La Promessa – Il prezzo del potere è un thriller politico graffiante, che immerge lo spettatore in un’atmosfera di costante intrigo. Per la regia di Thomas Kruithof, la pellicola è stata presentata a Venezia78 nella sezione Orizzonti e arriverà nelle sale italiane il 10 marzo 2022.

La Promessa: un dramma politico locale

Clémence (Isabelle Huppert), impavido sindaco di una cittadina vicino Parigi, sta completando l’ultimo periodo del suo mandato. Con il suo fedele braccio destro Yazid (Reda Kateb), ha combattuto a lungo per questa comunità afflitta da disuguaglianze, disoccupazione e povertà. Tuttavia, quando a Clémence viene offerta la carica di Ministro, la sua ambizione prende il sopravvento, mentre la devozione e l’impegno per i suoi cittadini iniziano a vacillare. La sua integrità politica e le promesse elettorali sopravvivranno a queste nuove aspirazioni?

Il mondo della politica è un oceano di squali, e gli idealisti fanno fatica a nuotarci dentro senza perdere gli arti: questo è essenzialmente ciò che apprendiamo da La Promessa.

E’ così che il film procede a mettere la politica e i legami sociali a confronto, cercando di cogliere davvero la complessità delle questioni in gioco, soprattutto in una fase in cui la figura politica è divisa tra le promesse da mantenere nei confronti degli elettori e, contemporaneamente, all’interno della stessa gerarchia politica. Viene illustrata una metaforica vasta scacchiera di accordi e compromessi, tanto più rilevante poiché evita di mettere in scena la strada più facile del manicheismo per evidenziare al meglio le contraddizioni insite al sistema politico.

La scelta di un contesto regionale per esaminarne l’ambiente politico e l’integrità dei suoi rappresentanti è ciò che di migliore il film porta su schermo, conferendo alla pellicola una base narrativa intima, viva e concreta, che permette tanto l’identificazione quanto a Isabelle Huppert di splendere nel ruolo di protagonista.

Kruithof opta per una direzione artistica spartana, realizzando la maggior parte delle riprese in stanze istituzionali poco illuminate e in spazi spogliati di alcuna personalità. A tratti dalla parvenza documentaristica, in La Promessa la mancanza di licenza drammatica è portata al limite: merito di Kruithof è infatti l’impressionismo verista tramite cui trasmettere la ripetitività stordente del mondo della politica locale.

La Promessa: l’energia della protagonista manca alla scrittura

Sicuramente, la tensione che viene costruita nel corso dello sviluppo narrativo, non sempre rimodellata a dovere rispetto alle vicende a cui assistiamo, riesce comunque a consolidare il prodotto, soprattutto perché sostenuta da un cast di prima qualità: Isabelle Huppert riesce a trasmettere sottilmente i dubbi e le perplessità insite al personaggio da lei interpretato, mentre Reda Kated regala una performance impressionante nella sua precisione e determinazione: fa di Jazid un personaggio mai monodimensionale, caratterizzato da un mix di giusta rabbia e calore umano a cui è difficile resistere e sono le sue azioni che garantiscono che le promesse di un politico possano, dopotutto, ancora contare qualcosa. Menzione speciale va poi all’ottimo Hervé Pierre, grande attore di teatro, visto recentemente in Benedetta di Paul Verhoeven.

The Social Network ha mostrato che i drammi penetranti possono essere ambientati in ambienti squallidi dominati da persone ambiziose e amorali, ma a La Promessa manca l’equivalente della sceneggiatura affilata di Sorkin. Kruithof e il co-sceneggiatore Jean-Baptiste Delafon si appoggiano molto sul dialogo per la caratterizzazione informativa, non sempre comprovata dall’effettiva scrittura caratteriale del personaggio. E’ invece la colonna sonora contenuta e ronzante di Gregoire Alger a fornire un senso implicito di drammaticità, segnalando la torbidezza del mondo in cui lei e i suoi colleghi vivono.

Il design della produzione svolge un ruolo efficace nel far corrispondere i contrasti interni ai personaggi con l’ambiente a loro circostante; il mondo professionale di Collombet è fatto di cemento e acciaio, la sua vita domestica è immersa in una luce soffusa e caratterizzata da arte costosa e arredi lussuosi. Il dietro-front politico della trama di La Promessa esclude tuttavia le sue possibilità di studio approfondito del personaggio, il che significa che il film non raggiunge mai la massima intensità in questo senso: c’è tanto di Clémence che vorremmo conoscere, soprattutto per quanto riguarda la sua relazione distaccata con il figlio, la sua quotidianità.

La Promessa si allontana dalla sua protagonista proprio nel momento in cui vogliamo impugnare la lente di ingrandimento sul personaggio, per poter cogliere un quadro di insieme certamente interessante, soprattutto tenendo a mente che il personaggio è interpretato da un’attrice del calibro di Huppert. Siamo di fronte a un film distintamente democratico, che avrebbe potuto però assecondare l’ego della sua eroina solo un po’ di più.

Si è meritato una standing ovation a Cannes, è stato un successo al botteghino in Giappone, ha partecipato alla Festa del Cinema di Roma – nella categoria Alice nelle Città: finalmente il 17 marzo esce nelle sale italiane Belle, l’ultimo capolavoro del regista di anime Mamoru Hosoda.  Il film è una favola moderna ed esotica dotata realmente di un potere incantatore.

Belle è una moderna interpretazione di La Bella e la Bestia

Il regista Mamoru Hosoda ha preso ispirazione alla favola tanto cara alla Disney La Bella e la Bestia e ne ha tratto un film anime attuale, profondo e dalle tinte orientali.

Suzu, nel mondo reale, è una ragazza normalissima di 17 anni. Per evadere dalla tristezza che la opprime – è orfana di madre fin da quando aveva pochi anni – e dal senso di inadeguatezza adolescenziale, Suzu si iscrive a [U], un mondo virtuale in cui 5 miliardi di persone interagiscono usando i propri avatar.

L’avatar di Suzu è Belle, una creatura angelica che conquista tutta la community di [U] con la sua voce incantevole. In bilico tra realtà aumentata e vita scolastica, Suzu cerca se stessa e la serenità. Grazie ad una mostruosa creatura che fa tremare l’intera comunità di [U], Suzu scopre che non è l’unica a soffrire e che chiedere aiuto è il primo passo per la felicità.

Il racconto di un dolore incommensurabile

Suzu convive con la sofferenza per la morte della madre. Dopo anni, non è ancora riuscita a fare i conti con il lutto vissuto: è oppressa dal dolore e dalla tristezza che, come macchie, invadono ogni aspetto della sua vita. Da piccola, era appassionata di musica, ma dalla perdita della madre ha smesso di cantare. Suzu ha un amico gentile e un papà amorevole, ma anche con loro è schiva e scontrosa.

Nel corso del film, grazie all’avatar, Suzu elabora il suo lutto. Belle non è semplicemente un racconto di formazione: è un percorso di crescita in cui grandi e piccini possono ritrovarsi, in vari momenti della vita. Il regista vuole esaltare la capacità catartica delle arti: la musica è per Belle lo strumento ideale per sfogare il dolore, ma non solo. Con le sue canzoni, la protagonista crea qualcosa di emozionante e potente, in grado di emozionare e commuovere anche chi ascolta.

Un film che parla a tutti i sensi

Non diversamente dal messaggio che Sorrentino ha voluto lanciare in È stata la mano di Dio, Belle ci dice che dalla sofferenza si può trarre energia spettacolare, in grado di arrivare dritta al cuore di chi osserva.

Il concetto alla base del film anime è ben reso dalle immagini e dalla musica. L’animazione di Belle è incantevole: il tratto fine e semplice delle immagini che mostrano la vita reale si alternano alla ricca e stratificata realtà virtuale di [U]. La complessità del mondo digitale è ben costruita e ricorda le meravigliose immagini dei film Pixar: i personaggi e gli ambienti costruiti da Hosoda non hanno nulla da invidiare a quelli di Inside Out, di Coco o  di Soul. Se nei i film Disney gli spazi parlano di mente e aldilà, il film anime mostra con le immagini l’intangibilità del mondo online, mastodontico, profondo e frammentato.

La musica di Belle ha un enorme potere evocativo ed emozionante. Le canzoni cantate dalla protagonista sono dolci e strazianti, così come anche la voce del personaggio. La scelta di lasciare in lingua originale il cantato è la ciliegina sulla torta: rende il tutto più affascinante ed esotico. Inoltre, l’abbinamento di suono e immagini variopinte è una meraviglia per gli occhi: è entusiasmante nonostante il vincolo della lingua delle canzoni.

Una favola moderna

Il mostro e l’amore di Belle sono tratti dalla favola La Bella e la Bestia. Il dolore condiviso tra la protagonista e la creatura mostruosa è un topos intramontabile che viene ripreso dal film, ma è attualizzato e inserito nella realtà dei social, scenario moderno.

Hosoda compie con il suo film un’operazione magistrale: parla ai giovani di oggi (ma non solo), tocca temi impegnativi come la violenza e la morte (ma non solo), fa commuovere (ma non solo). In conclusione, Belle è un film ampio e inclusivo, non si priva di nulla, nemmeno dei dialoghi e delle tinte kitsch tipiche degli anime. E soprattutto, è originale e vero.

Edoardo Leo firma il primo documentario ufficiale sulla vita di Gigi Proietti, dal titolo Luigi Proietti detto Gigi. L’attore aveva iniziato nel 2017 a seguirlo e dare forma all’idea del progetto di fare un film su di lui, che alla proposta rispose con una certa incredulità. Ed è un aspetto quasi assurdo da immaginare.

Già, perché nei racconti della sorella Anna Maria, intervistata da Leo insieme alle figlie Carlotta e Susanna, emergono tanti aneddoti e un profilo dell’artista non così scontato, come tra l’altro accade spesso per personaggi di questo calibro. Per sua stessa ammissione, infatti, non si sentiva un divo e se divideva il palco con qualcuno gli lasciava spazio, sempre.

Un viaggio per capire il suo segreto, questo l’intento dell’attore e regista, che aveva iniziato il suo percorso dietro la macchina da presa già nel 2008 con Ne parliamo a cena e successivamente, nel 2010, con Diciotto anni dopo si era aggiudicato una nomination ai David di Donatello e una ai Nastri d’argento.

La sua crescita professionale aveva dunque incrociato quella di Proietti ai tempi de L’avvocato Porta, nel ’97, per poi portarlo ad essere diretto proprio da lui nel 2001 in occasione della trasposizione teatrale dell’opera di Ettore Scola Dramma della gelosia. All’epoca Edoardo Leo aveva ventinove anni.

Quello che lo ha condotto fino a decidere di sviluppare un lungometraggio raccogliendo testimonianze e filmati di repertorio, è fondamentalmente il desiderio di ricerca e scavo nel mistero di un uomo dello spettacolo che, oltre ad una tecnica e un talento formidabili, possedeva quel qualcosa in più: la capacità di portare in scena pezzi passati alla storia per quanto hanno fatto scomporre dalle risate grandi e piccini, e opere che la storia l’avevano già fatta. Il tutto con un livello performativo pazzesco.

E a dire il vero, a conti fatti, Luigi Proietti detto Gigi, è un documentario ammirato e innamorato, che fa sospirare e di nuovo, ancora, piegare a metà dal ridere, come dice lo stesso regista che accompagna e guida le immagini facendo da voce narrante: nonostante certe barzellette le abbiamo ascoltate centinaia di volte, continuano a farci divertire a crepapelle, perché a farlo è lui e come le racconta.

Così viene passata in rassegna la vita artistica di Proietti, a partire da quello che fu A me gli occhi please nel 1976, di come quel one man show lo fa schizzare nelle vette dei mattatori del teatro d’intrattenimento, anche e soprattutto perché per due ore e mezza regge la scena da solo, gettando le basi per sketch che diventeranno iconici, e che riprodurrà più volte durante la sua carriera. Quello spettacolo suggellerà l’amore eterno che la capitale gli riserverà per tutta la vita, che è lo stesso che ha mosso il regista nella sua indagine piena d’affetto e che guizza da ogni parte del montaggio.

Luigi Proietti detto Gigi racconta un maestro agli occhi dell’allievo

Con la morte di Proietti, Edoardo Leo decide di fermare le riprese, e inizia a domandarsi se sia il caso o meno di continuare il progetto, ma è la stessa famiglia dell’attore romano ad incoraggiarlo, e così prosegue.

Forse proprio perché nessuno si sarebbe aspettato di doverlo salutare così all’improvviso, o perché certi personaggi danno davvero la percezione di essere immortali, Luigi Proietti detto Gigi acquisisce una dolcezza potente e delicata, che svela il sentimento che legava sinceramente Leo al suo maestro, termine che peraltro non gli è mai andato veramente a genio.

Non è mai facile tratteggiare fino in fondo i contorni di personalità che talvolta sembrano inafferrabili, se non inarrivabili. E probabilmente l’interrogativo iniziale del regista non giunge ad essere risolto. Ma forse non era davvero quello il suo scopo, quanto la costruzione di un racconto che potesse gettare luce su altri lati di un artista come Gigi Proietti, o semplicemente la contemplazione della bellezza del genio quando si combina al comico e riesce a catturare irrimediabilmente chiunque lo ascolti.

Scritto e diretto da Roland Emmerich, Moonfall arriverà nelle sale italiane il 17 marzo 2022; il film, con Halle Berry e Patrick Wilson protagonisti, documenta l’ipotetica rovina che potrebbe verificarsi se la luna dovesse letteralmente cadere sulla terra, sancendo l’ennesima incursione del regista nel genere del disaster-movie, dopo film come Independence Day, The Day After Tomorrow e 2012.

Moonfall: la debolezza di un’apocalisse mai veramente raccontata

Moonfall segue Brian Harper (Patrick Wilson), un astronauta caduto in disgrazia che – dopo essere stato licenziato dalla NASA a causa di una missione fallita in circostanze misteriose – ha passato gli ultimi 11 anni a bere e a lavorare sulla sua auto d’epoca. Quando K. C. Houseman (John Bradley) annuncia su Internet che, in base alle sue ricerche, la luna entrerà in collisione con la terra nel giro di poche settimane, Brian viene tirato fuori dal pensionamento forzato dalla sua ex compagna e attuale capo della NASA, Jocinda ‘Jo’ Fowler (Halle Berry) per affrontare un’ultima missione tentando di salvare il mondo.

Moonfall esce a distanza di un mese e mezzo da Don’t Look Up di Adam Mackay, il che ci mostra come entrambi i film abbiano goduto di un’arma a doppio taglio chiamata pandemia: il fatto che stiamo vivendo una particolare apocalisse ha reso tutto più vicino, ma ha anche fatto sì che il livello di sospensione dell’incredulità richiesto allo spettatore abbia raggiunto il suo massimo livello.

Non che Moonfall, aspiri ad essere il paradigma della verosimiglianza; al contrario, il regista che probabilmente ha messo più in pericolo la Terra nella sua filmografia si accontenta di un semplice ma efficace prologo – un Gravity in versione ridotta- non esplicativo, ma che vuole instillare il seme del dubbio: se l’arrivo dell’Apollo 11 sulla luna non corrispondesse a ciò che ci è stato raccontato?

Privo di ambientazioni coinvolgenti, di personaggi credibili o di un minimo accenno di autocoscienza, Moonfall è quindi sostenuto solo in una prima parte dal mistero di ciò che sta realmente accadendo sulla (e dentro) la Luna, anche se il fatto stesso che praticamente ogni singola teoria strampalata di K.C. si riveli vera smorza ogni singolo accenno di suspense, mai effettivamente controbilanciato da effetti visivi che dovrebbero risultare ammalianti e sorprendenti.

Moonfall: Emmerich perde perfino il tocco di divertimento

Il film è strutturato in maniera totalmente illogica, pretendendo che gli spettatori compiano un salto della fede in termini di sospensione dell’incredulità, per accettare la premessa della pellicola; nei film catastrofici in cui l’esito della distruzione naturale è abbastanza prevedibile, personaggi convincenti e coinvolgenti devono quantomeno impegnarsi nel mantenere alta l’attenzione degli spettatori nei confronti di quanto succede sulla scena. In Moonfall, tuttavia, nessuna caratterizzazione dei protagonisti è abbozzata, lo spettatore non ha motivo di preoccuparsi per loro e per gli esiti delle loro imprese e, quando il film cerca di sostanziare effettivamente una parvenza di backstory, questa viene affidata ai dialoghi più grossolani dell’intera sceneggiatura.

La sceneggiatura di Moonfall sotterra perfino il titolo stesso, spendendo la prima metà del minutaggio sulla dinamiche interne alla famiglia fratturata di Brian, le problematiche col figlio, il nuovo compagno per nulla simpatico della moglie. Queste digressioni continuano a mostrarsi solo come distrazione per tutto il film, senza concentrarsi mai effettivamente sull’interessante punto di vista della famiglia di Harper, la metà terrestre di Moonfall, gli occhi attraverso i quali vediamo le maree travolgere la terraferma e i grattacieli sradicati dalla gravità della Luna.

Sfortunatamente per il pubblico, la devastazione è solo una piccola parte della lotta del cast: la maggior parte delle loro preoccupazioni sono più mondane rispetto alle stramberie aliene in orbita e le performance del cast non riescono effettivamente ad elevare una sceneggiatura che sembra algoritmica.

Questo tipo di monotonia narrativa è più o meno prevista in un film di Emmerich, ed è tollerabile se ci sono fuochi d’artificio in serbo nella seconda metà del film, dove la parte effettivamente catastrofica del disaster movie diventa la reale protagonista. Moonfall fallisce sotto ogni punto di vista in questa meccanica, sia sulla Terra – in quanto i grandi momenti di spiegazione fisica in stile Inception vengono completamente annullati e il terrore di una Luna gigante all’orizzonte non sembra mai reale – sia nello spazio esterno, quando K.C., Brian e Jo finalmente approdano all’interno della Luna e scoprono che si tratta di un’astronave sotto l’assalto di un’intelligenza artificiale malvagia.

Moonfall è il tipo di film che richiede un tipo di produzione folle e sopra le righe, ma non raggiunge mai quel punto: tenta, in maniera blanda e oltremodo lontanamente scientifica, di spiegare con serietà e dedizione i propri assiomi tematici, senza renderci conto che al progetto mancano il vero cuore e la mente di un regista che, nel corso degli anni, si è garantito l’ammirazione dei fan del disaster-movie.

Channing Tatum, danzerino protagonista di Magic Mike, sorprende il suo pubblico con il suo esordio dietro alla macchina da presa, Dog. Talvolta il metodo per giudicare la riuscita di un lungometraggio deve essere quello di riconoscere l’intelligenza e la lucidità con cui è stato realizzato. Per alcuni progetti questo conta probabilmente anche più dell’originalità stessa.

Nel caso di attori celebri passati dietro la macchina da presa tale tentativo ha portato a risultati artistici in qualche caso addirittura eccellenti: basta pensare agli esempi di Robert Redford (Gente comune, In mezzo scorre il fiume, Quiz Show), Kevin Costner (Balla coi lupi, Terra di confine), Mel Gibson (Braveheart) o George Clooney (Good Night, and Good Luck, In amore niente regole). La stessa prospettiva può tranquillamente essere applicata a Dog, esordio di Channing Tatum come co-regista insieme al suo amico e storico produttore Reid Carolin.

Dog, la trama del film

La star si cuce addosso con indubitabile lungimiranza il ruolo dell’ex-soldato Jackson Briggs, dismesso a causa di una ferita alla testa in battaglia, il quale non riesce a ricostruirsi una vita al di fuori di quella militare. Una missione sul suolo americano però potrebbe riportarlo al fronte: gli viene infatti ordinato di portare il “war dog” Lulu, con cui ha passato molti momenti drammatici in missione, al funerale del sergente Rodriguez, morto in azione. Il viaggio in macchina servirà a Briggs non soltanto per riallacciare il rapporto con l’animale anche lui traumatizzato, ma soprattutto per tentare di rimettere insieme i pezzi di una vita al limite del baratro. 

Il pregio maggiore di Dog è quello di non spingere mai eccessivamente sul pedale del melodramma, anche se storia e personaggi messi in scena rappresentano l’America messa ai margini, quella di coloro che non hanno alcun vero futuro se non dentro la vita militare. Un tema che l’industria dell’entertainment americano ha affrontato in passato con notevole profondità, ma che negli ultimi tempi sembrava aver “dimenticato”. Il film di Tatum al contrario dipinge un ritratto umano complesso, costretto in una situazione economico-sociale che non sembra realmente lasciargli alternative se non quella di mettere in gioco la propria vita, in un modo o nell’altro.

Un road-drama-movie

L’impalcatura narrativa classica del road-movie viene dipanata dalla sceneggiatura grazie a un equilibrio tra dramma umano e momenti più leggeri molto ben concertato, che consente a Channing Tatum di esplorare molte delle sfaccettature del protagonista con più che discreta adesione psicofisica. E qui si nota, come scritto, l’acutezza con cui l’attore-regista ha costruito il suo film in modo da non andare mai a toccare corde capaci di esporre i limiti delle sue capacità di interprete: flirtando con il faceto anche quando i momenti sono invece più che seri, Tatum se la sbriga egregiamente attraverso una delle performance più riuscite della sua carriera, se non addirittura la migliore.

È ovviamente lui il cuore pulsante di Dog, lungometraggio che senza tentare di essere mai originale preferisce al contrario battere con solidità e sicurezza strade già percorse. Non succede nulla che non si possa prevedere con largo anticipo nel corso del film, ma questo non allenta la presa emotiva sullo spettatore. Al contrario forse proprio perché abbiamo visto tante volte al cinema una storia di questo tipo, sappiamo riconoscere la fattura di un prodotto che sa quali corde emotive toccare, e soprattutto comprende perfettamente come farlo.

Ogni volta che Dog rischia di scivolare nel melodrammatico, sceneggiatura e regia sanno condire gli eventi con un pizzico di realtà che li rende ancor più verosimili, tangibili e quindi emozionanti. A suo modo Dog è un film trattenuto, e per questo capace di scavare in profondità. Una sorpresa più che lieta che rilancia a nostro avviso la figura artistica di Channing Tatum dopo qualche anno di leggero appannamento.