Il film del 2022 The Menu, diretto da Mark Mylod (anche regista di Ali G e di serie come Il Trono di Spade, Succession e Shameless) si è affermata come la black comedy più popolare e apprezzata del suo anno. In esso confluiscono il mondo culinario ultimamente tanto in voga al cinema e in televisione, ma anche riflessioni sulle classi sociali, sul valore del cibo e sul come si tenda oggigiorno a mistificare determinati aspetti della vita snaturandoli del loro significato originale. Il risultato è dunque un film che diverte ma sa anche spaventare, portando ad una serie di risvolti che danno molto su cui rimuginare.

Candidato a diversi premi, tra cui i Golden Globe per il Miglior attore e la Miglior attrice, il film si caratterizza anche per interpretazioni di alto livello, con attori particolarmente noti che si prestano a questo racconto tanto sorprendente. In questo articolo, però, approfondiamo il vero significato del finale di The Menu, analizzando gli elementi che lo compongono. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama e il cast di The Menu

Il film è incentrato su una cena di alta cucina preparata dal famosissimo ed eccentrico chef Julian Slowik (Ralph Fiennes), che si tiene in un ristorante su una remota isola privata. Celebrità e altri nomi noti accorrono da diversi parti del mondo per scoprire quali prelibatezze il cuoco abbia inserito nel menu. Tra questi ci sono: una coppia, Margot (Anya Taylor-Joy) e Tyler (Nicholas Hoult); tre giovani informatici, Bryce (Rob Yang), Soren (Arturo Castro) e Dave (Mark St. Cyr); una coppia benestante più in là con l’età, nonché clienti abituali, Anne e Richard (Judith Light e Reed Birney); il noto critico gastronomico Lillian Bloom (Janet McTeer) insieme al caporedattore Ted (Paul Adelstein).

Infine, vi è anche una celebre star cinematografica di mezza età (John Leguizamo), accompagnata dall’assistente Felicity (Aimee Carrero). Mentre l’elegante personale di sala, diretto da Elsa (Hong Chau), li accoglie e li serve, la tensione nel corso della serata cresce sempre più, tra segreti svelati e i piatti del sontuoso menù condito da scioccanti sorprese. Quando iniziano ad accadere eventi violenti al limite della follia, Slowik rivelerà le sue vere intenzioni e soprattutto come il suo elaborato menù debba avere un finale a sorpresa scioccante.

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La spiegazione del finale del film

Il finale di The Menu rivela i piani dello chef Slowik per la serata. Lo chef Slowik intende punire gli ospiti dell’Hawthorn perché sono la causa della pretenziosità e dell’elitarismo dell’industria della buona cucina, due fattori che hanno eroso la sua gioia di cucinare nel corso della sua carriera. La ricchezza degli ospiti ha fatto progredire l’industria alimentare, ma ha anche reso costosa l’esperienza culinaria, aumentando il divario tra le classi socioeconomiche e togliendo vita e piacere all’esperienza della degustazione. Lo chef Slowik si sente l’ombra di se stesso, e il suo risentimento nei confronti delle élite golose che usano un tavolo all’Hawthorn come dimostrazione di status è diventato così forte da costringerlo ad agire.

Slowik voleva che i suoi ospiti, tutti abituati alla ricchezza che permette loro di vivere senza conseguenze, si sentissero imbarazzati e offesi portata dopo portata, arrivando a comprendere cosa cosa significa sentirsi impotenti e alla mercé di qualcun altro. Slowik voleva che assaggiassero la vera impotenza prima di morire. Il fatto che il loro elitarismo consumistico fosse anche responsabile della perdita dell’arte della cucina, agli occhi di Slowik, non fa che alimentare la sua rabbia, che alla fine raggiunge il suo apice con l’incendio in cui uccide sé stesso, i propri dipendenti e i suoi ospiti.

Lo chef Slowik offre in più occasioni agli ospiti di The Menu l’opportunità di lasciare Hawthorn e l’isola remota, ma gli ospiti non sembrano sforzarsi più di tanto per scappare, ed è proprio per questo che sono stati selezionati a mano per la serata e hanno ricevuto gli inviti. Il finale del film, inoltre, rivela che Slowik possiede informazioni dei suoi ospiti che questi non vogliono vengano rivelate. Ciò spiega dunque che il denaro parla più di ogni altra cosa e gli ospiti di The Menu preferiscono affrontare la morte piuttosto che le conseguenze della divulgazione di alcune informazioni da parte di Chef Slowik.

Prima di questo momento, però, il primo a morire è proprio Tyler. Per tutta la serata, egli cerca costantemente di dimostrare il suo valore allo chef Slowik, citando diversi prodotti e metodi che lo chef utilizza per creare i suoi piatti tipici. Slowik, alla fine, invita Tyler in cucina, dandogli persino un camice da chef e chiedendogli di cucinare per i suoi ospiti. Tyler non ne è però capace e si umilia così di fronte al suo eroe e a tutti gli ospiti. Lo chef Slowik, a quel punto, sussurra qualcosa all’orecchio di Tyler, che risponde “sì, chef”, prima di congedarsi. In breve tempo si scopre che qualsiasi cosa abbia sussurrato Chef Slowik ha fatto sì che Tyler si impiccasse con la sua stessa cravatta.

L’unica a salvarsi da questa situazione è proprio Margot, che durante la cena ha più volte messo i bastoni tra le ruote dello chef. Margot, però, non è ricca o pretenziosa e vede l’arte culinaria come un modo per sfamare gli affamati anziché creare esperienze effimere. Lo chef Slowik trova in lei una sorta di spirito affine, qualcuno che capisce cosa significhi crescere con poco, ma che ha sfruttato il sistema in qualche modo per andare avanti. Margot non è dunque impressionata dal cibo dello chef e dalle sue presentazioni. Alla fine, Margot sfida Slowik a preparare un delizioso hamburger e sarà proprio questa richiesta a permetterle di poter andare via.

Facendogli quella richiesta, Margot ricorda a Slowik le sue radici e la gioia del mangiare un pasto ben preparato. Il fatto che Margot non sia pomposa riguardo all’hamburger suggerisce che capisce l’esperienza di assaporare il cibo con attenzione più di quanto pretendano di fare i pretenziosi ospiti di Chef Slowik. Sono poi emerse diverse teorie su cosa rappresentasse il cheeseburger in The Menu, ma più semplicemente questo può essere visto come l’incarnazione di dove l’amore per la cucina di Slowik è nato e che lui finalmente ricorda preparando il panino.

Il trailer di The Menu e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di The Menu grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Apple TV, Google Play, Disney+ e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di martedì 14 maggio alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

Se il DCEU avesse seguito la visione di Zack Snyder così come era stata pensata, le critiche sulla rappresentazione “divina” di Superman sarebbero state affrontate. Interpretato da Henry Cavill, non si può negare che l’Uomo d’Acciaio del DCEU sia stato raffigurato con forti parallelismi con un salvatore divino, una figura fortemente cristologica. Sebbene questa inquadratura sia stata spesso controversa, Zack Snyder ha confermato che doveva essere parte di un arco narrativo più ampio che avrebbe visto Superman riconnettersi con la sua umanità.

In seguito alla cancellazione dello Snyderverse del DCEU, Warner Bros. si sta preparando a lanciare un nuovissimo universo DC con James Gunn e Peter Safran al timone. Tuttavia, Zack Snyder ha continuato a rivelare e parlare di ciò che sarebbe stato in cantiere oltre Justice League. Ciò include quello che avrebbe potuto essere un finale molto avvincente per il Superman di Henry Cavill per quanto riguarda le percezioni del mondo e delle sue masse che sarebbero arrivate a vedere l’Uomo d’Acciaio come un dio letterale.

In L’Uomo d’Acciaio del 2013, Superman si rivela al mondo all’età di 33 anni (la stessa età che aveva Gesù quando fu crocifisso). Avendo scoperto il suo scopo dal suo vero padre Jor-El che non era di questo mondo, ci sono molti parallelismi tra Superman e Cristo nel primo film DC di Zack Snyder, incluso un momento piuttosto evidente in cui Jor-El racconta che il suo figlio che può salvare il mondo, poco prima che Kal-El voli nell’orbita terrestre con le braccia tese (come se fosse già su una immaginaria croce).

I parallelismi con Gesù e le rappresentazioni di Superman come un Salvatore simile a un dio continuano certamente in Batman v Superman: Dawn of Justice con l’umanità che innalza ma poi rifiuta Superman. Allo stesso modo, questo culmina anche con Superman che si sacrifica per fermare Doomsday prima di resuscitare, come visto in Justice League. In verità, è una visione molto fondata su come il mondo reale possa accettare qualcuno con un così grande potere come Superman, un essere che senza dubbio incontrerebbe la stessa quantità di critiche e riverenza.

La rappresentazione di Superman nel DCEU è stata certamente controversa per alcuni spettatori in base al modo in cui venivano rappresentati i Supermen live-action del passato. Tuttavia, Snyder ha recentemente confermato in un’intervista a GQ che questo status divino per Superman faceva tutto parte di un arco narrativo generale che si sarebbe concluso con Superman che si riconnetteva maggiormente con la sua umanità:

Avrebbe dovuto soccombere all’Anti-vita, essere distrutto, riportare indietro l’orologio e poi avere la sua possibilità per questa battaglia contro Darkseid. Se vuoi… questo avrebbe posto fine alla sua trilogia nel diventare questo guardiano e, in un certo senso, lo avrebbe riportato alla sua umanità.

Tradotto semplicemente con il significato di “film nero” o “film oscuro”, il genere del film noir è stato un punto fermo del cinema fin dall’epoca del muto. Ogni cinefilo sa che il genere ha molti elementi che sono spesso, se non sempre, presenti in combinazione: estetica come l’ombra e l’esagerazione, materiale moralmente torbido come gli antieroi e le narrazioni complicate (spesso raccontate in modo non lineare, attraverso una voce fuori campo hardboiled) – e, naturalmente, le femme fatali.

Ci sono alcuni classici film noir da manuale, come La fiamma del peccato (Double Indemnity) e Il mistero del falco (The Maltese Falcon), che sono punti fermi della storia e della composizione del genere, ma il noir si fonde spesso con altri generi come il romanticismo, il cinema di spionaggio, l’azione e l’horror, a volte con effetti artisticamente sbalorditivi. I seguenti titolo sono noir e neo-noir semplicemente impeccabili dall’inizio alla fine. Questi film indispensabili, dalla Hollywood classica alla New Hollywood, fino ai tempi più moderni, ricordano agli appassionati di cinema e ai neofiti del noir perché questo genere è così inebriante.

La morte corre sul fiume (The Night of the Hunter)

Un’ossessionante e visivamente mozzafiato miscela di thriller psicologico, film poliziesco e puro horror gotico con sfumature fiabesche, il classico incubo hollywoodiano vede protagonista Robert Mitchum nei panni di uno dei cattivi più iconici e terrificanti del cinema: Il “Reverendo” Harry Powell, un uomo di chiesa fraudolento che cerca una fortuna in denaro nel possesso di due bambini piccoli.

Questo è stato l’unico film diretto dallo stimato attore Charles Laughton e, all’epoca, fu generalmente rifiutato o del tutto disprezzato. Come un altro splendente, ma cupo e brutale, rovina-carriera, Peeping Tom, è oggi riconosciuto come in anticipo sui tempi. È allo stesso tempo uno dei film noir più belli, più spaventosi e più strani mai realizzati. La star del cinema muto Lillian Gish è preziosa quanto Mitchum per il film, in quanto sua controparte, donna di fede e protettrice di bambini smarriti. La notte del cacciatore è un film che non ha eguali.

L.A. Confidential

Conciso ma magistralmente adattato dall’ampio romanzo di James Ellroy, l’intramontabile poliziesco di Curtis Hanson segue due uomini di legge apparentemente male assortiti (Russell Crowe e Guy Pearce) che devono fare squadra per sgominare una rete di corruzione che arriva fino ai vertici della catena alimentare nella Los Angeles degli anni Cinquanta.

Molti dei film di questa lista vivono nell’ombra; L.A. Confidential è in gran parte un affare luminoso e solare in superficie. È fin troppo efficace nel contrastare un mondo di corruzione malata, egoista e violenta che si trova sotto la città degli angeli, una città di sogni dove molti sogni sono morti. L.A. Confidential stabilisce un tempo e un luogo e suscita un’enorme risposta emotiva. Oltre a essere una storia di criminalità avvincente come mai se ne vedono sullo schermo, è uno dei migliori film sull’amicizia tra uomini e una storia d’amore recitata in modo impeccabile. Kim Basinger ha vinto un Oscar meritatissimo, interpretando un personaggio imperfetto ma estremamente simpatico che, in senso figurato, scaglia le idee preconcette sulla femme fatale direttamente fuori dalla finestra di un grattacielo.

L.A. Confidential in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

 

Il mistero del falco (The Maltese Falcon)

Sebbene sia davvero importante citare Il grande sonno e altri noir con Laurent Bacall, l’apparizione più iconica di Humphrey Bogart nel genere è innegabilmente quella di Sam Spade nel debutto alla regia di John Huston, Il mistero del falco (The Maltese Falcon). L’attore, incomparabilmente cool, recita accanto a Mary Astor e Peter Lorre in un potboiler sull’isteria che circonda l’omonimo MacGuffin, una statuetta abbagliante e misteriosa. In realtà, però, Il mistero del falco (The Maltese Falcon)  parla dell’avidità e della sua futilità che consuma l’anima.

Il film di Huston è, di fatto, un remake. Vale la pena di vedere la versione del 1931, più leggera ma più cruda, il cui successo iniziale fu fortemente compromesso dal Codice Hays, che rimase in vigore fino al 1968. Il film del 1941 è ampiamente considerato il miglior film poliziesco di sempre, uno dei primi 25 film conservati dal National Film Registry della Biblioteca del Congresso.

Drive (2011)

Per tutti gli incassi e la pubblicità di Barbie, è molto probabile, almeno per i cinefili, che Drive sia il ruolo più iconico di Ryan Gosling. Spesso silenzioso, ma con una presenza imponente e minacciosa, spesso piuttosto romantica e sognante (tutto ciò si potrebbe dire del film stesso), è impeccabile nei panni di Driver, un autista (davvero), che si ritrova invischiato con dei criminali, insieme a una giovane vedova (Carey Mulligan) che deve proteggere.

Come in Pulp Fiction, Drive racconta una storia di criminalità non memorabile, ma è la narrazione, la messa in scena di tutto ciò che lo rende un capolavoro. Nicholas Winding Refn avrebbe inciampato con il banale film di Lynch The Neon Demon e con lo sconcertante Only God Forgives, ma Drive sarà il paradiso dei film di mezzanotte per un tempo infinito. Ci sono innegabilmente echi di un altro noir essenziale, Taxi Driver, ma la presenza di Gosling e la chimica romantica rendono questo film molto più tenero, al di sotto delle scene e del gore.

Drive in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

 

Viale del tramonto (Sunset Boulevard, 1950)

Pochi anni dopo aver realizzato il film che ancora oggi definisce il cinema noir (ne parleremo tra poco), il maestro di tutti i generi hollywoodiani Billy Wilder ne ha realizzato un altro altrettanto apprezzato, una satira su Hollywood che satireggia Hollywood. È ancora il miglior film dell’industria su se stessa. Gloria Swanson e William Holden sono i protagonisti di questo film fumoso, affascinante e spesso molto divertente, che racconta di un’ex star del cinema e di un aspirante sceneggiatore con i loro difetti e le loro delusioni di gloria.

Gli Academy Awards del 1951 furono un vero e proprio record per la categoria della migliore attrice. Bette Davis e Anne Baxter di All About Eve furono entrambe nominate nella categoria principale su insistenza di quest’ultima, in un caso di vita che imita l’arte. Anche la Swanson fu nominata. La corsa sorprendentemente ravvicinata ha apparentemente diviso i voti, portando a una vittoria shock per l’esordiente Judy Holliday in Going My Way. Tutte e tre le interpretazioni citate sono entrate nei libri di storia in un modo meno effimero di una vittoria agli Oscar.

Vertigine (Laura, 1944)

Il genere film noir è noto per le sue trame contorte (si veda Il falcone maltese come riferimento), ma Vertigine di Otto Preminger si distingue in questo senso. È tanto un trionfo dello stile sulla sostanza quanto un trionfo dello stile sulla sanità mentale. Dana Andrews recita accanto a Vincent Price e Clifton Webb, nei panni di un detective che si innamora di un dirigente morto (Gene Tierney) sul cui omicidio sta indagando.

Vertigine , uscito lo stesso anno del film noir sovrano La fiamma del peccato (Double Indemnity), ha ricevuto un Oscar per la sua fotografia in bianco e nero. È una storia d’amore sincera e una storia di fantasmi come l’intramontabile Rebecca di Hitchcock è una storia di fantasmi. È conservato nel National Film Registry dal 1999 e la sua reputazione è cresciuta nel tempo. C’è stato un remake televisivo del 1968, scritto da Truman Capote, che è stato criticato ed è difficile da trovare al giorno d’oggi. Rimanete sul superlativo originale.

Blue Velvet (1986)

Molti registi si sono cimentati nell’emulazione dello stile di David Lynch con risultati deludenti e spesso sconcertanti. In realtà esiste un solo David Lynch. Insieme a film del calibro di Mulholland Drive, Eraserhead e il meglio di Twin Peaks, questa pietra miliare degli anni ’80 rappresenta l’opera più pienamente realizzata e gratificante che ha reso il termine “lynchiano” degno di essere aggiunto al dizionario di Oxford. Il film poliziesco, che racconta di uno studente universitario idealista che entra in contatto con la malavita dopo aver trovato un orecchio mozzato, è interpretato da Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini e Dennis Hopper (indimenticabile nel ruolo del cattivo ipersessualizzato Frank Booth).

Per la cronaca, non tutti i film di Lynch sono così inquietanti o misteriosi. The Elephant Man è un dramma semplice che si inserisce stranamente nel resto del canone, e Lynch ha dato ulteriore prova della sua abilità con il dolce e semplicemente perfetto film per famiglie The Straight Story nel 1999.

Blue Velvet in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

 

Notorious – L’amante perduta (1946)

Il noir più iconico di Alfred Hitchcock è a colori, ed è un film noir chiamato La donna che visse due volte (Vertigo) (sapete, il film che è in ogni lista dei migliori film mai realizzati, a volte in cima). È importante ricordare che Notorious è altrettanto bello. Roger Ebert lo ha definito “l’espressione più elegante dello stile visivo del maestro“. Cary Grant, Ingrid Bergman e Claude Rains danno il meglio di sé in una spy story cupa, a volte cinica, ma alla fine profondamente romantica, su un triangolo amoroso mortale nell’immediato dopoguerra.

Notorious non ha età, solo un po’ meglio di così. Diventa sempre più fresco e urgente con il passare del tempo. La sceneggiatura di Ben Hecht affronta una storia d’amore tossica e l’alcolismo con una schiettezza che era in anticipo sui tempi, almeno sulla pellicola. Girato con una macchina da presa che scivola sapientemente e con sfumature d’argento che potrebbero far dubitare lo spettatore che i film abbiano mai avuto bisogno del colore, Notorious è un film freddo ma umanistico che culmina con alcuni dei gesti e dei dialoghi più romantici mai realizzati su pellicola.

Notorious in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

 

L’ultima seduzione (1994)

Non diversamente dall’esasperante esclusione burocratica di Essie Davis per il suo lavoro in The Babadook 20 anni dopo, Linda Fiorentino non ha avuto diritto a una meritatissima nomination agli Oscar perché L’ultima seduzione è andato in onda sulla TV via cavo premium nello stesso periodo in cui ha ricevuto un’uscita limitata nelle sale. È un vero peccato: questo è stato uno dei film più avvincenti di un anno insolitamente forte per il cinema hollywoodiano e internazionale.

Nel teso thriller erotico a basso costo di John Dahl, l’attrice (che di lì a poco sarebbe stata memorabilmente co-protagonista di Men In Black) interpreta una femme fatale che scappa con i soldi della droga del marito prima di pianificare la sua prossima grande truffa. Con tutta l’attenzione che Sharon Stone ha ricevuto per Basic Instinct due anni prima (la sua interpretazione era migliore di quella del film, che era un po’ goffo), la Fiorentino è il vero successore della Phyliis Dietrichson di Barbara Stanwyck come un’agghiacciante, a volte divertente, assolutamente spietata e in effetti diabolica, zenit dell’archetipo.

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Collateral (2004)

Tom Cruise è sempre stato uno dei migliori attori del pianeta, un attore migliore di quanto gli venga riconosciuto. Molti indicheranno Magnolia come la sua migliore interpretazione drammatica, ma vale la pena considerare anche Collateral. È animalesco, innegabilmente simile a un lupo, nel neo-noir d’azione di Michael Mann, che racconta di un sicario che incastra un innocente tassista (Jamie Foxx) in una notte di colpi su colpi.

Intriso di neon, luci alte e ombre basse, questo è il primo film di Mann girato quasi interamente in digitale. Collateral è il film migliore, più accurato e più efficace mai realizzato su Los Angeles di notte. Da una breve ma magnifica scena di coyote che si aggira per le strade urbane a una sparatoria in un nightclub che è tra le migliori mai girate da un regista che è maestro in questo genere di cose, Collateral è tanto un esame di una città enorme e impersonale quanto un gioco di moralità che si svolge nel taxi.

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La donna che visse due volte (Vertigo, 1958) 

È impossibile stilare una lista di noir perfetti, o di film perfetti, senza arrivare a La donna che visse due volte (Vertigo, 1958). Nominato il più grande film di tutti i tempi dal sondaggio 2012 di Sight and Sound tra i critici internazionali, è l’intramontabile storia di ossessione del Maestro della Suspense, con protagonista l’apprezzato veterano militare e attore veterano James “Jimmy” Stewart nei panni dell’investigatore privato John “Scotty” Ferguson, che si invaghisce dell’affascinante bionda (Kim Novak) che gli è stata assegnata.

La donna che visse due volte (Vertigo, 1958) è un superbo esempio di arte cinematografica, davvero senza pari. Dall’uso deliberato dei colori per esaltare la narrazione in una fotografia morbida e sognante alla colonna sonora fragorosa ma romantica di Bernard Hermann, che potrebbe essere la più grande di tutti i film. I titoli di testa animati di Saul Bass raffigurano un vortice circolare che preannuncia la paura dell’altezza di Scotty, certo, ma soprattutto il suo ciclo di ossessione, un ciclo di morte.

La donna che visse due volte in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

 

Chinatown (1974)

Sebbene si possa facilmente sostenere che le sue interpretazioni più iconiche siano quelle di Shining e di Qualcuno volò sul nido del cuculo (e persino di Batman), si può affermare che Chinatown sia il più grande film di Jack Nicholson. L’attore recita accanto a Faye Dunaway e al regista del Falcone Maltese John Huston in un mistero scritto da Robert Towne e ispirato alle vere guerre per l’acqua in California all’inizio del XX secolo. La New Hollywood era un’epoca di rottura delle regole consolidate; Chinatown è il neo-noir definitivo.

Lo sceneggiatore e il regista Roman Polanski hanno notoriamente litigato – e alla fine si sono lasciati in pessimi rapporti – sul finale del film. Il regista ha insistito per il finale senza speranza, nichilista ma drammaticamente squisito che abbiamo ottenuto, con una tragica e complessa femme fatale colpita alle spalle e le ultime vestigia di innocenza e speranza consegnate direttamente nelle grinfie del male, per giunta dalla polizia. Poche grandi produzioni americane si sono concluse con una tale assenza di luce. Inoltre, non c’è mai stato un finale migliore. “Lascia perdere, Jake. È Chinatown”.

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La fiamma del peccato (Double Indemnity, 1944)

Ed ecco il nonno di tutti. Il thriller hardboiled di Billy Wilder è quanto di più ricco di suspense possa esistere in un film (Hitchcock disse che le parole più importanti di Hollywood furono “Billy” e “Wilder” dopo averlo visto) e rimane l’ultima parola del genere noir. Basato sulla breve ma incisiva novella di James M. Cain, la storia di un venditore di assicurazioni (Fred MacMurray) che viene incastrato in un omicidio dalla calcolatrice Phyllis Dietrichson (Barbara Stanwyck) è il primo film hollywoodiano dal punto di vista degli assassini. In 80 anni ha mantenuto gran parte del suo mordente.

Come un altro grande thriller, Il silenzio degli innocenti, La fiamma del peccato (Double Indemnity, 1944) è una collaborazione di grandi talenti dietro e davanti alla macchina da presa che fanno il miglior lavoro della loro carriera. La Stanwyck, che a quanto si dice aveva un quoziente intellettivo geniale e all’epoca era la donna più pagata d’America, è forse la più grande risorsa di questo film storico. Phyllis Dietrichson è la più letale, agghiacciante e inconcepibile di tutte le femme fatale, la più grande dell’archetipo, nel “film oscuro” per eccellenza.

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