Il finale di 47 metri – Uncaged prevedeva una miracolosa fuga da squali mortali, solo che la salvezza dei suoi personaggi centrali è stata vanificata da un oscuro colpo di scena dell’ultimo minuto. Il survival horror del 2017 segue due sorelle, Lisa (Mandy Moore) e Kate (Claire Holt), bloccate in una gabbia sul fondo dell’oceano circondate da squali affamati. Fino al finale, 47 metri – Uncaged (47 Meters Down) è un thriller teso e pieno di suspense, che presenta anche una serie di grandi spaventi.

Il film sugli squali è stato diretto da Johannes Roberts e si distingue per un colpo di scena a sorpresa che modifica il finale dopo che Lisa si ritrova da sola nella gabbia dopo che Kate è stata apparentemente uccisa da uno squalo. Lisa ha una gamba bloccata e respira aria da una nuova bombola di ossigeno che Kate ha recuperato per lei. Quando sente la voce di Kate via radio, trova la forza di liberarsi e di trovare la sorella ferita. Le due sorelle fanno quindi una nuotata disperata per tornare alla barca. Tuttavia, la scena finale di 47 metri – Uncaged rivela che questo non è ciò che è realmente accaduto.

47 metri – Uncaged: spiegazione del finale

Una scena iniziale ha preparato il finale di 47 metri – Uncaged: il Capitano Taylor (Matthew Modine) aveva precedentemente informato le sorelle che se avessero nuotato fino alla superficie, avrebbero dovuto fermarsi per cinque minuti a metà strada per evitare le curve. Durante questa emozionante sequenza di fuga alla fine di 47 metri – Uncaged, Lisa accende dei razzi per allontanare gli squali in agguato. Alla fine le sorelle raggiungono la superficie e corrono verso la barca, solo che Lisa viene morsa e trascinata da uno squalo, ma riesce a cavargli un occhio e viene trascinata sulla barca.

Le sorelle ferite vengono curate quando Lisa si accorge che la ferita alla mano – che si era tagliata nella gabbia – sanguina nell’aria. Si scopre che Lisa ha avuto le allucinazioni per tutta la fuga ed è ancora bloccata sul fondo della gabbia. In precedenza, Taylor aveva avvertito che il cambio di vasca aumentava il pericolo di “narcosi da azoto“, che ha portato Lisa ad avere una vivida allucinazione di salvare Kate. Alla fine Lisa viene salvata dai sommozzatori e riportata sulla barca, arrivando ad accettare che sua sorella è stata uccisa dallo squalo.

Johannes Roberts aveva preso in considerazione un finale ancora più cupo per 47 Metri Down, in cui Lisa veniva lasciata morire, ma si è reso conto che il film aveva bisogno di un po’ di speranza. Il regista è tornato anche per il sequel del 2019, dove i nuovi personaggi di 47 metri – Uncaged sono messi in pericolo dagli squali.

47 Meters Down è basato su una storia vera?

L’impatto del finale di 47 metri – Uncaged ha spinto alcuni a chiedersi se si tratti di una storia vera. La premessa di base di un’escursione subacquea andata male a causa di un’attrezzatura difettosa e di turisti troppo fiduciosi che vogliono divertirsi non sembra poi così inverosimile. Tuttavia, anche se la trama può essere vagamente basata su storie simili quando si tratta della storia specifica di Lisa e Kate che lottano per la loro vita nelle acque del Messico, il progetto non è in realtà basato su nessuna storia di sopravvivenza vera.

Gran parte di 47 Meters Down è del tutto irrealistica. Naturalmente, queste imprecisioni non fanno che allontanare ulteriormente la trama dal concetto di storia vera. Tuttavia, Johannes Roberts ha affrontato questi elementi in un’intervista del 2019 (via Bloody Disgusting) in cui ha definito i due film di 47 Meters Down “assurdi”. Ha poi sottolineato l’importanza di sospendere l’incredulità durante la visione dei film e ha evidenziato che:

“Se scendessi a 47 metri in una gabbia sul fondo dell’oceano, con una bombola, e fossi un subacqueo inesperto, probabilmente resisteresti circa tre minuti prima di morire o finire l’aria. Quindi sì, certo, è ridicolo. […] Ma è un film, capisci? “

Il finale di 47 metri – Uncaged rispecchia un classico dell’horror moderno

Il finale di 47 metri – Uncaged fa un parallelo tra il finale del film e quello di The Descent, un altro cupo film horror sulla sopravvivenza. The Descent, del regista Neil Marshall, segue un gruppo di donne intrappolate in una grotta e braccate da creature carnivore. Alla fine, Sarah (Shauna Macdonald) sembra essere l’unica sopravvissuta che riesce a uscire dalla grotta. Tuttavia, mentre fugge con la sua auto, si sveglia improvvisamente dalle sue allucinazioni e scopre di essere ancora nella caverna con le creature che si avvicinano a lei.

Il finale si è rivelato troppo cupo per il pubblico americano, quindi è stato cambiato in uno in cui Sarah sopravvive alla prova, anche se ne è chiaramente traumatizzata. Come il finale di 47 metri – Uncaged, il finale originale di The Descent lascia il pubblico con un brutale pugno allo stomaco. Non è un finale pensato per piacere a tutti, perché è un po’ crudele suggerire un finale in cui Sarah è viva solo per portarsela via. Tuttavia, a volte questi finali brutali dei film horror possono essere più memorabili dei finali sicuri e vittoriosi che si vedono di solito nei film di Hollywood.

47 metri – Uncaged ha ripetuto il colpo di scena finale?

Il sequel, 47 metri – Uncaged, aveva una struttura simile, ma Jonannes Roberts doveva stare attento a non ripetere semplicemente il finale di 47 metri – Uncaged. Lo stesso colpo di scena finale non avrebbe mai funzionato una seconda volta, quindi sarebbe interessante vedere come il regista è riuscito a riportare l’azione nelle acque profonde senza ripetere ciò che ha fatto il primo film. Nel sequel di 47 metri – Uncaged, quattro amici si immergono in una grotta in Messico e si imbattono in squali assassini.

Tra questi ci sono le sorellastre Mia e Sasha e le loro amiche Nicole e Alexa. Ci sono anche una coppia di assistenti che lavorano nelle grotte e il padre delle sorellastre, Grant (John Corbett). In 48 Meters Down: Uncaged, tutti muoiono tranne le sorellastre. Il più grande cambiamento rispetto al finale di 47 Meters Down è che il regista Johannes Roberts sceglie di non andare fino in fondo con la finzione.

Invece del colpo di scena, che fa sembrare quasi insignificante il finale del film originale, questa è una semplice storia di sopravvivenza. Nel primo film, una sorella salva l’altra, solo che si tratta di un’allucinazione in cui una delle due muore davvero. Qui, le due sorelle lottano per salvarsi a vicenda e ci riescono. Pur non essendo in uno stato mentale ottimale, entrambe sono sopravvissute grazie al loro nuovo legame, il che rende il finale più soddisfacente di 47 Metri Down.

Il vero significato di 47 Meters Down

Come la maggior parte dei film survival horror, 47 Meters Down non punta molto sui significati nascosti o sulla profondità tematica. Questo non è un problema, perché il regista Johannes Roberts conosce bene il genere e sa come spremere ogni grammo di tensione possibile dalla situazione di Lisa e Kates. Tuttavia, grazie al colpo di scena e ai dettagli sulla narcosi da azoto, il finale di 47 Meters Down ha qualcosa in più rispetto a molti altri film del sottogenere.

La maggior parte dei film sugli squali, come The Meg o Deep Blue Sea, si basano esclusivamente sui terrificanti predatori acquatici come unica fonte di pericolo e minaccia. Tuttavia, 47 Meters Down prende spunto da Lo squalo del 1975 in un modo fondamentale che gli permette di distinguersi dagli altri survival horror sugli attacchi degli squali. In Jaws, è chiaro che il vero pericolo è rappresentato dall’apatia del sindaco di Amity Island e dalla sua insistenza sulla necessità di aprire la spiaggia. Se il sindaco avesse semplicemente chiuso la spiaggia, lo squalo non avrebbe avuto altre vittime e sarebbe andato avanti.

Naturalmente, 47 Metri Down non è profondo come Lo Squalo (anche se, ancora una volta, questo non va a suo discapito, perché pochi film sugli squali sono riusciti a esserlo). Tuttavia, attraverso la narcosi da azoto di Lisa, mostra che gli squali non sono l’unico pericolo quando si tratta di immergersi in acque libere. Il colpo di scena non ha praticamente nulla a che fare con gli squali ed è probabilmente la parte più memorabile del finale. Inoltre, rispecchia il finale di 2022’s 47 metri – Uncaged, anch’esso caratterizzato da una finta morte del personaggio.

Per questo motivo, il significato di 47 Meters Down riesce a essere qualcosa di più del semplice “i grandi squali fanno paura”. Tuttavia, se da un lato non ha molto da offrire al di là di questo per quanto riguarda i temi e il messaggio centrale, dall’altro non ne ha nemmeno bisogno, come dimostra il duraturo successo di culto del survival horror del 2017.

Psycho, il classico thriller del 1960 del regista Alfred Hitchcock, contiene uno dei migliori e più famosi colpi di scena di tutti i tempi, che esaminiamo in dettaglio. Il curriculum di Hitchcock è costellato di film incredibili, ma Psycho potrebbe essere il suo più famoso e probabilmente quello che anche le persone che generalmente non guardano i vecchi film horror hanno visto con maggiore probabilità. Ciò è dovuto in parte al fatto che Psycho ha generato un franchise, con Anthony Perkins che è tornato a interpretare Norman Bates in tre sequel. Psycho ha anche avuto una presenza più recente nella cultura pop grazie all’acclamata serie Bates Motel di A&E.

Psycho è per molti versi una sorta di precursore del sottogenere dei film slasher, in quanto si concentra su una serie di omicidi commessi al Bates Motel da un aggressore sconosciuto al pubblico fino alla fine del film. Molti dei primi slasher hanno scelto di mantenere i loro assassini un mistero fino all’atto finale del film, come l’originale Venerdì 13, Sleepaway Camp e Buon compleanno a me.

Se è vero che le basi del finale di Psycho sono note ai più per osmosi culturale, non si può non sottolineare quanto alcuni concetti fossero rivoluzionari all’epoca. Hitchcock ordinò addirittura ai cinema di non far entrare gli spettatori dopo l’inizio del film, per preservare i suoi colpi di scena.

Norman Bates è davvero l’assassino

Un cambiamento apportato da Hitchcock nell’adattare il romanzo Psycho di Robert Bloch in un film fu quello di rendere Norman Bates più simpatico e attraente. Hitchcock affidò il ruolo al giovane emergente Anthony Perkins, allora noto per aver interpretato personaggi sani e simpatici. Perkins ha infuso in Norman un calore e una timidezza che hanno fatto sì che il pubblico dell’epoca non sospettasse mai che fosse lui l’assassino. Naturalmente, mentre l’instabile “madre” di Norman viene presentata come l’assassino, verso la fine si scopre che Norman è lui stesso l’assassino, colui che ha fatto a pezzi Marion Crane (Janet Leigh) nella doccia durante la scena più famosa di Psycho e che ha mandato giù dalle scale il detective Arbogast ferito. Norman li ha comunque uccisi fisicamente, mentalmente è tutta un’altra storia.

Spiegazione del finale di Psycho: Norman Bates ha due personalità distinte

Sebbene sia stata la mano di Norman Bates a stringere l’arma del delitto durante l’uccisione della madre, per quanto ne sappia, non è colpa sua. Come spiegato a lungo da uno psichiatra nella conclusione di Psycho, Norman non si limita a indossare i vestiti della madre defunta e a uccidere le persone, ma ha un’intera seconda personalità in cui crede di essere davvero sua madre.

Questo fenomeno veniva definito “personalità multipla”, ma oggi è clinicamente noto come Disturbo Dissociativo dell’Identità. Sfortunatamente, l’identità della madre diventa sempre più dominante nel corso del tempo, al punto che Norman stesso sembra completamente scomparso alla fine. Come riveleranno i film successivi, ciò è dovuto al comportamento emotivamente e fisicamente violento di Norma Bates, che coltivava una relazione quasi incestuosa con il figlio e lo faceva sentire in colpa per aver provato sentimenti sessuali. Così, quando Norman si eccita, non riesce a gestire la situazione e la madre emerge per uccidere l’oggetto del suo desiderio, come Marion.

Il tema dell’identità

Il monologo dello psichiatra prepara l’inquadratura finale, cruciale, per spiegare come ci si possa identificare – e credere temporaneamente, e a volte permanentemente, di essere un’altra persona. La questione dell’identificazione è così cruciale in Psycho e agisce come una sorta di metafora della stessa spettatorialità.

Parte dell’orrore dell’omicidio di Marion deriva dal fatto che fino a quel momento ci siamo identificati così strettamente con lei; il suo desiderio di pagare i debiti del fidanzato e di stare con lui, di ricominciare, di essere felice. È per questo che, in parte, il suo omicidio è uno shock così orribile. “Mai”, scrive il critico Robin Wood nel libro Hitchcock Films Revisited, “l’identificazione è stata interrotta così brutalmente”. Eppure, non molto tempo dopo l’omicidio di Marion, ci identifichiamo con Norman, in modo orribile, e a volte, contro il nostro giudizio, facciamo il tifo per il suo successo.

Dopo aver ucciso Marion, Norman mette il suo corpo nel bagagliaio della sua auto e affonda il veicolo in una palude vicina. C’è un momento di suspense in cui l’auto indugia sulla superficie dell’acqua e noi spettatori, con grande sorpresa, ci ritroviamo a fare il tifo per Norman. Hitchcock ha definito questa inclinazione un “istinto naturale” e ha notato che il pubblico ha provato un fugace senso di sollievo quando l’auto è finalmente affondata.

Il tema dell’identità, ovviamente, ricorre in tutti i film di Hitchcock. Molti dei suoi film, come North By Northwest (1959) e L’uomo sbagliato (1956), seguono una struttura simile: le autorità accusano l’uomo sbagliato di un crimine, l’uomo fugge o si costituisce alle autorità e poi deve dimostrare la sua innocenza. In Psycho, però, la crisi di identità si estende anche a noi spettatori. Per Wood, l’inquadratura finale di Norman Bates ci permette di “vedere le potenzialità oscure che ci sono in tutti noi”.

Alfred Hitchcock ha dichiarato che, nel creare Psycho, mirava a far suonare il pubblico “come un organo”. Guardando Psycho, Hitchcock prende il controllo del pubblico proprio come la Madre prende il controllo di Norman, ci invita nel mondo che ha creato e ci mostra esattamente le immagini che vuole che vediamo. Guardando l’inquadratura finale, siamo invitati a riflettere sulle implicazioni della nostra stessa spettatorialità, sul nostro desiderio condiviso di essere contemporaneamente noi stessi e qualcun altro, proprio come Norman e la Madre.

Uno dei più divertenti film del cinema, Cocktail ha come protagonista Tom Cruise nei panni di Brian Flanagan, un giovane che inaspettatamente raggiunge una certa fama come “flair bartender” a New York City insieme al suo mentore, Doug Coughlin (Bryan Brown). Alla fine Brian porta la sua abilità nel lanciare bottiglie in Giamaica, dove si innamora di Jordan (Elisabeth Shue), un’artista in vacanza. Ecco alcuni fatti sul film di Tom Cruise, secondo la Legge di Coughlin.

1. BRIAN FLANAGAN AVEVA QUASI IL DOPPIO DEGLI ANNI NEL LIBRO.

Sì, Cocktail era in origine un romanzo, scritto da Heywood Gould e basato sulla dozzina di anni trascorsi a fare il barista per arrotondare le sue entrate come scrittore. Mentre il Brian Flanagan di Tom Cruise ha vent’anni, il protagonista di Gould è stato descritto come uno “strambo trentottenne in giacca da campo, con i capelli unti e brizzolati che gli ricadono sul colletto, gli occhi blu striati come il cielo rosso del mattino”. Come ha raccontato Gould al Chicago Tribune, “avevo quasi trent’anni, bevevo abbastanza bene e cominciavo a sentire che stavo perdendo la nave“. Il personaggio del libro è un uomo più anziano che è stato in giro e che comincia a sentirsi piuttosto esaurito”. Disney e Gould – che ha adattato il suo libro per lo schermo – hanno litigato per rendere Brian Flanagan più giovane, ma alla fine Gould ha ceduto.

2. CI SONO STATE ALMENO 40 VERSIONI DIVERSE DELLA SCENEGGIATURA.

La sceneggiatura è passata attraverso un paio di studi diversi e decine di iterazioni. Secondo Gould, “ci saranno state 40 bozze della sceneggiatura prima di entrare in produzione. Inizialmente era con la Universal. L’hanno messa in lavorazione perché non rendevo il personaggio abbastanza simpatico. Poi l’ha preso la Disney, con la quale ho affrontato lo stesso processo. Ho lottato contro di loro in ogni occasione, e c’è stata un’enorme battaglia per rendere il protagonista più giovane, cosa che alla fine ho fatto“.

Bryan Brown ha spiegato che quando Cruise è salito a bordo, il film “ha dovuto cambiare. Lo studio ha apportato le modifiche per proteggere la star e per questo è diventato un film molto più leggero”.

Kelly Lynch, che interpretava Kerry Coughlin, è stata molto più schietta su come la visione di Gould per la storia sia cambiata sotto la Disney, dicendo a The A.V. Club:

“Cocktail” era in realtà una storia molto complicata sugli anni ’80, sul potere e sul denaro, ed è stato completamente rielaborato perdendo la storia del mio personaggio – la sua bassa autostima, chi era suo padre, perché era quella persona – ma ovviamente è stato un film di grande successo, anche se non così buono come avrebbe potuto essere. È stato scritto da colui che ha scritto Fort Apache The Bronx, ed era un film molto più cupo, ma la Disney l’ha preso, ne ha girato circa un terzo e l’ha trasformato in un film che gira le bottiglie e questo e quello”.

3. PER UN BREVE SECONDO, LA DISNEY NON ERA DEL TUTTO CONVINTA DI AVERE TOM CRUISE COME PROTAGONISTA.

Raccontando il tipo di storia che accade solo a Hollywood, Gould ha raccontato al Chicago Tribune di uno dei suoi primi incontri con i capi della Disney Michael Eisner e Jeffrey Katzenberg. “Qualcuno ha detto che questo potrebbe essere un buon veicolo per Tom Cruise”, ha ricordato Gould. “Eisner dice: ‘Non lo farà mai, non perdete tempo, non può fare questa parte’. E poi Katzenberg dice: ‘Beh, è davvero interessato a farlo’, e senza perdere tempo Eisner dice: ‘È perfetto per questo ruolo, è perfetto! Questo è il mondo del cinema: Lo odio, lo amo; lo amo, lo odio!“.

4. IL PROVINO DI BRYAN BROWN È STATO “TERRIBILE”.

Il regista Roger Donaldson voleva espressamente che Bryan Brown facesse il provino per il ruolo di Doug. Brown è volato da Sydney a New York e, quasi subito dopo le oltre 20 ore di volo, si è seduto di fronte a Donaldson. “Ha fatto il provino ed era stanco morto ed è stato terribile“, ha detto Donaldson. “Dopo che l’ha fatto gli ho detto: ‘Bryan, fatti un favore, dobbiamo rifarlo domani’. E lui mi ha risposto: ‘No, no, devo prendere un aereo per tornare stasera’. Non sono riuscito a convincerlo a rimanere e a rifarlo, quindi non ho mostrato a nessuno il provino“. Donaldson disse invece ai produttori e allo studio di guardare la performance di Brown in F/X (1986); evidentemente, quello che avevano visto era piaciuto.

5. TOM CRUISE E BROWN SI SONO ESERCITATI A FARE I BARISTI E HANNO USATO BOTTIGLIE VERE SUL SET.

Il barista del TGI Friday’s di Los Angeles John Bandy fu assunto per addestrare Tom Cruise e Brown dopo aver servito una donna che lavorava per la Disney e che era alla ricerca di un barista per Cocktail. Bandy addestrò le due star a lanciare le bottiglie e Gould portò Cruise e Brown nel bar di un suo amico per mostrare loro i trucchi che usavano. Donaldson affermò che usavano bottiglie vere – e sì, ne ruppero alcune.

6. LA GIAMAICA NON È STATA GENTILE CON TOM CRUISE

Gli esterni della Giamaica sono stati girati sul posto, dove faceva freddo e Cruise si è ammalato. Quando lui e Shue hanno dovuto girare una scena d’amore in una cascata nella giungla, non è stato piacevole. “Non è così romantico come sembra”, ha detto Cruise a Rolling Stone. “Era più un ‘Gesù, facciamo questa ripresa e andiamocene da qui’. In realtà, in alcuni scatti vedrete che le mie labbra sono viola e, letteralmente, tutto il mio corpo sta tremando“.

7. LA COLONNA SONORA DEL FILM È STATA INTERAMENTE RISCRITTA IN UN WEEKEND.

Il tre volte premio Oscar Maurice Jarre (Lawrence d’Arabia) era il compositore originale di Cocktail, ma i produttori non pensavano che la sua colonna sonora fosse “adatta” alla storia. In particolare, non gradivano uno spunto, così hanno chiamato J. Peter Robinson per sistemarlo. A Donaldson piacque così tanto il lavoro di Robinson che chiese al compositore di occuparsi del resto del lavoro. “Tutto questo accadeva di venerdì”, racconta Robinson. “Stavo iniziando un altro film il lunedì successivo e ho detto a Roger che non sarei stato disponibile. ‘Lunedì dobbiamo fare il print-mastering, amico!!!’ Disse Roger. Così da quel momento sono rimasto sveglio a scrivere la colonna sonora e l’ho consegnata il lunedì mattina verso le cinque”.

8. “KOKOMO” È STATA SCRITTA PER IL FILM.

Mentre furono i Beach Boys, ormai privi di Brian Wilson, a registrare la canzone che riportò il gruppo sotto i riflettori, “Kokomo” fu scritta da John Phillips dei Mamas and the Papas, Scott McKenzie, che scrisse “San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)”, il produttore Terry Melcher, figlio di Doris Day, e Mike Love. Phillips scrisse le strofe, Love il ritornello e Melcher il bridge. Le istruzioni specifiche erano di scrivere una canzone per la parte in cui Brian passa da barista a New York alla Giamaica. A partire da questo, Love ha scritto la parte “Aruba, Jamaica…”.

9. ROGER DONALDSON È DISPIACIUTO PER “DON’T WORRY BE HAPPY”.

“Don’t Worry, Be Happy” di Bobby McFerrin ha raggiunto il primo posto grazie alla sua inclusione nella colonna sonora di Cocktail. Il regista ha sentito la canzone alla radio un giorno mentre guidava verso il set. “L’ho sentita e ho pensato che sarebbe stata perfetta per il film”, ha raccontato. “E all’improvviso era ovunque. Mi dispiace per questo”.

10. LE RECENSIONI, COMPRESA QUELLA DI TOM CRUISE, SONO STATE DURE.

Per concludere la sua recensione a due stelle, Roger Ebert ha scritto: “Più si pensa a ciò che accade realmente in Cocktail, più ci si rende conto di quanto sia vuoto e inventato”. Richard Corliss del TIME disse che era “una bottiglia di rotgut in una scatola di Dom Perignon”.

Nel 1992, persino Tom Cruise ammise che il film “non era il fiore all’occhiello” della sua carriera. E nemmeno Heywood Gould ne fu contento all’inizio. “Mi accusarono di aver tradito il mio stesso lavoro, il che è stupido“, ha detto Gould. “Quindi ero piuttosto devastato. Non riuscii letteralmente ad alzarmi dal letto per un giorno. La cosa positiva di quell’esperienza è che mi ha temprato. È stato come un addestramento di base. In questo film sono stato ucciso, e dopo di allora mi è andata bene l’idea di essere ucciso: da allora sono stato ucciso altre volte, ma non mi ha dato fastidio“.