Si è speculato molto sul fatto se Tremila anni di attesa possa essere basato su una storia vera o meno. Uscito nel 2022, questo film fantasy è un potente dramma con Idris Elba nei panni di un magico Djinn che racconta la storia della sua vita a una famosa accademica. Il film ha ricevuto rapidamente un grande successo di critica grazie alle sue interpretazioni commoventi, alla creatività visiva e alla narrazione poetica, che si uniscono per dare alla storia d’amore fantastica di George Miller (regista di Mad Max: Fury Road e Furiosa: A Mad Max Saga) un’atmosfera del tutto unica e ipnotica.

C’è però molta confusione su quanto Tremila anni di attesa sia effettivamente una storia reale, soprattutto a causa dell’implicazione nella scena di apertura che tutto ciò che seguirà è basato sulla realtà. I numerosi elementi di fantasia del film dissipano rapidamente qualsiasi idea che il racconto sia interamente reale, ma il film mantiene la posizione che la sua storia sia fondata sulla verità, lasciando molti spettatori incerti su quali parti della storia siano realmente accadute.

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La trama e il finale di Tremila anni di attesa

Il film segue Alithea (Tilda Swinton), che trova un antico artefatto che libera un Djinn (Idris Elba), il quale racconta la sua lunga storia mentre attende che Alithea esprima i suoi desideri. Il film si conclude infatti con Alithea che esprime un altro desiderio: che il Djinn che ha imparato ad amare torni al suo posto, “ovunque esso sia”. Il Djinn, che all’inizio si rifiuta di lasciarla a Londra, alla fine acconsente. Mentre il Djinn si lascia quindi la città alle spalle, il finale del film conferma che torna a far visita ad Alithea di tanto in tanto.

Tremila anni di attesa non è una storia vera

Va dunque chiarito che, contrariamente a quanto affermato nelle scene iniziali, il film di Miller non è basato su una storia vera. Nonostante i migliori tentativi del cast di Three Tremila anni di attesa di vendere la veridicità di questa storia, in realtà c’è ben poco di reale dietro la narrazione: il film è adattato dalla popolare novella di A.S. Byatt “The Djinn in the Nightingale’s Eye”, che racconta cinque brevi storie piene di magia, fantasia e messaggi più profondi sullo scopo dell’umanità nell’universo. La raccolta è stata pubblicata per la prima volta nel 1994 e Miller si è fortemente ispirato a questi racconti per la realizzazione dei suoi.

Le storie contenute in “The Djinn in the Nightingale’s Eye” utilizzano il folklore tradizionale e i tropi delle fiabe per esaminare le questioni sociali dell’epoca, con la storia principale che fa riferimento alle opere di autori famosi come Shakespeare e Chaucer. L’intera opera è una celebrazione della letteratura e della narrazione in generale, tema che Miller ha adottato nel suo adattamento cinematografico, piegando il modo in cui i film utilizzano la narrazione lineare per raccontare una storia. Altri racconti della raccolta sono “La bara di vetro” e “La storia di Gode”, che utilizzano metodi intertestuali simili per commentare la natura stessa della narrazione.

Il film prende diverse libertà

Sebbene l’adattamento di Miller sia vagamente basato sul racconto principale della raccolta della Byatt, ci sono però molte differenze tra le due opere. Il film è molto più sensazionalizzato rispetto al testo originale, concentrandosi sugli eventi delle avventure di Djinn e cercando di rendere le storie il più emozionanti possibile. Tralascia gran parte del meta-commento sulla letteratura e sul folklore che guida la novella, scegliendo di utilizzare la storia d’amore centrale tra i personaggi di Elba e della Swinton come catalizzatore del film.

Anche il finale di Tremila anni di attesa è molto diverso da quello di “The Djinn in the Nightingale’s Eye”, poiché il film si conclude in modo molto soddisfacente e cinematografico. Si concentra sulla storia d’amore dei due protagonisti, dando una conclusione concreta alla loro relazione che non è presente nella novella originale, che invece si concentra sul proprio meta-commento della società contemporanea. Il film di Miller è molto più adatto al pubblico mainstream e la sua decisione creativa di spostare il focus su qualcosa di più accessibile è stata sicuramente intelligente.

I personaggi delle storie dei Djinn sono realmente esistiti

Nonostante quella narrata nel film sia una storia di fantasia, molti dei personaggi di Tremila anni di attesa a cui il Djinn fa riferimento nelle sue storie sono però realmente esistiti. La maggior parte di essi sono figure storiche reali dell’epoca dell’Impero Ottomano. Mustafa era un principe ottomano del XVI secolo, erede del padre, il sultano Solimano, che ordinò l’esecuzione del figlio. Tuttavia, non fu a causa del desiderio di un Djinn, ma a causa dei disordini tra lui e suo padre e delle tensioni politiche interne alla sua famiglia.

In linea con gli eventi di Tremila anni di attesa, Mustafa fu infine ucciso perché il sultano Solimano era convinto che se non lo avesse eliminato egli lo avrebbe ucciso. La matrigna Hürrem, l’influente moglie del sultano Solimano, strinse poi alleanze per garantire che i suoi figli fossero favoriti come eredi, e Mustafa ne pagò il prezzo con la vita. Allo stesso modo, anche Murad IV, suo fratello Ibrahim e sua madre Kösem Sultan sono personaggi realmente esistiti. Murad IV, ad esempio, era un sultano dell’Impero Ottomano nel XVII secolo.

Era noto per aver ripristinato il potere dell’impero e per la sua brutalità in battaglia. Kösem fu invece reggente fino a quando Murad non prese il controllo del trono. Dopo la morte di Murad, Ibrahim, tenuto in gabbia nel palazzo come potenziale successore, divenne effettivamente sultano. Infine, Re Salomone fu un’importante figura storica e, sebbene l’esistenza della Regina di Saba sia contestata, è una figura chiave nel Giudaismo, nell’Islam e nel Cristianesimo.

La Warner Bros. potrebbe avere tra le mani un cult con l’esilarante e imprevedibile commedia nera Game Night – Indovina chi muore stasera? (qui la recensione). Il film ruota attorno alla coppia sposata Max (Jason Bateman) e Annie (Rachel McAdams), due persone ipercompetitive che organizzano una serata di giochi da tavolo con la coppia composta da Kevin (Lamorne Morris) e Michelle (Kylie Bunbury), oltre al loro stupido amico Ryan (Billy Magnussen) e alla donna con cui si trova quella sera, l’intelligente Sarah (Sharon Horgan).

Il gruppo è in costante missione per schivare le avances del vicino di Max e Annie, il triste agente di polizia Gary (Jesse Plemons), divorziato dalla loro amica Debbie. Quando Brooks (Kyle Chandler), il fratello di Max, imprenditore di successo, arriva in città, decide di ravvivare la serata di gioco del gruppo con qualcosa di molto più eccitante dei giochi da tavolo e delle sciarade, dando il via a una sconcertante ed esilarante catena di eventi. In questo articolo, esploriamo dunque il finale di Game Night – Indovina chi muore stasera? e i suoi colpi di scena.

La spiegazione del finale di Game Night – Indovina chi muore stasera?: un finto rapimento

Quando il gruppo si riunisce nella lussuosa casa affittata da Brooks, quest’ultimo stabilisce le regole della serata: uno di loro sarà presto rapito e gli altri riceveranno una serie di indizi per trovare l’amico scomparso. Dopo che un finto agente dell’FBI (Jeffrey Wright) fornisce al gruppo i fascicoli pieni di indizi, due scagnozzi armati sfondano la porta di Brooks, mettono fuori combattimento l’agente dell’FBI e iniziano una brutale rissa in casa con Brooks, che stanno cercando di rapire. Il gruppo è entusiasta di questa lotta apparentemente realistica, senza sapere che non fa parte del gioco.

Si tratta infatti di veri uomini armati che cercano di catturare Brooks per motivi che diventeranno chiari in seguito. Ogni coppia si impegna seriamente nel gioco: Max e Annie rinunciano agli indizi e seguono il furgone con gli uomini armati (con Annie che raccoglie quella che crede essere una pistola finta che Brooks ha lasciato cadere durante la lotta), Kevin e Michelle cercano di giocare lealmente, seguendo il loro file di indizi, mentre Ryan e Sarah decidono di imbrogliare pagando la società di omicidi che Brooks ha assunto per la serata. Nessuno di loro si rende conto che stanno giocando a un gioco molto reale e molto pericoloso.

La pistola del fratello di Cechov

Max e Annie riescono a rintracciare gli scagnozzi che hanno rapito Brooks in una squallida bettola, credendo ancora di partecipare a un elaborato gioco di società. Quando gli scagnozzi li raggiungono, Annie tira fuori quella che crede essere la pistola finta di Brooks e chiede a tutti di mettersi a terra in posizione yoga. Alla fine si rendono conto che Brooks è nella stanza accanto e pensano di aver vinto il gioco, ma Brooks dice loro che questo non è un gioco e che questi uomini intendono ucciderlo. Max e Annie sono increduli, ma mentre gli scagnozzi tentano di aprire la porta, Annie spara accidentalmente al braccio di Max, rendendosi conto che la sua pistola è vera nel modo più enfatico possibile. I due liberano Brooks e scappano per salvarsi.

Brooks il contrabbandiere

Mentre sono inseguiti dagli scagnozzi, Brooks confessa a Max e Annie di non essere un imprenditore, ma un contrabbandiere di alto livello che deve portare un uovo Fabergé, attualmente nelle mani di un miliardario di nome Donald Anderton, a un uomo conosciuto solo come il Bulgaro, o verrà ucciso. Nel tentativo di salvare Max e Annie, Brooks si getta dall’auto e viene catturato dagli scagnozzi. Dopo un tentativo di curare la ferita da proiettile di Max, l’intera banda si riunisce e decide di salvare Brooks rubando l’uovo ad Anderton, ma prima devono trovarlo, cosa che riescono a fare organizzando una serata di gioco improvvisata a casa di Gary e accedendo segretamente al suo database della polizia.

Il gruppo riesce a introdursi nella villa di Anderton, dove si sta svolgendo una festa del Fight Club, con grande gioia di Ryan. Ryan riesce a prendere l’uovo e, dopo un’impressionante partita di catch, riescono a fuggire dalla villa con l’uovo in mano… prima di mandarlo in frantumi quando Kevin aziona accidentalmente i freni della loro auto per la fuga. Con grande sorpresa, si rendono conto che l’uovo è falso e che il vero tesoro si trova all’interno: una lista di nomi di persone sotto protezione testimoni, che Brooks intendeva consegnare al Bulgaro.

Gary salva la situazione (più o meno)

Con grande sorpresa, il gruppo vede Brooks avvicinato dagli scagnozzi sul ciglio della strada. Tentano di salvare Brooks, ma vengono rapidamente abbattuti dai malviventi. Proprio mentre stanno per essere giustiziati, Gary arriva con la sua volante della polizia e scambia colpi di pistola con i due scagnozzi, apparentemente uccidendoli e beccandosi lui stesso un proiettile al petto. Mentre Max e Annie lo consolano e si scusano per averlo escluso, Gary sorride e rivela che è stato tutto uno stratagemma orchestrato per dimostrare che è divertente e che vale la pena uscire con lui. A quel punto, i due scagnozzi si rialzano, le loro ferite da proiettile sono finte: sono dei detenuti in libertà vigilata che fanno un favore a Gary in cambio di una riduzione della pena.

Ma proprio quando Gary sembra aver trionfato, arriva un’altra macchina e questa volta il poliziotto si becca un vero proiettile alla spalla. Al di fuori dell’innocuo piano di Gary, è arrivato il Bulgaro (Michael C. Hall) e vuole ciò che gli è dovuto. Capendo che il bulgaro lo ucciderà una volta in possesso della lista di protezione dei testimoni, Brooks inghiotte la lista e inizia una folle corsa mentre Max e Annie cercano di salvarlo. Dopo aver provocato un incredibile incidente aereo a bassa quota, Max e Annie riescono a rendere inoffensivo il bulgaro e a salvare Brooks all’arrivo delle autorità.

Un lieto fine

Dopo il salvataggio in pista, l’azione si sposta a tre mesi dopo, dove il gruppo – compreso Gary – organizza una serata di giochi a casa di Brooks, che sarà agli arresti domiciliari per i prossimi tre anni per il suo ruolo nel piano di contrabbando. È però un’occasione felice, perché Annie rivela a Max di essere incinta attraverso un gioco di sciarade. Ma nononostante questa lieta notizia, non tutto è in festa: Max non può fare a meno di sentirsi a disagio quando Brooks gli dice di aver venduto la lista di protezione dei testimoni a persone molto cattive per 3 milioni di dollari e di aver avvisato ogni persona della lista con un compenso di 20.000 dollari.

Mentre il gruppo festeggia la lieta notizia di Max e Annie, la telecamera si allontana per rivelare un furgone nero pieno di uomini mascherati che caricano le loro pistole, perché sembra che un’altra serata di gioco mortale stia per iniziare a causa della follia di Brooks. Sono probabilmente scagnozzi di qualcuno sentitosi tradito dalle azioni di Brooks e deciso a fargliela pagare. Sembrerebbe un anticipo per un possibile sequel, ma nessun seguito è mai stato realizzato e questa chiusura è dunque da prendere più semplicemente come una divertente gag finale di Game Night – Indovina chi muore stasera?.

La scena post-credits

Il film presenta anche una scena post-credits, in cui si racconta la complessità del piano di Gary per la serata di gioco. La scena ripaga di una battuta ricorrente in modo molto divertente. Per tutto il film, infatti, Gary lamenta la fine del suo matrimonio con l’amata Debbie, che sospetta lo abbia lasciato per stare con un altro uomo. La scena post-credits rivela che è proprio così, e quel qualcuno è Kenny.

Grindhouse – A prova di morte di Quentin Tarantino è spesso citato come uno dei film meno apprezzati della sua filmografia. In un’intervista del 2012 con The Hollywood Reporter, Tarantino stesso ha dichiarato che “A prova di morte è il peggior film che abbia mai fatto”. Anche la seconda parte del film, Planet Terror, realizzato insieme all’amico Robert Rodriguez, non ha avuto successo tra i critici, ottenendo il 64% di voti positivi su Rotten Tomatoes. Tarantino ha poi dichiarato di aver “esagerato”, ma di esserne comunque molto orgoglioso. Con il film che celebra quest’anno il suo 18° anniversario dall’uscita nelle sale, scopriamo in questo articolo alcuni retroscena sulla sua produzione.

L’ispirazione per il film

Tarantino ha avuto l’idea di realizzare Grindhouse – A prova di morte durante una notte di bevute in un hotel con l’amico Sean Penn. Tarantino aveva espresso il desiderio di acquistare una Volvo, sottolineando la reputazione del marchio per la sua sicurezza. Penn aveva un’idea migliore. Penn disse a Tarantino che per un prezzo di 10.000 o 15.000 dollari avrebbe potuto ingaggiare una troupe di stuntman che avrebbero potuto “mettere a prova di morte” qualsiasi auto per il regista. Tarantino amava la frase “A prova di morte” e decise di scrivere una sceneggiatura su questa idea. Detto questo, il titolo originale del film era Quentin Tarantino’s ThunderBolt, che in realtà lampeggia sullo schermo per alcuni fotogrammi della versione finale.

Il casting di Stunt Man Mike

Prima che venisse scelto Kurt Russell, diverse star del cinema di alto profilo si erano candidate per il ruolo dell’iconico Stunt Man Mike, tra cui Mickey Rourke, Sylvester Stallone, Ving Rhames, John Travolta, Willem Dafoe, John Malkovich, Bruce Willis, Ron Perlman e Kal Penn. Inoltre, l’attore australiano John Jarrat è stato preso in considerazione per il ruolo dopo che Tarantino lo ha visto e amato nel film horror del 2005 Wolf Creek. In un omaggio a quel film, Mike si schianta contro l’insegna di un cinema drive-in che pubblicizza propriio Wolf Creek.

L’estetica visiva

I veri film grindhouse della fine degli anni ’60 e degli anni ’70 erano spesso caratterizzati da pellicole estremamente sgranate e graffianti, solitamente frutto di un budget ridotto, di una produzione affrettata e di risorse limitate. Per ricreare l’autenticità di questa estetica visiva, i negativi della pellicola di Grindhouse – A prova di morte sono stati fisicamente raschiati e segnati per far apparire le immagini sporche e non pulite. Tarantino arriva persino a eliminare una scena del film, cosa che era comune per i film grindhouse a basso costo dell’epoca e che cerca qui di riproporre.

Omaggi cinematografici

Come di consueto in un film di Tarantino, si possono notare diversi riferimenti a film e programmi televisivi amati in passato. Nel caso di Grindhouse – A prova di morte, Tarantino rende omaggio a diversi road-movie sulle corse d’auto. Ad esempio, la Chevy Nova del 1970 di Stuntman Mike ha lo stesso numero di targa (JJZ109) della Mustang Fastback di Steven McQueen nel film Bullitt. Sulla Dodge Charger del 1969 di Mike, le ruote con vettori American Racing sono identiche a quelle del “Generale Lee” della serie televisiva Hazzard e la targa (938DAN) è la stessa del film Dirty Mary Crazy Larry. Inoltre, la Mustang del 1973 è la stessa vista nell’originale Gone in 60 Seconds e la Dodge Challenger è un riferimento allo stesso veicolo di Vanishing Point.

La carriera di Kurt Russell

Durante la scena che si svolge nel Warren’s Texas Chili Parlor di Austin, Texas, vengono fatti diversi riferimenti diretti ai precedenti lavori di Kurt Russell. Quando Pam (Rose McGowan) si siede accanto a Stunt Man Mike al bar e gli chiede in quali film e programmi televisivi è apparso nella sua carriera, Mike cita una serie televisiva del 1967 intitolata The High Chaparral. Nella vita reale, Russell è apparso nel 18° episodio della terza stagione della serie. Inoltre, sulla parete direttamente sopra Jungle Julia (Sydney Poitier), mentre è seduta a tavola con i suoi amici, è ben visibile l’iconica canottiera che Russell indossava nel ruolo di Jack Burton in Grosso guaio a Little China.

Scena eliminata

Una scena che è stata girata ma che alla fine è stata eliminata dal montaggio finale a causa della sua natura gratuita, mostrava Stunt Man Mike che si masturbava nella sua auto a prova di morte dopo essersi schiantato fatalmente contro la sua prima ondata di vittime femminili. L’implicazione è che Mike trae gratificazione sessuale dall’uccidere donne nella sua auto. La scena è stata infine tagliata a causa della spiegazione che lo sceriffo Earl McGraw (Michael Parks) fornisce subito dopo aver scoperto l’incidente. McGraw afferma che Mike è uno psicopatico pervertito che si eccita a uccidere giovani donne nel modo in cui lo fa.

Ami il Jukebox

Il jukebox presente nel Texas Chili Parlor è la stessa macchina utilizzata all’inizio di Natural Born Killers, scritto sempre da Tarantino. Inoltre, il jukebox si chiama Ami e appartiene personalmente al regista. Per la produzione, il jukebox è stato spedito ad Austin in un impianto personalizzato. Inoltre, Tarantino ha scritto a mano l’elenco delle canzoni presenti in esso, tra cui l’iconica canzone di Chuck Barry “You Never Can Tell”, presente nella scena del ballo tra Vincent Vega e Mia Wallace in Pulp Fiction.

Il brano Down In Mexico

Una delle scene più memorabili di Grindhouse – A prova di morte è quella della lapdance offerta a Mike da Arlene (Vanessa Ferlito). La canzone che suona nella scena è una versione modificata di “Down in Mexico” dei The Coasters. Secondo Tarantino, la canzone è uno dei pezzi più rari della sua vasta collezione musicale. Acquistò il disco da adolescente, mentre lavorava in un cinema vietato ai minori. Lo mostrò a un proiezionista che era anche un appassionato collezionista di musica. Il collega disse a Tarantino che l’etichetta “appena registrato” sul disco significava che l’oggetto era estremamente prezioso. Da allora la canzone è diventata una delle preferite di Tarantino.

Le acrobazie di Zoe Bell

La stuntwoman neozelandese Zoe Bell interpreta una versione potenziata di se stessa in Grindhouse – A prova di morte. Per questo motivo, la Bell ha eseguito tutte le sue acrobazie nel film, nonostante Tarantino avesse previsto il contrario. Quando la Bell è stata scritturata per il film, ha automaticamente pensato che si trattasse di un ruolo cameo o di eseguire acrobazie come ha fatto per Uma Thurman in Kill Bill. Quando Tarantino la informò che le era stato assegnato un ruolo da protagonista, disse alla Bell che sarebbe stata utilizzata un’altra controfigura per girare le scene più pericolose. La Bell si oppose, sostenendo di voler fare lei tutte le acrobazie e Tarantino accettò.

Pubblicità ingannevole

Una delle convenzioni del marketing dei film grindhouse era quella di promettere al pubblico azioni che in realtà non comparivano mai nel film. Si attirava il pubblico nel film con un’aspettativa, per poi offrirgli un’esperienza del tutto diversa. Questo spiega probabilmente perché i poster di Grindhouse – A prova di morte presentano una Chevy Camaro del 1967, un veicolo che non compare affatto nel film. L’unica Camaro del 1967 che compare nel film è quella che si trova dopo il naufragio della Dodge Challenger, in cui una Camaro è dipinta di bianco come controfigura.

Bullet Train (qui la recensione) è una commedia d’azione complessa ma ben scritta, che porta avanti con ordine i temi del karma e del destino, anche se alla fine del film rimangono aperte diverse domande importanti. Interpretato da Brad Pitt, Bullet Train è pieno di arguzia e trasmette messaggi significativi tra i colpi d’azione sapientemente realizzati che dominano il film. Presenta anche camei di alcuni grandi di Hollywood, tra cui Ryan Reynolds e Sandra Bullock, che lo rendono un film assolutamente piacevole da guardare.

Basato sul romanzo di Kōtarō Isaka, Bullet Train è un film piuttosto complesso, ma la scrittura è ben legata senza grossi buchi nella trama. Tuttavia, come anticipato, ci sono ancora alcune domande lasciate senza risposta dall’adattamento che potrebbero potenzialmente portare a un sequel. Dopo aver esplorato il finale del film, in questo articolo andiamo dunque ad approfondire le principali questioni irrisolte, cercando di trovarvi delle risposte.

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Carver sapeva che il lavoro era una trappola?

Questa è forse la più grande domanda senza risposta, soprattutto nel caso in cui Bullet Train dovesse avere un sequel. Carver (Ryan Reynolds) è un collega assassino che chiaramente non piace a Ladybug (Brad Pitt). Carver avrebbe dovuto partecipare a questo lavoro, ma è stato opportunamente colpito da un’oscura “malattia dello stomaco” che lo ha tenuto a casa. Questo è l’unico motivo per cui Ladybug è subentrato nella cosa.

Ladybug si lamenta spesso della sua serie di sfortune e ipotizza che questo lavoro sia semplicemente una continuazione della sua sfortuna cronica. Ma è possibile che Carver sapesse cosa sarebbe successo e abbia finto la sua malattia per far uccidere qualcun altro al suo posto? A giudicare dall’opinione che Ladybug ha di Carver, sembra certamente possibile che il misterioso assassino abbia fatto una cosa del genere.

Non solo sembra possibile che Carver faccia una cosa del genere, ma avrebbe anche un motivo per farlo. Il finale di Bullet Train rivela che è stato Carver a uccidere la moglie della Morte Bianca (Michael Shannon), dando così il via agli eventi del film. In base a tutto ciò che si sa della Morte Bianca, sembra improbabile che smetta di inseguire Carver finché non saprà che il ragazzo è morto. Ciò lascia a Carver la scelta tra cercare di uccidere la Morte Bianca o cercare di convincere il boss del crimine che è morto.

Convincere la Morte Bianca di quest’ultimo scenario sembra la decisione più semplice, ma richiederebbe un capro espiatorio. Questo gli darebbe un ottimo motivo per fingere una malattia e lasciare che Ladybug muoia al suo posto. Tuttavia, Carver avrebbe dovuto sapere che il colpo del treno proiettile era una messa in scena della Morte Bianca. Avrebbe quindi perfettamente senso se Carver avesse incastrato Ladybug di proposito, ma è impossibile dire con certezza se l’abbia fatto. Forse Bullet Train e le sue incredibili acrobazie torneranno in un sequel e risponderanno a questa domanda su Carver.

Qual è la storia di Ladybug e Maria?

Il Ladybug di Brad Pitt e la Maria di Sandra Bullock hanno un’eccellente chimica in Bullet Train, ma il pubblico rimane con delle domande sulla loro storia di lavoro insieme. Maria è la responsabile di Ladybug e i due hanno chiaramente svolto molti lavori insieme. Tuttavia, non viene mai spiegato come si siano conosciuti o se lavorino per un’organizzazione più grande. Entrambi lavorano con Carver, il che implica un sindacato. Tuttavia, è possibile che Maria sia un’addestratrice indipendente che fornisce lavoro sia a Ladybug che a Carver.

La storia di Maria e Ladybug è curiosa indipendentemente dal fatto che lavorino o meno all’interno di un’organizzazione più grande. Ladybug elogia Maria come conduttore e sarebbe affascinante scoprire perché preferisce lavorare con lei. Un prequel o un sequel potrebbero svelare il mistero del loro passato comune e dare maggiore spessore al protagonista di Bullet Train. Tuttavia, il film è caratterizzato da una trama strettamente contenuta e, cosa interessante, Ladybug è uno dei pochi attori importanti della storia senza flashback che ne spieghino il carattere.

Chi è esattamente Ladybug?

La mancanza di un background per il protagonista di Bullet Train lascia dunque il pubblico a chiedersi chi sia questo Ladybug. In base alla conversazione con Maria, Ladybug è stato fuori dal giro per un certo periodo e questo è il suo primo lavoro. Dice anche che il suo lavoro preferito è lo scippo, piuttosto che l’assassinio. Viene mostrato mentre svolge una sorta di lavoro al matrimonio del Lupo, ma a parte questo, non c’è quasi nulla sul personaggio di Ladybug.

L’identità di Ladybug rimane una delle più grandi domande senza risposta, ma è probabile che sia destinata a rimanere tale. Ladybug, conosciuto solo con il suo nome in codice, funge da contrasto con alcuni degli altri mercenari, le cui cattive azioni sono descritte nei loro flashback. Tutto ciò che il pubblico dovrebbe sapere di Ladybug è che cerca di evitare di uccidere, almeno più di quanto facciano i suoi colleghi mercenari, e che ha subito una lunga serie di sfortune. Ma poiché ha cercato di essere migliore di loro e perché non avrebbe dovuto essere lì, ha accumulato un buon karma e sopravvive miracolosamente all’incidente ferroviario, interrompendo la sua serie di sfortune.

Alla fine, tutti i mercenari oltre a Lemon (Brian Tyree Henry) e Ladybug incontrano il karma e muoiono in vari modi. Persino la Morte Bianca viene uccisa quando spara alla pistola che sua figlia, il Principe (Joey King), ha costruito per ucciderlo, dimostrando che per i personaggi di Bullet Train ciò che gira gira. L’identità di Ladybug è quella dell’uomo che non dovrebbe essere lì. Dare a lui un background più ampio potrebbe in realtà danneggiare i temi del film. Più il suo personaggio è ambiguo, meglio funziona il suo arco narrativo.

L’action post-apocalittico After Earth (qui la recensione), interpretato da Will Smith, avrebbe dovuto lanciare un universo cinematografico e un franchise multimediale, ma i sequel non sono mai stati realizzati per vari motivi. Diretto da M. Night Shyamalan, il maestro dei colpi di scena, il film vede Smith nei panni di Cypher Raige e il figlio nella sua vita reale Jaden Smith nel ruolo del figlio del suo personaggio, Kitai Raige. I due vivono su Nova Prime, una colonia spaziale dove la razza umana si è trasferita dopo che una catastrofe ambientale ha reso la Terra inabitabile. Cypher accompagna Kitai nel suo ultimo viaggio intergalattico prima del pensionamento ma, durante il viaggio, si schiantano proprio sulla Terra, devastata e infestata da mostri.

In origine Smith aveva un piano estremamente ambizioso per un universo condiviso di After Earth che avrebbe rivaleggiato con la Marvel. Il documento di presentazione che la casa di produzione Overbrook inviò alla Sony definiva l’universo di After Earth “1000 AE” e ne paragonava le dimensioni a quelle di Star Wars, Harry Potter e Il Signore degli Anelli. Il sequel doveva dunque essere seguito da una serie televisiva in live-action, una serie televisiva animata, videogiochi, prodotti di consumo, attrazioni per parchi a tema, documentari, fumetti, un programma educativo in collaborazione con la NASA, linee di colonie e profumi e persino una piattaforma di social media 1000 AE. Ma alla fine di tutto questo non si è mai fatto nulla.

After Earth ha avuto una pessima performance al botteghino e non ha riscontrato il favore dei fan

Sebbene After Earth abbia guadagnato la considerevole cifra di 243 milioni di dollari al botteghino mondiale (secondo Box Office Mojo), è stato bollato come una delusione commerciale. La regola generale è che, visto quanto costa commercializzare i film al pubblico di tutto il mondo, un film deve incassare circa 2,5 volte il suo budget di produzione per ottenere un profitto. Con l’ingente prezzo di 130 milioni di dollari, After Earth avrebbe dovuto incassare almeno 325 milioni di dollari per diventare redditizio, e molto di più per dare allo studio abbastanza fiducia da lanciare sequel, spin-off televisivi e linee di colonie.

La Sony era già scettica sulle possibilità di successo di questo primo film, dal momento che la sua star di punta trascorre la maggior parte del tempo bloccata su un’astronave. Lo studio ha però deciso di mettere Smith in primo piano nel marketing di After Earth per far intendere che avrebbe partecipato a gran parte dell’azione del film. L’insuccesso al botteghino ha confermato i timori della Sony che il film non avrebbe colpito il pubblico. Alcuni titoli di genere che non hanno successo a livello nazionale possono poi diventare un successo nei mercati esteri, come Warcraft o Pacific Rim. After Earth ha realizzato oltre il 75% dei suoi incassi nei mercati internazionali, ma non è stato sufficiente a recuperare il budget.

Certo, alcuni fallimenti al botteghino sono riusciti a ottenere dei sequel anni dopo, se hanno ottenuto un seguito di culto negli anni successivi all’uscita nelle sale, come Tron o Blade Runner. Ma After Earth non è riuscito a sviluppare un seguito di fan nei mercati dei supporti domestici o dello streaming. A differenza di questi film di fantascienza, che sono stati elogiati dalla critica, After Earth è stato universalmente stroncato, con un indice di gradimento di appena il 12% su Rotten Tomatoes, un consenso che il pubblico ha generalmente condiviso. Insieme a L’ultimo dominatore dell’aria, questo film è stato una delle bombe al botteghino che ha fatto tornare Shyamalan alle sue radici creative, dirigendo film horror a basso budget come The Visit e Split.

Will Smith lo ha definito “un doloroso fallimento” che ha inciso profondamente sul suo rapporto con Jaden

Alla luce di ciò, Will Smith ha definito After Earth il “fallimento più doloroso” della sua carriera, affermando che è stato persino peggiore dell’insuccesso critico e commerciale di Wild Wild West, perché in questo caso era coinvolto suo figlio Jaden. Padre e figlio avevano già collaborato in precedenza a La ricerca della felicità, che è stato un successo di critica e commerciale. Smith ha quindi dichiarato di essersi pentito di aver trascinato Jaden nel “peggior massacro pubblico che abbia mai vissuto”. Ha spiegato che la parte peggiore dell’accoglienza “abissale” di After Earth da parte della critica e del commercio è stata che “Jaden ha subito il colpo”, perché è stato sotto i riflettori per la maggior parte del film.

Quando After Earth è stato bocciato, Smith si è sentito responsabile della reazione “assolutamente feroce” che Jaden ha ricevuto dalla critica e dal pubblico, perché aveva “fatto fedelmente tutto quello che gli avevo indicato di fare” durante la realizzazione del film. All’età di 15 anni, poco dopo l’uscita del film, Jaden chiese quindi ai suoi genitori se poteva diventare un minore emancipato (cosa che poi decise di non portare avanti). Smith ritiene che la discussione sull’emancipazione abbia avuto a che fare con il fallimento di After Earth: “Non abbiamo mai parlato [del fallimento di After Earth], ma so che si è sentito tradito. Si è sentito ingannato e ha perso la fiducia nella mia leadership“.

Anche se After Earth fosse stato un successo al botteghino tale da indurre la Sony a dare il via libera a After Earth 2, è improbabile che Jaden avrebbe ripreso il suo ruolo di Kitai. Viste le reazioni al vetriolo alla sua interpretazione nel primo film, avrebbe potuto essere riluttante a tornare nel franchise. Dopo l’uscita di questo film, Jaden si è quindi preso una pausa di tre anni dalla recitazione prima di tornare sullo schermo per interpretare il ruolo principale di Marcus “Dizzee” Kipling nel gioiello nascosto di Baz Luhrmann The Get Down su Netflix. Dato il rimorso per il “doloroso fallimento” di After Earth, lo stesso Smith potrebbe aver avuto timore di tornare per After Earth 2.

Will Smith ha deciso di concentrare la sua attenzione e la sua carriera altrove

Piuttosto che rischiare un ulteriore insuccesso commerciale e un’incursione del pubblico espandendo After Earth nell’universo di 1000 AE, Smith ha quindi deciso di concentrare la sua attenzione e il futuro della sua carriera su altri progetti. Negli anni successivi al fallimento del film al botteghino e alla cancellazione di After Earth 2, ha dunque realizzato alcuni dei suoi lavori più acclamati. Ha fatto luce su un importante problema del football professionistico interpretando il medico della NFL Bennet Omalu in Concussion e ha vinto l’Oscar come miglior attore per la sua interpretazione del padre di Venus e Serena Williams in Una famiglia vincente – King Richard.

Certo, l’attore ha subito anche altri flop commerciali e di critica, come Bright e Gemini Man, ma per la maggior parte del tempo si è concentrato su interpretazioni toccanti in film che raccontano storie potenti e risonanti. L’interpretazione di Smith nel ruolo del Genio nel remake live-action di Aladdin della Disney ha ad esempio portato al più grande successo commerciale della sua carriera, superando Independence Day e diventando il primo film di Smith a superare il miliardo di dollari al box office mondiale. Il suo revival del franchise Bad Boys, Bad Boys for Life, è diventato il film di maggior incasso della serie con un incasso globale di 426 milioni di dollari.

Se After Earth fosse diventato il successo di lancio del franchise e di costruzione dell’universo che Smith sperava che fosse, allora tutto il suo tempo sarebbe stato consumato con i sequel di questo progetto e i relativi prodotti di consumo. Con After Earth 2 e i suoi seguiti a intasare la sua agenda, Smith non sarebbe stato in grado di dare la sua interpretazione da Oscar in King Richard o di rinvigorire il franchise di Bad Boys con Bad Boys for Life. Dato il successo che Smith ha ottenuto negli anni successivi, forse il doloroso fallimento di After Earth è stato più che altro una benedizione mascherata.