Il finale del thriller poliziesco basato su una storia vera The Order mostra la fine di Bob Matthews, il leader del gruppo terroristico neonazista che dà il titolo al film. Jude Law e Nicholas Hoult guidano il talentuoso cast di The Order, che vede anche la partecipazione di Tye Sheridan (X-Men: Apocalypse) e Marc Maron (Joker). Law interpreta l’agente dell’FBI Terry Husk che, con l’aiuto di un ambizioso poliziotto di campagna di nome Jamie Bowen (Sheridan), scopre una serie di atti terroristici collegati tra loro durante la metà degli anni ’80 nella regione del Pacifico nord-occidentale degli Stati Uniti. The Order ha ricevuto recensioni positive, ottenendo un punteggio dell’89% su Rotten Tomatoes.

Come indicato nei titoli di testa del film, The Order è basato su una storia vera, già raccontata nel libro del 1990 The Silent Brotherhood di Gary Gerhardt e Kevin Flynn. Justin Kurzel (Macbeth) ha diretto il film basato su una sceneggiatura adattata scritta dal candidato all’Oscar Zach Baylin (King Richard). Mentre Bob Matthews, interpretato da Hoult, continua la sua serie di atti di terrorismo interno rapinando banche e facendo esplodere sinagoghe, Husk, interpretato da Law, e l’FBI si avvicinano a lui dopo aver identificato Tony Torres. Torres era il membro della Aryan Brotherhood che aveva acquistato le armi per una rapina a un furgone blindato della Brink’s, durante la quale Matthews e i suoi complici avevano rubato 3,6 milioni di dollari.

Perché Terry e Bob non si sparano a vicenda nella casa in fiamme

Uno degli aspetti più sorprendenti del finale di The Order è il motivo per cui Terry corre nella casa in fiamme per affrontare Bob faccia a faccia. Ancora più sorprendente è il fatto che Terry, pur avendo la possibilità di sparargli, non lo fa. Lo stesso vale per Bob, che in tre diverse occasioni nel corso del film decide di non uccidere Terry.

Mentre le fiamme bruciano il rifugio di Bob a causa dei razzi lanciati dalla squadra SWAT, Bob chiude la porta ed entra nella vasca da bagno con una maschera antigas, dove alla fine muore. Sembra esserci uno strano legame tacito tra Terry e Bob che impedisce a entrambi di spararsi. Terry finisce per sparare dopo che Bob ha chiuso la porta, ma scappa dalla casa per salvarsi, lasciando Bob a bruciare.

Il piano anarchico in sei fasi di Bob Matthew

Matthew adotta il piano in sei fasi per la rivoluzione introdotto nel romanzo vietato The Turner Diaries, scritto nel 1978 dal nazionalista bianco William Luther Pierce. Dopo aver attuato la fase 5 ordinando l’assassinio di un conduttore radiofonico ebreo di Denver di nome Alan Burg, Matthews voleva passare alla fase finale, che era una rivoluzione armata contro il governo degli Stati Uniti. Nel rifugio sicuro, scrisse un manifesto intitolato “A Declaration of War” (Una dichiarazione di guerra) che intendeva inviare al Congresso degli Stati Uniti, nonostante il fatto che il numero dei membri della sua organizzazione fosse in calo. È chiaro che la visione di Matthews non era in linea con la realtà.

Come Torres è uscito di prigione – Bob gli ha creduto?

L’FBI è riuscita a identificare Tony Torres, un membro dell’Aryan Brotherhood di origini messicane. Torres ha usato il suo vero nome per acquistare decine di armi da fuoco e munizioni per la rapina al furgone della Brink’s da parte di Matthews. Una di quelle armi da fuoco è stata lasciata sulla scena del crimine, ed è così che Husk e la sua squadra sono riusciti a trovare e arrestare Torres.

Terry interroga Torres e alla fine lo fa crollare in una cella di detenzione. Torres chiama un numero di telefono che gli fornisce risorse per la fuga, che lo ricondurrà da Bob. Torres dice a Bob, in modo poco convincente, che non ha detto nulla all’FBI sulla rapina o sull’omicidio di Alan Burg. Bob dice a Torres che può fidarsi di lui, ma è chiaro che tornerà nella sua stanza di motel per ucciderlo quando Terry arriverà con l’FBI.

Terry si sente in colpa per la morte di Jamie?

Jamie muore tragicamente dopo essere stato ucciso da Bob durante un inseguimento della polizia. Invece di avvicinarsi a Bob, Terry va da Jamie per stargli vicino mentre muore. Dopo la morte di Jamie, Terry si pulisce immediatamente il sangue dalle mani con della ghiaia polverosa. Terry è un agente dell’FBI esperto e segnato dalla vita, che evidentemente non è così devastato dalla morte di Jamie come lo sarebbe una persona normale.

All’inizio del film, Terry racconta a Jamie di una donna che ha convinto a indossare un microfono mentre si infiltrava in una temuta famiglia criminale di New York. Quella donna è stata brutalmente assassinata. Jamie chiede a Terry perché gli ha raccontato quella storia, ignaro di come sarebbe stata una inquietante premonizione di come Terry avrebbe condotto Jamie alla morte. Terry avrebbe potuto proteggere Jamie e dirgli di ritirarsi e lasciare il caso all’FBI, ma non l’ha fatto.

Chi ha ucciso Alan Burg

Matthews ha tecnicamente ucciso Alan Burg, il conduttore radiofonico ebreo di Denver, ordinando il suo assassinio come fase 5 del suo piano generale. In realtà, Bruce Pierce, un membro della Aryan Brotherhood che lavorava per Matthews, è stato identificato come l’esecutore materiale.

David Lane, un altro membro del gruppo di odio, è stato identificato come l’autista dell’auto in fuga. Secondo la Jewish Telegraphic Agency, “I pubblici ministeri hanno sostenuto durante tutto il processo che Pierce era l’esecutore materiale dell’omicidio del giugno 1984 e che Lane guidava l’auto in fuga”. Sono stati condannati all’ergastolo nel 1987. Pierce è morto in prigione nel 2010.

Perché il naso di Terry continua a sanguinare

Terry ha frequenti emorragie nasali in tutto il film The Order quando è particolarmente agitato per la situazione in cui si trova. Dopo essere stato quasi ucciso da Bob durante una rapina in banca, Terry ha un’emorragia nasale in un bar mentre cerca di controllare le sue comprensibili emozioni. Il suo naso sanguina di nuovo mentre intimidisce fisicamente Torres nella sua cella. Terry attribuisce le frequenti emorragie nasali ai farmaci che assume. Probabilmente si tratta di farmaci per l’ipertensione, l’ansia, il disturbo da stress post-traumatico o qualcosa di simile, data la sua professione.

La spiegazione del significato del libro “The Turner Diaries”

Come spiegato prima dei titoli di coda di The Order, The Turner Diaries è un romanzo vietato che ha tracciato un piano per diversi atti di terrorismo interno, dagli attentati di Unabomber all’insurrezione del 6 gennaio 2021. Matthews lo ha anche utilizzato come struttura per The Order e aveva in programma di assassinare Henry Kissinger, l’ex Segretario di Stato degli Stati Uniti. Il romanzo segue un gruppo di suprematisti bianchi che pianificano di rovesciare il governo degli Stati Uniti. Matthews aveva chiaramente interpretato il romanzo in modo letterale, che era stato anche diffuso come dottrina della Aryan Brotherhood dal neonazista Richard Butler.

Il vero significato del finale di The Order

Terry Husk è chiaramente dalla parte giusta della storia e della legge in The Order, ma è un protagonista profondamente tormentato, molto più di quanto mostri il film. La vera svolta nel suo personaggio è vederlo reagire alla morte di Jamie, che affronta in modo piuttosto insensibile, senza grande shock o emozione. Terry poi va da sua moglie, che gli dice di aver paura di lui nonostante il distintivo, e non riesce nemmeno a trovare la forza di darle la notizia. Sebbene la storia parli del potere distruttivo dell’odio, Terry non è certo un santo.

Terry cerca di fuggire dal suo passato andando in Idaho, ma non riesce a sfuggirgli. Cerca di integrarsi andando a caccia, puntando due volte un alce con il fucile, ma non riesce a sparare. Questo implica che c’è del buono in Terry e che non è un assassino per natura, ma uno che è stato condizionato a uccidere dal suo lavoro. L’alce rappresenta in un certo senso anche Terry stesso, soprattutto attraverso gli occhi di Bob, che non uccide Terry nonostante abbia tre occasioni per farlo.

Probabilmente Bob non uccide Terry perché vede in lui qualcosa che vede anche negli uomini distrutti che ha reclutato nella sua confraternita. In alternativa, Bob potrebbe rispettare il fatto che Terry abbia dedicato completamente la sua vita a una causa, anche se è dalla parte opposta. Bob sembra troppo affascinato dalla contraddizione vivente che è Terry per premere il grilletto in The Order.

In The Order, il nuovo elettrizzante film del regista Justin Kurzel, Terry Husk, un veterano dell’FBI dall’aspetto stravolto e posseduto interpretato da Jude Law, studia attentamente un sottile libro tascabile con la copertina rosso sangue, sfogliando diagrammi di omicidi mirati, attentati dinamitardi e un patibolo eretto davanti al Campidoglio degli Stati Uniti.

“Ci sono sei passaggi in quel libro”, dice un giovane sceriffo che gli fa da assistente, interpretato da Tye Sheridan. Mentre sfoglia il libro con gli occhi incollati sulle pagine, ne riassume il contenuto.

Il libro è The Turner Diaries, un romanzo del 1978 che descrive il violento rovesciamento del governo americano da parte di ribelli armati sostenitori della supremazia bianca e lo sterminio delle persone di colore e degli ebrei in una guerra razziale. Pagine fotocopiate del libro sono state trovate nell’auto in cui fuggiva Timothy McVeigh, l’attentatore di Oklahoma City, quando è stato arrestato dalle forze dell’ordine.

Insieme a Husk e Bob Mathews, il fondatore di un gruppo guerrigliero clandestino di suprematisti bianchi che contraffaceva denaro e rapinava banche e furgoni blindati, interpretato da Nicholas Hoult, The Turner Diaries è il terzo personaggio principale di The Order (la nostra recensione) . Sebbene Mathews avesse formalmente chiamato il suo gruppo Silent Brotherhood (Confraternita Silenziosa) e affermasse di essersi ispirato solo in minima parte al romanzo incendiario di William Luther Pierce, lui e i suoi compagni chiamavano il loro gruppo “The Order”, lo stesso termine usato nel libro per indicare i militanti genocidi protagonisti della storia.

La copertina cremisi del libro e i disegni raccapriccianti riaffiorano più volte. Mathews ne legge alcuni brani al figlio prima di andare a dormire; un pastore di un complesso neonazista nell’Idaho lo offre agli agenti delle forze dell’ordine in visita; e finisce nelle mani degli agenti dell’FBI che cercano disperatamente di pianificare le prossime mosse dei ribelli.

Il libro The Turner Diaries

The Order porta alla luce un capitolo cruciale della storia dell’estrema destra americana, in gran parte dimenticato dal grande pubblico. L’omicidio del conduttore radiofonico ebreo Alan Berg nel 1984 da parte di due seguaci di Mathews portò l’Ordine all’attenzione nazionale 40 anni fa e ispirò non uno, ma ben due film hollywoodiani in quel decennio: Betrayed e Talk Radio di Oliver Stone. Da allora, però, solo gli osservatori attenti alla cultura delle gang carcerarie e degli skinhead hanno avuto motivo di seguire le menzioni della Silent Brotherhood da parte dei killer drogati dell’Aryan Brotherhood o il pellegrinaggio annuale del “Martyrs Day” degli Hammerskins da tutta la costa occidentale a Whidbey Island, nel Puget Sound, dove Mathews ha trovato la morte in una sparatoria con l’FBI.

Ora, mentre il Paese medita un ritorno al periodo 2016-2020, quando i seguaci ideologici di Mathews hanno seminato il caos dall’Oregon a Washington, DC, la sua saga sta ottenendo grande risalto.

Mentre il film debutta a quasi un decennio dall’attuale rinascita dell’estrema destra americana, lo sceneggiatore Zach Baylin e il produttore Bryan Haas hanno iniziato a sviluppare il progetto nel 2016, prima della mortale manifestazione Unite the Right del 2017 a Charlottesville, in Virginia. Baylin racconta a WIRED che lui e Haas si sono imbattuti in The Turner Diaries mentre facevano ricerche su Ruby Ridge, il movimento miliziano degli anni ’90, e su McVeigh (che dormiva con il libro sotto il cuscino) e cercavano una storia meno conosciuta per esplorare le origini dell’estremismo americano.

“Volevamo racchiudere la storia di uno di questi gruppi in un classico thriller poliziesco”, dice Baylin. Si sono imbattuti in The Silent Brotherhood, un libro del 1989 dei giornalisti Kevin Flynn e Gary Gerhardt che ripercorreva l’intera vicenda criminale di Mathews, dalla sua radicalizzazione adolescenziale attraverso la John Birch Society e le milizie di Phoenix fino alla sua morte e ai successivi processi penali dei suoi seguaci.

“I crimini commessi dall’Ordine e lo svolgimento delle indagini avevano la struttura del tipo di film di cui stavamo parlando”, ha detto.

Il libro di Flynn e Gerhart, che inizia con la loro cronaca dell’assassinio di Berg nel vialetto di casa sua e segue la saga dell’Ordine attraverso la caccia federale, le indagini e il processo, è straordinariamente dettagliato. Una volta che i membri del gruppo furono processati, Flynn e Gerhart trascorsero ore a intervistarli nella prigione della contea di Arapahoe, raccogliendo materiale inestimabile che permise loro di ricostruire nei minimi dettagli il funzionamento interno del gruppo terroristico. I lettori del libro, che è tornato in stampa (con un nuovo titolo) dopo trent’anni di assenza dagli scaffali, noteranno la fedeltà del film alla realtà, in particolare nelle scene della rapina e del furto. Tuttavia, per Flynn e Gerhardt, scomparso nel 2015, i dettagli della campagna terroristica di Mathews erano un meccanismo per coinvolgere il pubblico in una realtà più profonda e oscura.

“Non abbiamo scritto il libro per i dettagli. L’abbiamo scritto per denunciare la banalità del male, affinché i lettori potessero capire da dove venivano queste persone e quanto fosse endemico nella società americana”, afferma Flynn, che ha lavorato per il Rocky Mountain News per quasi trent’anni prima che chiudesse i battenti nel 2009. Dal 2015 è consigliere comunale a Denver.

The Order è il tipo di film che l’America non produce più. Le sue scene d’azione serrate richiamano Heat, To Live and Die in L.A., The French Connection e i classici di Sidney Lumet sulla corruzione nella polizia (Serpico, Prince of the City, Q&A); la colonna sonora martellante non travolge gli spettatori e la fotografia sbiadita di Adam Arkapaw racchiude sia la grandiosità che l’intimidatoria solitudine dell’interno del Pacifico nord-occidentale. I dialoghi sono scarni, diretti e, nonostante le grandiose promesse di Mathews di un rinnovato bastione riservato ai bianchi nel Pacifico nord-occidentale, sorprendentemente privi di proselitismo.

Per un film girato in paesaggi così aperti, The Order è pervaso da una sensazione di claustrofobia, a testimonianza della tensione che permea la sceneggiatura di Baylin e la regia meticolosa di Kurzel. Come Al Pacino e Robert De Niro in Heat di Michael Mann, Hoult e Law si trovano faccia a faccia solo poche volte prima del loro penultimo scontro. Tuttavia, Kurzel ha fatto seguire entrambi gli attori per un giorno e compilare dossier sui loro omologhi per sviluppare un senso granulare di come funziona realmente una caccia all’uomo.

“Volevo che si chiedessero: come ci si sente ad avere una relazione con qualcuno che stai cercando di abbattere? In un certo senso, è come vivere con un fantasma”, dice Kurzel.

Law, la cui interpretazione lenta e intensa è diversa da qualsiasi altro ruolo interpretato nei suoi quarant’anni di carriera teatrale e cinematografica, afferma che le somiglianze tra Husk e Mathews, due opposti della stessa medaglia, sono al centro della tensione drammatica di The Order.

“Sono più simili di quanto ammettano: entrambi sono determinati, carismatici e sanno esattamente come manipolare chi li circonda per raggiungere i propri obiettivi”, dice. “Nicholas e io abbiamo davvero sfruttato questa simmetria durante le scene insieme. È quasi come se si guardassero in uno specchio oscuro, riconoscendo l’uno nell’altro le qualità che ammira o teme. Questo legame sottinteso aggiunge profondità al loro conflitto, rendendolo non solo uno scontro ideologico, ma anche una battaglia profondamente personale. È stato affascinante esplorare questa tensione con Nicholas”.

La breve campagna di insurrezione armata e terrorismo interno di Mathews ha continuato a ispirare generazioni di estremisti negli Stati Uniti e oltre, da McVeigh e dai finanziatori neonazisti dell’Aryan Republican Army agli assassini del National Socialist Underground tedesco, fino ad arrivare a gruppi contemporanei come Atomwaffen Division, The Base e Terrorgram Collective. Quest’ultimo gruppo, che le forze dell’ordine federali considerano una minaccia terroristica interna di “categoria uno”, diffonde voluminosi opuscoli propagandistici che fondono l’etica di The Turner Diaries con l’etica anti-industrialista e l’occultismo neonazista di Ted Kaczynski.

Il materiale di Terrorgram, che include istruzioni per la fabbricazione di bombe, guide tattiche e di camuffamento e istruzioni su come disattivare infrastrutture critiche come sottostazioni elettriche, impianti di trattamento delle acque e dighe, ha radicalizzato almeno un cosiddetto “santo”, ovvero un autore di una sparatoria di massa, ed è sospettato di essere collegato a una serie di attacchi alla rete elettrica in North Carolina e a diversi procedimenti penali federali.

“William Pierce non costruisce bombe”, ha dichiarato Mark Potok del Southern Poverty Law Center a Rolling Stone un quarto di secolo fa. “Costruisce attentatori”. Per molti versi, il Terrorgram Collective svolge oggi lo stesso ruolo e le sue pubblicazioni sono diventate la versione moderna dei Turner Diaries. Diffuso in tutto il mondo attraverso la giungla senza moderazione di Telegram, il messaggio di odio e violenza del gruppo circola ora indipendentemente da qualsiasi gruppo organizzato o ideologia, offrendo ai “lupi solitari” disillusi e squilibrati una giustificazione per future atrocità.

Mentre The Order rimane saldamente radicato nel passato, fatta eccezione per un breve riferimento all’attentato di Oklahoma City del 1995 in un cartello, durante la produzione non è stato possibile sfuggire al tambureggiare della rinascita della militanza di estrema destra negli Stati Uniti. Kurzel, il regista, ricorda di aver visto i servizi giornalistici sull’insurrezione del 6 gennaio e di aver commentato il patibolo eretto fuori dal Campidoglio, un disegno che compare nel libro e nella scena dell’esposizione con Law. “The Turner Diaries ha iniziato a diventare più visibile in un contesto attuale in un modo che mi ha piuttosto scioccato”, ha dichiarato a WIRED dalla sua residenza in Tasmania. Infatti, dopo il 6 gennaio, Amazon ha rimosso The Turner Diaries dal suo catalogo online.

La bravura di Hoult nell’interpretare un Mathews freddo, controllato ma minaccioso attraverso la campagna dell’Ordine fatta di rapine a mano armata, contraffazione, omicidi e scontri armati con l’FBI è uno dei due punti di forza del film. Oltre alla sorprendente somiglianza fisica con il fondatore della Silent Brotherhood, Hoult ha studiato a fondo il suo personaggio, imitando i manierismi e i movimenti di Mathews da vecchi documentari, studiando i testi che lo hanno radicalizzato, sollevando pesi e eliminando l’alcol dalla sua dieta.

“Mathews era una persona che pensava e pianificava con grande anticipo il suo obiettivo finale, credo che lo tenesse sempre ben presente. È qualcosa di cui abbiamo parlato con Justin, del fatto che non avrebbe perso la testa per cose banali o che avrebbero potuto danneggiare la sua causa. Nella sua mente, in un certo senso, aveva già pianificato il suo destino”, racconta Hoult a WIRED.

Scegliendo di interpretare Mathews con riserbo invece che con enfasi, più come un osservatore che studia attentamente l’ambiente circostante e le altre persone per capire meglio come volgere le situazioni a proprio vantaggio, Hoult ha voluto mostrare al pubblico come qualcuno con il carisma del suo cattivo potesse attrarre seguaci e costruire un movimento.

“Penso che questo dimostri come riescano a penetrare nelle comunità e nelle società in modo diverso, e forse in futuro le persone saranno meno suscettibili a chi si comporta come lui”, afferma.

Come in ogni progetto artistico che si concentra sull’estremismo e la violenza di massa, il team di produzione di The Order ha dovuto trovare un delicato equilibrio tra mostrare il magnetismo di Mathews e il progetto omicida che sta alla base della sua ideologia e delle sue azioni.

“Penso che sia necessario comprendere il fascino di una figura come questa”, afferma Kurzel, i cui film precedenti, Snowtown e Nitram, hanno descritto rispettivamente giovani serial killer e la peggiore sparatoria di massa avvenuta in Australia, il massacro di Port Arthur del 1996. “Mathews è sicuramente qualcuno che comprende la propria influenza e sa come comunicare e riunire le persone. Questo gli conferisce un certo carisma”.

Haas, uno dei produttori del film, ha fatto eco alle osservazioni di Kurzel sull’arte che spinge i confini dell’accettabilità. “Mi sembrava che parte del film fosse mostrare il fascino di Bob. Era una persona carismatica, e questo, unito alle sue idee davvero tossiche, era molto pericoloso”, dice Haas, elogiando il “realismo implacabile” che il cast ha portato nelle sue interpretazioni.

In definitiva, la speranza di inserire nella stagione dei premi di dicembre una rappresentazione spietata dell’estremismo domestico, prodotta al di fuori del sistema degli studios hollywoodiani, è quella di riaprire il dibattito sulla radicalizzazione nella società americana. “Se non si impara dalla storia, si è destinati a ripeterla: come un tipo che, nel modo in cui Nick lo ha descritto, poteva vivere nella strada di chiunque”, dice Haas. “Ci sono molte persone in questo momento che stanno soffrendo, lottando e cercando risposte”.

Il film Il talento di Mr. C (il cui titolo originale è The Unbearable Weight of Massive Talent, ovvero Il peso insopportabile di un talento straordinario) vede Nicolas Cage nei panni di Nick Cage, ma quanto della vita dell’attore è vero e presente nel film? Diretto da Tom Gormican da una sceneggiatura scritta da lui e Kevin Etten, il film sembra infatti confondere i confini tra realtà e finzione facendo interpretare all’attore una versione di se stesso. Per quanto riguarda alcuni aspetti della vita e della carriera cinematografica di Cage, ecco cosa il film riporta correttamente e cosa è esagerato per esigenze drammatiche.

La trama di Il talento di Mr. C

Il film vede una versione romanzata di Nick Cage alle prese con una profonda crisi creativa, problemi familiari irrisolti e la prospettiva concreta della rovina finanziaria. Trascurato da Hollywood e tormentato dalle visioni del suo sé più giovane e di successo, Cage decide di accettare un’offerta bizzarra: un milione di dollari per partecipare alla festa di compleanno di un ricco e insistente superfan, il carismatico Javi Gutiérrez (Pedro Pascal).

Ma quella che sembra una semplice trovata per guadagnare facilmente si trasforma presto in un’avventura folle, quando Cage viene reclutato dalla CIA – tramite l’agente Vivian (Tiffany Haddish) – per indagare su un sospetto rapimento legato a Javi. Costretto a muoversi tra la finzione e la realtà, l’attore dovrà attingere al meglio dei suoi iconici personaggi cinematografici per salvare la situazione, ricucire il rapporto con la sua famiglia e riscoprire il vero valore della sua carriera. Con una vita che somiglia sempre più a un film, Cage è quindi chiamato a interpretare il ruolo più importante di tutti: quello di sé stesso.

La storia vera dietro il film

In Il talento di Mr. C, Javi incoraggia Nick Cage a mettersi al volante dopo aver assunto LSD perché ha eseguito le sue acrobazie in Fuori in 60 secondi. In un’altra scena, Javi dice di sapere che Nick può correre molto veloce perché lo ha fatto durante le riprese di Il mistero dei Templari, anche se Nick inizialmente lo nega. Questi due aneddoti dietro le quinte sono in realtà veri. Cage, l’attore nella vita reale, ha davvero eseguito personalmente le acrobazie di guida e di corsa in entrambi i film.

Per Fuori in 60 secondi, l’attore ha rivelato di aver frequentato una scuola di guida ad alte prestazioni dove ha imparato a fare giri a 360 gradi e altro con un’auto. Per Il mistero dei Templari, c’è un video girato sul set che mostra Cage che corre sul set, con la telecamera che segue i suoi movimenti. Per quanto riguarda la vita privata di Cage fuori dallo schermo, Il talento di Mr. C non potrebbe invece essere più lontano dalla realtà. Nel film, Nick Cage ha un’ex moglie, Olivia, e una figlia adolescente, Addy.

Questa versione dell’attore passa molto tempo concentrata su se stessa e la sua carriera cinematografica e il suo amore per i film sono più grandi del suo desiderio di un legame autentico con la sua famiglia. In realtà, però, Cage ama passare il tempo con i suoi figli e ha persino ammesso di aver rifiutato ruoli in grandi film per stare con loro. Inoltre, a differenza del suo omologo immaginario, Cage è stato sposato cinque volte, quattro delle quali sono finite con un divorzio. Ha inoltre tre figli, non uno.

Il talento di Mr. C è una storia immaginaria, ma presenta tutti i film reali di Nicolas Cage

Il talento di Mr. C è quindi una versione completamente fittizia di Nicolas Cage, incentrata sulla sua personalità e sulle percezioni che si possono avere degli attori e della celebrità, un po’ come avviene anche in Essere John Malkovich. Tuttavia, la reale filmografia dell’attore viene qui citata continuamente, con il film che fa infatti riferimento a classici di Cage come Cuore selvaggio, Cara, insopportabile Tess, Con Air, Face/Off, Via da Las Vegas e molti altri. A tal fine, i personaggi interpretati da Cage in ciascuno di questi film rimangono gli stessi.

L’attore è anche noto per aver recitato in molti film indipendenti, che Cage ha ammesso lo hanno aiutato a pagare i suoi debiti, proprio come fatto dal suo omologo immaginario. Ma mentre il Cage del film desidera davvero ottenere quel ruolo da protagonista in un film di una major, l’attore nella vita reale preferisce oggi realizzare film indipendenti piuttosto che altri film come Il mistero dei templari. Ne sono una prova i recenti The Surfer e Longlegs.

Tutto sommato, c’è quindi una certa sovrapposizione tra realtà e finzione quando si parla di Il talento di Mr. C. Ma il film stesso è pensato per essere drammatizzato allo scopo di essere emozionante e avvincente. Nick Cage e Nicolas Cage potrebbero condividere lo stesso nome e la stessa filmografia, ma non sono la stessa persona: il primo è una versione esagerata (si veda ad esempio la parte dedicata ai cartelli della droga) dell’attore che il pubblico ha imparato a conoscere e ad amare.

Nick Cage è in realtà più moderato del vero Nicolas Cage

Eppure, il film riesce allo stesso tempo a presentare una versione leggermente più moderata di Cage. Il vero Nicolas Cage ha speso 150 milioni di dollari per quelle che si sono rivelate uova di dinosauro rubate. Possedeva anche due castelli ed era ossessionato dalla ricerca del Santo Graal. Considerando la sua vita sentimentale nel corso degli anni, la relazione stabile (anche se burrascosa) mostrata in Il talento di Mr. C è ben lontana dai suoi numerosi matrimoni nella vita reale.

In una mossa che dimostra che il film è consapevole dei meme su Nicolas Cage, Cage litiga regolarmente con un giovane Nick Cage ringiovanito e turbolento nel film – l’id rabbioso del suo super-ego più anziano e leggermente più calmo – per distanziare il suo personaggio da quegli eccessi della vita reale. L’eccentricità di Nick Cage deriva invece dal suo amore per l’espressionismo tedesco, dalla sua passione incrollabile per il suo mestiere e dalla sua ricerca, a volte estremamente irritante, della purezza creativa.

Un concetto come quello di Il talento di Mr. C non capita tutti i giorni, quindi Cage ha dovuto scegliere con cura le parti di sé che voleva mostrare e riconoscere senza nascondere ciò che i suoi fan accaniti già sanno della sua vita selvaggia. Si è trattato dunque di un film piuttosto singolare nella sua filmografia, che oltre che a presentare una vicenda buffa e divertente ha anche rappresentato una vera e propria sfida per i fan dell’attore, qui chiamati a riconoscere tutti gli elementi reali della vita di Cage finiti nel film.

Quando Final Destination uscì nel 2000, si impose immediatamente come un titolo innovativo all’interno del panorama horror, dando nuova linfa a un genere che cercava nuove idee dopo il successo dei slasher degli anni ’90. Diretto da James Wong e nato da una sceneggiatura inizialmente pensata per un episodio di X-Files, il film proponeva un’idea semplice quanto disturbante: non si può sfuggire alla Morte. L’intuizione di rendere la Morte una presenza invisibile ma implacabile, che lavora per mezzo di coincidenze e incidenti, introdusse una nuova forma di tensione, fondata sull’attesa e sul destino inevitabile.

Il successo del primo Final Destination ha dato il via a una saga longeva e popolare, composta finora da sei film. Pur mantenendo sempre lo stesso schema narrativo — un personaggio ha una visione, salva se stesso e altri da una tragedia imminente, ma poi la Morte li reclama uno per uno — il franchise ha saputo evolversi attraverso creatività nelle messe in scena delle morti e un crescente gusto per l’effetto sorpresa. Il film del 2000, con protagonisti Devon Sawa e Ali Larter, ha stabilito le basi di questo universo narrativo, introducendo anche il tono cupo e ironico che sarebbe diventato un marchio di fabbrica della saga.

Certamente, il finale del primo Final Destination lascia ancora oggi il pubblico con interrogativi importanti sul funzionamento delle regole della Morte e sul destino dei sopravvissuti. Nonostante una parvenza di vittoria da parte dei protagonisti, la narrazione offre infatti ampio spazio a dubbi e presagi, che meritano un’analisi approfondita. Nell’articolo a seguire, ci concentreremo proprio su questo: esaminare nel dettaglio le scene conclusive del film, cercando di dare una spiegazione coerente a ciò che accade e a come questo finale abbia contribuito a costruire il mito duraturo di Final Destination nel genere horror.

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La trama di Final Destination

Protagonista del film è Alex Browing, un adolescente apparentemente qualunque il quale sfoggia però la capacità di vedere cose che avverranno in futuro, specialmente per quanto riguarda la morte delle persone. In procinto di partire per una gita scolastica a Parigi, appena imbarcato con i suoi compagni di classe Alex ha una premonizione durante la quale vede il velivolo esplodere in volo, uccidendo tutte le persone al suo interno. Certo che la cosa avverrà realmente, egli inizia a farsi notare nel tentativo di convincere tutti quanti ad uscire dal mezzo prima che sia troppo tardi.

Alex finisce però soltanto per far espellere dall’aereo sé stesso, i compagni Billy Hitchcock e Tod Waggner, la professoressa Valerie Lewton, i fidanzati Carter Horton e Terry Chaney, e infine Clear Rivers, una donna che ha creduto alla premonizione mortale. Quando l’aereo esplode realmente in volo, il gruppo di fortunati comprende di essere davvero sfuggiti alla morte. Ma la morte non ama essere presa in giro e ben presto i superstiti si troveranno a doversi confrontare con quello che era il loro destino. Ad uno ad uno, ognuno di loro dovrà cercare di rimanere vivo in un partita che non sembra poter essere vinta in alcun modo.

La spiegazione del finale

Nel finale di Final Destination, dopo una lunga fuga dalla Morte, i tre sopravvissuti – Alex, Clear e Carter – si trovano a Parigi, sei mesi dopo gli eventi principali del film. Convinti di aver finalmente interrotto il disegno della Morte, i tre discutono di quanto accaduto, ancora turbati ma apparentemente fuori pericolo. Tuttavia, la tensione torna a salire quando Alex si rende conto che mentre lui è intervenuto nel destino di Carter e Clear per salvarli nessuno è intervenuto nel suo e che dunque la sequenza degli eventi non è mai stata realmente interrotta, ma solo rimandata.

È proprio in quel momento che un cartellone pubblicitario si stacca e sta per schiantarsi su Alex, che viene però salvato in extremis da Carter. Questa scena chiarisce che la “lista” della Morte non si ferma, ma semplicemente si riorganizza. L’idea che il disegno della Morte possa essere solo temporaneamente evitato e non cancellato è un elemento chiave che definisce l’intera saga. A conferma di ciò, mentre Alex e Cartes si chiedono chi sarà il prossimo, il film si chiude in modo inquietante: l’insegna torna indietro e colpisce Carter in pieno, uccidendolo. Il film termina così, con una sensazione di ineluttabilità e con la consapevolezza che la Morte, alla fine, non lascia scampo.

Questo finale ha avuto un forte impatto sul tono e sulla struttura narrativa dei film successivi. A differenza di altri horror in cui il male viene sconfitto o almeno temporaneamente contenuto, Final Destination stabilisce che il nemico è invincibile e senza volto. La suspense non deriva tanto dallo scontro diretto con una creatura, ma dall’anticipazione di eventi tragici e imprevedibili. Questo ha permesso alla saga di proseguire senza dover giustificare la presenza di un villain ricorrente, affidandosi invece a un meccanismo narrativo autoalimentato.

Infine, il finale del primo film introduce il tema dell’ordine delle morti, elemento cardine in tutti i capitoli successivi. Ogni personaggio salvato dalla tragedia iniziale è destinato a morire nello stesso ordine previsto originariamente, a meno che qualcosa non intervenga a modificarlo. Questa regola aggiunge una struttura quasi matematica alla narrazione, che diventa un gioco di logica, tempismo e sacrificio. In questo modo, Final Destination non solo ha concluso il suo primo capitolo con coerenza e terrore, ma ha anche gettato le fondamenta di un’intera mitologia horror che si sarebbe sviluppata nei decenni successivi.

Infine, importante nel film è la figura di William Bludworth (interpretato da Tony Todd), un misterioso medico legale che conosce in modo sospetto le regole della morte e cerca a suo modo di avvisare, seppur in modo ambiguo, gli sventurati che si trovano a doverla affrontare. Si tratta di uno dei pochissimi personaggi ricorrenti della serie, che con il tempo è stato interpretato come un avatar della Morte, o forse come un sopravvissuto alle sue macchinazioni. Il suo ruolo generale e la sua conoscenza dei metodi della Morte sono ancora oggi due dei misteri ricorrenti della serie.

The Woman in the Yard potrebbe ricevere recensioni contrastanti, con il 41% su Rotten Tomatoes e una valutazione di 5,7/10 su IMDb, ma se pensate che siano troppo severe, non siete i soli. Forse non è la metafora più sottile sul dolore familiare e la depressione, ma è recitato e girato incredibilmente bene. Non vincerà nessun Premio Oscar, ma non è affatto un brutto film. Di certo non è “il peggior film di sempre”, come mi ha urlato ripetutamente una persona insieme a tutti gli altri spettatori in sala una volta iniziati i titoli di coda.

The Woman in the Yard segue Ramona (Danielle Deadwyler) e i suoi due figli dopo la morte del marito e padre in un incidente stradale che ha lasciato Ramona con una gamba rotta. Nella casa che lui aveva comprato da ristrutturare, le cose stanno lentamente andando in pezzi. Come si vede dall’avvincente sequenza iniziale in cui Tay (Peyton Jackson) non trova né cibo per cani, né elettricità, né fiammiferi, Ramona è così depressa che non riesce a prendersi cura dei bambini. Quando La Donna (Okwui Okpokasili) appare nel cortile, viene alla luce la verità inquietante che si cela dietro questo crollo. Il finale ricontestualizza il rapporto tra Ramona e suo marito, così come la scelta di Ramona di uccidere se stessa e i suoi figli o rovinare la vita di tutti loro. Il finale dividerà il pubblico, poiché si può sostenere che concluda tutto in modo troppo semplice. Tuttavia, la sua semplicità riflette la scelta che tutti noi possiamo fare di restare con la nostra famiglia e impegnarci a vivere un giorno alla volta.

“The Woman in the Yard” utilizza cicli temporali surreali per ricontestualizzare il rapporto di Ramona con la donna

Il secondo atto si conclude con un confronto diretto tra Ramona e i suoi figli, che sono fuggiti in soffitta, dove non entra la luce. Dopo aver apparentemente intrappolato Ramona in una sorta di regno delle ombre, vediamo La Donna, con una parte del viso sfigurata, zoppicare verso una spaventata Annie (Estella Kahiha), dicendole che non le avrebbe “mai fatto del male”. La Donna abbraccia Annie e le due scompaiono, spingendo Ramona a cercarle in un tunnel buio, seguendo una torcia lampeggiante come un faro.

Tuttavia, invece di trovare Annie, Ramona entra in una ricostruzione della prima scena: un video di lei e suo marito, David (Russell Hornsby), che parlano di quanto lui non veda l’ora che la casa sia finita. Quando l’abbiamo visto la prima volta, aveva un’atmosfera romantica e giocosa. Ma ora che sappiamo che era Ramona a guidare l’auto la notte in cui David è morto e che ha delle visioni momentanee in cui uccide i propri figli, c’è un tragico senso di colpa che permea le parole e le azioni di Ramona. Quando dice che non sa come chiamare la fattoria, ora sembra un personaggio che non è sicuro perché non vuole davvero essere lì, piuttosto che uno scherzo a cui non ha pensato.

Ci rendiamo presto conto che si tratta di una manipolazione da parte della Donna quando Ramona cerca di abbandonare la visione, ma David avvolge un lenzuolo intorno alla testa di Ramona, soffocandola. Questo è forse uno dei momenti del film che non ha senso per la caratterizzazione di David ed è presente solo per creare shock e spingerci alla scena successiva. Tuttavia, riflette il modo in cui Ramona si sentiva controllata e schiacciata dalla vita che David le aveva imposto. Questo porta alla sequenza più strana del film, in cui Ramona si ritrova improvvisamente nella prima scena in cui abbiamo incontrato La Donna, ma ora sta guardando se stessa che si trascina per chiederle cosa ci fa lì.

Si ripete la frase “Come sono arrivata qui?”, e vediamo Ramona nei panni della Donna che ha rapito Annie in soffitta, il che dà più contesto alla scena precedente. Può essere confuso e fuori luogo, ma aiuta a mostrare come Ramona e La Donna siano la stessa persona e che, piuttosto che una minaccia indesiderata venuta a invadere la sua vita, La Donna è in realtà un’ospite invitata inavvertitamente.

The Woman in the Yard è la parte più oscura del dolore e della depressione di Ramona

Una volta terminata la sequenza che fa girare la testa, ci sono solo Ramona e la donna al piano di sopra nella sua stanza, e finalmente capiamo perché lei è lì. La donna è la risposta alle preghiere di Ramona che chiedeva “dammi la forza”, una delle prime frasi che ha pronunciato nel film, ma la forza è molto più oscura di quanto potremmo pensare. Dal momento in cui vede la donna prima di schiantarsi con l’auto alle visioni in cui uccide i suoi figli, il film sembra suggerire che la depressione e il dolore di Ramona sono diventati troppo forti e che la donna è la parte del suo cervello che desidera uccidere ciò che la tiene sotto controllo. Come ha detto al marito durante la loro ultima cena insieme, sente che tutta la sua vita è stata vissuta per gli altri.

Ma Ramona ama ancora i suoi figli e suo marito. Potremmo interpretare l’incidente d’auto come un suo tentativo di suicidarsi senza pensare profondamente a come questo potrebbe influenzare David, il che non sarebbe una rappresentazione del tutto inaccurata di come i pensieri suicidi possano rendere una persona irrazionale. Pertanto, La Donna spiega che è lì per dare a Ramona “la forza” di uccidersi, ed è per questo che nella pistola di David è rimasto solo un proiettile. Questo implica che Ramona sapeva che se ce ne fossero stati altri, avrebbe ucciso i bambini, mentre ora ce n’è solo uno per sé. La donna mostra come, se Ramona si suicida, i suoi figli cresceranno con un futuro positivo perché lei non sarà lì a trattenerli, dato che non può più prendersi cura di loro a causa della sua depressione. Ovviamente, questo non è un punto di vista oggettivo. È l’odio che Ramona prova per se stessa, ma questo è ciò che il suicidio rappresenta per molti, e la sequenza finale diventa ancora più straziante proprio per questo.

Ramona sceglie di non uccidersi in The Woman in the Yard

Ramona chiede se può dire addio ai suoi figli e la Donna la abbraccia dicendo: “Certo”. Ramona li spinge fuori di casa, ma Annie le dà il peluche di Mr. Penguin per tenerle compagnia. Ramona si siede sulla stessa sedia in soffitta dove la Donna era seduta in giardino e si punta la pistola al mento, mentre la Donna la spinge con impazienza a premere il grilletto.

Tuttavia, all’ultimo secondo, Ramona vede Mr. Penguin. L’ombra della Donna si trasforma nuovamente in quella di Ramona, che decide di non uccidersi. I suoi figli tornano e Ramona dice loro che, se la figura spettrale dovesse tornare: “Saremo pronti, io sarò pronta”.

La frase “saremo pronti” implica che, anche se questo demone proveniva dal suo subconscio, i bambini lo vedono e lo combattono perché mantenere unita una famiglia richiede che tutti si sostengano a vicenda. Potresti pensare che la decisione di Ramona sia stata troppo facile, dato che non ha dovuto combattere contro la donna per impedirle di morire. Tuttavia, secondo me, questo è un ritratto molto più accurato dell’idea che, quando si tratta di suicidio, l’unica persona la cui opinione conta sul fatto di uccidersi è la persona stessa. Tutti abbiamo bisogno di un motivo per andare avanti nei momenti peggiori, e può essere qualcosa di semplice come voler vedere crescere i propri figli o passare un altro giorno con loro. Può sembrare facile, ma non lo è affatto, e la recitazione impegnativa di Deadwyler aiuta a riflettere questa lotta interiore in cui ogni passo sembra troppo difficile per andare avanti, ma possiamo farlo se scegliamo di farlo.