Indubbiamente tra i più celebri film di formazione di sempre, L’attimo fuggente (il titolo originale è Dead Poet Society), racconta la storia di un gruppo di studenti della Welton Academy, una scuola preparatoria maschile del Vermont, nel 1959. Nel film, questi giovani sono ispirati a far rivivere una società segreta ormai defunta dal loro entusiasta insegnante di inglese, John Keating, interpretato dallo straordinario Robin Williams. Keating stesso era uno dei membri fondatori della Dead Poets Society quando era studente alla Welton.

L’insegnante ispira però questi ragazzi anche a pensare con la propria testa e a “succhiare il midollo dalla vita”, trovando la loro passione per la vita, la poesia e le arti. Sebbene questo film sia generalmente un’opera di finzione, si ispira in realtà alla vita dello sceneggiatore Tom Schulman, che ha poi vinto l’Oscar per la Miglior sceneggiatura originale proprio per questa sua storia. In questo approfondimento, però, esploriamo nel dettaglio cosa del film è basato su elementi reali e cosa invece no.

La Welton Academy è fittizia

La fittizia Welton Academy si troverebbe nel Vermont, ed è ispirata all’esperienza dello sceneggiatore Tom Schulman presso la Montgomery Bell Academy a Nashville, nel Tennessee. Il film, come anticipato, è vagamente ispirato alla vita di Schulman e i personaggi sono basati più o meno vagamente su persone della sua vita. In un’intervista con la University of California Television, Schulman ha ad esempio detto che Knox Overstreet (Josh Charles) è basato su un amico del college che era follemente innamorato di una ragazza di nome Chris.

In un’intervista tra Schulman e il preside della Montgomery Bell Academy, Schulman ha parlato di come stava lavorando a una sceneggiatura ispirata al suo corso di recitazione e scrittura a Los Angeles, spiegando come, dopo aver cambiato l’ambientazione in una scuola maschile, la sua storia abbia preso forma. Schulman si è reso conto che la storia non riguardava solo un insegnante stimolante, ma anche il modo in cui questo insegnante aveva contribuito a trasformare la vita dei suoi studenti.

L’alma mater di Schulman, la Montgomery Bell Academy, è stata fondata nel 1867 ed è l’unica scuola maschile nella zona di Nashville. Anche oggi, nel XXI secolo, possiamo vedere l’enfasi sulla storia e la tradizione della fittizia Welton Academy riecheggiare nella missione della MBA di formare i propri studenti come “gentiluomini, studiosi, atleti”. Sebbene la MBA sia una scuola diurna piuttosto che un collegio, l’ispirazione che Schulman ha tratto dalla sua alma mater è dunque evidente.

John Keating è basato sui professori di Schulman

Come ha rivelato Tom Schulman in un’intervista alla Montgomery Bell Academy, ha iniziato a lavorare alla sceneggiatura che è poi diventata L’attimo fuggente mentre frequentava l’Actors and Directors Lab di Los Angeles. Il mentore del suo insegnante, Harold Clurman, che veniva a trovare gli studenti per dare loro consigli prima di lanciarsi in discorsi appassionati, ha ispirato Schulman. Schulman sentiva però che alla sua sceneggiatura mancava qualcosa di essenziale e dunque la mise da parte.

Nella stessa intervista, Schulman ha spiegato come, dopo aver messo in pausa la sceneggiatura, abbia ricordato con una sua amica Samuel F. Pickering Jr., che insegnava inglese a Schulman al secondo anno alla Montgomery Bell Academy. Lei disse a Schulman che Pickering era l’insegnante stimolante di cui Schulman avrebbe dovuto scrivere, e lui iniziò quindi a rielaborare la sceneggiatura, ambientandola in una scuola maschile. Con questo cambiamento di ambientazione, il progetto prese forma e emersero i personaggi che conosciamo. Pickering ispirò lo stile di insegnamento insolito di John Keating, mentre Harold Clurman influenzò i discorsi motivazionali di Keating.

Pickering disse al Times Daily: “Qualunque cosa di me ci sia in quel personaggio deve essere minima. Io ero un ragazzo e lui era un bambino. Ventitré anni fa. Quanto di me potrebbe esserci nel film?” Pickering ha però riconosciuto il suo stile di insegnamento non ortodosso, ammettendo di tenere lezioni in piedi sulla cattedra o su un cestino della spazzatura per mantenere viva l’attenzione dei suoi studenti. Più o meno verificato che sia, il suo contributo alla definizione del personaggio è dunque presente e ha permesso di dar vita ad uno dei personaggi del cinema più amati di sempre.

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L’attimo fuggente (il cui titolo originale è Dead Poets Society) è uno dei film più celebri e amati di sempre. Affronta le difficoltà degli studenti di una scuola maschile che devono scontrarsi con le rigide regole imposte della società pur di perseguire le loro passioni, e ci sono diverse citazioni che esaltano quesi temi. Protagonista è dunque Robin Williams nei panni di un insegnante di inglese che diffonde l’amore per la poesia alla sua classe, molti dei quali stanno affogando sotto le aspettative dei loro genitori. Il film è un dramma forte, scritto e diretto magistralmente, che è valso a Williams una nomination all’Oscar come miglior attore.

Il film ha anche ottenuto una nomination all’Oscar come miglior film e miglior regista (per Peter Weir), ma è stata la sceneggiatura di Tom Schulman a distinguersi, con lo sceneggiatore che ha vinto lui stesso l’Oscar per la migliore sceneggiatura originale. Nel film si trovano infatti diverse battute ispiratrici che ancora oggi emozionano e fanno sognare gli spettatori. Da battute spiritose a consigli motivazionali, il John Keating di Williams ha una lunga lista di citazioni che si applicano a ogni dilemma della vita. Scopriamole in questo approfondimento.

“O Capitano! Mio Capitano!”, la Setta dei Poeti Estinti Al signor Keating

Sebbene l’intero film sia una storia bella e profonda, il finale di L’attimo fuggente è considerato una delle migliori e più emozionanti conclusioni della storia del cinema. Sembra che la storia stia andando verso una fine tragica, poiché l’insegnamento non ortodosso di Keating viene ritenuto responsabile del suicidio di uno studente, il che porta al suo licenziamento. Gli studenti rimasti sono costernati nel vedere che sono costretti a seguire lezioni di poesia più rigide sotto la supervisione del signor Nolan.

Tuttavia, quando Keating sta per andarsene, gli studenti lo salutano in modo commovente, alzandosi in piedi sui banchi e salutandolo con questa frase tratta dalla poesia di Walt Whitman. È un gesto d’addio che mostra a Keating quanto gli studenti abbiano imparato da lui, il loro modo di protestare contro il suo licenziamento e la promessa che continueranno a esprimersi come lui ha insegnato loro.

“Signor Anderson! Non pensi che io non sappia che questo compito la spaventa a morte“, John Keating a Todd Anderson

Il ruolo che ha lanciato Ethan Hawke è stato quello di Todd Anderson in L’attimo fuggente. Todd è uno degli studenti più timidi della scuola, inizialmente molto riservato, ma come gli altri, gli insegnamenti del signor Keating fanno emergere qualcosa in lui. Ciò che è ancora più speciale è il modo in cui Keating riconosce in Todd qualcosa che il giovane sembra non riuscire a concepire di sé stesso.

Dopo aver assegnato alla classe il compito di scrivere una poesia originale, Keating comunica loro che dovranno leggere la propria poesia ad alta voce in classe. Poi si prende un momento per riconoscere quanto questa idea spaventi Todd. Keating non è tipo da mettere in imbarazzo uno studente con malizia, né da fare favoritismi. Nel richiamare Todd, sta semplicemente facendo capire al giovane che non permetterà che la paura sia una scusa nella sua classe.

“Non dimenticarlo”, John Keating a Todd Anderson

Quando arriva dunque il momento di leggere le poesie ad alta voce in classe, Todd è pieno di paura e dice al signor Keating che non ne ha scritta una. Keating non ha intenzione di lasciar passare così facilmente uno dei suoi studenti, ma invece di dargli un voto negativo, fa alzare Todd in piedi davanti alla classe e recitare una poesia originale sul momento. Anche in questo caso, non si tratta di un tentativo di umiliare il ragazzo, ma di costringerlo a uscire dalla sua zona di comfort.

Keating fa chiudere gli occhi a Todd e gli dice di iniziare a parlare con il cuore. Anche se nervoso, Keating aiuta Todd a bloccare tutto il resto. Quando recita una poesia davvero impressionante, la classe lo applaude e Todd è pieno di orgoglio. Keating lo prende da parte e gli ricorda di conservare questo ricordo dentro di sé, assicurandosi che la paura di mostrarsi vulnerabile davanti agli altri non ostacoli mai la soddisfazione di esprimersi.

“Che il potente spettacolo continui e che tu possa contribuire con un verso. Quale sarà il tuo verso?”, John Keating alla sua classe

Quando spiega ai suoi studenti il vero motivo per cui la poesia e la letteratura dovrebbero essere apprezzate, il signor Keating ne approfitta anche per ispirare i suoi studenti a lasciare un segno nel mondo. Insiste sul fatto che tali forme d’arte aiutano le persone a sentirsi vive e a vivere la vita con più passione e sentimento, riuscendo così a dare un contributo maggiore. Celebra l’idea che ci sia ancora qualcosa che tutti loro possono dare al mondo.

Questa semplice domanda, rivolta ai giovani: “Quale sarà il vostro verso?”, mostra quanto Keating possa essere fonte di ispirazione per questi ragazzi. Li costringe a riflettere su come vogliono contribuire al “gioco” dell’umanità. In questo contesto, diventa difficile per loro ignorare le loro vere passioni e li costringe a confrontarsi con i loro veri sentimenti su ciò che sono chiamati a fare.

“Non importa quello che ti dicono gli altri, le parole e le idee possono cambiare il mondo”, John Keating alla sua classe

Ci sono molti film che parlano dell’importanza dell’arte, ma pochi lo fanno in modo così efficace come L’attimo fuggente. In questo caso, l’idea di abbracciare l’arte e la poesia è ribelle, dato che la natura soffocante del collegio è più focalizzata sull’apprendimento “pratico” piuttosto che sulla frivolezza apparente delle storie e delle poesie. Tuttavia, in diretta contraddizione con ciò che pensano alcuni degli altri insegnanti, Keating insiste sul fatto che queste cose hanno un’importanza nel mondo.

Dire ai giovani che le parole e le idee possono cambiare il mondo è il modo in cui Keating dà loro il permesso di abbracciare questi aspetti della loro mente e condividerli con il mondo. Non è un caso che inizi dicendo “non quello che vi dicono gli altri”, poiché Keating è consapevole di come la loro società cercherà di soffocare questo tipo di pensiero e insiste sul fatto che quelle persone dovrebbero essere ignorate.

“Carpe Diem. Cogliete l’attimo, ragazzi. Rendete straordinarie le vostre vite”, John Keating alla sua classe

Uno dei motivi principali per cui così tante citazioni da L’attimo fuggente sono entrate a far parte della cultura popolare è che il personaggio di Robin Williams, John Keating, è il modello perfetto di un educatore dedicato. Ciò è evidente nel momento in cui Keating insiste affinché i suoi studenti escano e sfruttino al massimo la loro vita, non solo dal punto di vista accademico o professionale.

Questa citazione da L’attimo fuggente arriva quando John Keating mostra ai ragazzi alcune foto di studenti del passato esposte lungo il corridoio della scuola. Egli dice loro che non sono diversi. Hanno lo stesso livello di testosterone e lo stesso taglio di capelli. I ragazzi in foto, però, sono ora tutti morti. Vuole instillare in queste menti curiose l’idea che finché sono giovani e capaci, devono vivere la loro vita al massimo. “Carpe diem, cogli l’attimo”, dice Keating, intendendo che vuole che i ragazzi si godano il momento finché dura.

“Poesia, bellezza, romanticismo, amore… Queste sono le cose per cui viviamo”, John Keating alla sua classe

John Keating è un insegnante di inglese alla Welton Academy in Dead Poets Society, un collegio d’élite dove l’obiettivo dell’istruzione per la maggior parte dei suoi studenti è quello di garantire loro il successo professionale nella vita adulta. Questo è il motivo per cui Keating diventa così amato dai suoi studenti, poiché il suo obiettivo non è il loro successo, ma la loro realizzazione personale, e la citazione da L’attimo fuggente che illustra perfettamente questo concetto è quando egli sostiene i valori delle arti (e alcuni degli aspetti più profondi dell’esperienza umana in generale).

“Medicina, economia, diritto, ingegneria… sono tutte attività nobili e necessarie per sostenere la vita. Ma la poesia, la bellezza, il romanticismo, l’amore… sono ciò per cui viviamo”. Pur riconoscendo che le persone hanno bisogno della scienza e della tecnologia per sopravvivere, John fa capire ai suoi studenti che hanno anche bisogno di un canale per esprimere se stessi. Crede nell’equilibrio tra bisogni e desideri, tra cuore e mente. Ricorda loro che le persone scrivono poesie perché sono membri della razza umana, non solo perché è “carino”. Gli esseri umani sono pieni di passione e alimentati da essa, e questo può avvenire solo risvegliando quella parte di loro.

“Mi alzo in piedi sulla cattedra per ricordare a me stesso che dobbiamo guardare le cose in modo diverso”, John Keating alla sua classe

Una parola che non può assolutamente essere usata per descrivere i metodi di insegnamento di John Keating in L’attimo fuggente è “ortodosso”, come dimostra questa citazione. In una lezione, gli studenti di John lo trovano in piedi sulla sua cattedra invece che seduto dietro di essa. Nel tentativo di approfondire ulteriormente le sue lezioni, John spiega che il motivo per cui è in piedi sulla cattedra è per vedere le cose in modo diverso.

Spesso le persone guardano solo l’immagine che hanno davanti e dimenticano che bisogna tenere conto anche degli altri aspetti. Chiede ai suoi studenti di salire sulla sua cattedra, in modo che possano provare cosa significa guardare le cose da una nuova prospettiva. Questi studenti sono normalmente confinati nelle loro routine e tradizioni, e intraprendere la strada meno battuta a volte può fare bene alla loro anima.

“Devi sforzarti di trovare la tua voce”, John Keating alla sua classe

“… perché più aspetti a iniziare, meno probabilità avrai di trovarla”. Ci sono molte citazioni ispiratrici di John Keating tratte da L’attimo fuggente che provengono dai numerosi momenti in cui incoraggia i suoi studenti a non sottovalutare mai il valore dell’introspezione e dell’autonomia intellettuale. Continua a motivare i suoi studenti a pensare liberamente e con la propria testa, a trovare ciò che funziona meglio per loro e a scoprire come rendersi soddisfatti della propria vita.

È un tema ricorrente in molte delle lezioni di John nel film, ma questa citazione da L’attimo fuggente in particolare cattura l’idea in modo più succinto rispetto a quasi tutte le altre. John dice che non bisogna mai rassegnarsi a vivere una vita insoddisfacente, perché porta alla disperazione. Bisogna uscire dagli schemi per trovare nuovi orizzonti ed esplorare nuove idee, luoghi e credenze. Mentre John convince i suoi studenti a credere in se stessi, sa anche che c’è sempre qualcosa là fuori che cercherà di rovinare la loro individualità.

“Il linguaggio è stato sviluppato per un unico scopo, e cioè… corteggiare le donne”, John Keating alla sua classe

Sebbene L’attimo fuggente sia uno dei pochi film di Robin Williams celebrati per ragioni diverse dalle impareggiabili doti comiche del defunto attore, ci sono comunque diversi momenti in cui la star riesce a strappare una risata agli spettatori. Non tutto ciò che John Keating diceva era profondo, e a volte nelle sue lezioni parlava con umorismo. Una delle citazioni chiave che lo dimostrano è quando John spiega ai suoi studenti che, a suo avviso, le complessità del linguaggio umano sono state perfezionate per un unico motivo: migliorare il romanticismo.

Neil Perry ha ragione: il linguaggio è stato sviluppato per comunicare. Tuttavia, nella speranza di raggiungere aspirazioni più elevate e conquistare nuovi territori, il linguaggio è diventato lo strumento principale dell’uomo per esprimere i propri desideri. L’uso del linguaggio si è evoluto nel corso dei secoli. John chiede alla classe quali altre parole potrebbero sostituire “stanco” e “molto triste”, e Knox Overstreet risponde ‘cupo’. In questo senso, “corteggiare le donne” significa semplicemente trovare affetto usando le parole.

“C’è un tempo per osare e uno per essere cauti, e l’uomo saggio comprende a quale è chiamato”, John Keating a Charlie Dalton

Essere espulsi per uno scherzo non è audace, e John ha avvertito Charlie Dalton di non mettersi più nei guai dopo che questi ha fatto uno scherzo davanti a tutta la scuola. Pensava che il signor Keating ne sarebbe stato felice, ma chiaramente non aveva capito il punto. Questa citazione da L’attimo fuggente trasmette una serie di significati che non si possono cogliere facilmente a meno che una situazione specifica non richieda un’azione immediata. Charlie era un idiota, pensava solo a se stesso quando ha messo la loro società segreta sotto il pubblico scrutinio. John si rende conto che deve insegnare la responsabilità oltre alla libertà di esprimersi.

“Ma solo nei loro sogni gli uomini possono essere veramente liberi”, John Keating a un altro insegnante

“È sempre stato così e sempre così sarà”. Come si è potuto notare, la maggior parte delle migliori citazioni di L’attimo fuggente proviene dalle lezioni di John e dai consigli che dà ai suoi studenti. Tuttavia, non è sempre così, poiché ci sono diverse frasi memorabili che derivano dalle varie discussioni (e dibattiti) di John con altri membri della facoltà della Welton Academy. Un esempio lampante è quando John Keating spiega a uno dei suoi colleghi quale sia, secondo lui, il vero scopo dell’istruzione, dopo essere stato interrogato sul suo modo diverso di insegnare.

La scuola sostiene da anni il valore della tradizione e della disciplina. Per John, è giusto scuotere un po’ le cose. Crede nei liberi pensatori, proprio come ha detto al signor Nolan quando lo ha affrontato sui suoi metodi “non ortodossi” di insegnamento agli studenti. Solo vivendo i propri sogni un uomo può essere veramente libero. Purtroppo per John, anche se le sue affermazioni sono vere, nei confini di questa particolare scuola c’è poco spazio per realizzare i propri sogni.

“Vi ho portati qui per illustrare il concetto di conformità”, John Keating ai suoi studenti

“… la difficoltà di mantenere le proprie convinzioni di fronte agli altri”. John Keating rappresenta l’antitesi di tutto ciò che la sua classe si aspetta dalle figure autoritarie, e questo è uno dei motivi principali per cui diventa una presenza così stimolante nelle loro vite. Tuttavia, questo non è l’unico motivo per cui si distingue agli occhi dei suoi studenti, poiché i suoi metodi rappresentano per loro un cambiamento di ritmo tanto rinfrescante quanto i suoi valori. In L’attimo fuggente, gli studenti della Welton Academy rimangono affascinati dal modo vivace ed energico di insegnare del signor Keating.

Li fa camminare, correre e arrampicare per trasmettere il suo messaggio. Dice a tre ragazzi della classe di fare una passeggiata e, centimetro dopo centimetro, iniziano a marciare all’unisono. Questo è il punto che vuole dimostrare, che gli esseri umani sono destinati a conformarsi agli standard della società e a perdere le proprie convinzioni solo per essere accettati. Ricorda loro che, per quanto strano o diverso sia il proprio sogno, bisogna esserne orgogliosi. Questo è, ancora una volta, il desiderio del signor Keating di vedere i ragazzi realizzare i propri sogni.

“Ho sempre pensato che lo scopo dell’istruzione fosse imparare a pensare con la propria testa”, John Keating al signor Nolan

Sebbene non manchino battute profonde e filosofiche in questo film dai molteplici livelli tematici, il messaggio centrale di L’attimo fuggente è racchiuso in questa singola citazione meglio di qualsiasi altra. Riassume tutto ciò che guida John Keating come educatore e, per estensione, la linfa vitale tematica del film stesso. La citazione arriva quando John ha un confronto con il signor Nolan, uno degli altri membri della facoltà della Welton Academy.

È ciò che John Keating vuole dire ai suoi studenti: usare l’istruzione come mezzo per conoscere meglio se stessi e gli altri. Usarla per prendere posizione e lottare per ciò in cui si crede, non solo per rimanere neutrali o scendere a compromessi. Poiché il signor Nolan lo rimprovera, ponendo fine a questo modo di insegnare, il signor Keating si trova di fronte a un dilemma. I suoi studenti sono profondamente colpiti dalle sue parole e iniziano a pensare fuori dagli schemi. Tuttavia, la scuola li costringe a tacere e a conformarsi.

“Amo insegnare. Non vorrei essere in nessun altro posto”, John Keating a Neil Perry

John Keating rappresenta l’idea di un educatore perfetto, che non solo è motivato dal desiderio di garantire ai suoi studenti le migliori possibilità di una vita appagante, ma che comprende e apprezza anche la sua importanza nella loro vita. Tuttavia, per John, questo comporta anche un notevole sacrificio personale. Quando Neil Perry (Robert Sean Leonard) chiede a John Keating perché ha scelto di rimanere a scuola invece di andare a Londra per stare con sua moglie, John risponde che ama così tanto insegnare che preferisce stare da solo piuttosto che non vivere i suoi sogni.

La sua passione per l’istruzione ha plasmato profondamente molte vite, specialmente quelle dei suoi studenti. Un insegnante come il signor Keating è un buon mentore e confidente, ed è questo che rende sia lui che L’attimo fuggente sono così accattivanti per il pubblico. Ispira sempre tutti quelli che incontra e irradia un’energia vibrante che li porta a riflettere su come vivono la loro vita. Anche se la sua permanenza in questa scuola si è conclusa in tragedia, John ha sicuramente aiutato più di uno studente a cambiare il proprio modo di pensare per diventare una persona migliore.

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Hellboy – L’uomo deforme è l’ultimo tentativo di portare sul grande schermo l’investigatore dell’occulto creato da Mike Mignola. Si potrebbe inoltre dire che è l’adattamento più fedele: The Crooked Man (questo il titolo originale) è infatti basato su una miniserie di Mignola – che ha anche collaborato alla sceneggiatura – e del compianto Richard Corben, che segue da vicino gli eventi dell’omonimo fumetto. Il racconto si svolge nel 1958, Hellboy (Jack Kesy) e la novellina Bobbie Jo Song (Adeline Rudolph) finiscono intrappolati nelle montagne Appalachi.

Lì incontrano il veterano di guerra Tom Ferrell (Jefferson White), tornato nella sua casa d’infanzia per affrontare i demoni del suo passato. In questo caso, l’espressione è da prendere nel senso letterale, dato che l’Uomo Deforme (Martin Bassendale) ha stretto un patto con Tom per la sua anima. Hellboy, Bobbie Jo e Tom si trovano dunque ben presto a combattere contro quest’entità e altre forze soprannaturali mentre cercano di emergere in quei luoghi. Come finirà questa battaglia: con Hellboy vittorioso o sconfitto?

Hellboy e il suo “team” salvano la situazione

Nei film di Hellboy di Guillermo del Toro e Neil Marshall, Hellboy è solitamente la persona che riesce a salvare la situazione, sia che si tratti di colpire il male in faccia con la sua caratteristica Mano Destra del Destino o di usare la sua fidata pistola, il Buon Samaritano, per farlo fuori. Nel caso di Hellboy – L’Uomo deforme, anche Tom e Bobbie Jo giocano un ruolo chiave nella sconfitta dell’antagonista. Hellboy accompagna Tom in una villa in rovina dove risiede l’Uomo Deforme, mentre Bobbie Joe si addentra nelle catacombe della città con il predicatore locale Watts (Joseph Marcell).

Entrambe le parti si trovano poi in difficoltà: Hellboy è tormentato da visioni che includono sua madre, che cerca di convincerlo a uccidersi – e che allude al ruolo che lui avrà nel provocare l’Apocalisse – mentre Bobbie Jo e Watts incontrano un enorme ragno che lei e Hellboy erano venuti a cercare sulle montagne. Durante tutto il film, Bobbie Jo ha cercato di attingere alle sue innate capacità magiche – e affrontare il ragno le dà la spinta di cui ha bisogno. Lancia un incantesimo che espelle la magia oscura dal ragno e diminuisce il potere dell’Uomo Deforme.

Tom poi costringe l’Uomo Deforme a ingoiare una “palla delle streghe”, un oggetto mistico creato dalle streghe della sua comunità, che lo indebolisce ulteriormente. A quel punto, Hellboy picchia selvaggiamente il demone e gli fa saltare la testa con il Buon Samaritano. Questo fa sì che dalla testa dell’Uomo Deforme piovano monete d’oro, che rappresentano le anime che ha rubato nel corso degli anni. Hellboy dà a Tom una di quelle monete, liberandolo così dalla maledizione. Lui e Bobbie Jo vengono poi trasportati in elicottero dal BPRD, con Bobbie Jo che trova conforto tra le braccia del suo compagno demoniaco.

Hellboy – L’uomo deforme ha in serbo un destino poetico per uno dei suoi cattivi

Come anticipato, l’Uomo Deforme non è l’unica forza malvagia che Hellboy e i suoi amici incontrano sulle montagne. Tom rivela che la sua maledizione è nata quando ha incontrato la strega Effie Kolb (Leah McNamara), che gli ha detto che stringere un patto con l’Uomo Deforme lo avrebbe reso uno stregone. Per mantenere la sua parte dell’accordo, Tom ha dunque ucciso un gatto nero e lo ha bollito fino a ridurlo in ossa, offrendone una al demone. Sebbene alla fine abbia cambiato idea, il destino di Tom era ormai segnato: l’osso lo ha protetto dai pericoli durante la seconda guerra mondiale e, per quanto abbia cercato di sbarazzarsene, è sempre tornato da lui.

Effie ha anche preso il controllo dell’anima del padre di Tom, trasformandolo in un cavallo con una briglia maledetta. Alla fine, Effie subisce un destino piuttosto poetico. Dopo che Hellboy uccide l’Uomo Deforme, lui e Tom trovano la strega che sta invecchiando rapidamente nel bosco. Tom aveva precedentemente menzionato che, nonostante il passare degli anni, lei sembrava non essere invecchiata, il che significa che probabilmente aveva venduto la propria anima all’Uomo Deforme in cambio dell’eterna giovinezza. In un momento tratto direttamente dai fumetti, Tom si avvicina a Effie con la briglia che lei aveva messo a suo padre, che la trasforma nel cavallo bianco che vediamo nel finale, con le parole “Attenzione! Sono una strega!” dipinte sul fianco.

Hellboy – L’uomo deforme avrà un sequel?

Durante un panel dedicato a Hellboy – L’uomo deforme al San Diego Comic-Con di quest’anno, al regista Brian Taylor è stato chiesto se volesse realizzare altri film su Hellboy. Taylor ha risposto che, pur essendo aperto all’idea di esplorare altre storie di Hellboy, L’uomo deforme è stato concepito come un film a sé stante. “Odio quando la gente cerca di fare un film e poi ti vende un intero franchise… se il primo è buono, ci tornerò”, ha detto. Questo è abbastanza fedele al fumetto L’uomo deforme e alle storie di Hellboy in generale: la maggior parte di esse sono racconti autonomi che si possono leggere per farsi un’idea della storia di Hellboy.

In un’epoca in cui quasi tutti i franchise cinematografici sono in forte espansione o i film vengono realizzati con lo scopo di lanciarne uno proprio, il fatto che Hellboy – L’uomo deforme sia una storia singola è sorprendentemente rinfrescante. Purtroppo, l’accoglienza riservata al film è stata piuttosto tiepida. Il fatto che abbia poi sofferto di una distribuzione limitata (negli Stati Uniti è uscito direttamente in streaming e home-video), rende incerta la possibilità di altri film dedicati al personaggio. D’altronde, anche i precedenti lungometraggi, Hellboy del 2019 ed Hellboy – The Golden Army non avevano goduto di risultati economici tali da giustificare ulteriori capitoli.

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Gold Run – L’oro di Hitler, diretto da Hallvard Bræin e distribuito nel 2022, è un film norvegese che mescola con efficacia elementi del thriller bellico e del film storico, rievocando un evento realmente accaduto durante la Seconda guerra mondiale. Ambientato nei primi mesi del 1940, il film racconta con ritmo serrato l’audace tentativo di mettere in salvo l’intero tesoro aureo della Norvegia prima che le truppe naziste riuscissero a impadronirsene. Il risultato è un’opera dal respiro epico, tesa e coinvolgente, che alterna sequenze d’azione ben orchestrate a momenti più intimi e riflessivi, rivelando una sorprendente attenzione per i dettagli storici.

Nella cinematografia norvegese contemporanea, Gold Run – L’oro di Hitler  rappresenta un notevole esempio di film storico ad alto budget, capace di competere con le produzioni internazionali per ambizione e qualità visiva. A differenza di molti altri war movie scandinavi più intimisti o legati alla resistenza clandestina, come Max Manus o The 12th Man, il film di Bræin si concentra su un’impresa logistica straordinaria, un’avventura collettiva che coinvolge civili, ufficiali e operatori ferroviari. L’elemento distintivo è proprio il tono avventuroso, a tratti perfino ironico, che rende la visione più accessibile anche a un pubblico non specialista, pur senza rinunciare alla drammaticità del contesto storico.

Nel corso dell’articolo analizzeremo nel dettaglio la storia vera che ha ispirato il film, evidenziando i punti in cui realtà e finzione cinematografica si incontrano o si distanziano. La vicenda dell’oro norvegese trafugato sotto gli occhi dell’invasore tedesco è uno degli episodi meno noti ma più incredibili della Seconda guerra mondiale. Gold Run – L’oro di Hitler lo porta finalmente alla ribalta con uno stile spettacolare e appassionante, offrendo anche un’occasione per riflettere sul valore della libertà, del coraggio e della cooperazione in tempi di crisi.

La trama e il cast di Gold Run – L’oro di Hitler

Il film si svolge in Norvegia, il 9 aprile 1940. Le truppe della Germania nazista invadono il Paese con un duplice obiettivo: prenderne il controllo politico e impossessarsi del suo tesoro più prezioso, 50 tonnellate d’oro custodite nella Banca Centrale. Oslo è sotto attacco, le bombe piovono dal cielo e la priorità del governo norvegese è una sola, quella di impedire che quell’oro finisca nelle mani del nemico. Senza un piano e con pochissimo tempo, il direttore della banca centrale, Nicolai Rygg (Terje Strømdahl), dà ordine di evacuare i caveau.

A capo dell’operazione viene posto Fredrik Haslund (Jon Øigarden), funzionario del Parlamento e membro del Partito Laburista, un uomo senza esperienza militare ma con un’inflessibile determinazione. Inizia così una corsa disperata contro l’avanzata tedesca. Haslund mette insieme un gruppo eterogeneo e improvvisato: la sorella Nini (Ida Elise Broch), ex volontaria della guerra civile spagnola, Nordahl Grieg (Morten Svartveit), poeta e patriota, alcuni impiegati di banca, operai, autisti come il riluttante Odd Henry (Sven Nordin) e il giovane impiegato Ingvar Berge (Axel Bøyum).

Tra strade innevate, ferrovie interrotte e traghetti assediati, il convoglio si muove verso nord, cercando di raggiungere le navi alleate ad Åndalsnes. Ma il tempo stringe. I nazisti, guidati dallo spietato ufficiale Otto Stoltmann (Anatole Taubman), mettono in campo ogni mezzo: paracadutisti, bombardamenti aerei e veicoli corazzati.  E mentre la Norvegia crolla sotto l’occupazione, questa improbabile squadra di civili si fa carico non solo di un tesoro nazionale, ma anche della speranza di un intero popolo.

La storia vera dietro il film

Come anticipato, durante l’invasione tedesca della Norvegia, iniziata il 9 aprile 1940, le autorità norvegesi decisero di mettere in salvo le riserve auree della Banca di Norvegia per impedirne la cattura da parte nazista. In gran parte custodite nella sede centrale ad Oslo, tenevano circa 48,8 tonnellate di lingotti distribuiti in 818 casse da 40 kg, 685 da 25 kg e 39 barili da 80 kg ciascuno. Per guadagnare tempo prezioso, l’affondamento della nave tedesca Blücher da parte della fortezza di Oscarsborg rallentò l’avanzata sul fiordo di Oslo, consentendo l’evacuazione del governo, del re Haakon VII e delle riserve auree verso nord.

Il percorso verso la salvezza fu un’odissea logistica: il tesoro venne trasferito su camion civili da Oslo a Lillehammer, poi su treno fino ad Åndalsnes, sfidando bombardamenti e tentativi di blocco da parte dei paracadutisti tedeschi. A Åndalsnes le truppe britanniche erano già sbarcate e, sotto continue incursioni aeree, circa un terzo dell’oro fu imbarcato sulla HMS Galatea il 25 aprile; parte fu trasferita sulla HMS Glasgow, che prese a bordo anche il re, il governo e 18 tonnellate d’oro, dirigendosi verso Tromsø dove il resto del carico venne imbarcato su piccole imbarcazioni da pesca per eludere l’attenzione tedesca.

Giunto a Tromsø all’inizio di maggio, l’oro fu caricato sulla croiser HMS Enterprise, che sfidò due attacchi aerei e raggiunse la Scozia, per poi sbarcare il carico a Greenock. Da lì fu trasportato in treno alla Bank of England di Londra. Nei mesi successivi, la maggior parte del tesoro fu trasferita in più tappe verso Canada e Stati Uniti, depositato nelle sedi della Bank of Canada a Ottawa e della Federal Reserve di New York; solo una piccola porzione restò in Gran Bretagna. Le riserve servirono a finanziare il governo norvegese in esilio e sostenere la resistenza interna per tutta la guerra; decine di migliaia di monete furono restituite nel 1987, mentre i lingotti rimasero all’estero per garantirne protezione e liquidità finanziaria postbellica.

Gold Run – L’oro di Hitler trae dunque esplicitamente spunto da questa straordinaria operazione storica, ma introduce ovviamente licenze narrative per aumentare la suspense e il coinvolgimento emotivo. Pur rispettando il contesto reale – l’evacuazione dell’oro via terra, ferrovia e mare – il film presenta anche personaggi inventati, intrecci drammatici e sequenze d’azione più movimentate rispetto alla cronologia documentata. Sebbene il salvataggio dell’oro sia ampiamente documentato, il racconto viene qui restituito come un war movie ad alto impatto narrativo, bilanciando una volontà di verosimiglianza storica con un tono più avventuroso e cinematografico.

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Il finale di Snake Eyes: G.I. Joe – Le origini (qui la recensione) ci mostra il leggendario guerriero mascherato unirsi finalmente al team dei G.I. Joe, ma al contempo prepara il terreno per un nuovo scontro personale con Storm Shadow (interpretato da Andrew Koji), piuttosto che lanciare un classico film G.I. Joe contro Cobra. Il film è un reboot che non ha collegamenti narrativi con i film precedenti G.I. Joe – La nascita dei Cobra (2009) e G.I. Joe – La vendetta (2013). L’intento è chiaramente quello di rilanciare la saga cinematografica legata ai celebri action figures Hasbro, ma il focus principale è raccontare la nuova origine di Snake Eyes (Henry Golding) e il suo rapporto complesso, tra amicizia e tradimento, con Storm Shadow, il suo “fratello di sangue”.

Il principale antagonista è Kenta (Takehiro Hira), leader della Yakuza, che sfrutta Snake Eyes per impossessarsi di un antico artefatto appartenente al clan ninja Arashikage: la Gemma del Sole. Si tratta di una pietra cosmica alimentata dall’energia solare, capace di sprigionare il potere distruttivo di una stella. Kenta usa la Gemma per assaltare la roccaforte degli Arashikage, uccidendo numerosi guerrieri come vendetta per essere stato esiliato dal clan. Per fermarlo, Snake Eyes si unisce a Storm Shadow, Akiko (Haruka Abe), la responsabile della sicurezza del clan, al Blind Master (Peter Mensah), all’Hard Master (Iko Uwais) e alla loro leader Sen (Eri Ishida).

A loro si aggiunge anche Scarlett (Samara Weaving), agente dei G.I. Joe. Persino la Baronessa (Úrsula Corberó), agente di Cobra, si allea temporaneamente con i ninja, avendo subito un tradimento da parte di Kenta. Tuttavia, abbandona presto la missione: il suo vero scopo era impossessarsi della Gemma per Cobra. Il destino di Kenta è emblematico: viene divorato da enormi anaconde che vivono sotto il castello degli Arashikage. Kenta non aveva mai affrontato le Tre Prove del Guerriero, in quanto bandito per aver tentato di assassinare Storm Shadow e prendere il comando del clan. Al contrario, Snake Eyes – che inizialmente agiva come doppiogiochista per conto di Kenta – confessa le sue colpe e affronta le anaconde, venendo da loro risparmiato.

Tuttavia, il tradimento di Snake Eyes gli impedisce di unirsi ufficialmente agli Arashikage. Nonostante ciò, i membri del clan accettano le sue scuse e gli affidano una nuova missione: ritrovare Storm Shadow, esiliato per aver infranto il giuramento del clan utilizzando il potere della Gemma del Sole. Intanto, anche i G.I. Joe lo vogliono tra le loro fila, rivelandogli che suo padre era un loro agente. Questo sembra preparare la strada per una nuova avventura che vedrà Snake Eyes e Storm Shadow su fronti opposti, rispettivamente con i G.I. Joe e con Cobra.

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Perché i G.I. Joe vogliono Snake Eyes?

Il motore dell’intera storia di Snake Eyes: G.I. Joe – Le origini è la ricerca dell’assassino del padre di Snake Eyes, avvenuta vent’anni prima. Il colpevole è un agente di Cobra, tale Mr. Augustine (Samuel Finzi). Verso la fine del film, Scarlett gli consegna un fascicolo segreto e gli rivela che suo padre era un agente dei G.I. Joe, ucciso da Cobra durante una missione denominata Operazione Broadsword. Il comandante del team, il Generale Joe Colton, vuole che Snake Eyes prenda il posto del padre tra le file dei G.I. Joe. Tuttavia, Snake Eyes non accetta del tutto: invece, prende il costume e la maschera nera offertigli da Akiko, indossa il suo iconico outfit e parte alla ricerca di Storm Shadow. Non vi è quindi ancora un’iniziazione ufficiale nei G.I. Joe.

Il Generale Joe Colton è il personaggio su cui si basa la prima action figure G.I. Joe in assoluto, già comparso in G.I. Joe: La vendetta (con il volto di Bruce Willis). La scelta di farlo apparire anche in questa nuova continuity rende l’ingresso di Snake Eyes nei G.I. Joe più personale e legato alla sua eredità familiare. Tuttavia, sorgono domande logiche: Snake Eyes non ha esperienza militare, né ha mai prestato servizio nelle forze armate. Potrebbe quindi diventare una sorta di specialista o agente esterno per il team, in attesa di una sua vera e propria affiliazione in un eventuale sequel.

Perché Cobra vuole reclutare Storm Shadow?

Nella scena mid-credit, vediamo la Baronessa salire sul jet privato di Storm Shadow e proporgli di unirsi a Cobra, presentando l’offerta come occasione per vendicarsi degli Arashikage. Cobra desidera ottenere il controllo del Giappone, e per farlo deve eliminare il clan. In precedenza, Cobra aveva finanziato Kenta e fornito armi alla Yakuza, ma in cambio voleva la Gemma del Sole. Ora che la Gemma è tornata al sicuro nel caveau degli Arashikage, la Baronessa potrebbe tentare di farla rubare da Storm Shadow, che – essendo parte della stirpe – ha accesso al luogo in cui si trova.

Storm Shadow, il cui vero nome è Tommy Arashikage, è una pedina fondamentale per Cobra. A differenza di Kenta, Tommy ha onore, competenze e motivazioni credibili. In molti adattamenti precedenti, è stato un membro di Cobra, e questo film spiega perfettamente le sue ragioni per unirsi all’organizzazione terroristica. La Gemma del Sole rappresenta in Snake Eyes il classico super-arma alla Cobra, sulla scia dei dispositivi fantascientifici visti nella serie animata degli anni ’80, come il MASS Device o il Weather Dominator. Non è da escludere che nel sequel, la Gemma venga reintegrata in un piano più grande di conquista da parte di Cobra.

Chi è il vero “buono”: Snake Eyes o Storm Shadow?

Uno degli aspetti più interessanti di Snake Eyes: G.I. Joe – Le origini è che Storm Shadow risulta più moralmente integro del protagonista. Snake Eyes, infatti, agisce come un vero e proprio infiltrato per la maggior parte del film: salva Storm Shadow per guadagnarne la fiducia, entra nel castello, ma è in realtà alleato con Kenta per ottenere l’assassino del padre in cambio della Gemma. Va riconosciuto che mantiene la parola e risparmia Mr. Augustine, ma il suo pentimento finale e la morte di Kenta non cancellano il tradimento verso il clan. La sua redenzione, quindi, non è del tutto convincente.

Al contrario, Storm Shadow è una figura tragica, tradito da un fratello in cui credeva e rifiutato dalla sua stessa famiglia. È lui che invita Snake Eyes nel clan per modernizzarlo e proteggerlo da nemici interni ed esterni. Il suo esilio – causato dall’aver usato la Gemma per salvare il clan – appare ingiusto e sproporzionato. Il film posiziona Storm Shadow come futuro membro di Cobra e Snake Eyes come eroe, ma le sfumature morali dei personaggi rendono il racconto più complesso e affascinante rispetto a una classica dicotomia bene/male.

Cosa aspettarsi dal futuro dei G.I. Joe

Il finale di Snake Eyes: G.I. Joe – Le origini lascia chiaramente intendere un “continua…” che promette una nuova resa dei conti tra Snake Eyes e Storm Shadow, rendendo possibile un Snake Eyes 2 più che un vero e proprio film corale dei G.I. Joe. Il cuore emotivo della storia è infatti il legame tra i due ninja, e molto resta da esplorare. Questo conflitto personale potrebbe però essere integrato nella trama di un film G.I. Joe più ampio, che includa Scarlett, la Baronessa e nuovi personaggi del franchise. Tuttavia, lo scarso successo economico del film ha nuovamente messo in dubbio il futuro di questi personaggi.

Paramount e Hasbro speravano che Snake Eyes: G.I. Joe – Le origini potesse lanciare un nuovo universo cinematografico. In passato, erano già stati pianificati crossover tra G.I. Joe, M.A.S.K. e altri brand Hasbro, ma tali progetti non si sono mai concretizzati. Attualmente, un nuovo film G.I. Joe ambientato nello stesso universo dei Transformers, è in fase di sviluppo. Questo progetto renderà dunque concreto il crossover più atteso dai fan e di cui si parlava già da tempo. Al momento non si hanno ulteriori notizie su questo progetto, mentre per il resto il futuro dei G. I. Joe rimane incerto.

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Il mistero di Donald C., diretto da James Marsh nel 2018, è un dramma biografico che fonde il fascino del cinema d’avventura con la profondità psicologica del ritratto umano. Il film racconta la vera e tormentata storia di Donald Crowhurst, l’uomo d’affari inglese che nel 1968 decise di partecipare alla Golden Globe Race, la prima regata in solitaria e senza scalo intorno al mondo. Con una regia sobria ma intensa, e un’interpretazione introspettiva di Colin Firth, Il mistero di Donald C. indaga non solo l’impresa nautica, ma soprattutto la fragilità dell’uomo di fronte alle proprie ambizioni e paure.

Il film si inserisce nel solco delle grandi narrazioni di sfide solitarie contro la natura e sé stessi, accostandosi per atmosfere e tematiche a pellicole come All Is Lost con Robert Redford o Vita di Pi di Ang Lee. Tuttavia, rispetto a questi titoli, Il mistero di Donald C. assume toni più cupi e introspettivi, soffermandosi sulle crepe interiori del protagonista e sull’illusione tragica dell’eroismo. James Marsh, già premiato per La teoria del tutto, costruisce un racconto sobrio e misurato che alterna momenti marittimi di grande bellezza a scene intime che esplorano la disperazione, il senso di colpa e il bisogno di riconoscimento.

Nel corso dell’articolo approfondiremo la straordinaria storia vera da cui il film è tratto: l’impresa, o meglio la caduta, di Donald Crowhurst, un uomo comune spinto a una competizione impossibile. Racconteremo come si svolsero realmente i fatti nel 1968, quanto il film si attenga alla realtà e quali siano le principali licenze drammaturgiche. Dalla costruzione della barca all’inganno che lo condurrà all’isolamento psicologico, ripercorreremo le tappe di un evento che ancora oggi affascina e commuove, tra mito, mistero e tragedia.

La trama e il cast di Il mistero di Donald C. 

Nell’autunno del 1968, Donald Crowhurst (Colin Firth), padre di famiglia e uomo d’affari inglese amante della vela, prende una decisione estrema: partecipare alla Golden Globe Race, regata solitaria intorno al mondo senza scalo. Donald si mette alla prova nella folle traversata per un desiderio di rivalsa, o forse solo per estinguere i debiti accumulati nella sua attività commerciale sull’orlo del collasso: la rivista Sundey Times ha infatti messo in palio un corposo premio in denaro per chi arriverà primo.

Deciso a vincere, il 31 ottobre salpa da Teignmouth a bordo del suo trimarano Electron. Assecondato e sostenuto dalla moglie Clare (Rachel Weisz) e dai tre figli, Donald s’imbarca in questa improbabile impresa, dove il mare però non ha pietà di fronte alla sua inesperienza. Non riuscendo a seguire il percorso di gara, s’inventa altri tragitti, comunicando via radio menzogne e barando sulle sue posizioni: la stampa segue la gara e lui non vuole perdere la faccia.

La storia vera dietro il film

Come anticipato, nel 1968 Donald Crowhurst, imprenditore britannico con poca esperienza marinaresca, decise di prendere parte alla prima Golden Globe Race – una regata attorno al mondo in solitaria e senza scalo lanciata dal Sunday Times, che assegnava un premio di 5.000 sterline al più veloce velista. Crowhurst ottenne finanziamenti ipotecando casa e affari per costruire il trimarano Teignmouth Electron, progettato in fretta e con vistose carenze tecniche. Salpò da Teignmouth il 31 ottobre 1968, all’ultimo giorno utile, con una barca non pronta e la pressione di dover risollevare la sua azienda sull’orlo del fallimento.

Ben presto Crowhurst si rese conto che la propria barca non avrebbe superato gli oceani meridionali in sicurezza. Di fronte alla scelta tra abbandonare e affrontare il fallimento finanziario o continuare con la consapevolezza di mettersi in pericolo, elaborò un piano: cominciò a falsificare le sue posizioni nautiche, inviando rapporti radio ingannevoli che lo mostravano in testa alla regata, pur restando nell’Oceano Atlantico. Intuì che proseguire e arrivare primo avrebbe comportato l’analisi completa del suo diario di bordo falso, cosa che lo avrebbe svelato. Così mantenne trasmissioni ambigue, tentando di far credere di completare la circumnavigazione senza esporsi troppo.

Il finale si consumò nell’estate del 1969: il 29 giugno interruppe le trasmissioni, l’1 luglio scrisse l’ultima voce nel suo diario, e il 10 luglio il Teignmouth Electron fu ritrovato abbandonato al largo delle Bermuda, poi inabbandonato a Cayman Brac. Esaminati i suoi log e i diari, si scoprì che non aveva mai circumnavigato il globo, e che la sua mente si era sgretolata sotto il peso dell’isolamento e della menzogna. Il corpo non fu mai trovato: è verosimile che si sia suicidato gettandosi in mare. Solo Robin Knox-Johnston completò la gara, vincendo e donando le 5.000 sterline alla famiglia Crowhurst.

Il film Il mistero di Donald C.  si ispira dunque a questa vicenda, già raccontata nel documentario Deep Water (2006), utilizzando materiali originali e testimonianze dirette per ricostruire la storia. Tuttavia, il lungometraggio introduce licenze drammatiche, semplificando personaggi, aggiungendo sequenze di dialogo immaginate e accentuando la tensione interiore del protagonista a fini narrativi. Mentre nel documentario emerge la discesa nella follia di Crowhurst attraverso registrazioni reali, il film opta per una rappresentazione più tradizionale del conflitto psicologico e narrativo. Si tratta dunque di un’opera in cui la verità storica viene adattata senza mai tradirla, ma puntando anche a coinvolgere uno spettatore moderno.

Il trailer italiano di Il mistero di Donald C. 

Nonostante una qualità discutibile, Shadow Force – Ultima missione disponibile su Prime Video è un film che sta riscontrando grande curiosità da parte del pubblico e sembra legittimo chiedersi se il film possa o meno ambire a un sequel. Dopo avervi raccontato nel dettaglio la spiegazione del finale del film, quali sono le possibilità che Shadow Force – Ultima missione abbia un sequel?

Nel finale di Shadow Force – Ultima missione, Issac e Kyrah riescono nel loro piano di uccidere Cinder e vivere una vita libera con il loro figlio, Ty. Entrambi si prendono una pausa dal vivere vite pericolose e ad alto numero di ottani, forse decidendo di non essere mai più coinvolti in tali lavori.

Li vediamo condurre vite molto normali 6 mesi dopo i fatti raccontati nel film, mentre sono intenti a organizzare feste di compleanno per Ky e stringere amicizie normali. Tuttavia, Kyrah riceve una chiamata da Auntie in questo momento, che ora ha iniziato a lavorare direttamente per il governo americano.

Ci sarà un sequel per Shadow Force – Ultima missione?

Auntie rivela che le è stata data la responsabilità di istituire una nuova task force segreta, che viene soprannominata Shadow Force 2.0, e vuole sia Kyrah che Issac nella sua squadra. Sebbene Kyrah rifiuti rispettosamente l’offerta, affermando che vuole un periodo di riposo, almeno per il momento, è molto probabile che la coppia tornerà in futuro in un sequel di Shadow Force.

Resta da vedere per quanto tempo il film rimarrà alto nella TOP10 dei film più visti di Prime Video, così da giustificare l’impegno della produzione di un secondo film!