In Futura, documentario italiano presentato in anteprima nel 2021 alla Quinzaine des Réalisateurs del Festival di Cannes, tre registi sono andati in giro per l’Italia a chiedere agli adolescenti come si vedevano nel futuro, cosa immaginavano sarebbe successo nelle loro vite. Le risposte sono state eclettiche: alcune molto corrette e professionali, altre più eccentriche e rarefatte. E, anche se i registi non hanno effettivamente preso parte alla trama del film, si può supporre che l’esperienza di connettersi e conversare con i bambini sul loro futuro deve aver permesso loro di vedere e comprendere qualcosa anche su se stessi.

C’mon C’mon: ecco a voi Johnny e Jesse

Qualcosa del genere accade anche in C’mon C’mon, il bellissimo, affascinante e malinconico film del regista di Begginers, Mike Mills, distribuito in Italia da Notorious Pictures in cui Joaquin Phoenix interpreta Johnny, un giornalista radiofonico di New York che viaggia per gli Stati Uniti intervistando bambini e ragazzi di diverse età, etnie, esperienze e classi sociali e chiedendo loro, tra le altre cose, come immaginano il loro futuro. L’ironia del caso è che lui, che ha più di quarant’anni, non sembra avere un’immagine chiara del suo. Un giorno, Johnny viene chiamato dalla sorella Viv, che non sentiva da tempo, per aiutarla con suo figlio Jesse di 9 anni, mentre lei deve prendersi cura del marito affetto da disturbo bipolare.

Questa è l’avventura che Mills racconta nei suoi semplici ma emotivamente potenti 110 minuti di girato. E’ un bianco e nero meravigliosamente espressivo quello che il DOP Robbie Ryan (un frequente collaboratore della regista britannica Andrea Arnold) imprime su ogni fotogramma urbano di cui si compone la pellicola; Detroit, New York, Los Angeles e New Orleans, sono protagoniste del documentario di Johnny quanto del film di Mike Mills, che combina la storia di questa “coppia male assortita” di zio e nipote alle prese con problemi pratici e personali, racconto di complessità umane ma anche cittadine. Mike Mills abbandona la cinepresa nelle mani del piccolo Jesse, consapevole che il suo sguardo fanciullesco e meravigliato, lo aiuteranno a cogliere al meglio le sfumature di esistenze e di città altrimenti percepite da Johnny come grigie, apatiche, uniformate.

Troviamo qui il profilo di Joaquin Phoenix più vicino all’interpretazione di Her, in un film paradossalmente anti-tecnologico, ambientato ai giorni nostri, ma che pretende di vivere nell’universo cinematografico di qualche anno fa, quando la tecnologia attirava i bambini, non veniva idolatrata, ma era percepita come ausilio di potenziamento dell’immaginazione dei più piccoli, ai cui occhi si spalancava la possibilità di conservare il divertimento, il gioco, la magia dei suoni e rumori. Immortalare il presente per poter svoltare il futuro, sembra suggerirci la schiera di adolescenti con cui Johnny interagisce quotidianamente; ma la comprensione dell’oggi è necessaria anche per gli adulti, irrigiditi nell’operare per qualcuno o in virtù di qualcosa, che hanno perso la concretezza tattile della città, quanto il furore emotivo del sogno, dell’immaginazione.

C’mon C’mon: Che padre voglio essere?

Sono fratello, padre, o zio? Johnny non riesce ad auto-collocarsi, timoroso di incespicare ancora tra rapporti frammentati, occasioni mancate, dialoghi spezzati. E’ stato un figlio amato, un fratello invidiato, e un amante dimenticato, ma non è ancora stato zio. Dall’altra parte, Jesse è figlio di una mamma, che riconosce anche come papà, ma sembra essere stato concepito dalla natura stessa, prima ancora di essere ricondotto a un nucleo familiare specifico, che rivendica incessante la sua sete imperitura di sopravvivenza. Il mondo infantile è vivo, instancabile e curioso, come grida a gran voce la stessa filmografia di Mills che, prima ancora di riconnettere Joaquin Phoenix con le radici primordiali dei rapporti umani in C’mon C’mon, aveva abilmente scannerizzato la figura di Alicia Vikander nel cortometraggio I Am Easy To Find, ricomponendola in un continuum filmico che la vedeva potersi esibire liberamente in tutta la sua fluidità di bambina, ragazza, donna.

Johnny e Jesse non gettano mai la presa in C’mon C’mon: vogliono conoscersi, ritrovarsi, amarsi. Il loro è un percorso esplorativo che si muove tanto all’esterno, quanto negli interni, suggellando la totale comprensività di ambienti, suoni e colori di cui un rapporto ha bisogno per fiorire, e che direzione dovrà prendere in futuro, tenendo conto dell’oggi, delle circostanze in cui ci troviamo. Che padri vogliamo essere, nei confronti dei nostri affetti e della nostra Terra? E noi ragazzi, chi vogliamo ci accompagni in questo percorso di crescita, tra le strade di una città che deve ancora appartenerci, diventare pienamente nostra casa?

Mike Mills risponde a tutti questi interrogativi ricordandoci l’importanza della scelta: possiamo, e dobbiamo, discernere, selezionare, anteporre, tanto per quanto riguarda i rapporti interpersonali quanto aprendo lo sguardo all’ordinarietà mutevole della città, che è casa non solo di esistenze comprovate e vissute, ma anche di nuove vite. Determinare la propria posizione nel cinema odierno significa produrre, incapsulare la veridicità della sfera famigliare, colorare il bianco e nero routinario scegliendosi, di giorno in giorno.

Dopo la prima stagione di Lol – chi ride è fuori su Amazon Prime Video, tutti conoscono Michela Giraud. Un anno dopo, la comica romana, diretta e irriverente, sbarca su una nuova piattaforma: con un’ora di show tutto suo, Michela si racconta all’audience di Netflix in La verità, lo giuro!, portando sul palco sia la sua ironia sia la sua storia personale.

La verità, lo giuro! by Michela Giraud

È cresciuta nel quartiere romano di Balduina, sentendosi sempre fuori luogo. Tra le ragazzine perfettamente esili e aggraziate, Michela Giraud e la sorella erano ”quelle strane”: una perché in carne, l’altra perché disabile. La comica riprende il suo disagio adolescenziale e ironizza su temi che, per lei come per molti, sono profondamente sentiti: i canoni di bellezza, la disabilità, la disparità di genere, la comunità LGBTQ+.

In La verità, lo giuro! Michela Giraud parla senza filtri e vuole provocare un po’ tutti, dai paladini del politicamente corretto ai maschilisti, dai romani ai milanesi. Tra battute graffianti, freddure e citazioni di un certo spessore, Giraud fa satira nel suo solito stile, tanto divertente quanto chiassoso.

Chi è Michela Giraud

Fatto curioso: Michela è la bisnipote di Alfredo, vicepresidente del Savoia ed è nipote di Raffaele, Michele e Giovanni, tre promesse del calcio degli Anni 30. Michela Giraud è nata nel 1987 ed è cresciuta nei quartieri di Roma nord, tra famiglie benestanti e piccolo borghesi. Dopo gli studi universitari, Giraud si iscrive all’Accademia nazionale d’arte drammatica Silvio D’Amico e nel 2015 entra nel cast di Colorado, evento che le ”cambia la vita”. Con la partecipazione alla prima edizione dello show di Prime Video LOL – Chi ride è fuori, Michela Giraud acquista ancora più visibilità.

Dal vivo la comica ha recitato in numerosi teatri e sale italiane, sia come stand-up comedian sia con i suoi spettacoli, tra cui ricordiamo Michela Giraud e altri animali. È attiva anche sul web: su YouTube, ha preso parte a un episodio della serie Vegan Chronicles, è stata al centro di diversi video di Educazione Cinica e anche della webserie MTV Involontaria.

L’attrice è oggi tra le 100 donne più di successo secondo Forbes: ha lavorato a teatro, in radio, in televisione (Comedy Central News, Le Iene, La TV delle ragazze) al cinema (I babysitter, Maschile singolare). È una comica pungente, che ama provocare il pubblico e trattare anche i temi più caldi con ironia: parla spesso di grassofobia e del maschilismo ancora diffuso in Italia.

Come nasce La verità, lo giuro!

Lo show che vediamo su Netflix nasce dallo spettacolo che Michela Giraud porta in giro per l’Italia nell’estate 2021, una stand-up comedy dal titolo “La verità, nient’altro che la verità, lo giuro!“. Sulla piattaforma è disponibile dal 6 aprile e l’ora di show che vediamo è stata registrata presso il Vinile di Roma.

Per tutti gli amanti dell’ironia provocante, irriverente e dark, per chi critica gli estremi del politicamente corretto, La verità, lo giuro! è lo spettacolo giusto. Michela sa stare sul palco, parla di sé e supera quelle che erano le sue insicurezze adolescenziali con audacia attraverso una comicità tutta personale, che a tratti può però risultare un po’ troppo rabbiosa.

Arriva direttamente dalla selezione ufficiale del Festival di Cannes 2021 Storia di mia moglie, della regista e sceneggiatrice ungherese Ildikó Enyedi, già vincitrice della Camera d’Oro nel 1989 con il suo esordio, Il mio XX secolo. Premiata anche a Berlino con l‘Orso d’oro nel 2017 per Corpo e anima, la regista sceglie qui di raccontare una storia d’amore intensa quanto travagliata, inquinata dal dubbio e da un rapporto di coppia perverso tra due figure molto diverse, che però, non possono che attrarsi.

La storia di Lizzy e Jacob 

Jacob Störr, Gijs Naber, è un capitano di marina olandese solitario e taciturno, sempre in giro per il mondo sulle sue navi. Tuttavia, ha la sensazione che alla sua vita manchi qualcosa. Finchè un giorno, un po’ per gioco, scommette col suo amico Kodor, Sergio Rubini, che sposerà la prima donna che entra nel bar dove i due stanno facendo colazione. Il caso, fortunato, vuole che si tratti della bella e spregiudicata Lizzy,  Léa Seydoux , che accetta senza porsi problemi la proposta di matrimonio del capitano. Ha inizio così una storia d’amore dominata dall’ossessione di lui per un possibile tradimento da parte di Lizzy, donna affascinante e libera. Storia contraddistinta da continui litigi e rappacificazioni. Un amore che li tiene legati, ma spesso lontani anni luce e comunque diversi. Questo amore sopravviverà alla gelosia? Il capitano Störr, gigante buono e uomo tutto d’un pezzo all’apparenza, in realtà fragile e disilluso, riuscirà a capire cosa vuole davvero?

Cinema e letteratura in Storia di mia moglie

È la prima volta che Ildikó Enyedi prende spunto da un’opera letteraria per un suo lavoro. Si tratta del romanzo La storia di mia moglie di Milán Füst, scritto nel 1942. Se il romanzo segue gli andirivieni della mente del protagonista, non si possono non ricordare, mentre si assiste alla visione del film, i capolavori che hanno rinnovato la narrativa del Novecento. Difficile non cogliere riferimenti letterari a Joyce e al suo Ulisse. In primis, Jacob è un capitano di marina, un navigante, come l’eroe omerico, che fa ritorno a casa, dove lo aspetta la sua donna. Ma Lizzy, più che una moderna Penelope, sembra una moderna Molly Bloom, moglie del protagonista dell’opera Joyciana, che forse tradisce il marito Leopold, ma dalla quale lui, finisce sempre per tornare. Non per nulla, il proprietario della casa che Jacob e Lizzy affittano ad Amburgo, interpretato da Josef Hader, si chiama proprio Leopold Bloome. Tra gli echi di Joyce, poi, troverà posto anche un’epiphany, un’apparizione.

Bravura dei protagonisti e cura della messa in scena in un’aura troppo enigmatica

Storia di mia moglie è senza dubbio un lavoro molto curato esteticamente, che a tratti ricorda perfino dei dipinti, grazie alla fotografia di Marcell Rév, ma anche ai costumi di Andrea Flesch

e alla scenografia di Imola Láng, che contribuiscono a creare un’ambientazione elegante e ricostruiscono benissimo epoca e luoghi – Parigi, Amburgo.  Il protagonista ha la solidità rassicurante che ci si aspetta da un capitano di marina: robusto, coraggioso e buono, quanto fragile nel rapporto con Lizzy. Lei è una perfetta dama anni ’20, estroversa, esuberante e libera. La vicenda è centrata sul rapporto malato tra i due, che diventa per Jacob ossessione del tradimento in sua assenza, ansia di non riuscire ad afferrare l’essenza di questa donna, pagando il peccato originale di averla sposata senza conoscerla. All’interno di questa ossessione si snodano corsi e ricorsi di una storia ciclica, allontanamenti e riavvicinamenti, in un gioco in cui, appena la coppia sembra aver trovato un equilibrio, tutto torna al punto di partenza. La regista sa rendere bene la perversione del legame, ma il film soffre della mancata evoluzione dei personaggi. Al suo posto, una eterna circolarità.

Per quel che riguarda le interpretazioni, Gijs Naber è molto espressivo, riesce a trasmettere al pubblico sensazioni ed emozioni, pur sotto la dura scorza del suo personaggio, c’è in lui della verità.  Léa Seydoux si trova qui a proporre un personaggio che, visto dagli occhi di Jacob, appare come una mantide, una creatura felina, sfuggente e intrigante, che però riesce sempre a ricondurlo a sé. Tuttavia, questo tipo di personaggi che non le sono nuovi, risultano un po’ troppo affettati, di maniera, come è accaduto di recente con il personaggio di Madeleine, compagna di Bond nell’ultimo No time to die. Manca un po’ quell’autenticità che porta al coinvolgimento e che l’attrice certo ha nelle sue corde. Vi sono poi diverse partecipazioni di rilievo, anche italiane. Accanto a un bravissimo Sergio Rubini, perfetto nel ruolo dell’amico Kodor, faccendiere intrallazzone, troviamo Jasmine Trinca nei panni di Madame Cobbet. Ad interpretare Dedin, l’amante – o presunto tale – di Lizzy, troviamo Louis Garrel che ben caratterizza un personaggio doppio e infido.

Pur potendo contare su un cast e interpretazioni di tutto rispetto, il film soffre però di molti non detti, cenni che non vengono chiariti, allusioni. Se all’inizio questi alimentano la curiosità dello spettatore e lo fanno entrare nei panni del protagonista – che quasi nulla sa della donna che ha sposato e tutto vorrebbe scoprire – poi restano irrisolti, lasciando dubbi e più di qualche buco narrativo.

Storia di mia moglie è un lavoro esteticamente pregevole, da vedere al cinema, godendo di tutte le potenzialità del grande schermo. È adatto a chi ama le storie in costume – con un’ambientazione anni Venti. È ricco di riferimenti interessanti e tenta un viaggio intrigante nella mente dei due protagonisti, soprattutto di Jacob, alla ricerca di un equilibrio difficilissimo in un amore contorto e malato. Forse, però, come il Leopold Bloom di Joyce, il film si perde un po’ nel suo peregrinare, in un dipanarsi lungo e ricorsivo, infine statico, come il suo protagonista, che sembra tornare al punto di partenza, senza una nuova consapevolezza di sé.

Storia di mia moglie è una co-produzione ungherese, italiana e tedesca. Prodotto da Inforg M&M Film, National film institute Hungary, Palosanto Films con Rai Cinema, Komplizen Film, in associazione con Pyramide Productions e distribuito da Altre Storie, è visibile solo al cinema dal 14 aprile.

Indicata come una delle registe più significative e originali del nuovo cinema inglese, Clio Barnard ha negli anni realizzato opere molto diverse ma legate sempre da alcuni temi ricorrenti. Dal documentario d’invenzione The Arbor, alla favola realista The Selfish Giant e fino al dramma psicologico Dark River, le sono bastati pochi titoli per affermarsi a livello internazionale. A cinque anni dal suo ultimo lungometraggio, arriva ora in sala il suo nuovo film: Ali & Ava – Storia di un incontro. Da lei anche scritto, è questo un racconto sospeso tra immaginazione e ruvido realismo, alla ricerca di quei posti nel mondo che sono invisibili agli occhi.

Protagonisti di questo melodramma sono Ava e Ali. Lei è un’assistente scolastica, vedova e madre di due figli ormai adolescenti. Lui è invece un ex dj di origini bengalesi con un matrimonio doloroso alle spalle, il quale si guadagna ora da vivere come gestore di appartamenti. Ognuno con la propria vita, i propri problemi e i propri ritmi, Ali e Ava si incontrano per caso e sul loro incontro si costruisce il cuore del film. Un incontro che conduce ad una seduzione, poi ad una relazione, naturalmente mal vista da quanti intorno a loro, nella cittadina di Bradford. A legarli profondamente vi è la musica, la passione per il ballo, la voglia rinnovata di amare e trovare qualcosa di romantico nelle rispettive vite.

Sull’amore oltre ogni cosa

Con Ali & Ava – Storia di un incontro, la Barnard torna per la terza volta nello Yorkshire, dove è cresciuta, e in particolare nella cittadina di Bradford, dove erano ambientati anche i film The Selfish Giant e Dark River. Ancora una volta, dunque, la regista racconta quei luoghi, quelle strade, quegli ambienti di periferia dove sembra non poter avvenire nulla di eclatante. L’incontro che avviene tra i due personaggi del titolo sembrerebbe non avere nulla di particolarmente nuovo o diverso rispetto a tante altre storie simili. Eppure, da quest’apparentemente banale evento nasce una storia d’amore attraverso la quale si animano riflessioni valide per ogni spettatore.

Se da un lato una delle questioni centrali del film è l’opposizione di quanti non vedono di buon occhio la relazione tra Ali & Ava, per motivi di età, di etnia e di stato civile, dall’altra vi è la rappresentazione di un amore che non conosce barriere e si spinge oltre ogni ostacolo. La musica che unisce i due protagonisti diventa l’unica rappresentazione possibile di quel linguaggio comune che permette loro di comprendersi, accettarsi e amarsi. Ecco perché le scene che hanno proprio la musica come protagonista risultano non solo tra le più belle del film, ma anche perfettamente comprensibili, proprio sulla base di quella capacità di quest’arte di farsi linguaggio universale, attraverso cui poter comunicare emozioni e stati d’animo meglio delle parole.

Ali & Ava – Storia di un incontro: la recensione del film

Sulla base di quanto fin qui detto, Ali & Ava – Storia di un incontro, potrebbe dare l’idea di essere un film “etereo”, sospeso in una dimensione quasi onirica e frutto dell’interiorità dei due protagonisti. In realtà c’è ben più che questo e con uno sguardo profondamente realista, in particolare sugli aspetti meno piacevoli del racconto, la regista ci ricorda del contesto in cui tale incontro si colloca. Si genera dunque uno scontro tra bello e brutto che è anche uno degli elementi di forza del film. Gli stessi protagonisti, interpretati da due straordinariamente bravi Adeel Akhtar e Claire Rushbrook, sono delle personalità che sfuggono ai canoni estetici che si è fin troppo spesso abituati a vedere sul grande schermo.

La magia del film, che va di pari passo con il messaggio che la Barnard vuole trasmettere, è quello di come l’amore abbia il potere di rendere vivi e dunque bellissimi al di là di tutto. Ali & Ava – Storia di un incontro è un film sulla forza dell’amore, di come questo sentimento possa ridare forza anche a chi ha subito fin troppi duri colpi nel corso della propria esistenza. È un film “piccolo”, con una storia semplice e probabilmente vista tante volte in tante declinazioni diverse. La forza e l’energia che la Barnard sprigiona con quest’opera supera però di gran lunga le dimensioni del racconto. Da una visione come questa si esce dunque arricchiti, colmi di una rinnovata vitalità.