La vendetta è un piatto che va servito freddo, e pochi riescono a servirlo con l’intensità penetrante di Liam Neeson. Famoso per le sue interpretazioni di personaggi spinti dalla sete di vendetta, Neeson è protagonista di Un uomo tranquillo nei panni di Nels Coxman, un cittadino onesto che viene catapultato nel mondo della malavita in una ricerca incessante per vendicare l’omicidio di suo figlio. Armato solo delle sue mani e di una rabbia amara, l’autista dello spazzaneve intraprende una brutale campagna, eliminando metodicamente i membri della banda responsabile della misteriosa morte di suo figlio. Le azioni di Nels suscitano l’ira di Trevor Calcote (Tom Bateman), un boss criminale crudele e arrogante conosciuto con il nome di “Viking”.

Viking crede che la morte dei suoi uomini sia un attacco del leader della banda rivale dei nativi americani “White Bull” (Tom Jackson). Nels si ritrova presto coinvolto in una devastante guerra tra bande che deve porre fine, per il bene della sua città e in memoria di suo figlio. Diretto da Hans Petter Moland, il film thriller d’azione del 2019 è ambientato in una pittoresca località sciistica del Colorado e racconta la storia di un uomo solitario che sfida le probabilità per mettere in ginocchio una grande organizzazione criminale, facendo sì che molti si chiedano se l’origine della narrazione sia basata su una storia vera.

Un uomo tranquilloè il remake di un film norvegese

Un uomo tranquillo non è ispirato a nessuna storia reale. Precedentemente intitolato Hard Powder, è il remake ufficiale del film norvegese del 2014 intitolato Kraftidioten, alias In Order of Disappearance, diretto anch’esso da Hans Petter Moland. Dopo il successo del film con Stellan Skarsgård, il regista ha avuto l’opportunità di portare la stessa storia a un pubblico più ampio nel 2017. Anche se la trama intensa, le scene d’azione spietate e la performance avvincente di Neeson nei panni di un padre vendicativo potrebbero rendere molti curiosi di sapere se sia basato sulla realtà, né il remake né l’originale sono basati su alcun evento reale.

Basato su una sceneggiatura scritta da Frank Baldwin, Un uomo tranquillo prende molto in prestito dal materiale originale scritto da Kim Fupz Aakeson, caratterizzato da un umorismo nero e irriverente. Con uno stile noir nordico e una violenza vietata ai minori, l’originale ha una regia più simile a quella di Quentin Tarantino. Un uomo tranquillo amplifica l’umorismo e arrotonda i personaggi rispetto all’originale, pur mantenendo la sua violenza realistica nelle sequenze d’azione prolungate. La violenza non è rappresentata in modo unidimensionale, ma ha un impatto sui suoi autori e su chi li circonda, aumentando a dismisura fino a diventare una valanga che travolge la località sciistica.

Il film utilizza lo sfondo per esplorare abilmente le relazioni all’interno delle famiglie quando sono messe a dura prova dalla violenza sia interna che esterna. In Un uomo tranquillo, Nels riceve il premio “Cittadino dell’anno” come pilastro della comunità per aver mantenuto pulite le strade della sua città con la sua attività di spazzaneve. I festeggiamenti vengono interrotti quando suo figlio muore per overdose di eroina, vittima di un complotto ordito dai membri di una banda locale. La moglie di Nels, già sconvolta dalla morte del figlio, quando si trova di fronte alle intenzioni del marito di scatenare una serie di omicidi, lo lascia. Viking cerca, senza successo, di inculcare la violenza nel suo sensibile figlio Ryan, di cui condivide la custodia con la sua ex moglie.

Vedendo i suoi uomini scomparire, ignaro delle azioni di Nels, Viking uccide il figlio del leader della banda rivale, White Bull. Quest’ultimo intraprende un percorso di vendetta, chiedendo “un figlio per un figlio”. Prima che riesca a catturare Ryan a scuola, Nels rapisce il ragazzo ignaro, fingendo di essere un membro della banda di suo padre. Questo fa infuriare ulteriormente Viking, che incolpa White Bull, e ne consegue una guerra tra bande con Nels al centro. Sia Nels che Viking soffrono per i loro matrimoni falliti una volta intrapresa la strada degli assassini. D’altra parte, White Bull e Nels lottano entrambi per affrontare la perdita dei loro figli e reagiscono con intenzioni letali verso coloro che ritengono responsabili, trovando alla fine un nemico comune in Viking.

Nonostante sia onnipotente, Viking non riesce a tenere unita la sua famiglia, poiché suo figlio, nel breve periodo del suo rapimento, instaura con Nels un legame più forte di quello che ha mai avuto con lui. Moland prende un film norvegese acclamato dalla critica sulla vendetta e lo interpreta in modo inesorabile con Liam Neeson, creando essenzialmente un remake efficace. L’ambientazione taciturna che nasconde una brutale storia di vendetta crea un contrasto terrificante e bellissimo, simile al sangue schizzato sulla neve. Sebbene Hollywood abbia prodotto molti film di vendetta avvincenti, la narrazione cruda e la violenza tagliente e senza compromessi di Un uomo tranquillo offrono ai fan un’esperienza cinematografica intensa e senza filtri che supera i cliché del genere, lasciandoli con una risoluzione inquietante ma catartica.

Il film Last Straw è diretto da Alan Scott Neal ed è un thriller di atmosfera claustrofobica ambientato quasi interamente in un piccolo diner di campagna. Il genere si inserisce nel filone del “siege thriller” moderno (di cui fanno parte anche The Strangers – Capitolo 1 e La notte del giudizio): una situazione ordinaria — una giovane cameriera che copre un turno di notte — si trasforma in un incubo quando un gruppo di assassini mascherati scende sul locale e dà il via a una notte di terrore. La protagonista, Nancy, deve così affrontare la paura, la solitudine e l’istinto di sopravvivenza, mettendo in gioco tutto per difendersi.

Alcuni “Siege Horror”? I Peccatori, Dal tramonto all’alba, The Void

Tra i temi trattati dal film emergono la vulnerabilità individuale, la violenza improvvisa e la lotta per la sopravvivenza in condizioni estreme, nonché la solitudine psicologica e il caos che si scatena quando il senso di sicurezza viene infranto. Anche se si tratta di un prodotto indipendente e a basso budget, Last Straw ha ricevuto attenzione critica per l’abilità di creare tensione e atmosfere tese, sfruttando location ristrette e un cast ridotto. Nel resto dell’articolo si proporrà una spiegazione del finale, analizzando come si chiude il racconto e cosa il film intende comunicare realmente attraverso la sua conclusione.

Cosa succede nel film?

Last Straw inizia in una tavola calda chiamata Fat Bottom Bistro e, dall’aspetto, ci si rende conto che qui sono successe molte cose. C’è sangue ovunque e si intravedono anche diversi cadaveri. Si sente la voce di un ragazzo di nome Jake Collins che chiama il 911 e chiede aiuto, mentre la sua amica Nancy giace sul pavimento coperta di sangue. La narrazione torna poi indietro di ventiquattro ore. La giornata di Nancy inizia con il suo risveglio in mezzo al nulla e poi con un test di gravidanza che risulta positivo. Da una conversazione con la sua amica Tabitha, ci rendiamo conto che non ne è particolarmente entusiasta e che non sa chi sia il padre.

Poco dopo, mentre sta andando al lavoro (alla tavola calda), la sua auto si guasta, quindi inizia ad andare a piedi. Per fortuna, dopo un po’ arriva il suo collega Bobby e Nancy ottiene un passaggio sulla sua moto. Bobby sembra essere innamorato di Nancy, ma lei chiaramente non ricambia i suoi sentimenti. La tavola calda è di proprietà del padre di Nancy, Edward, che è entusiasta di un importante appuntamento che ha in programma per la sera. Quindi Nancy deve occuparsi della tavola calda durante la notte, cosa che non vuole assolutamente fare, dato che ha anche dei programmi con Tabitha.

Ma non può sottrarsi alle sue responsabilità, dato che ora è la manager, un fatto su cui Edward insiste un po’ troppo. Le cose peggiorano ulteriormente per Nancy quando Edward le fa sapere che Jake, un ragazzo che lavora alla tavola calda, sarà con lei durante il turno di notte. Nancy, infatti, trova Jake inquietante, ma Edward non se ne preoccupa affatto. Jake è praticamente il suo braccio destro, di cui si fida ciecamente, chiaramente più che di sua figlia. A questo punto è abbastanza chiaro che gli uomini in questo film sono o idioti, o inquietanti, o dei veri e propri cretini. Anche Bobby, che si definisce “il bravo ragazzo”, alla fine non risulta poi così bravo.

Cosa succede dopo durante la notte?

Sappiamo già dalla scena iniziale che al Fat Bottom Bistro si scatenerà l’inferno, quindi l’intero secondo atto di Last Straw consiste fondamentalmente nell’attesa che ciò accada. Tutto inizia con un gruppo di adolescenti odiosi che molestano Nancy indossando maschere da clown spaventose e portando carcasse di animali all’interno della tavola calda. Nancy gestisce la situazione, ma è anche arrabbiata con il suo staff per non averla aiutata affatto. Diventa evidente che lo staff, guidato da Jake, mina la sua autorità, principalmente perché lei è più giovane di loro, è una donna ed è diventata la loro manager solo perché suo padre è il proprietario del locale.

Molto di ciò che accade dopo avrebbe potuto essere evitato se Nancy non avesse licenziato Jake all’improvviso e avesse semplicemente lasciato passare la giornata, ma il ragazzo se lo meritava. Fin dal primo momento, Jake è stato intollerabile e la decisione di Nancy di licenziarlo è del tutto giustificabile. Tuttavia, Jake se la prende prima con gli odiosi adolescenti, che stavano pensando agli affari loro. Li incolpa per il suo licenziamento e finisce per ucciderne uno. Suo fratello Pete, un ragazzo mite che farebbe qualsiasi cosa Jake gli chieda senza discutere, impugna una pistola con le mani tremanti mentre Jake compie il misfatto.

Successivamente, Jake si avvicina a Bobby e Coop. Vuole andare alla tavola calda e spaventare Nancy. Coop non prova alcun affetto per Nancy, quindi si convince facilmente, e Bobby ne ha abbastanza di fare il bravo ragazzo: tanto con Nancy non otterrà nulla. Così la banda dei quattro va alla tavola calda per fare le tipiche cose terribili che fanno gli uomini e dare luogo ad una notte d’inferno. Pensando che sopraffare Nancy, tutta sola, sarà estremamente semplice. Ciò che non sanno, però, è che lei è pronta a rivelarsi una tipa molto più tosta del previsto.

Nancy, con la scoperta della gravidanza, il malessere inopportuno, gli adolescenti odiosi e le buffonate inquietanti di Jake, ha già avuto una giornata terribile. Ma quando Jake e compagni attaccano la tavola calda, indossando le spaventose maschere da clown che Jake ha preso agli adolescenti, Nancy fa la cosa più logica, ovvero chiamare la polizia. Anche il poliziotto, un uomo di mezza età dall’aria scontenta, non esita a controllarla in una situazione del genere. Tuttavia, vuole aiutare e, nel momento in cui Nancy gli dice che gli aggressori sono arrivati in motorino, si allarma.

Purtroppo, in film come questo, il poliziotto solitario muore nove volte su dieci, e la posta in gioco non può che aumentare se Nancy si trova da sola contro il mondo crudele. Bobby cambia però idea e passa definitivamente dalla parte di Nancy, ma questo gli costa la vita per mano di Jake. Il povero Pete viene invece pugnalato da Nancy; infatti, è in quel momento che lei finalmente capisce che sono i suoi ex colleghi di lavoro a volersi vendicare di lei e non il gruppo di adolescenti di prima. L’ambientazione del film in una tavola calda le offre l’opportunità di usare la friggitrice su Coop.

Alla fine, però, è una lotta tra Jake e Nancy in cui entrambi si pugnalano a vicenda, ma Jake sembra avere la meglio su Nancy. La telefonata che Jake ha fatto all’inizio del film è ovviamente un tentativo di crearsi un alibi e farla franca. E probabilmente ci sarebbe riuscito se fosse davvero riuscito a uccidere Nancy. Non sapeva però che la ragazza si era abilmente imbottita di bistecche, sia davanti che dietro. È così abbastanza intelligente da riuscire in questa impresa, che alla fine le permette di alzarsi, guidare l’auto della polizia fino alla residenza di Jake e occuparsi di lui.

Sulla strada del ritorno alla tavola calda, però, cade a terra, ma suo padre è finalmente arrivato. Si ha a questo punto un altro flashback del giorno prima, in cui Nancy rivela a Tabitha di sentirsi bloccata nella vita, di non poter vivere liberamente e di avere paura che suo padre scopra della sua gravidanza. Ma le ultime ventiquattro ore l’hanno sicuramente cambiata, e non esita a pronunciare la frase “il mio bambino” a Edward mentre lui la controlla. Nancy sopravviverà? Sembra proprio di sì. Ciò che conta è che Nancy abbia finalmente preso il controllo della propria vita e si assicuri che nessuno la calpesti mai più.

Cosa ci lascia il finale di Last Straw

Last Straw trasmette così un messaggio chiaro sulla resilienza e l’autodeterminazione: Nancy, affrontando violenza e pericoli in circostanze estreme, dimostra come sia possibile non solo sopravvivere, ma anche affermare la propria dignità e controllo. Il film mette in luce le dinamiche di potere e tradimento, mostrando che astuzia, ingegno e coraggio possono ribaltare situazioni apparentemente senza via d’uscita. La tensione e il conflitto servono a evidenziare la forza interiore necessaria per proteggere se stessi e gli altri. In ultima analisi, la storia celebra la capacità di reagire alle avversità senza rinunciare alla libertà e alla propria integrità.

La Llorona – Le lacrime del male (qui la recensione) è il sesto capitolo dell’universo cinematografico di Conjuring prodotto da James Wan. Il film horror paranormale, diretto dal regista esordiente Michael Chaves, è uno spin-off della storia principale e propone una vicenda davvero spaventosa: nel mondo reale, la storia di La Llorona è stata raccontata a innumerevoli bambini per spaventarli e dissuaderli dal comportarsi male. Per chi cerca di capire il folklore secolare e il posto del film nell’universo di Conjuring, analizziamo l’atto conclusivo del film in questa spiegazione del finale di La Llorona – Le lacrime del male.

La maledizione si scatena

Anna Garcia (Linda Cardellini), madre vedova di due figli, è un’assistente sociale che fatica a conciliare la sua vita personale e quella professionale. Le cose diventano più difficili per Anna dopo che viene coinvolta in uno strano caso che riguarda due bambini e una madre apparentemente instabile. Trova i bambini in un armadio, malconci, spaventati e confusi, e dopo che la madre aggredisce Anna, vengono allontanati dalla custodia della donna. Ma il caso non è così chiaro come sembra: poco dopo che i bambini sono stati collocati in un alloggio temporaneo, vengono annegati in un fiume vicino.

La madre in lutto incolpa Anna per la morte dei suoi figli, sostenendo che, intervenendo, Anna ha permesso allo spirito maligno La Llorona di rapirli e ucciderli. Sfortunatamente per Anna, lo spirito si attacca ora ai suoi due figli, provocando un’ossessione che lascia la famiglia in una situazione disperata. L’aiuto arriva sotto forma di Rafael Olvera (Raymond Cruz), un ex prete con le capacità necessarie per scacciare La Llorona. Dopo molti incontri ravvicinati con lo spirito, questo viene finalmente sconfitto quando Anna la pugnala al cuore con una croce appositamente realizzata. Rafael lascia la famiglia mentre questa torna a casa, finalmente libera dalla presenza dello spirito vendicativo.

Una madre in cerca di salvezza

Quando La Llorona inizia a prendere di mira e a perseguitare i figli di Anna, lei deve fare i conti con i pericoli che minacciano la sua famiglia. Cerca l’aiuto della chiesa, ma scopre che, affinché l’aiuto arrivi in tempo per salvare i suoi figli, potrebbe dover affidare la sicurezza della sua famiglia nelle mani di un guaritore spirituale. Anna accenna al fatto di non essere molto religiosa. In risposta, le viene detto che non è necessario essere religiosi per avere fede, che è ciò di cui avrà davvero bisogno per sconfiggere La Llorona.

Linda Cardellini ha commentato la crescita del personaggio di Anna, affermando che impara che la capacità di superare una situazione difficile non sempre deriva dalla ragione o dalla razionalità. Al contrario, può derivare da “generazioni di leggende e tradizioni tramandate, dall’affidarsi agli altri e da una sorta di destino. Deve cercare dentro di sé e avere una qualche forma di fede”. Sebbene il film cerchi di discutere la fede di Anna e la sua necessità di abbracciarla, Anna non subisce grandi cambiamenti dall’inizio alla fine. Il personaggio di Anna non usa mai la fede come strumento contro La Llorona, né discute effettivamente alcun cambiamento nelle credenze che potrebbero influenzare il suo carattere.

Lo sciamano che guarisce con la fede

Una volta che Anna è certa che lei e la sua famiglia sono in grave pericolo, il guaritore e sciamano Rafael diventa una figura chiave nella lotta contro La Llorona. Dopo aver lasciato il sacerdozio, Rafael si è dedicato a metodi alternativi e più naturali per guarire e aiutare le persone. I suoi strumenti non sono ostie e vino, ma tinture e barattoli contenenti sostanze misteriose. Nonostante sia passato a metodi più mistici per affrontare gli spiriti oscuri, Rafael non ha mai perso la fede, in linea con l’ideologia del film che invita ad abbracciare la fede per sconfiggere il male.

Quando Rafael decide di aiutare Anna a sconfiggere La Llorona, inizialmente dice ai suoi figli che non prova alcuna paura di affrontare lo spirito maligno. Tuttavia, dopo che La Llorona è stata finalmente sconfitta, è in grado di ammettere di aver avuto paura durante la prova. Anche se alla fine Rafael mostra un po’ di vulnerabilità, l’impatto di questo cambiamento è estremamente minore e di breve durata. Dopo aver ammesso di aver provato paura, la minimizza dicendo: “Non proprio”.

La sua risposta rende discutibile se il suo personaggio abbia subito una reale crescita: Rafael rimane relativamente lo stesso per tutto il film e gli eventi che si verificano non sembrano averlo cambiato in modo significativo. Sebbene Rafael offra una certa prospettiva su La Llorona e contribuisca a sconfiggerla, il suo potenziale come personaggio unico e potenzialmente interessante rimane in gran parte inesplorato a causa del suo arrivo tardivo, della sua rapida partenza e della sua mancanza di accessibilità emotiva.

La leggenda di La Llorona

La storia di La Llorona, conosciuta anche come “La donna che piange”, affonda le sue radici nel folklore messicano. Sebbene l’origine della storia non sia del tutto certa ed esistano diverse versioni, l’idea generale è la stessa in tutte. In un’intervista con AMC, Michael Chaves ha osservato: “La Llorona era un tempo un essere umano e la sua è una storia molto tragica. O è stata vittima di un torto, o suo marito è scappato con una donna più giovane, o ci sono altre varianti della storia. Ma si tratta di un momento di rabbia o follia che potrebbe perseguitarti per il resto della tua vita“.

La versione utilizzata nel film è incentrata su una bella donna di nome Maria, che sposa un uomo ricco che si innamora di lei nonostante il suo status sociale inferiore. Questo amore però non dura e il marito di Maria alla fine annuncia la sua intenzione di lasciarla per una donna più giovane. Per vendicarsi, Maria annega i suoi figli per vendicarsi del marito. Dopo aver commesso l’omicidio, Maria torna in sé e si rende conto dell’orribile crimine che ha commesso. Nel suo dolore, annega anche se stessa. La leggenda narra che a Maria fu negato l’ingresso in paradiso a causa delle sue azioni, lasciando il suo spirito bloccato in uno stato di limbo. Da allora Maria rapisce e uccide bambini vivi che scambia per i propri.

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Come La Llorona si inserisce nell’universo di Conjuring

La Llorona – Le lacrime del male, come si diceva, è uno spin-off di The Conjuring ma non è direttamente collegato alle narrazioni degli altri film di questo universo narrativo. Tuttavia, presenta alcuni volti familiari. Dopo che Anna e la sua famiglia iniziano a soffrire per mano di La Llorona, lei si rivolge alla guida di padre Perez (Tony Amendola). Perez è lo stesso prete che i fan hanno visto nella serie Annabelle, e fa anche un riferimento indiretto alla bambola demoniaca, dicendo che la sua fede nel soprannaturale si è rafforzata dopo aver incontrato una “bambola malvagia”.

Questo conferma il legame di La Llorona – Le lacrime del male con la più ampia serie Conjuring. A parte Perez e la breve apparizione con alcune clip della bambola Annabelle, il film è però un’esperienza a sé stante, leggermente collegato alla narrazione generale ma separato dagli altri capitoli dell’universo di Conjuring, comprese le serie Annabelle e The Nun. Ad oggi si tratta di un unicum nella saga e tale è rimasto per diversi anni. Ora è però in sviluppo un sequel, The Revenge of La Llorona, che vedrà il ritorno Raymond Cruz. Al momento non è però nota la data di uscita in sala.

Nel nuovo thriller matrimoniale dall’umorismo nero di Lynne Ramsay (E ora parliamo di Kevin, A Beautiful Day) dal titolo Die My Love (qui la nostra recensione dal Festival di Cannes), l’aspirante scrittrice Grace (Jennifer Lawrence) e il suo trasandato fidanzato di campagna Jackson (Robert Pattinson) lasciano New York City per trasferirsi nelle inquietanti e isolate lande selvagge del Montana. Jackson ha ereditato una casa da uno zio – che, come scopriremo in seguito, si è suicidato con un fucile – dove la coppia si stabilisce per crescere il loro primo figlio. Con l’arrivo del piccolo Harry e le assenze sempre più lunghe di Jackson da casa, la vita di Grace inizia però a sgretolarsi. La madre sprofonda gradualmente in una crisi di salute mentale dalla quale nessuno può salvarla.

Il film si ispira liberamente al romanzo omonimo di Ariana Harwicz del 2012, “una fiaba surreale e cupa”, secondo Ramsay. “È come chiedersi: ‘È reale? Non è reale?’. È una specie di indovinello”. Ramsay ha trattato il materiale con libertà, avvalendosi dell’aiuto degli sceneggiatori Enda Walsh (Piccole cose come queste, Hunger) e Alice Birch (Normal People, Succession) per la sceneggiatura. Il modo in cui il film affronta i temi della psicosi e della maternità ha suscitato molti dibattiti durante la sua anteprima a maggio al Festival di Cannes, e la sua uscita nelle sale dal 26 novembre riaccenderà sicuramente la discussione. In questo articolo, andiamo dunque alla scoperta di Die My Love.

Un inizio minaccioso

Quando la coppia si trasferisce, è piena di speranza per il loro futuro insieme, chiacchierando eccitata dei loro grandi progetti per Grace, che dovrebbe scrivere il “grande romanzo americano” o semplicemente prendere un gatto. Ma c’è un accenno minaccioso di ciò che accadrà in questa scena iniziale. Il direttore della fotografia Seamus McGarvey (che aveva già collaborato con Ramsay in E ora parliamo di Kevin) posiziona la telecamera all’interno della casa, con una ripresa bassa e statica che segue i loro primi passi nell’edificio fatiscente. Il risultato è una sequenza inquietante, in cui sospettiamo fin dall’inizio che le cose potrebbero prendere una brutta piega.

“Quando ho visto la location, ho pensato che sarebbe stato davvero interessante iniziare dall’interno della casa, questo luogo in cui lei si sente piuttosto intrappolata”, ha detto Ramsay in un’intervista al Time. “È insolito iniziare dall’interno, come se fosse la casa a guardare loro, piuttosto che il contrario”. L’ambientazione è diventata un riferimento accidentale a Shining, che parla anch’esso di una coppia, uno dei quali soffre di blocco dello scrittore, che si trasferisce in una nuova casa dal passato oscuro. Ramsay aggiunge: “È il tipo di location come l’Overlook, che sembra avere una propria identità”.

Cosa ancora più importante, la linea degli alberi dove Grace incontrerà finalmente la sua fine è visibile attraverso la finestra del patio. È un’inquadratura a cui Ramsay ritorna alla fine del film, con Grace che guarda dall’esterno quella che dovrebbe essere la sua casa. In questo momento, diventa chiaro che Die My Love, piuttosto che una vera e propria storia di depressione post-partum, è in realtà un’indagine su cosa si prova a essere in contrasto con la vita che ci si è costruiti, a sperimentare una frattura tra il proprio paesaggio interiore e la gabbia in cui ci si è rinchiusi. “In un certo senso, lei vede se stessa dall’esterno, osserva la sua vita, quasi come se fosse un’estranea che guarda dentro”, dice Ramsay.

Perché la relazione tra Grace e Jackson va in pezzi?

Quel senso iniziale di terrore non ci impedisce di lasciarci coinvolgere dalla frenetica e appassionata storia d’amore tra Grace e Jackson. Una delle prime scene mostra la coppia mentre fa sesso appassionato e animalesco. “Lui la ama, ma non la capisce”, spiega Ramsay. “Forse tutte le cose che prima funzionavano bene nella loro relazione – forse il sesso era fantastico, forse lei è un po’ selvaggia, forse ci sono stati dei problemi di salute mentale in passato – ora stanno diventando estreme e un po’ alienanti”. A peggiorare la spirale mentale di Grace, lei scopre un pacchetto di preservativi nel vano portaoggetti dell’auto di Jackson, mettendo in discussione la sua fedeltà.

Per non parlare delle relazioni pericolose di Grace con un altro neogenitore, Karl (LaKeith Stanfield), che lei persegue per contrastare la noia paralizzante di essere bloccata a casa. I preservativi sono stati dati a Jackson dal misterioso personaggio minore Greg (Luke Camilleri), un amico d’infanzia che ricorda a Jackson di essere tornato nella comunità in cui è cresciuto, rafforzando ulteriormente lo status di outsider di Grace. Sebbene menzionato più volte da Jackson, Greg appare solo una volta. “Lo si vede brevemente alla festa, se si guarda con attenzione”, dice Ramsay. “Ma se si batte le palpebre, lo si perde”.

Perché Grace scompare nella foresta?

Come nel romanzo di Harwicz, Die My Love si conclude con una festa di bentornato disastrosa. Le circostanze, però, sono più che un po’ scomode: Grace torna a casa dopo essere stata ricoverata in una struttura di salute mentale. Nel tentativo finale di adattarsi al modello di moglie e madre perfetta, prepara una torta con la scritta “bentornata a casa” scritta con glassa blu sulla superficie. Ma la casa che lei e Jackson avevano progettato di costruire insieme è stata trasformata durante la sua assenza. “Quando lui ha finito di sistemare la casa, lei è stata in qualche modo cancellata”, dice Ramsay. “Lei non appartiene più a quel posto”. Tuttavia, insiste, “c’è una vera bellezza nel fatto che lui continui a provarci, anche se lei sta andando alla deriva”.

Il cinema non è estraneo alle madri spinte al limite della sanità mentale: solo negli ultimi due anni abbiamo avuto If I Had Legs I’d Kick You e Nightbitch. Ramsay cita due film più vecchi, Una moglie (1974) e Repulsione (1965) come fonti di ispirazione. In Die My Love, la neomamma si spinge verso estremi sempre più violenti: si lancia contro una finestra, frantumandola, o graffia le pareti. Nonostante sia visibilmente infelice, è evidente che Grace ama ancora suo figlio. Come dice al suo psichiatra, Harry non è il problema, “è tutto il resto che è fottuto”. La stessa Lawrence era incinta di oltre quattro mesi del suo secondo figlio quando ha iniziato le riprese, con Ramsay che immaginava il ruolo come “davvero selvaggio”.

“Quando sei incinta, ti senti in qualche modo molto forte. Lawrence era davvero molto spontanea [e aveva] questa qualità animalesca”. Nella madre di Jackson, Pam (Sissy Spacek), Grace trova un’anima gemella: una vedova alle prese con la recente morte del marito, che sonnambula brandendo una pistola. È lei la prima a dare l’allarme sul comportamento di Grace e a darle il permesso di lasciare la festa straziante. “Lei capisce semplicemente che questa bestia deve essere libera”, dice Ramsay. Dove Ramsay si discosta dal libro, però, è nel momento culminante in cui Grace appicca un incendio nel bosco vicino: il culmine della sua angoscia.

“Il finale è piuttosto metaforico”, dice Ramsay. “Voglio dire, lei brucia il libro che ha scritto. Brucia un lavoro che nessuno ha mai visto. È come se questa donna bruciasse il suo mondo. A un certo punto, l’avevo fatta salvare Rob dalla foresta e tutto finiva bene, ma mi sembrava giusto concludere lì”. La foresta è abbastanza lontana da garantire la sicurezza del piccolo Harry e di tutti gli altri partecipanti alla festa. Mentre Grace si avvia verso il fuoco – Jackson cerca di fermarla, ma alla fine la lascia andare, con un’espressione che sembra di sollievo sul volto – possiamo solo supporre che Grace muoia.

“Volevo che fosse liberatorio, non cupo, che avesse questo tipo di potere”, afferma la regista. In questa favola distorta, tutto torna all’amore contorto della coppia centrale. La canzone “In Spite of Ourselves” di John Prine, una sorta di inno di Grace e Jackson, inviata a Ramsay dal supervisore musicale Raife Burchell, riassume il tutto: “Anche se ha un’atmosfera country, è una canzone piuttosto sovversiva. Ho pensato: oh Dio, ha davvero l’atmosfera di ciò che sta sotto questo film, tutte le cose che non sono belle nella relazione”.