CLICCA QUI PER VEDERE IL VIDEO!

Channing Tatum, danzerino protagonista di Magic Mike, sorprende il suo pubblico con il suo esordio dietro alla macchina da presa, Dog. Talvolta il metodo per giudicare la riuscita di un lungometraggio deve essere quello di riconoscere l’intelligenza e la lucidità con cui è stato realizzato. Per alcuni progetti questo conta probabilmente anche più dell’originalità stessa.

Nel caso di attori celebri passati dietro la macchina da presa tale tentativo ha portato a risultati artistici in qualche caso addirittura eccellenti: basta pensare agli esempi di Robert Redford (Gente comune, In mezzo scorre il fiume, Quiz Show), Kevin Costner (Balla coi lupi, Terra di confine), Mel Gibson (Braveheart) o George Clooney (Good Night, and Good Luck, In amore niente regole). La stessa prospettiva può tranquillamente essere applicata a Dog, esordio di Channing Tatum come co-regista insieme al suo amico e storico produttore Reid Carolin.

Dog, la trama del film

La star si cuce addosso con indubitabile lungimiranza il ruolo dell’ex-soldato Jackson Briggs, dismesso a causa di una ferita alla testa in battaglia, il quale non riesce a ricostruirsi una vita al di fuori di quella militare. Una missione sul suolo americano però potrebbe riportarlo al fronte: gli viene infatti ordinato di portare il “war dog” Lulu, con cui ha passato molti momenti drammatici in missione, al funerale del sergente Rodriguez, morto in azione. Il viaggio in macchina servirà a Briggs non soltanto per riallacciare il rapporto con l’animale anche lui traumatizzato, ma soprattutto per tentare di rimettere insieme i pezzi di una vita al limite del baratro. 

Il pregio maggiore di Dog è quello di non spingere mai eccessivamente sul pedale del melodramma, anche se storia e personaggi messi in scena rappresentano l’America messa ai margini, quella di coloro che non hanno alcun vero futuro se non dentro la vita militare. Un tema che l’industria dell’entertainment americano ha affrontato in passato con notevole profondità, ma che negli ultimi tempi sembrava aver “dimenticato”. Il film di Tatum al contrario dipinge un ritratto umano complesso, costretto in una situazione economico-sociale che non sembra realmente lasciargli alternative se non quella di mettere in gioco la propria vita, in un modo o nell’altro.

Un road-drama-movie

L’impalcatura narrativa classica del road-movie viene dipanata dalla sceneggiatura grazie a un equilibrio tra dramma umano e momenti più leggeri molto ben concertato, che consente a Channing Tatum di esplorare molte delle sfaccettature del protagonista con più che discreta adesione psicofisica. E qui si nota, come scritto, l’acutezza con cui l’attore-regista ha costruito il suo film in modo da non andare mai a toccare corde capaci di esporre i limiti delle sue capacità di interprete: flirtando con il faceto anche quando i momenti sono invece più che seri, Tatum se la sbriga egregiamente attraverso una delle performance più riuscite della sua carriera, se non addirittura la migliore.

È ovviamente lui il cuore pulsante di Dog, lungometraggio che senza tentare di essere mai originale preferisce al contrario battere con solidità e sicurezza strade già percorse. Non succede nulla che non si possa prevedere con largo anticipo nel corso del film, ma questo non allenta la presa emotiva sullo spettatore. Al contrario forse proprio perché abbiamo visto tante volte al cinema una storia di questo tipo, sappiamo riconoscere la fattura di un prodotto che sa quali corde emotive toccare, e soprattutto comprende perfettamente come farlo.

Ogni volta che Dog rischia di scivolare nel melodrammatico, sceneggiatura e regia sanno condire gli eventi con un pizzico di realtà che li rende ancor più verosimili, tangibili e quindi emozionanti. A suo modo Dog è un film trattenuto, e per questo capace di scavare in profondità. Una sorpresa più che lieta che rilancia a nostro avviso la figura artistica di Channing Tatum dopo qualche anno di leggero appannamento.

”Ci sono quelli che obbediscono e quelli che dicono No”. Con Il male non esiste, il regista iraniano Mohammad Rasoulof ha voluto porre l’accento su un fardello che ancora oggi opprime il suo paese: la pena di morte. Il tema è affrontato non dal punto di vista dei condannati, ma da quello degli esecutori. Un grosso interrogatorio di carattere etico sta alla base del lungometraggio: chi, in un regime dispotico, è veramente libero di scegliere?

Il film conquista la critica internazionale: nel 2020 è premiato a Berlino con l’Orso d’Oro. Scopriamo insieme perché Il male non esiste merita di essere visto.

Il male non esiste racconta quattro storie e quattro dilemmi morali

Il male non esiste è un film diviso in quattro capitoli che ruotano attorno al medesimo tema: l’esecuzione capitale. Ogni storia mostra la vita di un uomo che, costretto dal governo iraniano ad uccidere i condannati a morte, si è trova costretto a scegliere se obbedire o meno, influenzando inevitabilmente la propria vita.

Heshmat è un marito e un padre buono e dedito alla famiglia, ma adombrato per il lavoro che deve eseguire ogni notte. Puoya è un ragazzo che deve svolgere il servizio militare. È tormentato da un ordine dei superiori che mette a dura prova la sua morale. Anche Javad sta svolgendo il servizio militare. Per avere tre giorni di permesso – vuole andare a trovare la propria fidanzata per il suo compleanno, deve svolgere un compito tutt’altro che semplice. Bharam invece è un medico interdetto che da vent’anni vive isolato dal mondo e conserva un segreto enorme.

Nessuna reale possibilità di scelta

Tutti e quattro i personaggi si trovano a dover affrontare le conseguenze delle proprie azioni: c’è chi ha scelto di uccidere e chi ha rifiutato, ma per tutti la vita è diventata un inferno.

Chi ha obbedito, o continua ad obbedire, vive dilaniato dai sensi di colpa che, inevitabilmente, invadono tutto il bello che li circonda. Heshmat ad esempio, sembra un uomo così buono, con i vicini di casa, la moglie, la madre malata, la figlia: vive di giorno un’esistenza lodevole, quasi per depurarsi dal gesto che è costretto a ripetere tutte le notti. In ogni caso, la catarsi non funziona granché: un’ombra lo accompagna giorno e notte, rendendolo cupo e distante in ogni situazione, anche le più gioiose.

Tra chi ha detto ”No” c’è Bharam. Era all’università, studiava medicina e aveva una fidanzata. Da quando ha fatto la sua scelta, il governo iraniano gli ha reso la vita impossibile: Bharam ha perso la sua famiglia e la sua professione ed è costretto a vivere come un clandestino. Non può nemmeno ottenere la patente o le cure di cui ha bisogno.

Per il modo in cui vengono affrontate le singole storie, Il male non esiste riesce a toccare profondamente anche chi non è inserito nella società iraniana. Il dilemma morale è ben esplicitato, in tutta la sua complessità. Il racconto quasi didascalico delle vite dei personaggi permette di osservare le conseguenze delle scelte di ognuno. Mohammad Rasoulof affronta il dilemma in modo documentaristico: non esprime un giudizio sulle scelte dei protagonisti, ma espone semplicemente quattro possibili, e plausibili, storie.

Delicatezza e brutalità sono forze che coesistono ne Il male non esiste

C’è tanta delicatezza nel modo di raccontare scelto da Mohammad Rasoulof. Le musiche di Amir Molookpuor sono incantevoli e suggestive. Ricordano vagamente le sinfonie di Ennio Morricone nei film di Tornatore o di Sergio Leone, struggenti e orecchiabili allo stesso tempo, ma soprattutto perfettamente allineate all’intensità emotiva di ogni scena.

Il regista de Il male non esiste lavora tantissimo con le emozioni. I dialoghi sono semplici e sinceri, come anche le scene di vita rappresentate. La finzione è impercettibile: il lavoro svolto con la costruzione del mondo finzionale è così precisa che non si riesce a cogliere, se non nella bellezza delle immagini. Gli scenari mostrati sono variegati, ma tutti ci dicono qualcosa dell’Iran: ne vediamo le città caotiche, i carceri, l’entroterra rigoglioso ed edenico e le colline più aride.

Alcune inquadrature sono di una potenza espressiva rara: il montaggio parallelo è denso di significati simbolici, necessari per dare il senso di una storia che si affida molto poco ai dialoghi. In sostanza, Mohammad Rasoulof, da abile regista, si affida alle immagini e alle emozioni per raccontare qualcosa di estremamente sentito per lui e per il suo paese. Inutile dire che il risultato è eccezionale.

La pena di morte in Iran

Il male non esiste mostra una piaga sociale dell’Iran. Il paese è il primo stato al mondo per il numero di esecuzioni capitali: sono oltre 250 quelle avvenute nel 2021. Probabilmente i numeri sono più alti: non tutte le esecuzioni vengono comunicate ufficialmente. I condannati sono tendenzialmente detenuti incolpati di omicidio o di reati di droga, ma negli ultimi anni le esecuzioni hanno coinvolto anche attivisti politici ed esponenti delle minoranze etniche. Chi viene ucciso è spesso torturato per confessare i reati commessi. Inoltre, i processi sono frettolosi e coinvolgono anche i minorenni.

In una società in cui i diritti umani sono totalmente trascurati, ad andare al patibolo non sono solo i condannati a morte, ma anche i cittadini costretti a svolgere le uccisioni a nome del governo. Con Il male non esiste si è invitati a toccare con mano un problema ancora sentito in alcuni paesi del mondo: il film mette a dura prova la morale e l’etica di chi vive in un paese libero.

Benvenuti in casa Esposito è il nuovo film del regista Gianluca Ansanelli che, dopo aver diretto i due lungometraggi All’ultima spiaggia (2012) e Troppo Napoletano (2016) e con una lunga carriera da sceneggiatore alle spalle (Si accettano miracoli, Omicidio all’italiana e Chi ha incastrato Babbo Natale?, tra gli altri) ritorna in cabina di regia ispirandosi direttamente all’omonimo romanzo di Pino Imperatore, che racconta le avventure tragicomiche di una famiglia camorrista. Il film è attualmente disponibile su Amazon Prime Video; nel cast Giovanni Esposito, Antonia Truppo, Francesco Di Leva, Nunzia Schiano, Salvatore Misticone.

Un racconto umoristico che si apre alla speranza

Tonino non è credibile nei panni del boss camorrista e non riesce a farsi rispettare, né dalla sua famiglia né da quelli sui quali dovrebbe comandare. Così alla morte di suo padre l’eredità di capozona del rione Sanità non passa a lui ma a don Pietro De Luca, che cerca di tenerlo alla larga il più possibile dai suoi affari. La vicenda si complica quando la figlia di Tonino si innamora del figlio di un magistrato, incaricato di indagare proprio sui traffici illeciti di don Pietro.

Proponendosi come uno spaccato umoristico e al contempo crudele della Napoli contemporanea, Benvenuti in Casa Esposito riesce a mettere in risalto le mille contraddizioni dell’ambiente urbano, senza mai chiudere la porta alla speranza di un futuro migliore.

La sceneggiatura del film riesce a cogliere la fluidità di scrittura di Imperatore, confezionando un’atmosfera da tarantella napoletana che vive di ironia arguta e mai banale, giocando con i luoghi comuni tipici dell'”essere simpaticamente napoletani”. Benvenuti in casa Esposito non pretende mai di infarcire il filo narrativo con sottotrame o messaggi impliciti: lo scopo primario è il beffarsi della quotidianità, efficace proprio perché resa da una prospettiva parziale, lucida, tangibile.

Pur notandosi ingenuità rispetto alla scrittura di Imperatore, e prendendosi qualche licenza nel trattamento della storia principale, Benvenuti in casa Esposito risulta un prodotto di intrattenimento che fa della grande comicità napoletana il proprio fine. Si ride di gusto delle vicende bizzarre che accompagnano quotidianamente i membri della famiglia, ci si emoziona assecondando un messaggio di speranza per una città che non è mai rispecchiata veramente dai cliché delle fiction nostrani, dall’imperversare delle brutte notizie, da chi vuole controllare la città ma non la sta realmente abitando.

Benvenuti in casa Esposito: le sfaccettature di una famiglia e dell’ambiente urbano

Con qualche strizzatina d’occhio a Totò e Troisi, è difficile rimanere indifferenti di fronte alla bravura di Giovanni Esposito, vero e proprio mattatore, ingenuo sciosciammocca, un boss totalmente inadeguato.

Giovanni Esposito è sicuramente una scelta di antieroe atipico per il cinema, con alle spalle una carriera di personaggi fortemente caratterizzati e di ruoli da non protagonista; questa prova attoriale, nello specifico, è da considerarsi il vero punto di luce del film, che riesce a convogliare la tenerezza e la goffaggine insite al personaggio, assieme all’intuizione che lo differenzia all’interno del nucleo familiare: Tonino scopre improvvisamente che c’è un’altra strada che nessuno gli aveva mostrato prima. Gli avevano dato un binocolo che mostrava solo la strada impervia della camorra e della criminalità, ma si accorge invece che c’è un posto in cui c’è spazio per la bontà del suo animo.

Il conflitto non è mai uniforme in Benvenuti in casa Esposito, così come non lo è la cosiddetta “buona famiglia”, al cui interno emergono differenti psicologie. Abbiamo la figlia di Tonino che mira a una precisa direzione, verso cui l’istruzione riveste una funzione salvifica e, dall’altra parte, ci sono i suoceri che, come molti napoletani, vivono la condizione di gente comune assuefatta a una situazione che devono (o vogliono) accettare così com’è. Il resto della famiglia sta nel mezzo: la moglie Patrizia, la suocera Assunta e il marito sono indolenti, accettano la vita così com’è, dato che è Tonino  quello che porta i soldi a casa; non sono criminali, ma non sono neanche buoni fino in fondo. Le divergenze si creano all’interno della stessa famiglia e sarà proprio questa commistione a condurre ad una scelta: alla fine, quello che conta è che il livello di istruzione della ragazza e la sua capacità di andare oltre sono così forti da portare anche il padre lontano.

E’ da questo comico e improbabile sodalizio che nascono gli episodi più esilaranti del film, per mettere alla berlina gli aspetti più cafoni e ridicoli della criminalità. Benvenuti in casa Esposito non riesce mai effettivamente a porsi sullo stesso livello del romanzo da cui è tratto, che è stato un vero e proprio caso letterario, scalando le classifiche grazie al passaparola e all’entusiasmo dei lettori di tutta Italia, nonché adottato da scuole, istituzioni pubbliche, associazioni antimafia, comitati civici e gruppi che si battono per la Legalità. L’intento della pellicola è altresì quello di divertire, consolidare un ulteriore tassello della commedia all’italiane, di quelle che riempiono le sale per le feste natalizie, con le imbranataggini e le avventure tragicomiche di Tonino Esposito.

A distanza di 10 anni dall’uscita di Dracula 3D, il Maestro del Brivido Dario Argento torna a occupare le sale cinematografiche con il suo Occhiali Neri. Presentato in anteprima al festival di Berlino, il film vede come protagonisti Ilenia Pastorelli, Asia Argento e il giovanissimo Xinyu Zhang.

Occhiali neri: il ritorno di Argento a una tradizione più tenera

Un assassino seriale di prostitute colpisce a Roma strangolando le sue vittime con una corda per violoncello. Quando il killer attacca Diana (Ilenia Pastorelli), prostituta di lusso, l’omicidio fallisce ma la donna si ritrova a subire un incidente che la priverà della vista per sempre. Rita (Asia Argento), una volontaria conosciuta presso una comunità di non vedenti, la aiuta ad ambientarsi nella sua nuova vita. Nel frattempo, la polizia indaga per fermare l’assassino.

Con Occhiali Neri, Dario Argento torna a proporre nelle sale italiane un thriller all’italiana, caratterizzato da specificità registiche e impostazioni narrative a cui lo spettatore odierno non è più abituato: una trama semplice e che avanza logicamente, secondo la risoluzione di indizi ben individuabili ma incorniciati da una traccia sonora penetrante, che cerca di sovrastare l’impianto caricaturale della recitazione.

Secondo tecniche attoriali ben affinate nella scuola horror anni ’70/’80, il fulcro di un giallo vecchio stampo è da ricercare nella presenza attoriale, che ben distingue i personaggi principali dai comprimari; Ilenia Pastorelli è abile nell’inquadrare l’esuberanza di una donna abituata ad abitare gli spazi in maniera maestosa ed accattivante, e che ora dovrà imparare nuovamente a vivere, sorretta dall’affetto e astuzia di una figura fondamentale: il piccolo Chin. Vittima quasi inconsapevole ed intonsa dello stesso incidente che ha avuto conseguenze nefaste per Diana, l’innocenza e la tenerezza del bambino si riveleranno carte fondamentali per l’apertura narrativa del Maestro a sottotrame mai da lui esplorate: la risolutezza di un duo improbabile diviene linfa vitale nell’ottica di uno sviluppo narrativo ancorato a una grammatica della macchina da presa che, altrimenti, faticherebbe non poco a procedere col minutaggio.

Occhiali neri: un eclissi di modernità ma dalle intenzioni chiare

Dove Occhiali Neri dà il meglio di sé è nella messa in scena delle oscure atmosfere urbane che Dario Argento ha sempre saputo ritrarre perfettamente: il regista cattura egregiamente le sembianze di una Roma minacciosa, vuota e in parziale rovina, in attesa che un altro corpo cada a terra. La città viene sovrastata da un’eclissi perenne, vittima degli occhi di Diana che non vedono più allo stesso modo, o forse non hanno mai visto realmente, oscurati da un distanziamento individuale che la protagonista assume nella prima parte del girato.

Siamo di fronte a un’idea di giallo horror più minimalista e conflittuale piuttosto che formalmente feticista, che non mira tanto ad adattarsi alla contemporaneità del genere, piuttosto ad offrire un taglio inedito all’ultima parte di filmografia del Maestro, aperto a uno sguardo forse più indulgente nei confronti della complessità psicologica dell’essere umano (come dovrebbe confermare la prossima prova attoriale del regista nel nuovo film di Gaspar Noè, Vortex). Questo non si traduce nel tipo di regia goffa e impacciata che in tanti temevano, e che è spesso preponderante nelle “ultime opere” dei registi maestri: non siamo di fronte a una regia particolarmente notevole che, tuttavia, mostra qualche guizzo specialmente durante le scene d’azione e uccisione, piuttosto raccapriccianti.

Per scelta narrativa e stilistica, la mano di Dario Argento va in Occhiali Neri a toccare il cuore di una tenere ma poderosa alleanza: l’orrore risiede nel contrasto tra la gentilezza casuale ma significativa di Diana e del suo nuovo amico, contrapposta all’impulso distruttivo di un killer stereotipato, retaggio di una sincerità registica ormai obsoleta, che vive dei contrasti dicotomici tra i personaggio. Prevedibile nel suo svolgimento e nel trattamento delle sue pedine-personaggio, la posta in gioco è tanto più intimamente sentita quanto più la cinepresa si contorce attorno a Diana e a Chin, avviluppandoli nei meandri di una mente registica che forse ha perso la veracità di una volta, ma vuole continuare a fare cinema.

E’ la colonna sonora di Arnaud Rebotini a sancire ogni passaggio fondamentale della trama di Occhiali Neri, sempre nell’ottica di rimodellamento del thriller all’italiana tra le mani di Dario Argento, per non lasciare sfuggire personaggi e azioni dal controllo registico. Accettando implicitamente lo schema maestro-burattini, pur con maggior parvenza di autonomia in quest’ultimo film del Maestro, lo sguardo dello spettatore dovrà fluire assieme alle sonorità lugubri e affilate di Rebotini, alla scrittura innocua e logica di Argento e agli occhi di Daria, attrice di un dramma mai veramente scandagliato nella sua interiorità e che si sostanzia nella tradizione.