Una storia è bella quanto il suo finale, e nel caso di Sicario questo è più che mai vero. Emily Blunt è sempre stata una star poco apprezzata. Dal suo lavoro in A Quiet Place, Oppenheimer e Il diavolo veste Prada, alla sua imminente apparizione in The Fall Guy con Ryan Gosling, sa sempre come comandare il pubblico, e questo film non è diverso.

Seguendo l’agente speciale dell’FBI Kate Macer (Blunt), Sicario è in definitiva un dramma criminale sul confine tra Stati Uniti e Messico che diventa sempre più intenso man mano che si va avanti. Diretto dalla leggenda di Dune Denis Villeneuve, che continua a stupirci con l’ultimo Dune: Parte Due, e scritto dal futuro creatore di Yellowstone Taylor Sheridan, il film affronta l’oscura realtà dei cartelli della droga e di coloro che vi entrano troppo a fondo. Sicario si distingue soprattutto per il suo finale scioccante e deprimente, che lascia lo spettatore in una situazione di suspense e orrore fino all’ultimo secondo. Ma quel momento tra Kate e Alejandro (Benicio Del Toro) ha rischiato di non accadere.

Come finisce Sicario?

Dopo essersi unita a una task force congiunta guidata da Matt Graver (Josh Brolin) della CIA con il supporto di Alejandro Gillick, un ex procuratore diventato assassino, Kate Macer finisce per aiutarli a rintracciare un uomo di nome Manuel Díaz (Bernardo Saracino). Ma al ritorno di Díaz in Messico, la squadra è coinvolta in uno scontro a fuoco al confine, che si conclude con Alejandro che si intrufola in Messico per la sua missione segreta. Kate lo segue e assiste al rapimento di un agente di polizia corrotto. Nonostante lei cerchi di fermarlo, lui le spara e la lascia indietro, per poi usare il poliziotto per portarlo dal signore della droga Fausto Alarcó (Julio Cesar Cedillo) e giustiziarlo (insieme alla moglie e ai figli) per aver ucciso la sua famiglia.

Come si scopre, Kate era solo una pedina che avrebbe permesso alla CIA (e ad Alejandro) di operare legalmente sul suolo americano con l’unico scopo di spingere i cartelli a lavorare tutti con un’azienda colombiana, in modo che il governo federale americano potesse controllarli meglio in futuro. La cosa peggiore è che il giorno dopo Alejandro si presenta a casa di Kate e la costringe, sotto la minaccia di una pistola, a firmare un documento in cui afferma che tutto ciò che hanno fatto è legale, avvolgendola ulteriormente nella cospirazione. Nonostante Kate cerchi di sottrarsi, Alejandro si dimostra troppo intimidatorio e la costringe a firmare o a morire, facendo credere che si tratti di un suicidio.

“Dovresti trasferirti in una piccola città”, le dice Alejandro prima di uscire, ‘dove esiste ancora lo stato di diritto’. Ricorda a Kate che non è un lupo e che il nostro mondo è fatto di lupi. Vedendo Alejandro allontanarsi dal balcone, Kate gli punta l’arma da fuoco direttamente alla testa. Anche se medita di ucciderlo in quel momento, ponendo fine a questa follia, e in qualche strano modo, Alejandro sembra quasi accogliere la morte. Ma Kate non riesce a farlo e Alejandro se ne va, lasciandola maledetta da ciò che sa. È un finale potente che va direttamente al messaggio di Sicario, ovvero che viviamo in un mondo distrutto e incasinato, dove nessuno rimane innocente o indenne. È esattamente il finale che funziona per un film come Sicario, ed è difficile pensare che possa finire in un altro modo.

Emily Blunt pensava che il finale originale di ‘Sicario’ fosse debole

Stranamente, lo sceneggiatore Taylor Sheridan aveva originariamente scritto il confronto finale tra Kate e Alejandro in modo un po’ diverso e, di conseguenza, Emily Blunt e il regista Denis Villeneuve sono stati costretti a rielaborarlo sul set. “La scena mi ha colpito molto”, ha ammesso Emily Blunt in un’intervista in vista della prima del film. “Non era come nella sceneggiatura, sapete, e abbiamo sentito che volevamo fare qualcosa di diverso”. Secondo la Blunt, lei, Villeneuve e il suo interprete Benicio Del Toro non erano soddisfatti di ciò che Sheridan aveva scritto e hanno trascorso molte ore sul set a fare brainstorming su come avrebbero potuto realizzare qualcosa di migliore e più soddisfacente.

“Ricordo quando parlavamo della scena e di cosa avrebbe significato per lei e quanto le sarebbe costato. E in effetti, sta firmando la sua vita. La sua intera identità, insomma, è stata cancellata”, ha continuato la Blunt, sottolineando quanto fosse importante per lei che il finale fosse giusto per il bene di Kate. “È stata una di quelle scene per cui si vive in questo settore, perché non sembra derivata da nient’altro. Era così tenera e allo stesso tempo così spaventosa, e quindi, sapete, è stata una scena davvero bella”. È difficile immaginare che Sicario, e la storia di Kate Macer in particolare, finisca in un modo diverso da quello in cui l’abbiamo vista svolgersi sullo schermo, ma ci chiediamo come si sia svolta la scena nella sceneggiatura originale di Sheridan.

Nella sceneggiatura originale, Kate (il cui cognome è scritto qui come Macy) parla da sola sul balcone prima di essere avvicinata e disarmata da Alejandro nel suo appartamento, dove lui le solleva disgustosamente la camicia per vedere le ferite da proiettile che le ha inferto al petto, esponendo nel frattempo i suoi seni nudi. Dato che c’era già una violenza sessuale nel film, è stato intelligente tagliare questa parte. Per rendere il tutto più strano, dopo questo momento scomodo e violento, Kate viene ancora paragonata a sua figlia, con gran parte dello stesso dialogo di prima, ma con meno direzione o scopo rispetto a quanto visto nel film. Dopo che lui se ne è andato, Kate corre per casa con la pistola, alla ricerca di qualsiasi traccia dell’assassino, che però è già sparito da tempo.

Il finale originale di “Sicario” avrebbe rovinato il film

Se il finale originale di Sicario vi ha frustrato, non siete i soli. Gli attori coinvolti, per non parlare dello stesso regista Denis Villeneuve, hanno tutti pensato che il finale scritto da Taylor Sheridan mancasse di un vero senso o profondità. Quel che è peggio è che si tratta di uno sfruttamento per il gusto di, beh, sfruttare la propria attrice protagonista (che era già stata usata, abusata e manipolata sullo schermo in precedenza). Inoltre, le azioni originali di Alejandro sembrano, beh, fuori dal personaggio. Certo, è un assassino, questo è vero, e sì, è disposto a uccidere Kate per tenere tutto segreto, ma Sicario è anche chiaro che la rispetta, anche se deve usarla nel processo. Paragonando Kate a sua figlia, lo rivela come tale… un momento che nella sceneggiatura originale non è altrettanto azzeccato.

Aggiungendo il semplice elemento di costringere Kate a firmare un documento che convalida il loro obiettivo, questa scena diventa qualcosa di molto più grande di Alejandro che si limita a sopraffarla e a “farle vedere chi comanda”. No, si tratta esattamente di quello che Emily Blunt ha notato sopra: L’intera identità di Kate. Firmando questo modulo, sceglie di fatto di vivere nella menzogna, con la sua intera carriera come garanzia. Inoltre, rinuncia alla sua bussola morale, proprio come fece una volta Alejandro, e sceglie il “male minore” per abbattere quello maggiore. Kate ha un potere che non ha nella scena originariamente prevista, e lo vediamo nella sua scelta finale di non uccidere Alejandro, dimostrando a lui (e ancor più a se stessa) che non è diventata come lui, dopo tutto.

Il dialogo originale nel finale di Sheridan, compreso il momento in cui Alejandro spiega a Kate cos’è un sicario, è un po’ pesante, e riducendolo e arrivando alle ossa, Villeneuve tira fuori interpretazioni impeccabili e ineguagliabili da parte di Emily Blunt e Benicio Del Toro, che si dimostrano più volte in questo film. Sicario non è assolutamente un film allegro, ma cambiando il finale per affrontare meglio lo stato mentale e il fallimento morale di Kate (con una sorta di mini-redenzione proprio alla fine), questo film ha un peso maggiore di quanto avrebbe potuto avere altrimenti. Non c’è da stupirsi che questo film abbia avuto un sequel. Indubbiamente è inevitabile uno stallo finale, o un confronto ufficiale, tra Kate Mercer e Alejandro.

The Instigators è l’ultima delle numerose collaborazioni tra Matt Damon e la famiglia Affleck. Sebbene Ben Affleck agisca solo come produttore attraverso Artists Equity, la società che ha fondato insieme a Damon, suo fratello Casey Affleck condivide nuovamente lo schermo con Damon dopo averlo fatto in precedenza in film popolari come Good Will Hunting, Gerry e la trilogia di Ocean’s. In questo dramma criminale, il veterano dei Marines Rory (Damon) e l’ex galeotto alcolizzato Cobby Murphy (Affleck) sono coinvolti in un’ambiziosa rapina che si rivela rapidamente disastrosa e li porta a fuggire per tutta Boston con un esercito di forze dell’ordine alle calcagna. Il viaggio della coppia si concluderà con il mantenimento della libertà oppure no?

In “The Instigators”, Matt Damon e Casey Affleck scappano dalla legge

All’inizio del film, supponendo che il sindaco corrotto Joseph Miccelli (Ron Perlman) vincerà ancora una volta la rielezione, i gangster Mr. Besegai (Michael Stuhlbarg) e Richie Dechico (Alfred Molina) ingaggiano Rory e Cobby, insieme a uno dei loro agenti regolari, Scalvo (Jack Harlow), per rapinare la festa per la rielezione di Miccelli, durante la quale credono che egli accetterà una grande quantità di denaro per le tangenti. Rory, che non ha mai commesso un reato prima d’ora, è deciso a farsi pagare 32.480 dollari indipendentemente dall’esito della rapina.

Quando il trio trova il luogo della festa molto più affollato del previsto, e la maggior parte dei soldi è già stata portata via con un furgone blindato, Scalvo si fa prendere dal panico e tenta di rapinare direttamente Miccelli e altri funzionari del governo cittadino, prima di farsi uccidere insieme al commissario di polizia in uno scontro a fuoco. Nonostante sia stato colpito alla spalla, Cobby riesce a portare se stesso e Rory lontano dal locale, dopodiché i due si danno alla fuga sia dalle forze dell’ordine che da Besegai, il quale manda dei sicari a cercarli. Con l’aggravarsi delle condizioni di Cobby, Rory si rivolge alla sua psichiatra, la dottoressa Donna Rivera (Hong Chau), per un aiuto medico, che lei accetta di fornire a condizione che i due si comportino come se lei fosse un loro ostaggio, in modo che non si senta complice dei loro crimini.

The Instigators umanizza i suoi personaggi criminali

A metà del loro viaggio, Cobby chiede a Rory perché insiste tanto per farsi pagare una somma così specifica. Rory spiega che si tratta dell’esatto importo che deve alla sua ex moglie per vari tipi di mantenimento e che, una volta pagato, si sarà guadagnato il diritto di rivedere suo figlio. In un momento di sentimento non comune, Cobby dice a Rory che ai bambini interessa di più che i genitori siano presenti piuttosto che il sostegno materiale che possono o non possono fornire e lo esorta a vedere suo figlio giocare a hockey se ne ha la possibilità, indipendentemente dal fatto che riceva o meno i soldi. Cobby spiega anche la sua storia di tensione con il gruppo di Besegai. Suo fratello aveva fatto parte della banda, ma era stato abbandonato per prendersi la colpa di uno dei loro crimini. Cobby ha invece confessato il crimine, il che ha portato al suo periodo di detenzione, durante il quale il fratello è morto per overdose. Il fatto di non averli denunciati gli è valso un certo rispetto da parte di Besegai e compagnia, anche se Cobby comprensibilmente non li sopporta.

Alla fine, Cobby si rende conto che uno dei pochi oggetti che sono riusciti a ottenere durante la rapina, il braccialetto del sindaco, è contrassegnato dai numeri che costituiscono la combinazione della cassaforte del suo ufficio in municipio. Travestiti da vigili del fuoco, i due lanciano l’allarme per cercare di svuotare l’edificio in modo da poter svaligiare la cassaforte, ma rimangono intrappolati nell’ufficio quando arrivano i cecchini della polizia. I due prendono in ostaggio l’avvocato di Miccelli, Alan (Toby Jones), poco apprezzato, e gli consegnano un paio di hard disk contenenti sia le prove della corruzione di Miccelli che le informazioni su come ottenere 100 milioni di dollari di valuta irrintracciabile del sindaco.

The Instigators si conclude con ottimismo e umorismo

Dopo aver intascato le chiavette e un po’ di denaro, il duo tenta di fuggire, spingendo la cassaforte fuori dalla finestra, in modo che la folla in attesa si rivolti nel tentativo di prendere i soldi per sé, prima di fuggire in un camion dei pompieri rubato. Tuttavia, vengono fermati da Frank Toomey (Ving Rhames), un agente dell’Unità Operazioni Speciali della Polizia di Boston, che rifiuta il loro tentativo di corromperlo con i drive. I ragazzi passano un breve periodo in prigione, ma quando il successore di Miccelli, Mark Choi (Ronnie Cho), riceve le prove da uno dei suoi aiutanti, decide di prendere tranquillamente il denaro non rintracciabile per sé. In seguito, fa rilasciare Rory e Cobby con la tacita condizione che mantengano segreta la loro conoscenza del denaro.

Sebbene non siano più ricchi di quando hanno iniziato, i due hanno la loro libertà e vanno per la loro strada dopo qualche ultimo scherzo reciproco. Più tardi, Cobby viene mostrato seduto sui gradini del palazzo del dottor Rivera. Durante il loro caotico soggiorno, lui e la dottoressa hanno sviluppato un’amichevole rivalità basata sulla reciproca presa in giro, e Cobby ha anche flirtato senza successo con lei. Quando lo vede, lei nota che sta bighellonando e lui le chiede scherzosamente se ha intenzione di chiamare la polizia. Il film lascia ambiguo l’esito della loro conversazione, ma in base a tutto quello che è successo prima, le due implicazioni più probabili sono che Cobby si stia rivolgendo alla dottoressa Rivera per avere un aiuto nel gestire le sue difficoltà mentali o per iniziare una relazione sentimentale. L’ultima volta che si vede Rory seguire il consiglio di Cobby e assistere a una partita di hockey del figlio, facendo sorridere il ragazzo.

Dopo le risoluzioni dei personaggi principali, il film presenta anche una scena di mid-credits. Piuttosto che suggerire un sequel o un collegamento con altri film, come spesso fanno le scene di metà e fine film, questa scena chiude un filo della trama e dà anche il via a una delle battute del film. Dopo che la rapina iniziale è andata male, Besegai è fuggito a Montreal, raggiunto poi da Dechico. La scena di metà film mostra entrambi gli uomini morti congelati e la polizia, che trova i loro corpi, osserva che avrebbero dovuto indossare stivali più adatti al paesaggio innevato. Nel corso del film, Cobby suggerisce spesso a lui e a Rory di tentare la fuga a Montreal. Tuttavia, Rory sostiene sempre che sopravvivere nella natura selvaggia canadese sarebbe praticamente impossibile senza altre risorse, come un buon paio di stivali, e che anche nella remota possibilità che riescano a raggiungere la città, questo non risolverebbe tutti i loro problemi.

Ci sono poche storie così iconiche e piene di pathos come quella della squadra di pallanuoto maschile spagnola che dal 1991 al 2001 ha vinto tutto (oro e argento olimpico e due ori e due argenti mondiali) ed è diventata la prima grande squadra dello sport spagnolo. Il film Sogno olimpico, diretto da Álex Murull e Dani de la Orden, ripercorre un particolare momento di quella vicenda, ovvero l’impresa compiuta durante le Olimpiadi di Barcellona del 1992, concentrandosi in particolare su Manel Estiarte e Pedro García Aguado.

Per gli appassionati di film dedicati a celebri vicende sportive, questo è dunque un film da non perdere, che porta alla riscoperta di una celebre ascesa caratterizzata da numerose difficoltà. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Sogno olimpico. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla storia vera. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama e il cast di Sogno olimpico

Il film è una drammatizzazione del percorso della nazionale maschile di pallanuoto della Spagna alle Olimpiadi estive del 1992 a Barcellona, approfondendo le storie personali di Pedro García Aguado (e la sua dipendenza da sostanze) e Manel Estiarte (che affronta la tragedia del suicidio della sorella). Nonostante le personalità opposte, i due finiscono per raggiungere un’intesa costruita sulla comune sofferenza sotto l’allenatore Dragan Matutinović, caratterizzata da metodi di allenamento disumani che gli valsero l’ostilità della squadra.

Nel cast del film ritroviamo Álvaro Cervantes nel ruolo di Manel Estiarte, mentre l’attore Jaime Lorente – celebre per aver interpretato Denver in La casa di carta e Nano in Elite – interpreta qui Pedro García Aguado. Completano il cast Christian Valencia nel ruolo di Jesús Rollán e Tarik Filipović nel ruolo di Dragan Matutinović, il controverso allenatore della squadra. Il vero Pedro García Aguado, inoltre, fa un cameo come membro della federazione sportiva dei Giochi Olimpici.

La storia vera dietro il film

Tutto ha inizio nel 1991, un anno prima dei Giochi. Viene presentata una squadra con un compiacimento che pone la Spagna lontana dalle medaglie. Il team viene però dotato di un nuovo allenatore: Dragan Matutinovic, un tecnico croato dai metodi militari. Da qui, il film gioca con elementi reali che porta all’estremo e ne cambia la temporalità per rendere la storia più epica. Matutinovic arriva nel settembre 1990 dopo le dimissioni del precedente allenatore, Toni Esteller, perché non vede abbastanza sostegno per vincere la medaglia a Barcellona.

La squadra aveva come capitano Manel Estiarte, il miglior giocatore del mondo in quel momento. Il film racconta poi come Matutinovic decida di inserire quattro giocatori madrileni all’inizio della preparazione, pochi mesi prima dei Giochi di Barcellona ’92, ad Andorra. Quattro giocatori presuntuosi, che portano carattere e fisicità alla squadra, poco disciplinati, soprattutto Pedro García Aguado, che provoca attriti con il gruppo. L’arrivo dei madrileni, in realtà, ha significato un cambio di modello e una catarsi, soprattutto all’inizio.

Da quel momento ebbero inizio allenamenti dall’alba al tramonto ad Andorra, con lunghezze in piscina, corse in montagna e una competitività senza scrupoli per trasformare i pallanuotisti in gladiatori. La preparazione asfissiante di Matutinovic, il personaggio che meglio ricrea la realtà dell’intero film, ha molti elementi che sono accaduti e che spinse la squadra al limite sia fisicamente che psicologicamente.

Il film si concentra poi su Pedro García Aguado, che come ha raccontato nel suo libro “Mañana lo dejo”, ha dovuto essere curato nel 2003 per una lunga dipendenza da alcol e cocaina. Nel periodo precedente ai Giochi di Barcellona ’92 faceva già uso di alcol. Fu lui a confessarsi al gruppo qualche mese prima, quando scoprì che un test antidoping positivo avrebbe potuto squalificare l’intera squadra. La soluzione di Matutinovic fu quella di mandare García Aguado a vivere a casa di Rafa Aguilar, l’assistente dell’allenatore, e di sottoporsi a test praticamente ogni giorno.

Il finale è molto fedele alla realtà. La ricostruzione della partita, il momento nel tunnel, il ritmo, il punteggio, le frasi dei giornalisti sono un dato di fatto. Anche il conflitto tra gli allenatori, che sono venuti addirittura alle mani in precedenti competizioni. Il duello Matutinovic-Rudic (questo è il suo vero nome) è ben noto negli anni Novanta. Così come la gestione dei 42 secondi decisivi che impedirono alla Spagna di vincere l’oro olimpico. La Spagna si era portata sul 7-6 grazie a un rigore trasformato dallo stesso capitano.

Le regole della pallanuoto dicono però che dopo un rigore c’è un’esclusione nell’attacco successivo. Matutinovic è stato fedele al suo piano e ha ordinato una difesa pressante, ma i giocatori hanno creduto che la zona fosse migliore. Hanno ascoltato il croato, l’esclusione è arrivata e con superiorità hanno portato la partita ai tempi supplementari. Agli italiani ne sono bastati tre per lasciare la Spagna sconsolata con l’argento al collo. Molti giocatori ritengono che con una difesa a zona avrebbero vinto l’oro.

Sebbene la permanenza di Matutinovic in Spagna sia stata breve (solo tre anni, dal 1990 al 1993), in cui la Spagna ha vinto le sue prime medaglie (argento mondiale, argento olimpico, argento e bronzo europeo), per molti giocatori, è stato lui a cambiare la mentalità della squadra e il suo duro processo di allenamento era necessario. Per altri, Matutinovic non ha vinto l’argento ma ha perso l’oro. E sostengono che la squadra costruita da Toni Esteller e Mariano García fosse predestinata alla gloria, come poi è accaduto, quando dal 1996 al 2001 ha vinto tre ori.

Dove vedere Sogno olimpico in streaming e in TV

Sfortunatamente il film non è presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di mercoledì 21 agosto alle ore 21:20 su Canale 5. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma Mediaset Infinity, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far partire la visione.

Midsommar – Il Villaggio dei Dannati (qui la recensione) di Ari Aster ha portato il pubblico a compiere un viaggio all’interno di una relazione tossica. Giocando con le prefigurazioni e i commenti toccanti, Aster ha creato un film horror di culto, ispirandosi pesantemente al genere del folk horror, che di solito si basa su ambientazioni isolate e tradizioni pagane per generare terrore nello spettatore. Sebbene in questa tipologia di film i mostri possano essere talvolta soprannaturali, spesso si tratta di esseri umani comuni che commettono atti terrificanti in nome di credenze religiose.

Midsommar – Il Villaggio dei Dannati presenta inoltre analogie fondamentali con il precedente film di Aster, Hereditary, che trattava anch’esso di elementi bizzarri, di situazioni inspiegabili e del dolore come tema chiave. Ma la sua vera forza risiede nel modo in cui intreccia l’ambientazione e la trama con gli orrori molto più banali delle relazioni tossiche. In apparenza, questo film si concentra sul tentativo della protagonista di superare un lutto andando a fare un viaggio con il suo ragazzo e i suoi amici. In realtà si trattava del deterioramento della loro relazione.

A partire da queste premesse, Aster costruisce dunque un film angosciante, capace di far provare tutta la frustrazione e il senso di impotenza dei suoi protagonisti. Un titolo dunque da non perdere per gli appassionati di questo genere. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Midsommar – Il Villaggio dei Dannati. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati

Protagonisti del film sono Dani e Christian, una giovane coppia americana con una relazione in crisi. Dopo che una tragedia familiare si abbatte sulla vita di Dani, la ragazza decide di unirsi al compagno e ai suoi amici in un viaggio, che ha come meta un remoto villaggio svedese, per festeggiare il Midsommar, la tradizionale festa di mezza estate che si svolge nei giorni del solstizio, tra il 21 e il 25 giugno. Una volta lì, però, si renderanno conto di essere capitati nel bel mezzo di un diverso tipo di festa, legata al culto pagano praticato in quelle zone e con esiti orripilanti.

Ad interpretare Dani vi è l’attrice Florence Pugh, oggi nota anche per i film Black Widow e Piccole donne. Nel ruolo del compagno Christian, invece, vi è l’attore Jack Reynor. Will Poulter, attore visto anche in Detroit e Guardiani della Galassia Vol. 3, interpreta Mark, mentre Ellora Torchia è Connie. Completano il cast William Jackson Harper nel ruolo di Josh, Vilhelm Blomgren in quelli di Pelle e Archie Madekwe in quello di Simon. Vi sono poi Hampus Hallberg nel ruolo di Ingemar, mentre Isabelle Grill interpreta Maja.

La spiegazione del finale del film

Quando il Midsommar raggiunge il suo culmine, si scopre che la comunità ha piani molto specifici per Dani, Christian, Josh, Mark, Connie e Simon. Nell’atto finale, tutti gli estranei, eccetto Christian e Dani, sono “scomparsi” e il rituale di mezza estate continua con una gara di ballo del maypole, che Dani vince. Dopo la gara, Dani viene incoronata Regina di Maggio e viene portata in giro per la comune per benedire i raccolti. Nel frattempo, Christian viene portato via e gli viene chiesto di accoppiarsi con la giovane Maja per portare un po’ di sangue esterno nella comunità.

In seguito, viene drogato e, nel suo stato di alterazione, Christian esegue effettivamente il rituale sessuale, distruggendo definitivamente il suo legame con Dani. Quando Dani torna, sente il rituale e assiste all’infedeltà di Christian. Corre fuori, inorridita e singhiozzante, ma questa volta non è sola. Le donne della comune circondano Dani, la seguono nelle stanze da letto e iniziano a fare eco alle sue grida. I membri di questa comunità apprezzano l’unione sopra ogni cosa e quando Dani si angoscia per la scoperta dell’infedeltà di Christian, gli abitanti del villaggio condividono letteralmente il suo dolore.

Questo è in netto contrasto con il resto del film, durante il quale Dani è costretta a soffrire in silenzio e da sola, mentre Christian ignora i suoi crolli o le offre delle banalità a metà. Alla fine di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati, viene rivelato il vero motivo per cui questi forestieri sono arrivati al villaggio. Per il finale della festa di mezza estate è necessario un sacrificio rituale. Apprendiamo così che Josh, Mark, Connie e Simon sono già stati uccisi e serviranno come sacrifici nel rituale, che ora ha bisogno di due volontari del villaggio e di un ulteriore sacrificio.

Per la scelta finale, Dani può scegliere chi far morire. Christian o un abitante del villaggio selezionato dalla lotteria. Con il cuore spezzato, Dani sceglie di far morire Christian, scegliendo a sua volta questa comunità come sua famiglia. Christian viene quindi infilato (paralizzato, ma ancora vivo) nella carcassa di un orso e collocato nel tempio sacro insieme ai quattro estranei morti e a due volontari. Mentre il tempio viene dato alle fiamme, gli abitanti del villaggio guardano. Quando uno dei volontari urla di angoscia mentre brucia vivo, gli abitanti del villaggio iniziano a imitare le sue grida, contorcendosi e gridando.

E mentre Dani, ancora vestita da regina di maggio, inizialmente guarda con orrore, alla fine il suo volto si incurva in un sorriso e si unisce agli abitanti del villaggio nei loro festeggiamenti. All’inizio di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati, Dani è sola nel suo dolore. Alla fine, condivide non solo il dolore e la sofferenza, ma anche la gioia e la celebrazione. Quando la sua famiglia è morta, Christian e i suoi amici non sono riusciti a colmare il vuoto. Dani era sola, isolata e priva di una considerevole empatia o compassione da parte di coloro che la circondavano.

Alla fine del film, Dani ha invece abbracciato i valori di questa comunità – valori di comunità e di famiglia ritrovata – e finalmente si sente vista, ascoltata e sentita. Ma il tema primario di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati è l’importanza delle emozioni condivise. Le relazioni sono difficili e il trauma che Dani aveva bisogno di aiuto per elaborare era immenso e incredibilmente complicato. Christian non riusciva ad essere empatico nei suoi confronti, mentre nel villaggio Dani trova quel senso di comunità di cui aveva bisogno per condividere le sue emozioni, positive o negative che siano.

Il trailer di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Apple TV e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di mercoledì 20 agosto alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

I film o le serie dedicati al mondo della cucina hanno sempre avuto un certo fascino, portando gli spettatori all’interno di questo contesto sempre così frenetico e maniacale nella preparazione delle prelibate portate di turno. Film come Il sapore del successo, The Menu, Amore cucina e Curry o la serie The Bear sono solo alcuni degli esempi di maggior successo dedicati a questo mondo. Ad essi, si può aggiungere anche il francese La ricetta del delitto perfetto, diretto da Chloé Micout e girato a Lione e nella regione dell’Alvernia-Rodano-Alpi.

Come si può intuire dal titolo, il film si configura come un giallo ambientato nel mondo della ristorazione. Pur essendo tratto da un romanzo, intitolato Petits meurtres à l’étouffée, scritto da Noël Balen e Vanessa Barrot, l’adattamento si prende alcune libertà significative rispetto al materiale di partenza. Ad esempio, nel romanzo, la vittima iniziale non è lo zio della protagonista, lei è la caporedattrice di una rivista di cucina che viaggia con il suo fotografo per lavoro invece di un influencer locale e non sono presenti le dinamiche familiari che invece arricchiscono il film.

Dato il buon successo di pubblico ottenuto dal film, inizialmente la realizzazione di un sequel era stata presa in considerazione, ma alla fine il progetto venne cancellato. È però possibile godere di questa sfiziosa e gustosa commedia grazie ora al suo passaggio televisivo. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a La ricetta del delitto perfetto. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di La ricetta del delitto perfetto

Protagonista del film è la chef stellata Laure Grenadier. Dopo aver abbandonato le cucine dei grandi ristoranti, Laure ora si occupa di critica gastronomica sul web. La donna ha una figlia, Amandine e un ex marito, Nicolas Garnier, poliziotto a capo della sezione investigativa. Dopo essersi separati a causa di un’altra donna molto più giovane di lei, Laure preferisce ora evitare ogni contatto con l’ex marito.
Tuttavia, quando un’ondata di crimini inizia a colpire i ristoratori di Lione, i propositi di Laure vanno in frantumi.

Perché Nicolas e il suo nuovo assistente Baptiste capiscono che la posizione di Laure nell’ambiente molto esclusivo della ristorazione lionese e il rispetto che ispira agli altri chef della regione sono risorse inestimabili per la loro indagine. Emotivamente coinvolta – visto che proprio suo zio è stata la prima vittima di questi misteriosi assassini – Laure si lascia convincere a fare da loro informatrice. Verrà così coinvolta nel caso, dal quale si sentirà sempre più attratta fino a voler andare fino in fondo a quella strana situazione.

Il cast del film

Ad interpretare Laure Grenadier vi è l’attrice Cécile Bois, nota per essere la protagonista della serie tv Candice Renoir, dove interpreta la poliziotta che del titolo. “Inizialmente ero restia ad accettare la parte di Laure per non creare confusione con un’altra ‘detective’ ma il lato comico della vicenda mi ha aiutata a fugare ogni dubbio”, ha raccontato l’attrice. Bois ha inoltre raccontato di essersi divertita molto nei panni di questa chef che si improvvisa detective, cosa che le ha permesso di destreggiarsi tra due generi diversi.

Accanto a lei, nel ruolo della figlia Amandine vi è Victoria Eber, mentre Bernard Le Coq interpreta Jérôme Grenadier, lo zio di Laure.L’attore Charlie Dupont interpreta Nicolas, poliziotto ed ex marito della protagonista, mentre Antoine Ferey è il Tenente Baptiste Toussaint. Completano il cast Caroline le Moing nel ruolo di Solange Grenadier, figlia di Jérôme e sua sommelier e Chloé David in quello di Léa Weber, seconda in comando di Jérôme.

Dove vedere La ricetta del delitto perfetto in streaming e in TV

Sfortunatamente il film non è presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di mercoledì 21 giugno alle ore 21:30 sul canale Rai 1. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma Rai Play, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far partire la visione.

Sebbene il film sia basato sul libro di successo di Colleen Hoover, l’adattamento cinematografico di It Ends With Us – Siamo noi a dire basta (la recensione) include un potente finale che modifica il materiale di partenza per rafforzare il messaggio sulla sopravvivenza e la guarigione dagli abusi. La storia segue una donna di nome Lily Bloom, interpretata da Blake Lively, che durante l’infanzia ha visto sua madre subire abusi e non ha mai voluto trovarsi nella stessa situazione. Purtroppo, dopo il funerale del padre, incontra un neurochirurgo di nome Ryle Kincaid, da cui è immediatamente attratta. I due si rincontrano mesi dopo, quando Lily assume inconsapevolmente la sorella di Ryle nel suo negozio di fiori.

Ryle flirta con Lily, si spinge oltre i suoi limiti e tenta di avvicinarsi a lei nonostante lei gli chieda di smettere. Ryle riesce a logorare Lily e i due iniziano una relazione. Sebbene la loro relazione inizi bene, Ryle inizia ad abusare di Lily. La donna non si rende conto della gravità della situazione fino a quando non incontra di nuovo il suo amore d’infanzia, Atlas, che riconosce immediatamente la violenza domestica. Dopo un tentativo di stupro, Lily va in ospedale con l’aiuto di Atlas e scopre di essere incinta. Questa rivelazione porta al finale emozionante e pieno di speranza di It Ends With Us, che mostra la forza dei sopravvissuti agli abusi.

Perché Lily lascia Ryle in It Ends With Us

I due momenti più forti dell’adattamento cinematografico di It Ends With Us sono quando Lily lascia fisicamente Ryle dopo che lui ha cercato di violentarla e quando lo lascia mentalmente chiedendo il divorzio. Quando lascia fisicamente Ryle, è per paura della sua vita. La sua decisione appare istintiva e guidata da una reazione di fuga. In seguito decide di non tornare da lui, abbandonando mentalmente Ryle a causa di sua figlia. Sebbene Lily ami Ryle, si rende conto della sua responsabilità di genitore nel dare a Emerson una vita migliore di quella che ha avuto lei.

Inoltre, Lily sa quanto sia facile rimanere intrappolati nel ciclo degli abusi, perché è quello che è successo a sua madre. In uno dei momenti più devastanti al di fuori delle scene di abuso, Lily parla con Atlas di come non avrebbe dovuto diventare sua madre. Pensava di essere troppo intelligente per entrare in una relazione violenta, senza rendersi conto che l’intelligenza non conta in queste situazioni. Tuttavia, a causa di suo padre è diventata così impermeabile ai campanelli d’allarme che non li ha riconosciute quando si è trattato di Ryle.

In definitiva, Lily che lascia Ryle è un incredibile atto di coraggio, soprattutto perché il momento più pericoloso per una vittima di violenza domestica è quello in cui se ne va (via JBWS). Per fortuna ha scelto di annunciare il divorzio in uno spazio pubblico, mitigando così alcuni rischi. Inoltre, nel film non sembra mantenere un rapporto di co-genitorialità con Ryle, un cambiamento importante rispetto al libro che protegge il figlio.

Spiegazione della storia passata di Atlas e Lily

In It Ends With Us – Siamo noi a dire basta, Atlas è la prima persona a riconoscere che Lily viene maltrattata da Ryle, e questo è dovuto alla loro storia. I due si sono conosciuti quando erano adolescenti. Atlas è rimasto senza casa a causa di una vita familiare violenta e ha intrecciato con Lily una storia d’amore mentre alloggiava nella casa abbandonata accanto alla sua. A causa della loro relazione, Atlas ha visto e sentito gli abusi che avvenivano a casa di Lily. Inoltre, è stato quasi ucciso dal padre di Lily. Grazie alla sua esperienza personale e all’aver assistito alla vita domestica di Lily, Atlas era pronto a riconoscere i segni di abuso in una relazione.

Inoltre, Lily e Atlas hanno fatto sesso quando erano adolescenti, come Ryle viene a sapere il primo giorno in cui la incontra. Lily ha anche un tatuaggio a forma di cuore che rappresenta un cuore di legno che Atlas ha intagliato per lei. Questa parte della loro storia diventa importante perché Ryle usa la storia romantica di Atlas e Lily come scusa per abusare di Lily.

Per essere chiari, non c’è alcun motivo accettabile per abusare di qualcuno. Anche se Lily l’avesse tradito con Atlas – e non è così – l’abuso di Ryle sarebbe comunque sbagliato. Inoltre, Ryle mostra molti segnali di allarme prima che Lily incontri di nuovo Atlas, come la coercizione, il controllo e il superamento dei limiti. Il passato di Lily e Atlas permette semplicemente a Ryle di giustificare il suo comportamento ripugnante.

Come Ryle ha fatto il parallelo con il padre di Lily

Sia il libro di Colleen Hoover che l’adattamento cinematografico utilizzano messaggi subliminali per dimostrare il ciclo dell’abuso. Uno degli esempi più significativi è il parallelismo tra Ryle e il padre di Lily, Andrew Bloom. Ryle e Andrew Bloom sono entrambi uomini potenti con incarichi di alto profilo che portano alla lode. Ryle ha letteralmente in mano la vita delle persone quando va a lavorare. Nel frattempo, Andrew Bloom ha la possibilità di influenzare la vita di tutti gli abitanti della sua città in quanto sindaco. Entrambi i personaggi hanno un lavoro che dà loro potere e controllo, il che li predispone alla violenza domestica.

Oltre a queste somiglianze, Andrew Bloom e Ryle sono affascinanti e carismatici, anche se il libro mostra maggiormente il fascino di Andrew rispetto al film. Come questi due personaggi di It Ends With Us – Siamo noi a dire basta, i maltrattanti non abusano in genere di tutti coloro che li circondano. Possono essere affascinanti e carismatici, il che permette loro di attirare le vittime e continuare ad abusare senza intervenire. In definitiva, questi parallelismi giocano un ruolo importante nello spiegare come funziona l’abuso e perché Lily rimane intrappolata nel ciclo.

La famiglia di Ryle era a conoscenza della sua natura abusiva?

L’adattamento cinematografico di It Ends With Us – Siamo noi a dire basta apporta cambiamenti significativi al libro di Colleen Hoover, compreso il fatto che Allysa fosse a conoscenza della natura abusiva di Ryle. Il materiale di partenza non chiarisce se Allysa sappia che Ryle è capace di abusare di lui. Tuttavia, il film conferma esplicitamente che Allysa non aveva idea degli abusi durante la conversazione di Lily con lei verso la fine del film. Questo cambiamento rende Allysa meno colpevole nel consentire le azioni del fratello. Inoltre, rende più significativo il momento in cui dice a Lily che non le parlerà mai più se tornerà da Ryle.

Il significato dell’albero di quercia in It Ends With Us

La quercia che si trova nel cortile della casa d’infanzia di Lily è un simbolo importante per tutta la durata di It Ends With Us – Siamo noi a dire basta. Nel flashback di Altas e Lily, i due discutono del fatto che i fiori, la frutta e la verdura si affidano all’amore per fiorire; tuttavia, la quercia cresce indipendentemente da come viene curata, perché è abbastanza forte da prosperare da sola. Anche se lei crede di essere più simile agli ortaggi del suo giardino, la quercia rappresenta Lily come personaggio.

Alla fine, lei prospera come donna e madre nonostante la mancanza di amore da parte del padre e gli abusi subiti per mano di Ryle. Inoltre, è simbolico che Ryle le morda il tatuaggio basato sul cuore della quercia. Cerca di distruggere ogni grammo della sua forza, ma alla fine sia il tatuaggio che Lily stanno bene.

It Ends With Us risolve le controversie del libro?

It Ends With Us di Colleen Hoover ha suscitato polemiche a causa della romanticizzazione degli abusi, dell’uso della violenza domestica come colpo di scena e del finale del libro. Il primo trailer ha chiarito che il film cercava di correggere i problemi del materiale di partenza. Piuttosto che dipingere la storia come un triangolo amoroso o una storia d’amore, la trama della violenza domestica era abbondantemente chiara. Fortunatamente, il film ha seguito l’esempio correggendo gli altri elementi problematici.

Il film presenta il tema dell’abuso in modo più sfumato, distinguendo che la situazione non è romantica, anche se Lily romanticizza la relazione nella sua testa. Atlas presenta l’opzione che Lily possa abortire la sua gravidanza con l’uso della parola “se” invece di “quando”, che nel libro non viene mai menzionata. Ryle non è ritratto come il “bravo ragazzo che abusa” come nel libro. Inoltre, mostra più segnali di allarme fin dall’inizio. Alla fine del film, Lily non permette a Emerson di trascorrere del tempo senza supervisione con Ryle.

Il vero significato del finale di It Ends With Us

Il finale di It Ends With Us – Siamo noi a dire basta apporta due grandi cambiamenti significativi rispetto al libro. In primo luogo, il film mostra il periodo tra il parto di Lily e il suo incontro con Atlas. Durante questo montaggio, Lily diventa più vivace e gioiosa, una dicotomia rispetto al modo in cui si comporta durante la relazione con Ryle. Anche il suo volto non è più vuoto, ma riacquista l’espressività e la vita che aveva all’inizio del film. Questa aggiunta dimostra che è possibile vivere una vita soddisfacente dopo un abuso. Il trauma può essere sempre presente, ma non deve definire Lily.

In secondo luogo, il finale dell’adattamento cinematografico vede Lily crescere Emerson apparentemente da sola, anziché fare da co-genitore insieme a Ryle. Questo cambiamento offre la speranza che le persone possano sfuggire ai loro abusatori e dare ai loro figli una vita migliore di quella che hanno avuto loro. Invece di affidarsi al suo ex violento, Lily trova un sistema di sostegno nella madre, in Allysa e, infine, in Atlas. Sua figlia non sarà esposta al padre, che ha un passato di violenza. In definitiva, Lily sta dando a sua figlia la vita che avrebbe voluto alla fine di It Ends With Us – Siamo noi a dire basta.

Immaculate, l’horror religioso (la nostra recensione) del 2024 interpretato da Sydney Sweeney di Euphoria, che ha anche prodotto il film, diventa ancora più inquietante alla fine. Il film ha ricevuto recensioni per lo più positive da parte della critica, che ha lodato soprattutto il ruolo di Sweeney nel ruolo di Suor Cecilia. Alla fine di Immacolata, Suor Cecilia trascorre il resto della sua gravidanza miracolosa risentendosi di Padre Tedeschi e temendo di morire una volta nato il bambino a causa degli eventi sinistri a cui ha assistito nel convento, come l’aver visto le altre suore tagliare la lingua a Gwen dopo che questa aveva parlato contro il convento e i segreti che custodivano.

Prima della data prevista per il parto, Suor Cecilia finge un aborto spontaneo usando una gallina morta nel tentativo di essere portata in un vero ospedale. Padre Tedeschi lo scopre e cattura suor Cecilia prima che possa fuggire. Le spiega che ha usato il suo background in genetica per creare un altro Gesù usando pezzi di DNA trovati su un pezzo del crocifisso. Suor Cecilia è inorridita e dà fuoco al suo laboratorio. Le si rompono le acque e lei fugge nelle catacombe per scappare, finendo per uccidere Padre Tadeschi e dare alla luce qualcosa di non del tutto umano nella scena finale di Immaculate.

Suor Cecilia uccide il neonato nel finale di Immaculate?

Dopo essere fuggita alla fine di Immaculate, Suor Cecilia partorisce da sola dopo essere scappata dalle catacombe sotto il convento e partorisce. Dopo aver tagliato il cordone ombelicale con i propri denti, Suor Cecilia afferra una grossa pietra e la fa cadere sul neonato. Tuttavia, Immaculate taglia in nero, lasciando il pubblico a chiedersi se abbia ucciso o meno il neonato.

Considerando che Suor Cecilia è rimasta incinta senza il suo consenso e gli orrori che ha vissuto durante la gravidanza, senza poter uscire, è molto probabile che sia stata lei a far cadere il sasso sul neonato, soprattutto perché non è chiaro cosa avesse partorito esattamente. Visti gli strani rumori che la prole emetteva, è implicito che qualsiasi cosa abbia partorito non fosse umana, e quindi l’ha uccisa.

Con padre Tedeschi morto e il suo laboratorio distrutto, suor Cecilia poteva assicurarsi che ciò che le era successo non sarebbe mai più accaduto a nessun altro. L’uccisione del bambino avrebbe doppiamente distrutto qualsiasi prova residua di ciò che Padre Tedeschi e il convento stavano facendo. Suor Cecilia non ha mai voluto il bambino; aveva perso i denti durante la gravidanza e la sua gravidanza era il risultato di esperimenti su di lei. Tenendo conto di tutto ciò, è logico che Suor Cecilia abbia deciso di uccidere il neonato, soprattutto se c’era la possibilità che questo portasse alla fine del mondo.

Cosa partorisce realmente Suor Cecilia alla fine di Immaculate

Sebbene la domanda alla fine di Immaculate possa ruotare intorno al fatto che Suor Cecilia abbia ucciso il neonato, gli indizi lasciati nel corso del film horror suggeriscono anche che c’è qualcosa che non va nella gravidanza o nel neonato. Dopo la nascita del bambino, il respiro affannoso suggerisce che non si tratta affatto di un bambino normale. Non si sentono i pianti di un neonato e il suo respiro sembra più quello di una creatura che di un essere umano. Immaculate non mostra mai l’aspetto del neonato, il che porta a molte speculazioni sulla natura dell’intera gravidanza.

Il bambino è in realtà la seconda venuta di Cristo? È possibile, ma improbabile. Considerando la sperimentazione genetica che Padre Tedeschi ha condotto per due decenni, è possibile che questo bambino sia stato corrotto o mutato in qualche modo molto prima di vedere la luce. Dopotutto, non è nato in circostanze normali, ma è stato costretto ad esistere da Padre Tedeschi. La seconda venuta di Gesù Cristo non era stata profetizzata in questo modo, con un uomo che tirava i fili per portarla a compimento. E così suor Cecilia aveva probabilmente dato alla luce qualcosa di potenzialmente malvagio, data la situazione che circondava la gravidanza.

Spiegazione di ogni morte nel finale di Immaculate

Immaculate ha avuto la sua buona dose di morti, anche se la maggior parte è avvenuta durante il culmine del film. Mentre è in travaglio, Suor Cecilia uccide la Madre Superiora con un crocifisso dopo che questa l’ha aggredita. In seguito, Cecilia brucia Padre Tedeschi dopo aver dato fuoco al suo laboratorio e lo pugnala al collo con un bisturi dopo che lui ha cercato di aprirla. Gwen viene uccisa dalle suore dopo che le hanno tagliato la lingua, anche se la sua morte avviene fuori campo e Suor Cecilia trova il suo corpo nelle catacombe alla fine di Immacolata.

E, naturalmente, chi potrebbe dimenticare che Suor Cecilia usa anche una pietra per porre fine alla vita del neonato negli ultimi secondi di Immaculate, concludendo il film con quella che sarà sicuramente la scena più discussa per gli anni a venire. Oltre alle morti che avvengono alla fine, Immaculate include la morte di Suor Mary (interpretata da Simona Tabasco, stagione 2 di White Lotus), che viene uccisa all’inizio del film.

Sembra che Suor Mary si renda conto di ciò che sta accadendo nel convento e tenti di scappare per salvarsi prima che accada qualcosa, ma viene catturata e sepolta viva da alcune delle altre suore. La sua morte dà il tono al film. C’è anche Suor Isabella, che si butta dal tetto dopo aver tentato di uccidere Suor Cecilia durante il suo bagno. Suor Isabella era arrabbiata perché riteneva che avrebbe dovuto essere lei a rimanere incinta in questo film horror incentrato sulle suore.

Perché Padre Tedeschi voleva creare un nuovo Gesù

Nella preparazione del finale dell’Immacolata è stato spiegato esattamente perché Cecilia era stata ingravidata: il convento voleva inaugurare artificialmente la seconda venuta di Gesù Cristo. Padre Tedeschi ha chiarito di voler creare un nuovo Gesù Cristo utilizzando il DNA rimasto dal chiodo trovato su un pezzo del crocifisso.

Sebbene l’Immacolata non approfondisca troppo le ragioni di padre Tedeschi, egli sentiva che lo scopo della sua vita era creare un nuovo Cristo. Proprio come suor Cecilia sentiva che lo scopo della sua vita era diventare una suora dopo che Dio l’aveva salvata dalla morte per sette minuti a causa di una caduta nel ghiaccio, padre Tedeschi ha capito che poteva usare la sua preparazione scientifica per creare un nuovo Gesù.

Cosa significano le maschere maschere rosse delle suore in Immacolata

Nel corso dell’Immacolata, suor Cecilia si imbatte in suore che indossano maschere rosse, una delle quali viene trovata sull’altare di Cristo. Il motivo delle maschere rosse non viene mai spiegato a fondo, ma è possibile che esse rappresentino il sangue di Cristo. Le suore che indossano le maschere rosse sono probabilmente le seguaci di Padre Tedeschi, che aderiscono a determinati rituali.

Probabilmente lavorano al suo fianco per garantire che gli esperimenti genetici abbiano il massimo successo possibile e che le altre suore non facciano troppe domande o cerchino di scappare. È certo che dietro le maschere rosse di Immaculate c’è un significato tematico più profondo , anche se il film stesso non approfondisce di cosa si tratti.

Il vero significato del finale di Immaculate

Il finale di Immaculate vede Suor Cecilia prendere in mano la situazione e finalmente riprendere il controllo del proprio corpo e della propria vita. Il finale del film horror allude all’autonomia corporea e ai diritti riproduttivi di una donna. Suor Cecilia viene trattata come un’entità secondaria fino a quando non rimane incinta, e Padre Tedeschi e le altre suore si preoccupano solo del benessere del feto e non di lei. Anche la questione del consenso è presente: il finale sottolinea gli orrori della gravidanza e la capacità di Suor Cecilia di scegliere cosa fare dopo essere stata costretta a una gravidanza indesiderata.

Come è stato accolto il finale di Immaculate

Il finale di Immaculate ha ricevuto una risposta mista, ma per lo più positiva, da parte della critica, così come il film stesso. Non sorprende che l’elemento più controverso sia stato l’ambiguità. Il fatto di non mostrare esattamente cosa Cecilia avesse partorito in Immaculate, e il fatto che il film si rifiutasse di confermare se l’avesse effettivamente ucciso, è stato visto da alcuni come una regia incredibilmente intelligente, mentre altri ritengono che il film avrebbe fatto meglio con un finale più conclusivo.

Sydney Sweeney ha spiegato in un’intervista a EW che in realtà sono state girate diverse inquadrature per il finale di Immaculate e che il finale ambiguo è stato scelto perché sia lei che il regista Michael Mohan lo ritenevano la scelta migliore per la trama:

“L’abbiamo girato in più modi. Quello che vedete è in realtà il primo ciak che abbiamo girato, e poi ne abbiamo fatti altri due per coprire le nostre basi nel caso volessimo mostrare angolazioni diverse, ma il nostro istinto è sempre stato quello di non mostrarlo mai, e quindi abbiamo scelto il primo ciak”.

Tuttavia, mentre le domande lasciate alla fine di Immaculate sono state considerate da alcuni critici e spettatori come troppo vaghe (soprattutto se si considera l’intenso accumulo di domande nel resto del film horror del 2023), altri aspetti del climax sono stati particolarmente apprezzati. L’interpretazione di Sweeney durante la scena finale è stata sottolineata in molte recensioni, così come diversi momenti chiave, come quando Cecilia morde il proprio cordone ombelicale.

Nel complesso, Sweeney e Mohan hanno adottato un approccio ponderato al finale di Immaculate, che sembra aver dato i suoi frutti, dal momento che la maggior parte delle reazioni della critica è stata positiva. È un finale che è stato anche semi-improvvisato, come ha rivelato Sweeney, il che spiega il perché dell’approccio un po’ anticonvenzionale di non rivelare mai esattamente il risultato della gravidanza:

“È stato uno di quei momenti in cui abbiamo bloccato la telecamera e poi Mike ha detto: ‘Ok, Syd, cosa pensi di voler fare?’. E io ho pensato: “Proviamo e vediamo cosa succede”. Ed è quello che è successo”.