marijuana gestito da Mickey. Dopo i problemi avuti dalla sua attività, Mickey e Berger si incontrano di nuovo per concludere l’accordo. Tuttavia, Berger sostiene che il furto abbia compromesso non solo una delle sedi ma tutte e 12, riducendo così la valutazione dell’azienda da 400 milioni di dollari a 130 milioni.

Alla fine Mickey capisce il piano di Berger e decide di non vendere. Lo rinchiude in una cella frigorifera finché non paga comunque Mickey e finché non gli viene tolta letteralmente “una libbra di carne” dal corpo.

Nel frattempo Ray incontra di nuovo Fletcher, che crede di stare per ricevere i 20 milioni di dollari richiesti. Invece scopre di essere stato ingannato da Ray per tutto il tempo. Ray rivela infatti di aver spiato Fletcher mentre lui spiava loro, perché aveva bisogno che Fletcher rivelasse ciò che sapeva sulla collaborazione tra Dry Eye e Berger.

Con la sua vita in pericolo, Fletcher rivela un’altra informazione importante: dei gangster russi stanno arrivando per assassinare Mickey e Ray, dopo un incidente in cui il figlio di un gangster russo è morto cadendo nel vuoto.

La sorpresa arriva quando Coach (Colin Farrell) uccide i due uomini che stavano venendo a prendere Ray, mentre i ragazzi di Coach eliminano quelli che avevano rapito Mickey.

Il gangster russo aveva pagato Fletcher per sapere quando e dove avrebbe potuto vendicarsi di Mickey e Ray. I russi rapiscono Mickey dopo l’incontro con Berger, mentre altri si dirigono verso la casa di Ray. Tuttavia Coach uccide gli uomini diretti da Ray, e i suoi ragazzi eliminano quelli che stavano portando via Mickey — anche se lo fanno per errore, perché volevano uccidere Mickey stesso.

Nel finale di The Gentlemen, Mickey riesce a fuggire, i piani di Berger falliscono e Ray rintraccia Fletcher, che era scappato dal pericolo.

Il piano di Dry Eye e Berger

Un aspetto chiave rivelato nel finale riguarda il piano tra Dry Eye e Berger per far cadere Mickey. In sostanza Berger vuole collaborare con Dry Eye per ridurre il valore dell’impero di Mickey, con l’accordo implicito che Dry Eye diventi il suo secondo in comando. Dry Eye riesce a farlo convincendo i ragazzi di Coach a rubare a Mickey, ma le sue azioni non erano state approvate da Lord George (Tom Wu), il capo del sindacato criminale asiatico.

Se tutto fosse andato secondo i piani, Berger avrebbe comprato l’impero della marijuana a un prezzo molto inferiore al suo valore reale, mentre Dry Eye avrebbe ottenuto il potere che desiderava. Invece Dry Eye cambia il piano dopo aver ucciso Lord George e minaccia Berger affinché si faccia da parte mentre lui prende il controllo. Offre quindi di comprare personalmente l’impero di Mickey, ma Mickey rifiuta.

Questo porta Dry Eye ad aggredire Rosalind (Michelle Dockery), la moglie di Mickey. Mickey lo sorprende sul fatto e lo uccide. Il cadavere di Dry Eye viene poi usato per intimidire Berger e costringerlo a fare ciò che Mickey vuole.

Il piano di Fletcher

Per quanto riguarda Fletcher, il suo obiettivo finale è guadagnare molto denaro dalle informazioni raccolte. Era stato inizialmente assunto da Big Dave (Eddie Marsan), interessato a comprare quelle informazioni, ma Fletcher aveva preparato diversi piani alternativi.

Per esempio, trasforma tutto ciò che sa sull’impero di Mickey e sul mondo criminale britannico in una sceneggiatura cinematografica che spera di vendere. Offre la sceneggiatura, insieme a documenti, foto e prove, a Ray per 20 milioni di dollari, dando loro 72 ore per accettare. Big Dave è un piano di riserva per Fletcher, ma Ray fa rapire Big Dave da Coach e lo ricatta con un video compromettente in cui ha rapporti con un maiale.

Senza altri acquirenti, Fletcher rimane costretto a vendere solo a Ray, ma Ray riesce comunque a rubargli tutte le informazioni. In questo modo Fletcher perde la possibilità di fare il “doppio guadagno”, dato che era già stato pagato dai russi per fornire informazioni utili a uccidere Mickey e Ray. Fletcher riesce a fuggire quando arrivano gli assassini a casa di Ray e tenta un ultimo colpo cercando di vendere la sua sceneggiatura a uno studio cinematografico.

La battuta finale su The Man from U.N.C.L.E.

L’ultima gag con Fletcher è un divertente riferimento a The Man from U.N.C.L.E. Fletcher viene mostrato mentre presenta la sua sceneggiatura, intitolata “Bush”, a un dirigente della Miramax, lo studio dietro The Gentlemen. Dietro di lui è ben visibile un poster di The Man from U.N.C.L.E., il film di spionaggio del 2015 diretto da Guy Ritchie con Henry Cavill, Alicia Vikander e Hugh Grant.

Il dirigente mette in dubbio alcuni aspetti della sceneggiatura, tra cui il fatto che non spieghi cosa succede a Mickey. Fletcher risponde dicendo che sta lasciando spazio per un sequel. Ritchie potrebbe aver voluto suggerire che sta lavorando proprio a un seguito di The Man from U.N.C.L.E.

Il sindacato criminale asiatico ha un nuovo leader misterioso

Una delle questioni lasciate aperte dal finale riguarda il destino del sindacato criminale asiatico. Lord George era il capo e controllava una potente rete di distribuzione della droga che includeva anche Dry Eye. Dopo la morte di Lord George, Dry Eye prende il controllo dell’organizzazione, ma il suo dominio dura poco perché Mickey lo uccide verso la fine del film.

Il film non torna più sull’argomento, lasciando gli spettatori senza sapere chi abbia preso il comando dell’organizzazione. Considerando tutti gli eventi collegati a Mickey, la sua tranquillità potrebbe non durare a lungo se il nuovo leader decidesse di vendicarsi. Tuttavia, chiunque sia ora al comando potrebbe preferire lasciarlo in pace.

Chi è ancora vivo alla fine del film

Quando The Gentlemen si conclude, molti dei personaggi principali sono ancora vivi. Mickey e Rosalind sono mostrati insieme, anche se non è chiaro se abbiano davvero abbandonato la loro vita criminale. Ray è ancora in piedi e riesce a rintracciare Fletcher, che è vivo quando scorrono i titoli di coda — anche se forse non per molto.

Coach e i suoi ragazzi sopravvivono e fanno pace con Mickey e Ray. Anche Big Dave probabilmente è ancora vivo. Il finale non conferma invece il destino di Berger, ma sembra abbastanza intelligente da fare ciò che serve per sopravvivere, anche se dopo l’episodio è letteralmente “più leggero di una libbra”.

The Gentlemen è continuato con una serie

Il finale di The Gentlemen lasciava spazio per un seguito. Tuttavia, invece di un altro film, la storia è stata trasformata in una serie televisiva ambientata nello stesso universo.

La serie The Gentlemen non è un vero e proprio sequel, ma racconta una nuova storia nello stesso mondo. Nessuno degli attori del film ritorna o fa cameo, quindi alcuni destini dei personaggi restano sconosciuti. Tuttavia, visto il successo della serie, una seconda stagione potrebbe far incrociare i personaggi del film con quelli della serie.

Dal 9 all’11 marzo Moulin Rouge! torna nelle sale per celebrare il suo 25° anniversario. Uscito nel 2001 e diretto da Baz Luhrmann, il film è diventato nel tempo uno dei titoli più riconoscibili del cinema musicale contemporaneo: un’esplosione visiva e sonora che mescola melodramma, pop e citazioni in un racconto d’amore tragico ambientato nella Parigi bohémien di fine Ottocento.

Con il suo stile iperbolico, il montaggio frenetico e l’uso innovativo di canzoni pop reinterpretate, Moulin Rouge! ha ridefinito il musical per il pubblico del nuovo millennio. Il ritorno sul grande schermo è l’occasione per riscoprire non solo la spettacolarità della messa in scena, ma anche i personaggi che popolano questo universo romantico e disperato: artisti, sognatori e opportunisti che ruotano attorno al celebre cabaret parigino. Ognuno di loro incarna una diversa idea di amore, arte e libertà, contribuendo a costruire la dimensione emotiva e teatrale del film.

Nicole Kidman è Satine

Satine è il cuore luminoso e tragico del Moulin Rouge. Conosciuta come “il diamante scintillante”, è la stella più brillante del cabaret, una performer capace di ipnotizzare il pubblico con la sua presenza scenica e la sua sensualità. Dietro l’immagine scintillante si nasconde però una donna intrappolata in un sistema che la costringe a trasformare il fascino e l’amore in merce di scambio. Satine sogna una vita diversa: vorrebbe diventare una vera attrice e conquistare l’indipendenza, lasciandosi alle spalle il ruolo di cortigiana di lusso. L’incontro con Christian rappresenta per lei la possibilità di credere a un amore autentico, non mediato dal denaro o dal potere.

A interpretarla è Nicole Kidman, che con questo ruolo ha consolidato la propria immagine di diva capace di unire spettacolarità e intensità emotiva. Per il film ha affrontato numeri musicali complessi e un impegnativo lavoro vocale, ottenendo una candidatura all’Oscar come miglior attrice. La sua interpretazione contribuisce in modo decisivo alla dimensione melodrammatica del film.

Ewan McGregor è Christian

Christian è il punto di ingresso dello spettatore nell’universo del Moulin Rouge. Giovane scrittore inglese arrivato a Parigi per vivere la vita bohémien, incarna l’ideale romantico dell’artista che crede nella forza assoluta dell’amore e della creatività. Fin dall’inizio appare ingenuo e appassionato: è convinto che l’arte possa cambiare il mondo e che l’amore sia un valore puro, non contaminato da interessi materiali. Questa visione lo distingue dal cinismo e dalle logiche economiche che governano il cabaret e il mondo dello spettacolo. Quando incontra Satine vede in lei la realizzazione del sogno romantico che aveva sempre immaginato. Il loro amore diventa il motore emotivo della storia ma anche il nucleo drammatico del film.

Il personaggio è interpretato da Ewan McGregor, attore scozzese già noto al grande pubblico per film come Trainspotting e la saga di Star Wars. In Moulin Rouge! McGregor mette in mostra anche le proprie capacità vocali, contribuendo con energia e sensibilità alla dimensione musicale del film.

Jim Broadbent è Harold Zidler

Harold Zidler è il carismatico e instancabile impresario del Moulin Rouge, l’uomo che tiene insieme il caos creativo del cabaret e ne dirige lo spettacolo permanente. Energico, teatrale e pragmatico, rappresenta la dimensione imprenditoriale del mondo dello spettacolo. Per lui il Moulin Rouge non è soltanto un luogo di divertimento ma una macchina complessa che deve continuare a funzionare, attirare pubblico e generare profitto. La sua personalità è fatta di entusiasmo, esagerazione e una costante capacità di improvvisazione: canta, organizza, persuade e manipola con la stessa naturalezza. Nonostante questo lato opportunista, Zidler non è semplicemente un cinico. Nutre un affetto autentico per le artiste del locale, in particolare per Satine, che considera quasi una figlia oltre che la sua attrazione principale. Proprio questa ambivalenza lo rende un personaggio interessante, costretto a bilanciare il sogno artistico con le necessità economiche.

A interpretarlo è Jim Broadbent, uno dei più versatili caratteristi britannici. La sua interpretazione combina comicità, energia teatrale e momenti di autentica partecipazione emotiva. Poco dopo l’uscita del film, Broadbent avrebbe vinto l’Oscar come miglior attore non protagonista per Iris, confermando la statura internazionale di un interprete capace di muoversi con naturalezza tra cinema d’autore e produzioni spettacolari.

John Leguizamo è Henri de Toulouse-Lautrec

Nella vita reale, Henri de Toulouse-Lautrec era uno dei membri più eccentrici e brillanti della comunità bohémien che frequenta il Moulin Rouge. Pittore e autore teatrale, rappresenta l’artista che vive ai margini della società borghese e che trova nella notte parigina il proprio habitat creativo. Nel film è il leader informale del gruppo di bohémien che include musicisti, attori e performer impegnati a realizzare uno spettacolo rivoluzionario. Toulouse-Lautrec incarna lo spirito dell’avanguardia artistica: è ironico, provocatorio e profondamente convinto che l’arte debba celebrare la libertà, la verità e soprattutto l’amore. È lui a formulare il motto che guida il gruppo: “Libertà, bellezza, verità e amore”. Nonostante il tono spesso comico e la sua personalità sopra le righe, possiede anche una dimensione malinconica. Consapevole della propria marginalità, osserva il mondo con uno sguardo disincantato ma appassionato. Nel rapporto tra Christian e Satine svolge quasi il ruolo di mentore artistico.

A interpretarlo è John Leguizamo, attore e performer noto per la sua grande versatilità tra teatro, cinema e televisione. Per il ruolo Leguizamo ha affrontato un lavoro fisico e vocale molto specifico, contribuendo a rendere il personaggio uno dei più memorabili dell’universo bohémien immaginato da Luhrmann.

Richard Roxburgh è Il Duca di Monroth

Il Duca di Monroth è l’antagonista principale della storia e rappresenta il potere economico che incombe sul mondo bohémien del Moulin Rouge. Ricco, aristocratico e abituato a ottenere tutto ciò che desidera, vede il cabaret e le persone che lo frequentano come oggetti da possedere. Il suo interesse per Satine nasce inizialmente come una forma di attrazione esclusiva: vuole farne la propria amante e, in cambio, promette di finanziare la trasformazione del Moulin Rouge in un grande teatro. Questo accordo mette immediatamente Satine in una posizione impossibile, costringendola a fingere sentimenti che non prova. Il duca è guidato da un’ossessione per il controllo. A differenza di Christian, che crede nell’amore libero, lui interpreta il sentimento come una forma di proprietà. Questa visione lo rende sempre più geloso e minaccioso quando percepisce la relazione segreta tra Satine e il poeta.

Il personaggio è interpretato da Richard Roxburgh, attore australiano noto per la sua capacità di incarnare figure ambigue e autoritarie. In Moulin Rouge! Roxburgh costruisce un antagonista elegante ma inquietante e a tratti farsesco, contribuendo a definire il tono particolare del film diventato culto.

Dopo il successo internazionale di Past Lives, la regista e sceneggiatrice Celine Song torna a esplorare i temi delle relazioni e delle scelte sentimentali con Material Love (Materialists). Il film, interpretato da Dakota Johnson, Pedro Pascal e Chris Evans, racconta un triangolo amoroso ambientato nel mondo esclusivo dei matchmaker di New York.

Come già accaduto con Past Lives, anche questa nuova opera nasce da un’esperienza personale della regista. Prima di affermarsi nel cinema, infatti, Song lavorò realmente come matchmaker per alcuni mesi a New York. Un’esperienza breve ma intensa che le permise di osservare da vicino le dinamiche delle relazioni contemporanee, soprattutto in un contesto in cui l’amore viene spesso trattato come una questione di compatibilità sociale, economica e persino matematica.

In Materialists questa esperienza reale diventa il punto di partenza per una riflessione più ampia su come l’amore venga influenzato da aspettative sociali, successo professionale e parametri apparentemente oggettivi come l’età, l’altezza o il reddito. Ma soprattutto, il film cerca di rispondere a una domanda molto semplice e allo stesso tempo complessa: è possibile ridurre l’amore a una formula?

Dall’esperienza personale di Celine Song alla nascita del film

Prima di diventare una regista affermata, Celine Song si trasferì a New York per lavorare come drammaturga. Come molti giovani artisti nella città, aveva bisogno di un lavoro per mantenersi mentre cercava di costruire la propria carriera creativa.

Non avendo esperienza nei classici lavori di servizio della città – come barista o commessa – Song finì per scoprire una professione piuttosto insolita. Durante una festa conobbe una matchmaker professionista e rimase affascinata da quel mondo. Quasi per curiosità decise di candidarsi per lo stesso lavoro.

Per circa sei mesi lavorò mettendo in contatto single benestanti alla ricerca del partner ideale. Il suo compito consisteva nel raccogliere informazioni dettagliate sui clienti e trovare la persona più compatibile con loro. In teoria si trattava di una professione molto pragmatica, basata su criteri misurabili come età, altezza, carriera e situazione economica.

Tuttavia, proprio quell’esperienza rivelò alla regista quanto l’amore e le relazioni siano difficili da ridurre a numeri. Song ha raccontato più volte che quei mesi le insegnarono moltissimo sulla natura umana. Osservando i suoi clienti capì quanto spesso le persone costruiscano un’idea astratta del partner perfetto, basata su aspettative sociali o culturali più che su un vero legame emotivo.

Da questa osservazione nasce il cuore narrativo di Materialists.

Il personaggio di Lucy e il mondo dei matchmaker di New York

Nel film, Dakota Johnson interpreta Lucy, una matchmaker di alto livello che lavora per una prestigiosa agenzia di New York. Lucy è estremamente competente nel suo lavoro e ha già aiutato numerosi clienti a trovare il partner ideale, portando a diversi matrimoni di successo.

Il suo metodo è però estremamente razionale. Lucy affronta le relazioni come se fossero un problema da risolvere con dati e statistiche. Quando incontra i clienti, li spinge a ragionare su parametri concreti: reddito, altezza, età, livello di istruzione. In sostanza, la compatibilità sentimentale viene trasformata in una sorta di algoritmo sociale.

Questo approccio riflette una realtà sempre più diffusa nella cultura contemporanea. Le app di incontri e i servizi di matchmaking spesso funzionano proprio così: le persone vengono abbinate in base a criteri che cercano di prevedere la compatibilità tra due individui.

Nel film, però, Lucy si trova presto a mettere in discussione il suo stesso metodo.

Il triangolo amoroso tra sicurezza economica e sentimento autentico

Il conflitto centrale della storia nasce quando Lucy si ritrova coinvolta in un triangolo sentimentale che mette alla prova tutte le sue convinzioni.

Da una parte c’è Harry, interpretato da Pedro Pascal. È un uomo ricco, affascinante e di grande successo. In termini di “mercato degli appuntamenti”, rappresenta praticamente il candidato perfetto: bello, alto, sicuro economicamente e socialmente rispettato.

Dall’altra parte c’è John, interpretato da Chris Evans. È l’ex fidanzato di Lucy, un aspirante attore che lavora come cameriere. Il loro rapporto era sincero e profondo, ma la relazione era finita proprio a causa delle difficoltà economiche e delle differenze di ambizione.

Lucy si trova quindi davanti a una scelta che rappresenta uno dei dilemmi più universali nelle relazioni umane: seguire la logica o seguire il cuore.

Attraverso questo triangolo, Celine Song mette in scena un conflitto molto contemporaneo. In un mondo in cui il successo economico e lo status sociale sembrano avere sempre più peso nelle relazioni, quanto spazio rimane per i sentimenti autentici?

Il tema del “mercato degli appuntamenti” e la pressione sociale

Uno degli aspetti più interessanti di Material Love riguarda la riflessione sul cosiddetto “dating market”, cioè il modo in cui le relazioni romantiche vengono influenzate da logiche di mercato.

Nel film, ad esempio, viene affrontato il tema degli standard fisici e sociali che determinano il valore percepito di una persona nel mondo degli appuntamenti. In una scena particolarmente significativa, Lucy e una collega discutono di un intervento chirurgico che permette agli uomini di aumentare la propria altezza.

Nel corso della storia si scopre che Harry ha effettivamente affrontato questo intervento, aggiungendo diversi centimetri alla sua statura. Dopo l’operazione, racconta, la sua vita sentimentale è cambiata radicalmente: improvvisamente molte più donne hanno iniziato a mostrarsi interessate a lui.

La scena può sembrare ironica o persino comica, ma per Celine Song rappresenta qualcosa di profondamente triste. Mostra infatti quanto le persone possano sentirsi costrette ad adattarsi a standard sociali per essere considerate desiderabili.

Un film che cerca di raccontare anche la vulnerabilità maschile

Un aspetto che la regista ha voluto sottolineare riguarda il modo in cui il sistema degli appuntamenti moderni colpisce anche gli uomini. Spesso le storie romantiche tendono a raccontare il punto di vista femminile, ma Song ha spiegato di voler mostrare come anche gli uomini possano essere schiacciati dalle aspettative sociali.

Nel film, il personaggio di Harry rappresenta proprio questo tipo di pressione. Nonostante il successo economico e la sicurezza apparente, anche lui ha dovuto trasformarsi per adattarsi agli standard richiesti dal mondo delle relazioni.

Secondo Song, questo dimostra che il problema non riguarda solo un genere. L’intero sistema delle relazioni contemporanee può diventare una forma di competizione in cui le persone si valutano reciprocamente come se fossero prodotti.

Il vero messaggio di Materialists: l’amore non è un algoritmo

Alla fine, però, il film non vuole essere un semplice ritratto cinico del mondo degli appuntamenti moderni. Al contrario, Celine Song cerca di ricordare che l’amore autentico non segue logiche razionali.

Nel corso della storia Lucy capisce progressivamente che nessuna formula matematica può prevedere la nascita di un vero legame emotivo. Le caratteristiche materiali che sembrano così importanti nella teoria – ricchezza, successo, aspetto fisico – perdono valore quando entrano in gioco i sentimenti.

Per questo motivo il film torna alla domanda centrale che attraversa tutta la filmografia della regista: quanto controllo abbiamo davvero sull’amore?

Secondo Song, la risposta è sorprendentemente semplice. Nonostante tutte le complicazioni della vita moderna, l’amore resta qualcosa che non può essere programmato o pianificato.

Quando accade davvero, semplicemente succede.

Continua la collaborazione tra Adler Entertainment e Dynit per portare sul grande schermo, con la collana Animagine, film d’animazione giapponesi mai arrivati nei nostri cinema. Ghost Cat Anzu è tratto dal manga Bakeneko Anzu-chan di Takashi Imashiro, ancora inedito in Italia, che si ispira alla mitologia tradizionale giapponese per creare un racconto di formazione arricchito di realismo magico.

La trama di Ghost Cat Anzu

Uno dei temi più ricorrenti nell’animazione giapponese è il lutto infantile, l’accettazione della perdita di una persona cara fin dall’infanzia. Lo abbiamo visto più volte, ad esempio, nelle opere dello Studio Ghibli, che sembra essere la principale ispirazione anche di questo film. La protagonista è Karin, una bambina di undici anni che ha perso la mamma, vive quindi con suo papà Tetsuya, non un genitore modello visto che è indebitato con degli strozzini. Quando suo padre, che vive in un tempio buddhista di una cittadina di campagna vicino a Tokyo, si rifiuta d’aiutare con un prestito di soldi suo figlio Tetsuya, il giovane uomo lascia Karin al tempio, promettendo di tornare per l’anniversario della morte della madre. La figlia si ritroverà quindi a trascorrere l’estate dal nonno paterno accompagnata da un gatto rosso enorme di 37 anni che parla e si comporta come un umano.

Questa misteriosa creatura si chiama Anzu, in origine era il gatto del nonno monaco, ma ora è troppo vecchio, troppo grosso e troppo simile ad un uomo. Cammina su due zampe, usa il cellulare, guida un motorino senza patente, lavora come massaggiatore e gioca anche d’azzardo. Anzu è amico di due ragazzi preadolescenti del posto e ma anche di alcuni yōkai come un enorme rana e un fungo umanoide. Karin è inizialmente triste della situazione, ma alla fine parte con Anzu per Tokyo quando suo padre non torna nel giorno stabilito. Nella capitale giapponese la protagonista inizialmente spera solo di visitare la tomba di sua madre, ma aiutata dal Dio della Povertà, lei e il gatto rosso andranno nella terra dei morti, attraverso un water, e scateneranno un uragano di conseguenze imprevedibili.

La sceneggiatura di Shinji Imaoka è episodica ma con un tema generale che è quello di una bambina che arriva a vivere in un posto nuovo e accetta la compagnia di un yōkai. Il nome preciso è bakeneko, che non è un fantasma, ma un tipo di spirito a forma di gatto che si solito è in possesso di abilità metamorfiche simili a quelle di kitsune e tanuki. Ancora una volta, troviamo quindi creature fantastiche del folklore giapponese, con un’ambientazione rurale e la stagione estiva come periodo di transizione per una preadolescente che sta crescendo. In questo film d’animazione non si vedono solo gli yōkai ma anche tanti demoni tutti colorati, che Karin, mentre ritroverà la madre defunta che cercherà di riportare sulla terra dei vivi, farà scappare dall’oltretomba creando diversi casini ma che alla fine si risolveranno grazie anche all’aiuto di Anzu e dei suoi amici spiriti.  

Un omaggio a Doraemon e non solo

Ghost Cat Anzu è realizzato dallo studio Shin-Ei Animation, conosciuto come uno dei principali studi di animazione del Giappone. Questo studio in passato ha collaborato alla realizzazione di serie famose come Doraemon e Crayon Shin-chan, questa società ha anche prodotto un gran numero di film d’animazione, tra cui quelli del giovane Hayao Miyazaki e di Isao Takahata. Il film è un’esperienza piacevole, con animazioni in rotoscopio, una tecnica non così comune negli anime, che crea movimenti ben eseguiti e intriganti. Ci sono molti tocchi comici basilari ma efficaci, c’è solo un problema principale è che la trama perde profondità a causa della sua natura aneddotica. Per concludere questo non è un grave se l’obiettivo è semplicemente quello di divertirsi guardando un film con per protagonisti una bambina e il suo insolito e strano enorme gatto parlante.