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Sylvester Stallone accusato di aver creato un “ambiente tossico” sul set di Tulsa King

Chiara Guida
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Sylvester Stallone accusato di aver creato un “ambiente tossico” sul set di Tulsa King

Sylvester Stallone è stato accusato di aver creato un “ambiente tossico” sul set di Atlanta della serie Paramount+ Tulsa King facendo commenti denigratori sugli attori secondari, tra le altre accuse. Si dice che Rose Locke, direttrice del casting della serie, abbia lasciato la serie. I rappresentanti di Stallone non hanno risposto immediatamente alla richiesta di commento.

Tulsa King, creato dallo showrunner superstar di Yellowstone Taylor Sheridan, è attualmente in produzione con la sua seconda stagione ad Atlanta. La prima stagione di presentata in anteprima nel novembre 2022, è stata girata in Oklahoma, dove è ambientato lo spettacolo. Si dice che la Paramount+ sia a conoscenza delle accuse.
Le affermazioni contro Stallone che hanno scatenato la discussione tra gli attori secondari sono state amplificate sui social media dalla scrittrice televisiva Julie Benson (“Star Trek: Prodigy”).

L’8 aprile, Benson ha pubblicato due screenshot su X e ha scritto: “Ho ricevuto questa notizia inquietante dal mio amico di Atlanta che ha esperienza con Tulsa King questa settimana. L’agente del casting se ne è andata perché era così disgustata. Il mio amico è in ansia all’idea di lavorare adesso. @TheSlyStallone cosa ha da dire per se stesso, signore? Oltre che delusa, sono furiosa”.

Gli screenshot contenevano un post su Facebook con un nome utente sfocato, che raccontava di un’accusa secondo cui Sylvester Stallone sarebbe stato sentito dire al regista dello show “Che ca**o sta succedendo con questi fo**uti sfondi brutti?”, intendendo gli extra in una scena. Continuava dicendo: “Lui e il regista hanno continuato a chiamare certe persone con nomi terribili e hanno riso di loro”, fornendo dettagli. E poi, “Sly ha detto: ‘Porta qui ragazze carine che mi stiano intorno.'”

Il post su Facebook afferma che Locke, che ha una lunga lista di crediti come direttore del casting delle comparse, si è dimessa dallo show e che gli attori delle comparse “devono tutti stare insieme” per “mostrare questa produzione che non supportiamo” questo tipo di mancanza di rispetto.

L’altro screenshot mostrava quello che sembrava essere un messaggio email di Locke, in cui scriveva di essere andata sul set dopo essere stata “informata di certe cose“. “Alla fine mi sono dimessa perché era un ambiente chiaramente tossico in cui non mi sentivo a mio agio nel mettere me stessa o gli artisti di sottofondo”, ha scritto Locke. Si è quindi scusata con i destinatari dell’e-mail e ha incluso il suo numero di telefono per sollecitare informazioni su qualsiasi cosa le persone abbiano vissuto o “visto o sentito. Invierò le informazioni alle risorse umane.”

Bridget Jones: Mad About The Boy, in arrivo il quarto capitolo con Renée Zellweger e Hugh Grant

Chiara Guida
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Bridget Jones: Mad About The Boy, in arrivo il quarto capitolo con Renée Zellweger e Hugh Grant

Renée Zellweger (Judy) ha concluso un accordo per riprendere il ruolo che le è valso la sua prima nomination all’Oscar in Bridget Jones: Mad About the Boy della Universal Pictures e della Working Title.

Non solo Bridget, ma altri volti noti del franchise torneranno tra cui Hugh Grant e Emma Thompson. Il film Bridget Jones: Mad About the Boy sarà diretto da Michael Morris (To Leslie), mentre i nuovi arrivati nel cast includono Chiwetel Ejiofor (Rob Peace) e Leo Woodall (The White Lotus).

Cosa racconterà Bridget Jones: Mad About the Boy?

Basato sugli amati romanzi di Helen Fielding e su un precedente articolo da lei scritto come protagonista di The Independent, il franchise rom-com Bridget Jones è incentrato sull’omonimo personaggio accattivante ma perennemente single di Zellweger, che esamina i suoi rapporti con l’affascinante Mark Darcy (Colin Firth) e il malizioso Daniel Cleaver (Grant), tra gli altri.

L’adattamento cinematografico originale, Il diario di Bridget Jones, è stato distribuito nel 2001, con i successivi Bridget Jones: The Edge of Reason e Bridget Jone’s Baby in arrivo rispettivamente nel 2004 e nel 2016. I tre film insieme hanno incassato oltre 760 milioni di dollari in tutto il mondo. Presentata in Bridget Jone’s Baby nei panni della dottoressa Rawling, il ginecologo di Jones, Emma Thompson ha anche co-scritto la sceneggiatura di quel film.

Simon Rex con Octavia Spencer e Ariana DeBose nel cast di Tow

Chiara Guida
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Simon Rex con Octavia Spencer e Ariana DeBose nel cast di Tow

Simon Rex (Red Rocket) si unirà a Rose Byrne, Octavia Spencer, Ariana DeBose, Dominic Sessa e Demi Lovato nel film di Stephanie Laing, Tow, attualmente in produzione.

Tow racconterà la vera storia di Amanda Ogle, una donna di Seattle che vive nella sua macchina e che ha lottato per riscattare dall’inferno dei carri attrezzi la sua automobile tenuta sotto sequestro per una cifra di $ 21.634. Ogle è anche produttore esecutivo.

La sceneggiatura originale è scritta da Jonathan Keasey, Brant Boivin e Annie Weisman. L’Exchange ha acquisito i diritti di vendita internazionali e CAA Media Finance rappresenterà il mercato nazionale.

Vedremo prossimamente Simon Rex nel debutto alla regia di Zoe Kravitz, Blink Twice, per Amazon MGM Studios, al fianco di Channing Tatum. Recita inoltre al fianco di Sydney Sweeney, Paul Walter Hauser e Halsey in Americana della Lionsgate, presentato in anteprima mondiale al SXSW. Apparirà inoltre al fianco di Bryan Cranston e Allison Janney nel film di Jon S. Baird Everything’s Going to Be Great per la Lionsgate; così come il film misterioso della Lionsgate Greedy People con Joseph Gordon-Levitt e Lily James; e Operation Taco Gary’s, che ha prodotto e di cui guiderà il cast insieme a Jason Biggs, Dustin Milligan, Brenda Song e Arturo Castro. Presto inizierà la produzione di Easy Waltz di Nic Pizzolatto con Vince Vaughn e Al Pacino.

Avengers: le migliori frasi pronunciate da ogni Vendicatore

Redazione
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Avengers: le migliori frasi pronunciate da ogni Vendicatore

Pur offrendo una buona dose di scene d’azione e narrazioni avvincenti, il Marvel Cinematic Universe è noto per i suoi personaggi memorabili, tra cui spiccano gli Avengers, senza i quali ovviamente non esisterebbe. Caratterizzato da una pletora di personalità diverse per i quali il pubblico – in particolare i fan del franchise – non può fare a meno di tifare, il MCU è comprensibilmente uno degli universi cinematografici più amati anche per via di tali personaggi.

Naturalmente, con così tanti film all’attivo e tutto lo sviluppo dei personaggi, l’MCU ha offerto ai fan numerose citazioni memorabili, che restano tra le più potenti e rappresentativi dell’universo Marvel. Per celebrare tutte queste battute indimenticabili, ripercorriamo le migliori citazioni di ogni Avengers, a partire dall’esilarante battuta di Occhio di Falco in Avengers: Age of Ultron e terminando con la memorabile frase di Tony Stark in Avengers: Endgame.

Hawkeye/Clint Barton in Avengers: Age of Ultron (2015)

Hawkeye

“The city is flying, we’re fighting an army of robots, and I have a bow and arrow. None of this makes sense.” – “La città sta volando, stiamo combattendo contro un esercito di robot e io ho un arco e una freccia. Niente di tutto questo ha senso”

Anche se, in generale, il personaggio di Jeremy Renner non è molto amato dai fan come altri Avengers (non prima dell’uscita della sua serie, almeno), Clint ha una buona dose di battute memorabili nel MCU. Una delle sue citazioni migliori arriva in Avengers: Age of Ultron, dove Clint ha probabilmente dato il meglio di sé (e il pubblico ha avuto modo di conoscerlo meglio come personaggio).

Questa battuta in particolare racchiude la personalità amante del divertimento e la consapevolezza di sé. Molti appassionati della Marvel sostengono, in modo dispregiativo, che non sia poi così utile, quindi è divertente vedere il personaggio di Renner essere umile e ammettere che il suo arco e le sue frecce non sono paragonabili ai poteri sovrumani di altri Vendicatori come Capitan America (Chris Evans) o Thor (Chris Hemsworth). È anche una citazione esilarante se si considera che sarebbe un pensiero condivisibile se lo scenario di Avengers: Age of Ultron dovesse mai accadere nella vita reale.

War Machine/James Rhodes in Iron Man 3

War Machine

“If you want this suit, you’re going to have to pry my cold dead body out of it.” – “Se vuoi questo vestito, dovrai tirar fuori il mio corpo morto e freddo”

Nonostante il poco tempo sullo schermo, War Machine di Don Cheadle sta ricevendo sempre più attenzioni e sta dimostrando di essere uno dei personaggi più tosti del MCU. La sua determinazione e la sua lealtà (in particolare nei confronti del Tony di Robert Downey Jr.) sono parte di ciò che lo rende così simpatico. Anche se le cose sono apparentemente cambiate dopo Secret Invasion, è impossibile dimenticare le cose buone che Rhodey ha fatto per la squadra dei Vendicatori.

Quando discute con l’agente dello Sweat Shop in Iron Man 3, Rhodes chiarisce che non intende assolutamente dare via i suoi poteri (cioè la sua preziosa tuta). Questa è una delle citazioni più memorabili di Lit. James Rhodes, perché è una citazione molto significativa che mette in luce la sua personalità volitiva.

Vision in WandaVision (2021)

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“What is grief, if not love persevering?” – “Che cos’è il dolore, se non l’amore che persevera?”

Precedentemente conosciuto come il sistema operativo dell’intelligenza artificiale di Tony, J.A.R.V.I.S., la Visione di Paul Bettany ha assunto forma umana in Age of Ultron e in seguito ha trovato l’amore tra le braccia della Scarlett Witch di Elizabeth Olsen. Sebbene sia morto in Infinity War dopo aver distrutto la Pietra della Mente e essersi sacrificato per il bene comune, l’onnipotente Wanda lo ha riportato in vita in WandaVision. Ma a quale costo?

“Che cos’è il dolore, se non l’amore che persevera?” è una frase molto toccante, soprattutto se si considera il contesto in cui viene pronunciata, quindi non c’è da stupirsi che abbia fatto parlare così tanto di sé all’uscita della serie. È tragica e commovente allo stesso tempo, perché mette in luce la comprensione che Vision ha del genere umano pur non essendo umano e offre al pubblico una prospettiva riflessiva e confortante sul lutto.

Hulk/Bruce Banner in The Avengers (2012)

Hulk Bruce Banner The Avengers

“That’s my secret, Cap. I’m always angry.” – “Questo è il mio segreto, Cap. Sono sempre arrabbiato”.

Non è una novità che Bruce Banner, la controparte del MCU del candidato all’Oscar Mark Ruffalo, e il suo alter ego, Hulk, non fossero grandi amici. Tuttavia, è innegabile che i due condividessero un legame ineguagliabile, nel bene e nel male, e che formassero un team-up straordinario anche quando non erano uniti in modo permanente. Quando Banner si trasforma, gli altri sanno che devono togliersi di mezzo.

Quale frase migliore per riassumere Hulk (almeno quando era un po’ meno consapevole di sé…) di “Sono sempre arrabbiato“? Questa frase iconica viene pronunciata durante il primo film dei Vendicatori come risposta a Capitan America, quando il personaggio di Ruffalo si sta preparando per il grande scontro di New York prima di affrontare i Chitauri.

Spider-Man/Peter Parker in Captain America: Civil War (2016)

Spider-Man/Peter Parker, 'Captain America: Civil War' (2016)

“Look, when you can do the things that I can, but you don’t, and then the bad things happen. They happen because of you.” – “Senta, quando si riesce a fare le cose che faccio io… se non le fai… e poi succedono cose brutte, succedono per causa tua.”

Tom Holland dà vita alla versione preferita dalla generazione Z dell’amato Peter Parker, che nel corso degli anni è diventato il personaggio Marvel più popolare (e più simpatico) di tutti i tempi. Se da una grande responsabilità deriva un grande potere, Holland ha dimostrato di essere più che capace di calarsi nei panni di Spider-Man e le sue impeccabili battute, molte delle quali comiche, ne sono la prova.

Nonostante le sue battute divertenti, una delle battute più memorabili di Tom Holland nel ruolo del personaggio è una battuta molto sentimentale che riassume perfettamente la sua personalità e le sue motivazioni. Durante una conversazione con Tony dopo che questi ha scoperto i suoi superpoteri (e tutte le cose che fa con essi), Peter rivela in modo molto genuino che non avrebbe senso approfittare delle sue capacità, soprattutto perché, grazie ad esse, può impedire che accadano cose brutte.

Scarlet Witch/Wanda Maximoff in Doctor Strange nel Multiverso della Follia (2022)

The Scarlet Witch Vision Quest

“You break the rules and become a hero. I do it and I become the enemy. That doesn’t seem fair.” “Tu infrangi le regole e diventi un eroe. Io lo faccio e divento il nemico. Non mi sembra giusto.”

Il personaggio della Olsen è stato dipinto come un cattivo fin dai tempi di WandaVision (dopotutto ha imprigionato un buon numero di persone innocenti), e in Doctor Strange nel Multiverso della Follia i fan possono vedere un lato pienamente antagonista di Wanda, che è stato corrotto dalla Darkhold. Nonostante le sue buone intenzioni, il dolore di Wanda l’ha in qualche modo accecata, portando a una tragica caduta che, secondo alcuni fan, non meritava.

“Tu infrangi le regole e diventi un eroe. Io lo faccio e divento il nemico“. La frase pronunciata da Wanda quando chiama in causa il Doctor Strange di Benedict Cumberbatch nel film – che in precedenza aveva fatto ricorso alla Darkhold e causato un’Incursione – è forse la più memorabile del personaggio di Olsen fino ad ora. Anche se Wanda non è del tutto nel giusto, il modo in cui la Olson la interpreta è di altissimo livello.

Falcon/Sam Wilson in The Falcon and the Winter Soldier (2021)

the falcon and the winter soldier
Falcon/Sam Wilson (Anthony Mackie) in Marvel Studios’ THE FALCON AND THE WINTER SOLDIER exclusively on Disney+. Photo by Chuck Zlotnick. ©Marvel Studios 2021. All Rights Reserved.

“But what would be the point of all the pain and sacrifice if I wasn’t willing to stand up and keep fighting?” – “Ma che senso avrebbe tutto il dolore e il sacrificio se non fossi disposto ad alzarmi e a continuare a lottare?”.

Grazie alla sua fedeltà e amicizia imperiture, Sam Wilson è sempre stato il braccio destro di Steve Rogers. Considerando lo sviluppo del personaggio di Sam di Anthony Mackie nel corso dei film (e ora nella serie The Falcon e Winter Soldier, che ha rappresentato una svolta importante in quanto lo ha introdotto come prossimo Capitan America), è logico che abbia pronunciato una frase così forte.

In una conversazione con la sorella Sarah Wilson, interpretata da Adepero Oduye, Sam fa un’ottima osservazione quando si chiede quale sarebbe il motivo di sopportare un tale dolore e sacrificio se non quello di difendere se stesso e gli altri. Si tratta di una frase che fa molto Sam Wilson e che dimostra, attraverso la sua personalità caparbia, che era davvero destinato a diventare il prossimo Capitan America.

Black Widow/Natasha Romanoff in Captain America: Civil War

Natasha Romanoff Black Widow Captain america: Civil War

“Staying together is more important than how we stay together.” – “Restare insieme è più importante di come si sta insieme”.

Nonostante appaia dura come un chiodo, è logico che l’unione e il lavoro di squadra siano una priorità per questo personaggio tosto ma incredibilmente affettuoso, considerando il passato straziante di Natasha Romanoff; ne ha passate tante e alla fine ha trovato una vera famiglia, legata dal cuore e non dal sangue, negli Avengers. In Civil War, Natasha sottolinea quanto i Vendicatori siano importanti per lei.

“Stare insieme è più importante di come stiamo insieme” è una delle migliori battute di Natasha Romanoff (Scarlett Johansson) nel MCU, perché sottolinea ulteriormente che si tratta di un personaggio dal cuore gentile che dà valore alla comunità e al legame umano, nonostante le prime impressioni. Come si evince dal suo tragico finale, Natasha è sempre stata una delle persone più premurose del franchise.

Captain America/Steve Rogers, in Captain America: The First Avenger (2011), Captain America: Civil War (2016), Avengers: Endgame (2019)

Captain America_Steve Rogers

“I can do this all day.” “Posso farlo tutto il giorno”.

Sarebbe impossibile non citare la frase di Steve Roger come la più iconica del franchise e come una delle più citate del Marvel Cinematic Universe. Sebbene la frase venga pronunciata in tre film diversi (con Civil War e Avengers: Endgame fanno riferimento a Captain America: Il primo vendicatore), sarebbe impossibile dimenticare la prima volta che Rogers disse che avrebbe potuto “fare questo tutto il giorno” mentre affrontava un bullo a Brooklyn quando era molto più piccolo.

Nonostante il suo valore di riutilizzo, la cosa più bella di questa citazione è che riassume molto bene la personalità forte e sicura di Steve, annotando perfettamente la sua resilienza di fronte alle sfide: è un nobile uomo di parola che non si arrenderà finché non avrà ottenuto ciò che vuole e fatto ciò che ritiene giusto.

Iron Man/Tony Stark, Avengers: Endgame (2019)

avengers: endgame iron man

“Everybody wants a happy ending. Right? But it doesn’t always roll that way.” “Tutti vogliono un lieto fine. Giusto? Ma non è sempre così”

Sebbene il personaggio di Robert Downey Jr. abbia avuto la sua buona dose di citazioni iconiche nel MCU (non dimentichiamo “Io sono Iron Man“, che ha insistito a ripetere vicino al letto di morte, facendo di conseguenza prendere a tutti i fazzoletti), una delle sue più memorabili è stata pronunciata anche in Endgame e fa luce su come non tutte le storie abbiano un lieto fine convenzionale – e va bene così.

Nel corso dell’intero franchise, Tony Stark ha sempre dimostrato di essere un realista estroverso che non ha paura di dire le cose come stanno, ed è proprio per questo che non si è tirato indietro contro Steve quando gli Accordi di Sokovia di Civil War hanno rotto la loro amicizia. Come è evidente, nonostante il suo grande ego, Stark non era il tipo di personaggio delirante che non vedeva le cose come stavano, e questa battuta – piuttosto commovente visto il contesto in cui viene pronunciata – lo evidenzia esattamente.

Matrix 5: 8 personaggi della saga che devono tornare nel nuovo film

Gianmaria Cataldo
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Matrix 5: 8 personaggi della saga che devono tornare nel nuovo film

Sebbene non sia stato rivelato molto sul prossimo Matrix 5, diretto da Drew Goddard (Quella casa nel bosco, 7 sconosciuti a El Royale), lo sviluppo di questo inaspettato sequel è in corso, ma per continuare adeguatamente la storia, alcuni personaggi devono necessariamente tornare in scena. Nel 2021, Matrix Resurrection ha come noto offerto un ulteriore sviluppo ad una vicenda che sembrava conclusa con il terzo film, Matrix Revolutions. Questo quarto film si conclude poi con un finale potenzialmente aperto, a partire dal quale il nuovo annunciato film probabilmente ripartirà. Dopo aver visto quali storie ad ora incompiute Matrix 5 potrebbe dover risolvere, vediamo ora quali personaggi sarebbe importante ci fossero anche nel prossimo capitolo.

Thomas Anderson alias Neo

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Thomas Anderson è il personaggio centrale della serie di film Matrix. Non solo è una parte centrale della storia, ma fino a questo punto l’intera vicenda tende a ruotare intorno a lui e alla sua posizione di prescelto che ha liberato gli esseri umani dalla schiavitù delle macchine. Neo, come viene chiamato, è un uomo che possiede incredibili poteri e abilità all’interno del mondo di Matrix e può letteralmente cambiare la realtà e le leggi della natura secondo la sua volontà.

In Matrix Revolutions, Neo ha dato la sua vita per liberare gli umani e impedire alle macchine malvagie di distruggere le persone che si erano liberate dal loro controllo. Tuttavia, le cose sono cambiate molto nei 60 anni trascorsi tra Matrix Revolutions e Matrix Resurrection, il che ha fatto sì che Mr. Anderson dovesse essere estratto da Matrix per combattere ancora una volta in battaglia. Ora lui e Trinity hanno realizzato i loro poteri congiunti e si sono impegnati a ricostruire Matrix come meglio credono, il prossimo film dovrà affrontare questi eventi.

Trinity

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L’altra metà di Neo, Trinity è stata una delle principali combattenti per la libertà che hanno contribuito a far uscire Thomas Anderson da Matrix nel film del 1999. Nella trilogia originale, Trinity si rivelò essere l’amore predestinato del prescelto, che avrebbe dato il suo cuore alla persona in grado di salvare l’umanità. Trinity, come noto, muore in Matrix Revolutions, ferita a morte mentre volava con Neo nella Città delle Macchine.

Tuttavia, è stata resuscitata insieme a Neo per la versione riavviata di Matrix in Matrix Resurrection. Mentre Neo ha mantenuto alcuni dei suoi ricordi e il suo nome precedente, Trinity ha avuto una vita completamente nuova, con un marito e dei figli. Si faceva chiamare Tiffany, prima che Neo la aiuti a riacquistare i suoi ricordi e a unirsi nuovamente a lui. Il tutto si conclude con Trinity che acquisisce un potere pari a quello di Neo, essendo una parte di lui, e i due tornano insieme. Matrix 5, ovviamente, dovrà mostrare cosa succederà ora ai due innamorati.

Agente Smith

Hugo Weaving Matrix

 

L’antitesi di Neo, ma anche un’altra persona che condivideva parte del suo destino e della sua profezia, l’Agente Smith era un programma disonesto che inizialmente serviva Matrix e manteneva l’ordine per conto delle macchine. Smith ha mostrato un’intelligenza e una personalità incredibilmente elevate quando ha incontrato Neo. Egli disprezza chiaramente gli esseri umani, a un livello che va oltre l’essere un programma, e grazie alla sua ambizione e determinazione ha trovato il modo di corrompere il suo programma e di annullare alcune parti di Matrix.

È stato anche restaurato insieme a Neo e Trinity, visto il suo stretto legame con il protagonista. Sebbene l’attore sia stato cambiato in Matrix Resurrection da Hugo Weaving a Jonathan Groff, sappiamo che Weaving non ha potuto riprendere il ruolo a causa di conflitti di programmazione ma potrebbe essere più disponibile per Matrix 5. In tal caso, è importante esplorare il futuro di Smith, che si è rivolto all’Analista e ha lavorato brevemente con Neo in Matrix Resurrection. Quell’alleanza non sarebbe mai potuta durare, ed esplorare cosa accadrà in seguito sarebbe incredibilmente interessante.

Bugs

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Bugs è stata introdotta per la prima volta in Matrix Resurrection, dove era una vera e propria credente nella leggenda di Neo, e ha avuto un ruolo fondamentale nel riportare Neo fuori da Matrix. Bugs sembra essere una figura molto importante, poiché il suo tatuaggio e il suo soprannome la collegano alla vita originale di Neo nel primo film di Matrix e al modo in cui è arrivato a capire che la realtà era semplicemente un programma all’interno del quale viveva. Bugs era un membro rispettato della comunità di Io e, dopo il suo lavoro con Neo, è probabile che abbia guadagnato ancora più attenzione.

Per dare un finale significativo al personaggio di Bugs e al suo ruolo nel futuro, ricostruendo una nuova Matrix con Neo e Trinity o aiutando a guidare la popolazione di Io, è importante scoprire cosa accadrà in seguito. Matrix Resurrection si è concluso con una nota piuttosto aperta e ambigua, con molti personaggi che non hanno trovato una soluzione adeguata alla loro storia. Il principale di questi è Bugs, che sicuramente avrà un ruolo fondamentale nella storia futura.

Bambino

Matrix Bambino

Bambino è stato uno dei personaggi più interessanti ad apparire nella trilogia originale come cittadino di Zion sia in Matrix Reloaded che in Matrix Revolutions. Egli è una delle poche persone conosciute in grado di sfuggire a Matrix attraverso l’autosostentamento, ovvero senza bisogno della pillola rossa. La sua volontà e la sua capacità di dare un senso al mondo che lo circondava erano notevoli e aveva una fede devota in Neo come salvatore di Zion.

Grazie alle sue notevoli capacità e al suo intelletto, sembrava che Bambino fosse destinato a uno scopo più importante dopo la trilogia originale, ma poco viene rivelato sul suo destino. Considerando il lasso di tempo di 60 anni, è certo che sia molto più vecchio, ma era giovane quando Neo si è sacrificato e se Niobe è riuscita a sopravvivere, è possibile che lo abbia fatto anche lui. Per Matrix 5 è d’obbligo scoprire di più sulla sua storia e se avesse uno scopo più importante dopo il sacrificio di Neo.

L’Oracolo

matrix oracolo

L’Oracolo era una parte fondamentale della Matrice originale, che condivideva le voci della grande profezia e aiutava a guidare l’umanità nella sua speranza. Tuttavia, era anche un programma di Matrix, collocato lì intenzionalmente per servire gli scopi dell’Architetto. Era unica nel suo genere, in quanto si schierò dalla parte degli umani e portò avanti attivamente i mezzi che si sperava potessero porre fine al programma di Matrix.

In Matrix Resurrection, viene rivelato che quando fu creata l’ultima versione di Matrix, ci fu un’ampia epurazione del sistema. In tale epurazione, l’Oracolo è stato uno dei programmi eliminati. Tuttavia, non sempre i programmi scompaiono completamente anche quando vengono eliminati. È possibile che l’Oracolo possa essere ripristinato o addirittura ricreato da Neo e Trinity in una versione aggiornata di Matrix. Un suo ritorno in Matrix 5 potrebbe donare nuovi scopi ai protagonisti e alla saga stessa.

Sati

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Sati appare per la prima volta come una giovane ragazza in Matrix Revolutions. Tuttavia, nonostante il suo aspetto, Sati è in realtà un programma creato da altri due programmi senza alcuna funzione, se non quella di essere. Neo impedisce che il giovane programma venga cancellato e lo affida alle cure dell’Oracolo. Mentre si trova lì, l’Oracolo le rivela che un giorno avrà uno scopo più grande.

In Matrix Resurrection, una Sati ormai cresciuta appare infatti a Neo e gli rivela il suo ruolo nel prendersi cura di lui mentre vive nella nuova versione di Matrix. Sati fornisce inoltre a Neo e a Niobe istruzioni e indicazioni chiare su come salvare Trinity dalle capsule in cui le macchine l’hanno rinchiusa. Sati tuttavia ha avuto un ruolo piuttosto breve nel quarto film, ma sembra che sia diventata un po’ come il suo tutore adottivo, fornendo guida e speranza a chi ne ha bisogno. Un suo ritorno in Matrix 5 è dunque doveroso.

Morpheus

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Morpheus (interpretato da Laurence Fishburne nei primi tre film) è uno dei personaggi più importanti della serie di Matrix e uno degli unici a cambiare drasticamente aspetto nel corso della serie. Il motivo è che il Morpheus umano e mortale è effettivamente morto nei 60 anni che intercorrono tra la morte di Neo in Matrix Revolutions e Matrix Resurrection. Il Morpheus che Neo incontra nel quarto film è infatt solo un programma che ha unito parti dell’Agente Smith e del suo mentore e amico Morpheus dai ricordi onirici di Neo stesso.

Morpheus aiuta Neo a vedere la verità su Matrix sia nella trilogia originale che nel successivo sequel e, come programma, svolge un ruolo fondamentale nell’aiutarlo a conoscere Io e il nuovo mondo nato dal suo sacrificio. Il programma Morpheus ha il potenziale per essere una parte significativa dei film futuri, specialmente con il precedente che potrebbe cambiare forma ed esistere come saggio programma guida per i combattenti per la libertà. In definitiva, realizzare Matrix 5 senza Morpheus sarebbe un errore.

Il Segreto di Liberato: il nuovo film di Francesco Lettieri

Chiara Guida
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Il Segreto di Liberato: il nuovo film di Francesco Lettieri

Uscirà il 9 maggio, data simbolica per chi conosce il cantante partenopeo, Il Segreto di Liberato, il nuovo film che Francesco Lettieri (Ultras, Lovely Boy) ha scritto e dirige insieme a Giorgio Testi, con le animazioni di Giuseppe Squillaci e LRNZ.

Con le voci di Liberato, Nando Paone e Simona Tabasco, il film sarà distribuito al cinema da Be Water Film per una settimana. Del progetto si sa ancora molto poco, fatta eccezione che per le bellissime illustrazioni di LRNZ e per una breve sinossi “in lingua”:

“A NAPULE TUTT’ QUANT’ TENIMM’ ‘NU SEGRET’.OGNI VICO, OGNI PALAZZO, OGNI MURO TEN’ ‘E MISTER’ SUOJE.CE STA ‘O SEGRET’ ‘RO MUNACIELL’, ‘ A BELLA ‘MBRIANA, ‘O SANG’ ‘E SANGENNARO, ‘E PRET’ ‘DA PEDAMENTINA, ‘A SIRENA PARTENOPE, LL’OV’ SOTT’ ‘OCASTIELL’, ‘O SEGRET’ ‘E PULECENELL’…E PO’ CE STA ‘O SEGRET’ MIE.”

Joker: Folie à Deux, ecco la preview del trailer in arrivo stanotte

Chiara Guida
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Joker: Folie à Deux, ecco la preview del trailer in arrivo stanotte

L’account Instagram di Joker: Folie à Deux ha diffuso la preview del trailer del film che arriverà questa notte alle 3.30 ora italiana.

Joker: Folie à Deux, quello che sappiamo sul film

Joker: Folie à Deux presenterà il ritorno di Joaquin Phoenix mentre riprende il ruolo del cattivo DC Joker. Il sequel presenterà anche il ritorno di Sophie di Zazie Beetz  insieme ai nuovi arrivati ​​Brendan Gleeson, Catherine Keener, Jacob Lofland e Harry Lawtey. Nel cast c’è Lady Gaga che darà vita a Harley Quinn. I dettagli della trama sono ancora per lo più nascosti, ma sappiamo che la maggior parte del film si svolgerà ad Arkham Asylum e conterrà significativi “elementi musicali”. Rumors recenti inoltre hanno anche suggerito che la versione di Gaga su Harley Quinn avrà un ruolo più importante di quanto originariamente riportato, con la storia che si svolge interamente dal suo punto di vista.

Il film di Todd Phillips del 2019 è stato un successo sia di critica che commerciale con un incasso mondiale di oltre 1 miliardo di dollari al botteghino, rendendolo il film con il maggior incasso di tutti i tempi. Ha ricevuto riconoscimenti da numerosi importanti enti premiati, tra cui due Oscar e due Golden Globe, sia per il miglior attore che per la miglior colonna sonora. Il sequel di Joker sarà conosciuto come un progetto Elseworlds, secondo il co-presidente dei DC Studios James Gunn. I film con questa denominazione sono al di fuori della continuità principale del DCU. Altri progetti Elseworlds includono The Batman – Parte II e la serie The Penguin. L’uscita in sala del sequel è attualmente fissata al 4 ottobre 2024.

George Lucas riceverà la Palma d’oro alla carriera a Cannes 2024

Chiara Guida
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George Lucas riceverà la Palma d’oro alla carriera a Cannes 2024

Leggenda di Hollywood, il regista, sceneggiatore e produttore George Lucas riceverà la Palma d’oro alla carriera sabato 25 maggio, in occasione della cerimonia di chiusura del 77esimo Festival di Cannes 2024.

Alla sola menzione del suo nome si illumina un’intera sezione della Settima Arte e si sentono alcune indimenticabili note musicali (di John Williams!). Inseparabile dalle saghe di Star Wars e Indiana Jones, George Lucas ha regalato per sempre ai film di successo una storia illustre e al pubblico di tutto il mondo un piacere senza eguali.

“Il Festival di Cannes ha sempre avuto un posto speciale nel mio cuore. Sono rimasto sorpreso ed euforico quando il mio primo film, THX-1138, è stato selezionato per essere proiettato in un nuovo programma per registi esordienti chiamato Quinzaine des Réalisateurs. Da allora, sono tornato al festival in molte occasioni in vari ruoli come scrittore, regista e produttore. Sono davvero onorato di questo riconoscimento speciale che significa molto per me.”

La Palma d’Oro Onoraria gli sarà consegnata sul palco del Grand Théâtre Lumière durante la Cerimonia di Chiusura sabato 25 maggio 2024. Il Festival di Cannes è lieto di rendere omaggio a una delle più grandi figure del cinema contemporaneo, un uomo dalla carriera straordinaria, che unisce grande spettacolo e innovazione, mitologia e modernità, cinefilia e tecnologia.

La cerimonia di chiusura del 77° Festival di Cannes 2024 si terrà la sera del 25 maggio. Camille Cottin fungerà da maestro di cerimonia.

Fabbricante di lacrime: le location dove è stato girato il film Netflix

Gianmaria Cataldo
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Fabbricante di lacrime: le location dove è stato girato il film Netflix

Da quando è arrivato su Netflix, il 4 aprile, Fabbricante di lacrime (qui la recensione) è divenuto subito uno dei titoli più visti del momento sulla piattaforma, ottenendo ottimi riscontri anche all’estero. Sì, perché nonostante presenti un racconto ambientato negli Stati Uniti e con protagonisti ragazzi americani, il film è un progetto tutto italiano, diretto dal regista Alessandro Genovesi (10 giorni senza mamma, 7 donne e un mistero) a partire dal romanzo omonimo scritto dall’autrice Erin Doom. Questo adattamento di un grande successo editoriale era molto atteso da tempo, dunque non sorprende il successo che sta ottenendo.

Poiché è stato girato in Italia, i luoghi presenti nel film sono facilmente visitabili e qui di seguito si andrà proprio alla scoperta dei principali tra essi. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Fabbricante di lacrime. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e, in particolare, alle location dove è stato girato il film. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Il libro di Erin Doom

La storia editoriale di Fabbricante di lacrime è esemplificativa delle nuove possibilità che questo settore offre ai giovani emergenti. Nel 2017 Erin Doom condivise a puntate i suoi primi due libri, Nel modo in cui cade la neve e Fabbricante di lacrime, sul social network Wattpad, dove riscossero un notevole successo. Nel dicembre del 2020 decise poi di pubblicare a proprie spese su Amazon Fabbricante di lacrime che entrò subito in classifica. Poco dopo venne contattata da Magazzini Salani, che ne acquisì i diritti e decise di ripubblicarlo nel maggio del 2021 in un’edizione riveduta. Con circa 450.000 copie vendute è poi risultato essere il libro più venduto in Italia nel 2022.

Fabbricante di lacrime libro
Ph: Loris T. Zambelli/Netflix

La trama e il cast di Fabbricante di lacrime

Tra le mura del Grave, l’orfanotrofio in cui Nica è cresciuta, si racconta da sempre una leggenda: quella del Fabbricante di lacrime, un misterioso artigiano, colpevole di aver forgiato tutte le paure e le angosce che abitano il cuore degli uomini. Ma a diciassette anni per Nica è giunto il momento di lasciarsi alle spalle le favole. Il suo sogno più grande, sta per avverarsi: i coniugi Milligan hanno avviato le pratiche per l’adozione e sono pronti a donarle la famiglia che ha sempre desiderato. Nella nuova casa, però, Nica non è da sola. Insieme a lei viene portato via dal Grave anche Rigel, un orfano inquieto e misterioso.

Egli è l’ultima persona al mondo che Nica desidererebbe come fratello adottivo. Rigel è intelligente, suona il pianoforte come un demone incantatore ed è dotato di una bellezza in grado di ammaliare. Anche se Nica e Rigel sono uniti da un passato comune, la convivenza tra loro sembra impossibile. Ma gentilezza e rabbia sono solo due diversi modi di combattere il dolore e saranno destinati a diventare l’una per l’altro proprio quel Fabbricante di Lacrime della leggenda. Al Fabbricante non puoi mentire e loro dovranno trovare il coraggio di accettare quella forza che li attrae che si chiama amore.

Protagonisti del film, nel ruolo di Nica e Rigel, sono gli attori Caterina Ferioli e Simone Baldasseroni. Mentre quest’ultima è qui al suo primo ruolo in un film, Baldasseroni è invece meglio noto con lo psudonimo Biondo, ed è un rapper con già 4 album all’attivo, oltre ad aver partecipato ai film È per il tuo bene e 50km all’ora. Recitano poi nel film Alessandro Bedetti nel ruolo di Lionel, Nicky Passarella in quello di Billie e Sveva Romana Candelletta nel ruolo di Miki. Infine, Roberta Rovelli interpreta Anna, Orlando Cinque è Norman e Sabrina Paravicini interpreta Margaret.

Fabbricante di lacrime location
Ph: Loris T. Zambelli/Netflix

Le location di Fabbricante di lacrime: dove è stato girato il film?

Come noto, il racconto è ambientato in una piccola città del Minnesota, negli Stati Uniti. Tuttavia, le riprese si sono in realtà svolte in Italia e in particolare a Roma e dintorni. La produzione si è dunque impegnata a far sì che i luoghi prescelti potessero reggere l’illusione di un racconto ambientato ben altrove. Innanzitutto per il Grave, l’orfanotrofio al centro del racconto, dove sono cresciuti i due protagonisti Nica e Rigel, è stato utilizzato il complesso del Buon Pastore, in via di Bravetta a Roma, edificio risalente alla prima metà del Novecento collocato all’interno della Riserva naturale della Valle dei Casali.

La casa dei coniugi Milligan, che adottano i due protagonisti, è invece una villetta situata in via del Pianello, a Bracciano, La Barnaby High School, che Nica e Rigel iniziano a frequentare dopo essere stati adottati, deve il suo ingresso al Museo Lasalle, Casa Generalizia dei Fratelli delle Scuole Cristiane, situato in via Aurelia 476, a Roma. Qui i due giovani conoscono Miki, che vive invece in una residenza in stile inglese che nella realtà è conosciuta come Villa York, situata nella campagna a nord di Roma lungo la via Cassia, nel territorio di Campagnano Romano.

L’edificio neoclassico che fornisce gli esterni del tribunale è invece l’Accademia Britannica, in via Antonio Gramsci 61 nel parco di Villa Borghese a Roma. Nel visitarla, si può dunque effettuare un ampio giro nel parco, il quale come noto contiene numerosi luoghi di grande fascino. Infine, una delle location più affascinanti del film è senza dubbio il ponte di ferro che conduce alla scuola dei ragazzi. Nella realtà, questo è il ponte che a Pescara collega piazza Garibaldi con via Orazio. Per chi si fosse chiesto dove è girata la scena iniziale, questa ha come sfondo il Parco nazionale del Gran Sasso e Monti della Laga.

Il trailer del film e come vederlo in streaming su Netflix

Come anticipato, è possibile fruire di Fabbricante di lacrime unicamente grazie alla sua presenza nel catologo di Netflix, dove attualmente è al 1° posto della Top 10 dei film più visti sulla piattaforma in Italia. Per vederlo, basterà dunque sottoscrivere un abbonamento generale alla piattaforma scegliendo tra le opzioni possibili. Si avrà così modo di guardare il titolo in totale comodità e al meglio della qualità video, avendo poi anche accesso a tutti gli altri prodotti presenti nel catalogo.

Michael B. Jordan raggiunto da attori di The Batman e Loki nel suo nuovo thriller soprannaturale

Chiara Guida
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Michael B. Jordan raggiunto da attori di The Batman e Loki nel suo nuovo thriller soprannaturale

Michael B. Jordan sta collaborando con il regista di Creed e Black Panther Ryan Coogler per recitare in un thriller soprannaturale, che tutti i report indicano come un film sui vampiri. Nuovi membri del cast stanno ora iniziando a essere rivelati e includono volti familiari di The Batman e Loki.

Secondo Deadline, Jayme Lawson (The Batman) è entrato a far parte del cast del thriller senza titolo in un ruolo non rivelato. THR ha anche rivelato che anche Wunmi Mosaku (Loki) è stato scelto per un ruolo misterioso. I loro casting seguono le recenti aggiunte di Delroy Lindo e Jack O’Connell. Coogler scriverà e dirigerà il film, che ha scatenato un’intensa guerra di offerte prima che la Warner Bros. acquisisse i diritti. I dettagli della trama sono ancora in gran parte sconosciuti, al di là dei report secondo i quali il film coinvolgerà i vampiri, e si dice che Jordan interpreterà dei gemelli. Le riprese del film inizieranno alla fine di questo mese per una data di uscita fissata al 7 marzo 2025.

Mosaku ha interpretato B-15 nella serie Loki dei Marvel Studios su Disney+. È anche conosciuta per i suoi ruoli in altri spettacoli tra cui Lovecraft Country, Luther, We Own This City, Black Mirror e Vera. Nel film, ha avuto un ruolo nei film in franchising Batman v Superman: Dawn of Justice e Animali fantastici e dove trovarli. Più recentemente, ha avuto ruoli nei film Call Jane e Alice, Darling.

Lawson potrebbe essere meglio conosciuto per aver interpretato il sindaco di Gotham City Bella Reál in The Batman, il film di supereroi di Matt Reeves con Robert Pattinson nei panni del Cavaliere Oscuro. È apparsa anche in film come Till, The Woman King e How to Blow Up a Pipeline. Lawson ha interpretato una giovane Michelle Obama nella miniserie del 2022 The First Lady, e più recentemente è stata nella quarta stagione della serie Genius del National Geographic.

David Harbour nel cast del nuovo progetto di Sylvester Stallone

Chiara Guida
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David Harbour nel cast del nuovo progetto di Sylvester Stallone

Da quando ha scritto e interpretato Rocky (1976), Sylvester Stallone è stato un pilastro del genere d’azione a Hollywood. Il suo ultimo progetto, Levon’s Trade, ha appena scelto la star di Stranger Things David Harbour, insieme ad altri grandi nomi, per arricchire il suo cast.

Secondo Deadline, Harbour si è unito al cast di Levon’s Trade insieme a Michael Peña, Jason Flemyng e Arianna Rivas. Il film sarà diretto da David Ayer, che ha molta esperienza nel genere. Ayer ha diretto Harsh Times (2005), End of Watch (2012), Suicide Squad (2016) e The Beekeeper (2023).

La sceneggiatura di Levan’s Trade è stata scritta da Stallone e rivista da Ayer, ed era basata sul romanzo omonimo dell’autore di fumetti Chuck Dixon, meglio conosciuto per il suo lavoro con la Marvel su The Punisher e con la DC su personaggi come Batman, Nightwing, e Robin. Il romanzo adattato da Stallone e Ayer è il primo degli undici libri della serie di romanzi gialli di Levon Cade.

La sinossi ufficiale recita: “Levon Cade (Statham) ha lasciato la sua ‘professione’ alle spalle per andare dritto e lavorare nell’edilizia. Vuole vivere una vita semplice ed essere un buon padre per sua figlia (Gie). Ma quando la figlia adolescente del suo capo, Jenny (Rivas) scompare, è chiamato a impiegare nuovamente le abilità che lo hanno reso una figura leggendaria nell’oscuro mondo delle operazioni segrete. La sua caccia allo studente universitario scomparso lo porta nel cuore di una sinistra cospirazione criminale che crea un reazione a catena che minaccerà il suo nuovo modo di vivere.”

Peña, Harbour e Jason Statham, scelto per il ruolo principale, hanno già collaborato e hanno una storia lavorativa con David Ayer. Peña e Harbour hanno recitato in End of Watch, un thriller d’azione in stile documentario che segue il personaggio di Peña e quello di Jake Gylenhaal mentre pattugliano uno dei quartieri più pericolosi di Los Angeles.

David Harbour è diventato famoso nel 2016 con l’uscita dello show di successo di Netflix Stranger Things. Da allora, l’attore ha continuato a recitare in ruoli importanti, come assumere il ruolo principale in Hellboy (2019). Ha anche interpretato una versione molto arrabbiata e molto bellicosa di Babbo Natale in Violent Night (2022). Harbour ha recitato in Gran Turismo (2023) e ha doppiato Eric Frankenstein nel film animato Creature Commandos della DC. L’attore apparirà anche nel film Marvel del 2025, Thunderbolts, nel ruolo di Red Guardian.

Grey’s Anatomy 20 in streaming dal 25 Aprile su Disney+

Redazione
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Grey’s Anatomy 20 in streaming dal 25 Aprile su Disney+

Disney+ ha annunciato che Grey’s Anatomy tornerà in Italia il 25 aprile sulla piattaforma streaming per la sua attesissima ventesima stagione, con nuovi episodi settimanali ogni giovedì. Le prime diciannove stagioni sono già disponibili in streaming.

Grey’s Anatomy è considerata una delle più grandi serie televisive contemporanee. Il medical drama, giunto alla sua ventesima stagione, segue un gruppo di medici del Grey Sloan Memorial che si trovano quotidianamente ad affrontare decisioni di vita o di morte. Cercano conforto l’uno nell’altro e, a volte, più di una semplice amicizia. Insieme scoprono che nella medicina e nelle relazioni non è tutto bianco o nero.

Grey’s Anatomy vede protagonisti Ellen Pompeo (Meredith Grey), Chandra Wilson (Miranda Bailey), James Pickens Jr. (Richard Webber), Kevin McKidd (Owen Hunt), Caterina Scorsone (Amelia Shepherd), Camilla Luddington (Jo Wilson), Kim Raver (Teddy Altman), Jake Borelli (Levi Schmitt), Chris Carmack (Atticus “Link” Lincoln), Anthony Hill (Winston Ndugu), Alexis Floyd (Simone Griffith), Harry Shum Jr. (Benson “Blue” Kwan), Adelaide Kane (Jules Millin), Midori Francis (Mika Yasuda) e Niko Terho (Lucas Adams).

Le guest star della ventesima stagione di Grey’s Anatomy

Tra le prime guest star annunciate per questa stagione ci saranno Jessica Capshaw che riprenderà il suo ruolo nei panni di Arizona Robbins, mentre Alex Landi tornerà nel ruolo del dottor Nico Kim. Nel frattempo, Natalie Morales arriverà al Grey Sloan Memorial Hospital per interpretare Monica Beltran, un chirurgo pediatrico il cui pragmatismo e la cui lucidità l’hanno resa una delle migliori nel suo campo. La sua volontà di spingersi oltre i limiti può essere ammirevole e seccante, ma è sempre finalizzata a fornire cure di alta qualità ai suoi pazienti. Freddy Miyares si unisce al cast con un ruolo ricorrente nel ruolo di Dorian, un paziente intelligente, affettuoso e simpatico che è stato coinvolto in un grave incidente e sta lottando per il suo futuro.

Shonda Rhimes è l’ideatrice e la produttrice esecutiva di Grey’s Anatomy. Meg Marinis è showrunner e produttrice esecutiva. Betsy Beers, Mark Gordon, Debbie Allen ed Ellen Pompeo sono produttori esecutivi. La serie è prodotta da ABC Signature, parte dei Disney Television Studios.

EVIL: trailer della quarta stagione in arrivo su Paramount+

Redazione
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EVIL: trailer della quarta stagione in arrivo su Paramount+

Paramount+ ha svelato il trailer ufficiale la data della première della stagione finale della serie originale EVIL, amata dai fan e acclamata dalla critica.

La serie, che ha recentemente iniziato la produzione a New York City dei quattro episodi bonus precedentemente annunciati, sarà trasmessa in anteprima, dopo gli Stati Uniti e il Canada, venerdì 24 maggio in Italia, Australia, Francia, Germania, Svizzera e Austria.

La trama della quarta stagione di EVIL

Nella nuova stagione, Kristen, David e Ben continueranno a esaminare casi di sperimentazione tecnologica, maiali posseduti, oppressione e infestazione demoniaca, una musa danzante evocata da presunte streghe e una reliquia malvagia. Nel frattempo, Leland tenta di convincere Kristen a crescere un bambino anticristo concepito con il suo ovulo. David viene reclutato dai servizi segreti del Vaticano per la “visione remota”, una capacità paranormale di vedere l’invisibile per individuare il male. Ben viene colpito da un fascio di ioni che gli provoca visioni di un demone che lo deride, finché non scopre una soluzione insolita per scacciarlo. Infine, tutti e tre si rendono conto che restano solo poche settimane per esaminare i casi, perché la parrocchia ha deciso di sciogliere la squadra per mancanza di fondi. Il tutto culmina in un ultimo confronto con Leland e le 60 famiglie che costituiscono il Male nel mondo moderno.

La serie EVIL è interpretata da Katja Herbers, Mike Colter, Aasif Mandvi, Michael Emerson, Kurt Fuller, Andrea Martin, Christine Lahti, Brooklyn Shuck, Skylar Gray, Maddy Crocco e Dalya Knapp. EVIL è prodotto da CBS Studios in associazione con King Size Productions. Robert King, Michelle King, Liz Glotzer, Rockne S. O’Bannon e Sam Hoffman sono i produttori esecutivi. La serie è distribuita a livello internazionale da Paramount Global Content Distribution.

Kiseiju – La zona grigia: recensione del k-drama Netflix

Annarita Farias
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Kiseiju – La zona grigia: recensione del k-drama Netflix

Il grande e visionario regista Yeon Sang-ho (conosciuto per gli acclamati film Train to Busan e Peninsula, e la cupa serie Hellbound) torna su Netflix con il primo spin-off sudcoreano dell’iconico manga giapponese Parasyte di Hitoshi Iwaaki, pubblicato da KODANSHA Ltd nel 1989 e da cui è tratto anche l’anime Kiseiju – L’ospite indesiderato. La miniserie – intitolata Kiseiju – La zona grigia (titolo originale Parasyte – The Grey) e costituita da 6 episodi di circa 50 min ciascuno – è un eccitante e cruento body horror che rielabora la storia di Shinichi e Miji in una chiave sudcoreana del tutto nuova e inaspettata. In questa lotta tra parassiti e umani, infatti, il protagonista non è più l’introverso Shinichi, bensì la giovane sfortunata Jeong Su-in, interpretata dalla talentuosa attrice Jeon So-nee, già nota per i suoi ruoli in Encounter, When My Love Blooms e Our Blooming Youth.

Kiseiju – La zona grigia, la trama

In seguito a un inspiegabile evento cosmico, la vita sulla Terra è sconvolta dall’arrivo di migliaia di misteriose larve aliene che, dopo essere cadute dal cielo, si insinuano nei cervelli degli esseri umani, nutrendosi di essi e prendendo possesso dei loro corpi. I parassiti, privi di qualsiasi forma di coscienza, seguono unicamente il loro istinto di sopravvivenza, diffondendo morte e scompiglio ovunque vadano. Ed è proprio a causa di questa tragica invasione che, dopo un violento attacco, si forma il “Grey Team”, una task force militare guidata dalla coraggiosa e determinata Jun-Kyung (interpretata da Lee Jung-hyun, Peninsula, Decision to Leave), istituita con lo scopo di smascherare e sterminare definitivamente i violenti parassiti.

Mentre i questi iniziano a evolversi, creando piccole sanguinarie comunità, e Jun-Kyung è impegnata in una guerra pericolosa e imprevedibile, un evento ancora più straordinario accade alla giovane Jeong Su-in (Jeon So-nee): svenuta e in fin di vita, diventa l’ospite di un parassita che non riesce a prendere completamente il controllo del suo cervello, possedendo quindi solo parzialmente il suo corpo e per pochi minuti al giorno. È così che, proprio come il dottor Jekyll e Mr Hyde, Su-in si trova presto a dover condividere la propria esistenza con il (non poi così malvagio) parassita “Heidi”.

“Se la popolazione umana si riducesse a un centesimo, i veleni diminuirebbero nella stessa misura?”

Fin dai primissimi istanti dell’episodio 1, emerge chiaramente l’intenzione di Yeon Sang-ho di creare un prodotto in gran parte diverso dalla fonte da cui trae ispirazione. Kiseiju – La zona grigia, infatti, si discosta dagli elementi tipici del romanzo di formazione che caratterizzavano il malinconico racconto dell’adolescente Shinischi e del suo parassita Migi, per abbracciare un’atmosfera horror ancor più cupa, angosciante e con un marcato taglio socio-politico. L’episodio 1 si apre con una premessa che sottolinea una critica sociale e politica intensa: se le azioni umane rappresentano la principale fonte di dolore nel mondo, quale sarebbe l’effetto di una drastica riduzione della popolazione? Saremmo capaci di ridurre le sofferenze e le tragedie che affliggono il nostro pianeta?

Ancora una volta, il maestro Yeon Sang-ho cela dietro le sue oscure e spaventose creature riflessioni profonde sull’autodistruzione umana. Che siano zombie o alieni a minacciare e parassitare la Terra, poco conta. L’opera di Yeon riesce magistralmente a mettere in evidenza come la malvagità e l’imprudenza umana siano più pericolose e dannose di qualsiasi altra forma mostruosa di male. A questo doloroso e potente messaggio, il regista aggiunge – attraverso i personaggi di Jeong Su-In e del furfante Koo Kyo-hwan (interpretato dall’attore Seol Kang-woo) – una speranza sincera e commovente: la chiave per la sopravvivenza risiede nell’unione e nella fiducia reciproca.

Kiseiju - La zona grigia | Immagine dal set.
Kiseiju – La zona grigia | Immagine dal set. Cr. Cho Wonjin/Netflix © 2024

Convivere con il proprio dolore e rinascere

Al di là delle intense scene d’azione, la trama avvincente e la critica socio-politica ben definita, un altro aspetto distintivo della serie è la straordinaria resilienza dei suoi personaggi principali, partendo da quelli femminili. Attraverso pochi flashback, infatti, il pubblico è immediatamente coinvolto nel vissuto delle protagoniste Su-In e Jun-Kyung, generando una forte empatia. Pur conoscendo ben poco sul loro passato, dunque, il pubblico viene catapultato direttamente nei loro traumi, in quei ricordi così tragici e dolorosi da aver segnato profondamente le loro vite e loro stesse. La lotta contro i mostruosi e spietati parassiti diventa così per entrambe un vero e proprio percorso di guarigione, un’opportunità per imparare a convivere con il proprio dolore e rinascere.

In particolare, il legame tra Su-In e il suo parassita diventa sempre più emblematico episodio dopo episodio, rivelando una profonda interdipendenza, elemento che caratterizza anche l’opera nipponica originale. Il parassita, nominato appunto Heidi, e Su-In sviluppano una relazione che va al di là della mera sopravvivenza. Mentre Heidi assiste Su-In nel processo di elaborazione dell’abbandono della madre e delle violenze subite dal padre; Su-In, a sua volta, instilla in Heidi l’importanza e il coraggio necessari per affidarsi agli altri, compresi i suoi simili.

Kiseiju – La zona grigia | Immagine dal set. In foto gli attori (da sinistra a destra) Koo Kyo-hwan, Yoon Hyun-gil e Jeon So Nee. Cr. Cho Wonjin/Netflix © 2024

In altre parole, Su-In non si limita a dimostra a Heidi quanto gli esseri umani possano sentirsi fragili e soli, ma anche e soprattutto quanto grande sia la forza naturale dell’umanità quando confida nella comunità e nella solidarietà reciproca. L’ambivalenza di questo personaggio diventa quindi una metafora potente del concetto che non si è soli su questa Terra, né tantomeno nell’universo, e che anche nei momenti più bui, c’è sempre la possibilità di trovare conforto e sostegno negli altri.

Un horror Netflix degno di Hitoshi Iwaaki

Con effetti speciali spettacolari, una buona dose di splatter e sequenze di azione coreografate in modo impeccabile grazie anche all’uso di rapidi movimenti di macchina, l’opera di Yeon Sang-ho riesce in pochi episodi a catturare l’attenzione del pubblico, immergendolo completamente nella stessa angoscia, repulsione e collera evocate dalla narrazione di Hitoshi Iwaaki.

Nonostante alcune lacune narrative e il ritmo precipitoso, Kiseiju non solo offre uno spettacolo visivo coinvolgente e convincente, ma arricchisce la narrazione con riflessioni che, seppur non del tutto originali (come dimostra La Creatura di Gyeonseong), regalano al pubblico un’esperienza televisiva cupa, intensa e decisa, all’altezza dell’opera madre.

Scream VII: i primi dettagli parlano di una “questione di famiglia”

Chiara Guida
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Scream VII: i primi dettagli parlano di una “questione di famiglia”

Scream VII si preannuncia come un affare di famiglia. Sono emersi nuovi dettagli sulla trama del sequel meta-slasher, rivelando che la famiglia di Sidney Prescott sarà l’obiettivo principale di Ghostface.

Secondo l’insider Daniel Richtman (via X), “Stanno cercando di scegliere i due figli di Sid. Sembra che il film si concentrerà sulla famiglia di Sid poiché tutti e 4 (lei, suo marito e i 2 figli) sono elencati come protagonisti.” Questi dettagli della trama sembrano confermare che Scream VII non presenterà nessuno dei personaggi introdotti nei sequel Scream (2022) e Scream VI (2023), in particolare i Core Four. Invece, il franchise si concentrerà nuovamente sulla protagonista originale, Sidney Prescott, con Neve Campbell che tornerà nel ruolo dopo che il personaggio era assente da Scream VI.

Mentre Campbell è finora l’unico nome ufficialmente collegato a Scream VII, secondo quanto riferito, anche i veterani del franchise Courteney Cox e Patrick Dempsey sarebbero in trattative per tornare. La Cox, che è l’unico attore oltre al doppiatore di Ghostface Roger L. Jackson ad apparire in tutti e sei gli episodi di Scream, riprenderebbe il ruolo della giornalista Gale Weathers, mentre Dempsey tornerebbe nei panni del detective Mark Kincaid, apparso in Scream 3 (2000). Nei due precedenti film di Scream, è stato rivelato che Sidney aveva ripreso la sua relazione con Mark fuori dallo schermo e che i due erano ora sposati e con figli.

Ripley: la spiegazione del finale fatta dal creatore e dagli interpreti

Redazione
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Ripley: la spiegazione del finale fatta dal creatore e dagli interpreti

Tom Ripley è un maestro della reinvenzione, ma le sue notevoli capacità possono portarlo in là solo fino a un certo punto. Alla fine di Ripley (la recensione), l’elegante truffatore interpretato da Andrew Scott è alle strette e la polizia italiana è disperatamente sulle tracce dell’uomo che sospettano di aver ucciso due persone, Freddie Miles (Eliot Sumner) e lo stesso Ripley. Questo dà a Ripley, che si è spacciato per Dickie Greenleaf (Johnny Flynn), una perfetta via di fuga. Poiché è Dickie che la polizia sospetta di omicidio – e Dickie di cui Ripley ha usato l’identità (e il conto in banca) – Ripley può tornare a un porto sicuro: il suo nome e il suo passaporto.

“La gente ha un sacco di preconcetti su Tom Ripley“, ha detto Andrew Scott a Netflix in merito al personaggio creato da Patricia Highsmith nel suo romanzo del 1955 Il talento di Mr. Ripley. “Quindi il mio lavoro, in un certo senso, è ignorare tutto questo e cercare di creare la nostra versione particolare“. È un lavoro simile a quello di Tom Ripley, che mette insieme un’identità dai frammenti che ruba lungo la strada. Continuate a leggere per conoscere l’identità in erba di Tom e il destino delle sue vittime.

Cosa succede a Dickie Greenleaf?

Tom si reca in Italia su richiesta del padre di Dickie (Kenneth Lonergan), che lo ingaggia per convincere Dickie a tornare a casa dalla sua lunga vacanza italiana. Tom non ha molta fortuna: l’espatriato americano è perfettamente felice di dipingere nel villaggio di Atrani, dove vive con la sua fidanzata scrittrice, Marge Sherwood (Dakota Fanning). Ma Tom riesce a entrare nelle grazie di Dickie in un modo insolito: dice la verità, gettando il padre di Dickie sotto l’autobus e ammettendo ciò per cui è stato pagato.

Per Dickie, questo è sufficiente per accettare Tom nella sua cerchia ristretta. “[Dickie] si nasconde in Italia, fa una specie di Hemingway o di Gertrude Stein o altro e cerca di ricrearsi come artista bohémien“, racconta Flynn a Tudum. “Si vergogna di ciò che è, cioè un nouveau riche“. Quindi l’idea di fare amicizia con l’impiegato del padre e di mettere in difficoltà il suo vecchio fa ridere Dickie, finché Tom non si lascia coinvolgere un po’ troppo dalla relazione.

“Credo che ami Dickie“, ha detto Scott. Ma “non è specificato quale sia la natura di questo amore dal punto di vista di Tom“. Scott ha apprezzato la natura indefinita della relazione. “Penso che con Tom sia molto importante capire che non è una persona che può essere etichettata“, ha detto. “Penso che sia molto importante non trovare una piccola scatola in cui metterlo“.

Per Flynn, i sentimenti di Tom erano più chiari. “Tom arriva e ha queste idee sulla profondità della loro amicizia rispetto al legame che hanno Dickie e Marge“, dice Flynn. “Vuole qualcosa di più. Vuole essere lui, e non sa cosa fare“.

Quando Dickie scopre che Tom indossa i suoi vestiti, il rapporto tra i due inizia ad arrossire. Ben presto Tom è stato estromesso dai piani natalizi di Marge e Dickie e, non tanto velatamente, allontanato dalle loro vite. Un’ultima fuga a Sanremo finisce nel sangue, quando Tom colpisce a morte Dickie durante una gita in barca e lo butta senza tante cerimonie in mare. Qualunque cosa fossero l’uno per l’altro – amici, coinquilini, qualcosa di più – è finita.

Tom Ripley riesce a farla franca?

Tom Ripley finale

Quando scorrono i titoli di coda dell’ottavo episodio (“Narciso”), Tom ha accumulato due cadaveri: Dickie e Freddie Miles, un amico di Dickie che ha sospettato un po’ troppo di Tom. A questo si aggiungono i numerosi crimini finanziari (incassare gli assegni di Dickie, vendere le sue proprietà, compiere piccole truffe a New York) e morali (spezzare il cuore di Marge, mentire continuamente) che Tom commette. Ma, avendo adottato l’identità di Dickie dopo il loro sfortunato viaggio in barca, Tom è perseguito dalla polizia italiana per l’unico crimine che non ha commesso: il suo stesso omicidio. Così torna alle origini, trasferendosi da Roma a Venezia e tornando a usare il suo vero passaporto e nome.

“Tom è un truffatore, è un bugiardo, è intelligente ed è un criminale“, dice a Tudum il creatore e regista di Ripley Steven Zaillian. “Ma sento anche che ci relazioniamo con lui perché molti dei suoi tratti sono tratti che abbiamo anche noi. Ha aspirazioni, prova invidia, ha orgoglio, desidera delle cose“. L’ultima cosa che il Tom in continua evoluzione vuole è essere se stesso, ma creare una nuova versione ricca di sé in Italia non è poi così male.

A Venezia, Tom si costituisce alla polizia, fingendo sorpresa all’idea di essere una persona interessata a un caso di omicidio. Quando arriva l’ispettore Ravini (Maurizio Lombardi), Tom si mette una parrucca e una barba finta e sistema con cura l’illuminazione del suo appartamento per ingannare l’ispettore. Con le autorità convinte che Tom sia vivo, egli convince il padre di Dickie e Marge che Dickie si è ucciso, lasciando Tom libero in Italia.

Beh, per lo più. Nel finale, la serie torna nell’ufficio dell’ispettore Ravini, che riceve una copia del nuovo libro di Marge, La mia Atrani. Esaminando la dedica a Dickie, Ravini scopre una sorpresa inquietante: la foto di Dickie nel libro non è ovviamente il Dickie che ha interrogato in più occasioni.

“Mi sono innamorato di questo ispettore mentre lo scrivevo”, dice Zaillian. “E mentre lo stavamo girando, credo che Maurizio sia stato così bravo [che] ho pensato: ‘Oh, sarebbe davvero bello avere un ultimo momento con lui e il suo coinvolgimento con Tom’“. Così Tom vive ancora, ma dovrà sempre guardarsi le spalle.

Cosa succede tra Marge e Tom?

Ripley Dakota fanning marge

Quando si incontrano ad Atrani, Marge è sospettosa nei confronti di Tom. Dapprima pensa che si stia approfittando di Dickie e di suo padre, poi ipotizza che la sua relazione con Dickie sia ancora più sordida. Ma quando Dickie scompare, le cose cambiano. Prende per buona la lettera di rifiuto di “Dickie” e crede a Tom quando questi inizia a raccontare la storia del tragico suicidio di Dickie. Flirta persino con l’idea di sfruttare l’entusiasmo della stampa per la scomparsa di Dickie per vendere il suo libro.

“Credo che la vediamo evolvere verso una forma di accettazione e poi di leggero opportunismo”, dice Fanning a Tudum. “Se questo sta accadendo, e se questo è ciò che mi viene detto essere la verità e la realtà, allora credo che lo userò in qualche modo per trarne beneficio. Credo che questo sia un tratto del personaggio di Tom Ripley che vediamo nascere e crescere un po’ in Marge“.

Naturalmente, questo mette Marge in contrasto con Tom. “Vedono qualcosa l’uno nell’altra“, continua Fanning. “Tom è disgustato dalla versione di Marge e Marge è disgustata dalla versione di Tom, ma c’è qualcosa di simile“.

A parte le somiglianze, il loro rapporto arriva a un punto morto quando Tom prende in considerazione l’idea di spingerla in un canale di Venezia dopo aver trascorso una giornata estenuante con lei. Alla fine decide di non farlo e i due prendono strade diverse, liberi di vivere – e forse di approfittare – del ricordo di Dickie nel modo che ritengono più opportuno.

Qual è il legame con Caravaggio in Ripley?

ripley Caravaggio

L’arte è onnipresente in Ripley, senza parlare dei dipinti di Dickie Greenleaf, che Flynn descrive come “oggettivamente brutti”. Il finale si chiude con un’apertura sorprendente e allo stesso tempo familiare per gli spettatori di Ripley: un viale romano e un cadavere. L’unico problema? Questo omicidio è avvenuto più di 300 anni prima che Tom Ripley nascondesse il corpo di Freddie Miles sulla Via Appia. All’epoca, la polizia romana aveva subito indicato il pittore Caravaggio come l’assassino, e vediamo Caravaggio seduto con un bicchiere di vino, prima che un duro taglio con Tom faccia emergere il parallelismo tra i due uomini.

“Ho iniziato scrivendo l’interesse di [Tom] per la bellezza dei dipinti, dell’arte, e poi sapendo che a un certo punto sarei entrato nella storia di Caravaggio“, dice Zaillian, “perché Caravaggio è un altro uomo vissuto a Roma che ha ucciso qualcuno e poi è stato in fuga per il resto della sua vita. Questo piccolo parallelo mi sembrava interessante“.

Nei momenti finali di Ripley, la serie torna a Caravaggio, mentre Tom siede con il suo bicchiere di vino e ammira un nuovo Picasso appeso nel suo appartamento di Venezia. (I lettori della Highsmith noteranno che in seguito Tom intraprenderà una carriera nel campo della falsificazione di opere d’arte) “Ho impiegato molto tempo per scegliere il Picasso che avremmo usato“, racconta Zaillian. “Sapevo di volere un quadro cubista e che il cubismo consiste nel decostruire una figura umana in parti, in modo da poterla vedere più chiaramente“.

Questo è, in sostanza, un altro modo di descrivere Tom. “Mi è sembrato che alla fine, vedendo questi pezzi di Tom e queste diverse personalità di Tom e queste diverse identità che ha assunto e queste cose che ha forgiato, lo vedessimo in realtà frammentato, come il quadro cubista che è proprio di fronte a lui“, aggiunge Zaillian. Tom Ripley: artista della truffa, con l’accento sull’artista.

Chi interpreta John Malkovich in Ripley?

ripley john malkovich

Il candidato all’Oscar John Malkovich fa una breve ma cruciale apparizione nell’ultimo episodio di Ripley, interpretando Reeves Minot, un compagno di chiacchiere che condivide con Tom il gusto per il vino e la buona compagnia (e il crimine). Ho pensato: “Non sarebbe divertente se John Malkovich facesse questa piccola parte?“. “, ricorda Zaillian. Con un divertente colpo di scena, Malkovich ha interpretato Ripley nel film del 2002 Ripley’s Game (tratto da uno dei romanzi preferiti di Zaillian, la Highsmith). “Il personaggio non appare fino al secondo libro di Ripley, ma ho pensato che sarebbe stato interessante incontrarlo in questa prima storia e sono stato felicissimo quando John ha accettato”, ha detto Zaillian a Netflix.

Per quanto riguarda i romanzi successivi: Come il suo materiale di partenza, Ripley si conclude con una nota concisa, con Tom che assume la nuova identità di Timothy Fanshaw. Ma se ne avesse l’opportunità, Zaillian vorrebbe continuare ad adattare l’affettuosamente soprannominata “Ripliade”. “Penso che gli altri libri siano buoni e che vediamo Tom in molti modi diversi mentre cresce“, dice Zaillian.

Per Andrew Scott, questi diversi aspetti di Ripley sono il fulcro della serie. “Si tratta di capire come ogni essere umano abbia entrambi gli aspetti: si possono fare cose terribili e si vuole fare del bene“, ha detto Scott. “Penso che questo sia il motivo per cui Tom Ripley è così affascinante. Io amo Tom“.

Jonathan Nolan racconta le prime disastrose proiezioni di Memento: “C’era un tale disprezzo”

Chiara Guida
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Jonathan Nolan racconta le prime disastrose proiezioni di Memento: “C’era un tale disprezzo”

Lo sceneggiatore di Memento Jonathan Nolan ricorda le disastrose prime proiezioni del thriller psicologico. Il regista Christopher Nolan ha vissuto una svolta decisiva con il suo film del 2001, basato sul racconto di suo fratello Jonathan, su un uomo con perdita di memoria a breve termine che cerca tortuosamente di risolvere il caso dell’omicidio di sua moglie. Realizzato per meno di 10 milioni di dollari, il film ha utilizzato un approccio innovativo e non lineare simile allo stile che Nolan avrebbe poi utilizzato per il suo cinema successivo e anche per il blockbuster premio Oscar Oppenheimer.

Memento ha incassato 40 milioni di dollari con un budget relativamente piccolo, e ora è ampiamente acclamato, ma il film è stato inizialmente accolto piuttosto freddamente dai potenziali distributori, come ha rivelato di recente Jonathan Nolan, ricordando le disastrose prime proiezioni del film.

“Quindi l’abbiamo proiettato per tutti, tutti nello stesso giorno, marzo del 2000. Ho portato Chris fuori a mangiare una bistecca. Emma [Thomas] è andata a una proiezione, [i produttori], le sorelle Todd, sono andate a un’altra, Aaron Ryder, il nostro produttore, è andato a una terza, e mi hanno chiamato sul mio vecchio cellulare Nokia. Chris ed io aspettavamo le congratulazioni… arrivarono le chiamate e nessuno voleva comprarlo.

Tutto è iniziato con Harvey Weinstein e tutti gli altri… L’abbiamo proiettato per tutte queste sale cinematografiche e siamo rimasti totalmente male. Nessuno lo voleva e la risposta di tutti è stata: “Oh, pensavo fosse fantastico”. “Va bene, quanto vuoi offrire?” Non avremmo preso molti soldi. E la risposta è stata: “Lo capisco, ma il pubblico non lo capirà”. E c’era un tale disprezzo per il pubblico.

Questo aspetto è davvero ciò che ha motivato gran parte della mia carriera e gran parte del modo in cui ho affrontato la mia carriera. C’è un tale disprezzo per il pubblico, li considerano dei fottuti idioti. Quindi non lo avrebbero capito. E ho pensato tra me: “Dio, ho incontrato alcuni di questi dirigenti. Cosa ti fa pensare di essere molto più intelligente del pubblico? Perché non lo sei.”

David Lynch: Netflix non produrrà il suo film d’animazione Snootworld

Chiara Guida
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David Lynch: Netflix non produrrà il suo film d’animazione Snootworld

Il film d’animazione di David Lynch, Snootworld, non verrà presentato su Netflix. Ora però conosciamo qualche dettaglio in più rispetto al progetto. Parlando con Deadline, Lynch e la co-creatrice Caroline Thompson hanno rivelato che il loro film d’animazione Snootworld è stato rifiutato da Netflix. Nonostante ciò, entrambi intendono comunque trovare un modo per produrre il film. Il creatore di Twin Peaks ha rivelato la sua intenzione di realizzare un film per famiglie utilizzando la sua storia su “Snoots”, mentre Thompson ha spiegato quale sarà la storia esatta del film pianificato.

David Lynch: Non so quando ho iniziato a pensare a Snoots, ma facevo questi disegni di Snoots e così ha iniziato ad emergere una storia. Mi sono incontrato con Caroline e abbiamo lavorato su una sceneggiatura. Proprio di recente ho pensato che qualcuno potesse essere interessato a sostenere questo progetto, quindi l’ho presentato a Netflix negli ultimi mesi ma l’hanno rifiutato. Snootworld è una specie di storia vecchio stile e l’animazione oggi è più incentrata su battute superficiali. Le favole vecchio stile sono considerate lamentose: a quanto pare la gente non vuole vederle. Adesso è un mondo diverso ed è più facile dire di no che dire di sì.

Caroline Thompson: Mi toglie il fiato quanto sia stravagante. Gli Snoot sono queste minuscole creature che hanno una transizione rituale all’età di otto anni, momento in cui diventano più piccoli e vengono mandati via per un anno in modo da essere protetti. Il mondo va nel caos quando l’eroe Snoot della storia scompare nel tappeto e la sua famiglia non riesce a trovarlo ed entra in un mondo pazzo e magnifico.

Anche se il film per famiglie di David Lynch non verrà presentato su Netflix, questi nuovi dettagli da parte sua e di Thompson confermano che i due vogliono ancora dare vita al film. Anche se non è chiaro se lo stesso Lynch si occuperà della co-sceneggiatura e della regia del film, la possibilità rimane aperta. Ha anche menzionato che sua figlia, Jennifer Lynch, si occuperà del progetto, ma anche questo rimane un dettaglio vago.

Megalopolis di Francis Ford Coppola fatica a trovare un distributore

Chiara Guida
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Megalopolis di Francis Ford Coppola fatica a trovare un distributore

Megalopolis di Francis Ford Coppola fatica a trovare un distributore. Il film drammatico di fantascienza è stato per lungo tempo un progetto di passione per il regista, che ha iniziato a scriverlo già nel 1983, con il risultato che Coppola in persona ha finanziato la produzione con 120 milioni di dollari di tasca propria. Con un cast stellare che include Adam Driver, Giancarlo Esposito e Aubrey Plaza, la storia segue un architetto idealista (Driver) che vuole ricostruire New York come megalopoli dopo un disastro globale.

Secondo un report di The Hollywood Reporter, il 28 marzo si è tenuta una proiezione di Megalopolis per trovare la distribuzione. Erano presenti dirigenti di studi cinematografici tra cui Warner Bros., Disney, Netflix e Paramount. Nonostante l’immensa curiosità per il progetto, i potenziali distributori sono rimasti delusi e disinteressati. A quanto pare, Megalopolis è troppo di nicchia per riscuotere un successo commerciale, ma uno studio più piccolo non sarà in grado di supportare un’ampia spinta di marketing, insieme all’uscita IMAX. Cosa che Coppola aveva previsto.

La riluttanza degli Studios ad accettare di distribuire Megalopolis è la manifestazione di un problema più ampio di Hollywood, ovvero la riluttanza a distribuire progetti che non siano commercialmente sicuri. Il fondatore di un’etichetta specializzata alla proiezione di Megalopolis ha condiviso che “mi è piaciuto enormemente” e che “è un film molto grande” che “ha una vita reale”. …Come definisci commerciale un film? Guardi film come Blade Runner, è diventato molto più commerciale rispetto al fine settimana di apertura.” Blade Runner non è andato bene al botteghino, ed è diventato un film di fantascienza amato e acclamato.

Tuttavia, questa etichetta specializzata non sceglierà Megalopolis, anche se si tratta del prossimo Blade Runner. Un altro partecipante alla proiezione ammette che Megalopolis “vacilla, vaga, va dappertutto? Sì. Ma è davvero fantasioso e dice qualcosa sul nostro tempo”. La produzione cinematografica fantasiosa e l’attualità dei suoi temi rendono il progetto ancora più intrigante, eppure viene ritenuto commercialmente pericoloso.

Sebbene dal punto di vista commerciale la posizione dei distributori è comprensibile, è necessario che si ricrea a Hollywood lo spazio per film “indipendenti”. È inoltre necessario che ci sia spazio per progetti ad alto budget che siano originali e non facciano parte di un franchising consolidato o di una proprietà intellettuale.

Flaminia, recensione del film di e con Michela Giraud

Chiara Guida
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Flaminia, recensione del film di e con Michela Giraud

“Visto da vicino nessuno è normale” e questo Flaminia, trentenne “perfettibile” di Roma Nord, con una sorella con la Sindrome di Asperger, ce lo mostra con grande onestà, mettendo a confronto la presunta normalità con ciò che è diverso e “fuori dagli schemi” previsti dall’ambiente sociale. È lei la protagonista dell’esordio dietro alla macchina da presa di Michela Giraud (qui l’intervista), ed è pronta a rubare il cuore degli spettatori… Ma facciamo un passo indietro.

La maggior parte del pubblico italiano conosce Michela Giraud per il suo “Mignottone pazzo”, hit nata durante la prima stagione di LOL – chi ride è fuori, ma chi la segue anche nei suoi spettacoli di stand-up comedy, sa molte più cose di lei, che si evincono da quello che racconta nel corso dei suoi show. Per questo, i suoi accoliti non rimarranno sorpresi dallo scoprire che Flaminia, che Giraud scrive dirige e interpreta, è tratto dalla sua storia personale.

Flaminia, una storia personale. La trama

Nel film, Flaminia De Angelis è tutto quello che una ragazza di Roma Nord deve essere: sorridente, ossessionata dalla forma fisica, sempre attenta all’abbigliamento e ricca, o meglio arricchita. Subendo la pressione del mondo in cui vive e soprattutto di sua madre Francesca, la giovane donna sta per sposare Alberto, un buono a nulla belloccio e con più di un vizio, ma figlio di un importante diplomatico. Il matrimonio regalerà all’intera famiglia di borghesi arricchiti la tanto agognata scalata sociale.

Tutto è pronto per il grande evento quando nella vita patinata della protagonista (che scopriremo molto presto essere tenuta insieme con fatica e insoddisfazione) piomba Ludovica, la sua sorellastra, un uragano di complessità. Trentenne nello spettro autistico, Ludovica irrompe nei ritmi di Flaminia con la forza di un terremoto, mettendo a nudo tutte le ipocrisie con cui la donna crede di convivere benissimo. Questo scontro farà deflagrare l’ordine delle cose, spingendola a rimettersi in discussione.

Smussare gli angoli per adattare il linguaggio

La stand-up comedy ha di un codice linguistico e soprattutto contenutistico ben preciso. Su quei palchi, gli stand-up comedian hanno la licenza di dire tutto e con grande cattiveria. La battuta scorretta, il doppio senso, il commento pesante, si accetta tutto in quelle occasioni, è un patto che lo spettatore sottoscrive tacitamente. Per il suo esordio alla regia (e alla sceneggiatura) Michela Giraud ha dovuto però aggiustare il tiro, limare quella cattiveria e trasformare il suo linguaggio da stan-up in storia, sviluppo dei personaggi e archi narrativi. A questa esigenza puramente tecnica si è aggiunta anche la decisione, coraggiosa, di mettere in piazza una parte di se stessa molto personale, e non con i toni sarcastici e buffi con cui ne aveva già parlato nei suoi show, ma drammatizzando gli avvenimenti e trasformandoli in fiction.

Flaminia recensioneLudovica, il motore del cambiamento

La storia di Flaminia prende il via quando Ludovica entra in scena. La donna è uno “strumento” grazie al quale la vicenda si mette in moto in una direzione ben precisa; il suo irrompere nella vita dell’altra “figlia di suo padre” genera una serie di reazioni che scuotono Flaminia dal suo torpore e dalla sua routine. Per quanto assolutamente sopra le righe, Ludovica è una donna che ha già fatto il suo percorso, è compiuta e centrata, con tutte le sue difficoltà, e questo spaventa anche più della diversità che manifesta. E Flaminia non può che arrendersi di fronte alla sua purezza e onestà, mentre cerca di arginare una personalità così consapevole anche nella sua difficoltà.

Forse con un pizzico di sorpresa, l’aspetto drammatico è quello che risulta meglio riuscito e più autentico in Flaminia, che non è né un film comico né una commedia vera e propria. Si distanzia dai primi perché ha una storia articolata e non si risolve in una serie di situazioni e sketch, ma si scosta anche dalla seconda perché i toni che assume quando la storia di incupisce sono davvero seri, quasi oscuri, molto (forse troppo?) distanti dalla comicità parodistica dell’inizio del film. E allora viene il dubbio che, forse anche comprensibilmente, il lavoro di Giraud sia stato pavido. Abbandonando la sua “cattiveria” ed esponendosi così intimamente ha giocato con cautela lì dove avrebbe potuto avventurarsi, forte di doti drammatiche davvero notevoli.

I momenti più emozionanti del film, che la vedono protagonista insieme alla splendida Rita Abela, superba interprete di Ludovica, sono i migliori, e anche in una scena in particolare che non sveliamo, in cui Flaminia mostra la sua fragilità, Giraud è un’interprete drammatica davvero notevole. Ed è in questi piccoli spazi di grande espressione e interpretazione che si intuisce che forse il coraggio di osare avrebbe reso il film un’opera più completa e significativa.

Zendaya e il cast a Roma per presentare Challengers

Redazione
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Zendaya e il cast a Roma per presentare Challengers

L’acclamatissima protagonista di Dune – Parte Due Zendaya è arrivata a Roma per presentare il suo nuovo film da protagonista, ovvero Challengers del regista italiano Luca Guadagnino. L’attrice ha presenziato sia stamattina che questa sera alla premiere tenutasi al Cinema Barberini di Roma. L’attrice era accompagnata dal regista Luca Guadagnino e dai protagonisti Josh O’Connor e Mike Faist.

Sposata con un fuoriclasse reduce da una serie di sconfitte (Mike Faist), la strategia di Tashi per la redenzione del marito prende una piega sorprendente quando quest’ultimo deve affrontare sul campo l’oramai rovinato Patrick (Josh O’Connor), un tempo suo migliore amico ed ex fidanzato di Tashi. Mentre il loro passato e il loro presente si scontrano e la tensione sale, Tashi dovrà chiedersi quale è il prezzo della vittoria. Ecco tutte le foto:

Ecco anche le foto del photocall di Challengers sullo sfondo di Roma

Challengers

Il candidato all’Oscar e al BAFTA Luca Guadagnino (“Chiamami col tuo nome”, “Io sono l’amore”), ha diretto il film da una sceneggiatura di Justin Kuritzkes. I produttori di Challengers sono Amy Pascal, Guadagnino, Zendaya e Rachel O’Connor, con Bernard Bellew in veste di produttore esecutivo. La vincitrice del Golden Globe, Zendaya (i film “Dune”, la serie TV “Euphoria”) recita al fianco del vincitore del Golden Globe e del SAG Award e candidato ai BAFTA Josh O’Connor (“The Crown”) e al candidato ai BAFTA Mike Faist (“West Side Story”).

Il team creativo di Guadagnino include collaboratori abituali come il direttore della fotografia Sayonbhu Mukdeeprom, la scenografa Merissa Lombardo, il montatore Marco Costa e il costumista Jonathan Anderson. La colonna sonora del film è opera dei vincitori dei premi Oscar, Golden Globe e BAFTA Trent Reznor e Atticus Ross (“Soul”, “The Social Network”, “Bones and All”). Metro Goldwyn Mayer Pictures presenta una produzione Why Are You Acting? / Frenesy Films / Pascal Pictures, un film di Luca Guadagnino, “Challengers“. Il film uscirà nelle sale italiane il 24 aprile 2024, e sarà distribuito dalla Warner Bros. Pictures.

Dredd – Il giudice dell’apocalisse: tutto quello che c’è da sapere sul film

Gianmaria Cataldo
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Dredd – Il giudice dell’apocalisse: tutto quello che c’è da sapere sul film

Gli ultimi anni di cinema ci hanno dimostrato quanto i personaggi dei fumetti e le loro storie possano essere fonte di grande fascino anche sul grande schermo. Al di là dei supereroi della Marvel o della DC, sono numerosi i casi di adattamenti di questo tipo, risalenti anche a ben prima che i cosiddetti cinecomic diventassero una solida realtà. Un brillante esempio, criticato alla sua uscita ma divenuto con il tempo un cult, è il film del 1995 Dredd – La legge sono io. Nel 2012 è poi stato realizzato un reboot, diretto da Pete Davis, dal titolo Dredd – Il giudice dell’apocalisse, che ha riportato il personaggio sul grande schermo.

Ambientato in un futuro distopico, il film ha per protagonista il Giudice Dredd, personaggio dei fumetti ideato nel 1977 da John Wagner e Carlos Ezquerra. Questo nacque come satira della società contemporanea e come denuncia al continuo aumento di potere dei corpi di Polizia nello stato moderno democratico. Attraverso la distopia e la fantascienza, dunque, si raccontavano risvolti preoccupanti della società, elementi poi riprodotti fedelmente anche nel primo film realizzato. Questo secondo, scritto da Alex Garland (Ex Machina, Annientamento, Civil War), si caratterizza invece per la presenza di toni più cupi, una maggiore violenza, un approccio più realistico e il minor spazio concesso alla satira.

Apprezzato da critica e pubblico, Dredd – Il giudice dell’apocalisse è diventato negli anni un film cult, con un nutrito seguito di fan che ancora oggi sperano nella realizzazione di un sequel. Per gli amanti del genere è dunque un film imperdibile, ma prima di intraprendere una visione del film sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e al suo sequel. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Dredd - Il giudice dell'apocalisse cast
Olivia Thirlby in Dredd – Il giudice dell’apocalisse. Photo credit: Joe Alblas – © 2012 – Lionsgate

La trama di Dredd – Il giudice dell’apocalisse

Ambientato in un futuro postapocalittico, nel quale gli Stati Uniti sono ridotti ad una landa devastata e radioattiva, Mega City è un agglomerato urbano abitato da circa 800 milioni di persone. La legge, in questo luogo infernale, è rappresantata dai “Giudici”, un corpo di forze speciali con l’autorità di poter ricercare i criminali ed emettere la loro sentenza seduta stante. Tra i più temuti tra questi vi è Joseph Dredd, un imperturbabile giudice che non si fa scrupoli nel perseguire la giustizia. Data la sua esperienza, a lui viene affidato il compito di valutare la recluta Cassandra Anderson.

La ragazza non sembra soddisfare tutti i requisiti necessari per far parte dell’Accademia che forma i Giudici, ma a cui si è voluto comunque concedere un’opportunità. Nel mentre, vengono ritrovati alcuni cadaveri contrassegnati dalla firma di Madeline Madrigal, una spietata assassina ancora a piede libero. Per Dredd e Cassandra ha dunque inizio la caccia, durante la quale, però, emergeranno una serie di verità inaspettate. Cassandra, infatti, è ben più che una semplice umana e ben presto Dredd scoprirà di dover compiere delle scelte estremamente difficili anche per un giudice come lui.

 

Il cast di attori del film

Ad interpretare il personaggio che fu di Sylvester Stallone vi è qui l’attore Karl Urban. Egli è stato fin da subito affascinato da Dredd e dal fatto che interpretarlo significava recitare costantemente con il volto coperto dall’elmetto. Per lui fu dunque importante imparare a trasmettere emozioni senza l’uso delle espressioni facciali. Per poter dar vita ad una miglior interpretazione del celebre personaggio dei fumetti, Urban ha inoltre affermato di non essere mai uscito dal personaggio, neanche nelle pause tra una ripresa e l’altra. Questa scelta lo ha pertanto portato a mantenere una grande serietà e nessuno lo ha mai visto sorridere sul set.

Accanto a lui, nei panni di Cassandra, vi è l’attrice Olivia Thirlby. Per interpretare il suo personaggio, l’attrice si è addestrata all’uso di armi e al combattimento, così da poter essere fisicamente credibile accanto a Dredd. Nel ruolo di Madeline Madrigal, l’antagonista del film, vi è invece l’attrice Lena Headey. Originariamente il personaggio era stato immaginato come una donna anziana, ma l’attrice ha convinto lo sceneggiatore a riscriverlo come una persona di mezz’età. I tatuaggi che Madeline sfoggia nel film sono i veri tatuaggi dell’attrice, i quali sono però stati ampliati dagli addetti al trucco. Nel film compare anche l’attore Domhnall Gleeson nei panni del tecnico informatico di Madeline.

Dredd - Il giudice dell'apocalisse sequel
Karl Urban in Dredd – Il giudice dell’apocalisse. Foto di Joe Alblas – © 2011 ~ DNA Films Limited (UK) & Kalahari Pictures (Pty) Limited (South Africa).

Dredd – Il giudice dell’apocalisse: ci sarà un sequel?

Data la buona accoglienza di pubblico e critica, lo sceneggiatore Alex Garland confermò l’interesse a realizzare ulteriori due film dedicati al personaggio. Il primo di questi due sequel avrebbe dovuto concentrarsi sulle origini di Dredd e di Mega City, mentre il secondo avrebbe visto il giudice scontrarsi con la sua nemesi più celebre, ovvero Giudice Morte. Successivamente, però, si ipotizzò di realizzare una serie televisiva piuttosto che ulteriori film. I piani per realizzare tutto ciò subirono però una battuta d’arresto e nonostante alcune petizioni e la volontà di Urban di realizzare un sequel, ad oggi non sembrano esserci piani concreti per riportare Dredd al cinema o in televisione.

Nel 2016, Urban aveva però dichiarato che “sono in corso conversazioni” riguardo a una continuazione di Dredd sui servizi di streaming Netflix o Prime Video. In un’intervista del maggio 2016, Urban ha dichiarato che, sebbene la strategia di marketing “mal gestita” del film e la “sfortunata” performance al botteghino abbiano reso “problematico” il tentativo di realizzare un sequel, “il successo che ha ottenuto in tutti i media successivi alla proiezione ha sicuramente rafforzato l’argomento a favore di un sequel”. Nel maggio 2017 è stato annunciato che una serie televisiva intitolata Judge Dredd: Mega-City One è in fase di sviluppo da parte di IM Global Television e Rebellion e che Urban è discussione per recitare nella serie. Ad oggi, però, non sono stati forniti aggiornamenti.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Dredd – Il giudice dell’apocalisse grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Google Play, Infinity+, Now, Amazon Prime Video e Tim Vision. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 8 aprile alle ore 21:00 sul canale 20 Mediaset.

Fonte: IMDb

Robert Downey Jr. conferma di essere disponibile a ritornare come Iron Man: “Kevin Feige vincerà sempre”.

Redazione
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Robert Downey Jr. conferma di essere disponibile a ritornare come Iron Man: “Kevin Feige vincerà sempre”.

Robert Downey Jr. ha interpretato per la prima volta Tony Stark nel film Iron Man del 2008, dando un’impronta al supereroe che lo ha fatto emergere dalla B-List e ha reso il Vendicatore corazzato forse il volto più amato del Marvel Cinematic Universe.

L’attore ha dato l’addio al ruolo con Avengers: Endgame e da allora si è dedicato a film più seri, tra cui un ruolo in Oppenheimer di Christopher Nolan, un progetto che è valso a Robert Downey Jr. un Oscar come “Miglior attore non protagonista”.

Continuano a circolare voci che vedranno il premio Oscar tornare nei panni di una variante malvagia di Iron Man in Avengers: Secret Wars e Robert Downey Jr. dichiara ora a Esquire di non aver chiuso la porta alla possibilità di interpretare nuovamente Tony.

“Felicemente. È una parte troppo integrante del mio DNA“, ha detto Robert Downey Jr. a proposito di un possibile ritorno. “Quel ruolo mi ha scelto. E sentite, io dico sempre: mai e poi mai scommettere contro Kevin Feige. È una scommessa persa. Lui è la casa. Vincerà sempre“.

Kevin Feige ha dichiarato che l’Iron Man morto in Avengers: Endgame non tornerà a farsi vedere perché i Marvel Studios “hanno intenzione di conservare quel momento e di non toccarlo più“. Ha poi aggiunto: “Abbiamo lavorato tutti duramente per molti anni per arrivare a quel momento, e non vorremmo mai annullarlo magicamente in alcun modo“.

Questo però non esclude una variante multiversale, vero?

In un’altra parte della copertina, l’attrice di Pepper Potts Gwyneth Paltrow ha riflettuto sulle collaborazioni uniche tra lei e Downey nel MCU.

“C’era questo processo in cui [il regista] Jon Favreau, Robert e io andavamo nella roulotte di Jon la mattina e Robert diceva: ‘Non ho intenzione di dire queste battute’ e le buttava via“, ha ricordato l’attrice.

“E poi improvvisavamo dal vivo nella roulotte o sul set“. “Penso che per far sì che qualcosa sia vivo per Robert, deve essere fresco, e lui lo rende fresco facendolo sembrare appena inventato. Molte di quelle battute famose sono state scritte dieci minuti prima che le dicessimo“.

Gwyneth Paltrow ha anche detto che sarebbe disposta a interpretare di nuovo Pepper, anche se non senza Robert Downey Jr. al suo fianco. “Oh mio Dio, smettila di urlarmi contro“, ha scherzato lo scorso settembre.  “Abbiamo smesso di farlo perché Iron Man è morto. E che bisogno c’è di Pepper Potts senza Iron Man? Non lo so. Chiamate la Marvel e sgridateli, non io. Io me ne sto seduto qui“.

Special Delivery: dal cast al finale, tutto quello che c’è da sapere sul film

Gianmaria Cataldo
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Special Delivery: dal cast al finale, tutto quello che c’è da sapere sul film

Il film sudcoreano del 2022 Special Delivery è un concentrato di adrenalina e colpi di scena, con evidenti ispirazioni a film come Drive, Baby Driver – Il genio della fuga o, ancor di più, la saga di Transporter, con protagonista Jason Statham. Scritto e diretto da Dae-min Park, qui al suo terzo lungometraggio, questo film ripropone infatti la figura dell’autista di merci dalla dubbia legalità, trasformando tuttavia il protagonista dal classico antieroe maschile in una giovane ragazza dall’incredibile talento al volante, che nulla ha da invidiare ai suoi simili dell’altro sesso.

Il film trae poi ulteriore carattere dal suo basarsi profondamente sulle caratteristiche culturali della Corea del Sud, offrendo così qualcosa di completamente diverso dai film americani poc’anzi citati, anziché essere una loro banale copia. Girato nella capitale Seoul, Special Delivery dimostra infatti di saper sfruttare ogni angolo e contesto urbano della città a proprio vantaggio, così da rendere ancor più avvincente gli inseguimenti che in essa si verificano. Come spesso avviene nei film coreani, anche qui c’è l’occasione per offrire attraverso un’opera di genere una riflessione sulle differenti classi sociali e sul ruolo dei bambini.

Gli appassionati di questo genere, dunque, potranno trovare qui tutto ciò che ci si aspetta da un film di questo tipo. Grazie al suo passaggio televisivo, sarà dunque possibile scoprirlo e lasciarsi incantare dalle sue tante qualità. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Special Delivery. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e ai dettagli sul suo finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Special Delivery cast attori

La trama di Special Delivery

Protagonista del film è Eun-ha, una ragazza che all’apparenza lavora in una rimessa al porto di Seoul. In realtà, ha una professione segreta ben diversa: sotto la guida del signor Baek e con la collaborazione del giovane Asif, offre infatti un servizio di “consegne speciali” alla guida di auto truccate, trasportando cose e persone per conto di chi può pagare per le sue capacità tutt’altro che comuni al volante. Una notte, però, le cose prendono una piega inaspettata quando un uomo in fuga da un poliziotto corrotto le affida il figlio Seo-won, assieme alla chiave di sicurezza di un conto in banca pieno di soldi. Per lei sarà l’inizio di un’avventura senza precedenti.

Il cast di attori del film

Ad interpretare la protagonista, Eun-ha, vi è l’attrice Park So-dam, divenuta celebre a livello internazionale per la sua interpretazione di Kim Ki-jung nel film premiato agli Oscar Parasite. Prima di girare questo film, tuttavia, Park So Dam aveva paura di guidare a causa di un suo passato incidente d’auto. Per prepararsi al ruolo, dunque, si è allenata tre mesi prima delle riprese due volte alla settimana con un esperto di arti marziali e la sua controfigura, con l’obiettivo di poter girare quante più scene possibile lei stessa. A causa del particolare colore dei capelli del suo personaggio, inoltre, la produzione ha dovuto affittare un parrucchiere a Busan per tingere i capelli dell’attrice.

Accanto a lei, nel ruolo di Jo Kyung-pil, l’investigatore che le dà la caccia, vi è invece Song Sae-byeok, visto anche nel recente Broker – Le buone stelle. Kim Eui-sung interpreta il ruolo di Baek Kang-cheol, presidente della Baekgang Industries, una società di consegne speciali, mentre Jung Hyeon-jun interpreta Kim Seo-won. Quest’ultimo si è a sua volta distinto per il film Parasite, dove interpretava Da Song, e ritrova dunque qui la sua collega di quel set, Park So-dam. Completano poi il cast Yeon Woo-jin nel ruolo di Kim Doo-shik, il cliente speciale e padre di Seo-won, Yeom Hye-ran in quello di Han Mi-Young, inseguitrice di Eun-ha da parte del Servizio di Intelligence Nazionale e Han Hyun-min nel ruolo di Asif, esperto di riparazioni di veicoli express.

Special Delivery finale

Il finale di Special Delivery

Nel finale di Spiecial Delivery, Eun-ha si ritrova dunque coinvolta in un traffico di gioco d’azzardo illegale di cui l’ufficiale di polizia corrotto Kyeong-pil è l’artefice. Egli sta inseguendo l’ex giocatore di baseball Kim Doo-Sik, ma ancor di più il figlio Seo-won, in quanto vuole recuperare la chiave di sicurezza del conto bancario contenente 30 milioni di dollari, che è in possesso di Seo-won. Ha così inizio un lungo inseguimento tra le strade di Seoul che si risolve solo quando Eun-ha e Kyeong-pil arrivano allo scontro diretto. Lei riesce ad accoltellarlo a morte, ma entrambi finiscono in mare e sembrano annegare. Euh-ha, in realtà, finge la propria morte così da poter sfuggire alla polizia che le dà la caccia.

Il piccolo Seo-won si salva e viene recuperato dalle autorità, venendo poi ammesso in un orfanotrofio e a scuola, potendo così tornare a vivere una vita quanto più normale possibile. Dopo la scuola, tuttavia, Seo-won rincontra finalmente Eun-ha e i due si dirigono verso l’orfanotrofio di Seo-won. Eun-ha, però, riceve un messaggio da un cliente e dice a Seo-won che devono dirigersi verso un punto di raccolta. Questo risvolto finale ci rivela che lei lavora ancora come addetta alle consegne speciali e che dunque potrebbero esserci in serbo altre avventure nel suo futuro. Questo finale, dunque, sembra lasciare aperta la porta per un eventuale sequel, sul quale però al momento non si hanno notizie.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Special Delivery grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Apple TV e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 8 aprile alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

Il Cavaliere Oscuro: Jonathan Nolan rivela che l’Enigmista è stato preso in considerazione e perché non è apparso

Redazione
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Il Cavaliere Oscuro: Jonathan Nolan rivela che l’Enigmista è stato preso in considerazione e perché non è apparso

Jonathan Nolan ha scritto Il Cavaliere Oscuro e Il Cavaliere Oscuro – Il Risveglio insieme al fratello, il regista Christopher Nolan, e da allora si è dedicato a progetti per il piccolo schermo come Westworld e Fallout.

Parlando con Josh Horowitz per promuovere proprio Fallout, Jonathan Nolan ha confermato di aver avuto delle idee per l’Enigmista nel capitolo finale della trilogia.

Tuttavia, ha spiegato che “sembrava che fosse abbastanza vicino allo spazio di ciò che avevamo fatto con Heath [Ledger] che era davvero necessario… spostarsi lì“.

Jonathan Nolan ha poi spiegato che volevano fare di The Dark Knight Rises un film “post-apocalittico“, rendendo Bane più adatto alla storia raccontata.

Dopo l’uscita de Il Cavaliere Oscuro, abbiamo iniziato a sentire voci sulla possibilità che Leonardo DiCaprio interpretasse l’Enigmista, cosa che David S. Goyer ha recentemente confermato essere stata fortemente voluta dallo studio.

Questo potrebbe spiegare il motivo per cui Jonathan ha iniziato a rimuginare sulle idee per il cattivo.

In un’altra conversazione con Dax Shepard, Jonathan Nolan ha rivelato l’entità del suo coinvolgimento in Batman Begins (l’unico film di questa trilogia per il quale non ha ottenuto un credito di sceneggiatura) e ha confermato che Chris non era inizialmente intenzionato a tornare per un sequel.

“Ho lavorato a ‘Batman Begins’ in una posizione un po’ defilata, ma era l’unico fumetto che mio fratello mi aveva regalato da bambino, ‘Batman: Anno Uno’, per il mio quattordicesimo compleanno, e dieci anni dopo ero sul set a lavorare con lui“.

“Chris era indeciso se farne un altro“, continua. “Penso che non volesse diventare un regista di film di supereroi. Era molto orgoglioso di ‘Batman Begins’, ma per me era come se avessimo costruito questa fantastica auto sportiva e io gli dissi: ‘Facciamoci un giro. Non vuoi farne un’altra?“.

“Abbiamo passato un’ora a raccontare la storia delle origini, ed è fantastico, ma è come se ci chiedessimo: “Cosa possiamo fare di più con questo?”. Possiamo prendere gli stessi personaggi e spostarci leggermente in un genere diverso? Possiamo passare da un film d’avventura a un film poliziesco, a un film sulla mafia, e portarci dentro quella sensazione?“.

Jonathan Majors condannato a 1 anno di consulenza in un caso di aggressione domestica

Chiara Guida
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Jonathan Majors condannato a 1 anno di consulenza in un caso di aggressione domestica

Jonathan Majors è stato condannato a un anno di consulenza per violenza domestica dopo essere stato giudicato colpevole l’anno scorso dell’accusa di aver aggredito e molestato la sua ex fidanzata, Grace Jabbari.

L’attore deve completare un programma di riabilitazione per violenza domestica di 52 settimane a Los Angeles, dove attualmente risiede. In futuro ci sarà la possibilità che le sessioni siano in parte virtuali. Deve continuare la terapia di salute mentale a cui è stato iscritto e fornire aggiornamenti sui suoi progressi. Il giudice ha inoltre emesso un ordine di protezione permanente contro qualsiasi contatto tra Jabbari e Majors. Qualsiasi violazione o attività criminale potrebbe portarlo ad affrontare il carcere.

La sentenza è stata pronunciata dal giudice Michael Gaffey in un’aula di tribunale di Lower Manhattan, quasi quattro mesi dopo che Majors è stato giudicato colpevole di due reati minori di molestie e aggressioni contro Jabbari. Dopo un processo durato due settimane, la sua condanna sarebbe dovuta avvenire a gennaio, ma la sentenza è stata posticipata ad aprile a causa delle istanze ora respinte presentate dal suo team legale.

Jonathan Majors è arrivato in tribunale con la sua attuale fidanzata, l’attrice Meagan Good. Ha stretto la mano e abbracciato la sua famiglia e i suoi sostenitori dalla sua parte dell’aula, poi si è seduto tra i suoi avvocati, Priya Chaudhry e Seth Zuckerman. Jabbari è entrata nella stanza poco dopo e ha rilasciato una dichiarazione sull’impatto della vittima, dicendo che Majors “non è dispiaciuto e non si è assunto la responsabilità” dell’aggressione. “Lo farà di nuovo. Farà del male a un’altra donna. Questo è un uomo che crede di essere al di sopra della legge”, ha detto Jabbari. “Ho avuto una carriera, una vita e un corpo, tutti danneggiati.” Ha anche definito “abominevole” e “orribile” la tattica di Chaudhry e Zuckerman di attribuire a lei la colpa durante il processo. “Non mi fermerò finché non sarà più un pericolo. Si rifiuta di riconoscere la colpa e di assumersi la responsabilità. Rimane un pericolo per tutti coloro che lo circondano. Ho visto la sua rabbia e non ha il controllo su di essa”, ha detto Jabbari.

Il giudice Gaffey ha spiegato che l’assenza di precedenti penali e di precedenti arresti di Majors hanno contribuito alla sua decisione di non dare all’attore il carcere. Avrebbe rischiato fino a un anno di prigione. Jonathan Majors hanno mostrato poca reazione nell’aula affollata del tribunale e hanno rifiutato di rilasciare una dichiarazione.

Horizon: An American Saga in anteprima mondiale al Festival di Cannes 2024

Redazione
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Horizon: An American Saga in anteprima mondiale al Festival di Cannes 2024

Kevin Costner presenterà la prima parte di Horizon: An American Saga in anteprima mondiale al Festival di Cannes 2024, fuori concorso. Questo progetto in più episodi sulla conquista del West americano è diretto dallo stesso Costner, che è anche co-protagonista insieme a Sienna Miller. Kevin Costner, come già riportato, ha sempre avuto l’obiettivo di dipingere un ritratto dell’America: le sue origini, i suoi difetti e le sue leggende. Come sappiamo da Balla coi lupi, il western è diventato il suo genere preferito per esprimere il suo impegno politico a favore della democrazia e dell’ambiente.

“Vorrei ringraziare il Festival di Cannes per aver incluso il mio film Horizon, An American Saga nella selezione di quest’anno“, ha affermato Kevin Costner. “Erano 20 anni che non avevo il piacere di essere sulla Croisette. Ho aspettato il momento giusto per tornare e sono orgoglioso di dire che questo momento è arrivato. Horizon: An American Saga è una storia iniziata 35 anni fa, e non riesco a pensare a un posto migliore di Cannes per rivelare al mondo il risultato di un’avventura così meravigliosa. I francesi hanno sempre sostenuto i film e hanno creduto profondamente nella cinematografia. Così come io credo profondamente nel mio film…“.

Dopo le incursioni nelle serie Hatfields and McCoys e Yellowstone, Costner torna dunque al genere che ha fatto la fortuna del cinema americano per un progetto monumentale sul costo, in termini di guerra e violenza, della costruzione e dell’espansione degli Stati Uniti d’America. Il Festival di Cannes è dunque lieto di accogliere Kevin Costner per presentare il suo nuovo film Horizon, che sarà proiettato domenica 19 maggio 2024.

Quello che sappiamo su Horizon: An American Saga

Secondo la sinossi ufficiale del film, Horizon: An American Saga esplorerà un periodo di 15 anni di espansione nel West americano prima e dopo la guerra civile. Non è stato ancora rivelato nulla sul personaggio di Costner o su nessuno dei personaggi secondari, ma il film vanta un cast impressionante. Il film è diviso in due parti e anche il Capitolo 2 dovrebbe debuttare nel 2024. Oltre a Costner, il cast, come confermato dal trailer, include Sienna Miller, Sam Worthington, Will Patton, Thomas Haden Church, Luke Wilson, Jena Malone, Dale Dickey, Abbey Lee, Isabelle Fuhrman, Jamie Campbell Bower, Michael Rooker e Giovanni Ribisi.

Premio Film Impresa, al via la seconda edizione

Chiara Guida
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Premio Film Impresa, al via la seconda edizione

Parte la seconda edizione del Premio Film Impresa, che avrà luogo il 9, 10 e 11 aprile alla Casa del Cinema di Roma a Villa Borghese. Creatività e coraggio, territorio e innovazione, radici nel passato e disegno del futuro: questo e tanto altro nei cortometraggi e mediometraggi che concorreranno a questa seconda edizione del Premio Film Impresa diretto da Mario Sesti e presieduto da Giampaolo Letta.

Si tratta di un cantiere di ricerca, conoscenza, esplorazione di quelle opere che incrociano linguaggio del cinema e dinamica imprenditoriale, l’universo di intensa mediatizzazione in cui viviamo e l’immenso potere di trasformazione delle nuove tecnologie.

Premio Film Impresa è un’iniziativa ideata e realizzata da Unindustria con il supporto di Confindustria, che mira a valorizzare, esaltare e comunicare i valori dell’impresa di chi ci lavora attraverso i film d’impresa che, sempre più spesso, le aziende realizzano per raccontare la loro storia, il loro prodotto, il lavoro delle persone, il rapporto con il territorio.

Nel corso delle tre giornate di aprile le proiezioni dei film si alterneranno ad incontri e talk tematici su sostenibilità, creatività, capitale umano e formazione.

Martedì 9 aprile, per l’apertura della manifestazione, è previsto il talk “Comunicare l’impresa, l’impresa di comunicare. Connessione, emozione, narrazione: il valore del racconto” insieme a Ferzan Özpetek, Giampaolo Letta e Mario Sesti.

Per l’occasione interverranno anche Angelo Camilli, presidente Unindustria, Carlo Bonomi, presidente Confindustria, Francesco Rutelli, presidente ANICA Associazione Nazionale Industrie Cinematografiche Audiovisive e Multimediali, Monica Lucarelli, assessore alle Politiche della Sicurezza, Attività Produttive e alle Pari Opportunità Roma Capitale, Lorenza Lei, responsabile della Struttura Autonoma Cinema della Regione Lazio, Alberto Tripi,  presidente Almaviva, Cristina Parenti, direttore relazioni esterne e comunicazione Edison, Luca Torchia, chief Gruppo Ferrovie dello Stato Italiane, Maria Raffaella Caprioglio, presidente Umana e Roberto Fiorini, chief communication officer UniCredit.

Al termine del talk di apertura il Presidente di Unindustria Angelo Camilli consegnerà il Premio Speciale Film Impresa al regista Ferzan Özpetek.

Il programma di giornata proseguirà con la visione di “Corti da Rai Teche – C’era ancora domani|Flash. La donna che lavora – La fabbrica”, di Ugo Zatterin e Giovanni Salvi, 1959.
A seguire spazio alle proiezioni delle opere in concorso e all’evento speciale “C’era ancora domani: Libertà, famiglia, impresa. Dalla parità sul lavoro all’innovazione del brand” a cura di Caterina Taricano e con gli interventi di Francesca Cadin, Customer Service Enti, Istituzioni, Eventi Celebrativi di Rai Teche, Maria Raffaella Caprioglio, presidente Umana, eSara Gay – Head of Group Diversity, Equity and Inclusion, Unicredit.
A conclusione della giornata di apertura si svolgerà l’evento “Video essay: Gabriele Salvatores: il suo canto libero. Lasciateci perdere: memoria, passione e cinema di un premio Oscar”, seguito da una conversazione con Gabriele Salvatores, Gloria Satta e Mario Sesti.

Ad inaugurare la giornata di mercoledì 10 aprile spazio all’evento speciale “Streaming, web, serie: l’avventura continua. La nuova serialità sbarca nella comunicazione d’impresa”, al termine del quale si svolgerà il talk “Nuova serialità, comunicazione imprenditoriale e la generazione Zeta” con Andrea Minuz e Mario Sesti che dialogheranno con gli studenti e gli imprenditori presenti in sala.
A seguire, oltre alle proiezioni delle opere in concorso, è in programma il talk “Il talento non ha genere. Nel cinema, nello sport, in azienda. Equità di genere: un confronto su coraggio, libertà, visione e possibili rivoluzioni”, a cura di Gruppo Ferrovie dello Stato Italiane e i seguenti eventi: “Corti da Rai teche – C’era ancora domani|Flash. La stampa femminile (Casa e lavoro)”, di Giulietta Vergombello, 1973; “C’era ancora domani|Flash. Si dice donna”, di Tilde Capomazza, 1977; “C’era ancora domani: il privato, il lavoro, la libertà. Dal diritto all’occupazione all’autonomia dei sentimenti”, dopo il quale seguirà una conversazione con Sabrina De Filippis, AD Mercitalia Logistic – Gruppo Ferrovie dello Stato Italiane, Valeria Sandei, AD Almawave – Gruppo Almaviva, Barbara Terenghi, chief sustenibility officier Edison, Roberto Bozzi, presidente di Confindustria Romagna, Roy Menarini, direttore de La Settima Arte Cinema e Industria e docente di Cinema e Industria Culturale all’Università di Bologna e Francesca Cadin, customer service Entrti, Istituzioni, Eventi Celebrativi di Rai Teche.

“PFI FOCUS – Innovazione, cura, formazione: il campus Biomedico” sarà l’evento che chiuderà la seconda giornata della manifestazione, con la proiezione di “Radici profonde e sguardo al futuro – Trentesimo anniversario di Andrea Pellizzer” prodotto dal Campus Biomedico di Roma, a cui seguirà una conversazione con Carlo Tosti, Presidente dell’Università Campus Bio-Medico di Roma e della Fondazione Policlinico Universitario Campus Bio-Medico, Giampaolo Letta, Mario Sesti e con donne e uomini protagonisti del documentario.

L’ultima giornata del Premio Film Impresa, in programma l’11 aprile, prenderà il via con la proiezione dei dieci video realizzati nell’ambito della masterclass “Dall’impresa allo schermo. Videoracconti e storie in forma breve”, ideata da Unindustria e Confindustria con il suo Archivio Storico per La Sapienza Università di Roma, a cui saranno presenti Luca Lucini, Presidente di giuria, e le aziende partner.

A seguire si svolgerà l’evento “Corti da Rai Teche – C’era ancora domani|Flash, Uomini e affari (Gianola Nonino – la signora della grappa)” di Marcella Gabbiano, 1989.

Il programma riprenderà con le proiezioni delle opere in concorso e ci sarà spazio anche per gli eventi “PFI Explore | Lazio terra dell’audiovisivo. Sfide, esperienze, territori” e “PFI Explore a cura di Würth. Sfide, esperienze, territori” – seguito da una conversazione con la direttrice del Museo Würth Valentina Spagnuolo -, iniziative che apriranno le porte ad alcune speciali produzioni fuori concorso.

A seguire ci sarà un’anticipata dedicata alla stampa grazie alla quale sarà possibile visionare due speciali inediti: “L’eroe e il mito” di Ermanno Olmi e “M.A.D.E. Made in Italy. Made with Bravery featuring Renzo Rosso – Ep. 8 di Francesco di Giorgio”, una produzione Frame by Frame per OTB.
Successivamente spazio al talk “Le porte aperte di una città inclusiva e sostenibile, i grandi eventi che cambiano il volto delle città” con la visione di “Il cinema e l’anno giubilare”, alla quale seguirà una conversazione con il sindaco di Roma Roberto Gualtieriinsieme ad Angelo Camilli, Giampaolo Letta e Mario Sesti.

L’inedito fuori concorso “L’eroe e il mito” di Ermanno Olmi, prodotto dall’azienda Dainese e con protagonista Valentino Rossi, verrà poi proiettato anche a favore del pubblico presente all’evento e seguiranno gli interventi di Guido Meda, Elisabetta Olmi, Giampaolo Letta e Mario Sesti.

A chiudere la seconda edizione del Premio Film Impresa ci sarà l’attesissima cerimonia di premiazione inaugurata dalla visione del video essay “Scaraventare lo spettatore addosso agli attori: l’occhio di Francesca”, in ricordo del maestro Ermanno Olmi e seguita da una conversazione con Francesca Archibugi insieme a Mario Sesti e Francesca Magliulo, direttore Fondazione EOS EDISON.

Una giuria d’onore d’eccezione, presieduta dal regista premio Oscar Gabriele Salvatores, assegnerà un premio alle opere in concorso in ciascuna delle seguenti categorie: Miglior Film d’Impresa Umana – Area Narrativa – Scrittura, immaginario, messa in scena; Miglior Film D’Impresa UniCredit – Area Documentaria – Storia, testimonianze, fatti e Percorsi, testimonianze, fatti; Miglior Film Almaviva – Area II&S: Innovative, Image & Sound – Ritmo, luce, percezione.
La regista e sceneggiatrice Francesca Archibugi riceverà il Premio Olmi, promosso dalla Fondazione Eos – Edison Orizzonte Sociale ETS; il Premio Speciale Gruppo Ferrovie dello Stato Italiane verrà consegnato alla cantante e produttrice discografica Caterina Caselli, che parteciperà anche a una conversazione con Mario Sesti a margine della visione del video essay “Caterina Caselli: arte e impresa di una ragazza tutta d’oro”.

Il Premio Speciale Film Impresa-Unindustria alla creatività verrà consegnato all’imprenditore Renzo Rosso, che a conclusione della terza giornata sarà protagonista di una conversazione con Giampaolo Letta.

Durante la ricca tre-giorni di aprile ci sarà spazio anche per due segnalazioni collaterali: quella popolare della platea competente per il film più amato dal pubblico e quello dell’Ente dello Spettacolo – Rivista del Cinematografo che premierà un film che sarà poi proiettato al Lecco Film Festival.

È possibile seguire le tre giornate del Premio Film Impresa in streaming sui canali ufficiali della manifestazione. La manifestazione è patrocinata da Roma Capitale, Camera di Commercio di Roma e Rai Teche, in collaborazione con Confindustria e Regione Lazio, ANICA, UNA e Casa del Cinema di Roma.

L’iniziativa ha visto per il secondo anno consecutivo il contributo di Almaviva, Edison,Fondazione Eos – Edison Orizzonte Sociale ETS, Gruppo Ferrovie dello Stato Italiane, Umana e UniCredit, ai quali si sono aggiunti nel 2024 Università Campus Bio-Medico di Roma, Fondazione Policlinico Universitario Campus Bio-Medico, Würth, ITS Meccatronico del Lazio. Adnkronos è media partner.

Capitan Harlock. L’arcadia della mia giovinezza torna al cinema 20, 21, 22 maggio

Redazione
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Capitan Harlock. L’arcadia della mia giovinezza torna al cinema 20, 21, 22 maggio

È il 9 aprile del 1979 quando il pubblico italiano “incontra” per la prima volta uno dei personaggi più iconici dell’intera animazione giapponese in una serie tv divenuta leggendaria. 45 anni dopo, il pirata dello spazio creato dalla fantasia del geniale Leiji Matsumoto torna al cinema con Capitan Harlock. L’arcadia della mia giovinezza, l’anime che narra la giovinezza del celebre corsaro. L’evento speciale sarà la più grande reunion al cinema dei fan di Capitan Harlock, pensata per festeggiare l’anniversario in compagnia dei personaggi storici della serie (da Tochiro a Emeraldas passando per Mayu). L’appuntamento nelle sale è fissato per il 20, 21, 22 maggiograzie alla Stagione degli Anime al Cinema 2024, un progetto esclusivo di Nexo Digital distribuito in collaborazione con Yamato Video.

Spietato, idealista, leale e incorruttibile, Capitan Harlock è il pirata spaziale più famoso dell’animazione giapponese. Benda nera a coprire un occhio, cicatrice che gli attraversa il volto, un lungo mantello nero, stivali che anticipano il suo arrivo con passo leggero ma autoritario. Capitan Harlock è prima di tutto un personaggio nato a fumetti nel 1977 per mano di Leiji Matsumoto, che al corsaro dello spazio aveva in realtà dedicato più di un’opera, quelle dove il protagonista è conosciuto come il “proto-Harlock”. In un manga del 1972, Gun Frontier, ambientato nel vecchio West, Harlock fa per esempio la conoscenza con il giapponese Tochiro: colui che diventerà nella fenomenologia della serie il suo migliore amico, nonché il costruttore geniale della nave Arcadia.

Il pirata diventa una star nel 1978 quando Toei dà vita alla celeberrima serie animata in 42 episodi diretta da Rintarō. Nell’anime l’Arcadia cambia colore rispetto al fumetto, un colore blu notte. Inoltre, per accentuare il tono drammatico e nostalgico della trama viene creato il personaggio di Mayu: la piccola è molto affezionata a Harlock e in più di un’occasione giocherà un ruolo centrale nell’affetto e nelle decisioni del pirata. Se in Giappone il corsaro spaziale occupa le pagine dei principali mensili specializzati in animazione e viene omaggiato da numerosi libri illustrati, in Italia la popolarità della serie si fa registrare anche grazie al successo della sigla cantata da La banda dei bucanieri (Fonit Cetra), scritta da Luigi Albertelli con Vince Tempera.

La trama di Capitan Harlock. L’arcadia della mia giovinezza

In Capitan Harlock. L’arcadia della mia giovinezza la guerra contro gli Illumidiani é perduta, la libertà una chimera. Un valoroso guerriero torna, stanco ma indomito, sul suo pianeta occupato: il suo nome è Harlock. Le città sono in rovina e i governanti corrotti non hanno esitato a vendersi all’invasore. Ma c’è ancora qualcuno che combatte per la libertà: Maya, la “voce” della resistenza; Zoll, il mercenario di Tokarga deciso a vendicare il suo popolo; Emeraldas, una piratessa spaziale. E infine Tochiro, legato ad Harlock da un’amicizia che si trasmette da generazioni, il geniale costruttore di una possente astronave che porta il nome di un’utopia: Arcadia. La battaglia per la libertà sta per iniziare.

Dopo Capitan Harlock. L’arcadia della mia giovinezza l’appuntamento della Stagione degli Anime al cinema proseguirà con Lupin III. La pietra della saggezza (1978).

Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna: trailer con Scarlett Johansson e Channing Tatum

Redazione
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Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna: trailer con Scarlett Johansson e Channing Tatum

Eagle Pictures ha diffuso il trailer di Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna con Scarlett Johansson e Channing Tatum. Diretto da Greg Berlanti, il film è scritto da Rose Gilroy ed è basato sulla storia di Bill Kirstein e Keenan Flynn. I produttori sono Scarlett Johansson, Jonathan Lia, Keenan Flynn, Sarah Schechter e Robert J. Dohrmann è il produttore esecutivo.

Completano il cast Nick Dillenburg, Anna Garcia, Jim Rash, Noah Robbins, Colin Woodell, Christian Zuber, Donald Elise Watkins con Ray Romano e Woody Harrelson. Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna sarà al cinema dall’11 luglio distribuito da Eagle Pictures.

La trama di Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna

Interpretato da Scarlett Johansson e Channing Tatum, Fly Me to the Moon – Le due facce della Luna è un’intelligente ed emozionante commedia drammatica, ambientata nel contesto dello storico allunaggio NASA dell’Apollo 11. Assunta per rilanciare l’immagine pubblica della NASA, Kelly Jones (Johansson), ragazza prodigio del marketing, si scontrerà con Cole Davis (Tatum), direttore del programma di lancio,  creando scompiglio nel suo già difficile compito. Quando la Casa Bianca ritiene che la missione sia troppo importante per fallire, Kelly Jones viene incaricata di inscenare un finto sbarco sulla Luna come piano di riserva. A quel punto il conto alla rovescia inizia davvero.

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