La sua biografia ci ricorda che David Bowie è morto il 10 gennaio 2016, ma in pochi potrebbero dire tutte le volte che è rinato nei 69 anni della vita – indimenticabile – che Moonage Daydream cerca di raccontare. In maniera sostanzialmente cronologica, ma non del tutto lineare, inseguendo la rockstar e la sua produzione musicale, ma soprattutto lo sviluppo del suo pensiero, attraverso esperienze di ogni tipo.

Che negli anni lo hanno portato a vestire i panni di Ziggy Stardust e Aladdin Sane, Halloween Jack o Nathan Adler, fino al Pierrot di Scary Monsters e l’immortale White Duke fino al Profeta Cieco (o Button Eye), nel Lazarus del Black Star comunemente considerato il suo testamento. Tante facce di un prisma che non poteva che restituire una luce cangiante e avvolgente, difficile da definire in maniera univoca.

Moonage Daydream, più di un documentario

Special Screening al Festival di Cannes 2022 – e in sala nei giorni del 26, 27 e 28 settembre, dopo una settimana di esclusiva Imax – risulta riduttivo definire come documentario il film con il quale Brett Morgen (Cobain: Montage of Heck, Crossfire Hurricane) punta a offrire “un’odissea spaziale audiovisiva senza limiti” più che una mappa per comprendere e spiegare il fenomeno Bowie.

Un’icona capace di attraversare mezzo secolo della nostra storia come performer, pittore, scultore, oltre che ovviamente attore – anche protagonista – per Nicolas Roeg (L’uomo che cadde sulla Terra), Tony Scott (Miriam si sveglia a mezzanotte), Nagisa Ōshima (Furyo), John Landis, Julien Temple, Jim Henson (Labyrinth), Martin Scorsese, David Lynch, Julian Schnabel, Giovanni Veronesi e Christopher Nolan (nel Prestige che continua a essere uno dei suoi tre migliori film).

Per chi lo ha amato e per chi non lo ha vissuto

“Un uomo straordinario, pieno di amore e di vita” lo definisce lo storico produttore Tony Visconti, e questa è forse l’unica sintesi possibile alla fine della visione del film e dopo i tanti stralci di Bowie pensiero. Forse troppi, come magmatica è la prima parte della narrazione per immagini e suoni, evidentemente funzionale a rendere la stessa confusione del protagonista, e a sottolineare la progressiva individuazione di un traguardo raggiunto più che del percorso lasciato dietro le spalle. A scongiurare ogni rischio di tentativo di emulazione – impossibile! – e per regalarci la sorpresa definitiva: quella di un uomo soddisfatto, felice, a suo modo ottimista e profondamente innamorato. Della sua Iman, della vita e della gente, alla quale scopriamo esser lui stato sempre molto più vicino di quanto non avremmo mai immaginato. Quasi a ricostruire una immagine più umana dell’alieno androgino del quale in tanti ci siamo innamorati.

L’accettazione di sé è la chiave, l’esortazione a non sprecare il tempo a disposizione e a continuare ad andare avanti il consiglio che resta. Più dei tanti video inediti, anche da concerti mai visti prima d’ora e dietro le quinte incredibili, concessi – insieme alla proprio benedizione – dalla David Bowie Estate, che comunque rendono unico e imperdibile questo documento (più che documentario), nonostante alcuni eccessi filosofici, pur strumentali.

Superata la sensazione di essere al cospetto di una lunga lezione, è a tratti emozionanti sentirsi parte di un flusso di stimoli e suggestioni, prima, e di emozioni, poi. Moonage Daydream è un viaggio che finisce per mostrare il cuore di un artista in costante mutazione, quel nucleo sconosciuto anche a lui stesso – inizialmente – che negli ultimi anni sembra avergli fornito dei punti fermi, che oggi restano come l’eredità che forse gli sarebbe piaciuto di più sapere di averci lasciato.

Domink Moll torna al cinema, dal 29 settembre, con La notte del 12, un film dai toni crudi presentato nella selezione ufficiale all’ultimo Festival di Cannes. Il lungometraggio è ispirato a uno dei casi raccolti da Pauline Guéna nel libro 1.83 – Une année à la PJ, un libro d’inchiesta in cui l’autrice ha dovuto trascorrere circa un anno insieme alla polizia giudiziaria.

Già famoso per il suo film Only the Animals – Storie di spiriti amanti, il regista questa volta ci presenta una storia a tratti macabra, dove il crimine e il modo di investigazione sono al centro della sua sceneggiatura, scritta insieme a Gilles Marchand.

La notte del 12, la trama

Yohan (Bastien Bouillon) è stato appena messo a capo della polizia giudiziaria di Grenoble quando deve confrontarsi con l’omicidio di una giovane donna, Clara (Lula Cotton Frapier), bruciata viva mentre tornava a casa di notte. Il caso si apre immediatamente e il poliziotto, principalmente assieme al suo collega Marceau (Bouli Lanners), inizia ad indagare sull’accaduto.

L’interrogatorio dei giovani ragazzi che hanno avuto rapporti con Clara – molti dei quali sprezzanti nei confronti della vittima – porta il protagonista alla consapevolezza che ognuno di loro può essere un potenziale carnefice. Ed è proprio cercando di capire cosa è successo quella notte del 12 ottobre che Yohan farà di quel caso la sua più grande ossessione.

Fra tormenti e denunce alla misoginia

Fra alcuni movimenti di macchina che prediligono inquadrature irregolari attraverso l’uso della macchina a mano – tipica soprattutto della Nouvelle Vogue degli anni Sessanta e in questo caso usata per mostrarci il protagonista nel suo massimo tormento – e altre che invece pongono attenzione sulla sovrimpressione – molto utilizzata nel cinema francese muto – Moll restituisce allo spettatore un personaggio, ossia Yohan, complesso e profondo. Un uomo che deve fare necessariamente i conti con la misoginia della società, grande e importante piaga di cui ancora purtroppo si è afflitti.

Attraverso l’interrogatorio dei principali ragazzi indagati, e i suoi stessi colleghi che esprimono concetti maschilisti e sessisti, il regista mostra nel film quanto il male non riesca a trattenersi neppure davanti a un omicidio. Ed è proprio a causa di questo che Yohan, apparentemente forte, si sbriciola attraverso il progredire della storia; quando la vittima rimane senza colpevole, perché in realtà lo sono tutti, lui piano piano diventa sempre più fragile, e questa fragilità si trasforma nell’ossessione dell’omicidio di Clara.

L’essere impotente, il non riuscire a trovare il carnefice e il dover accettare qualcosa di talmente brutale, lo mette davanti ad una consapevolezza: c’è qualcosa che non va fra uomini e donne. Ed è qui che l’ossessione della morte di Clara si sbatte contro la verità, contro una realtà nuda e cruda, difficile da digerire ma necessaria. È questo il fulcro de La notte del 12: il rapporto, forse malsano, fra l’uomo e la donna e la loro differenza.

Clara, un femminicidio che ne rappresenta altri

La scelta di Moll di far seguire il caso solo ad un gruppo di uomini, nella prima parte della diegesi, non è un caso. L’ennesima violenza nei confronti di una donna è stata consumata e adesso, per risolvere l’omicidio, viene incaricato un uomo che deve indagare su altri uomini. Questo rende la storia e le scene pregne di significato, perché è qui che Yohan capisce cosa realmente un uomo sia in grado di fare senza avere il minimo scrupolo.

Clara, nello sceneggiato, è una ragazza innocente, vittima degli abusi maschili e senza alcuna arma per difendersi. È l’ennesima donna uccisa, bruciata viva senza alcuna pietà, in un mondo in cui ancora i femminicidi non riescono ad essere fermati. Clara è la sorella, l’amica, la compagna di tutti e rappresenta tutte le donne massacrate e tutti gli uomini che non hanno mai rimpianto il gesto.

E se nella seconda parte del film – dopo che il caso era rimasto irrisolto e quindi chiuso – è stata proprio una donna, la giudice istruttrice, a spingere Yohan a riaprilo, un motivo c’è: chi realmente può comprendere quel male non è un uomo, è solo una donna. Sono solo loro che combattono fino alla fine perché solo loro sanno realmente cosa voglia dire essere vittime.

In La notte del 12 Moll è stato magistrale. Ha permesso quell’identificazione necessaria al cinema, riuscendo a far immedesimare lo spettatore nei personaggi. Ed è forse proprio perché si opera un riconoscimento di sé attraverso l’immagine speculare di un altro, in questo caso di Yohan, che il regista riesce a far porre delle domande, utili e indispensabili, al fine di innescare in chi fruisce un processo di riflessione che inevitabilmente si porterà anche a casa.