Arriva al cinema Guarda chi si vede, il nuovo film di Riccardo Camilli. Il regista lavora da anni sia come montatore, che come direttore di corto e lungometraggi, ma è approdato alle sale solo col suo precedente lavoro, Peggio per me, distinguendosi per una commedia intelligente, dai giusti tempi comici, mai sguaiata, che anzi affronta con delicatezza temi anche profondi, e con un fondo di malinconia.

Nel precedente film, Camilli aveva raccontato un uomo a confronto con un sé bambino, che lo spronava a riprendersi la vita, a tornare capace di sognare, reinventarsi e cambiare, riflettendo su una generazione, la propria, forse poco coraggiosa. Qui, invece, il regista si rapporta all’idea della perdita, del lutto provocato non da una tragica fatalità, o almeno non solo, ma bensì da un’assenza delle istituzioni, da uno Stato che non si prende cura delle proprie infrastrutture, come dei cittadini che le utilizzano, lasciando tutto al caso, ovvero a un deterioramento inevitabile. Già selezionato in diversi festival in giro per l’Italia – Festival della Commedia, Film and Music Ischia Global Fest, Festival del Cinema di Castel Volturno, solo per citarne alcuni – il film arriva ora a un pubblico più vasto.

Guarda chi si vede – la trama

Claudia, Gioia Vicari, fa la commessa in un negozio ed ha una figlia diciottenne, Nina, Alessia De Mattia. Entrambe convivono da tre anni con l’angoscia della perdita di Marco, Riccardo Camilli, quarantenne con la passione per la musica rock e un negozio di dischi, marito di Claudia e padre di Nina, morto nel crollo di un ponte vicino ad Ancona, mentre andava a una fiera a vendere i suoi amati vinili. Oltre alla mancanza, a rendere difficile voltare pagina, c’è il senso di colpa. Così Claudia e Nina si tengono lontane dalle relazioni, ma anche chi sta loro intorno sembra avere più di un problema in questo senso.

Katia, Tania Angelosanto, sorella di Claudia, sceglie da anni gli uomini sbagliati, come Fabrizio, Claudio Camilli. Martina, Claudia Salvatore, inseparabile amica di Claudia, ha molti dubbi sulla sua attuale relazione. Tutti, però, incoraggiano Claudia a ricominciare a vivere. Lei invece, vorrebbe tanto poter rivedere Marco e parlargli. Così tanto, che una sera Marco le appare, come un fantasma, ma in carne ed ossa. Da allora, inizia a farle compagnia nei momenti più disparati, visto, ovviamente, solo da lei. Quando la donna viene contattata da una giornalista tv che vuole solo speculare sul suo dolore, a tre anni dalla morte di Marco, Claudia incontra Alessandro, Angelo Orlando. Che sia lui l’uomo giusto con cui voltare pagina?

Guarda chi si vede, un film per chi resta

 “A me la morte fa una gran paura. Si lasciano troppi sorrisi, troppe mani, troppi occhi. ” Con questa citazione di Augusto Daolio si apre Guarda chi si vede, un film all’insegna dell’amore per la musica – il defunto Marco ha un negozio di vinili ed ha trasmesso a sua figlia tutta la  sua passione per il rock – e per la vita, dedicato dal regista a chi resta, dopo tragedie come quella racontata qui. L’idea centrale del film è interessante e il regista riesce a rendere tangibile la paura di chi rimane. L’idea che ci si senta in colpa ad essere felici, come riesce a veicolare il concetto del carpe diem, dell’attimo di gioia da non sprecare perchè il futuro è incerto.

Non per niente, il film ha preso corpo tra un disastro come quello del ponte Morandi, da cui, dice il regista, è partita la prima scintilla della sceneggiatura, e la pandemia – le riprese si sono concluse a settembre 2020. Il film sa coniugare leggerezza e temi seri, viaggia sul filo della malinconia, ma non insiste nel dramma, anzi lo stempera nell’ironia e in un racconto sincero della quotidianità. In questo Camilli si conferma abile. Allo stesso modo è vincente la scelta di tenere lontano il discorso politico e concentrarsi sulle vite dei personaggi, sul loro mondo relazionale ed emotivo. 

Camilli, oltre che regista e attore nel ruolo di Marco, è anche autore del soggetto, della sceneggiatura e del montaggio. La sceneggiatura è forse meno incisiva che nel precedente lavoro, anche a livello di dialoghi, con un risvolto di trama nel rapporto fra Martina e Claudia che non sembra trovare un’adeguata collocazione nell’economia del film. A funzionare sempre, invece è l’elemento di fantasia, di immaginazione che irrompe, presente anche in Peggio per me, che sembra essere diventato un po’ la firma del regista. 

Il cast di Guarda chi si vede

Il cast di Guarda chi si vede è molto vario, con attori esordienti e altri con maggiore esperienza. La protagonista, Gioia Vicari, all’esordio, ha una resa un po’ diseguale, spesso convincente, a volte un po’ impacciata. L’altra esordiente, Alessia De Mattia, intepreta bene Nina. Angelo Orlando è il nome più noto del cast. Regista, sceneggiatore, attore, ha lavorato con Fellini, Monicelli, Troisi, col quale ha vinto un David di Donatello come Miglior attore non protagonista per Pensavo fosse amore… invece era un calesse.

È anche autore di pellicole di culto come L’anno prossimo vado a letto alle dieci e Barbara. Qui interpreta con efficacia il ruolo di Alessandro, colui che farà battere di nuovo il cuore di Claudia dopo tanto tempo. Tania Angelosanto sa dare stravaganza e carattere alla sua Katia. Il bravo Matteo Quinzi – sta per uscire anche con Giulia di Ciro De Caro – è invece Simone, amico di Claudia dai tempi della scuola e da sempre innamorato di lei. C’è anche molta famiglia Camilli in Guarda chi si vede, compresi i genitori del regista. Suo padre, Rolando Camilli, è Alberto, il padre di Marco . Mentre suo fratello, Claudio Camilli – Boris – Stagione 4, I Predatori, Ghiaccio – dimostra ancora una volta le sue capacità attoriali, pur avendo un ruolo marginale. 

Con Guarda chi si vede Camilli continua il proprio percorso nella commedia, attingendo al quotidiano con garbo e intelligenza. Il film è una produzione orgogliosamente indipendente. Girato tra dicembre 2019 a settembre 2020, anche con il contributo del crowdfunding, è prodotto da Riccardo Camilli e McFly e distribuito da Distribuzione Indipendente. In sala dal 16 al 20 febbraio a Roma.

Marry me – Sposami è il nuovo film della newyorkese Kat Coiro, con protagonisti Jennifer Lopez e Owen Wilson. La regista ha all’attivo sei episodi di She Hulk d’imminente uscita su Disney+, le puntate pilota (e non solo) di diverse serie tv, tra cui Modern Family e Shameless, e tre lungometraggi presentati per tre anni di fila al Tribeca Film Festival: di questi, And while we are here del 2012, girato interamente a Ischia. Una carriera piuttosto prolifica, dunque, e per lo più orientata verso storie sentimentali o, comunque, dove senza dubbio l’emotività la fa da padrone, in maniera più o meno gestita.

Marry me – Sposami, la trama

Marry me – Sposami è tratto da un romanzo a fumetti dello scrittore Bobby Crosby, che l’aveva pubblicato la bellezza di quindici anni fa e che già poco tempo dopo sembra che avesse ricevuto fior di proposte per una trasposizione su grande schermo. Perché, a volerla dire tutta, la graphic novel si prestava perfettamente alla traduzione in immagini filmiche, per un motivo ben preciso. Proprio secondo le parole del suo stesso creatore, infatti, Marry me è fortemente influenzato da quella dolcezza di film diretto nel 1999 dal compianto Roger Michel: Notting Hill. E non ci vuole gran sforzo per scorgerlo dalla trama e, forse, solo da quella.

Kat Valdez (Jennifer Lopez) e Bastian (il cantante colombiano Maluma al suo debutto cinematografico) sono una delle coppie di cantanti più famose del mondo: belli, glamour, tamarri al punto giusto, ricchi sfondati, e che hanno deciso di sposarsi in diretta planetaria durante un loro concerto sulle note della loro hit Marry me. Se non che, proprio pochi attimi prima della performance nuziale, la povera e indiamantata Kat scopre che Bastian l’ha tradita tramite un video pubblicato in quell’istante su un social network.

Così inizia l’avvincente – e molto prevedibile – rivoluzione nella vita della protagonista perché, proprio in quel momento, ritta in piedi con un abito carico di tessuti dorati e gemme luccicanti, decide di sposare uno del pubblico (Owen Wilson) che stringe in mano un cartello con scritto “marry me”, appunto. Quel qualcuno è niente meno che un professore di matematica, divorziato, con una figlioletta dodicenne distaccata, fragile ma, all’occorrenza, matura e consapevole di ciò che muove l’animo umano.

Un monumento a Jennifer Lopez

Marry me – Sposami, prodotto, tra gli altri, dalla stessa Jennifer Lopez, tenta di essere una rom-com con accenni di saggezza e riflessioni sull’amore e la vita di coppia, ma scivola di continuo o, ad essere precisi, segue con una rigidità maniacale ciò che probabilmente sarà sul serio una giornata tipo della cantante latina. La scrittura stessa dei personaggi e delle loro interazioni è sviluppata con superficialità, in maniera sbrigativa, per portare a casa, più che altro, un massiccio carico di sex appeal – per quanto indiscusso, per carità.

Il professor Charlie Gilbert (Owen Wilson) accetta di buon grado ogni mossa di tutti i personaggi femminili che gli ruotano attorno con accondiscendenza, anche quando tenta di contrastarli verbalmente. Ciò che sicuramente funziona, se non altro, è la leggerezza unita alla totale assenza d’impegno con cui vengono affrontati i vari sviluppi della storia e annessi ragionamenti dei personaggi. Il vero problema, però, è che le implicazioni a monte raccontano faccende ben più gravose che la vita ha loro imposto, e che quindi li fanno sembrare degli adolescenti superficiali, se non ridicoli.

Il tema di fondo è chiaramente spinto sulla fantasia di una vita lontana dai riflettori e da internet, sommata alla possibilità di integrarla con lo stile tecnologicamente preistorico del professor Gilbert, ma non attecchisce, risulta forzato. E alla fine è soprattutto la maturità professionale della Lopez ad invadere poderosamente il campo, quasi a voler raccontare un po’ a se stessa stralci della sua vita reale. Ma gettando ombra su tutto, anche sulla credibilità del racconto.

In uscita nelle sale italiane il 24 febbraio 2022, L’accusa è un film del regista francese Yvan Attal, presentato per la prima volta fuori concorso a Venezia 78. Tratto dall’omonimo romanzo di successo della scrittrice Karine Tuil, il film è interpretato, tra gli altri, da Ben Attal, Suzanne Jouannet, Charlotte Gainsbourg, Pierre Arditi, Mathieu Kassovitz, Benjamin Lavernhe, Audrey Dana e Judith Chemla.

L’accusa: un solido dramma personale e sociale

Dopo le svariate incursioni di Attal nella commedia francese, tra cui ricordiamo il suo ultimo film di successo, Mon Chien Stupide (2019), il regista abbandona la sua comfort zone per la sua settima fatica autoriale, intraprendendo un’esperienza totalmente opposta: il dramma procedurale vecchio stile (che gli permette di rendere omaggio a Sydney Lumet) con un soggetto tanto delicato quanto furiosamente attuale.

I Farel sono una super-coppia: Jean è un importante opinionista francese e sua moglie Claire una saggista, nota per il suo femminismo radicale. Hanno un figlio modello, Alexandre, che frequenta una prestigiosa università americana. Durante una breve visita a Parigi, Alexandre conosce Mila, figlia dell’amante della madre, e la invita a una festa. Il giorno dopo, Mila sporge denuncia contro Alexandre con l’accusa di stupro, distruggendo l’armonia familiare e mettendo in moto un’inestricabile macchina mediatico-giudiziaria che presenterà verità opposte.

La trama del film L’accusa naviga sostanzialmente attorno al campo semantico del dubbio e ai danni collaterali che esso implica (anche se ci rendiamo presto conto che nei fatti non ve n’è nessuno), tanto in una storia solidamente strutturata (con intricati giochi verbali, soprattutto nell’ultimo atto), quanto in una coreografia di interpretazioni veramente grandiose (citando tanto il team di avvocati Judith Chemla/Benjamin Lavernhe, quanto la nuova arrivata Suzanne Jouannet).

Il nuovo lungometraggio di Yvan Attal trova i suoi punti di forza nella rappresentazione del furore giudiziario e mediatico dell’epoca post MeToo, soffermandosi sul modo in cui la società percepisce e giudica un simile caso di cronaca, nell’ottica imperante di pregiudizi collettivi che conducono a giudizi soggettivi, spesso fuorvianti. Diviso in tre capitoli distinti – il punto di vista di Alexandre, quello di Mila e quello del processo – il film, che non è così lontano dal recente ed eccellente La ragazza con il braccialetto di Stéphane Demoustier, è tanto una sincera apertura al dibattito su questioni sociali cruciali, quanto una messa in discussione frontale della responsabilità dei genitori nell’educazione e delle ripercussioni del loro comportamento sulla loro prole.

L’accusa: processo alle intenzioni in un tribunale collettivo

E se questa storia apparentemente chiara fosse in realtà molto più complessa di quanto appare? E se sollevasse molte domande essenziali su certi stili di vita e comportamenti?
Con il suo processo a tre gironi, Attal solleva – come nel romanzo di Tuil – la questione del consenso, del posizionamento sociale nelle relazioni umane, della comunicazione, dell’appropriazione del corpo altrui, del tribunale di Twitter, della giustizia in senso lato. Questioni quanto mai umane, lungi dal ricercare risposte univoche, sono al centro di un film come L’accusa, che descrive un caso in modo esaustivo, senza esprimere alcun giudizio, proponendosi di scrutare gli aspetti più nefasti e talvolta anche inquietanti di un sistema estremamente fallace, che trascina tutti i suoi protagonisti allo stesso tempo in un meccanismo terribilmente distruttivo e spazzando tutte queste prospettive attraverso l’insieme dei riferimenti.

Fotogrammi – quasi assimilabili a spettrogrammi – selezionati per esprimere al meglio le argomentazioni di entrambe le parti rimodellano l’andamento ritmico della pellicola, con un’ellissi di 30 mesi tra le prime due che permette finalmente di affrontare il processo, lasciando da parte il sensazionalismo per tentare di penetrare il fattuale. Si dà quindi ampio respiro all’indecenza dell’esposizione di fantasie e pulsioni, al ruolo del caso, alla facoltà di dissentire all’influenza degli eventi passati, al potenziale di vendetta o di manipolazione, alla capacità di chiedere perdono o di perdonare, tematiche che vengono messe in discussione nel dettaglio.

L’accusa è un’immersione realistica e senza filtri nel bozzolo lussuoso ed egocentrico della borghesia parigina e, più direttamente, nella sfera dei media; il film è un’opera tragica e meticolosa sui mali della società contemporanea (la violenza sulle donne spesso impunita, la tossicità dello sguardo monolitico maschile, l’abuso di potere da parte dei privilegiati, l’eredità post #MeToo, la sessualità oggi, l’eccessiva giurisdizione pubblica dei social network…). Uno studio sociale catturato attraverso il prisma di un ritratto familiare gradualmente terrificante, dove una prole viziata e detestabile – come il suo progenitore – ha una nozione profondamente dubbia di consenso, frutto di una convivenza/educazione di un padre il cui comportamento profondamente tossico con le donne non è mai stato veramente messo in discussione da nessuno – meno che mai da lui stesso.