In uscita il 7 aprile su Prime Video e Tim Vision, La figlia del bosco è l’esordio nel lungometraggio di Mattia Riccio, giovane regista romano che firma una favola nera dal cuore ambientalista, sospesa tra horror psicologico, inquietudini fiabesche e suggestioni fantasy. Il film si inserisce con consapevolezza nel filone dell’eco-vengeance, raccontando il dramma di un uomo che entra nella foresta da predatore e ne diventa preda.

Morte ai dissacratori

La trama ruota attorno a Bruno, cacciatore solitario che si avventura in un bosco sconosciuto senza le dovute precauzioni: niente cartina, niente cellulare, nessun sentiero tracciato. A sera inoltrata, smarrito e spaesato, viene attratto da una voce femminile eterea e incantatrice, simile al canto delle sirene. La segue, come in trance, fino a una casa immersa nel verde, misteriosamente apparecchiata ma disabitata. Da quel momento, ha inizio un incubo fatto di ripetizioni ossessive, incontri stranianti e una natura che sembra rispondere a una propria giustizia. 

Un’atmosfera potente e suggestiva

Nel suo momento migliore, La figlia del bosco eccelle nella costruzione dell’atmosfera. Riccio mette in scena un bosco che non ha più nulla di fiabesco: è un labirinto vivo, respira, cambia, inghiotte. La sensazione è simile a quella di certi videogiochi survival horror, in cui si perde il senso dell’orientamento e si continua a girare a vuoto. Ricorda The Blair Witch Project e lo stesso Blair Witch sviluppato da Bloober Team ma anche i recenti The Ritual (2017) e Gaia (2021), per come trasforma l’ambiente naturale in un luogo che osserva, giudica e agisce. Bruno stesso lo dice, sconvolto: “Questo dannato bosco non ti dà punti di riferimento. È come se avessi girato in tondo per ore. L’unico posto che ritorna sempre è questa casa”.

L’incontro con Celeste, capo scout dispersa anche lei da giorni, aggiunge un tocco surreale e quasi ironico: “Disperso nei boschi, con vitto e alloggio gratuito. Inizio a pensare che qualcuno o qualcosa si stia prendendo gioco di noi”. Ma l’ironia dura poco, perché la foresta continua a stringere il cerchio. E il film, da quel momento in poi, si immerge in un crescendo sempre più cupo.

Una denuncia ambientale che affonda nel mito

Sotto il racconto dell’uomo smarrito nella natura si nasconde un sottotesto più ampio: La figlia del bosco parla del prezzo che paghiamo per la nostra insolenza nei confronti dell’ambiente. L’idea – lasciata intendere più che spiegata – è che esista una creatura, un’entità antica nata dalle radici degli alberi, che osserva e giudica in silenzio. La sua voce è il richiamo che intrappola chi ha profanato il bosco, trasformandolo in un oggetto vacuo, privo di identità. “Il tempo della caccia è terminato… il predatore diventa preda”, sembra sussurrare lo sguardo invisibile che aleggia tra le fronde.

La leggenda, che aleggia sul film senza mai essere completamente svelata, ricorda certe mitologie nordiche o le atmosfere del cinema di Ari Aster e Robert Eggers, dove la natura non è solo sfondo ma divinità crudele, silenziosa e inflessibile. C’è qualcosa, in questa “figlia del bosco”, che riporta alla mente anche Antichrist di Lars von Trier, per il modo in cui la colpa personale si intreccia alla punizione cosmica.

Tra intuizioni efficaci e qualche debolezza

Se l’impianto visivo e l’atmosfera sospesa funzionano – grazie anche a una fotografia che alterna tonalità fredde e sprazzi fiabeschi, e a un suono curato, disturbante e stratificato – il film mostra però qualche debolezza nei dettagli. Alcune trovate, come le bambole inquietanti che ricordano i protagonisti, risultano più posticce che disturbanti. Gli effetti speciali sono limitati e, in certi momenti, poco credibili, mentre la recitazione appare spesso troppo impostata, più teatrale che naturale. Un aspetto che, nel complesso, toglie un po’ di immediatezza all’esperienza emotiva. Nonostante queste fragilità, però, la forza de La figlia del bosco risiede nella sua capacità evocativa: il bosco, con i suoi suoni, i suoi colori e il suo silenzio, è il vero protagonista. E il film, pur con qualche ingenuità, dimostra di avere un’identità precisa e una voce personale.

Una promessa da seguire

Mattia Riccio, al suo primo lungometraggio, dimostra coraggio, idee e una visione chiara. La figlia del bosco è un film che, rispetto a tante altre produzioni italiane, osa senza rinunciare a lanciare un messaggio: quello di una natura stanca di essere sfruttata, che chiede silenzio, rispetto, ascolto. Un debutto interessante, che merita attenzione e che potrebbe rappresentare l’inizio di un percorso importante per un giovane autore da tenere d’occhio. Se il cinema dell’orrore può ancora essere una forma di riflessione, La figlia del bosco è la prova che, anche con mezzi ridotti, si può parlare al cuore – e alla coscienza – dello spettatore.

Mettiamola in questo modo: se The Shrouds dovesse essere l’ultimo lungometraggio diretto da David Cronenberg nella sua straordinaria carriera, sarebbe allora la inebriante, gioiosa chiusura di un cerchio artistico paragonabile a nessun altro nella storia del cinema contemporaneo.

L’autore canadese infatti è a ben vedere colui che, almeno tra i maggiori cineasti dei nostri tempi, è riuscito a riflettere sulle stesse tematiche dal suo primo film fino a quest’ultimo, affascinante compendio cinematografico. E in maniera ancor più sorprendente lo ha fatto riuscendo molto spesso a rinnovarsi, non tanto nello stile quanto nella presentazione dei temi che a lui interessano.

La metamorfosi, ancora una volta

Al centro del cinema di David Cronenberg ci sono sempre stati la metamorfosi, la dualità dell’essere umano costantemente scisso tra psiche e carne, tra morale e mancanza di senso, tra istinti primordiali e regole sociali. Fino a circa vent’anni fa tutto questo veniva rappresentato attraverso opere che mostravano il cambiamento in maniera esplicita, se non addirittura brutale. Da qui pietre miliari del cinema fantastico come Videodrome, La mosca o Inseparabili. Dal un altro capolavoro come A History of Violence in poi la metamorfosi si è invece maggiormente interiorizzata, la trasformazione del corpo come metafora di dissoluzione dello status quo ha lasciato spazio a una rappresentazione spesso più sottile ma non meno ficcante dell’essere umano e del suo dualismo.

Il precedente Crimes of the Future ma soprattutto quest’ultimo The Shrouds si presentano come sintesi estremamente consapevole del proprio cinema, che lo stesso Cronenberg cita in maniera esplicita e sorprendentemente divertita. Esatto, perché a partire dalla pubblicazione del suo romanzo Consumed avvenuta nel 2014 – ma forse tracce sotterranee se ne possono trovare anche in alcuni dei suoi lavori precedenti  – l’autore ha cominciato a sviluppare una componente autoironica rivolta verso molte delle sue “ossessioni”, come ad esempio l’uso delle tecnologie maggiormente avanzate.

L’intera sottotrama di The Shrouds dedicata al rapporto tra il protagonista Karsh e la sua assistente virtuale in alcuni momenti possiede addirittura il tono della commedia satirica, almeno nel senso in cui Cronenberg la intende mettere in scena. Oltre che riflessione semi-seria ma assolutamente non superficiale riguardo le tematiche portanti del suo cinema, il lungometraggio offre poi uno sguardo verso il (non) futuro che a suo modo si fa addirittura commovente.

The Shrouds è una riflessione sulla morte

L’ultra-ottantenne Cronenberg infatti con The Shrouds riflette sulla morte e ciò che rappresenta, sul tentativo di non lasciar andare il ricordo, fisico ancor prima che emotivo. Si può in qualche modo allontanare la totale cancellazione dell’individuo creando una sorta di connessione simbolica tra vivi e morti, per quanto macabra e complessa sia? Attraverso questo film l’autore confessa di sperarci almeno un minimo. Considerato che Karsh è chiaramente un alter-ego di Cronenberg stesso (basta vedere la pettinatura del protagonista Vincent Cassel) per comprendere quanto The Shrouds sia un’opera estremamente personale, che mette a nudo sia i timori che la candida consapevolezza del suo creatore.

The Shrouds non avrebbe potuto essere uno specchio tanto sincero del pensiero di Cronenberg senza l’apporto prezioso di Cassel, il quale ha compreso perfettamente il proprio personaggio, esplicitandone al meglio la vulnerabilità, il dolore sommesso ma anche il sottile sarcasmo. Si tratta realmente di una delle prove migliori nella carriera dell’attore francese, il quale regge sulle proprie spalle carismatiche l’intero lungometraggio, supportato a tratti da un Guy Pearce anche lui disposto a mettersi amichevolmente in gioco. Unico punto a sfavore di The Shroud sono invece le interpretazioni molto meno convincenti di Sandrine Holt e in particolar modo Diane Kruger, la quale ha un doppio ruolo che non riesce a rendere mai interessante.

Per amare fino in fondo The Shrouds bisogna coglierne il sottofondo divertito e insieme malinconico. Si deve senza alcun dubbio prendere il film sul serio, poiché attraverso esso David Cronenberg tenta seriamente di teorizzare sulla sua poetica passata e sulla normale incertezza di un futuro che non può essere più remoto. Il cineasta sembra volerci dire che se la fine, artistica ma non solo, è probabilmente vicina, si può comunque esperirla in maniera gioiosa. Alla maniera di David Cronenberg, sia chiaro…

La diversità non è mai un’etichetta. Nonostante nel nostro tessuto sociale si consideri un marchio indelebile che ci relega ai margini, chi è diverso, guarda caso, costituisce sempre una fonte di insegnamento per chi si ritiene, nel nostro mondo, normale. Questa è la riflessione a cui vuole spingerci Jon Gunn con il suo Il bambino di cristallo, pellicola ispirata alla vera storia di Austin LeRette, giovane autistico affetto da una rara patologia ossea, e basata sul libro autobiografico The Unbreakable Boy: A Father’s Fear, a Son’s Courage, and a Story of Unconditional Love, scritto da Scott Michael LeRette – padre del ragazzo – e Susy Flory. Nel cast figurano Zachary Levi e e Meghann Fahy nei panni dei genitori, e il bravo Jacob Laval nelle vesti di Austion. Il film arriva nelle sale dal 27 marzo, distribuito da Notorious Pictures.

Il bambino di cristallo, la trama

Austin è un bambino nato con l’osteogenesi imperfetta, una condizione ereditaria che rende le sue ossa estremamente fragili. Infatti, mentre gli altri bambini giocano liberamente, lui deve costantemente fare attenzione, ma nonostante le limitazioni fisiche, cresce con una gioia di vivere che contagia chi gli sta intorno. I suoi comportamenti, che alle volte risultano essere atipici, portano però i genitori, Scott e Teresa, a scoprire un’altra verità: Austin è autistico.

Per il padre, questo, è un colpo duro: nonostante tutto l’amore, non riesce davvero a comprendere il mondo interiore di suo figlio. Le preoccupazioni per la condizione di Austin si intrecciano così alla sua lotta contro l’alcolismo, in un circolo vizioso che sembra senza via d’uscita. Ma sarà proprio Austin – con la sua felicità autentica e quel modo speciale di vedere la vita che Scott inizialmente non afferrava – a tendergli la mano senza volerlo, mostrandogli la strada per risollevarsi.

Quando la malattia diventa fonte d’ispirazione

Prima di quest’opera, il cinema aveva già esplorato le sfumature dell’autismo. Basti pensare a Miracle Run o Temple Grandin, che avevano collocato al centro della narrazione la determinazione e il coraggio dei protagonisti nel perseguire un’esistenza ricca e serena, senza compromessi. Una lezione di vita che trova ulteriore conferma ne Il bambino di cristallo, il cui nucleo è l’ottimismo e la gratificazione che è possibile ottenere a dispetto della propria condizione fisica. Austin, infatti, oltre a rientrare nello spettro autistico, soffre di osteogenesi imperfetta, una malattia che rende le ossa estremamente fragili. Basta un banale incidente, e queste si frantumano come fossero, per l’appunto, cristallo. Nonostante una situazione che lo costringe fin dall’infanzia a rinunciare alle attività tipiche dei suoi coetanei, come saltare e correre, il bambino cresce con un’indole radiosa, senza fardelli interiori, e con lo sguardo colmo di stupore e meraviglia, elementi che scopriamo essere esaltati proprio dal suo autismo.

Se per Austin la sua condizione rappresenta perciò un impulso verso un universo ricco di fantasia, sogni e felicità – quasi fungesse da filtro per attenuare la cruda realtà – per il padre Scott diventa un’occasione di crescita. Un genitore che inizialmente fatica a decifrare il figlio, e che porta sulle spalle il peso di una serie di problematiche tra cui l’alcolismo, si trasforma nel primo “discepolo” del proprio bambino, il quale gli mostra il valore della gioia e delle piccole cose, spalancandogli inoltre le porte del suo mondo immaginifico.

Austin e l’autismo: una lezione di vita

Il bambino di cristallo si erge così a insegnamento universale, esortandoci a reagire alle avversità, perché chi si trova in una condizione apparentemente svantaggiata diventa, in realtà, fonte d’ispirazione e meraviglia, proprio in virtù della sua capacità di essere ciò che una persona ordinaria non è.

E il merito è senza dubbio di una sceneggiatura ben calibrata, ritmata, che affida direttamente ad Austin, attraverso una voce fuori campo persistente accompagnata da illustrazioni e animazioni vivaci, il compito di trasmettere allo spettatore la sua prospettiva, guidandolo verso una piena comprensione del suo punto di vista. Ci ritroviamo così ad ampliare i nostri orizzonti sulla quotidianità e sul modo in cui dovremmo affrontare il nostro percorso. Perché le difficoltà e le sofferenze esistono, ma spetta a noi scegliere come affrontarli e superarli. E forse, il nostro mentore, è proprio colui dal quale presumiamo di non poter apprendere nulla. E invece ci indica come vivere in pace.

Di vendicatori privati e agenti speciali il cinema è sempre stato pieno, trovando ad ogni nuova generazione i propri più intrepidi esemplari di uomini o donne in grado di ottenere giustizia con le loro sole mani. In anni recenti è toccato a personaggi come John Wick, il Robert McCall di The Equalizer, il Bryan Mills di Taken o alla Lorraine Broughton di Atomica bionda ricoprire tale ruolo, affermandosi come macchine da guerra pronte a combattimenti di ogni sorta pur di portare a termine la propria missione. È dunque interessante che a loro faccia ora seguito un personaggio tanto improbabile quanto quello protagonista di Mr. Morfina.

Nel film diretto da Dan Berk e Robert Olsen – duo affermatosi per gli horror Malvagi e Non siamo soli – l’eroe di turno ha infatti il solo merito di non provare il benché minimo dolore per via di una particolare patologia. È questo il suo unico “superpotere”, presentandosi per il resto come una persona con un coraggio tanto esile quanto il suo fisico. Eppure, è un personaggio che presenta diversi elementi inaspettati, all’interno di un film che, pur muovendosi su un terreno narrativo quantomai semplice, riesce a regalare più di qualche momento di buon intrattenimento.

La trama di Mr. Morfina: farsi male per amore

Protagonista del film è dunque Nathan Caine (Jack Quaid), un introverso affetto da insensibilità congenita al dolore, che lavora come vicedirettore in una cooperativa di credito di San Diego. Qui lavora anche Sherry Margrave (Amber Midthunder), dalla quale Nathan è attratto ma si tiene a distanza per via della sua condizione e della sua inesperienza con le donne. Quando però anche Sherry dimostra di essere romanticamente interessata a lui, la vita di Nathan sembra prendere un’inaspettata piega positiva. A spezzare questo idillio arriva però una rapina in banca che culmina con il rapimento di Sherry. A quel punto, Nathan deciderà di sfruttare la sua condizione per andare a salvare la donna di cui si è innamorato.

Vogliamo vedere il sangue!!!

Come si può intuire da questa sinossi, il film è di base il racconto di un uomo che si lancia al salvataggio della donna amata e rapita. Tutto qui. Non ci sono ulteriori elementi narrativi che complicano la cosa (se non un colpo di scena ben organizzato) nella sceneggiatura di Lars Jacobson, qui alla sua prima volta con un grosso film di Hollywood. Su questo modello – a partire dal quale si sono costruiti innumerevoli film – Jacobson applica però la particolarità di un protagonista incapace di sentire dolore. È ovviamente questo che rende il film intrigante e avvincente, tolto il quale resterebbe ben poco.

Nella visione di Mr. Morfina non bisogna dunque aspettarsi acrobazie narrative o un particolare spessore dei personaggi. Gli stessi villain, d’altronde, sono dei semplici criminali – guidati però da un convincente Ray Nicholson (figlio di Jack Nicholson). Siamo piuttosto qui per il sangue, per godere o rabbrividire dinanzi alle situazioni mortali in cui si caccia questo improbabile eroe. Insomma, è chiaro che il solo interesse che si può avere nei confronti di questo film per vedere quanto male può ridursi il povero Nathan.

Jack Quaid perfetto protagonista di Mr. Morfina

E da questo punto di vista il film certamente non delude. Pur con il preciso intento dei registi di non allontanarsi mai dal reale, ma anzi di far sì che ogni colpo inferto a Nathan sia premeditato e ben rappresentato, Mr. Morfina offre una convincente sequela di situazioni che, tra il divertente e il raccapricciante, tengono alta l’attenzione e l’interesse nei confronti del film. Su tutte, le trappole che Nathan fa scattare all’interno dell’abitazione di uno dei criminali, o ancora sequenza – forse la più dolorosa da vedere – nel laboratorio di tatuaggi che lo vede diventare un improbabile “Wolverine”.

Momenti che confermano, come si diceva, che il primario obiettivo del film è quello di offrirci questo protagonista e il suo corpo martoriato in tutte le sale, facendo volentieri dimenticare tutto il resto. Il merito è anche di Jack Quaid, perfetto everyman scelto dai registi grazie alla serie The Boys, dove interpreta un Hughie continuamente coperto di sangue e maltrattato ma anche dotato di una sua esplosiva carica energica. Quaid, con il suo fisico slanciato ma esile e i suoi modi di fare gentili, si dimostra l’interprete giusto per un ruolo di questo tipo, favorendo quel contrasto che rende ancor più intrigante e riuscito il film.

Indubbiamente, come si diceva, Mr. Morfina non propone molto altro oltre questo (se non un’altra bella prova attoriale di Amber Midthunder dopo Prey) e si notano una serie di lungaggini che rallentano talvolta il ritmo, ma risate e intrattenimento sono assicurati. Si potrebbe infine guardare a Nathan come ennesimo rappresentante di una generazione che si sta finalmente allontanando dallo stereotipo del maschio duro e spietato (qui presente con il personaggio di Nicholson), abbracciando piuttosto quelle fragilità umane troppo spesso nascoste. Un elemento che, questo sì, conferisce al film qualcosa su cui riflettere.

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I centri di detenzione nascondono in tutto il mondo delle realtà parallele, in cui sembrano vigere regole diverse, in cui spesso è la forza ad avere la meglio. Questo è un tema che merita certamente l’attenzione del pubblico e viene presentato con tutta la sua crudezza in Sons (titolo originale Vogter). La pellicola, presentata e candidata per l’orso d’oro al Festival del cinema di Berlino, porta alla luce la quotidianità di una prigione danese, tra conflitti di potere tra detenuti e polizia penitenziaria.

Sons, diretto da Gustav Möller (Il colpevole-The guilty, da cui il remake di Netflix The guilty), presenta nel cast alcune figure già note nel panorama cinematografico internazionale. Tutto il film ruota intorno a Eva, guardia interpretata da Sidse Babett Knudsen (Westworld, Inferno), e Mikkel, uno dei detenuti interpretato da Sebastian Bull. Sons, presentato ai Firebirds awards nel Hong Kong film festival, è uscito vincitore nella categoria Cinema Giovani (mondo).

Sons: la vendetta del carceriere

Eva svolge una vita tranquilla e abitudinaria: svolge i suoi turni presso il penitenziario in cui lavora, in un padiglione in cui si trovano detenuti con reati minori, cerca di rendere la vita dei carcerati più normale possibile, favorendone la riabilitazione. Poco sa lo spettatore della sua vita al di fuori del carcere, finché dei nuovi detenuti vengono trasferiti nel penitenziario dove lavora. Uno nello specifico colpisce l’attenzione di Eva: si tratta di Mikkel, il responsabile della morte del figlio, Simon. Mikkel aveva brutalmente assassinato il ragazzo mentre si trovavano entrambi detenuti in un altro carcere.

La rabbia e la sete di vendetta guidano Eva a chiedere il trasferimento nel padiglione in cui si trova Mikkel, quello dedicato ai detenuti di massima sicurezza. Qui inizia un gioco di giustizia perversa da parte di Eva contro il detenuto. Ogni azione però non sembra soddisfare Eva, la quale non trova nella sofferenza di Mikkel nessun vero sollievo dalla sua perdita. Dopo un culmine a questo climax di violenza, Eva sembra credere, sperare in una possibile riabilitazione di Mikkel, finendo però con lo sbagliarsi.

Sons: poliziotto o criminale?

“Quando avevo la tua età, i preti ci dicevano che potevamo diventare poliziotti o criminali. Oggi quello che ti dico io è questo: quando hai davanti una pistola carica, qual è la differenza?”

Questa celebre citazione del film The Departed: il bene e il male permette di riflettere sulla contrapposizione, talvolta troppo marcata, tra la polizia, rappresentante nobili valori di giustizia e ordine, e i detenuti, simbolo di criminalità e violenza. Pian piano che si procede con la narrazione, però, in Sons questa differenza tende ad affievolirsi sempre di più.

Mikkel, da pericoloso assassino quale è, diventa quasi una vittima nelle mani di  Eva, la quale pur di vendicare la morte del figlio porta avanti una strategia di veri e propri “dispetti” nei confronti del detenuti, passando dal sputargli nel cibo, a non garantirgli l’uso del bagno, per culminare nella brutale violenza.

Eva si lascia pervadere totalmente dalla rabbia nei confronti di Mikkel, dimostrando una ferocia e un disprezzo non indifferenti. Ma proprio le prime scene mostrano come la donna non sia di per se una persona violenta e spregevole. Proprio per questo motivo, dopo un culmine di violenza, Eva sembra cambiare totalmente il proprio atteggiamento nei confronti di Mikkel, sia per le minacce di sporgere denuncia ma forse anche per un sentimento di vergogna. In fin dei conti, anche Mikkel è un giovane come lo era suo figlio, e può essere meritevole di una nuova possibilità dalla vita.

La prigione: da punizione a riabilitazione

Fin dal Panopticon dell’utilitarista inglese Jeremy Bentham nel XVIII secolo, la prigione è stata ipotizzata dai filosofi e realizzata negli stati democratici come un luogo di riabilitazione, non solo di detenzione. I paesi del nord Europa sono notoriamente conosciuti per l’alto livello di risocializzazione e servizi che vengono garantiti nelle carceri, e ciò viene facilmente dedotto anche in Sons, nella prima parte del film in cui Eva si trova in un settore con detenuti condannati per reati meno gravi. Si vede come tutti vengano trattati quasi alla pari, come gli venga garantito di girare liberamente fuori dalle loro celle durante il giorno, e come questi possano svolgere lavori o corsi vari, come quello di yoga tenuto da Eva. Quest’ultima infatti sembra credere molto nel reindirizzare e rieducare i detenuti, creando un rapporto molto stretto con i ragazzi della sua sezione e cercando anche a seguire di salvare Mikkel.

Diverso è certamente il caso della sezione con i detenuti più gravi: qui la polizia stessa si comporta in maniera più dura e severa, ricorrendo a brutali costrizioni come l’uso cinghie e costrizioni fisiche. Sons si afferma come una pellicola molto efficace nel presentare una realtà non sempre ben nota, e lo fa in maniera talvolta cruda e diretta.

L’ormai ultraottantenne Robert De Niro ritorna sul grande schermo per sorprendere il pubblico interpretando il personaggio che più gli si addice: il boss criminale. Diretto dal noto regista Barry Levinson (premio Oscar alla regia per Rain Man- L’uomo della pioggia), The Alto knights – I due volti del crimine è infatti il nuovo gangster movie ispirato alla vera storia dei due storici capi mafiosi Frank Costello e Vito Genovese. Il  film, ideato già negli anni 70, è entrato effettivamente in produzione solo nel 2022, subendo anche diversi rallentamenti collegati agli scioperi SAG AFRA nel 2023.

Oltre al già citato De Niro, il quale interpreta qui entrambi i boss mafiosi, sono presenti nel cast figure già ampiamente note nel panorama cinematografico internazionale. Debra Messing (Will & Grace) interpreta Bobbie, la moglie di Frank Costello, mentre Katherine Narducci (The irishman, I soprano) qui è nel ruolo di Anna, moglie di Vito. Ma tutte le attenzioni, ovviamente, sono rivolte alla duplice interpretazione di De Niro, che si sdoppia per dar volto alle molteplici facce del crimine.

La trama di The Alto knights – I due volti del crimine: la fratellanza mafiosa

Il film si apre in medias res: Frank Costello sta aspettando l’ascensore per salire nel suo attico, quando gli arriva un colpo di pistola dritto alla testa. Il sicario, il gangster Vincent Gigante, scapperà subito dopo, senza accorgersi di non aver completato il suo lavoro: Frank è ancora vivo. Da qui parte la narrazione vera e propria, affidata allo stesso Frank di alcuni anni dopo, in  forma di flashback. Tutto nasce a Manhattan, dove, all’inizio del ventesimo secolo, Frank Costello e Vito Genovese, figli entrambi di operai immigrati italiani, sognano un  futuro più florido per loro e cercano di ottenerlo ad ogni costo. Abbandonata  la scuola, i due si dedicano a traffici illegali, tra cui nell’epoca del proibizionismo, anche gli alcolici.

Per Frank sarebbe abbastanza aprire un attività, un bar magari, ma Vito vuole di più. Dopo essere stato condannato per duplice omicidio, Vito è costretto a lasciare l’America, per poi farci ritorno solo alcuni decenni dopo, alla fine della Seconda Guerra Mondiale. Nel frattempo, la gestione di tutti gli affari ricade sulle spalle di Frank, il quale governa il suo regno mafioso nella maniera più cauta e pacifica possibile. Ma Frank doveva essere solo un reggente: al suo ritorno, Vito vuole che gli venga restituito tutto il suo potere e il suo ruolo di boss. Dopo diversi decenni, però, il mondo non è più lo stesso e il comportamento di Vito può creare grandi rischi per tutti.

Frank Costello, il gangster gentleman

Già noto al grande pubblico e descritto dalla stampa dell’epoca come il primo ministro della malavita, Costello è certamente un personaggio molto peculiare. Si tratta di un gangster cauto e astuto, capace di comprendere a pieno la società in cui vive e di rispettarne le regole, in modo da poter trarre profitto da tutto. Frank non si dedica solamente a traffici clandestini, ma cerca anche di creare legami con politici, sindaci e poliziotti, in modo tale da poter agire in maniera indisturbata, e soprattutto senza bagni di sangue. Con Frank al potere, la pace e la prosperità regna in tutto il territorio di New York.

Frank si presenta pubblicamente come un uomo pulito, totalmente avulso dal mondo mafioso: vive in un lussuoso attico con la moglie, con cui è sposato da più di trent’anni, organizza e partecipa a eventi di beneficienza. Il suo obiettivo principale è proprio mantenersi spettabile davanti al vigile occhio sociale. Dopo il ritorno di Vito in America, continuare a mantenersi dissociato dalla vita da gangster diventa sempre più difficile per Frank, anche per i coinvolgimenti creati dalla moglie di Vito, Anna. Ma con la sua furbizia, Costello trova sempre una soluzione.

Vito Genovese, l’altra faccia di Robert De Niro

Siete cresciuti insieme, giocavate insieme, rubavate insieme.

Vito Genovese sembra invece essere in The Alto knights – I due volti del crimine una figura uguale e opposta a Frank: cresciuto come lui in una famiglia di immigrati italiani, convertito alle attività clandestine. Ma Vito ha sviluppato fin da ragazzo un’avidità, una fame di potere maggiore rispetto al suo amico d’infanzia. Vito è disposto a tutto pur di raggiungere i suoi obiettivi, e proprio per questo si aspetta che gli altri  facciano lo stesso. Frank giustifica il comportamento quasi paranoico di Vito con le sue origini: il gangster è nato in un piccolo comune della provincia di Napoli, alle pendici del Vesuvio, e questo lo ha portato a stare sempre all’erta.

E’ certamente interessante notare come due personaggi così diametralmente diversi siano contemporaneamente frutto della bravura dello stesso attore: Robert De Niro riesce facilmente a dare una connotazione diversa alle due performance interpretative dei due protagonisti del film, mettendo a segno un altro convincente ritratto di gangster dopo quelli recenti di The Irishman e Killers of the Flower Moon, entrambi sotto la guida del fidato amico Martin Scorsese.

La verve comica di The Alto knights – I due volti del crimine

Nonostante si tratti di un gangster movie, anche in The Alto knights – I due volti del crimine sono presenti degli elementi più ironici: molti di questi sono collegabili allo stesso personaggio di Vincent Gigante. Il ragazzo, alle prime armi nelle attività mafiose, è riuscito a fallire nell’attentato a Frank, sparandogli un solo colpo poco mirato alla testa, e non controllando che l’uomo fosse effettivamente morto. Il dialogo con cui Vito gli rimprovera la sua incompetenza, rimarcata anche verso la fine del film, è certamente molto ironico. In definitiva, pur appartenendo a un filone cinematografico molto sfruttato negli anni, The Alto Knights – I due volti del crimine riesce a trovare una sua individualità, affermandosi come un ottimo gangster movie.