Un ladro bloccato dentro un SUV “intelligente”, un proprietario che orchestra a distanza la punizione. Locked – In Trappola (in sala dal 20 agosto con Eagle Pictures) mette in scena una fantasia di controllo totale che sfida una domanda scomoda: quando la giustizia diventa vendetta?
Che cos’è il vigilantismo (e cosa non è)
Per “vigilantismo” intendiamo l’esercizio privato della punizione: un cittadino si sostituisce a indagine, processo e sanzione. Non va confuso con la legittima difesa (reazione immediata a un’aggressione per evitare un danno), né con la semplice segnalazione alle autorità. Il vigilante decide colpa e pena, spesso a freddo, fuori da garanzie e proporzionalità.
Il caso Locked: giudice e boia dentro un abitacolo
Nel film la tecnologia (chiusure, comandi remoti, sorveglianza) rovescia i ruoli: il “proprietario” trasforma l’auto in spazio punitivo privato. Il problema etico non è solo “quanto soffre” il ladro, ma chi decide che debba soffrire, con quali limiti e quali controlli. Tre nodi critici:
Proporzionalità: il furto/effrazione giustifica una punizione fisica?
Dignità e diritti: anche il colpevole mantiene diritti fondamentali (cura, integrità, possibilità di difendersi).
Errore e abuso: la “certezza” del vigilante può essere sbagliata; la tecnologia amplifica l’asimmetria di potere.
Utilitarismo (esiti): se il vigilantismo riduce furti, potrebbe sembrare “utile”. Ma genera effetti collaterali: spirale di violenza, emulazione, errori d’identità, erosione della fiducia nella giustizia.
Deontologia (principi): punire senza due process viola regole morali e civili indipendenti dagli esiti; trattare una persona solo come mezzo (di deterrenza) è inaccettabile.
La tecnologia come “moltiplicatore morale”
Telecamere, blocchi digitali, comandi remoti: strumenti pensati per sicurezza e assistenza possono diventare leve punitive se usate con intenzione vendicativa. Il film estremizza (sedili “a scossa”), ma intercetta tensioni reali: tra sorveglianza domestica (dashcam, “sentry mode”), ansia securitaria e desiderio di “giustizia immediata”.
Archetipi e paragoni nel cinema
Dal vigilante punitivo (Death Wish) all’angelo sterminatore urbano (Taxi Driver), fino agli home-invasion rovesciati (Don’t Breathe, Hard Candy) e all’originale argentino 4×4, il genere interroga da decenni il confine tra protezione e sopraffazione. Locked innesta questa tradizione nella one-location ad alta tensione e in un presente dove l’high-tech sembra autorizzare “micro-sovranità” private.
La domanda che resta allo spettatore
Il film invita a un test etico personale: quanto siamo disposti ad accettare quando la vittima ci somiglia e il colpevole appare “prendibile”? E cosa succede al patto sociale se normalizziamo punizioni fai-da-te, magari “mediate” da app e sensori?
Verdetto etico (senza spoiler)
Locked – In Trappola funziona perché rende seducente l’idea di controllo assoluto; ma la seduzione è parte del problema. Se il cinema mette comodo lo sguardo, l’etica ci chiede il contrario: scomodarci, distinguere tra difesa e vendetta, tra sicurezza e abuso. Il resto lo decide la sala: 20 agosto.
Nell’atto finale di I Fantastici Quattro: Gli Inizi (qui la nostra recensione), Sue Storm, interpretata da Vanessa Kirby, ha dimostrato come mai viene spesso indicata come il membro più potente della Prima Famiglia Marvel quando ha spinto Galactus nel teletrasporto che lo ha spedito a milioni di anni luce dalla Terra.
Tuttavia, spingendo i suoi poteri al limite, la Donna Invisibile ha sacrificato la sua vita per salvare non solo suo figlio, ma l’intero pianeta. È stato un momento fondamentale per il personaggio, che a quanto pare avrà conseguenze anche in Avengers: Doomsday.
MovieWeb ha recentemente incontrato Vanessa Kirby per parlare del suo nuovo film Netflix, Night Always Comes, e l’attrice ha spiegato come la morte di Sue (e la resurrezione, per gentile concessione del piccolo Franklin Richards) stia influenzando il suo approccio nei confronti di Sue nel prossimo film di Avengers.
“Ho pensato molto, lavorando su Avengers e altre cose, a come qualcuno che ha vissuto, nell’arco di una settimana circa, qualcuno che ha partorito, è morto ed è tornato in vita”, ha spiegato, “[e] come un’esperienza di morte del genere ti cambierebbe.” Vanessa Kirby ha aggiunto: “Ho ascoltato molte persone che hanno avuto questo tipo di esperienze e cosa hanno imparato, e quindi quanto siano diverse dopo essere tornate indietro.”
La star di Mission: Impossible sta chiaramente puntando tutto su questo personaggio, e Avengers: Doomsday esplorerà sicuramente anche l’accesso di Franklin al Potere Cosmico, e il fatto che sia abbastanza potente non solo da resuscitare i morti, ma anche da creare nuove realtà (se segue le orme della sua controparte nei fumetti).
La scena post-credit di I Fantastici Quattro: Gli Inizi si è svolta quattro anni dopo la morte di Sue, ma ha suggerito che Franklin fosse molto intelligente. Sebbene non sia confermato, si pensa che il Dottor Destino gli abbia chiesto di curare il suo volto sfregiato, un punto della trama che dovrà sicuramente essere approfondito il prossimo dicembre.
Nia DaCosta ha commentato le ragioni per l’insuccesso di The Marvels del 2023, che incassando solo poco più di 200 milioni di dollari in tutto il mondo, si è aggiudicato il dubbio onore di essere il film con il minor incasso di sempre dei Marvel Studios. Il sequel dell’MCU si è certamente rivelato controverso, ma lo stesso si può dire di Captain Marvel, che ha invece incassato un miliardo di dollari quando è uscito nel 2019.
Parlando con THR della sua esperienza con 28 anni dopo: The Bone Temple, la regista Nia DaCosta ha suggerito che il problema principale di The Marvels risiedesse nella sceneggiatura.
“Realizzare il sequel di 28 anni dopo è stata una delle migliori esperienze cinematografiche che abbia mai avuto. Uno dei problemi che ho avuto con Candyman e Marvels è stata la mancanza di una sceneggiatura davvero solida, che avrebbe sempre rovinato l’intero processo. Ma Alex Garland ti consegna una sceneggiatura e tu dici: ‘È fantastica’. Non devi cambiarla, anche se l’ho fatto, in pratica ho chiesto più infetti. [Ride.] Quello è stato, tipo, il mio grande contributo.”
“Ho ereditato un cast fantastico, poi mi è stata data la libertà di scegliere il cast per il resto del film”, ha continuato. “C’erano un paio di location che ho ereditato. Mi è stata data la libertà di sviluppare tutte le altre location. Alcune si sovrapponevano, come il personaggio di Sansone: io e Danny collaboravamo un po’ sull’aspetto, ma alla fine, Danny gira in modo completamente diverso dal mio.”
In un’altra intervista con Deadline di inizio anno, DaCosta ha rivelato che la versione del film che abbiamo visto al cinema era molto diversa da quella che ha girato.
The Marvels è molto diverso dal film girato da Nia DaCosta
“Avevano un appuntamento, stavano preparando alcune cose, e bisognava semplicemente lasciarsi trasportare dal processo con decisione. Il modo in cui realizzano quei film è molto diverso dal modo in cui, idealmente, realizzerei un film, quindi bisogna semplicemente lasciarsi trasportare dal processo e sperare nel meglio. Il meglio non è successo questa volta, ma bisogna avere fiducia nella macchina.”
“È stato interessante perché c’è stato un momento in cui mi sono detta: ‘Ok, questo non sarà il film che avevo proposto o la prima versione del film che ho girato’, quindi ho capito che questa è un’esperienza, una curva di apprendimento, e ti rende davvero più forte come regista in termini di capacità di orientamento.”
Da allora non abbiamo più visto Carol Danvers o i suoi amici superpotenti, ma si prevede che torneranno tutti per Avengers: Secret Wars (non siamo ancora sicuri di Doomsday).
Con Warfare – Tempo di Guerra, Alex Garland e Ray Mendoza firmano probabilmente la rappresentazione più cruda e accurata dell’esperienza del fronte di guerra contemporaneo. Siamo lontani dalle lande desolate e dalle terre di nessuno di Niente di Nuovo sul Fronte Occidentale di Edward Berger. Warfare ci porta nella guerra di oggi, quella che si combatte nelle case e per le strade. La respiriamo insieme alla polvere della confusione che deflagra subito dopo l’inizio dello scontro. Lo spettatore sente l’odore acre della cordite, il ferro del sangue nella gola. Non c’è scampo, se non quello offerto dalle luci di sala a fine proiezione. L’esperienza è tanto fisica quanto emotiva, un’immersione nel caos che richiama gli incubi collettivi evocati da Steven Spielberg nei primi minuti di Salvate il soldato Ryan.
Un’esperienza sensoriale senza scampo
Tradizionalmente, il cinema bellico tende a giustificare la sofferenza attraverso cornici di senso: patriottismo, eroismo, redenzione. Garland e Mendoza infrangono deliberatamente questa regola non scritta. Warfare – Tempo di Guerra non offre né bandiere sventolanti né melodrammi consolatori. Al contrario, priva lo spettatore di ogni appiglio emotivo convenzionale: niente backstory, niente monologhi, nessuna costruzione di personaggi a cui aggrapparsi. Nessuna identità: i Navy SEALs che seguiamo potrebbero essere chiunque, e proprio in questo anonimato sta la loro forza. La guerra non ha bisogno di essere romanzata o drammatizzata: è già, di per sé, un incubo sufficiente.
La storia vera di una giornata qualunque
La vicenda narrata è tratta dalle memorie dello stesso Mendoza, ex Navy SEAL rimasto intrappolato con la sua squadra a Ramadi nel 2006. Non una “battaglia storica” in senso tradizionale, ma un episodio reale, di quelli che non finiscono sui libri ma che segnano in maniera indelebile chi li ha vissuti. Ed è proprio in questa scelta di concentrarsi su un evento circoscritto, apparentemente marginale, che il film trova la sua radicalità: non la grande Storia, ma la microstoria di uomini costretti a sopravvivere a una giornata infernale, dove procedure e protocolli collassano sotto la pressione del fuoco nemico.
Il sodalizio tra Garland e Mendoza funziona a meraviglia. Garland porta la sua visione estetica e la precisione chirurgica del linguaggio filmico; Mendoza fornisce l’esperienza diretta, la memoria muscolare della guerra, guidando gli attori verso una fisicità credibile e priva di retorica. Ne risulta un’opera “a quattro mani” in cui la grammatica del cinema incontra la verità del ricordo e dell’esperienza diretta. Non c’è invenzione drammaturgica: tutto è basato su testimonianze, e la scrittura si riduce al minimo indispensabile.
Se i nomi coinvolti – da Will Poultera Joseph Quinn, da Charles Melton a Cosmo Jarvis fino a Kit Connor – sono tra i più promettenti della nuova generazione, il film non concede spazio a protagonismi individuali. Nessuno domina la scena, perché la forza di Warfare – Tempo di Guerra è la coralità. I soldati sono un organismo unico, un corpo collettivo che si muove tra attese interminabili e esplosioni improvvise. Le dinamiche di gruppo, più che i singoli destini, diventano la vera sostanza narrativa. Lo spettatore non “conosce” i personaggi: li vive, li subisce insieme al resto della squadra.
Oltre le convenzioni del war movie
La struttura del film è esemplare nella sua semplicità. La prima mezz’ora è fatta di attesa: un appartamento occupato a Ramadi, il silenzio interrotto da rumori lontani, la tensione che cresce a ogni sussurro. Poi, improvvisamente, l’inferno: Al-Qaeda attacca e non c’è più tregua. Da quel momento fino ai titoli di coda, Warfare – Tempo di Guerra è un corpo a corpo continuo, girato quasi in tempo reale, senza momenti di respiro. Lo spettatore è incatenato a quei soldati, costretto a condividere ogni proiettile, ogni scheggia, ogni urlo.
Il realismo è la cifra assoluta del film. La macchina da presa alterna sguardi composti e studiati a momenti convulsi, in cui sembra di dover schivare fisicamente i colpi. Il sonoro è una tortura necessaria: esplosioni che scuotono la sala, urla che lacerano l’udito, il rombo degli aerei che sembra spezzare l’aria stessa. Nessuna colonna sonora a guidare l’emozione: la guerra non ha bisogno di archi o ottoni. Non c’è epica, non c’è scopo, solo la disperata ricerca della salvezza.
Nonostante la prospettiva americana, Warfare – Tempo di Guerra non cade mai nella trappola della glorificazione. Non ci sono eroi, non c’è nobiltà, non c’è senso. C’è solo l’assurdità della sopravvivenza, la casualità di chi cade e chi si salva. In questo, il film si avvicina più al cinema documentario che al cinema hollywoodiano di guerra. La scena finale, con una donna irachena che domanda ai soldati “Perché?”, senza ricevere risposta, riassume l’intero spirito dell’opera: la guerra è un enigma senza soluzione, un vortice che inghiotte senza dare spiegazioni.
Un anti-war movie radicale
Il rischio, per alcuni spettatori, sarà di percepire il film come alienante, troppo distante dai codici narrativi rassicuranti del genere. Ma è proprio qui che risiede la sua grandezza: Warfare – Tempo di Guerra non consola, non spiega, non giustifica. Ti trascina dentro e ti lascia esausto, svuotato, con più domande che risposte. È un’esperienza che scuote il corpo prima ancora che la mente, ma che proprio per questo resta impressa con una forza rara.
Alla fine, ciò che resta nello spettatore è un senso di sgomento, ma anche di gratitudine per un’opera che ha il coraggio di guardare la guerra senza veli, né abbellimenti. Warfare – Tempo di Guerra è un film duro, essenziale, a tratti insostenibile. Non fa propaganda, non cerca consensi: mostra e basta. Ed è in questa purezza che trova la sua verità più profonda. Un lavoro rispettosamente spietato, che ridefinisce i confini del war movie contemporaneo.
Ideata da Graham Wagner e Geneva Robertson-Dworet, la serie Prime Video è come noto un adattamento della serie di videogiochi Bethesda, che mette i giocatori nei panni di diversi personaggi che esplorano un’America post-apocalittica ora conosciuta come The Wasteland.
La prima stagione della serie era incentrata sulla vivace Lucy, abitante del Vault, alla ricerca del padre rapito nella zona di Los Angeles, che la metteva in conflitto con un leggendario cacciatore di taglie Ghoul e un aspirante scudiero della Confraternita d’Acciaio. Anche se alla fine trova suo padre, Lucy scopre che lui e Vault-Tec sono responsabili della Grande Guerra che ha distrutto il mondo.
Con Ella Purnell, Walton Goggins e Aaron Moten nei ruoli principali, la prima stagione è diventata subito un successo per Prime Video, ottenendo grandi consensi dalla critica e diventando il secondo titolo più visto nella storia della piattaforma. Oltre ad essere stata rinnovata per la seconda stagione nello stesso mese della sua uscita, Fallout è già stata rinnovata anche per la terza stagione.
A pochi mesi dalla fine delle riprese del prossimo capitolo della serie, IGN ha ora pubblicato il primo poster della seconda stagione di Fallout. L’immagine chiave offre un assaggio del ritorno di Lucy, Maximus e del Ghoul mentre attraversano la Zona Contaminata alla ricerca del padre di lei a New Vegas, con il cartello della città e la città stessa visibili sullo sfondo. L’annuncio è stato accompagnato dalla notizia che la seconda stagione uscirà a dicembre.
Netflix ha rinnovato Dept. Q per una seconda stagione. La serie vede Matthew Goode nei panni di Carl Morck, ispettore capo di Edimburgo. Secondo la sinossi ufficiale, Carl “è un poliziotto brillante ma un pessimo collega”, che sopravvive a una sparatoria in cui muore un giovane agente e il suo collega rimane paralizzato. Traumatizzato, viene relegato a essere l’unico membro dell’unità casi irrisolti del dipartimento di polizia, ma inaspettatamente “inizia a creare una banda di derelitti e vagabondi che hanno tutto da dimostrare”. Insieme, iniziano a svelare il caso del procuratore scomparso Merritt Lingard (Chloe Pirrie). Alexej Manvelov, Kelly Macdonald e Leah Byrne recitano insieme a Goode e Pirrie.
Dept. Q è basato sulla serie di romanzi polizieschi di Jussi Adler-Olsen “Department Q”. La prima stagione è stata presentata in anteprima a maggio ed è stata generalmente ben accolta, con un punteggio dell’88% su Rotten Tomatoes e una permanenza di sei settimane nella Top 10 di Netflix.
Scott Frank scrive e dirige la serie, ed è produttore esecutivo insieme a Rob Bullock tramite Left Bank Pictures e Charlotte Moore. Mona Qureshi e Manda Levin sono i dirigenti che supervisionano la produzione per Netflix. Come la prima stagione, anche la seconda stagione sarà girata a Edimburgo.
“Non vediamo l’ora di tornare a Carl Morck e alla sua banda di gloriosi disadattati del ‘Dipartimento Q’“, hanno dichiarato Qureshi e Manda Levin in una nota. “Scott Frank ci ha offerto una narrazione di prim’ordine e ha entusiasmato il pubblico Netflix di tutto il mondo. Non vediamo l’ora di scoprire cosa scopriranno Morck e la sua banda nella seconda stagione… Edimburgo, siamo tornati.“
“Quindi, stiamo scendendo al piano di sotto per la seconda stagione di ‘Dept. Q’. Noi della Left Bank Pictures attendiamo con ansia ciò che Scott ha in serbo per il suo alter ego Carl Morck e per gli altri membri del team, che ci aiutano a vicenda“, ha detto Bullock. “Rendiamo omaggio a Netflix per il coraggio di lasciarli andare ancora una volta“.
“Sono grato a tutti quelli di Netflix, così come al nostro brillante cast e alla nostra troupe, per aver rischiato ancora una volta la carriera per assecondare la mia follia“, ha detto Frank.
“Vorrei ringraziare Netflix per averci dato l’opportunità di approfondire le trame di Department Q“, ha detto Goode. “Abbiamo un cast e una troupe meravigliosi, guidati dal nostro genio Scott Frank. Non vedo l’ora di leggere cosa uscirà dalla sua penna magica!“
Il regista premio Oscar Guillermo del Toro adatta il classico racconto di Mary Shelley su Victor Frankenstein, uno scienziato brillante ma egocentrico che dà vita a una creatura in un esperimento mostruoso che sarà la rovina sia del creatore stesso che della sua tragica creazione.
Netflix ha annunciato le date di uscita di Frankenstein tramite X. Frankenstein sarà distribuito in sala in edizione limitata a partire dal 17 ottobre 2025 e sarà disponibile su Netflix poco dopo, a partire dal 7 novembre. Netflix raramente distribuisce i suoi film originali nelle sale cinematografiche, ma fa un’eccezione per quelli che richiedono un’esperienza cinematografica completa. Dai un’occhiata al post e ai nuovi poster del film qui sotto:
L’annuncio di Netflix che distribuirà Frankenstein nelle sale cinematografiche prima che arrivi sulla piattaforma di streaming un mese dopo è una mossa significativa da parte del servizio di streaming. Questo tipo di distribuzione è un chiaro segno della fiducia di Netflix nel progetto, e probabilmente è dovuto al fatto che Guillermo del Toro è in corsa agli Oscar, aumentando le possibilità di Frankenstein di essere nominato.
Per i fan di lunga data di del Toro, questo film rappresenta molto più di un semplice adattamento: è un ritorno al horror gotico nella sua forma più pura, che combina temi che il regista ha esplorato per decenni. Inoltre, le date di uscita nelle sale a metà ottobre e in streaming all’inizio di novembre collocano Frankenstein in una posizione perfetta per la stagione di Halloween, il che non fa che aumentare l’attesa per questo evento cinematografico.
Denzel Washington parla con sincerità della cultura del “cancellare” nella società odierna, offrendo una risposta ponderata. Noto soprattutto per la serie The Equalizer e per film come Training Day (2001), The Book of Eli (2010) e Flight (2012), Washington rimane uno degli attori più amati e celebrati di Hollywood e attualmente è possibile vederlo in Highest 2 Lowest (2025) di Spike Lee.
Tuttavia, per quanto rispettabile possa sembrare una figura di Hollywood, gli ultimi anni hanno dimostrato che nessuno è immune alla cultura del “cancellare”, con movimenti che spesso prendono piede sui social media a causa di foto o commenti di attori o registi. Washington finora è rimasto immune da questo fenomeno dannoso.
Durante una recente intervista con Complex, Washington è stato chiesto direttamente del suo rapporto con l’opinione pubblica e l’attore ha chiarito che non è qualcosa che gli interessa molto. Ecco il suo commento:
“Chi se ne frega? Cosa ha reso il sostegno del pubblico così importante, tanto per cominciare? Non si può guidare e seguire allo stesso tempo, e non si può seguire e guidare allo stesso tempo”.
Washington prosegue spiegando che l’unica cosa che segue è la sua religione e che il trucco per evitare la cultura del cancellare è quello di non “iscriversi” in primo luogo:
“Non puoi essere cancellato se non ti sei iscritto. Non iscriverti”.
Cosa significa questo per Denzel Washington
Evidentemente, l’approccio di Washington alla cultura della cancellazione e all’opinione pubblica ha funzionato per lui e per la sua carriera. Sebbene abbia vinto solo due Oscar nel corso della sua lunga carriera, continua a essere regolarmente nominato per il suo lavoro ed è ampiamente considerato un peso massimo di Hollywood per le sue interpretazioni e la legittimità che conferisce ai progetti.
Highest 2 Lowest ha ricevuto recensioni molto positive sia dalla critica che dal pubblico finora, e la quinta collaborazione di Washington con Lee sembra già un successo assicurato. Prima di questo ultimo thriller, Washington è stato ampiamente celebrato come la parte migliore del controverso Il Gladiatore 2 (2024) di Ridley Scott.
Il film di Scott ha fatto seguito alla calorosa accoglienza riservata a The Equalizer 3 (2023), che ha ottenuto un successo al botteghino quasi identico a quello dei due predecessori, indicando che c’è un pubblico fedele per Washington in questo tipo di ruolo. L’attore ha persino annunciato che The Equalizer 4 e 5 sono in fase di sviluppo.
Tutto questo per dire che Washington sembra aver capito come funzionano le cose, e non preoccuparsi di come il pubblico lo vede è una strategia vincente. Questo non significa che Washington non dirà o farà qualcosa in futuro che susciterà critiche, ma è chiaro che non gli importerà se ciò accadrà.
Butterfly di Prime Video sembra quasi concludersi con una nota positiva prima di introdurre un enorme colpo di scena che apre la strada a un altro episodio. Prima che inizino i titoli di coda del drama di spionaggio di Prime Video, gli spettatori rimangono con molte domande sul destino della moglie di David e sulla sorte di sua figlia Rebecca.
Nei primi minuti, Butterfly presenta Daniel Dae Kim (famoso per Lost) nei panni di David Jung, che parte per salvare sua figlia Rebecca, un’assassina, da una donna di nome Juno. Juno, che per molto tempo ha creduto che suo padre fosse morto, scopre con sorpresa di essere stata ingannata per tutta la vita sul suo destino.
Con questo, David cerca di salvare Rebecca da Juno, che lo ha costretto a fingere la sua morte e ha addestrato Rebecca a diventare un’assassina. Allo stesso tempo, cerca anche di sistemare il suo rapporto compromesso con la figlia, sperando che lei capisca che ha finto la sua morte per proteggerla. Tutto sembra finire bene per David e la sua famiglia nei momenti finali di Butterfly, prima che le cose prendano una piega oscura.
Cosa è successo a Rebecca nel finale di Butterfly
Il finale di Butterfly suggerisce il tradimento di Rebecca
Con l’aiuto di Rebecca, David riesce a sopraffare Juno e tutto sembra finire bene per lui e la sua famiglia. Prima della fine dello spettacolo, si rilassa con sua moglie, la figlia minore e Rebecca in un ristorante, progettando di trasferirsi negli Stati Uniti per iniziare una nuova vita. Tuttavia, si rende conto che qualcosa non va quando Rebecca e sua moglie vanno in bagno e non tornano più.
Quando va a controllare, trova sua moglie sul pavimento con un profondo taglio sotto la scapola. Si accorge subito che Rebecca è scomparsa, il che lo porta a chiedersi se lei lo abbia tradito e ucciso sua moglie. Considerando la significativa catarsi che Rebecca ha vissuto in Butterfly, sembra improbabile che abbia tradito suo padre.
Butterfly è basato sulla serie di graphic novel della Boom! Studios creata da Arash Amel e Marguerite Bennett.
Prima di andare in bagno con Eunju, sembra notare che c’è qualcosa di strano in un cameriere del ristorante. Questo la spinge a seguire Eunju in bagno. Anche se la serie non rivela cosa sia successo dopo, Rebecca sembra aver cercato di salvare Eunju dal cameriere che l’ha aggredita.
L’assenza di Rebecca nella scena finale suggerisce che l’aggressore sia riuscito a sopraffarla e rapirla, oppure che lei sia uscita per inseguirli dopo che hanno aggredito Eunju. Indipendentemente da ciò che è successo, la sua assenza farà dubitare David della sua fiducia in lei.
Chi ha aggredito Eunju nel finale di Butterfly?
Considerando che Rebecca è andata in bagno con Eunju nei momenti finali di Butterfly, è difficile non sospettare che possa averla aggredita. In una sequenza precedente, Rebecca ha persino mostrato pietà verso Juno, affermando che era stata una parte importante della sua vita. Queste sequenze sollevano molte domande sulle sue motivazioni.
Tuttavia, sembra improbabile che abbia cercato di uccidere la moglie di David dopo tutto quello che hanno passato durante l’intera stagione. È probabile che, dopo essere stata risparmiata, Juno abbia assunto qualcuno per attaccare David e la sua famiglia. Rebecca ha cercato di proteggere Eunju dall’aggressore, ma non ci è riuscita.
Probabilmente si è resa conto che lo scontro avrebbe potuto essere facilmente frainteso da suo padre. Pertanto, ha cercato di catturare l’aggressore per dimostrare la sua innocenza. Questo spiegherebbe perché non è presente nella scena finale. Se Eunju sopravvive miracolosamente, potrebbe essere in grado di fornire delle risposte a David.
Perché Rebecca risparmia Juno in Butterfly
David crede di avere un buon motivo per uccidere Juno perché non solo lo ha tradito e costretto a fingere la sua morte, ma ha anche preso sua figlia sotto la sua ala e l’ha corrotta. Tuttavia, quando lui le punta la pistola contro, Rebecca gli chiede di risparmiarla, ricordandogli quanto lei sia stata importante nella sua vita.
Le dichiarazioni difensive di Rebecca rivelano come lei continui a vedere Juno come una figura materna, anche se le sue azioni hanno danneggiato la sua famiglia e rovinato la sua infanzia. Inoltre, non riesce a provare empatia per lei, nonostante sappia che l’ha trasformata in un’arma invece di darle un’educazione normale.
Dopo aver trascorso abbastanza tempo con suo padre, anche Juno sembra capire l’importanza di conservare la propria umanità. Si rende conto che Juno avrebbe successo se si lasciasse consumare dalla vendetta, perdendo gli ultimi bricioli della sua umanità. Pertanto, per ottenere una vittoria morale su Juno, Rebecca chiede a suo padre di risparmiarla.
Il piano di David e Rebecca per sconfiggere Juno
La serie poliziesca di Amazon Prime Video rivela anche che l’FBI aveva messo gli occhi su Juno e sul suo impero Caddis. Hanno iniziato a sospettare di lei quando ha iniziato a vendere informazioni riservate alla Russia tramite Karpov, l’ambasciatore russo in Corea del Sud. Poiché le sue azioni danneggiavano l’Ucraina, gli Stati Uniti sembravano voler intervenire per evitare ulteriori danni geopolitici.
L’FBI ha prima assunto Jae-hoon per ottenere prove concrete sugli affari di Caddis, chiedendogli di ottenere informazioni dal figlio di Juno, Oliver. Sebbene Jae-hoon sia riuscito a mettere le mani su informazioni che provavano che Caddis aveva incrociato la strada dei russi, Oliver lo ha ucciso prima che potesse fornire prove concrete.
David e Rebecca uniscono le forze per convincere Oliver che sua madre lo vuole morto per averla tradita. Oliver cade nella loro trappola e si unisce al programma di protezione testimoni dell’FBI dopo aver confessato la verità sulle operazioni di Caddis al senatore George Dawson. Questo dà a Dawson e alla sua squadra un motivo valido per indagare su Caddis e sulle sue attività.
Perché Juno ha tradito David in Butterfly
Butterfly non spiega mai esplicitamente perché, dopo aver fondato Caddis, Juno abbia deciso di tradire David e farlo uccidere. La serie rivela solo che, dopo che David è partito per le Filippine per una missione, Juno non ha potuto fare a meno di vedere questa come un’opportunità per toglierlo di mezzo. Sembra che David avesse sempre buone intenzioni quando ha fondato la Caddis con Juno.
Juno, al contrario, era più interessata a usare l’azienda per aumentare i profitti piuttosto che per il bene comune. Questo conflitto di interessi tra i due personaggi ha portato alla loro rottura, spingendo Juno a uccidere David per poter portare Caddis a nuovi livelli. Con suo grande sgomento, David ha capito cosa stava facendo e ha finto la sua morte per stare un passo avanti a lei.
Come il finale della prima stagione di Butterfly prepara la seconda
L’arco narrativo finale della prima stagione di Butterfly suggerisce che sia David che Rebecca facciano la scelta moralmente giusta risparmiando Juno. Tuttavia, il finale lascia intendere che potrebbero aver commesso un errore non uccidendola. Juno sembra andarsene con rinnovata determinazione e, negli ultimi momenti della serie, sembra prendere di mira la famiglia di David.
Se la seconda stagione di Butterfly vedrà la luce, David intraprenderà un viaggio alla ricerca della verità su chi ha aggredito sua moglie e scoprirà se Rebecca ha qualcosa a che fare con tutto questo. Dopo la morte della moglie, potrebbe persino trovarsi ad affrontare una minaccia significativa da parte di suo suocero, Doo Tae, i cui legami criminali sono stati accennati nella prima stagione di Butterfly.
La serie è ambientata nell’omonimo franchise di film thriller d’azione, diretto dallo showrunner, sceneggiatore e produttore esecutivo Glen Mazzara e prodotto da AGBO di Joe Russo e Anthony Russo.
Negli 8 episodi del thriller d’azione Extraction, un mercenario (Omar Sy) intraprende una pericolosa missione per salvare degli ostaggi in Libia. Intrappolato tra fazioni in guerra e spietati assassini, deve affrontare scelte di vita o di morte, affrontando profonde ferite emotive. Extraction esplora il trauma, il tradimento e i conflitti morali di personaggi spinti al limite.
In un ruolo fisso nella serie, Natalie Dormer interpreterà Clayton Wisper, il leader di un contractor militare privato, secondo quanto riportato da Deadline.
Extraction, la serie Netflix prende forma
Boyd Holbrook interpreterà il leader della squadra di Extraction, David Ibby, in un ruolo fisso nella serie, secondo quanto riferito a Deadline da fonti vicine alla produzione.
Questa è la seconda volta che Netflix estende un franchise cinematografico originale di successo a una serie TV. La trilogia cinematografica “Tutte le volte che ho scritto ti amo” ha dato vita a una serie comica di successo, “XO, Kitty“, recentemente rinnovata per una terza stagione. Al contrario, la piattaforma di streaming ha in programma un film di “Peaky Blinders” basato sulla popolare serie TV.
Il thriller d’azione del 2020 “Extraction”, diretto da Sam Hargrave, e che in Italia si intitola Tyler Rake, è basato sulla graphic novel “Ciudad” di Ande Parks. Chris Hemsworth interpreta un mercenario australiano delle operazioni segrete che accetta una missione per salvare il figlio rapito da un boss della droga indiano a Dhaka, in Bangladesh, ma la missione va a rotoli quando viene tradito.
Un sequel, “Extraction 2“, è uscito nel 2023, con il ritorno del cast principale. Il film riporta in scena il Rake di Hemsworth, incaricato di una nuova missione: salvare la famiglia maltrattata di uno spietato gangster georgiano dalla prigione in cui sono detenuti. AGBO ha prodotto entrambi i film.
Night Always Comes è l’ultimo thriller teso di Netflix, e il finale del film merita di essere analizzato nei dettagli. Tra i migliori film di Vanessa Kirby, il nuovo film esamina ciò che anche una brava persona deve fare per sopravvivere nell’America moderna. Per garantire un tetto alla sua famiglia, Lynette è costretta a prendere misure drastiche.
Night Always Comes presenta un cast di personaggi forti, che contribuiscono a rendere gli eventi del film ancora più impactanti. Dopo che la madre di Lynette decide di spendere il loro acconto per comprarsi una nuova auto, Lynette si ritrova a viaggiare per la città di Portland, cercando di guadagnare abbastanza soldi con ogni mezzo necessario.
Questo thriller Netflix si svolge principalmente nell’arco di una notte disperata. In un triste riflesso delle sfide del mondo reale, quali la disparità di reddito e l’inflazione galoppante, Lynette viene spinta al limite. Tutto questo si svolge con il tempo che stringe, poiché deve procurarsi i soldi prima delle 9:00 del mattino, altrimenti la sua famiglia finirà in strada.
Night Always Comes termina con la famiglia che perde la casa
Nonostante tutto lo stress che Lynette subisce nel corso del film, il finale agrodolce la vede fallire nel raggiungimento del suo obiettivo. È riuscita a racimolare i 25.000 dollari necessari per l’anticipo, ma sua madre si rifiuta di co-firmare l’acquisto con lei, rendendo così nullo l’intero piano.
Sebbene sua madre abbia la possibilità di aiutarla, decide di non farlo, dicendo che odia la casa e incolpando Lynette per i propri problemi. Anche Doreen sta attraversando un periodo difficile e ha deciso che non è in grado di aiutare gli altri.
Tuttavia, anche se Doreen accettasse di co-firmare, le cose non funzionerebbero comunque. Lynette riceve una telefonata da David, che le dice di aver deciso di vendere la casa a un altro acquirente che gli ha fatto un’offerta migliore. Lynette viene ingiustamente incolpata e alla fine del film se ne va via da sola.
Come Lynette è riuscita a ottenere 25.000 dollari in una notte
Fortunatamente, alla fine del film Lynette ha 25.000 dollari e potrebbe esserci ancora un futuro luminoso per lei. Non sarà riuscita a prendersi cura di sua madre e suo fratello, ma le azioni che ha compiuto nel corso del film le hanno fruttato una grande somma di denaro che potrebbe aiutarla a ricominciare da capo.
La maggior parte di questa somma proviene dal fidanzato di Gloria. Lynette ruba la cassaforte dal suo appartamento e fa in modo che venga aperta per poter prendere ciò che c’è dentro. All’interno c’è una grande quantità di denaro contante, oltre a orologi Rolex e un enorme pacchetto di cocaina.
È un ottimo inizio per Lynette, che ha anche rubato una Mercedes al suo cliente, Scott, che cerca senza successo di vendere per recuperare il resto. Alla fine, deve intraprendere un’altra strada oscura, vendendo la cocaina a Blake.
Questa scena è sgradevole quando Blake costringe Lynette ad avere rapporti sessuali. Tuttavia, è qui che il pubblico vede una nuova energia in Lynette, quando lei reagisce, attaccandolo con un vaso di vetro. Riesce a scappare, tormentata dai ricordi delle sue esperienze con Tommy, rinvigorita dalla sua autonomia.
Lynette scompare di sua spontanea volontà, ma finalmente sente di avere un po’ di controllo sulla propria vita
Doreen allontana Lynette, il che purtroppo la porta a separarsi dal fratello. Questo contribuisce a un finale piuttosto triste del film, in cui Lynette viene vista allontanarsi in auto dalla sua famiglia. Sebbene ci siano grandi perdite e fallimenti, vedere l’evoluzione di Lynette nel corso del film aiuta a immaginare un futuro più luminoso per lei.
Sebbene abbia fatto cose contorte durante la notte, ha imparato che si tratta di azioni rese necessarie dal mondo sfruttatore in cui vive. Sebbene la separazione dalla sua famiglia sia una tragedia, c’è speranza nel futuro di Lynette. Ha smesso di incolpare se stessa.
È improbabile che ci saranno gravi ripercussioni legali per le azioni di Lynette, ma non è impossibile. A casa di Drew, è stata aggredita e, nel difendersi, potrebbe aver ucciso qualcuno. Questo peso grava su di lei, ma a causa delle circostanze criminali che circondano l’evento, non è chiaro se seguirà una punizione legale.
Lynette ha rubato l’auto di Scott, ma lui le aveva detto che apparteneva a sua moglie, ed è probabile che farà tutto il possibile per evitare di dirle che è andato a letto con Lynette. Date le circostanze, il futuro di Lynette potrebbe essere roseo.
Il vero significato del finale di Night Always Comes
Gran parte di Night Always Comes riguarda l’attribuzione della colpa. Lo si vede con Lynette, che viene incolpata dalla madre per gran parte della loro situazione. Nel finale del film, Doreen allontana la figlia, rimproverandola con parole cupe e piene di odio, prendendosela con lei invece di affrontare i veri problemi.
Il film chiarisce che Lynette non ha alcuna colpa. Il film inizia con servizi giornalistici e notizie che descrivono la triste situazione finanziaria degli Stati Uniti e come questa abbia colpito tutti, specialmente i lavoratori delle classi più basse. Lynette viene descritta come una gran lavoratrice con più impieghi, che è stata spinta in circostanze difficili.
Il rapporto di Lynette con Tommy e il modo in cui lei vede il loro passato sono importanti per comprendere questo aspetto. Da ragazza è stata costretta a prostituirsi, ma le è stato fatto credere che fosse stata una sua decisionee una sua colpa. Fortunatamente, gli eventi del film la aiutano a vedere oltre e a capire che è stata vittima di un abuso.
Il finale di Night Always Comes vede Lynette trasformata. Anche se le cose non sono andate come sperava, è motivata e determinata a combattere i suoi oppressori con ogni mezzo necessario. Non è lei la colpevole e finalmente ha la possibilità di ritagliarsi un posto nel mondo.
Anya Taylor-Joy è in trattative per interpretare la leggenda della musica Joni Mitchell in un nuovo film biografico del regista Cameron Crowe. Il progetto, ancora in fase iniziale di sviluppo, racconterà la vita e la carriera dell’iconica cantautrice attraverso una struttura narrativa non convenzionale.
Anya Taylor-Joy, che ha recentemente recitato in Furiosa: A Mad Max Saga e ha ottenuto grandi consensi per La regina degli scacchi, dovrebbe interpretare la Mitchell nel suo periodo migliore, tra gli anni ’60 e ’70. Fu questo il periodo in cui Mitchell pubblicò album rivoluzionari come Blue and Clouds e scrisse canzoni senza tempo come “Both Sides Now” e “A Case of You“.
Il film vedrà anche la tre volte vincitrice del premio Oscar Meryl Streep nei panni della Mitchell di oggi, offrendo una prospettiva a più livelli sul percorso dell’artista, dalla sua ascesa nella scena folk al suo duraturo impatto culturale.
Il regista Cameron Crowe, noto per Quasi Famosi e Jerry Maguire, nutre da tempo una passione per la narrazione incentrata sulla musica. Si prevede che il suo approccio metterà in risalto l’arte di Mitchell, le sue lotte personali e la sua influenza su generazioni di musicisti.
Mitchell, spesso acclamata come una delle più grandi cantautrici di tutti i tempi, ha superato le sfide del settore e le battaglie personali per la salute, lasciandosi alle spalle un corpus di opere che continua a risuonare a livello globale. I suoi testi poetici e le sue composizioni innovative hanno rimodellato il panorama della musica moderna.
Se confermata, l’interpretazione di Anya Taylor-Joy segnerebbe un altro ruolo trasformativo nella sua carriera, mentre il casting di Meryl Streep aggiunge un notevole prestigio. Non sono ancora state annunciate una data di uscita o una tempistica di produzione per il film biografico.
Disney+ ha annunciato che la serie comedy originale Chad Powers, con protagonista Glen Powell, debutterà il 30 settembre in esclusiva su Disney+ in Italia, con due episodi disponibili al lancio, seguiti da un episodio a settimana.
Dopo otto anni dall’errore imperdonabile che ha stroncato la sua promettente carriera nel college football, il quarterback di successo Russ Holliday cerca di rivivere i suoi sogni travestendosi da Chad Powers, uno stravagante giocatore di talento che entra a far parte di una squadra in difficoltà, i South Georgia Catfish. Basata su un episodio di Eli’s Places, serie di ESPN e Omaha Productions, la comedy targata 20th Television sarà disponibile in streaming su Disney+ in Italia. Powell e Michael Waldron hanno scritto insieme il primo episodio.
La serie è interpretata da Glen Powell nel ruolo di “Russ Holliday/Chad Powers”, Perry Mattfeld in quello di “Ricky”, Quentin Plair nei panni di “Coach Byrd”, Wynn Everett in quelli di “Tricia”, Frankie A. Rodriguez nel ruolo di “Danny” e Steve Zahn in quello di “Jake Hudson”.
Chad Powers è prodotta dai co-creatori ed executive producer Glen Powell e Michael Waldron. Eli Manning ricopre il ruolo di executive producer insieme a Peyton Manning, Jamie Horowitz e Ben Brown di Omaha Productions e a Burke Magnus, Brian Lockhart e Kati Fernandez di ESPN. Waldron e Adam Fasullo sono gli executive producer per Anomaly Pictures. Luvh Rakhe è executive producer e Tony Yacenda regista ed executive producer. La serie vede come protagonista Powell, che è anche co-creatore ed executive producer con la sua società di produzione Barnstorm Productions.
Un efficace sistema di parental control assicura che Disney+ rimanga un’esperienza di visione adatta a tutti i membri della famiglia. Oltre al “Profilo Bambini” già presente sulla piattaforma, gli abbonati possono impostare dei limiti di accesso ai contenuti per un pubblico più adulto e creare profili con accesso tramite PIN, per garantire massima tranquillità ai genitori.
Gal Gadot è diventata una figura sorprendentemente divisiva negli ultimi anni. Mentre molti si sono scagliati contro la star di Wonder Woman per il suo video musicale “Believe”, ampiamente ridicolizzato, pubblicato durante la pandemia di COVID-19, la sua posizione sul conflitto israelo-palestinese si è rivelata problematica anche per coloro che sostengono la causa per la liberazione della Palestina.
È un altro argomento complicato e altamente divisivo, in cui è rimasto invischiato il remake live-action di Biancaneve di quest’anno. Ciò è dovuto in parte al sostegno di Gadot al suo Paese d’origine (i manifestanti sono apparsi in vari eventi per il film), ma anche al fatto che la protagonista Rachel Zegler ha scritto “e ricordate sempre, liberate la Palestina” in un post su X sul trailer.
Alla fine, Biancaneve ha ricevuto recensioni ampiamente negative (38% su Rotten Tomatoes) e ha incassato solo 205,7 milioni di dollari al botteghino mondiale.
Parlando con giornalisti amatoriali affetti da autismo (tramite Toonado.com), Gal Gadot ha ammesso di credere che Biancaneve “sarebbe stato un enorme successo“, ma ha condiviso la sua convinzione che “il 7 ottobre è successo, e quello che sta succedendo in tutti i tipi di settori, e anche a Hollywood, è che c’è molta pressione sulle celebrità affinché si esprimano contro Israele”.
Quando uno degli intervistatori ha definito Biancaneve un “enorme flop”, Gadot ha risposto: “Si può sempre spiegare e cercare di dare alle persone nel mondo un contesto su ciò che sta accadendo [in Israele] e su quale sia la realtà qui, ma alla fine le persone decidono da sole. Sono rimasta delusa dal fatto che il film ne sia stato fortemente influenzato e non abbia avuto successo al botteghino. Ma è così che vanno le cose. A volte si vince, a volte si perde”.
Gal Gadot, tuttavia, ha affermato che lavorare con Zegler è stato “divertente” e che hanno riso molto insieme sul set.
L’attrice ha poi condiviso la seguente dichiarazione su Instagram dopo che le testate giornalistiche hanno riportato le sue dichiarazioni: “Sono stata onorata di partecipare a un’intervista straordinaria con intervistatori stimolanti, le cui domande vanno dritte al cuore. A volte rispondiamo alle domande partendo dalle emozioni. Quando il film è uscito, ho avuto la sensazione che coloro che sono contro Israele mi criticassero in modo molto personale, quasi viscerale.”
“Mi vedevano prima di tutto come un’israeliana, non come un’attrice. Questa è la prospettiva da cui ho parlato quando ho risposto alla domanda. Naturalmente, il film non è fallito solo a causa di pressioni esterne. Ci sono molti fattori che determinano il successo o il fallimento di un film, e il successo non è mai garantito.”
Il film è diretto da Marc Webb e prodotto da Marc Platt e Jared LeBoff, con Callum McDougall come produttore esecutivo, e presenta nuove canzoni originali di Benj Pasek e Justin Paul.
Moon Knight dei Marvel Studios ha debuttato su Disney+ nel 2022 e, sfortunatamente, è stato ampiamente oscurato durante quello che si è rivelato un altro anno fin troppo impegnativo per l’MCU, sia al cinema che in streaming.
La serie, sebbene non perfetta, ha ricevuto un riscontro ampiamente positivo da fan e critica. Tuttavia, il personaggio non è più stato visto da allora, nonostante un finale cliffhanger che ha preparato perfettamente il terreno per una seconda stagione incentrata su Khonshu e la terza personalità di Moon Knight, Jake Lockley.
In occasione della promozione, il protagonista Oscar Isaac ha confermato di aver firmato per una sola stagione, il che significa che sarà necessario negoziare un nuovo accordo se la storia di Marc Spector/Steven Grant/Jake Lockley deve continuare.
Il presidente dei Marvel Studios Kevin Feige ha recentemente ipotizzato che ci sia “un futuro per quel personaggio“, ma non ha fornito ulteriori dettagli. L’aspettativa tra i fan (basata in gran parte sulle indiscrezioni dei social media) è che Moon Knight farà il suo attesissimo ritorno nel film Midnight Sons.
Parlando con Screen Rant di Eyes of Wakanda, il compositore di Moon Knight, Hesham Nazih, ha condiviso un aggiornamento deludente sulla situazione di una possibile seconda stagione. “Questa è la domanda da un milione di dollari. Nessuno lo sa. Nemmeno Mohamed Diab”, ha rivelato Nazih. “Nessuno ne ha mai parlato. Nessuno lo sa. Se lo chiedete a qualcuno, come ho fatto io, vi dico solo: ‘Nessuno lo sa’”.
È deludente, ma è in linea con quanto abbiamo sentito diverse volte prima di oggi. Anche la Marvel Television sta cercando di spostare l’attenzione sulle serie annuali, e facciamo fatica a credere che la seconda stagione di Moon Knight sarà tra queste (soprattutto perché sono passati più di tre anni dall’ultima volta che abbiamo visto il personaggio sui nostri schermi).
“Penso che la Marvel Television sia nata a ondate, e penso che Moon Knight sia nato in un’ondata di serie che avrebbero creato personaggi che si sarebbero legati al futuro”, ha dichiarato il dirigente dell’MCU Brad Winderbaum all’inizio di quest’anno. “E andando avanti, le nostre priorità sono cambiate.”
“Stiamo realizzando serie che possano esistere come uscite annuali, più simili alla televisione”, ha continuato, prima di promettere: “Ci sono piani per Moon Knight in futuro.” Come accennato, la serie Disney+ si è conclusa con un enorme cliffhanger; mentre Marc Spector e Steven Grant apparentemente si liberano di Khonshu, in seguito scopriamo che una terza personalità, Jake Lockley, lavora segretamente come braccio destro del Dio della Luna.
Se Moon Knight è tra i personaggi al centro della scena in Midnight Sons, è probabile che sotto la maschera ci sia Lockley. Steven veste i panni di Mr. Knight, mentre Marc è una versione classica di Moon Knight. Che aspetto abbia la versione di Jake è per noi un mistero.
Adler Entertainment è lieta di riportare sul grande schermo Lo squalo (Jaws), il capolavoro di Steven Spielberg, il primo blockbuster estivo, capostipite degli shark movie e autentico manifesto della tensione cinematografica, che tornerà nei cinema italiani dall’1 al 3 settembre, in occasione del 50° anniversario e dopo aver terrorizzato milioni di spettatori al mondo.
Uscito negli Stati Uniti nell’estate del 1975 e accolto da un successo planetario, Lo squalo ha terrorizzato intere generazioni con la sua minaccia invisibile e inarrestabile che arriva dal profondo. L’iconica colonna sonora firmata da John Williams, che grazie ad essa vinse il suo secondo Oscar, è entrata nell’immaginario collettivo: due sole note che bastano a far crescere la paura per un predatore che non lascia scampo.
Fu proprio con Lo squalo che venne lanciata la carriera di Steven Spielberg, allora ventisettenne, spalancando la porta per i suoi futuri successi. La produzione non fu semplice: lo squalo meccanico da usare per le riprese non funzionava a dovere, le inquadrature sul mare erano continuamente rovinate dalle imbarcazioni di passaggio e il tempo di lavorazione triplicò rispetto a quanto previsto inizialmente. Ma nonostante tutti gli imprevisti il film fu un enorme successo al boxoffice mondiale e segnò il passo per tutti i blockbuster successivi, dalle strategie di marketing e distribuzione alle tecniche narrative e perfino alle caratterizzazioni dei protagonisti. A cinquant’anni dalla sua prima apparizione, questo film conserva intatta la sua forza: un ritmo perfetto, una regia magistrale, personaggi iconici e una colonna sonora da urlo, tanto che anche Quentin Tarantino lo ha definito “il più grande film mai realizzato”.
Il ritorno in sala è un’occasione unica per vivere (o rivivere) su grande schermo l’esperienza di un classico assoluto, che ha dato il via a un intero genere e che oggi continua a influenzare l’immaginario contemporaneo, dagli shark movies ai film di sopravvivenza, dalle serie TV ai videogame.
Lo squalo sarà in sala con Adler dal 1 al 3 settembre.
La trama de Lo Squalo
Diretto dal premio Oscar® Steven Spielberg, Lo Squalo è uno dei film di maggior successo della storia del cinema. Ha rivoluzionato l’industria cinematografica ed è entrato nell’immaginario collettivo, grazie anche all’indimenticabile colonna sonora di John Williams.
Quando ad Amity, una piccola località sulla costa atlantica, un enorme squalo bianco attacca i bagnanti, il capo della polizia (Roy Scheider), un giovane biologo marino (Richard Dreyfuss) ed un cacciatore di squali (Robert Shaw) decidono di affrontare il terribile animale prima che colpisca ancora.
Dopo lo straordinario successo riscontrato nel 2024, tornano le Masterclass e le Conversazioni con grandi personalità del cinema all’82. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia, per la seconda volta nella location della Match Point Arena (250 posti) allestita al Tennis Club Venezia al Lido (di fronte all’Hotel Excelsior, ingresso aperto agli accreditati dell’82. Mostra).
In particolare cinque saranno le Masterclass che vedranno come protagonisti: il regista tedesco Werner Herzog (Leone d’oro alla carriera 2025) giovedì 28 agosto alle 16.00; il regista cinese Jia Zhang-ke (Leone d’oro per il miglior film nel 2006 per Still Life) sabato 30 agosto alle 16.00; la leggendaria attrice americana Kim Novak (Leone d’oro alla carriera 2025) mercoledì 3 settembre alle 16.00; il regista rumeno Cristian Mungiu (giurato di Venezia 82, Palma d’oro 2007) giovedì 4 settembre alle 14.30; il regista taiwanese Tsai Ming-liang (Leone d’oro per il miglior film nel 1994 con Vive l’amour) venerdì 5 settembre alle 16.00. Le Masterclass si potranno seguire anche in livestream sul sito www.labiennale.org.
Saranno quattro le Conversazioni organizzate da Cartier – The Art and Craft of Cinema, in collaborazione con la Biennale, che vedranno dialogare la regista americana premio Oscar Sofia Coppola (Leone d’oro per il miglior film nel 2010 con Somewhere) con la costumista italiana quattro volte premio Oscar Milena Canonero venerdì 29 agosto alle 15.30, il regista e attore italiano Sergio Castellitto con la scrittrice Margaret Mazzantini domenica 31 agosto alle 16.00, il regista messicano premio Oscar Alfonso Cuarón (Leone d’oro per il miglior film nel 2018 con Roma) lunedì 1 settembre alle 16.00 e la regista neozelandese premio Oscar Jane Campion (Leone d’argento per la migliore regia nel 2021 per The Power of the Dog) con la produttrice britannica Tanya Seghatchia martedì 2 settembre alle 16.00.
Qui di seguito il calendario in sintesi di Masterclass e Conversazioni alla Match Point Arena al Lido (Lungomare Marconi angolo via Emo, di fronte all’Hotel Excelsior), per tutti gli accrediti, senza prenotazione:
· Giovedì 28 agosto
ore 16.00 Masterclass di Werner Herzog (Leone d’oro alla carriera), conduce Federico Pontiggia – Livestream labiennale.org
· Venerdì 29 agosto
ore 15.30 Conversazione tra Sofia Coppola e Milena Canonero, conduce Stéphan Lerouge
· Sabato 30 agosto
ore 16.00 Masterclass di Jia Zhang-ke, conduce Elena Pollacchi, critica cinematografica – Livestream labiennale.org
· Domenica 31 agosto
ore 16.00 Conversazione tra Sergio Castellitto e Margaret Mazzantini, conduce Stéphan Lerouge
· Lunedì 1 settembre
ore 16.00 Conversazione con Alfonso Cuarón, conduce Stéphan Lerouge
· Martedì 2 settembre
ore 16.00 Conversazione tra Jane Campion e Tanya Seghatchia, conduce Stéphan Lerouge
· Mercoledì 3 settembre
ore 16.00 Masterclass di Kim Novak (Leone d’oro alla carriera), conduce Giulia d’Agnolo Vallan – Livestream labiennale.org
· Giovedì 4 settembre
ore 14.30 Masterclass di Cristian Mungiu, conduce Angela Prudenzi – Livestream labiennale.org
· Venerdì 5 settembre
ore 16.00 Masterclass di Tsai Ming-liang, conduce Elena Pollacchi – Livestream labiennale.org
Le riprese della serie TV di Harry Potter della HBO sono in corso a Londra, con il Maghetto interpretato da Dominic McLaughlin nuovamente avvistato accanto all’imponente controfigura di Hagrid interpretata da Nick Frost. Camminando insieme per il centro di Londra, sembra che questa sia la scena che li precede nell’ingresso a Diagon Alley.
Il film non ha dedicato molto tempo a mostrare i due insieme nel mondo babbano. Tuttavia, sono state girate scene di Hagrid nella metropolitana di Londra, che alla fine sono state conteggiate tra le scene eliminate di Harry Potter e la Pietra Filosofale.
Le carrozze risalgono tutte alla fine degli anni ’90, a conferma ancora una volta che il reboot di Harry Potter non ha spostato l’azione ai giorni nostri. Questa decisione è stata accolta con favore dai fan che temevano che questa rivisitazione del romanzo di J.K. Rowling potrebbero tentare di rendere contemporaneo o addirittura americanizzare il Mondo Magico.
Similmente al compianto Robbie Coltrane, l’interpretazione di Frost si fonderà con questa controfigura più grande della vita, offrendoci un Hagrid interpretato da una star ben nota, che si comporta bene nei confronti del mezzo gigante, guardiacaccia e giardiniere della Scuola di Magia e Stregoneria di Hogwarts.
Molti sembrano concordare sul fatto che sia positivo che la serie si affidi a questo tipo di regia pratica, piuttosto che infilare Frost in un costume di motion capture e rendere Hagrid un personaggio in computer grafica.
“Guardate, sono padre anch’io, quindi sarò molto protettivo nei confronti dei bambini, e penso che questo sia uno dei principi fondamentali del suo rapporto con quei bambini”, ha recentemente detto l’attore a proposito del suo approccio al personaggio. “È molto protettivo nei loro confronti, e sinceramente non vedo l’ora.”
“Ho avuto l’opportunità di andare a vedere alcuni set, e mi stanno facendo crescere la barba alla Hagrid, e io sto vedendo il Cappello Parlante, e qui ci sono delle bacchette magiche. È assolutamente incredibile”, ha anticipato Frost. “Avere la possibilità di iniziare a imparare la sceneggiatura di Francesca e di passare del tempo con [il regista] Mark Mylod – questo è il motivo per cui ho voluto farlo fin dall’inizio – di poter raccontare di nuovo e di essere Hagrid. Ho la possibilità di essere Hagrid. È incredibile.”
HBO descrive la serie come un “adattamento fedele” della serie di libri della Rowling. “Esplorando ogni angolo del mondo magico, ogni stagione porterà ‘Harry Potter’ e le sue incredibili avventure a un pubblico nuovo ed esistente”, secondo la descrizione ufficiale. Le riprese dovrebbero avere inizio nel corso dell’estate 2025, per una messa in onda prevista per il 2026.
La serie è scritta e prodotta da Francesca Gardiner, che ricopre anche il ruolo di showrunner. Mark Mylod sarà il produttore esecutivo e dirigerà diversi episodi della serie per HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television. La serie è prodotta da Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films.
Come già annunciato, Dominic McLaughlin interpreterà Harry, Arabella Stanton sarà Hermione e Alastair Stout sarà Ron. Altri membri del cast includono: John Lithgow nel ruolo di Albus Silente, Janet McTeer nel ruolo di Minerva McGrannitt, Paapa Essiedu nel ruolo di Severus Piton, Nick Frost nel ruolo di Rubeus Hagrid, Luke Thallon nel ruolo di Quirinus Quirrell e Paul Whitehouse nel ruolo di Argus Gazza.
Gli altimi annunci sono quelli di Rory Wilmot nel ruolo di Neville Paciock, Amos Kitson nel ruolo di Dudley Dursley, Louise Brealey nel ruolo di Madam Rolanda Hooch e Anton Lesser nel ruolo di Garrick Ollivander. Infine, Bel Powley e Daniel Rigby interpreteranno Petunia e Vernon Dursley.
È stato inoltre confermato che la serie debutterà nel 2027 su HBO e HBO Max, dove disponibile.
Nelle ultime anticipazioni su Avengers: Secret Wars, si prevede che diversi personaggi subiranno un recast, mentre altri attori continueranno a interpretare gli eroi di cui sono diventati sinonimo (un po’ come nel DCU che ha cambiato Superman, mantenendo il Peacemaker di John Cena).
Ci si aspetta che vedremo un nuovo Capitan America e un nuovo Iron Man, ad esempio. Tuttavia, in precedenza era stato riferito che Chris Hemsworth non avrebbe fatto ritorno nei panni di Thor. Ora, potremmo essere in grado di aggiungere un altro personaggio alla lista dei volti noti che torneranno. Secondo Alex Perez di The Cosmic Circus, Elizabeth Olsen continuerà a interpretare Wanda Maximoff, alias Scarlet Witch, nel MCU post-Avengers: Secret Wars.
Per certi versi, era prevedibile, ma per altri è un po’ sorprendente. Nei fumetti, Scarlet Witch è stata presentata come la figlia mutante del cattivo degli X-Men Magneto, e i Marvel Studios avrebbero potuto riassegnare il personaggio alla figlia adolescente del Maestro del Magnetismo. Chiaramente, se si dovesse credere a questa voce, non è questo il piano.
Il report del sito contiene altri dettagli interessanti, inclusi alcuni aggiornamenti su cosa sta succedendo con Doctor Strange. Quando l’ex Stregone Supremo tornerà in Avengers: Doomsday, sembra che cercherà di porre rimedio alle incursioni “con ogni mezzo necessario”.
Per quanto riguarda la misteriosa missione sua e di Clea anticipata nella scena post-credits di Doctor Strange in the Multiverse of Madness, si dice: “Questo sarebbe un buon momento per ricordare a tutti che il flusso del tempo è diverso nella Dimensione Oscura, dato che è praticamente inesistente. Quindi, anche se saranno passati 3 anni e mezzo – 4 anni da quando Stephen Strange è sulla Terra, immaginate quanto tempo sarebbe trascorso nella Dimensione Oscura?” Questa implicazione sembra essere che lo Strange entrato nella Dimensione Oscura nel 2022 sarà molto diverso da quello che ne emergerà il prossimo dicembre.
Ecco cosa ha detto Elizabeth Olsen in precedenza sulla sua eredità come Scarlet Witch (e sul suo futuro nell’MCU): “È davvero insolito. È qualcosa di incredibile. Immagino che sia ciò che provano le persone quando hanno la possibilità di lavorare a lungo in una serie TV. Poter tornare a interpretare un personaggio e continuare a farlo progredire è stato molto divertente per me, soprattutto perché mi hanno dato qualcosa come WandaVision per far esplodere tutto. E da lì, Doctor Strange è stata una svolta così folle e selvaggia.”
“Mi sento molto fortunata di aver potuto interpretare un personaggio per oltre 10 anni della mia vita, e mi piacerebbe continuare a farne di più. Ma l’animazione, per me, è un mondo parallelo. Non so davvero come si intersechi con quello che facciamo. Ma mi è piaciuto molto interpretarla per oltre 10 anni, e continuo a sentirmi fortunata di avere le opportunità che ho avuto, a livello creativo.”
La star di Daredevil: Rinascita, Vincent D’Onofrio, non ha fatto mistero del fatto che gli piacerebbe condividere lo schermo con lo Spider-Man di Tom Holland. Quando Kingpin è stato introdotto nel MCU con Hawkeye del 2021, il cattivo sembrava certamente abbastanza forte da affrontare il lancia-ragnatele.
Da allora, i Marvel Studios hanno inglobato le serie TV di Netflix, regalandoci un Wilson Fisk che rimane forte, ma forse non sovrumano. Tuttavia, i fan vogliono che questo scontro avvenga, ed è importante notare che il Kingpin del Crimine era un cattivo di Spider-Man prima di diventare l’arcinemico di Daredevil.
Secondo The Cosmic Circus, “Il piano con Kingpin è di farlo affrontare Spider-Man, cosa che non è cambiata. E per Brand New Day, è possibile che potremmo vedere una scena a metà o dopo i titoli di coda che accennerebbe a un imminente scontro contro di loro.”
Il sito ritiene che la Sony Pictures detenga i diritti cinematografici di Fisk (probabilmente perché ha debuttato sulle pagine di Amazing Spider-Man #50), quindi, a patto che loro e i Marvel Studios continuino a comportarsi in modo corretto, questo incontro potrebbe avvenire presto.
Per quel che vale, Vincent D’Onofrio ha scritto su X che non ha idea, per ora, di un suo coinvolgimento nel film di Spider-Man. Il sito ha condiviso altri aggiornamenti da questo angolo dell’MCU, anticipando le conseguenze della seconda stagione di Daredevil: Rinascita. “Molte delle persone che Kingpin ha rinchiuso saranno molto, molto arrabbiate con lui”, spiega il sito. “Si potrebbe tranquillamente dire che la guerra contro Fisk verrà combattuta.”
Questo potrebbe spiegare le notizie di una guerra tra bande a New York con cui Peter Parker si troverà a fare i conti in Spider-Man: Brand New Day, in uscita la prossima estate.
Per quanto riguarda i restanti membri dei Difensori, Luke Cage di Mike Colter e Iron Fist di Finn Jones, sembra che la spiegazione narrativa per l’attuale assenza dall’MCU sia che si siano “nascosti”. Abbiamo sentito che il piano è di cambiare il cast di entrambi i personaggi dopo Avengers: Secret Wars.
All’inizio di questo fine settimana, Charlie Cox ha confermato che la seconda stagione di Daredevil: Rinascita non sarà l’ultima della serie. Potete leggere di più a riguardo qui. “L’unica cosa che so non è certa. È molto difficile per la Marvel usare il mio personaggio”, ha detto D’Onofrio ad aprile. “È molto difficile, per via della proprietà e altre cose del genere.”
“Al momento, sono utilizzabile solo per le serie televisive”, ha continuato l’attore. “Diversi tipi di serie, qualunque esse siano, ma nemmeno un film unico su Fisk o qualcosa del genere, è tutto intrappolato nei diritti e cose del genere. Non so quando funzionerà, o se funzionerà mai, in realtà.”
Tim Burton ha recensito con grande entusiasmo un film di Robert Eggers con Robert Pattinson. Il regista di Edward mani di forbice e Il mistero di Sleepy Hollow è noto per l’utilizzo di scenografie uniche nelle sue opere. Burton ha anche conquistato un fedele seguito di fan e ha diretto diversi successi commerciali, in particolare i film di Batman con Michael Keaton e Alice nel Paese delle Meraviglie.
Più recentemente, Burton ha diretto Beetlejuice Beetlejuice, che ha riportato sul grande schermo Michael Keaton, Catherine O’Hara e Winona Ryder. Il sequel ha approfondito il personaggio di Betelgeuse e l’immaginario aldilà di Burton, ottenendo il plauso del pubblico. Burton è anche produttore di Wednesday e regista di vari episodi.
Anche Eggers è diventato un regista popolare, dirigendo diversi film acclamati con cast corali ed elementi di produzione degni di nota. Tra i suoi film c’è Nosferatu, conBill Skarsgård, Lily-Rose Depp, Nicholas Hoult, Willem Dafoe e altri. Il film horror sui vampiri è diventato anche il film di Eggers con il maggior incasso fino ad oggi, generando oltre 181 milioni di dollari.
Tim Burton elogia “The Lighthouse” di Robert Eggers
Per The Lighthouse, Eggers ha collaborato con Dafoe e Pattinson, realizzando un film horror psicologico che ha mantenuto un impressionante 90% di Tomatometer. Il film racconta la storia di due guardiani del faro, confinati su un’isola remota, che iniziano a comportarsi in modo strano. Distribuito da A24 nel 2019, The Lighthouse ha incassato circa 18 milioni di dollari, ma ha ottenuto una nomination agli Oscar e un fedele gruppo di fan.
In un episodio di Konbini, Burton ha elogiato The Lighthouse e ha sottolineato di aver “adorato” la recitazione. Nell’ambito di una puntata del “Video Club”, il famoso regista ha rivelato che The Lighthouse gli è rimasto impresso nella mente, cosa che ha definito “rara per me”. Leggi i suoi commenti qui sotto:
Ho adorato la sua atmosfera onirica. Ho adorato le interpretazioni. Ho adorato l’atmosfera. Ripeto, era da tempo che non vedevo un film che mi rimanesse impresso, ma questo film mi ha colpito. Mi è rimasto impresso a lungo. È raro per me ed è bello quando succede. Sai che ha toccato qualcosa dentro di te.
È in lavorazione una nuova serie dal creatore di Peaky Blinders, che sembra essere un eccellente seguito di Succession. Steven Knight è uno sceneggiatore cinematografico e televisivo che ha lavorato a progetti come Eastern Promises e Locke, e che è pronto a scrivere il prossimo film di James Bond. Peaky Blinders rimane ancora il fiore all’occhiello della sua carriera.
Il prossimo progetto di Steven Knight si intitola House of Guinness e sarà trasmesso in anteprima su Netflix il 25 settembre 2025. La serie sarà ambientata nella Dublino e nella New York del XIX secolo e ruoterà attorno alla famiglia Guinness dopo la morte di Sir Benjamin Guinness, che ereditò il birrificio Guinness e divenne l’uomo più ricco d’Irlanda.
La trama della serie descrive che seguirà “l’impatto di vasta portata della sua volontà sul destino dei suoi quattro figli adulti Arthur, Edward, Anne e Ben”, creando evidentemente un dramma familiare simile a Succession.
I quattro membri principali del cast sono Anthony Boyle (Masters of the Air) nel ruolo di Arthur Guinness, Louis Partridge (Enola Holmes) nel ruolo di Edward Guinness, Emily Fairn (Saturday Night) nel ruolo di Anne Plunket e Fionn O’Shea (Normal People) nel ruolo di Benjamin Guinness.
Cosa significa la rivelazione di The House Of Guinness
Da grande appassionato di Peaky Blinders, Succession e avendo visitato la fabbrica della Guinness, non posso fare a meno di provare un certo entusiasmo personale per questo titolo. Steven Knight ha avuto una carriera piuttosto altalenante, ma sono sicuramente disposto a dargli una possibilità grazie al cast e alla trama.
Non conosco bene tutti i membri del cast, ma alcuni nomi di spicco sono James Norton, Fionn O’Shea e Michael McElhatton. Non vedo l’ora di farmi sorprendere dagli altri e di avere questo titolo per ingannare l’attesa fino all’uscita del film Peaky Blinders il prossimo anno.
La presidente di Lucasfilm, Kathleen Kennedy, ha confermato che la trilogia di Star Wars pianificata da Simon Kinberg è in fase di sviluppo come la “nuova saga” del franchise, destinata a guidarlo verso il suo prossimo capitolo.
Ambientata saldamente nella linea temporale successiva a “L’Ascesa di Skywalker“, la trilogia è concepita come una pietra miliare dell’epoca, e Kinberg scrive e produce tutti e tre i film.
A differenza della trilogia sequel, che ha visto alternarsi i team creativi, questo approccio mira a offrire una storia coerente e attentamente strutturata dall’inizio alla fine.
Parlando con Nerdtropolis, Kinberg ha ammesso che l’opportunità sembra ancora surreale. “Non è nemmeno un sogno che si avvera, non avrei potuto sognarlo“, ha detto. “Solo sentirmi dire che ci sarebbero stati altri film sarebbe stato incredibile. Essere ammesso sul set di uno di loro era già un sogno. Il mio entusiasmo cresce solo lavorandoci e attorno a questo.”
Kinberg ha anche sottolineato la sua ammirazione per l’acclamata serie di Tony Gilroy, Andor. “Ci sono un sacco di persone di grande talento che vogliono fare un ottimo lavoro. Sono rimasto super ispirato e in un certo senso sbalordito da ciò che Tony Gilroy ha fatto con Andor. Ho pensato che fosse la migliore narrazione fantascientifica che si possa fare in qualsiasi franchise.”
Il legame di lunga data di Kinberg con Lucasfilm, in particolare come co-creatore e produttore esecutivo di Star Wars Rebels, ha consolidato la sua reputazione di partner creativo affidabile e influente per lo studio.
Un nuovo inizio per Star Wars
Sebbene alcune voci di corridoio suggeriscano che i prossimi film potrebbero intitolarsi “Episodi X, XI e XII“, altre fonti indicano che la vera intenzione è quella di introdurre una saga completamente nuova, popolata da personaggi originali, guidando il franchise verso territori inesplorati piuttosto che estendere direttamente la discendenza degli Skywalker.
Per il momento, Kinberg è concentrato sul completamento del suo prossimo film di Star Trek (di cui è produttore) per la Paramount. Una volta concluso il progetto, si concentrerà completamente sulla costruzione della prossima era della saga di Star Wars.
Sebbene la trilogia sia ancora lontana dall’entrata in produzione, i primi segnali sono incoraggianti. La fiducia nel progetto deriva dal consolidato successo di Kinberg come narratore, dalle sue passate collaborazioni con Lucasfilm e dai suoi solidi legami lavorativi sia con Lucasfilm che con Paramount, fattori che rendono molto più probabile che l’ambiziosa nuova saga raggiunga il grande schermo.
Dopo il finale esplosivo della seconda stagione, Kate, interpretata da Keri Russell, si trova ad affrontare una nuova situazione di tensione nel trailer della terza stagione di The Diplomat.
A poco più di un mese dalla presentazione del nuovo look della prossima stagione, Netflix ha pubblicato un nuovo trailer della terza stagione di The Diplomat. Nel video vediamo Kate e Hal che pianificano la loro prossima mossa mentre Grace, interpretata da Allison Janney, sale al potere diventando presidente degli Stati Uniti, con Kate che usa la sua posizione per monitorare il personaggio sospetto. La piattaforma di streaming ha anche rivelato che la terza stagione sarà disponibile dal 16 ottobre. Guarda il nuovo trailer qui sotto:
Ian McKellen, il leggendario attore dietro Gandalf nella trilogia cinematografica originale de Il Signore degli Anelli, ha rilasciato una notizia bomba sul cast di Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum durante il fine settimana.
“Ho sentito che ci sarà un altro film ambientato nella Terra di Mezzo, e le riprese inizieranno a maggio. Sarà diretto da Gollum (Andy Serkis, ndr), e sarà tutto incentrato su Gollum“, ha anticipato McKellen all’evento per i fan “For the Love of Fantasy” a Londra domenica scorsa.
L’anno scorso, il regista originale de Il Signore degli Anelli, Peter Jackson, è stato annunciato come produttore di un nuovo capitolo live-action della saga, con l’attore che interpreta Gollum Andy Serkis alla regia e protagonista del nuovo film, la cui uscita era prevista per il 2026 e ora posticipata a dicembre 2027.
Ian McKellen ha sorpreso il pubblico con nuovi dettagli. “Vi svelerò due segreti sul casting: c’è un personaggio nel film chiamato Frodo e un personaggio nel film chiamato Gandalf”, ha detto. Sorridendo tra sé e sé mentre il pubblico rimaneva a bocca aperta per lo stupore, McKellen ha scherzato: “A parte questo, ho la bocca cucita!”
In precedenza, il CEO e Presidente di Warner Bros. Discovery, David Zaslav, ha parlato del film di Serkis durante la conference call trimestrale sui risultati aziendali. Zaslav ha osservato che Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum si unisce ai prossimi progetti di Batman, Superman e Harry Potter in cima alla lista delle priorità dello studio.
Sebbene McKellen non abbia specificato se lui e la star originale di Frodo Baggins, Elijah Wood, avrebbero ripreso i loro ruoli nel film, Wood era presente all’evento, sorridente con aria cospiratrice mentre McKellen parlava insieme ai colleghi del Signore degli Anelli Sean Astin, Dominic Monaghan, Billy Boyd e John Rhys-Davies.
Dopo che la trilogia cinematografica originale de Il Signore degli Anelli si è conclusa nel 2003 con il film premio Oscar Il Signore degli Anelli: Il Ritorno del Re, McKellen, Wood e Jackson sono tornati nella Terra di Mezzo con la trilogia dello Hobbit, distribuita tra il 2012 e il 2014.
Jackson non è stato coinvolto nella serie di Amazon Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere, ma l’anno scorso ha prodotto la prima incursione animata del franchise nelle opere di J.R.R. Tolkien, Il Signore degli Anelli: La guerra dei Rohirrim. Jackson è stato affiancato nel progetto da Fran Walsh e Philippa Boyens, entrambi produttori della trilogia cinematografica originale e anche a bordo di The Hunt for Gollum.
Il mondo costruito da Tolkien ne Il Signore degli Anelli è vasto e comprensivo, con molte storie lasciate in sospeso attraverso la Prima, la Seconda e la Terza Era. Descrivendo la regia del prossimo film come “un sogno che si avvera“, Andy Serkis ha rivelato che il progetto è quello di raccontare le storie non sfruttate di questo mondo. “Abbiamo iniziato a parlarne circa otto mesi fa“, ha ricordato l’attore. “Dicevano: ‘Andy vogliamo davvero rinvigorire la Terra di Mezzo. Ci sono così tante storie nuove che vogliamo coinvolgere“.
Dato che Gollum incontra la sua fine tra le fiamme del Monte Fato verso la fine de Il ritorno del Re, è lecito aspettarsi che il film si svolgerà prima di quegli eventi, idealmente anche prima che Frodo intraprenda il suo viaggio. Questo suggerisce che personaggi iconici come Aragorn, Boromir, Gandalf e Legolas potrebbero tornare in qualche modo, come suggerisce Serkis. Viggo Mortensen, che ha interpretato Aragorn nella trilogia originale, si è detto interessato se la trama è quella giusta.
Il regista James Gunn ha recentemente parlato con ExtraTV della seconda stagione di Peacemaker e dei piani più ampi per l’Universo DC. Nell’intervista, Gunn ha riflettuto sull’atmosfera affiatata e familiare che si respira sul set e ha condiviso spunti sul processo creativo della serie. Ha anche anticipato il futuro del DCU, rivelando che la seconda stagione di Peacemaker segue direttamente Superman e preparerà il terreno per la direzione futura dell’universo.
Quando l’intervistatrice di ExtraTV ha detto di aver appena parlato con John Cena, che ha detto che gli piacerebbe avere un cameo di un membro della Bat-famiglia, Gunn ha risposto cripticamente: “Dovremo vedere”. Alla domanda sulla direzione più ampia del DCU, James Gunn ha anticipato che la seconda stagione di Peacemaker fornirà molte risposte.
“Penso che scoprirete molto in questa stagione di Peacemaker. È un seguito diretto di Superman, anche se, va detto, non è per bambini, è per adulti. In un certo senso, vediamo dove sta andando l’Universo DC e scopriamo dove si dirigerà da qui. Entro la fine della stagione, ci saranno molte sorprese.”
In un’intervista separata, Gunn aveva precedentemente anticipato che gli episodi 6-8 della seconda stagione di Peacemaker contengono enormi sorprese e che aveva intenzionalmente escluso quegli episodi dalle copie di anteprima inviate ai media.
Riguardo al fatto che la seconda stagione sia l’ultima di Peacemaker, Gunn ha praticamente confermato che l’antieroe interpretato da Cena tornerà in un quarto progetto. Resta da vedere se si tratterà di una terza stagione o di qualcos’altro.
“La chiamiamo la Trilogia Tighty-Whities, tra The Suicide Squad, Peacemaker stagione 1 e Peacemaker stagione 2. La trasformeremo in una quadrilogia? Probabilmente, vedremo…”
“Nella seconda stagione, Peacemaker scopre un mondo alternativo in cui la vita è tutto ciò che desidera. Ma questa scoperta lo costringe anche ad affrontare il suo passato traumatico e a prendere in mano il futuro.”
James Gunn ha scritto tutti gli 8 episodi e ne ha diretti 3, inclusa la première. Peacemaker Stagione 2 riunisce John Cena con i membri chiave del cast della prima stagione, tra cui Danielle Brooks (Leota Adebayo), Freddie Stroma (Vigilante), Jennifer Holland (Emilia Harcourt) e Steve Agee (John Economos), mentre la serie si prepara per una grande espansione all’interno del nuovo Universo DC.
Questa volta, la storia si espanderà oltre l’affiatato team di Peacemaker, con Frank Grillo che interpreterà Rick Flag Sr., un personaggio che funge da collante tra Superman, Creature Commandos e i futuri capitoli del DCU.
Appariranno anche diversi altri volti noti di Superman, tra cui Isabela Merced nei panni di Hawkgirl, Nathan Fillion nei panni di Guy Gardner e Sean Gunn che riprenderà il ruolo del finanziatore della Justice Gang Maxwell Lord. I fan conosceranno anche un personaggio completamente nuovo, Red St. Wild, interpretato da Michael Rooker, collaboratore di lunga data di Gunn.
Un’auto come prigione, il proprietario che controlla tutto a distanza, il ladro bloccato dentro senza vie di fuga: l’idea di Locked – In Trappola sembra da high-concept hollywoodiano, ma quanto è davvero possibile nel 2025? Più di quanto sembri. Tra servizi di immobilizzazione remota già in uso (su richiesta delle forze dell’ordine), sistemi di deadlock che disattivano le maniglie interne, telemetria e modalità “sentinella” con videocamere sempre attive, l’ecosistema dell’auto connessa offre già oggi strumenti capaci di trasformare un furto in un duello tecnologico.
Il film estremizza alcuni elementi (come le “scosse dal sedile”, che non esistono nei sistemi OEM e sarebbero illegali), ma il nucleo realistico resta: bloccare qualcuno a bordo di un veicolo e gestire la situazione da remoto è tecnicamente plausibile se si combinano funzioni di sicurezza avanzate, chiusura centralizzata e controllo digitale. In questo articolo separiamo ciò che è reale, ciò che è probabile e ciò che è puro cinema.
Immobilizzare a distanza: già oggi
Servizi come OnStar Stolen Vehicle Assistance possono rallentare un’auto rubata su richiesta della polizia (Stolen Vehicle Slowdown), fino a portarla al minimo: è tecnologia commerciale attiva da anni.
Porte che non si aprono dall’interno: i “deadlock”
Molte vetture offrono il deadlocking (o super-lock): se attivato dal telecomando, disabilita le maniglie interne e impedisce l’apertura anche da dentro. È un sistema diffuso su vari brand e documentato nei manuali (es. Volvo, Renault, Kia). Rischio: se attivato con qualcuno a bordo, può intrappolare l’occupante.
Nota normativa: gli standard USAFMVSS 206 regolano resistenza e requisiti delle serrature/chiusure; a livello ONU, i regolamenti su antifurto/immobilizer (UN R116/R163) riguardano dispositivi e allarmi, non definiscono il comportamento dettagliato del blocco porte.
“Auto-telecamera”: sorveglianza e allerta
Sistemi come Tesla Sentry Mode sorvegliano l’auto da ferma con camere e sensori, registrano e inviano notifiche: un tassello realistico del “controllo a distanza” mostrato nel film.
Come i ladri aggirano i sistemi (e perché il film non è fantascienza)
Le auto moderne restano vulnerabili a relay attack (chiavi keyless) e a tecniche come la CAN injection, che imitano messaggi sulla rete dell’auto per sbloccare/avviare il veicolo; negli ultimi anni l’Europa ha visto un incremento di furti legati a exploit sulle chiavi/keyless e vari costruttori stanno correndo ai ripari.
Cosa è poco plausibile
Sedili “a scossa”: non esistono funzioni OEM che eroghino scosse elettriche agli occupanti; i sedili riscaldati/massaggianti lavorano a bassa tensione e non sono progettati per danneggiare. Una “tortura” integrata sarebbe illegale e fuori dai requisiti di sicurezza.
Chiusura totale senza vie di fuga: il deadlock può impedire l’uscita, ma tra norme di sicurezza, manual override e vetri, la “prigione perfetta” richiederebbe modifiche non standard. (Resta comunque verosimile scenicamente: deadlock + finestre chiuse + controllo remoto).
Verdetto
La premessa di Locked – In Trappola poggia su tecnologie reali (immobilizer/slowdown, deadlock, telemetria/sorveglianza). Il film estremizza alcuni aspetti (dolore inflitto via sedile), ma bloccare un intruso dentro l’auto e gestire la situazione da remoto è, a grandi linee, plausibile nel 2025. In sala dal 20 agosto con Eagle Pictures.
Locked – In Trappola si discosta molto dal film che lo ha ispirato. Interpretato da Bill Skarsgård e Anthony Hopkins, il film è incentrato su Eddie, un criminale di strada che si ritrova intrappolato nell’auto di lusso personalizzata di un ricco (e pericoloso) medico di nome William. Il film è il remake in lingua inglese di 4×4, un thriller argentino diretto e co-sceneggiato da Mariano Cohn. Sia 4×4 che Locked iniziano con un’impostazione simile, sebbene Ciro e Enrique dimostrino di avere personalità diverse rispetto alle loro controparti americane.
I due film alla fine divergono nei loro finali, adottano orientamenti morali diversi e si concludono in modi molto diversi. In Locked – In Trappola, la narrazione rimane incentrata su Eddie e William, evidenziando la crescita di Eddie e la lezione del suo percorso. Al contrario, 4×4 adotta una prospettiva più ampia sulla società in generale. Il risultato sono due film che iniziano in modo simile ma finiscono in toni molto diversi.
Eddie di Locked è molto meno orribile di Ciro di 4×4
Ciro oltrepassa alcuni seri limiti morali che Eddie non oltrepasserebbe
La differenza più grande tra Locked e 4×4, si può trovare nel personaggio principale. Entrambi i film seguono in gran parte la stessa impostazione, seguendo un piccolo criminale dopo che irrompe in un veicolo da cui poi non riesce a fuggire. Tuttavia, Eddie di Locked è un personaggio molto diverso da Ciro di 4×4. Fin dal set, Eddie è ritratto in una luce piuttosto compassionevole. Nonostante tutti i suoi difetti (e ce ne sono molti), il suo amore per la figlia e il suo crescente rimpianto per il trattamento che le ha riservato gli conferiscono un arco narrativo avvincente e comprensibile.
Al contrario, il pubblico non trascorre molto tempo con la famiglia di Ciro prima che lui si introduca nell’auto, durante la quale è più sprezzante e volgare. Ciro oltrepassa costantemente limiti morali enormi che Eddie non avrebbe mai oltrepassato, infatti i due personaggi principali hanno opinioni molto distinte sull’uso dell’omicidio. La storia di Ciro presenta anche un finale molto più duro di quello di Eddie, che sopravvive e alla fine prospera dopo la conclusione del suo arco narrativo.
La ferita da arma da fuoco di Ciro è peggiore di quella di Eddie
William salva Eddie dalle sofferenze fisiche a cui Enrique aveva condannato Ciro
Sia in Locked che in 4×4, la persona intrappolata nell’auto è un criminale professionista con le risorse necessarie per quello stile di vita. Dopo essersi feriti nel tentativo di uscire dall’auto, entrambi gli uomini estraggono una pistola e cercano di rompere il vetro con un colpo. Rimbalzando sui finestrini antiproiettile, il proiettile finisce per colpire sia Eddie che Ciro alla gamba. In Locked, questa ferita rappresenta un problema importante per Eddie nel breve termine, ma William lo salva dopo che sviene per la perdita di sangue, fasciandogli le ferite.
Questo stabilisce la professione di William come medico e suggerisce che abbia molto più controllo sulla situazione di quanto Eddie (o il pubblico) inizialmente pensasse. Significa anche che la ferita alla gamba viene più o meno risolta come un colpo di scena. Al contrario, l’equivalente di William in 4×4 è Enrique, un medico che non fa lo stesso sforzo per aiutare Ciro. Di conseguenza, la ferita di Ciro si infetta sempre di più. Questo momento si inserisce nel trattamento più duro riservato a Ciro come personaggio, che ha una figlia come Eddie ma non ha una storia incentrata molto sul suo rapporto con lei.
Ciro rimane intrappolato in macchina molto più a lungo di Eddie
4×4 tiene Ciro separato dal resto del mondo per un periodo più lungo
Sia Eddie che Ciro trascorrono un lungo periodo in macchina nelle rispettive trame. Tuttavia, Ciro vive un’esperienza molto più dura, che si suppone duri molto più a lungo. Eddie rimane bloccato in macchina per alcuni giorni, un tempo sufficiente a infliggergli un grave esaurimento fisico e mentale. Tuttavia, Ciro ferito gravemente rimane intrappolato abbastanza a lungo da farlo iniziare a vacillare sotto pressione, mentre comincia a delirare. Questo si riflette nel trattamento complessivamente più duro che 4×4 riserva a Ciro rispetto a come Locked – In Trappola tratta Eddie.
Mentre Eddie subisce numerose ferite nel corso del film, William si concentra maggiormente sul lato cerebrale del loro antagonismo. Alla fine, la moglie e il figlio di Ciro ricevono una piccola fortuna dal medico, a differenza di William che quasi investe la figlia di Eddie, Sarah, per spezzare mentalmente Eddie. La tortura di Eddie in Locked – In Trappola è più frenetica e psicologica, mentre Ciro subisce un tormento fisico e mentale più lungo in 4×4.
William ed Enrique hanno delle figlie (ma solo una di loro è viva)
William è più apertamente malvagio in Locked
Una delle grandi rivelazioni di Locked è la motivazione di William nel tenere Eddie intrappolato. William alla fine rivela che sua figlia, che viveva anche lei in città, è stata uccisa durante una rapina. Spinto da una rabbia vendicativa contro l’idea generale della classe criminale che gliel’aveva portata via, William si fa costruire un’auto e aspetta di vendicarsi del prossimo criminale che lo prenderà di mira. Questa triste rivelazione ha un collegamento con il film originale, ma la figlia del dottore in 4×4 è effettivamente sopravvissuta al suo incontro con i criminali.
Durante una conversazione all’inizio del film tra Enrique e Ciro, il primo rivela che sua figlia e suo nipote sono stati derubati a mano armata nella loro casa. Tuttavia, nonostante il nipote di Enrique abbia avuto una pistola puntata alla testa per ore, entrambi sono sopravvissuti all’esperienza. Si scopre che i due si sono trasferiti a Barcellona. La rabbia di Enrique, come rivelato nel momento culminante, deriva più dalla sua furia nel sentirsi ripetere continuamente “almeno nessuno si è fatto male“. Si tratta comunque di un attacco a un familiare che infrange la sua visione della società, ma non uccide la figlia.
Ciro scappa dall’auto da solo (prima del finale)
Eddie non scappa finché William non ha schiantato l’auto
Ciro ed Eddie alla fine scappano entrambi dall’auto, ma Ciro lo fa più velocemente nella narrazione. Dopo un lungo periodo che esaurisce e distrugge mentalmente sia Ciro che Eddie, Enrique e William li raggiungono in macchina. Usando una pistola e i sedili elettroshock di cui è dotata la sua auto, William riesce a tenere Eddie sottomesso abbastanza a lungo da legarlo e impedirgli di tentare la fuga. Questo prepara William a unirsi a Eddie per un viaggio in auto che porta al climax del film.
Al contrario, Enrique viene distratto da una telefonata mentre si siede accanto a Ciro. Deponendo la pistola, Enrique viene colto di sorpresa quando Crio raccoglie abbastanza forza per afferrarla, sparargli e darsi alla fuga. È un’altra dimostrazione della differenza tra Eddie e Ciro come personaggi, poiché Ciro si dimostra più rapido nell’estrarre l’arma e più disposto a usare metodi letali. Enrique, leggermente ferito, lo raggiunge ma viene individuato dalla polizia, dando inizio a un terzo atto di 4×4 molto diverso da quello usato in Locked.
La tortura di Locked rimane un segreto (ed è più pubblica in 4×4)
Il culmine di 4×4 si svolge davanti alla polizia
Locked – In Trappola non rivela mai al pubblico cosa ha fatto William, il che rappresenta un distacco dal finale di 4×4. In Locked, William raggiunge Eddie in macchina e si allontana dalla città con una borsa di attrezzi sul sedile posteriore. William intende uccidere Eddie e disfarsi del suo corpo, ma Eddie riesce finalmente a farcela e disattiva l’auto in un momento critico, provocando un incidente a William e dandogli la possibilità di fuggire. Eddie sembra non dire a nessuno cosa è successo, tornando alla sua vecchia situazione di uomo cambiato.
Al contrario, l’arrivo della polizia trasforma lo scontro tra Ciro ed Enrique in uno spettacolo molto più pubblico. Tenendo Ciro sotto tiro, Enrique si scaglia contro il sistema di fronte a una folla di poliziotti, negoziatori e curiosi. Questo prepara il vero terzo atto del film, dove Ciro diventa un osservatore passivo mentre Enrique si scontra con il negoziatore della polizia, Julio. È qui che entra in gioco la vera differenza tra Locked e 4×4, poiché la reazione del pubblico a Enrique parla del nucleo teatrale del film.
I finali di Locked e 4×4 sono completamente diversi
4×4 ha un finale molto più cupo di Locked
Sebbene entrambi i film siano cupi e dipingano un cupo ritratto dei tempi moderni, Locked è in definitiva un film molto più edificante di 4×4. Locked parla in definitiva di un cattivo che impara ad apprezzare ciò che ha invece di concentrarsi su come il mondo lo tratta. Sfugge alla presa di William e conclude il film riunendosi con la sua famiglia. Locked è un film cupo, ma con un protagonista imperfetto ma comprensivo che impara una lezione importante. Al contrario, il finale di 4×4 è più incentrato sul puntare il dito accusatorio contro la società.
Messo alle strette dalla polizia, Enrique chiede al pubblico di sostenere le sue affermazioni secondo cui il mondo è distrutto – e molti sono d’accordo. È un finale molto più cupo, con la città divisa sulla giustificazione o meno delle azioni di Enrique. Rendendo la vendetta di William più personale e tenendola lontana dalla portata del pubblico, appare come un atto malvagio a sé stante. La decisione di Enrique di suicidarsi e il successivo arresto di Ciro, molto più cupo, evidenziano come i temi e il finale di 4×4 assumano una prospettiva molto più cupa rispetto alla conclusione di Locked.
Il finale di Shutter Island è ancora oggetto di dibattito e discussione tra fan e critici a più di dieci anni dall’uscita del film. Martin Scorsese dirige questo thriller storico in cui Leonardo DiCaprio interpreta Tedd Daniels, un agente federale che indaga sulla scomparsa di un detenuto da un istituto psichiatrico situato nell’omonima isola. Tuttavia, il finale di Shutter Island suggerisce che Teddy sia in realtà un paziente della struttura e che la sua “indagine” sia stata ideata dai suoi medici per riportarlo alla realtà.
C’è chi sostiene che Shutter Island sia un film lineare dopo aver svelato il trucco utilizzato nella struttura psichiatrica per cercare di curare Andrew Laeddis, interpretato da DiCaprio, dalla sua profonda malattia. Tuttavia, c’è chi ritiene che il film sia aperto a diverse interpretazioni e che Teddy sia un vero uomo di legge che è stato convinto dai medici della struttura di essere un paziente per nascondere i segreti dell’isola. Alla fine, la verità dietro il finale di Shutter Island è chiara quando si esamina l’intero film e gli indizi che la storia lascia indicando la decisione finale e fatale di Laeddis.
Shutter Island spiegato: cosa succede e cosa significa
Le teorie secondo cui Shutter Island sarebbe una struttura segreta del governo o che i medici “manipolano” Teddy Daniels alla fine del film sono semplicemente fuori luogo. Il personaggio interpretato da DiCaprio è in realtà Andrew Laeddis (alias Paziente 67), un detenuto disturbato di Shutter Island che ha ucciso sua moglie e che i medici stanno cercando di riabilitare. L’indagine di Teddy sull’isola è in realtà un intricato gioco di ruolo ideato dal dottor Cawley (Sir Ben Kingsley) e dal partner di Teddy, “Chuck” (Mark Ruffalo), che in realtà è il principale psichiatra di Teddy, il dottor Sheehan “scomparso”.
Cawley e Sheehan sono i medici più comprensivi, che credono che con la terapia e la compassione le condizioni di Andrew possano essere curate. D’altra parte, il dottor Naehring (Max von Sydow) e il direttore (Ted Levine) credono che persone come Andrew siano troppo instabili e violente per una soluzione terapeutica; legare i pazienti e drogarli (in alcuni casi lobotomizzandoli) sono le soluzioni in cui credono Naehring e il direttore.
Il gioco ha inizio per dare al dottor Cawley e al dottor Sheehan un’ultima possibilità di dimostrare che Andrew Laeddis può essere strappato dalla sua fantasia di “Teddy Daniels” e accettare la realtà del suo trauma: sua moglie Dolores (Michelle Williams) ha ucciso i loro figli e lui, Andrew, l’ha uccisa per vendetta. Andrew si sente in colpa perché sapeva da tempo della depressione della moglie, ma a causa dei suoi problemi con l’alcol e dello stress post-traumatico dopo le esperienze della Seconda Guerra Mondiale, Andrew non ha mai riconosciuto la gravità dei suoi problemi, e questo gli è costato i figli.
Shutter Island: Chi è George Noyce? Esiste davvero?
Gli avvertimenti di George sono stati fraintesi da Andrew
Il personaggio di Jackie Earle Haley, George Noyce, è un altro paziente che conosceva Teddy/Andrew nel manicomio e che aiuta a svelare il colpo di scena finale di Shutter Island. Noyce è presentato come un “recidivo” che è finito di nuovo a Shutter Island e ha alimentato le teorie cospirative di Andrew per alimentare la sua fantasia. Tuttavia, questa è la percezione distorta della situazione da parte di Andrew.
C’è anche la possibilità che Noyce sia stato incluso nel gioco per alimentare la fantasia di Andrew.
In realtà, quando George Noyce dice che si trova nel reparto C solo a causa di Teddy e che non uscirà mai più, sorgono ulteriori complicazioni. Se Noyce fosse stato vittima della violenza di Andrew, non avrebbe senso che fosse stato rinchiuso con i prigionieri più pericolosi. C’è anche la possibilità che Noyce sia stato incluso nel gioco per alimentare la fantasia di Andrew.
Quello che si sa è che un giorno Noyce ha chiamato “Teddy” con il suo vero nome, Laeddis, provocando un attacco psicotico in cui Andrew lo ha picchiato selvaggiamente. Quell’aggressione è ciò che ha spinto il dottor Naehring e il direttore a spingere per la lobotomia di Laeddis, e il dottor Cawley e il dottor Sheehan a creare il gioco di ruolo come ultima risorsa per curare Laeddis. Tuttavia, ciò non spiega il trattamento riservato allo stesso George Noyce, che sembra avere un sottofondo malvagio.
Noyce è reale, ma il passato di Andrew fa parte della sua fantasia delirante: egli crea l’idea di Noyce come un simpatico ragazzo del college che ha ucciso tre uomini a seguito di esperimenti condotti su di lui nell’ambito di uno studio psicologico. In realtà, Noyce è un paziente e le verità che racconta a Teddy sugli esperimenti sono vere, ma non nel modo in cui Teddy crede. George Noyce dice la verità ad Andrew per avvertirlo che i medici stanno cercando di curarlo alimentando la sua fantasia, ma Teddy le interpreta erroneamente come prove del vero significato oscuro di Shutter Island come istituzione.
Rachel Solando di Shutter Island, la legge del 4 e il paziente 67 spiegati
L’indagine è piena di indizi pensati per far affrontare la realtà ad Andrew
La legge del quattro di Shutter Island ha a che fare con i nomi anagramma che Andrew inventa per il suo mondo fantastico. “Edward (Teddy) Daniels” è un anagramma di “Andrew Laeddis” e “Rachel Solando” è un anagramma di “Dolores Chanal”, il nome da nubile della moglie defunta di Andrew. Questo ha creato quattro nomi diversi all’interno della fantasia di Andrew. Nel frattempo, il mistero al centro della scomparsa del Paziente 67 che “Teddy” sta indagando si rivela essere lui stesso, ovvero Andrew Laeddis. Finché “Teddy Daniels” cercherà il Paziente 67, non sarà mai in grado di trovarlo e la sua fantasia continuerà a esistere.
Sua figlia rappresenta la verità: è l’unica cosa che Andrew non può negare o dimenticare.
“Rachel Solando” è anche un gioco di parole su “Rachel Laeddis”, il nome della figlia morta di Andrew. Sua figlia è anche la stessa bambina che appare nei suoi sogni sull’Olocausto, dicendo: “Avresti dovuto salvarmi”, che è la mente di Andrew che cerca di elaborare il trauma di ciò che è successo. Sua figlia rappresenta la verità: è l’unica cosa che Andrew non può negare o dimenticare. L’infermiera che il dottor Cawley fa passare per Rachel Solando fa parte di una tecnica terapeutica per far ricordare ad Andrew la sua vera moglie. La scommessa di Cawley quasi funziona, ma il cervello di Andrew semplicemente non riesce a sopportare lo stress.
Il simbolismo del fuoco e dell’acqua in Shutter Island
L’acqua è un promemoria della realtà che Andrew cerca di sopprimere
Il fuoco è un simbolo della realtà di Andrew/Teddy nel film. Ogni volta che Teddy si trova vicino al fuoco (i fiammiferi che accende nel reparto C, il fuoco nella caverna con il “dottor Solando” e quando fa esplodere l’auto del dottor Cawley verso la fine), soffre di una sorta di allucinazione. Il fuoco è il simbolo del mondo fantastico di Andrew. Al contrario, l’acqua (l’opposto del fuoco) è il simbolo della realtà di ciò che gli è successo. Sua moglie annega i suoi figli nell’acqua ed è proprio l’acqua a rendere Andrew così turbato/a disagio/malato per tutto il film.
Ecco perché la scena con il “Dr. Solando” si svolge nella grotta marina. Lei alimenta la fantasia della cospirazione di Shutter Island come parte del “gioco” inteso a liberare Andrew. È anche il motivo per cui Andrew arriva sull’isola in tempesta, via mare: è il simbolico “arrivo” dal suo passato traumatico. Anche il faro funge da simbolo di ciò che Andrew sta vivendo, poiché è strettamente legato alla navigazione sicura in acque pericolose.
Shutter Island è un’operazione di controllo mentale del governo?
La cospirazione permette ad Andrew di immergersi più a fondo nella sua fantasia
L’intera “operazione di controllo mentale del governo” è un diversivo inventato da Andrew Laeddis per la sua fantasia. Gli permette di spiegare a se stesso perché si trova a Shutter Island (per indagare su una cospirazione) e di demonizzare i medici e il personale come minacce o cospiratori. L’obiettivo del gioco di ruolo del dottor Cawley e del dottor Sheehan è quello di permettere ad Andrew di rendersi conto da solo di quanto sia impossibile e assurda la sua teoria del complotto, lasciandolo indagare fino alla fine.
Il National Board of Review ha nominato Shutter Island uno dei 10 migliori film del 2010.
Ecco perché il dottor Sheehan/Chuck istiga Andrew a elaborare teorie folli mentre lui e “Teddy” sono bloccati in quella cripta durante l’uragano (“Mentre tu guardavi loro, loro guardavano te!”). Sheehan vuole che Andrew dia sfogo alla sua fantasia fino a quando non si rende conto di quanto sia impossibile. Nonostante il faro dovrebbe essere il luogo in cui sono nascosti tutti i segreti oscuri, una volta che Teddy lo raggiunge, non c’è nulla all’interno, dimostrando che la cospirazione è falsa.
Perché Andrew finge di essere ancora Teddy nel finale di Shutter Island
L’ultima battuta di Andrew rivela che è tornato alla realtà
Il finale di Shutter Island sembra ambiguo a molte persone, ma a una seconda visione è piuttosto chiaro. Teddy si risveglia alla realtà di essere in realtà Andrew Laeddis, anche se viene avvertito dal dottor Cawley e dal dottor Sheehan che in passato è già regredito nel suo mondo fantastico. Tuttavia, Andrew è intelligente: quando il dottor Sheehan si siede con lui sui gradini la mattina seguente, Andrew sa che i medici e il direttore lo stanno osservando.
Tuttavia, il senso di colpa e il dolore sono ancora così forti che sa di non poter vivere con loro; piuttosto che convivere con la consapevolezza del suo dolore, sceglie di fingere di essere ancora Teddy Daniels e lasciare che gli facciano la lobotomia, in modo da potersi finalmente liberare del suo fardello. Mentre alcuni pensano semplicemente che sia tornato il suo alter ego “Teddy”, la sua ultima frase al dottor Sheehan “Cosa sarebbe peggio: vivere come un mostro o morire da uomo buono?” allude alla decisione che sta prendendo di “morire da uomo buono”.
La spiegazione del vero significato di Shutter Island
Andrew si confronta con la sua terribile violenza mentre si presenta come un eroe
Nel finale di Shutter Island, Andrew dice al dottor Sheehan: “Vivere come un mostro o morire da uomo buono?”. Alla fine, Andrew preferisce essere cancellato dalla memoria come “Teddy Daniels” piuttosto che vivere con i peccati di Andrew Laeddis. In questo senso, Shutter Island è uno studio complesso sul dolore e sul trauma, e su quanto la mente umana sia disposta a spingersi per curarsi dalla dura realtà.
Il senso di colpa e il dolore spingono Andrew a inventarsi una seconda identità, in cui è ancora un eroe di guerra e un agente federale di nome Teddy Daniels. Essendo intelligente, inventa una complessa narrazione mentale in cui le teorie cospirative su Shutter Island e la caccia a un paziente che non esiste lo tengono occupato con un mistero che non può (o non vuole) risolvere: quello di essere il Paziente 67.
Teddy indaga sulla violenza della storia di Shutter Island, la vera storia di Andrew, attraverso l’allontanamento
Shutter Island medita anche sulla violenza, ponendo Andrew Laeddis come un eroe auto-inventato, un costrutto letterale personificato da Teddy Daniels, la cui perdita di controllo nell’omicidio della moglie (e nell’incapacità di impedire l’omicidio dei figli) lo spinge a creare una situazione in cui ha il pieno controllo. Teddy indaga sulla violenza della storia di Shutter Island – la vera storia di Andrew – attraverso la rimozione, rifiutando di accettare la possibilità della propria violenza, che respinge anche quando gli si presenta sotto le sembianze di George Noyce.
Come viene spiegato il finale di Shutter Island dai registi
Rivedere Shutter Island rivela molti indizi sul finale a sorpresa del film
Leonardo DiCaprio, Sir Ben Kingsley e Martin Scorsese hanno parlato a lungo di quanto sia stato difficile girare Shutter Island. Il problema era che quando hanno iniziato le riprese, si sono resi conto che alla prima visione il pubblico avrebbe dovuto credere che il dottor Cawley e Shutter Island potessero essere qualcosa di sinistro, ma alla seconda visione avrebbe dovuto capire che tutti quelli che circondano Teddy sono coinvolti in un gioco di ruolo e stanno cercando di mantenere viva la fantasia, anche se molti membri dello staff e delle guardie non sono contenti.
Dopo aver visto il film una seconda volta e sapendo come va a finire, diventa chiaro quanto Scorsese e il cast siano riusciti a portare a termine questa difficile impresa. Shutter Island diventa un film affascinante da rivedere, poiché è chiaro che gli altri personaggi sanno che Teddy è un costrutto psicologico instabile di Andrew, e qui ci sono alcuni indizi che aiutano a capirlo:
Le guardie durante tutto il film diventano estremamente nervose ogni volta che “Teddy” è nei paraggi e stringono un po’ più forte le loro pistole. Questo è particolarmente vero all’inizio, quando “i Marshal” arrivano sull’isola. È perché le guardie sanno che Teddy è un paziente pericoloso a cui è stato permesso di vagare libero. È anche il motivo per cui sono poco entusiasti di cercare una Rachel Solando che non esiste tra le rocce dell’oceano.
Quando Teddy e Chuck intervistano le infermiere e gli inservienti, è facile capire quanto il personale trovi ridicola l’intervista. Un’infermiera dice qualcosa su quanto il loro lavoro sia “lontano dalla normalità”: sta facendo una battuta ironica perché sta parlando con un paziente vestito da poliziotto. In quella scena, anche il personale non è molto entusiasta del gioco di ruolo, e il dottor Sheehan / Chuck li spinge a rispondere alle domande di Teddy per mantenere viva la fantasia.
Quando Teddy intervista la signora Kearns, lei parla di quanto sia bravo il dottor Sheehan. C’è un po’ di imbarazzo nello sguardo tra lei e “Chuck” perché sta parlando di lui. È anche il motivo per cui chiede a Chuck dell’acqua e lui accetta subito (è un momento imbarazzante). La signora Kearns scrive “corri” sul foglio che passa a Teddy perché sa che lui ha la possibilità di scappare mentre stanno facendo l’esperimento di gioco di ruolo. È anche il motivo per cui sembra “istruita” su cosa dire a Teddy: lo è stata.
La donna inquietante nel cortile all’inizio del film fa il gesto di “zitto” a Teddy perché lo conosce, sa che sta giocando e le è stato detto di non rovinare il gioco.
Quando Teddy rivela al dottor Naehring di aver risolto l’enigma del Paziente 67 durante una riunione del personale, Naehring dice: “Cosa ci fanno qui?” È sinceramente infastidito dal fatto che il dottor Cawley lasci Teddy/Andrew vagare così liberamente.
Nel reparto C, Teddy viene avvicinato da un prigioniero in libertà e quasi lo strangola a morte. “Chuck” e una guardia arrivano e trascinano via l’uomo strangolato. La guardia dice a Teddy che non può accompagnarlo in infermeria, borbottando su quanti guai si sarà cacciato per aver lasciato che un paziente strangolasse un altro paziente.
Alla fine, Shutter Island è un mistero piuttosto chiaro: la lettura diretta potrebbe non essere divertente come alcune delle teorie cospirative che circolano, ma le prove di ciò che Scorsese e il suo team hanno voluto realizzare con questo thriller complesso sono sparse in tutto il film.
In che modo il finale di Shutter Island è diverso dal libro
Dennis Lehane ha scritto il romanzo
Sebbene Martin Scorsese abbia diretto Shutter Island, il film è basato su un romanzo di Dennis Lehane, lo stesso autore di romanzi come Mystic River e Gone Baby Gone. Tuttavia, come per qualsiasi romanzo che diventa un film, è necessario apportare delle modifiche per tradurlo dalla pagina allo schermo. Con Scorsese, la maggior parte dei romanzieri dovrebbe sentirsi sicura che, anche con le modifiche apportate, la storia manterrà il suo significato e il suo focus, anche se i personaggi e gli eventi potrebbero cambiare lungo il percorso.
Il finale del romanzo Shutter Island e del film è sostanzialmente lo stesso. Il lettore scopre alla fine che Teddy non è un agente federale, ma un paziente che è stato mandato a Shutter Island dopo aver ucciso sua moglie e i suoi figli. Anche il romanzo termina con la lobotomia che il film lascia intendere. L’unica differenza tra questi due momenti è che Teddy non capisce mai la verità nel romanzo, mentre nel film viene almeno suggerito che potrebbe saperlo e che ha scelto la lobotomia.
È lo stesso senso di colpa cattolico che Scorsese ha costruito in molti dei suoi film
Questo cambia il ragionamento alla base della lobotomia. Nel film, tutto ruota attorno all’idea del senso di colpa che grava sulla sua mente. È lo stesso senso di colpa cattolico su cui Scorsese ha costruito molti dei suoi film. Teddy non riesce a convivere con il ricordo di ciò che ha fatto, quindi sa che questo è l’unico modo per porre fine al suo dolore, anche se è qualcosa da cui non potrà mai tornare indietro. Tuttavia, il romanzo Shutter Island parla di Teddy che non viene mai curato e della decisione che gli viene tolta dalle mani.
Come è stato accolto il finale di Shutter Island
Il dibattito sul finale di Shutter Island ha contribuito alla sua eredità
Un segno di un buon finale di un film è quanto fa discutere. A oltre un decennio dall’uscita di Shutter Island, il film è ancora oggetto di appassionate discussioni tra i fan, molti dei quali hanno opinioni diverse sul significato del finale. Molti pensano che sia chiaro che Andrew sia un paziente che alla fine del film è guarito, ma che sceglie di sottoporsi alla lobotomia, ma Shutter Island presenta abbastanza informazioni da far pensare ad alcuni che si tratti di un enorme complotto e che Teddy Daniels sia un vero uomo di legge che è stato sottoposto al lavaggio del cervello da questi medici.
Il film potrebbe avere una risposta definitiva sul significato del finale, ma i fan hanno apprezzato il fatto che molti spettatori possano sedersi e guardare il film, ognuno vedendo qualcosa di diverso nella propria interpretazione. Uno dei punti più discussi tra i fan di Shutter Island è il significato dell’ultima battuta del film e se la ricaduta di “Teddy” fosse reale o finta.
Tuttavia, alcuni fan hanno difeso con passione la loro visione del finale e l’idea che la decisione di Andrew alla fine sia ciò che dà significato all’intero film. Come sottolinea Redditor Snow_sun2:
Tante persone non sono d’accordo con me su questo punto, e non capisco perché. Il finale è molto più significativo, interessante e conclude davvero una storia incredibile in questo modo. Se lui avesse semplicemente “ricaduto”, non sarebbe stato così emozionante e significativo, ma piuttosto insoddisfacente e “incompiuto”.
Come il finale di Shutter Island sia un’eccezione per Martin Scorsese
Il finale a sorpresa di Shutter Island ha richiesto a Scorsese di utilizzare un approccio narrativo diverso
Shutter Island rimane uno dei film di maggior successo commerciale di Martin Scorsese, ma il suo finale mette in evidenza quanto il film sia diverso per il leggendario regista. Nonostante la longevità della sua carriera, Scorsese ha sempre evitato di realizzare film che potessero essere considerati “mainstream”. Certo, ha realizzato film che hanno avuto un grande impatto sul pubblico e hanno influenzato enormemente il cinema nel suo complesso, ma questi film hanno sempre cercato di sfidare il pubblico e di sfidare la narrazione convenzionale.
Scorsese ha sempre amato realizzare film che esaminano i personaggi piuttosto che seguirli in una trama rigida.
Scorsese ha famigeratamente affermato che The Departed è stato il primo film che ha realizzato con una trama, e anche se potrebbe trattarsi di una battuta da parte sua, c’è del vero in ciò che dice. Scorsese ha sempre amato realizzare film che esaminano i personaggi piuttosto che seguirli in una trama rigida. Taxi Driver e Goodfellas sono due dei film più amati di Scorsese, ma Taxi Driver è uno studio dei personaggi, mentre Goodfellas immerge il pubblico nella vita della mafia. Nessuno dei due film si preoccupa eccessivamente di portare avanti una “trama”.
Tuttavia, Shutter Island è un film che spinge sempre lo spettatore verso la fine e il grande colpo di scena. Vedere Scorsese affrontare la narrazione misteriosa in questo modo, lasciando indizi e prefigurando la verità che alla fine viene rivelata, è emozionante ed efficace. Tuttavia, coloro che hanno familiarità con la filmografia di Scorsese potranno notare quanto sia insolito vedere il regista affrontare una narrazione più convenzionale e dover essere in versive della trama.
Shutter Island è sicuramente un thriller eccezionale, reso ancora più elevato dalla regia di Scorsese. Il regista è un maestro nel coinvolgere il pubblico in qualunque mondo esplori e Shutter Island consuma gli spettatori con un senso di inquietudine fin dalla prima inquadratura. Tuttavia, manca anche un po’ della magia che caratterizza i film migliori di Scorsese, in cui il regista ha più libertà narrativa.
Il finale di Io sono nessuno 2 (qui la nostra recensione) riafferma il ruolo di Hutch nel mondo, preparando il terreno per altri potenziali sequel. Il sequel del campione d’incassi del 2021, riporta in auge l’Hutch di Bob Odenkirk. Un padre di famiglia di periferia apparentemente mite è segretamente un agente letale, il cui lato oscuro riemerge. Io sono nessuno 2, ricco d’azione e consapevole di sé, riprende la storia qualche tempo dopo il primo film, con Hutch costretto a diventare di nuovo un “revisore dei conti” per il governo. Il suo tentativo di rilassarsi con la famiglia va a rotoli quando durante le vacanze estive si imbatte in una pericolosa rete di contrabbando.
I personaggi di Io sono nessuno 2 si ispirano agli elementi stilistici del film d’azione, in particolare la mente criminale Lendina interpretata da Sharon Stone. Alla fine del film, Hutch è costretto a mandare a monte l’intera operazione (con la moglie Becca e il padre David che sferrano i colpi di grazia che uccidono Lendina). Gli ultimi momenti del film sono lasciati in sospeso e questo suggerisce che Hutch potrebbe tornare sul campo in men che non si dica. Ecco in che modo Io sono nessuno 2 prepara silenziosamente un altro sequel.
Chi libera Hutch e Becca alla fine?
Hutch e Becca vengono liberati dalla custodia della polizia alla fine di Io sono nessuno 2 grazie alle conoscenze di Hutch, preparando il terreno per il suo ritorno in un altro sequel. Nessuno ha presentato Hutch come “revisore dei conti” in pensione per l’intelligence statunitense, che si è ritrovato spronato a tornare in azione nonostante i suoi sforzi per andare in pensione.
Come risultato delle sue azioni nel finale del primo film, il governo ha pagato il debito che Hutch aveva accumulato con la mafia russa dopo aver distrutto una piccola fortuna del loro denaro. Hutch è costretto a ripagarli intraprendendo missioni mortali, estinguendo gradualmente il suo debito, anche se si sente esausto e sta perdendo i contatti con la sua famiglia.
Sebbene non sia stata confermata la persona esatta che ordina la liberazione di Hutch e Becca entro la fine di Io sono nessuno 2, è probabile che sia collegata al Barbiere. Il referente governativo di Hutch, il Barbiere, è apparso nel primo atto del film e in seguito ha fornito a Hutch una certa quantità di informazioni su Plumerville, ma non ha potuto fornire supporto.
È probabile che il Barbiere stia semplicemente assicurandosi che uno dei suoi agenti più importanti sfugga al controllo della polizia, impedendo qualsiasi potenziale reazione da parte sua se Hutch venisse scoperto. Questo potrebbe dare al Barbiere maggiore potere su Hutch. C’è anche un dubbio sulle origini complete di Becca e sulla sua storia con Hutch, con la sua libertà potenzialmente soggetta ad alcune limitazioni.
Come il finale prepara Io sono nessuno 3
Nobody 2 è in gran parte incentrato su Hutch e sui suoi sforzi per prendersi una pausa dal suo brutale lavoro. Gran parte del film è autoconclusivo, con Hutch a cui viene detto apertamente che non riceverà alcun aiuto dal governo per affrontare Lendina e la sua rete di contrabbando con sede nella piccola città. Fortunatamente, alla fine del film, ha sventato l’intera operazione.
Mentre Hutch e Becca superano il momento culminante sani e salvi, ci sono alcuni elementi nel film che suggeriscono potenziali direzioni per un sequel. La questione più urgente rimane il debito che Hutch ha con il Barbiere e il governo degli Stati Uniti, che richiede diverse altre missioni prima che il suo lavoro venga ripulito.
Il ruolo di Hutch come “revisore dei conti” è un ruolo perfettamente aperto, con potenziali sequel che offrono a Hutch ogni sorta di possibili missioni da affrontare. Nobody 2 ha anche codificato il legame tra Hutch e la sua famiglia, con Harry e David attivamente coinvolti nella lotta. Un sequel potrebbe rivisitare queste relazioni e mostrarli più in azione insieme.
C’è anche un altro indizio che David abbia cresciuto Harry e Hutch portandoli con sé in missione (come la loro precedente esperienza a Plumerville), il che suggerisce una tradizione più profonda per il personaggio e il suo ruolo nella comunità dell’intelligence. Un sequel potrebbe esplorare di più il ruolo di David come agente in pensione e potrebbe evidenziare la sua determinazione nell’assicurare che i suoi figli diventassero uomini migliori di lui.
Un sequel di Nobody 2 potrebbe anche continuare a concentrarsi sulle dinamiche tra Hutch e la sua famiglia. Becca è chiaramente in conflitto riguardo alla loro relazione e un sequel potrebbe approfondire la loro storia insieme. L’arco narrativo di Brady evidenzia le sue difficoltà a non replicare la vena violenta del padre, che potrebbe essere maggiormente messa a fuoco in un possibile sequel che si concentra sulle dinamiche dei personaggi.
Il vero significato di Io sono nessuno 2
Io sono nessuno 2 è un film sull’equilibrio tra lavoro e famiglia, una lotta che sembra ancora radicata anche quando coinvolge organizzazioni criminali internazionali e combattenti armati di katana. L’arco narrativo di Hutch è radicato nei suoi sforzi di prendersi una pausa non solo dal lavoro, ma anche dai suoi impulsi violenti e dalla sua furia vendicativa.
Questa è la vera prova di Hutch nel film, quando ammette a Becca di non riuscire a spegnere il lato pericoloso della sua personalità. Nonostante i suoi migliori sforzi, la giusta furia lo spinge a intensificare i conflitti che, sa, renderanno solo la sua vita più difficile. Non può fare a meno di radicare la sua personalità lavorativa nella vita privata, il che non fa che mettere in pericolo la sua famiglia.
La frattura che questo crea tra lui e i suoi figli, in particolare l’impressionabile Brady, sottolinea la posta in gioco emotiva del suo arco narrativo. Mentre Hutch è costantemente in lotta tra la vita e la morte, è più vulnerabile quando deve spiegare la sua situazione alla moglie o cercare di convincere il figlio che vuole che Brady diventi un uomo migliore di lui.
L’importanza di questi legami e di queste lezioni è codificata nel finale quando Becca arriva a salvarlo e Brady mostra pietà nei confronti di un mercenario, dimostrando che c’è ancora speranza per la famiglia di Hutch. Questo arco narrativo si riflette anche nell’evidente affetto di David per i suoi figli, così come con Wyatt, inizialmente antagonista. Fa fatica a crescere suo figlio e si allea con Hutch dopo averlo salvato.
Io sono nessuno 2 si diverte molto con il genere d’azione, gettando Hutch in ogni sorta di risse enormi con armi inaspettate. Tuttavia, il nucleo emotivo del film si basa sui legami per i quali Hutch era disposto a morire nel film precedente. Offre al film una dolce morale sull’importanza della famiglia, in mezzo a tutto lo spargimento di sangue creativo.
Il sodalizio tra Garland e Mendoza funziona a meraviglia. Garland porta la sua visione estetica e la precisione chirurgica del linguaggio filmico; Mendoza fornisce l’esperienza diretta, la memoria muscolare della guerra, guidando gli attori verso una fisicità credibile e priva di retorica. Ne risulta un’opera “a quattro mani” in cui la grammatica del cinema incontra la verità del ricordo e dell’esperienza diretta. Non c’è invenzione drammaturgica: tutto è basato su testimonianze, e la scrittura si riduce al minimo indispensabile.
Il realismo è la cifra assoluta del film. La macchina da presa alterna sguardi composti e studiati a momenti convulsi, in cui sembra di dover schivare fisicamente i colpi. Il sonoro è una tortura necessaria: esplosioni che scuotono la sala, urla che lacerano l’udito, il rombo degli aerei che sembra spezzare l’aria stessa. Nessuna colonna sonora a guidare l’emozione: la guerra non ha bisogno di archi o ottoni. Non c’è epica, non c’è scopo, solo la disperata ricerca della salvezza.
Ciro rimane intrappolato in macchina molto più a lungo di Eddie
