Aquaman e il Regno Perduto vanta alcuni dei luoghi più belli mai apparsi nella storia del cinema, girato in location reali in tutto il mondo. Il film rappresenta l’ultimo capitolo del DCEU (DC Extended Universe), concludendo la saga cinematografica della DC in modo esplosivo e visivamente straordinario.

Uscito nel 2023, Aquaman e il Regno Perduto è il sequel di Aquaman (2018), entrambi diretti dal visionario James Wan, che ha scelto una gamma di ambientazioni spettacolari per le riprese.

Il film vede Jason Momoa nel ruolo di Aquaman (Arthur Curry), Patrick Wilson come suo fratellastro Orm, Amber Heard come la moglie Mera e Yahya Abdul-Mateen II nei panni del malvagio Black Manta. Se il primo film era incentrato sulla storia d’amore tra Aquaman e Mera, il sequel esplora la vita successiva del protagonista e il suo regno su Atlantide, costringendolo a riunirsi con Orm.

Anche se non è previsto un nuovo film di Aquaman nel futuro immediato del DCU, Il Regno Perduto offre un capitolo finale visivamente mozzafiato per la saga del DCEU.

Warner Bros. Studios, Leavesden, Regno Unito

La maggior parte delle scene subacquee e dei set principali

La gran parte di Aquaman e il Regno Perduto è stata girata ai Warner Bros. Studios di Leavesden, a Watford, nel Regno Unito. Grazie ai suoi vasti studi, palcoscenici e vasche d’acqua, il complesso è stato il luogo ideale per le riprese subacquee e le scenografie spettacolari.

Le sequenze ambientate ad Atlantide e la maggioranza delle scene subacquee sono state girate qui, con una combinazione di green screen e complessi set fisici. In particolare, il sottomarino e la base di Black Manta sono set di grande impatto costruiti all’interno degli studi.

Secondo quanto dichiarato da James Wan su Instagram, il 95% del film è stato girato nel Regno Unito, la maggior parte proprio a Leavesden — lo stesso studio dove anni prima era stato girato Justice League.

Sebbene il primo Aquaman fosse stato realizzato negli Village Roadshow Studios sulla Gold Coast australiana, il sequel ha mantenuto gran parte del team originale, riunendo molti membri della produzione. Lo studio di Leavesden è celebre anche per aver ospitato la saga cinematografica di Harry Potter.

Saunton Sands, Devon, Regno Unito

La battaglia sulla spiaggia tra Aquaman, Orm e i Deserters

La spettacolare scena d’azione sulla spiaggia, che segue la fuga di Aquaman e Orm dalla prigione nel deserto, è stata girata a Saunton Sands, sulla costa rurale del Devon.

La spiaggia sabbiosa e suggestiva ha fornito l’ambiente perfetto per lo scontro tra i fratelli e i Deserters, sfruttando la bellezza naturale del Regno Unito. Qui, le onde del mare restituiscono a Orm la sua forza vitale, riportandolo al suo antico splendore.

Le dune dorate di Saunton Sands hanno offerto uno sfondo ideale per la sequenza, fungendo da doppione del deserto del Sahara, mentre i due fuggitivi tentano di scappare dai loro inseguitori.

Malibu, California

La scena sulla spiaggia di Devil’s Deep

Quando Aquaman e Orm approdano per la prima volta a Devil’s Deep, crollano esausti sulla sabbia. Questa breve ma importante scena è stata girata a Malibu, in California. Il regista James Wan ha condiviso su Instagram una foto dal set, nella quale posa insieme a Momoa e Wilson nei costumi di scena, scherzando accanto a una doccia improvvisata.

Wan ha spiegato che questa è stata l’ultima scena girata per Aquaman e il Regno Perduto, ringraziando le squadre di produzione del Regno Unito, delle Hawaii e di Los Angeles. Si tratta dunque dell’ultimo giorno di riprese prima dei reshoot, che si sono poi svolti in Nuova Zelanda.

Hawaii, Stati Uniti

La giungla di Devil’s Deep

La terra natale di Jason Momoa, le Hawaii, ha fornito il perfetto scenario tropicale per le scene ambientate nella giungla di Devil’s Deep. Le isole lussureggianti sono state utilizzate per mostrare Aquaman e Orm mentre attraversano un paradiso verdeggiante e misterioso, ricco di fiori esotici e di insetti giganti corrotti dall’Oricalco.

È possibile che alcune scene sulla spiaggia del film siano state girate anch’esse alle Hawaii, come quella in cui Aquaman, Mera, Orm, Atlanna e Nereus (interpretato da Dolph Lundgren) discutono del Regno Perduto su una roccia vulcanica — anche se ciò non è stato confermato ufficialmente.

Jersey City, New Jersey

Atlantide si rivela al mondo

Nel finale epico del film, Aquaman e gli Atlantidei decidono di rivelare la loro esistenza al mondo di superficie, prendendo il loro posto tra gli affari umani. Le scene sono state girate nella baia di Jersey City, che fa da sfondo al primo contatto tra Atlantide e il mondo esterno: le acque si aprono mentre Aquaman e i suoi alleati emergono a bordo delle loro navi.

È qui che Aquaman pronuncia il suo discorso al mondo, annunciando ufficialmente l’esistenza del popolo di Atlantide.

Centro di Londra, Regno Unito

Aquaman si rivolge al mondo

L’iconica Piccadilly Circus di Londra appare nell’ultima scena del film. Durante il discorso di Aquaman, il suo messaggio di pace e unità viene trasmesso in tutto il mondo, mostrato sui maxi-schermi della celebre piazza londinese.

La scena, girata in location reale nel centro di Londra, include anche un’inquadratura della metropolitana (London Underground), conferendo al momento un’atmosfera tipicamente britannica. Altre città mostrate nel montaggio finale derivano da filmati di repertorio del primo Aquaman, poiché Italia e Asia non figurano tra le location effettive del sequel.

LA Castle Studios, Burbank, California

Riprese aggiuntive in studio

Alcune riprese aggiuntive di Aquaman e il Regno Perduto sono state effettuate ai LA Castle Studios di Burbank, California.

Poiché la maggior parte del film è stata girata nel Regno Unito, queste scene consistono probabilmente in brevi reshoot o riprese di raccordo, girate in un secondo momento senza il cast principale. Si tratta comunque di una parte molto marginale della pellicola.

Nuova Zelanda

Riprese supplementari

Infine, Aquaman e il Regno Perduto ha realizzato ulteriori riprese in Nuova Zelanda. Non è chiaro quali scene siano state girate qui, ma James Wan ha dichiarato in un’intervista a Empire Magazine che si è trattato di sette-otto giorni di lavoro, un tempo ridotto per un film di questa portata.

Wan ha spiegato che la durata complessiva è stata prolungata solo per problemi di agenda del cast, smentendo le voci secondo cui il film avrebbe richiesto ampi reshoot. Le splendide ambientazioni naturali della Nuova Zelanda potrebbero aver fatto da sfondo ad alcune sequenze di spiaggia o della giungla di Devil’s Deep, contribuendo alla straordinaria bellezza visiva del film.

La prossima grande saga fantasy potrebbe arrivare presto, dato che la Disney ha annunciato l’intenzione di adattare i libri della serie Impossible Creatures in una serie di film. In passato, il pubblico ha trasformato grandi saghe fantasy in franchise cinematografici da miliardi di dollari, come Harry Potter e Il Signore degli Anelli, ma la Disney non ne produceva uno da parecchio tempo.

Le cronache di Narnia hanno avuto un buon inizio, ma sono svanite prima che lo studio adattasse ogni film, e ora stanno per essere rilanciate da Netflix. La Disney sta attualmente adattando i libri di Percy Jackson, ma come serie su Disney+ dopo che la serie cinematografica della 20th Century Fox si è conclusa dopo due film.

Impossible Creatures è una serie abbastanza recente, ma finora ha riscosso un enorme successo. L’autrice Katherine Rundell è la prima scrittrice britannica di libri per bambini a raggiungere il primo posto nelle classifiche sia nel Regno Unito che negli Stati Uniti dopo J.K. Rowling. La serie ha venduto più di quattro milioni di copie in tutto il mondo e Hollywood si è interessata molto a un adattamento cinematografico. Ora questo progetto è ufficialmente in corso.

Annuncio del film Impossible Creatures

Il 7 ottobre, la Disney ha annunciato di aver acquisito i diritti per adattare Impossible Creatures con un accordo a sette cifre. Rundell era alla ricerca di un accordo cinematografico ed era in trattativa con la Warner Bros. e Netflix. Sarà lei stessa a scrivere i film, come confermato dal CEO della Disney Bob Iger in una dichiarazione congiunta:

Quando ho letto Impossible Creatures, ho capito che era perfetto per la Disney. Sono stato immediatamente attratto dal mondo vivace immaginato da Katherine e dalle possibilità che questa storia ci avrebbe offerto. Scritti dalla stessa Katherine, questi film sono in ottime mani con il nostro team della Walt Disney Studios, e non vedo l’ora di vedere questa storia portata sul grande schermo.

La Disney collaborerà anche con Rundell e il suo partner creativo Charles Collier alla produzione dei film sotto la sua etichetta Impossible Films, con un accordo di sviluppo in esclusiva che include tutti i romanzi attuali e futuri della scrittrice. Anche Rundell ha rilasciato una dichiarazione, condividendo il suo entusiasmo per la collaborazione con la Disney.

Sono assolutamente entusiasta di collaborare con la Disney. È un privilegio scrivere queste sceneggiature e sviluppare questi primi film della serie insieme a Charles, al mio team della Impossible Films e all’eccezionale team della Disney. Sono particolarmente grata a Bob Iger, il cui entusiasmo dopo aver letto il libro ha contribuito a dare il via a questa collaborazione, e ad Alan Bergman e David Greenbaum per essere stati partner incredibili durante tutto questo processo. La nostra ambizione è quella di trasformare Glimouria e Impossible Creatures in una spettacolare serie di film, in modo da poter intrattenere e ispirare il pubblico familiare di tutto il mondo.

Data la fase iniziale di questo annuncio, ci sono ancora molti aspetti dell’adattamento che Disney e Rundell devono definire. Non è stato ancora scelto un regista e non esiste una tempistica definita su quanto velocemente procederà lo sviluppo. Lo studio ha acquisito i diritti del film Impossible Creatures con un accordo a sette cifre, dimostrando però grande urgenza e interesse.

La storia di Impossible Creatures

Il primo romanzo della serie Impossible Creatures è stato pubblicato nel 2023 e ha introdotto i lettori in un nuovo regno fantastico. La storia è incentrata su Christopher, un ragazzino che scopre un mondo magico mentre è in visita dal nonno nelle Highlands scozzesi. Questo mondo si chiama Arcipelago di Gilmouria, un insieme di isole abitate da creature fantastiche.

Mentre esplora l’arcipelago, Christopher incontra Mal, una ragazza unica che vive in questo mondo. I due uniscono le forze per sconfiggere un’entità oscura che minaccia di distruggere Gilmouria, privandola di ciò che la rende così bella e vivace. Ci sono creature familiari agli appassionati lettori di fantasy, e la tradizione e la storia distintive di questo mondo lo rendono unico rispetto ad altri romanzi fantasy.

Dato che Rundell scriverà la sceneggiatura del film Impossible Creatures, i lettori del libro possono aspettarsi un adattamento piuttosto fedele dalla pagina allo schermo.

Cast di Impossible Creatures

Al momento non ci sono membri del cast associati al film Impossible Creatures. Probabilmente questo non accadrà fino a quando Rundell non avrà finito la sceneggiatura e lo studio non avrà trovato un regista per guidare l’adattamento. A quel punto, l’autore, il regista e lo studio potranno decidere chi interpreterà i personaggi principali di Impossible Creatures.

Mal e Chris saranno probabilmente interpretati da attori più giovani e meno conosciuti, in grado di interpretare i personaggi per diversi anni. Come per Harry Potter, la Disney dovrà scegliere attori che possano crescere insieme al ruolo. Attori più affermati potrebbero interpretare ruoli secondari, come il nonno di Christopher, la zia di Mal, un assassino di nome Adam Kavil e il malvagio Sforza.

Data di uscita di Impossible Creatures

Finora la Disney non ha fissato una data di uscita preliminare per Impossible Creatures. Lo studio sembra pronto a lasciare che Rundell finisca la sceneggiatura, trovi un regista e metta insieme il cast e la troupe prima di definire qualsiasi piano di uscita.

Ciò significa che probabilmente ci vorranno ancora anni prima che il film esca nelle sale. Fortunatamente, è già stato confermato che la Disney distribuirà Impossible Creatures nelle sale piuttosto che tentare di trasformarlo in un film in streaming. I fan potranno vedere le avventure di Christopher e la maestosa natura di Gilmouria sul grande schermo quando sarà il momento.

Il futuro del franchise di Impossible Creatures

Il primo film di Impossible Creatures potrebbe non essere ancora uscito, ma Disney e Rundell hanno già in mente un franchise di grande successo per il grande schermo con questa proprietà. Il secondo libro di Impossible Creatures, The Poisoned King, è stato pubblicato nel settembre 2025, fornendo allo studio una chiara tabella di marcia per il franchise prima ancora che inizi.

Inoltre, sono previsti in totale cinque libri, con Rundell che sta pianificando anche degli spin-off e forse altri all’interno dello stesso universo. Dipenderà in gran parte dal successo dei libri e dall’andamento dei film tratti dai libri al cinema.

Questo potrebbe dare alla Disney un nuovo franchise di successo da esplorare per gli anni a venire, una volta avviato. Data la natura giovanile di Christopher e di questa storia, c’è la possibilità che lo studio possa persino copiare Harry Potter o Il Signore degli Anelli e realizzare i film in rapida successione. Se così fosse, Impossible Creatures potrebbe diventare il prossimo grande franchise di film fantasy.

Dopo circa un’ora dall’inizio di Fuori dall’oscurità (Out of Darkness), film diretto dall’esordiente Andrew Cumming, arriva una rivelazione che cambia completamente la prospettiva dello spettatore: non si tratta affatto di un film sui mostri. Dietro l’apparenza di un horror preistorico si nasconde infatti una riflessione profonda sulla paura, sull’umanità e sui meccanismi di sopravvivenza che attraversano il tempo.

Uscito nelle sale il 9 febbraio, Fuori dall’oscurità (Out of Darkness) segue una tribù di Homo sapiens che vive su un’isola desolata al largo della Scozia, circa 45.000 anni fa. Quando un bambino di nome Heron scompare nel cuore della notte, il gruppo si addentra nella foresta per cercarlo, ritrovandosi preda di un misterioso nemico invisibile che li elimina uno a uno. Cumming costruisce la tensione con grande abilità, prendendo ispirazione da classici come Lo squalo e Alien: l’orrore resta fuori campo fino a quando diventa inevitabile affrontarlo. E quando finalmente viene mostrato, la sorpresa è totale — la minaccia non è una creatura mitologica, ma un essere umano.

Umani contro umani: l’orrore dentro di noi

Il film rivela infatti che gli assassini non sono mostri, ma una coppia di Neanderthal, una specie che ha convissuto con l’Homo sapiens per migliaia di anni prima di scomparire. Questa scelta sposta il centro del racconto: Out of Darkness diventa un dramma antropologico in cui la linea tra predatore e preda si assottiglia fino a scomparire. “Il film parla della paura”, spiega Cumming. “La paura di un demone o di una bestia che ti perseguita, ma anche quella, più reale, di ciò che non capiamo negli altri e in noi stessi”.

Il messaggio è universale: il nemico non è sempre esterno, e la violenza non appartiene solo al passato. Non a caso, il film è stato concepito durante le prime fasi della pandemia, quando la diffidenza e l’isolamento sembravano dominare ogni relazione umana. “Se le parole ‘45.000 anni fa’ non fossero apparse all’inizio del film, potrebbe sembrare un futuro post-apocalittico”, afferma il regista.

Una lingua inventata per un mondo perduto

A rendere Out of Darkness ancora più singolare è la scelta di girarlo interamente in “Tola”, una lingua inventata appositamente per il film. Creata dal linguista Daniel Andersson come fusione di arabo e basco, Tola — abbreviazione di The Origin Language — aggiunge autenticità e mistero all’ambientazione. “Temevo che i sottotitoli potessero allontanare il pubblico”, ammette Cumming, “ma girare in inglese sarebbe stato pigro. Volevo che fosse tutto vero, primordiale”.

Il cast, guidato da Safia Oakley-Green, Kit Young e Luna Mwezi, offre interpretazioni fisiche e intense, quasi istintive. Mwezi, giovanissima, ha stupito il regista al punto da spingerlo ad affidarle il ruolo maschile di Heron. “Volevamo qualcuno che avesse nei movimenti e nello sguardo quella fragilità ancestrale che non si può fingere”, racconta Cumming.

Breve, essenziale, devastante

Con una durata di soli 87 minuti, Fuori dall’oscurità (Out of Darkness) è un film compatto ma denso, costruito per lasciare un impatto duraturo. “Amo Killers of the Flower Moon, ma tre ore e mezza per qualsiasi film sono un impegno enorme”, scherza Cumming. “Mi piacciono le storie che dicono quello che devono dire e poi si chiudono”.

Con il suo linguaggio primitivo, la tensione viscerale e una rivelazione che ribalta ogni aspettativa, Out of Darkness non è solo un survival horror preistorico: è un’allegoria potente sulla paura dell’altro e sull’eterna, violenta necessità di riconoscersi umani.

Diretto da Sidney Lumet, Serpico (1973) è uno dei grandi classici del cinema anni 70 (e non solo). Un film drammatico poliziesco ambientato prevalentemente a New York, che ruota attorno a Frank Serpico (Al Pacino), un agente di polizia che si imbatte nella corruzione dilagante all’interno del Dipartimento di Polizia di New York. Il film descrive la sua lotta contro il dipartimento, poiché il suo deciso rifiuto di accettare tangenti lo trasforma in un paria tra i poliziotti. I colleghi di Frank lo minacciano, nessuna delle sue relazioni dura a lungo e più volte rischia di morire. Nonostante tutto ciò, rimane fermo nelle sue convinzioni.

Inizialmente, John G. Avildsen (Rocky) era stato ingaggiato per dirigere il progetto, ma in seguito è stato sostituito da Sidney Lumet, che si era costruito una reputazione per la sua capacità di portare a termine i progetti in tempi ristretti. Serpico è così considerato uno dei pochi film mai realizzati che offre un ritratto profondamente poco glamour della vita della polizia, poiché approfondisce la cultura poliziesca di New York City, descrivendo la corruzione istituzionale. Ora, se tutto questo spinge a chiedersi se film sia ispirato a fatti reali, in questo approfondimento esploriamo proprio questo aspetto.

Serpico è una storia vera?

Sì, Serpico è basato su una storia vera. Il film è l’adattamento cinematografico del libro biografico del 1973 “Serpico: The Cop Who Defied the System” dell’autore e giornalista americano Peter Maas. Il protagonista del libro, Frank Serpico, ha aiutato Mass a svilupparlo dopo essersi ripreso da una sparatoria. Successivamente, gli sceneggiatori Waldo Salt e Norman Wexler hanno adattato il libro per il grande schermo. Frank Serpico era un vero agente della polizia di New York, nato e cresciuto a Brooklyn, New York City.

I suoi genitori erano immigrati italiani provenienti da Marigliano, in Campania. All’età di 17 anni, si arruolò nell’esercito degli Stati Uniti e trascorse due anni in Corea del Sud come fante. Dopo aver lasciato l’esercito, ha lavorato per un breve periodo come investigatore part-time e consulente giovanile, conseguendo una laurea in scienze presso il City College di New York prima di diventare agente di polizia della NYPD nel settembre 1959. Quando alla fine si ritirò nel giugno 1972, Serpico era diventato una figura controversa all’interno del dipartimento; mentre alcuni agenti di polizia ammiravano la sua tenacia e onestà, molti criticavano le sue azioni.

All’inizio del 1966, Serpico aveva incontrato il collega poliziotto David Durk, che divenne suo alleato nella lotta contro la corruzione. Nel 1967, si rivolse poi ai suoi superiori per segnalare la corruzione diffusa all’interno del dipartimento, ma non fu intrapresa alcuna azione per fermarla. Quando parlare con i superiori non produsse il risultato desiderato, Serpico partecipò a un’inchiesta del New York Times dell’aprile 1970 che accusava la polizia di New York di ricevere milioni di dollari da criminali e piccole imprese.

Il presunto tentativo di omicidio

Il 3 febbraio 1971 e Serpico stava conducendo un’operazione antidroga nella zona di Williamsburg a Brooklyn. Una cosa che è sempre stata molto sospetta riguardo alla sparatoria durante un’irruzione frenetica è che non è mai stato chiamato il 10-13 (il codice radio per un agente che ha bisogno di assistenza) dopo che Serpico è stato colpito al volto. I suoi colleghi sono semplicemente fuggiti dalla scena, proprio come nel film. La scena iniziale del film descrive in dettaglio la gravità delle condizioni di Serpico quando viene finalmente portato d’urgenza in ospedale. Ancora oggi ha frammenti di proiettile conficcati nel cervello e soffre di perdita dell’udito a causa della recisione del nervo uditivo.

È stato quasi il colpo di grazia per Serpico, ma riuscì a sopravvivere. Nell’ottobre e nel dicembre 1971, testimoniò poi davanti alla Commissione Knapp, istituita dall’allora sindaco John V. Lindsay per indagare sulle accuse di corruzione contro il NYPD, diventando il primo agente del NYPD a farlo nella storia. “Frank Serpico! Il primo agente di polizia non solo nella storia del Dipartimento di Polizia di New York, ma nella storia di qualsiasi dipartimento di polizia degli Stati Uniti, a farsi avanti per denunciare e successivamente testimoniare apertamente sulla corruzione diffusa e sistematica dei poliziotti, con tangenti che ammontavano a milioni di dollari“, scrisse Mass nel numero del 25° anniversario della rivista New York Magazine.

Cosa il film cambia della storia vera

In un’intervista a Vanity Fair, Frank Serpico ha commentato gli eventi della sua vita raccontati nel film in un documentario intitolato Frank Serpico, diretto da Antonio D’Ambrosio. Grazie al celebre regista Sidney Lumet, la sceneggiatura scritta in collaborazione con Waldo Salt è molto accurata nel descrivere come il nativo di Brooklyn, New York, sia diventato un poliziotto, la corruzione, le tangenti e il razzismo che ha incontrato e l’incidente in cui è stato quasi ucciso come informatore nel film. La sua bussola morale si è formata quando Frank era solo un ragazzo e un uomo lasciò il negozio di suo padre senza pagare per una lucidatura di scarpe.

Da allora capì di avere un senso intrinseco di ciò che era giusto e ciò che era sbagliato, e il rispetto per la legge. Ma, fedele al film, si rifiutò di indossare un microfono nascosto e non si considera una spia. Sostiene di non aver avuto alcun interesse a denunciare i poliziotti, ma a smascherare i superiori che chiudevano un occhio su tutto. Tuttavia, il film presenta anche alcune importanti differenze dalla storia vera. Ad esempio, nel film non c’è nessun personaggio di nome David Durk, ma Bob Blair (Tony Roberts), confidente e alleato di Serpico, sembra essere stato modellato su Durk.

Serpico, che ha visto il film completo per la prima volta nel 2010, ha affermato che Lumet lo ha bandito dal set dopo che lui aveva espresso la sua disapprovazione per una scena fittizia. Anche Durk ha criticato il film, così come molte altre persone legate alle forze dell’ordine. Per prepararsi al ruolo, l’attore protagonista Al Pacino ha però invitato Serpico a Montauk, New York, come ospite nella casa che aveva affittato. Una volta, Pacino ha chiesto al suo omologo fuori dallo schermo perché si fosse opposto ai suoi colleghi e, in risposta, l’ex poliziotto avrebbe detto: “Beh, Al, non lo so. Immagino di dover dire che sarebbe perché… se non lo facessi, chi sarei quando ascolto un brano musicale?“.

Dov’è oggi Frank Serpico

Dopo aver lanciato l’allarme e aver dato il via alla denuncia dell’enorme corruzione all’interno del Dipartimento di Polizia di New York nel 1971, continuò a lavorare come poliziotto fino al 1972. Dopo l’uscita del film e la straordinaria interpretazione di Pacino, il vero Frank Serpico scomparve dalla circolazione. Inizialmente si trasferì dall’altra parte del mondo, in Svizzera, per riprendersi, e poi nei Paesi Bassi. Oggi vive nello Stato di New York, in una piccola capanna di legno che ha costruito lui stesso. All’esterno ci sono statue buddiste (un altro aspetto della sua religione menzionato nel film).

Come per tutti gli informatori, molti di coloro che hanno preso parte ai crimini all’interno del dipartimento lo considerano ancora un traditore e un emarginato, e lui ha dovuto allontanarsi dall’attenzione che ha ricevuto dopo l’uscita del film. Gran parte della corruzione che il film ha denunciato accuratamente è stata portata nella tomba dai corrotti. Nel febbraio 2022, Frank Serpico è stato finalmente insignito della Medaglia d’Onore dal sindaco di New York Eric Adams, che afferma che Serpico è stato una delle sue ispirazioni per entrare in politica. Aveva 85 anni, cinquant’anni dopo aver dato il via alla guerra contro i poliziotti corrotti.

Le storie di crimini reali sono oggigiorno molto popolari, con omicidi feroci o altre situazioni scabrose che diventano grandi successi mediatici, in particolare su piattaforme di streaming come Netflix, Amazon e Hulu. Sempre più spesso, infatti, il mondo del cinema prende una storia tratta dai titoli dei giornali e la usa come base per un thriller drammatico. L’esempio perfetto è La ragazza di Stillwater del 2021, con Matt Damon, liberamente ispirato all’omicidio di Meredith Kercher per mano di un ladro, un crimine inizialmente attribuito alla studentessa americana Amanda Knox.

Il film vede Damon nei panni del rude Bill Baker, la cui figlia Allison (Abigail Breslin) è stata condannata per l’omicidio della sua ex fidanzata Lina mentre studiava all’estero. A cinque anni dalla fine della pena della figlia, Bill le fa visita. Quando viene a conoscenza di nuove prove che potrebbero far luce sul caso, si ritrova con la missione di scagionare sua figlia e riportarla a casa. Viaggiando però dalla campagna dell’Oklahoma a Marsiglia, in Francia, Bill si ritrova spaesato in una terra che non capisce.

È così costretto ad affidarsi alla generosità di una gentile sconosciuta (Camille Cottin) per portare a termine la sua missione. La ragazza di Stillwater è dunque uno studio dei personaggi dal ritmo deliberatamente lento, con un terzo atto drammatico che ribalta completamente la storia. E dato il modo rapido in cui si susseguono gli eventi nel climax, chi ha visto il film potrebbe ancora grattarsi la testa per i momenti finali scioccanti del film. Ecco allora in questo approfondimento una spiegazione accurata del finale di La ragazza di Stillwater

Cosa bisogna ricordare della trama di La ragazza di Stillwater

Sebbene fortemente ispirato all’omicidio di Meredith Kercher e all’ingiusta condanna di Amanda Knox, il film inizia a Stillwater, in Oklahoma, piuttosto che a Seattle, città natale di Knox. Lì incontriamo Bill, un operaio petrolifero disoccupato la cui figlia ha già scontato cinque anni di una condanna a nove anni per l’omicidio della sua ex coinquilina e amante Lina mentre viveva in Francia. Allison ha sempre sostenuto la sua innocenza, ma ha imparato a non contare su Bill.

L’uomo, infatti, non è stato un buon padre durante la sua infanzia e raramente ci si poteva fidare di lui quando si trattava di assumersi delle responsabilità. Ma dopo una visita alla figlia in prigione, Bill è determinato a provare l’innocenza di Allison quando lei afferma di aver scoperto l’identità di un giovane che potrebbe essere il vero assassino: un immigrato arabo di nome Akim (Idir Azougli). Dopo che il suo avvocato e la polizia hanno rifiutato di indagare su questa nuova pista, Bill decide di occuparsene personalmente.

Trova un’alleata in Virginie, una donna francese che vive con la sua giovane figlia Maya (Lilou Siauvaud) a Marsiglia. Alla fine, Bill e Virginie vanno a vivere insieme e in seguito instaurano un legame sentimentale, mentre Bill diventa lentamente una figura paterna per Maya. Quando uno degli amici di Virginie rintraccia Akim, la missione di Bill di scagionare Allison diventa più pericolosa. E quando Bill non riesce a ottenere le prove di cui ha bisogno dopo un violento alterco con il giovane, Allison interrompe ogni contatto con lui.

Cosa succede alla fine del film

In contrasto con sua figlia dopo che lei ha scoperto che lui ha cercato senza successo di riabilitare il suo nome da solo, Bill decide di rimanere a Marsiglia per starle vicino nonostante la loro separazione. Comincia persino a costruirsi una vita con Virginie e Maya, aiutando come custode e trovando un lavoro presso un’impresa edile locale. Ma quando Bill incontra casualmente Akim mentre assiste a una partita di calcio, non può permettere che la persona che crede essere il vero assassino la faccia franca una seconda volta, e rapisce Akim tenendolo in ostaggio.

Bill tiene Akim nascosto nel seminterrato del suo condominio e fa giurare alla piccola Maya di mantenere il segreto quando lo vede. Invia quindi un campione di DNA a un laboratorio, sperando che corrisponda alle prove forensi non identificate trovate sulla scena del crimine originale. Una soffiata alla polizia, tuttavia, conduce gli agenti nel seminterrato di Bill. Sul punto di vedere svelato il suo piano, Bill è scioccato quanto la polizia nello scoprire che Akim non è lì e che anche Maya ha mentito per coprirlo.

Ciononostante, il campione di DNA che ha consegnato all’avvocato di Allison (Anne Le Ny) è sufficiente a mettere in dubbio la colpevolezza della giovane e a farla uscire di prigione. È un finale agrodolce per la ricerca di Bill, perché Virginie, infuriata per ciò che Bill ha fatto ad Akim e furiosa per aver coinvolto Maya, pone fine alla loro relazione, strappandolo dalla sua nuova famiglia surrogata.

La sconvolgente confessione di Allison

In tutto il film La ragazza di Stillwater, Bill è incrollabile nel suo sostegno alla figlia e fermo nella sua convinzione della sua innocenza. Certificato che sua figlia sia stata incastrata per un crimine efferato che non ha commesso, spera di fare giustizia per lei non solo per vederla libera, ma anche come modo per redimersi ai suoi occhi come padre. Bill crede di conoscere sua figlia meglio di chiunque altro ed è sicuro che lei non abbia nulla a che fare con l’omicidio di Lina. Ma questa convinzione crolla nel momento culminante del film.

Quando Akim è stato tenuto prigioniero, il giovane ha insistito sul fatto che Allison fosse effettivamente coinvolta nell’omicidio di Lina. Ha detto a Bill che Allison lo aveva assunto per uccidere Lina, pagandolo in parte con una collana d’oro che suo padre le aveva comprato come regalo. Non sapendo cosa credere, Bill riesce comunque a riportare Allison a casa, ma una volta tornati in Oklahoma, dopo essere stati accolti come eroi dalla comunità e dalle autorità locali, Bill affronta sua figlia per scoprire quale ruolo abbia realmente avuto nella morte di Lina.

Incapace di tenere nascosto il suo segreto più grande, Allison racconta a suo padre cosa è successo la notte dell’omicidio. Dopo aver scoperto che la sua amante la tradiva, Allison dice di aver rotto con Lina e di aver voluto che se ne andasse di casa, quindi ha assunto Akim per “sbarazzarsi di lei”. E anche se dice di non aver mai voluto fare del male a Lina, le istruzioni di Allison sono state fraintese, portando alla morte della sua ex ragazza.

Il significato del finale di La ragazza di Stillwater

Fondamentalmente, La ragazza di Stillwater è un’analisi del trauma, del dolore e del lasciar andare. Racconta di come Allison, una giovane donna dal cuore buono, abbia commesso un errore fatale e sia stata costretta a pagare un prezzo molto alto. E di come debba fare i conti con il suo ruolo nella morte della sua ex fidanzata, senza aver mai avuto la possibilità di dirle addio o di piangerne la perdita. Alla fine del film, vediamo Allison farsi persino tatuare il nome di Lina in prigione prima di uscire, un simbolo del suo amore, a dimostrazione che non ha mai voluto farle del male. Ma vediamo anche che alla fine del film Bill è un uomo cambiato, e non solo per la dura prova che ha dovuto affrontare per liberare sua figlia.

All’inizio del film, abbiamo appreso che Bill ha avuto problemi con la droga e l’alcol, presumibilmente come tragico modo per affrontare la morte di sua moglie. Ma questa volta, affrontando la detenzione di sua figlia e la lotta per la giustizia, Bill ha imparato ad affrontare meglio i suoi problemi incanalando la sua energia in qualcosa di buono: sia la sua ricerca della giustizia che una nuova famiglia. E così facendo, sia Bill che sua figlia imparano il valore del perdono verso se stessi. Allo stesso modo, Allison ha finalmente trovato un modo per superare il risentimento verso suo padre, mentre Bill riesce a vedere oltre gli errori di Allison e a comprendere le ragioni che l’hanno spinta ad andarsene.

Perché è cambiata l’opinione di Bill sull’Oklahoma?

Dopo che Bill e Allison hanno condiviso un momento commovente, con Allison che confessa il suo coinvolgimento nell’omicidio di Lina, i due condividono un momento solenne sulla veranda di casa loro. È la prima mattina che Allison trascorre a casa dopo anni e lei osserva che nulla è cambiato. La sua vecchia città natale è esattamente come la ricorda. Ma Bill non è d’accordo… nella sua battuta finale, il lavoratore stanco del mondo dice che nulla sembra più lo stesso. Ma cosa intende dire con questo?

L’intera visione del mondo di Bill è stata messa in discussione e cambiata dalla sua lotta per liberare sua figlia. Ha conosciuto Allison in un modo che non aveva mai conosciuto prima, rendendosi conto che sono persone molto diverse. E attraverso Virginie e Maya, Bill ha imparato a essere un uomo, un marito e un padre migliore. Un altro tema che viene toccato, in qualche modo sotto la superficie, è un messaggio sul bigottismo e l’intolleranza.

La maggior parte dei francesi guarda con disprezzo Bill, che, provenendo dalle città rurali del sud degli Stati Uniti, viene considerato un razzista arretrato e possessore di armi da fuoco. Bill ammette di avere molti amici nella sua città natale che nutrono atteggiamenti razzisti e, sebbene non esprima mai i propri sentimenti al riguardo, l’incontro con un francese che manifesta apertamente il proprio disprezzo per gli immigrati rende chiaro il messaggio. Dopo essere stato esposto a un’altra cultura e essersi innamorato della più socialmente consapevole Virginie, Bill torna con una prospettiva diversa sul mondo.

Bill ha ottenuto la redenzione che cercava?

La forza trainante di La ragazza di Stillwater potrebbe essere la ricerca di Bill per dimostrare l’innocenza di Allison, ma Bill rimane comunque il cuore della storia: un padre alla ricerca di un’altra possibilità per fare la cosa giusta per sua figlia. Nel corso del film scopriamo che Bill non è stato un buon genitore. Ha abusato di droghe e alcol, ha trascorso del tempo in prigione e raramente è stato presente per sua figlia durante la sua crescita. Lei non ha un rapporto solido con lui, soprattutto dopo la morte della madre, e anche quando emergono nuove prove nel suo caso, non si fida di lui.

Bill commette però un errore iniziale, mentendo ad Allison dicendole che il loro avvocato ha accettato di riaprire il caso, quando in realtà se ne sta occupando lui stesso, e questo allontana sua figlia. Ma quando lui dimostra ad Allison di esserci per lei, rimanendo in Francia per starle vicino, lei comincia a rendersi conto che forse lui sta davvero voltando pagina. E mentre lei rimane scettica sul fatto che lui non la deluderà di nuovo, Bill supera incredibili difficoltà per liberare Allison, e i due formano un legame padre-figlia che non avevano mai avuto prima, mentre Bill finalmente si riscatta agli occhi di sua figlia.

Come si rapporta il finale di La ragazza di Stillwater con la storia che lo ha ispirato?

La ragazza di Stillwater è stato fortemente ispirato dalla storia di Amanda Knox, un fatto che non è sfuggito alla critica e al pubblico. Ma mentre il film e la storia vera condividono molte somiglianze, ci sono diverse differenze sorprendenti, soprattutto nella conclusione del film. Allison Baker, come Amanda Knox, è una studentessa universitaria americana che studiava all’estero quando la sua compagna di stanza è stata assassinata. Come Knox, Baker è la principale sospettata dell’omicidio e viene processata, dichiarata colpevole e condannata a una lunga pena detentiva.

Come Knox, Allison viene infine rilasciata e scagionata da tutte le accuse quando emergono nuove prove. In La ragazza di Stillwater, tuttavia, alla fine si scopre che Allison era almeno in parte responsabile dell’omicidio della sua coinquilina. Ciò è in netto contrasto con quanto accaduto ad Amanda Knox. Condannata inizialmente per omicidio (tra le altre accuse) nel 2011, Knox è stata condannata a più di 20 anni di carcere insieme al suo fidanzato, Raffaele Sollecito, poiché i giurati ritenevano che Sollecito avesse tenuto ferma la vittima mentre Knox commetteva l’omicidio (come riportato dalla BBC News all’epoca).

Anni dopo, però, sono emerse nuove prove che hanno scagionato Knox dall’accusa di omicidio. Dopo una complicata serie di processi e appelli, Knox è stata finalmente dichiarata innocente nel 2015, mentre il ladro Rudy Guede è stato riconosciuto colpevole del crimine. A differenza di Allison, dopo la sua assoluzione definitiva non è mai stato insinuato che Knox avesse avuto alcun ruolo nell’omicidio.

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La premessa del film thriller Fuori dall’oscurità, del regista scozzese Andrew Cumming, è piuttosto semplice: un gruppo di persone che cerca di sopravvivere a un mostro nella natura selvaggia. Ma ecco l’aspetto emozionante: il film è ambientato nell’età della pietra, 45.000 anni nel passato, per l’esattezza. Questo aggiunge valore alla narrazione, che è ulteriormente rafforzata da una fotografia mozzafiato che si basa molto sui vasti terreni aperti della Scozia e su una tavolozza di colori morbosi. La pulsante colonna sonora di Adam Janota Bzowski è poi una vera e propria rivoluzione.

Si tratta sicuramente di un esperimento particolarmente intrigante, un film uscito nel 2022 passato fin troppo in sordina e che può ora essere riscoperto grazie al suo passaggio televisivo. Ciò che lo rende ancora più interessante, però, è che a circa un’ora dall’inizio, Fuori dall’oscurità si svela essere non un film di mostri! In questo articolo, approfondiamo dunque il finale della pellicola, con anche le parole del regista su questa controversa e sorprendente conclusione.

La trama di Fuori dall’oscurità

Fuori dall’oscurità inizia con una storia raccontata da un gruppo di vecchi Hoso Sapiens a dei giovani. Si dà il caso che sia la loro stessa storia. Sono un gruppo di sei persone: Adem (Chuku Modu), che è il leader e automaticamente l’equivalente alfa; suo fratello Geirr (Kit Young); Ave (Iola Evans), che porta in grembo il figlio di Adem; Heron (Luna Mwezi), il figlio di Adem; un uomo anziano (e saggio) di nome Odal (Arno Lüning); e una giovane vagabonda, Beyah (Safia Oakley-Green). Il gruppo ha raggiunto una nuova terra e spera di trovarvi cibo e riparo. Ma la terra è piena di sterminati altopiani e (molto probabilmente) di molti pericoli sconosciuti. Ma Adem è irremovibile e fiducioso sul posto.

Odal, invece, non è molto entusiasta di avventurarsi in questa terra sconosciuta, ma il leader non è disposto ad ascoltare né lui né altri. Con uno come lui a capo, le cose sono destinate ad andare male, ed è proprio così che va. Quando Adem e Geirr scoprono i resti insanguinati di un animale selvatico, capiscono che c’è qualcosa di pericoloso nei paraggi. Ma Adem è abbastanza sciocco da tenerlo nascosto al suo gruppo. Nel buio della notte, quando il gruppo sta morendo di fame, sentono un suono minaccioso provenire da una creatura che non riescono a vedere. La creatura si allontana poco dopo, ma nel giro di pochi secondi il gruppo si rende conto che Heron è sparito.

Adem decide allora di partire alla ricerca del figlio, soprattutto perché per lui è una questione di orgoglio. Così si addentra coraggiosamente nel bosco e il gruppo non ha altra scelta che seguirlo. Naturalmente, non ci vuole molto perché si rendano conto del terribile errore commesso dal loro leader quando Adem tenta di sferrare un attacco alla creatura, finendo pesantemente ferito e con gran parte del volto mutilato. Con Ave che soffre molto e tutti gli altri che muoiono di fame oltre ogni limite, Beyah suggerisce di uccidere Adem e consumarlo. Geirr è contrario a questa idea, ma Odal e Ave sono abbastanza pragmatici da approvarla ed eseguirla.

La verità sulla creatura nel bosco

Con la scomparsa di Adem, c’è un cambiamento di potere nelle dinamiche del gruppo e, nonostante Geirr voglia assumere il ruolo di leader, gli altri non sono troppo entusiasti dell’idea. Il “vecchio e saggio” Odal non vuole pensare a Geirr come a qualcosa di diverso dai muscoli. Ave, ovviamente, ha la sua importanza in quanto portatrice di una nuova vita. Ma Beyah è una randagia che potrebbe essere responsabile di aver portato il demone al gruppo. O almeno questo è ciò che pensa Odal. Egli sottolinea che la creatura li ha attaccati per la prima volta la notte in cui Beyah ha avuto le prime mestruazioni. Secondo Odal, il sangue delle mestruazioni è abbastanza forte da attirare la creatura come una calamita.

Alla luce di ciò, Ave si pone dalla parte di Odal e i due decidono di offrire Beyah al demone, sperando che li risparmi. Ancora una volta Geirr non è d’accordo, ma Odal lo mette subito al tappeto. Lui e Ave trattengono poi con forza Beyah e iniziano a chiamare la creatura. Ma Beyah riesce a sopraffarli e a scappare. La creatura, tuttavia, arriva e finalmente la si vede bene per la prima volta, svelando che assomiglia molto a un essere umano. Il segreto meglio custodito del film viene così svelato, chiarendo che si tratta di una donna di Neanderthal che indossa una maschera ed emette un suono simile a quello della creatura. Nello scontro, Odal e Ave vengono uccisi, con la donna che porta via il corpo di Ave.

La spiegazione del finale di Fuori dall’oscurità

Rendendosi conto che non c’è nessun mostro soprannaturale o altro, Beyah insegue la donna di Neanderthal. Viene però fermata nel suo inseguimento da Geirr, che ritiene che non si debbano attaccare i Neanderthal perché sono loro uguali. Ma Beyah crede che siano superiori, il che, storicamente parlando, non è sbagliato. Una volta scoperta la caverna del Neanderthal, Beyah scorge un maschio al di fuori di essa. Anche se l’uomo di Neanderthal è chiaramente più grande e più forte di lei, Beyah è abbastanza intelligente da vincere la battaglia e alla fine lo uccide. All’interno della caverna, trova la donna e, come è ovvio, anche Heron. Ma lui sembra in forma, in forma e, soprattutto, ben nutrito.

Beyah nota anche che il corpo di Ave è tenuto in modo rispettoso, il che fa pensare che i Neanderthal vogliano onorarla. Mentre sembra che Heron abbia trovato un rapporto con queste persone, Beyah non vuole correre il rischio e uccide la donna. Heron condanna l’atto, ma Beyah gli dice che questo è l’unico modo per sopravvivere. Tuttavia, la donna giunge presto alla conclusione che anche i Neanderthal, come loro, erano alla ricerca di una vita migliore e non volevano fare del male. E rendendo il nemico molto simile all’eroe, il regista confonde la dinamica tra predatore e preda, favorendo un terzo atto scioccante.

“Il film parla della paura”, ha affermato Cumming in un’intervista a Variety. “Una paura reale. La paura di un demone, di un mostro o di una tigre dai denti a sciabola che ti perseguita. Ma volevo che l’ultimo terzo del film fosse: “Ora sappiamo cos’è questa cosa. Sappiamo che possiamo ucciderla. E se non riusciamo a ucciderla, moriremo”. “Se siete un certo tipo di appassionati di horror e i primi due terzi di questo film sono un monster movie, posso capire che vi sentiate ingannati. Ma spero che la gente possa fare un passo indietro e pensare a ciò che accade dopo la rivelazione del secondo atto e prendere il film al suo valore nominale… Penso che sia un messaggio davvero potente”.

Si tratta di un messaggio senza tempo, aggiunge Cumming, simbolico del fatto che Fuori dall’oscurità è stato concepito durante le prime fasi della pandemia, quando la paura sembrava inghiottire la fiducia che le persone avevano l’una nell’altra. “Se le parole ‘45.000 anni fa’ non apparissero all’inizio del film, questo potrebbe essere il futuro”, insiste. “Potrebbe essere un mondo post-apocalittico in cui le persone stanno lottando per la sopravvivenza e continuano a fare gli stessi errori”.

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