Recentemente annunciato, il film
28 anni
dopo ha ora trovato casa presso la Sony – e la
star del film originale (28 giorni dopo) Cillian Murphy potrebbe riprendere il proprio
ruolo di quel film anche per questo sequel. Secondo The Hollywood Reporter, la Sony
ha infatti vinto la gara d’appalto per i diritti del pacchetto
sequel del seguito, con il regista Danny Boyle e
lo scrittore Alex Garland che torneranno insieme
per scrivere e dirigere tale sequel. Il pacchetto comprende anche
una Parte 2, che sarà sempre scritta da Garland, ma Boyle dovrebbe
dirigere solo il primo dei due film, mentre il regista del secondo
verrà scelto in seguito.
Per quanto riguarda Murphy, il suo
ritorno è previsto in veste di produttore esecutivo, anche se il
rapporto indica che è possibile che torni anche in veste di attore.
Non sono stati resi noti ulteriori dettagli. Secondo il rapporto,
alla fine l’offerta è stata presentata da Warner Bros. e Sony e si
pensa che ogni film abbia un budget di 60 milioni di dollari.
All’inizio del mese era stato riferito che Boyle e Garland stavano
offrendo 28 anni dopo agli studios con la speranza di
lanciare una nuova trilogia di film. Secondo quel rapporto, Boyle e
Garland saranno anche produttori insieme al produttore originale
Andrew Macdonald e all’ex capo della Fox
Searchlight Pictures, Peter Rice.
Cillian Murphy accetterà
di partecipare al sequel di 28 anni dopo?
L’anno scorso
Cillian Murphy ha dichiarato che gli piacerebbe
realizzare un sequel di 28 giorni dopo. Murphy ha
scherzato sul fatto che il film si sarebbe dovuto chiamare 28
anni dopo a causa del lungo intervallo tra i film.
Uscito nel 2002,
l’originale 28 giorni dopo aveva come
protagonista Cillian
Murphy, allora ancora prevalentemente sconosciuto al
pubblico cinematografico. Il film sconvolse gli spettatori con le
sue orde di non-morti in fuga, il pessimismo implacabile e l’uso
all’avanguardia della torbida frontiera della fotografia digitale.
Boyle diresse il film, mentre Garland lo scrisse. Il film è però
ricordato anche per aver ottenuto un guadagno di circa 84 milioni
di dollari a fronte di un budget di appena 8, dimostrando dunque il
potenziale che anche film a basso costo potevano avere se dotati di
forti elementi attrattivi.
Annunciato dal 2021, è da
allora che aspettavamo il
film nel quale Matthew Vaughn era riuscito a
coinvolgere la star Dua Lipa (prima ancora della
sua apparizione come sirena in
Barbie). Finalmente Argylle – La super
spia arriva in sala, distribuito al cinema da Universal
Pictures a partire dal 1 febbraio 2024, e con lui tutti gli strani
personaggi partoriti dalla fantasia “contorta” del regista della
saga di Kingsman (ma soprattutto di
Stardust e
Kick-Ass) e produttore dei primi film di
Guy Ritchie. Uno, insomma, che col cinema, i
generi e le aspettative si diverte da sempre a giocare, e che in
questa occasione ha trascinato nel suo mondo anche
Henry Cavill,
Bryce Dallas Howard,
Sam Rockwell,
Bryan Cranston, Catherine O’Hara,
Ariana DeBose, John Cena,
Samuel L. Jackson e la Sofia Boutella di Rebel
Moon.
Argylle – La super
spia, la trama
Elly Conway
(Howard) è la solitaria autrice di una serie di
romanzi a tema spionistico in testa a ogni classifica di vendita e
di gradimento. Per lei il massimo della vita è una serata a casa al
computer con il proprio gatto, Alfie, almeno fino a che non piomba
nella sua vita Aidan (Rockwell), una spia
allergica ai felini. Una spia vera, non come l’agente segreto
Argylle protagonista delle storie che scrive, nelle quali racconta
della sua lotta per impedire il piano della Divisione, una
potentissima organizzazione criminale su scala planetaria. Una
trama pericolosamente simile a quella che sembra esser ordita
davvero e per opporsi ala quale la povera Elly – per tacer del
gatto – si troverà a dover correre in giro per il mondo per
rimanere sempre un passo avanti a quegli spietati assassini, mentre
la separazione fra il suo mondo di finzione e quello reale sembra
farsi sempre più sfocata.
Realtà, ma soprattutto illusioni
E proprio del continuo
intrecciarsi e alternarsi di realtà e fantasia vive questo primo
capitolo di una annunciata trilogia. Nel quale, parafrasando il
Conte Mascetti di Amici miei, pare esserci
tutto e invece… Di certo, c’è l’attesissima Dua
Lipa, giocata come un jolly sin dall’incipit, in una
dance scene che difficilmente ruberà il titolo di iconico a
quella di John Travolta e Uma
Thurman in Pulp Fiction, ma che
permette al pubblico di sincronizzarsi immediatamente con il tono
dello spy thriller più infarcito di bugie e menzogne in
circolazione.
O almeno con un livello
di esso, considerato che anche la rocambolesca e spettacolare scena
iniziale – ormai imprescindibile, almeno per ogni film di agenti
segreti che si rispetti – si svolge tutta nella fantasia
dell’autrice protagonista, la tranquilla e casalinga Elly
interpretata da
Bryce Dallas Howard. Sarà lei l’anello di congiunzione
tra le diverse realtà assemblate da Vaughn (anche con trovate
simpatiche di regia), stavolta meno felice nel tenere in equilibrio
follia e coerenza narrativa, trovate e personaggi. Che pure non
mancano.
Piatto ricco, mi ci
impiccio
In
Argylle, la spia inespressiva da videogioco di
Henry Cavill fa il paio con l’agente segreto troppo
impreparato per essere vero dell’irresistibile
Sam Rockwell, come l’MVP
Bryan Cranston fa il paio con se stesso e
Samuel L. Jackson con “quello nero di un film
qualunque” su cui ironizzava Seth MacFarlane
in Ted. Insomma, un gioco di ruolo continuo
che qualsiasi sceneggiatore avrebbe avuto difficoltà a gestire e
che anche il Jason Fuchs di La La
Land e It – Capitolo 2 non
riesce sempre a tenere sotto controllo (ammesso che non sia vera la
leggenda che vorrebbe Taylor Swift come vera Elly
Conway e autrice del libro alla base della storia).
Uno
spy che gioca col pubblico
Si consiglia di prenderlo
con molto spirito, e pronti a giocare, per sorvolare più facilmente
su qualche leggerezza e artificiosità e godersi la rilettura
ironica dei canoni del genere spy-action. Anche perché nella prima
ora il mix funziona – senza assomigliare né ai vari
Kingsman, Austin Powers o Get
Smart, ma evitando di raggiungere il livello del terribile
Mordecai – affidandosi a qualche furbizia formale
per movimentare l’azione quando la trama mostra i primi cedimenti.
Purtroppo in Argylle – La super spia la carne al
fuoco è troppa, per quanto il moltiplicarsi delle possibilità e
delle citazioni (inevitabile e dovuta quella esplicita a un cult
come The Manchurian Candidate) si
assicurino l’attenzione dello spettatore, più per curiosità che per
la tensione che tanta critica statunitense ha esaltato, vista la
sostanziale prevedibilità dell’intreccio.
Che si conclude in
maniera piuttosto dovuta, dopo una eccessivamente prolungata
risoluzione, e un finale multiplo, dopo aver messo in scena ogni
possibile stereotipo del genere e aver trovato spazio per un altro
numero di ballo – surreale quanto letale – con la promessa di
continuare ancora il gioco di specchi. Moltiplicandolo, vista
l’apparizione che apre a una nuova lettura dello spettacolo al
quale abbiamo dovuto assistere nelle oltre due ore appena
trascorse. Ma avremo tempo per preparaci, ammesso che la trilogia –
anche quella – diventi realtà.
Il nuovo Universo DC di James Gunn e Peter Safran è
stato messo maggiormente a fuoco questa settimana, al di là
dell’imminente Superman: Legacy–
le cui riprese inizieranno all’incirca tra un mese – Gunn ha anche
confermato che Milly Alcock, la star di House of the
Dragon, è stata scritturata per il ruolo di
Supergirl, un personaggio che sta per ottenere un
proprio film da protagonista con Supergirl: Woman of
Tomorrow. Ad oggi, però, ancora non è noto chi
dirigerà il film, un dettaglio che al regista di X-Men –
L’inizio e Argylle – La super
spia, Matthew Vaughn, risulta piuttosto
strano.
Vaughn ha infatti recentemente
partecipato al “Post Credit Podcast” di BroBible
e ha rivelato di sentirsi piuttosto confuso sull’ordine di sviluppo
del film. “Sono un grande fan di Milly Alcock. Una grande
fan“, ha detto Vaughn. “L’ho incontrata per un altro
progetto a cui stiamo lavorando – mi ha rifiutato, il che è stato
triste. È un’attrice favolosa. D’altra parte, trovo molto strano
che non abbiano trovato un regista. Mi ha sorpreso, perché non si
dovrebbe fare il casting di un film – il regista dovrebbe fare il
casting del film. Non capisco chi abbia fatto il casting se non c’è
un regista“.
Un dubbio lecito quello di Vaughn,
che si è anche detto interessato a dirigere egli stesso il progetto
essendo un grande fan non solo di Alcock ma anche di Superman e
Supergirl. Ana Nogueira (The Vampire
Diaries) sta come noto scrivendo la sceneggiatura di
Supergirl: Woman of Tomorrow, mentre Variety ha riportato,
poco dopo l’annuncio del casting di Alcock, che la DC conta di
assegnare un regista al film nelle prossime settimane. A breve si
potrebbe dunque scoprire chi andrà a ricoprire tale ruolo, anche se
chi si siederà dietro la macchina da presa non potrà effettivamente
dire la propria riguardo al casting del personaggio
protagonista.
Dua Lipa e Henry Cavill in
“Argylle - La super spia”
Questo Febbraio al
cinema si apre all’insegna dell’azione con
Argylle – la super spia diretto da un esperto del genere come
Matthew Vaughn. Il regista del franchise
Kingsman, l’organizzazione supersegreta
britannica che recluta e forma giovani spie, torna con un
nuovo film di spionaggio ma che stravolgerà gli spettatori tra la
finzione e realtà. Ma in questa settimana c’è anche spazio per due
titoli drammatici come
How to Have Sex e
The Warrior – The Iron Claw.
Vediamo insieme le novità
di Febbraio al cinema di questa prima settimana del
mese
Argylle – La super spia
Bryce Dallas Howard è la protagonista Elly
Conway, un’autrice di Best Seller di
spionaggio, introversa che lascia raramente la sua casa solo per
presentare nelle librerie i romanzi che scrive. Dopo uno strano
incontro su un treno, viene trascinata nel mondo reale dello
spionaggio e scopre che le trame dei suoi libri si avvicinano un
po’ troppo alle attività di un sinistro sindacato clandestino.
Aiden, una vera spia, cercherà di
salvare la scrittrice e il suo amato animale domestico
Alfie, da tutti i nemici che inconsapevolmente la donna si
è fatta. Nel cast di
Argylle – la super spia, oltre a Dallas Howard, troviamo
l’attore
Sam Rockwell,
Henry Cavill,
Bryan Cranston,
Catherine O’Hara, Dua
Lipa, Ariana
DeBose, John
Cena,
Samuel L. Jackson e anche Chipil
gatto di Claudia Schiffer.
How to Have Sex
How to have sex è un film sui rischi dell’analfabetismo
sessuale ed emotivo, perché le ragazze e i ragazzi non hanno le
parole per affrontare, il consenso, l’intimità, il piacere e il
sesso. Questo è quello che mostra la regista londinese Molly
Manning Walker nella sua opera prima e vincitrice di
un premio nella sezione Un Certain Regard di
Cannes 2023. Le protagoniste di questo coming of
age sono tre adolescenti, Tara,
Skye ed Em che partono per
Creta, dopo aver terminato la scuola, per vivere
quella che sperano sia la migliore vacanza della
loro vita.
Prima danza,
poi pensa. Alla ricerca di Beckett
Prima
Danza, poi pensa. Alla ricerca di Beckett è un biopic
dedicato al drammaturgo irlandese Samuel Beckett,
Premio Nobel nel 1969. Dopo aver
vinto il Nobel per la letteratura il protagonista, interpretato da
Gabriel Byrne, non sembra affatto contento. Sale sul palco,
strappa bruscamente la busta dell’assegno e comincia a scalare le
quinte, dove un suo doppio lo attende. Da qui parte un
resoconto della storia, dei successi, degli amori
e delle amicizie di Beckett, una delle figure più rivoluzionarie e
influenti del teatro del Novecento. Nel cast della pellicola del
regista Premio Oscar James Marsh, ci
sono Fionn
O’Shea, nei panni del protagonista versione giovane e
Aidan Gillen nel ruolo dello scrittore James
Joyce.
Te l’avevo detto
Te l’avevo detto di
Ginevra Elkann è l’unico titolo italiano di
questo Febbraio al cinema. Questo lungometraggio
svolge a Roma nel mese di Gennaio durante
un’insolita ondatadi caldo in
pieno Inverno. La protagonista è Gianna,
Valeria Bruni Tedeschi, è alle prese con un’ossessione
decennale per la sua ex migliore amica Pupa,
l’attrice
Valeria Golino, una matura pornostar degli
anni Ottanta in bancarotta e che si aggrappa ai suoi giorni di
gloria. Con l’aumento della tensione e del calore, le peggiori
paure e i vizi iniziano a venire a galla. Nel cast, oltre alle due
attrici già citate, ci sono anche
Alba Rohrwacher,
Riccardo Scamarcio,
Greta Scarano, Marisa Borini, Greta
Scacchi e Danny Huston.
The Warrior – The Iron Claw
The Warrior – The Iron Claw poteva essere l’occasione,
finalmente, per
Zac Efron d’essere uno dei candidati come Miglior attore
agli Oscar, ma anche per questa volta niente. Scritto e diretto da
Sean Durkin, racconta la storia vera della famiglia Von Erich,
soffermandosi sui tre fratelli che negli anni Ottanta sono riusciti
a scrivere la storia nel mondo altamente competitivo del wrestling
professionistico. Nei panni dei fratelli Von Erich con il
protagonista Efron ci sono anche
Jeremy Allen White e
Harris Dickinson, il cast si completa con Maura
Tierney, Holt McCallany e
Lily James.
Una bugia per due
Una bugia per due racconta di Louis, l’attore
francese
Vincent Dedienne, un giovane che lavora in uno studio
legale e conduce una vita solitaria. Sul posto di lavoro
nessuno si accorge di lui, ma il giorno in cui scopre di soffrire
una grave malattia, quelli intorno sembrano notare la sua esistenza
per la prima volta. Quando poi lo studio gli chiede di difendere
una multinazionale da uno scandalo, questa diventa l’occasione per
il protagonista di farsi finalmente notare. Tutto però ha un prezzo
e Louis sarà costretto a ricorrere ad una bugia per ritagliarsi un
posto agli occhi degli altri e poter compiere qualcosa di grande.
In questa brillante commedia francese, diretta
da Rudy Milstein sono presenti anche
Clémence Poésy e Géraldine
Nakache.
Upon Entry – L’arrivo
Upon entry –
L’arrivo è un dramma aeroportuale diretto a quattro mani
da Alejandro Rojas e Juan Sebastián
Vásquez. I protagonisti sono l’urbanista
venezuelano Diego e la compagna Elena,
ballerina di danza contemporanea di Barcellona,
che ottengono i visti per gli Stati Uniti e sono pronti a
cominciare una nuova vita. Partendo da una critica nei confronti
del sistema statunitense e dalla sua visione dell’immigrazione, i
due registi allargano il discorso al concetto di fiducia
coniugale.
James Marsh torna
dietro la macchina da presa con Prima danza, poi pensa
– Alla ricerca di Beckett , biopic su uno degli
scrittori più influenti del Novecento, che rivoluzionò il modo di
fare teatro, dando corpo alle insicurezze e alle fragilità umane
attraverso il teatro dell’assurdo e per i suoi meriti ricevette nel
1969 il Nobel per la letteratura. Protagonista l’irlandese
Gabriel Byrne, portatore di innegabile somiglianza e
altrettanta misura.
James Marsh, il privato dietro le
grandi storie
Documentarista e regista di
finzione, James Marsh vinse l’Oscar con il documentario Man on
wire, prima di arrivare a tracciare ne La teoria
del tutto: la parabola umana più che scientifica
di un genio della fisica come Stephen Hawking (2015). Qui l’Oscar
andò a Eddie Redmayne come miglior attore protagonista. Ha
proseguito poi cambiando genere, con King of
thieves (2018), su un gruppo di truffatori alle prese
con la rapina del secolo, sempre tratto da una storia vera. Quello
che, infatti, Marsh non ha mai abbandonato è la curiosità di
scoprire ciò che si cela dietro vicende realmente accadute, con
protagonisti più o meno noti. Che sia la vita privata di un genio
della fisica, o come in Prima danza, poi pensa – Alla
ricerca di Beckett quella di un grande scrittore
contemporaneo, o quella del funambolo tra le Torri Gemelle,
Philippe Petit. Una volontà di scoprire la persona dietro al
personaggio, che Marsh si porta dietro dalla sua lunga esperienza
di documentarista.
La trama di Prima danza, poi pensa
– Alla ricerca di Beckett
1969. Cerimonia per la consegna dei
premi Nobel. Un Beckett basito, Gabriel Byrne,
bolla l’aver ricevuto il premio più prestigioso per la letteratura
come “una catastrofe”. Da qui inizia un lungo confronto
con il suo doppio. Beckett e Beckett ripercorrono assieme la
propria vita, analizzandola da punti divista differenti. Le fasi
dell’esistenza dello scrittore irlandese sono scandite
principalmente dal rapporto con le donne della sua vita. Vediamo
dunque Beckett bambino molto legato al padre, con un rapporto a dir
poco difficile con una madre anaffettiva e svalutante. Il giovane
Beckett, Fionn O’Shea, si trasferisce quindi a
Parigi, stringe amicizia con Joyce, Aidan Gillen,
e inizia una relazione con la figlia Lucia, che avrà però breve
durata. Vi è poi l’incontro con Suzanne, che diventerà sua moglie.
Arriva la guerra e Beckett sceglie di partecipare alla resistenza.
Lo si ritrova poi già maturo. Ha sposato Suzanne, Sandrine
Bonnaire, e sta iniziando ad assaporare il riconoscimento
cui ha sempre aspirato, sebbene la notorietà non si confaccia a un
solitario come lui. Incontra Barbara Bray, Maxine
Peake, traduttrice e critica con cui intraprende una
relazione. La conflittualità tra le due donne della sua vita
segnerà gli ultimi anni. E non gli mancheranno i sensi di colpa. I
suoi capolavori, su tutti Aspettando Godot, restano sullo
sfondo.
Samuel Beckett: un uomo segnato dai
sensi di colpa?
Lo stratagemma del doppio, il
dialogo con la propria coscienza fa emergere un ritratto di Beckett
martoriato dai sensi di colpa. Nei confronti della madre, che sente
di aver abbandonato, pur cosciente di che donna difficile fosse.
Colei che lo aveva iniziato alla poesia, all’amore per la
letteratura, ma lo faceva sentire incapace, inadatto, con quel
mantra dal quale Samuel era fuggito lontano, portandone però con sé
l’eco: “che spreco!”. Negatività per esorcizzare la quale
Beckett aveva presto imparato l’uso dell’ironia e del nonsense, che
avrebbero poi caratterizzato la sua scrittura. Senso di colpa verso
le sue donne: Lucia, la più fragile, avvicinata più per ammirazione
di Joyce che per autentico trasporto; Suzanne, che gli è sempre
stata accanto e che lui ha tradito, Barbara, cui non ha potuto dare
quanto avrebbe voluto. Ma anche l’amico Alfred e Joyce stesso.
Beckett sembra sentirsi in colpa verso tutti.
Carica su di sé tutti i
fardelli possibili, tutte le responsabilità. Allo spettatore questa
appare come una forzatura. Ci si chiede se Beckett fosse davvero
così, dal momento che sembra non si sia, poi, fatto bloccare dai
suoi sensi di colpa. Ha vissuto la sua vita a pieno, ottenendo
anche grandi risultati, affrancandosi dal giogo ella madre,
diventando uno dei drammaturghi più importanti del Novecento.
Allora perché questo scontento, questo continuo rovello? Il regista
sembra voler far emergere, attraverso il dialogo con il doppio, la
visione di Marsh stesso, più che quella di Beckett. Il doppio,
infatti, spinge il protagonista a lasciar andare i rimpianti e
agire sul presente, l’unico che si può ancora cambiare. Lo spinge
ad avere un po’ di indulgenza verso sé stesso e infine, a dare
valore alle gioie della vita che si nascondono nella quotidianità.
Una vita che, come recita il titolo del film, va innanzitutto
vissuta e forse un po’ meno ri-pensata.
Una sceneggiatura disomogenea e
poco coinvolgente
Prima danza, poi pensa –
Alla ricerca di Beckett ha un andamento diseguale. La
prima parte, che si concentra sul giovane Beckett, è più
movimentata e non priva di alcuni guizzi ironici e divertenti, che
rimandano allo stile del Beckett scrittore, lasciando intravedere
ciò da cui può aver tratto ispirazione. Questa vena di vivacità,
però, si perde nella seconda parte. Il film diventa piuttosto
monotono e stanco. Un grosso salto temporale catapulta lo
spettatore agli anni della maturità, poveri di accadimenti, se non
una infedeltà, i dubbi sui pro e i contro del successo e gli
immancabili rimpianti. La sensazione è che ci sia poco materiale, o
che il regista non abbia scelto i momenti più significativi, o
ancora che non sia riuscito a renderlo in modo coinvolgente.
L’interpretazione di Gabriel
Byrne
La somiglianza senza dubbio non
difetta a Gabriel Byrne per calarsi nei panni di Samuel Beckett.
Bisogna dire che l’attore irlandese – divenuto famoso con I
soliti sospetti di Brian Singer, ma visto anche più di recente
in serie tv come Zerozerozero, o nell’americana In
treatment – interpreta con misura il personaggio. Forse però,
quello che manca, già in fase di scrittura, è la scintilla, la
volontà di scompaginare e anche di stupire, che certo ha
caratterizzato il drammaturgo suo conterraneo. Elemento questo che
avrebbe dato al solido attore la possibilità di cimentarsi con un
personaggio più interessante, variegato e complesso rispetto a
quello immaginato da Marsh. È così che, nel complesso, un po’ di
quel regret di cui si parla in Prima danza,
poi pensa – Alla ricerca di Beckett, rimane anche
addosso allo spettatore, per aver perso l’occasione di vedere un
racconto davvero appassionante su una figura dirompente nel
panorama letterario del Novecento europeo. Presentato in anteprima
al Torino Film Festival, Prima danza, poi pensa – Alla
ricerca di Beckett, è nelle sale dal 1 febbraio.
Più grande è la spia, più
grande è la bugia. Dalla mente brillante di Matthew
Vaughn (del franchise Kingsman e Kick-Ass)
arriva al cinema Argylle,
un thriller di spionaggio acuto, che stravolge la realtà e vi porta
in giro per il mondo.
Bryce Dallas Howard (Jurassic
World) è Elly Conway, autrice solitaria di una serie di
romanzi best-seller di spionaggio, la cui idea di felicità è una
serata a casa al computer con il suo gatto Alfie. Ma quando le
trame dei libri di Elly, incentrate sull’agente segreto Argylle e
sulla sua missione di smascherare un’organizzazione criminale
globale, iniziano a rispecchiare le azioni segrete di
un’organizzazione di spionaggio reale, le tranquille serate a casa
diventano un lontano ricordo.
Accompagnata da Aiden (il
premio Oscar Sam Rockwell), una spia allergica ai gatti,
Elly (che porta Alfie nello zaino) corre per il mondo cercando di
stare un passo avanti agli assassini, mentre il confine tra il
mondo immaginario di Elly e quello reale inizia a svanire.
Il cast di prim’ordine
comprende Henry Cavill (The
Witcher), John Cena (Fast
X), la vincitrice dell’Oscar Ariana DeBose (West Side
Story), la superstar del pop Dua Lipa (Barbie), il
vincitore dell’Emmy e candidato all’Oscar Bryan Cranston (Breaking Bad), la vincitrice
dell’Emmy e icona della commedia Catherine O’Hara
(Schitt’s Creek), Sofia Boutella (Kingsman – The Secret
Service) e il leggendario Samuel L. Jackson. Alfie è interpretato da
Chip, che nella vita reale è il gatto della top model Claudia
Vaughn (nata Schiffer).
Argylle
è diretto e prodotto da Matthew Vaughn, da una
sceneggiatura di Jason Fuchs (Sei ancora qui – I Still See You). Il
film è prodotto da Matthew Vaughn, Adam Bohling (del franchise
Kingsman), Jason Fuchs e David Reid (del franchise Kingsman). I
produttori esecutivi sono Adam Fishbach, Zygi Kamasa, Carlos Peres
e Claudia Vaughn. Apple Original Films presenta,
in associazione con MARV, una produzione Cloudy. Argylle
è distribuito da Universal Pictures Italia.
Captain America: New World Order
sarebbe dovuto uscire nel corso dell’estate 2024, ma quando gli
scioperi della WGA e della SAG-AFTRA hanno bloccato
Hollywood, i Marvel Studios si sono resi conto
che era necessario apportare modifiche significative al film, che
ha dunque subito ovvi ritardi. Quest’anno, dunque, si svolgeranno
estesi reshoot e sono ora emersi nuovi dettagli su quanto saranno
significativi. Secondo lo scooper Daniel Richtman, le riprese sono
attualmente previste da maggio ad agosto.
Come si noterà, si tratta di un
periodo abbastanza lungo da girare un intero film dall’inizio alla
fine. Non è detto che l’intero periodo venga utilizzato, magari
solo determinati giorni o settimane, permettendo così di conciliare
il tutto con gli impegni degli attori coinvolti. Se però tale
periodo di reshoot venisse confermato, potrebbe anche significare
che molto sta cambiando all’interno del film. Di questo parere è
anche lo scopper @CanWeGetToast, il quale afferma
infatti che la Serpent Society verrà completamente rimossa dal film
seguito di The Falcon e The Winter Soldier.
Questa avrebbe dovuto essere una
delle principali minacce per il nuovo Captain America all’interno
del film, con un primo importante scontro già presente nel primo
atto. Ma se questi rumor dovessero rivelarsi veri potrebbe non
comparire affatto. Ciò significa che anche
le scene girate dal wrestler Seth Rollins non
finiranno nel montaggio definitivo di Captain America: New World Order. Di certo, molto
potrebbe cambiare nel film, per cui ad oggi rimane in vigore una
forte incertezza su ciò che il film conterrà o meno.
Quello che sappiamo sul film
Captain America: New World Order
Captain America: New World Order riprenderà da
dove si è conclusa la serie Disney+The Falcon and the
Winter Soldier, seguendo l’ex Falcon Sam Wilson
(Anthony Mackie)
dopo aver formalmente assunto il ruolo di Capitan America. Il
regista Julius Onah (Luce, The Cloverfield
Paradox) ha descritto il film come un “thriller
paranoico” e ha confermato che vedrà il ritorno del Leader
(Tim Blake Nelson), che ha iniziato la sua
trasformazione radioattiva alla fine de L’incredibile Hulk del 2008.
Importante sarà anche la presenza di
Harrison Ford nel ruolo del generale Ross, che
secondo alcuni potrebbe trasformarsi nell’Hulk Rosso. Secondo
quanto riferito, la star di Alita: Angelo della BattagliaRosa
Salazar interpreta la cattiva
Diamondback. Nonostante dunque avrà degli elementi
al di fuori della natura umana, il film riporterà il Marvel Cinematic
Universe su una dimensione più terrestre e realista, come già
fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America. Ad ora,
Captain America: New World Order è indicato come uno
dei titoli più importanti della Fase 5.
Dopo un esordio
folgorante come
La fuga di Martha – che lanciò la carriera di
Elizabeth Olsen – e un altro film di notevole
impatto quale The Nest con Carrie Coon e
Jude law, Sean Durkin è tornato
dietro la macchina da presa per The Warrior (The Iron Claw), storia vera di
una delle storiche dinastie del wrestling negli anni ‘80, quella
dei Von Erich. In un cast che comprende Jeremy Allen White, Harris
Dickinson, Holt McCallany e Maura
Tierney, il regista ha inserito anche Zac Efron come protagonista nel ruolo di
Kevin, e l’attore lo ha ripagato con una di quelle performance che
possono davvero cambiare una carriera. Abbiamo incontrato proprio
Zac Efron a New York, dove ci ha raccontato
The Warrior (The Iron Claw) dal 1° febbraio al
cinema in Italia.
Sapeva nulla dei Von Erich prima di accettare la
parte di Kevin?
Prima di leggere la
sceneggiatura non ne sapevo nulla, durante il nostro primo
incontro, Sean Durkin mi ha spiegato in maniera
approfondita la loro storia e ho capito che si trattava di una vera
e propria tragedia familiare, sembrava quasi impossibile che tutto
quello fosse successo a una sola persona quale Kevin. Ho sentito
immediatamente che non sarebbe stato soltanto un film che parlava
di wrestling quanto piuttosto una saga familiare, una storia di
perdita. Volevo assolutamente interpretare quest’uomo che pian
piano capisce di doversi tirare fuori da determinate dinamiche, che
vuole rompere la catena della maledizione che avvolge i Von
Erich.
Come Zac Efron è entrato nel ruolo a livello
psicologico?
Per fortuna non ho
vissuto le tragedie personali che Kevin ha dovuto affrontare, ma
avendo un fratello minore che amo moltissimo ho potuto capire alla
perfezione quello a cui il personaggio va incontro nel corso della
storia. I fratelli Von Erich sono i migliori amici l’uno
dell’altro, tentano costantemente di motivarsi a vicenda. Si tratta
di un microcosmo che Sean è riuscito a cogliere alla perfezione,
mettendone in scena i tratti piú intimi ed emozionanti.
E a livello fisico che tipo di lavoro ha svolto
Zac Efron per diventare Kevin Von
Erich?
Per arrivare a
raggiungere il livello di fisicità che aveva mostrato nei filmati
che lo vedevano sul ring, sapevo di dover sviluppare una sorta di
ossessione. Ho realmente passato tre mesi a mangiare, dormire e
allenarmi. Il che era praticamente quello che i veri fratelli Von
Erich facevano nella vita reale. Sul set e sul ring ho incontrato i
miei colleghi Jeremy Allen White, Harris Dickinson e Stanley
Simons, che pian piano sono diventati miei amici. Fuori dal set la
nostra vita era praticamente inesistente, il che mi ha aiutato
molto a entrare nella psicologia e nello stato d’animo del personaggio.
Avete lavorato insieme al vero Kevin Von Erich per
la realizzazione del film?
Sean ha preso la
decisione di non coinvolgerlo nella preparazione e durante le
riprese perché non voleva correre il rischio di essere coinvolto in
maniera troppo emotiva dal rapporto che si sarebbe sviluppato.Tutti
volevamo dare una nostra versione di quella storia, mettendo in
risalto quello che ritenevano fosse il cuore del dramma. Una
decisione che ho rispettato e condiviso. Vi sono ore e ore di
interviste televisive a Kevin che ho visionato per avvicinarmi al
personaggio, momenti in cui parla in maniera molto spontanea sia
del suo amore per il wrestling che degli eventi in cui la sua
famiglia è rimasta coinvolta. Poi ovviamente lo abbiamo contattato
per raccontargli quello che avevamo fatto, l’idea che abbiamo
portati avanti girando The Iron Claw, e si è dimostrato un uomo
aperto e molto saggio. L’ho incontrato finalmente alla première
mondiale del film a Dallas e abbiamo parlato molto, è stato un
momento emozionante per me, oserei dire l’apice emotivo della mia
carriera.
Le sequenze di lotta sono vibranti, come le avete
realizzate?
Abbiamo girato
praticamente tutte le scene in pochi giorni: la produzione ha
affittato il palazzetto dello sport che poi è stato riempito di
comparse. È stata un’esperienza incredibile, un vero happening.
Dopo essermi preparato fisicamente per tre mesi ho potuto esprimere
tutto quello che avevo imparato, tutta l’energia accumulata in veri
match di lotta. Sean ha scelto di girare gli incontri dall’inizio
alla fine per ottenere realismo, in modo che il pubblico si
emozionasse e partecipasse veramente, quindi abbiamo avuto qualcosa
come quindici minuti di vero wrestling ogni volta. Io, Jeremy e il
resto del cast avevamo studiato a fondo le coreografie degli
incontri, ma abbiamo anche avuto modo di improvvisare qualche mossa
durante i match, che in questo modo si sono trasformati in qualcosa
di ulteriormente più reale e sentito. È stata una grande
esperienza, un tour de force fisico ma anche emotivo non facile ma
assolutamente gratificante.
Il background di ballerino di Zac Efron l’ha aiutata in qualche modo per i
match?
Certamente, l’aver
studiato coreografie per così tanto tempo da giovane mi ha
favorito, soprattutto perché ho sviluppato negli anni un modo di
imparare prevalentemente fisico e visivo. Il wrestling è un momento
di show, una coreografia concertata con un certo spazio concesso
all’improvvisazione. Kevin Von Erich era un maestro in questo,
aveva sviluppato un linguaggio del corpo sul ring che sembrava
realmente l’elaborazione di una danza.
In una distopica Seoul, un
improvviso catastrofico terremoto distrugge la città, rendendola
una distesa desolata e arida in cui i pochi sopravvissuti lottano
disperatamente per difendersi da bande di spregiudicati criminali e
da un folle crudele scienziato. È in questo scenario apocalittico
che si muovono i coraggiosi Nam-san (Ma Dong-Seok)
e Ji-wan (Lee Jun-young), i protagonisti
dell’inquietante k-thriller Badland
Hunters (titolo originale in hangul 황야).
Dopo aver debuttato lo scorso 26
gennaio sulla celebre piattaforma Netflix, il film sudcoreano –
diretto da Heo Myeong-haeng e scritto da Kim
Bo-tong (sceneggiatore dell’avvincente ed emozionante k-drama
D.P.) e Kwak Jae-min – ha rapidamente conquistato
il podio della classifica dei film non inglesi, stabilizzandosi
nella Top10 Netflix di questa settimana e conquistando
il pubblico con una buona dose di adrenalina e
frenesia.
Alcuni anni dopo un terribile
terremoto che ha devastato la città di Seoul, i pochi sopravvissuti
allestiscono un villaggio improvvisato dove i due cacciatori
Nam-san e Ji-wan cercano di recuperare un po’ della quotidianità
perduta dopo il disastro. Un giorno, però, la loro relativa pace
viene improvvisamente abbattuta dall’arrivo di un gruppo di
individui armati che rapiscono con l’inganno l’adolescente Su-na
(Roh Jeong-eui) e la sua debole nonna. Quando
scoprono che la giovane è in serio pericolo, Nam-san e Ji-wan –
insieme all’ex soldata Eun-ho (An Ji-hye) –
partono in cerca del Condominio, l’inquietante e oscuro palazzo in
cui il dottor Yang Gi-su (Lee Hee-joon), uno
scienziato squilibrato, conduce esperimenti biologici su soggetti
umani, con il fine di creare una nuova razza di uomini e donne
immortali.
Non solo demoni e zombie in Badland
Hunters
Hellbound, Sweet Home e Non
siamo più vivi sono solo alcuni dei prodotti sudcoreani di
successo, giunti su Netflix negli ultimi anni, che hanno
trasportato il pubblico in un vorticoso viaggio attraverso le
inquietudini dell’esistenza umana e la
paralizzante paura della fine del mondo. Ed è
proprio a questa (ancor troppo breve) lista che si aggiunge
l’ultima fatica di Heo Myeong-haeng. Nonostante l’assenza di demoni
infernali e zombie “mangia cervello”, Badland Hunters –
proprio come il recente k-drama La Creatura di
Gyeongseong, con protagonista il magnetico Park Seo-Joon
(The Marvels, Parasite,
Dream) – porta in scena un racconto
orrorifico che mostra (e ricorda) come tutto il male del
mondo possa, il più delle volte, nascere dalla crudeltà e avidità
umana.
Badland Hunters. In foto l’attore Lee Hee-jun nei panni del dottor
Yan Ki-su.
Infatti, accecato dal desiderio di
concedere una seconda possibilità a sé stesso e alla figlia in fin
di vita, Yang Gi-su intraprende una sconsiderata e atroce
sperimentazione per creare ciò che neppure Dio è riuscito a
dare: l’immortalità umana. Ed è proprio dalla
diabolicapresunzione e insensata
ostinazione di Yang Gi-su che nascono mostri (come gli
spaventosi soldati rinchiusi nei sotterranei dell’edificio) e
individui mostruosi (tra cui l’insegnante e il sergente che
divengono complici di omicidi violenti col solo intento di ottenere
protezione e una “dose” di quella immortalità).
Don Lee, il gigante buono del Sud Corea
Grazie alla collaborazione con il
regista Heo, l’acclamata star d’azione Ma
Dong-seok, conosciuto al pubblico internazionale come Don
Lee, debutta ufficialmente su Netflix nei panni
dell’introverso ma valoroso Nam-san. Noto al mondo per successi
come Train to Busan e
Eternals, Don Lee è
riuscito – durante la sua ventennale carriera – a conquistare
l’esigente pubblico sudcoreano grazie all’immagine
cinematografica che gli è stata cucita addosso: quella di
un “gigante buono”, tanto grosso e rozzo quanto
gentile e di buon cuore. Definito da alcuni il “The Rock asiatico”
e da altri il “Bud Spencer coreano”, Don Lee dà quindi nuova
dimostrazione del suo talento e, con ironia e umorismo, porta sul
piccolo schermo un grande eroe che poco ha da
invidiare all’eterno Gilgamesh.
Badland Hunters. In foto l’attore Don Lee che interpreta Nam
San.
Badland Hunters, quando la spettacolarità dell’azione
non basta
Con un’avvincente e frenetica
narrazione ritmata da violente coreografie
d’azione, Badland Hunters afferra con forza lo
spettatore per trascinarlo, scena dopo scena, in una storia intrisa
di catastrofi naturali e crudeltà umana, ma anche
di audacia e resilienza. Pur incantando
visivamente, però, il film di Heo finisce per valorizzare così
tanto l’azione da sacrificare amaramente sia la profondità
psicologica dei personaggi che la coerenza e l’integrità della
trama.
Inoltre, un altro aspetto
critico è rappresentato dal doppiaggio
italiano: come spesso accade nei prodotti asiatici,
infatti, il doppiaggio priva la versione italiana
dell’intensità recitativa che caratterizza quella
originale, riducendo la recitazione degli attori a una
interpretazione più superficiale e caricaturale.
In conclusione, BadlandHunters è un’emozionante thriller che, sebbene offra al
pubblico un’esperienza di grande spettacolarità, non riesce ad
andare al di là delle immagini e a lasciare, così, un’impronta
duratura e significativa nello spettatore.
Miles Teller, protagonista di Top Gun:
Mavericke Whiplash, è in
trattative per unirsi a Michael,
il biopic su Michael Jackson diretto da Antoine
Fuqua e prodotto da Lionsgate e Universal Pictures
International. Le fonti ci dicono che non c’è ancora un accordo per
Teller. Il film è attualmente in fase di riprese.
Miles Teller dovrebbe interpretare un avvocato
nel film biografico su Michael Jackson.
Esattamente quale degli avvocati di Jackson, vedremo. Il defunto
Howard Weitzman era noto per aver difeso Jackson e
il suo patrimonio, in particolare contro le pretese dei creditori e
le accuse di pedofilia. Poi c’è stato Mark
Geragos, che ha assistito Jackson nelle prime fasi del
caso di molestie People vs. Jackson del 2005,
prima di essere sostituito da Thomas Mesereau.
Teller si unirebbe ad un cast in
forte espansione che include Colman Domingo nel
ruolo del patriarca Joe Jackson, Nia Long nel
ruolo della madre Katherine Jackson, così come Jaafar
Jackson, nipote di Michael Jackson, che
interpreterà il ruolo principale.
Il film, sceneggiato dal tre volte
candidato all’Oscar John Logan e prodotto dal
premio Oscar Graham King, racconterà le prove e le
tribolazioni del Re del Pop, nonché la visione del suo genio.
Michael è
prodotto anche dai co-esecutori testamentari dell’eredità di
Michael Jackson, John Branca e John
McClain.
Michael, la sinossi del
film:
“‘Michael’ offrirà
al pubblico un ritratto avvincente e onesto dell’uomo brillante ma
complicato che è diventato il Re del Pop. Il film presenta i suoi
trionfi e le sue tragedie su una scala epica e cinematografica –
dal suo lato umano e le sue lotte personali al suo innegabile genio
creativo, esemplificato dalle sue performance più iconiche. Come
mai prima d’ora, il pubblico potrà dare uno sguardo dall’interno a
uno degli artisti più influenti e all’avanguardia che il mondo
abbia mai conosciuto“.’
“Non c’è modo di sentirsi tristi
quando sai di essere così fortunato”, ha detto Margot Robbie durante un panel durante
una proiezione speciale del SAG martedì sera. Robbie, che ha
prodotto e interpretato
Barbie, stava rispondendo alle questioni delle mancate
nomination agli Oscar per la regista Greta
Gerwig e per se stessa nella categoria Attrice
protagonista, una situazione che ha suscitato molto dibattito
online e delusione per i fan di Barbie.
“Ovviamente penso che Greta
dovrebbe essere nominata per la regia, perché quello che ha fatto è
una cosa che capita una volta nella carriera, una cosa
irripetibile, quello che ha realizzato, lo è davvero”, ha
detto Robbie. “Ma è stato un anno incredibile per tutti i
film.” Barbie è l’unico film da un miliardo di dollari
diretto esclusivamente da una donna, e lo scorso anno ha superato
tutti gli altri film al botteghino, portando a casa 1,4 miliardi di
dollari in tutto il mondo. Come ha detto Margot Robbie, la reazione al film è diventata
una sorta di fenomeno culturale: “Sospetto solo che sia più
grande di noi. È più grande di questo film, è più grande del nostro
settore”.
Robbie ha anche sottolineato
chiaramente che è “più che entusiasta di avere otto nomination
agli Oscar, è così folle”. Queste
nomination includono Miglior Film, Attrice non Protagonista per
America Ferrera; Attore non protagonista per
Ryan Gosling, costumi, scenografia e miglior
sceneggiatura non originale per Gerwig e Noah
Baumbach. “Tutti quelli che hanno ricevuto i
riconoscimenti che hanno ricevuto sono semplicemente incredibili,
così come il riconoscimento per il miglior film”, ha detto
Robbie.
“Abbiamo deciso di fare qualcosa
che potesse cambiare la cultura, influenzare la cultura, avere una
sorta di impatto”, ha detto Robbie. “E lo ha già fatto, in
parte, molto più di quanto avessimo mai immaginato. E questa è
davvero la ricompensa più grande che potrebbe derivare da tutto
questo”.
La carriera di Clint
Eastwood è generalmente iniziata grazie ai celebri
western di Sergio Leone. Da
Per un pugno di dollari fino a Il buono, il brutto e il cattivo, questi permisero
all’attore di ottenere fama mondiale. Grande appassionato di questo
genere, Eastwood si dichiarò poi particolarmente insoddisfatto di
vedere mediocri film statunitensi basati su quell’immaginario, e
decise pertanto di proporsi come ideale successore di Leone. Fu
così che nel 1976 portò al cinema il suo nuovo film da regista,
intitolato Il texano dagli occhi di
ghiaccio.
Il film venne definito come uno dei
migliori dell’anno e come uno dei migliori di genere western da
diversi anni a quella parte. Qui Eastwood interpreta nuovamente
l’archetipo del pistolero solitario, dotato però di un cuore che lo
rende profondamente umano. La storia narrata è basata sul romanzo
Gone to Texas, scritto dall’ex leader del Ku Klux Klan
Forrest Carter. Nell’adattare il testo, gli sceneggiatori dovettero
fare molta attenzione a rimuovere la grande presenza di razzismo
insita nel testo, mantenendo però il racconto di base.
Al momento dell’uscita in sala, il
film si affermò come un grande successo arrivando ad incassare
oltre 31 milioni di dollari a fronte di un budget di circa 3.7. Nel
corso degli anni Il texano dagli occhi di ghiaccio ottenne
prestigiosi riconoscimenti, venendo indicato come un film
culturalmente, storicamente ed esteticamente ricco di valore.
Ancora oggi Eastwood ha affermato di considerarlo uno dei punti più
alti della sua carriera. Un film che ha segnato un primo
significativo passo per la sua fortunata carriera da regista, la
quale ha poi trovato consacrazione in un altro western, Gli spietati, uscito nel 1992.
La trama di Il texano dagli
occhi di ghiaccio
Protagonista del film è
Josey Wales, un uomo dedito al pesante lavoro nei
campi della sua piccola proprietà nel Missouri. La sua è una vita
pacifica, condotta insieme alla moglie e al figlio tra il lavoro e
la gioie della casa. Wales è un uomo fortunato, poiché è riuscito
ad evitare la guerra di Secessione, che insanguina in quegli anni
il territorio americano. La sua fortuna si spezza però nel momento
in cui un gruppo di cavalieri nordisti, capitanati dal fanatico
Terrill, finiscono per invadere il suo territorio,
uccidendo senza pietà la moglie e il figlio. Wales si ritrova ad
essere tramortito e creduto morto, e solo per questo
risparmiato.
Animato dal desiderio di vendetta e
senza più nulla da perdere, questi decide di unirsi alle bande
sudiste e combattere contro gli assassini della sua famiglia. In
breve, Wales ottiene grande fama per la sua abilità con le armi da
fuoco. Con la fine della guerra e la sconfitta del Sud, però, egli
si ritrova ad essere ora un fuorilegge con una pesante taglia sulla
sua testa. Nel corso del suo viaggio senza meta, l’uomo incontrerà
inaspettati amici e alleati, accrescendo la propria fama e sempre
intenzionato a trovare lo spietato nordista Terrill per consumare
la propria vendetta. Attorno a lui, intanto, con la fine della
guerra, c’è un’America sull’orlo del cambiamento, tra nostalgici e
progressisti convinti nell’arrivo imminente di un futuro più
roseo.
Il texano dagli occhi di
ghiaccio: il cast del film
Per il ruolo del fuorilegge Josey
Wales fu subito chiaro che sarebbe stato Eastwood a dargli volto.
L’attore stesso acquistò i diritti sul libro, intenzionato ad
interpretare il personaggio. Prepararsi per questo non fu una
novità per lui, che solo dieci anni prima era impegnato sui set
degli western di Leone. Eastwood decise infatti di costruire un
personaggio caratterialmente simile a quello dell’uomo senza
nome, dotandolo però di maggiori emozioni e umanità. Nel film
è poi presente l’attrice Sondra Locke nei panni di
Laura Lee. Eastwood insistette perché avesse lei il ruolo,
nonostante il personaggio fosse poco più che adolescente e
l’attrice avesse già superato i 30 anni. La collaborazione tra i
due attori sfociò poi in un rapporto sentimentale che sarebbe
proseguito fino alla fine degli anni Ottanta, e che li avrebbe
portati a recitare insieme in altri 6 film.
Particolarmente importante nel film
è invece il personaggio del vecchio indiano Lone Watie, il quale si
unisce a Wales durante il suo viaggio. Ad interpretarlo venne
chiamato Chief Dan George, appartenente ad una
tribù di nativi americani e già candidato all’Oscar per il film
Il piccolo grandeuomo. A causa dell’età
particolarmente avanzata, questi era solito dimenticare le proprie
battute, ed era proprio Eastwood a suggerirgliele di nascosto
durante le riprese. Bill McKinney, noto per i suoi
ruoli da caratterista e da villain, è qui l’interprete dello
spietato capitano Terrill, mentre John Vernon ha
il ruolo del capo dell’esercito unionista Fletcher. Molti di questi
attori divennero ulteriormente popolari proprio grazie ai ruoli qui
ricoperti, e diversi di loro tornarono in più occasioni a
collaborare con Eastwood per i suoi film da attore o regista.
Il trailer di Il texano dagli
occhi di ghiaccio e dove vedere il film in streaming e in
TV
Per gli appassionati del film è
possibile fruire di questo grazie alla sua presenza su alcune delle
più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete.
Il texano dagli occhi di ghiaccio è
infatti disponibile nel catalogo di Apple TV, Google Play,
Now e Prime Video. Per vederlo, basterà
sottoscrivere un abbonamento generale o noleggiare il singolo film.
Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della
qualità video. È bene notare che in caso di noleggio si ha soltanto
un determinato periodo di tempo entro cui vedere il titolo. Il film
è inoltre presente nel palinsesto televisivo di mercoledì
31 gennaio alle ore
21:00 sul canale
Iris.
Le frasi più belle dal film Il texano dagli occhi di
ghiaccio
Del film, giudicato come uno dei
migliori western dei suoi anni, sono inoltre rimaste
particolarmente celebri alcune della frasi pronunciate dai
protagonisti. Molte di queste sono rimaste nell’immaginario comune,
e ancora oggi sono indicate come tra le più belle citazioni che si
possono fare nell’omaggiare il film e il genere western. Ecco di
seguito alcune delle più famose e ricordate:
“Io ero un grande
guerriero. Gli anni si fanno sentire.” “Non è la vecchiaia. E’ la
civiltà che avanza, amico mio.”
“Bisogna sempre tenere il
coltello dalla parte del manico. Se vuoi vivere, devi metterti in
posizione di vantaggio. Quando spari, abbi l’accortezza di stare
con il sole alle spalle.”
“Ah, ricordatevi… se si mette
male, e vi vedete in pericolo, diventate cattivi, feroci, spietati
come belve ferite. Perché se vi perdete d’animo, non vincerete e
non vivrete. E’ la legge della guerra.”
“Certo che è finita… e siamo
morti un pò tutti in quella maledetta guerra.”
“Le nuvole… in cielo. Sono
come… i sogni quando vagano nel fondo della nostra
mente.”
Sin dal suo esordio nel 1996 con
Sydney, il regista Paul Thomas Anderson
si è imposto come uno dei maggiori autori cinematografici
contemporanei. Con le sue opere ha scandagliato l’animo umano e la
sua storia nel corso del tempo, consacrandosi con titoli come
Il petroliere e
The Master, indicati come
due tra i film più importanti del nuovo millennio. Quasi ogni film
di Anderson si è infatti svolto in periodi diversi del Novecento,
manifestando come un intento esplorativo nei confronti di
determinati momenti che hanno caratterizzato gli Stati Uniti e il
suo popolo. Oltre ai due film poc’anzi citati rientrano in questo
elenco anche Boogie Nights – L’altra Hollywood, Vizio di
forma e fino al recente Licorice
Pizza (qui
la recensione).
Quest’ultimo, uscito nel 2021, ha
riportato nuovamente il regista negli anni Settanta, periodo della
sua giovinezza che Anderson desiderava raccontare da un nuovo punto
di vista, più nostalgico ed emotivo. Ha così preso vita un film
diverso da quello che forse ci si aspettava, apparentemente meno
coeso nel racconto ma in realtà scaturito da un rigido lavoro di
scrittura che ha permesso di riproporre un’epoca, la sua atmosfera
e le emozioni che era capace di suscitare. Mentre sappiamo che
Anderson è
attualmente al lavoro su un nuovo progetto, che lo vedrà
collaborare per la prima volta con Leonardo
DiCaprio, riscoprire Licorice
Pizza è caldamente raccomandato.
Perché si tratta di un film
realmente in grado di evocare atmosfere e stati d’animo in cui è
facile ritrovarsi se si accetta di abbandonandosi
all’imprevidibilità degli eventi, ovvero della vita. Licorice
Pizza è inoltre un’entusiamante svolta “comica” e
“spensierata” nella filmografia di Anderson (non che i suoi
precedenti film non fossero anche diverti, anzi), che non deve però
assolutamente far pensare ad un’opera meno impegnata. Dietro questo
film c’è infatti un intero mondo, con tutte le sue contraddizioni,
bellezze, brutture e in generale tutto un irrefrenabile sfogo di
vitalità.
La trama e il cast di Licorice Pizza
Ambientato nella San Fernando Valley
degli anni Settanta, il film racconta la storia di un giovane
liceale, il quindicenne Gary Valentine, con una
carriera avviata come attore sin dall’infanzia. Il giorno in cui a
scuola si scatta la foto per l’annuario, Gary incontra
Alana Kane, una ragazza di diversi anni più grande
di lui, da cui rimane fortemente colpito. I due iniziano a
frequentarsi e a passare diverso tempo insieme, vivendo diverse
avventure sempre correndo da una parte all’altra della città,
crescendo giorno dopo giorno e, tra un litigio e l’altro,
innamorandosi l’uno dell’altro.
Ad interpretare i due protagonisti,
Gary e Alana, vi sono Copper Hoffman e
Alana Haim, entrambi qui al loro primo
lungometraggio. Il primo è il figlio del compianto attore Phillip Seymour Hoffman, frequente
collaboratore di Anderson, mentre Alana è membro della band Haim,
di cui Anderson ha diretto diversi videoclip. Nel film recitano poi
anche Sean Penn nel ruolo di Jack Holden,
Tom Waits in quelli di Rex Blau,
Bradley Coopernel ruolo di Jon Peters e
Benny Safdie in quelli di Joel Wachs. La moglie di
Anderson, Maya Rudolph, interpreta Gale, mentre a
completare il cast vi sono Mary Elizabeth Ellis
nel ruolo di Anita e John C. Reilly in quelli di Fred Gwynne.
Che vuol dire Licorice
Pizza e qual è il significato del film e del suo finale?
Una domanda che in molti si sono
posti guardando il film è cosa voglia dire Licorice
Pizza e qualche sia il significato di questo
titolo. Come spiegato dallo stesso Anderson, Licorice Pizza (che
vuol dire testualmente “pizza alla liquirizia”, era il nome del
negozio dove da giovane, negli anni ’70, egli si recava per
comprare vinili (anche rinominati “pizze di liquirizia”). Si tratta
dunque di un nome proveniente dalla memoria di Anderson, dal suo
passato, un ricordo di un’epoca nei confronti della quale il
regista prova un normale senso di nostalgia. A partire da qui, si
può iniziare a comprendere come l’intero film sia sostanzialmente
un nostalgico – ma mai malinconico – modo per ripercorrere un epoca
e le sue caratteristiche.
Attraverso le avventure –
strutturate quasi come “episodi” – di Gary e Alana, Anderson punta
a raccontare oltre che il contesto in cui è cresciuto anche gli
sconvolgimenti emotivi propri della giovane età, con la frenesia
che la caratterizza. Ecco allora che per tutto il film i due
protagonisti si rincorrono e si allontano, fino a quando si rendono
conto di voler stare l’uno con l’altra per i momenti importanti,
correndo finalmente nella stessa direzione fino ad incontrarsi e
confessarsi un amore da intendere più in senso platonico che non
fisico. Il significato del finale di Licorice
Pizza riguarda dunque gli enormi cambiamenti, lo sviluppo,
l’incertezza e l’instabilità della giovinezza, e quanto sia
speciale trovarsi finalmente nello stesso posto con qualcuno al
momento giusto.
Questo è un momento molto specifico
nella vita di Gary e Alana e, anche se probabilmente non durerà,
sono felici di essersi trovati proprio quando possono davvero
godersi l’un l’altro e finalmente essere sulla stessa lunghezza
d’onda. Rimane una certa incertezza nel futuro di entrambi – non è
cambiato molto dall’inizio del film, a parte il fatto che Alana e
Gary si influenzano a vicenda nella scoperta di se stessi – ma
almeno hanno l’un l’altro nel presente. Attraverso la loro atipica
storia d’amore, Anderson riporta dunque sul grande schermo un
periodo segnato da grandi incertezze, grandi cambiamenti, ma anche
da un attaccamento alla vita che sembra poi essersi perso nel
tempo.
Il trailer di Licorice
Pizza e dove vedere il film in streaming e in TV
È possibile fruire di Licorice
Pizza grazie alla sua presenza su alcune delle
più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è
infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Google
Play, Apple TV e Prime Video. Per vederlo, una volta
scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo
film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di
guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il
film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di
mercoledì 31 gennaio alle ore
21:10 sul canale Rai Movie.
Arriva domani nelle
sale italiane la brillante commedia francese Una
Bugia per due, diretta da Rudy
Milstein con protagonisti Vincent Dedienne,
Clémence Poésy e Géraldine
Nakache.
Una commedia
intelligente, sottile e delicata che racconta una storia fondata
sull’apparenza, di come principi e valori vengano spesso messi da
parte al fine di sedurre, di essere accettati e di compiacere alla
società. Protagonista dell’originale opera prima di Milstein è
l’avvocato Louis, interpretato da Vincent Dedienne, il
classico (fin troppo) bravo ragazzo ‘costretto’ dalle circostanze a
ricoprire il ruolo di bugiardo. A far da contorno, una serie di
personaggi che verranno coinvolti dalle imprevedibili conseguenze
delle “piccole” bugie di Louis, tra cui Elsa, la spregiudicata e
affascinante manager dello studio legale presso cui lavora Louis,
interpretata da Clémence Poésy, l’incorruttibile e
determinata Hélène interpretata da Géraldine Nakache, gli
eccentrici genitori di Louis e Bruno, il bizzarro vicino di casa,
che apparentemente non riesce a provare emozioni, interpretato
dallo stesso regista, nel doppio ruolo di autore e attore. Una
Bugia per due è nei cinema italiani
distribuito da Officine UBU da giovedì 1 febbraio.
Louis è gentile. È così gentile
che passa spesso inosservato. I colleghi e i genitori non ne hanno
una grande considerazione, e non può nemmeno contare sull’appoggio
degli amici… che non ha. Il giorno in cui scopre di avere una grave
malattia, quelli intorno a lui sembrano notare la sua esistenza per
la prima volta, e per Louis le opportunità personali e
professionali improvvisamente abbondano. Quando lo studio legale
presso cui lavora gli chiede di difendere una multinazionale da uno
scandalo, questa diventa per Louis l’occasione per farsi finalmente
notare. Tutto però ha un prezzo, e Louis sarà costretto a ricorrere
a una bugia “buona” per ritagliarsi un posto agli occhi degli altri
e poter compiere, finalmente, qualcosa di grande.
Matthew McConaughey ha vinto un Oscar per aver
interpretato una persona reale in Dallas Buyers
Club, quindi è comprensibile perché potrebbe essere
attratto da un ruolo che lo vedrà protagonista di un’altra storia
vera. L’attore è in procinto di stringere un accordo per recitare
in The Lost Bus, che sarà diretto da Paul
Greengrass.
Lo sviluppo di The Lost
Bus è una storia interessante: Jamie Lee Curtis ha sentito Lizzie Johnson
parlare del suo libro Paradise: One Town’s Struggle To
Survive An American Wildfire, sul mortale incendio del
campo del 2018 in California, in un programma radiofonico. Ispirata
dalla storia di un autista di autobus e insegnante che guidò un
gruppo di studenti verso la salvezza attraverso un violento
incendio in uno scuolabus, ha chiesto informazioni sui diritti
tramite la sua società Comet Films. Ha portato il progetto a
Blumhouse, dove Comet ha un accordo di first-look e il produttore
Jason Blum ha visto la possibilità per la compagnia di lavorare su
un film non horror.
La coppia ha poi assunto
Brad Ingelsby di Out Of The Furnace per adattare il libro in
una sceneggiatura e all’inizio del 2023 l’ha portato davanti a
Greengrass. Ha accettato di salire a bordo, ma ogni iniziativa è
stata ritardata dagli scioperi dell’anno scorso. Ora il regista è
tornato, con il coinvolgimento di Apple Original Films, e Matthew McConaughey è stato portato dentro al
progetto per interpretare il ruolo del conducente.
Jesse Eisenberg ha ufficialmente dato il suo consiglio
a
Nicholas Hoult, nuovo Lex Luthor, ed è stato molto
chietto: “Non guardarmi!“. Durante un’intervista al Variety Studio
in occasione del Sundance Film Festival, Eisenberg ha suggerito a
Hoult di crearsi la propria strada e di non prestare attenzione al
suo lavoro nei panni di Lex Luthor nell’universo DC di Zack
Snyder.
“Ogni volta che interpreti un
ruolo ti senti connesso ad esso”, ha aggiunto Eisenberg a
Matt Donnelly di Variety parlando del
ruolo del cattivo della DC che ha interpretato per un breve
periodo. “Non c’è modo di aggirarlo. Ogni volta che fai
qualcosa, anche se è un film che è un progetto di Hollywood ad alto
budget, ti connetti.”
Eisenberg ha interpretato Lex Luthor
in Batman v Superman: Dawn of Justice di Snyder.
Con James Gunn e Peter Safran ora
a capo dei DC Studios della Warner Bros., l’universo DC è ora in
fase di ristrutturazione completa per creare una storia
completamente nuova dell’Uomo d’Acciaio con Superman: Legacy,
previsto nel 2025.
Il ruolo del protagonista di
Superman:
Legacy è interpretato da David
Corenswet (Pearl, The Politician), mentre Lois
Lane sarà interpretata dalla star di The Marvelous Mrs. MaiselRachel
Brosnahan. A loro si aggiungono
Nicholas Hoult, Skyler Gisondo, María Gabriela De Faría, Sara
Sampaio, Isabela Merced,
Nathan Fillion, Edi Gathegi, Anthony Carrigan e altri
ancora. L’uscita del film è prevista per l’11 luglio 2025.
Di cosa parla Superman:
Legacy?
“Superman: Legacy
racconta la storia del viaggio di Superman per riconciliare la sua
eredità kryptoniana con la sua educazione umana come Clark Kent di
Smallville, Kansas“, si legge nella sinossi ufficiale del
film. “È l’incarnazione della verità, della giustizia e
dell’American way, guidato dalla gentilezza umana in un mondo che
considera la gentilezza fuori moda“.
“Superman: Legacy è il vero
fondamento della nostra visione creativa per l’Universo
DC. Non solo Superman è una parte iconica della tradizione DC,
ma è anche uno dei personaggi preferiti dai lettori di fumetti,
dagli spettatori dei film precedenti e dai fan di tutto il
mondo”, ha detto Gunn durante l’annuncio della lista DCU. “Non vedo
l’ora di presentare la nostra versione di Superman, che il pubblico
potrà seguire e conoscere attraverso film, film d’animazione e
giochi”. Superman:
Legacy uscirà nelle sale l’11 luglio 2025.
Il regista Christopher
Nolan ha spiegato perché realizza film su “larga scala” e
ad alto budget. Nel mondo del cinema da oltre vent’anni, ha
debuttato nel 1998 con il suo primo lungometraggio,
Following. Da allora, Christopher
Nolan è diventato un maestro dei blockbuster di alto
livello, collezionando film come Interstellar,Il cavaliere oscuro e
Inception. Nel 2023, Nolan ha diretto il film
biografico Oppenheimer,
che è stato nominato in ben 13 categorie per gli Academy Awards,
tra cui quello per il miglior film e quello per la migliore
regia.
Parlando con la rivista Time, il regista di Oppenheimer
spiega perché i suoi film sono sempre progetti “su larga scala”.
Poiché il regista ha accesso alle “risorse”, sente che
spetta a lui l’onere di “usarle nel modo più produttivo e
interessante”.
“Sono attratto dal lavoro su
larga scala perché so quanto sia fragile l’opportunità di
mobilitare tali risorse. So che ci sono così tanti registi là fuori
nel mondo che darebbero il massimo per avere le risorse che ho
messo insieme, e sento di avere la responsabilità di usarle nel
modo più produttivo e interessante.”
Nella stessa intervista, Nolan ha
dichiarato che non sarebbe tornato a uno stile più ridotto. In
verità, è passato più di un decennio da quando Nolan ha scelto
mezzi più leggeri per raccontare la sua storia. Dopo i primi tre
lungometraggi più economici, Christopher Nolan ha
diretto Batman Begins nel 2005, che ha dato inizio
all’era del regista di fondere narrativa di alta qualità con film
ad alto budget. Da allora, Nolan non è mai tornato all’atmosfera
cruda di un film come il suo Memento, e la sua
dichiarazione più recente chiarisce che non lo farà.
Oggi Apple TV+ ha annunciato la
seconda stagione di Hijack, il thriller interpretato e prodotto
dal vincitore del SAG Award e candidato all’Emmy Idris Elba
(“Luther”). La serie è stata creata da George Kay
(“Lupin”, “Criminal”) e Jim Field Smith
(“Criminal”, “Litvinenko”) e la prima stagione completa è
disponibile su Apple
TV+.
Fin dal suo debutto, Hijack è diventata una delle serie drammatiche
più seguite su Apple
TV+, ricevendo ampi consensi da pubblico e critica; ha ottenuto
rapidamente il Certified Fresh nel punteggio assegnato dalla
critica su Rotten Tomatoes ed è entrato nella Top 10 della
classifica Nielsen Streaming Originals. La serie, con Elba
protagonista come “uomo di punta”, è stata definita “immediatamente
coinvolgente”, “un’iniezione di pura adrenalina”, una dramedy
“nitida e tesa”, “piena di tensione e avvincente, che spesso spinge
lo spettatore sull’orlo della poltrona”.
«Il pubblico di tutto il mondo è
rimasto col fiato sospeso guardando l’avvincente performance di
Idris in “Hijack” e siamo entusiasti di lavorare di nuovo con
60Forty e Idiotlamp per una seconda stagione altrettanto
coinvolgente», ha dichiarato Jay Hunt, direttore creativo di
Apple
TV+ per l’Europa. «Sono rimasto sbalordito dalla risposta
travolgente del pubblico dopo la prima stagione. Non posso svelare
nulla di ciò che si prospetta per Sam Nelson in questa nuova
stagione, ma posso assicurarvi che ci sarà tanta adrenalina!»,
ha dichiarato il produttore esecutivo e protagonista Idris
Elba.
La seconda stagione di Hijack sarà prodotta esecutivamente da Jamie
Laurenson, Hakan Kousetta e Tom Nash della 60Forty Films, oltre ai
produttori esecutivi Kay e Field Smith della Idiotlamp Productions.
Field Smith è anche il regista principale della serie.
Credit Lodovico colli da
felizzano�Indiana Production
Un traghetto, quattro personaggi e
una voce in viaggio. Queste le immagini del primo ciak di
Marko Polo, il nuovo film di Elisa Fuksas prodotto da Indiana
Production che ha iniziato oggi le riprese ad Ancona.
Marko Polo è un progetto totalmente
innovativo: parti del film saranno girate copione alla mano, altre
invece saranno puro documentario, momenti reali di questo
misterioso viaggio lungo dal tramonto all’alba. Mentre la nave
oscilla come una metafora perpetua della precarietà di tutto, lei e
gli altri affrontano i grandi temi della vita.
Marko Polo è, nelle parole della
regista: “un esperimento sulla ricerca di senso a
partire da un fallimento, che misteriosamente è capace di ricucire
un patto di fede e fedeltà, tra realtà e rappresentazione ma
soprattutto tra la protagonista e il mondo. Io continuo a cercare
una strada, un modo per essere me stessa e cristiana e stare nel
mondo”.
Una docu-commedia fresca ed
innovativa con un cast corale, tra gli interpreti Iaia
Forte, Flavio Furno, Letizia Cesarini (la cantante
Maria Antonietta), Lavinia ed Elisa Fuksas, Elisa
Casseri.
La trama di Marko Polo
Quando Elisa scopre che il film a
cui lavora da anni è naufragato, tutto le sembra vacillare, anche
la sua fede. Voleva raccontare la sua conversione alla religione
cattolica, ma forse non ci ha creduto abbastanza. “A Dio o al
film?”, si chiede, ma non lo sa nemmeno lei. Di fronte al
fallimento, è sempre stata solo capace di perdersi. “Perché sei
pesante e non sai guardare gli altri”, le dice la Madonna la prima
volta che le parla, desacralizzando la sua crisi e spingendola a
reagire. Per questo, Elisa, sua sorella, la sua sceneggiatrice e
l’attore protagonista del film fallito partono per un viaggio in
nave, diretti verso un santuario di cui sanno poco o niente. Ognuno
di loro ha qualcosa da risolvere, un nodo da disfare: esattamente
come tutti gli altri pellegrini presenti sulla nave. Tra
testimonianze e ricordi, realtà e finzione, il racconto del mondo
si confonde con la sua rappresentazione e la fede diventa materia
viva, sentimento da condividere con gli altri.
Estranei,
il film Searchlight Pictures scritto e diretto da Andrew
Haigh e interpretato da Andrew Scott, Paul Mescal,
Jamie Bell e Claire Foy, arriverà il
29 febbraio nelle sale italiane, distribuito da
The Walt Disney Company Italia.
Estranei è stato presentato
lo scorso 29 ottobre in anteprima italiana alla 21esima
edizione di Alice nella Città, riscuotendo un ottimo
successo da parte del pubblico del festival.
Una notte, nel suo condominio quasi
vuoto nella Londra contemporanea, Adam (Andrew Scott)
incontra casualmente un misterioso vicino di casa, Harry (Paul Mescal),
che spezza il ritmo della sua vita quotidiana. Mentre si sviluppa
una relazione tra i due, Adam è ossessionato dai ricordi del
passato e viene spinto a tornare nella città di periferia in cui è
cresciuto e nella casa in cui viveva da bambino, dove i suoi
genitori (Claire Foy e Jamie Bell) sembrano ancora vivi, con lo
stesso aspetto che avevano nel giorno della loro morte, trent’anni
prima.
Searchlight Pictures presenta, in
associazione con Film4 e TSG Entertainment, una produzione
Blueprint Pictures, Estranei, prodotto da Graham
Broadbent, Pete Czernin e Sarah Harvey. Il film, scritto e diretto
da Andrew Haigh e interpretato da Andrew Scott e Paul Mescal, con
Jamie Bell e Claire Foy, è ispirato al romanzo “Estranei” di Taichi
Yamada (Casa editrice Nord), romanzo che è stato insignito del
prestigioso Yamamoto Shugoro Prize for Literature. Taichi Yamada
(1934-2023) è stato uno dei più famosi e apprezzati scrittori
giapponesi contemporanei, definito da Bret Eston Ellis «uno dei
migliori autori giapponesi che abbia mai letto».
Il direttore della fotografia è
Jamie D. Ramsay, SASC, mentre Sarah Finlay è la scenografa, Sarah
Blenkinsop è la costumista e Zoe Clare Brown è la hair and make-up
designer. Il montaggio è di Jonathan Alberts, ACE, mentre le
musiche sono di Emilie Levienaise-Farrouch.
Il due volte candidato all’Oscar e
vincitore del BAFTA Ralph Fiennes (Schindler’s
List) ha scritto e dirigerà The Beacon,
in cui avrà un ruolo da protagonista insieme alla vincitrice
dell’Olivier Award Indira
Varma, Charles Babalola e
Alison Oliver.
Descritto come una meditazione su
famiglia, classe, razza e identità, il dramma contemporaneo
ambientato nel Regno Unito segna la prima sceneggiatura di un
lungometraggio di Fiennes che ha già diretto Il corvo
bianco, La donna invisibile e
Coriolanus.
La sinossi ufficiale di The
Beaconrecita: “Joshua Nyaga si
reca in campagna da Londra per trascorrere per la prima volta un
fine settimana estivo con la famiglia della sua ragazza Cass.
Trapiantato da ragazzo dalla violenza della guerra civile ugandese
alla giungla di cemento di Londra, Joshua non ha mai sperimentato
il privilegio di cui gode la famiglia di Cass. Circondata dal mare
e da un lussureggiante paesaggio naturale, la fattoria è un’oasi,
in cui vigono idee idealistiche e vivaci dibattiti tra il padre di
Cass, la matrigna e il loro amico di famiglia di lunga data,
Michael. Ma la calorosa accoglienza di Joshua è di breve durata,
quando un improvviso atto di violento razzismo durante un concerto
estivo locale manda in frantumi la pace, costringendo Joshua e
coloro che lo circondano ad affrontare la scomoda verità delle loro
differenze.”
I recenti crediti cinematografici di
Ralph Fiennes come attore includono
The Menu, No Time to Die e
The King’s Man, mentre sono in arrivo
Conclave di Edward Berger e
The Return con Juliette
Binoche.
L’anno scorso al CinemaCon,
Sony Pictures ha annunciato che era in fase di sviluppo un film
incentrato sull’oscuro personaggio di Spider-Man, El
Muerto, con il regista messicano Jonás
Cuarón alla regia e Gareth Dunnet-Alcocer
(Blue
Beetle) a scrivere la sceneggiatura.
Lo spin-off di Spider-Man aveva
arruolato il vincitore del Latin Grammy e del disco di platino
Bad Bunny per interpretare il superpotente
Luchador Juan Carlos Sanchez, ma in seguito
abbiamo appreso che l’attore di Bullet Train è stato
costretto ad abbandonare il progetto a causa di un conflitto di
programmazione. “È pazzesco. A volte non riesco ancora a
crederci, ma è il risultato del mio lavoro”, ha detto
Bad Bunny parlando dell’ingresso nell’Universo
Marvel in quel momento.
“Per come sono, per come lavoro,
sono così orgoglioso, molto felice di questo personaggio, di questa
opportunità di essere il primo latinoamericano. Non si tratta di
‘sarò il primo latinoamericano ad interpretare un ruolo’, si tratta
di riguardare il primo personaggio principale latinoamericano,
questa è la cosa importante. Quindi è qualcosa di enorme e sarà
epico. So che le persone saranno orgogliose del mio
lavoro.”
Report successivi hanno indicato che
il film era stato accantonato (o forse addirittura scartato del
tutto), ma secondo Variety,El
Muerto è ancora molto in fase di sviluppo, con lo
studio attualmente alla ricerca di un altro attore per interpretare
il protagonista.
Si ritiene che la rimozione di
El
Muerto dal programma della Sony sia dovuta ai recenti
scioperi di Hollywood, poiché la sceneggiatura aveva ancora bisogno
di un po’ di lavoro prima che le riprese potessero iniziare. Una
volta risolti gli scioperi, sembra che i piani per il progetto
siano ripresi.
Da domani, giovedì
primo febbraio, parte la sezione DOC del
Sudestival, giunto alla sua 24esima edizione e in corso dal 26
gennaio. La sezione dedicata al cinema del reale vedrà in concorso
sei opere della migliore e ultima produzione di documentari
italiani, molti dei quali concorreranno anche al Premio
David di Donatello – Cecilia Mangini 2024 e ai Nastri d’Argento
Documentari 2024 | Cinema del reale.
Un appuntamento
atteso, curato dal critico cinematografico Maurizio Di
Rienzo insieme al direttore artistico del Sudestival,
Michele Suma, di grande arricchimento
cinematografico e culturale, grazie anche alla presenza di tutti i
registi in sala. “Storie anche interiori di protagonisti
carismatici, sorprendenti, scompaginanti, di decenni di cinema,
sport, politica civile” – dichiara Di Rienzo – “La Storia
‘riemersa’ di quelle mitiche bronzee statue gemelle, due nostre
capitali, la Roma eternamente bifronte nei suoi passati e nei suoi
recenti meandri di mode, eccentricità, libertà e notti brave, la
Napoli di ora e da sempre stratificata, dedalo solare di
monumentalità, cultura, di umanissimi carne e sangue. Questi i
fulcri narrativi ed estetici di parole e immagini dei sei
documentari in concorso al Sudestival 2024. Sguardi curiosi quanto
consapevoli sulla realtà che sa ancora
sorprenderci”.
Appuntamento ogni
giovedì presso il Red Carpet di Monopoli e dal primo febbraio con
la proiezione di Adesso vinco io – Marcello Lippi
di Simone Herbert Paragnani e Paolo
Geremei in anteprima al Sudestival rispetto all’uscita
nelle sale italiane (dal 26 al 28 febbraio) che racconta chi è
davvero Marcello Lippi, l’uomo dietro al sigaro, capace di portare
l’Italia a vincere il Campionato del Mondo di Calcio nel 2006, il
simbolo della Juventus più vincente di sempre. In sala a
presentarlo i due registi.
Si prosegue l’8
febbraio con Roma Santa e dannata, di Roberto
D’Agostino e Marco Giusti con la regia e
la fotografia di Daniele Ciprì, un viaggio nella
notte romana dove Roberto D’Agostino racconterà all’amico Marco
Giusti, ripresi da Daniele Ciprì, perché Roma è una città, come la
sedia elettrica è una sedia. Città unica e infernale, capace di
tutto. Il 15 febbraio è la volta di Semidei di
Fabio Mollo e Alessandra Cataleta
che ripercorre mezzo secolo di storia raccontando la vicenda dei
due misteriosi guerrieri che riemersero dal mare di Riace nel 1972,
dopo duemila anni passati sott’acqua. Il 22 febbraio arriva sul
grande schermo del Red Carpet di Monopoli, in anteprima nazionale,
Mimmo Lumano di Vincenzo Caricari
dedicato alla figura di Lucano, ex sindaco di Riace, ideatore dei
progetti di accoglienza degli immigrati condannato e poi assolto.
Profondo Argento di Giancarlo Rolandi e
Steve Della Casa sarà il documentario di giovedì 29
febbraio, un racconto in cui Dario Argento è il protagonista
assoluto: nell’intimità della sua casa, con le persone che ama o
apprezza, tra le location dei suoi film, in un viaggio intimo
accompagnato dagli spezzoni delle sue opere. Infine, ma non da
ultimo, il 7 marzo sarà proiettato Posso entrare? An ode to
Naples, di Trudie Styler, uno sguardo curioso
e innamorato di un’artista e intellettuale britannica su una città
che neanche l’Italia ha mai capito, una vera e propria
dichiarazione d’amore.
CONCORSO DOC
1 febbraio – Adesso vinco io,
di Herbert Simone Paragnani e Paolo Geremei
8 febbraio – Roma santa e
dannata, di Daniele Ciprì
15 febbraio – Semidei, di
Fabio Mollo e Alessandra Cataleta
22 febbraio – Mimmo Lumano,
di Vincenzo Caricari (ANTEPRIMA)
29 febbraio – Profondo
Argento, di Giancarlo Rolandi e Steve della
Casa
7 marzo – Posso entrare? An ode to
Naples, di Trudie Styler
La protagonista di Jessica Jones, Krysten
Ritter, ha condiviso un video in cui lascia immaginare un
suo eventuale nuovo coinvolgimento nel MCU nei panni di Jessica
Jones, personaggio che aveva già interpretato nella serie
Netflix di Marvel Television.
Ritter ha condiviso un breve
videoclip di se stessa con la stessa maglietta che Jessica Jones
indossa in un episodio dell’ormai defunta serie Netflix, insieme
alla didascalia IYKYK (if you know, you know – se lo sai, lo
sai).
Anche se c’è una possibilità che
Ritter si stia semplicemente divertendo un po’ con i suoi follower,
si può anche pensare che l’imminente ritorno di Jessica Jones sui
nostri schermi non è poi una eventualità tanto lontana. Ecco cosa
ha detto Krysten Ritter sulla possibilità di riprendere il ruolo
durante un’intervista del 2022.
“Sarebbe assolutamente
bellissimo interpretare di nuovo Jessica. Mi sono divertita
moltissimo a farlo e la amo così tanto. Sono così orgogliosa di
quel personaggio. Non solo perché era un ruolo fantastico e lei è
così in gamba, ma quel personaggio ha davvero avuto risonanza con
le persone in un modo che non mi aspettavo, come nessuno mai.
Davvero, ha avuto davvero risonanza con donne e ragazze,
sopravvissute a traumi. È proprio così, e sono così grata per aver
fatto parte di questa cosa.”
“Quindi, se mai ci sarà
l’opportunità per me di indossare quegli stivali, sarò lì in un
lampo.”
Circolavano voci secondo cui
Krysten Ritter avrebbe filmato alcune scene nei
panni di Jessica Jones per Echo
prima che venissero tagliate, ma al momento è una voce senza
conferma. Dal momento che anche Frank Castle di Jon
Bernthal tornerà in Daredevil:
Born Again, sembra ovvio che quella serie possa essere
il posto giusto per un eventuale ritorno di Jessica!
Il Marvel Cinematic
Universe è popolato da esseri che possiedono abilità
incredibili, ma alcuni di questi superpoteri sono gravemente
sottoutilizzati all’interno del franchise. Fin dall’inizio della
sua storia, il MCU ha iniziato a
introdurre eroi e cattivi estremamente potenti. Questi personaggi
possiedono spesso capacità che vanno ben oltre quelle dei loro
compagni e avversari, e che li rendono figure particolarmente forti
all’interno del franchise. Alcuni sono stati chiaramente usati con
parsimonia, mentre sembra che la Marvel ne abbia dimenticati altri
(ad esempio
molti poteri di Hulk) e ce ne sono alcuni che sono stati
trasformati in battute di spirito invece di essere usati
legittimamente. Ecco i 10 superpoteri più sottoutilizzati
del MCU.
1Il controllo mentale di Wanda
Maximoff
Solo nel finale di Doctor Strange nel Multiverso della Follia l’abilità
più potente di Wanda Maximoff viene finalmente considerata
sottoutilizzata, poiché la sua morte apparente pone una nota di
fine alla sua storia nel MCU. Una delle prime abilità dimostrate da
Wanda è quella di usare la sua magia per controllare le menti degli
altri, anche se poi smette di usarla senza una vera spiegazione. La
utilizza di nuovo durante WandaVision, ma passa comunque molto più
tempo a usare la sua magia per far levitare gli oggetti o sparare
raffiche contro i nemici.
Prime Video ha
svelato oggi il trailer ufficiale di
Antonia, la nuova serie dramedy
con Chiara Martegiani e Valerio Mastandrea, disponibile in esclusiva
su Prime
Video dal prossimo 4 marzo. Ideata da Chiara Martegiani,
diretta da Chiara Malta e scritta da Elisa Casseri, Carlotta
Corradi e Chiara Martegiani con la supervisione creativa di
Valerio Mastandrea, Antonia è una produzione Fidelio e
Groenlandia (una società del Gruppo Banijay) in collaborazione con
Prime Video, in collaborazione con Rai Fiction.
Nel cast anche Barbara Chichiarelli, Emanuele Linfatti, Leonardo
Lidi e Chiara Caselli.
Antonia è un’ironica serie dramedy in sei episodi
che ruota intorno a una giovane donna in fuga dal dolore e da se
stessa. Dopo aver lasciato la sua famiglia poco più che
adolescente, Antonia ha trovato una sorta di equilibrio a Roma, una
giungla urbana ed emotiva perfetta per integrarsi senza dover
fornire troppe spiegazioni. Ma al suo 33esimo compleanno, il suo
piano di difesa fallisce: litiga con tutti, viene licenziata e
finisce in ospedale, dove scopre di avere l’endometriosi, malattia
cronica che, senza che Antonia se ne rendesse conto, ha influenzato
tutta la sua vita. Attraverso uno strano percorso di psicoterapia,
la scoperta della malattia diventerà però un’occasione per
conoscersi e smettere di scappare, iniziando ad affrontare i
nodi della sua vita.
Paul Atreides in
sella a un verme della sabbia in Dune – Parte
Due potrebbe essere un momento non solo spettacolare
ma anche importante per il personaggio interpretato da Timothée Chalamet, che spiega il significato
più profondo di questa impresa.
Il prossimo film della serie adatta
la seconda metà del romanzo originale di Dune di
Frank Herbert, concentrandosi sulla vita di Paul e
di sua madre Jessica con i Fremen. Ciò include la convinzione del
gruppo che il giovane Atreides sia Lisan al Gaib, una figura
destinata a salvare la gente di Arrakis.
Parlando con Total Film (tramite
GamesRadar), Timothée Chalamet ha parlato dell’importanza
della scena di Paul che cavalca un verme della sabbia per la storia
di Dune
– Parte Due. L’attore ha spiegato come, poiché i vermi
della sabbia sono legati alla loro cultura, il fatto che Paul ne
cavalchi uno coincida con la loro profezia che lo riguarda.
“Oltre ad essere una sequenza
emozionante nel film, rappresenta il raggiungimento della maggiore
età. È qui che la presunta profezia di Paul fallirebbe, e ciò
significherebbe la sua morte se non riuscisse a essere all’altezza
della situazione. Quindi la posta in gioco in quel momento è enorme
e realizzare la scena è stato elettrizzante. C’erano ventilatori
industriali che soffiavano sabbia e è stata costruita il dorso del
verme. È stata un’esperienza straordinaria.”
Cosa aspettarsi da Dune:
Parte Due?
“Questo film successivo
esplorerà il mitico viaggio di Paul Atreides mentre si unisce a
Chani e ai Fremen mentre è su un sentiero di guerra di vendetta
contro i cospiratori che hanno distrutto la sua famiglia“, si
legge nella sinossi ufficiale. “Di fronte alla scelta tra
l’amore della sua vita e il destino dell’universo conosciuto, tenta
di prevenire un futuro terribile che solo lui può
prevedere.”
Dune – Parte
Due è diretto da Villeneuve da una sceneggiatura che
ha scritto insieme a Jon Spaihts. Il film è basato sull’innovativo
romanzo di fantascienza Dune del 1965 di Frank Herbert ed uscirà
nei cinema il 28 Febbraio 2024.
Il secondo capitolo continuerà la
storia di Dune – Parte
Uno, che, nonostante la sua controversa uscita, è
stato un solido successo al botteghino nel 2021, incassando oltre
402 milioni di dollari su un budget di produzione stimato di 165
milioni di dollari. Tuttavia, WB ha sicuramente maggiori speranze
per il sequel, che potrà trarre vantaggio da un’uscita globale su
larga scala in formati standard e premium, incluso IMAX.
Quando HBO Max è stato rinominato
“Max”, Warner Bros. Discovery ha rivelato i piani per il riavvio di
Harry Potter in forma di
serie TV per lo streamer. Si dice che Max abbia un piano
decennale per il franchise di Wizarding World, e si cercano ora
nuovi attori che assumeranno i ruoli iconici per quella che è stata
descritta come una rivisitazione “autentica” dell’amata serie di
romanzi di J.K. Rowling.
I film sono dei classici agli occhi
di molti fan del mondo magico, ma sono passati più di due decenni
da quando La Pietra Filosofale è stato distribuito
nei cinema e quasi un decennio e mezzo da quando I Doni
della Morte – Parte 2 ha concluso la storia.
Ora sembra il momento giusto per un
riavvio, soprattutto dopo che i film di Animali
fantastici hanno faticato ad attirare lo stesso vasto
pubblico della serie principale di Harry Potter. Con Max che
si sta lentamente concentrando su
un possibile team creativo, le notizie sul casting sono ancora
molto lontane. Tuttavia, trovare questo ensemble non sarà una
prospettiva facile per chi si occuperà dell’adattamento per il
piccolo schermo della saga di sette romanzi.
Non solo lo streamer dovrà
riformulare tutti quegli iconici ruoli adulti (ci dispiace molto
per chiunque debba seguire le orme del defunto Alan
Rickman nei panni di Severus Piton), ma dovrà trovare
bambini che possano interpretare i rispettivi personaggi per quasi
un decennio. Parlando con Variety (via
SFFGazette.com) il dirigente Warner Bros Channing
Dungey ha parlato delle sfide più grandi che stanno
affrontando nel casting director di questa nuova versione di Harry
Potter.
“Stiamo conversando con diversi
sceneggiatori per capire chi sarà la persona che guiderà quel
franchise per noi”, ha detto. spiega. “[Tutte le voci sul
casting in corso sono imprecise.] Il primo passo per noi è capire
chi sarà questo showrunner e una volta che lo avremo chiarito,
potremo iniziare ad avere quelle conversazioni [sul casting]. La
parte difficile sono i primi due libri, dove i ragazzi sono più
giovani, intorno agli 11 o 12 anni.”
Quando si è diffusa la notizia che
questa serie TV di Harry Potter era in lavorazione, Casey Bloys,
presidente e CEO di HBO e Max Content, ha confermato che il budget
dello show sarebbe stato in linea con Game of
Thrones e House of the Dragon (la prima
stagione di quest’ultimo è costata 125 milioni di dollari), quindi
stiamo parlando di un impegno di oltre 1 miliardo di dollari in 10
anni.
Prevediamo che ogni libro coprirà
una stagione completa, anche se il fatto che la storia si svolgerà
nell’arco di un decennio significa che le stagioni non avranno
un’uscita regolare con cadenza annuale costante.
Il modo in cui Marvel Television ha raccontato il
personaggio di Elektra di Elodie Yung in
Daredevil e in The Defenders
potrebbe non aver reso grande giustizia al personaggio, che si è
sedimentato nei cuori degli spettatori soltanto grazie
all’interpretazione che ne ha portato avanti Yung.
Ora, con il fatto che i Marvel
Studios hanno dichiarato canonici gli show televisivi di Netflix, i
fan sono ansiosi di vedere l’Elektra di Yung avere una seconda
possibilità grazie alla nuova svolta di Daredevil:
Born Again. Diversi personaggi di Daredevil sono stati
introdotti nella prossima serie Disney+ e Elektra è un personaggio con
così tanto potenziale che sarebbe semplicemente sbalorditivo
lasciarla ancora per molto da parte.
Sfortunatamente, non sembra che Yung
abbia sentito novità da Kevin Feige e compagnia.
Rispondendo a un fan su Instagram che le chiedeva cosa ne fosse di
Elektra, l’attrice ha risposto semplicemente dicendo:
“Chiedetelo a loro!”. Potremmo vedere l’assassina nella
seconda metà di Daredevil:
Born Again, ma inserire il personaggio in qualunque
storia i Marvel Studios sperano di raccontare con questa serie
revival potrebbe essere un compito arduo. Di conseguenza, c’è la
possibilità che Elektra rimanga in disparte con la possibilità di
riavviare il personaggio nel post-Avengers: Secret Wars.
Già nel 2020, Elodie Yung aveva
affermato che le sarebbe piaciuto molto tornare nei panni di
Elektra: “Oh mio Dio, mi piacerebbe [tornare]. Soprattutto da
quando hanno modificato il mio costume. Mi piacerebbe. Lascia che
te lo dica, adoro questo personaggio perché è così complesso e
distrutto.” “Ha un sacco di cattiveria dentro di sé, con cui posso
identificarmi, e anche molto di buono. È un personaggio davvero
straordinario. Mi piacerebbe che la Marvel la riportasse
indietro.”
Lo scorso ottobre è stato reso noto
che Daredevil:
Born Again stava subendo un “significativo reboot
creativo” dopo la pausa produttiva dovuta agli scioperi della WGA e
della SAG-AFTRA. Gli sceneggiatori Chris Ord e Matt Corman sono
stati tolti dal progetto insieme ai registi della serie, mentre
alcune scene ed episodi già terminati saranno mantenuti con
l’aggiunta di ulteriori elementi seriali.
Kathryn Newton, che abbiamo visto in Ant-Man and the Wasp: Quantumania nei panni di
Cassie Lang, figlia di Scott Lang, non vede l’ora di poter
esplorare il suo personaggio fuori dall’ombra del padre.
Cassie Lang è diventata un’eroina a pieno titolo
in Ant-Man and the Wasp: Quantumania, storia in
cui ha aiutato la sua famiglia a combattere contro Kang il
Conquistatore. Tuttavia, proprio da questa avventura nasce
in lei non solo il desiderio di aiutare le persone ma anche di
mettersi alla prova al di fuori del nome e della reputazione di suo
padre come Ant-Man.
In un’intervista esclusiva con
Screen Rant per
Lisa Frankenstein, Newton ha discusso anche del
futuro di Cassie Lang. Ha condiviso il suo desiderio di esplorare
Cassie al di fuori dell’essere la figlia di
Ant-Man come persona indipendente. Newton ha
rivelato che vuole scoprire chi è Cassie da sola. “Cassie Lang
in Ant-Man, è la figlia di qualcuno, quindi mi piacerebbe vedere
chi è come piccola adulta. Ma lo scopriremo. Chi è quella ragazza?
Forse è pazza, forse no.”
Cassie Lang si
sforza chiaramente di essere un’eroina. All’inizio di Ant-Man and the Wasp: Quantumania, si mette
nei guai cercando di aiutare e soffre la decisione di suo padre di
ritirarsi dalla vita di eroe, quando ci sono così tante persone che
ancora soffrono. Dà il via agli eventi che intrappolano la sua
famiglia nel Regno Quantico mentre sperimenta quello spazio
enigmatico. Fa anche tutto il possibile per aiutare la gente del
Regno Quantico e combattere l’oppressione di Kang insieme alla sua
famiglia.
Il desiderio di Newton di esplorare
Cassie al di fuori dell’ombra di Ant-Man rispecchia quello del suo
personaggio. Fortunatamente, sembra che la Marvel abbia già gettato le basi
per approfondire il viaggio di Cassie come eroina indipendente. La
Marvel ha preparato una squadra dei Giovani Vendicatori che al
momento vede schierate Kamala Khan e Kate Bishop, che, nel loro
primo incontro, citano “la figlia di Ant-Man”. Questa anticipazione
sembra l’inizio di una nuova squadra, che Newton è entusiasta di
esplorare.
Cassie Lang è
cresciuta circondata da supereroi e ha desiderato raccoglierne
l’eredità sin da quando era bambina. Cassie comprende anche, meglio
della maggior parte dei giovani eroi, il prezzo che questa vita può
comportare dopo aver perso suo padre per anni. Forse l’aspetto più
significativo dell’anticipazione dei Giovani Vendicatori è il fatto
che Kamala identifica Cassie semplicemente come la figlia di
Ant-Man. Mentre in Ant-Man and the Wasp: Quantumania ha iniziato
il suo viaggio come supereroe, il progetto Young Avengers può
aiutare Cassie a compiere i passi successivi, rivelando la sua
identità oltre ad essere la figlia di Scott Lang.
Piatto ricco, mi ci
impiccio
Carica su di sé tutti i
fardelli possibili, tutte le responsabilità. Allo spettatore questa
appare come una forzatura. Ci si chiede se Beckett fosse davvero
così, dal momento che sembra non si sia, poi, fatto bloccare dai
suoi sensi di colpa. Ha vissuto la sua vita a pieno, ottenendo
anche grandi risultati, affrancandosi dal giogo ella madre,
diventando uno dei drammaturghi più importanti del Novecento.
Allora perché questo scontento, questo continuo rovello? Il regista
sembra voler far emergere, attraverso il dialogo con il doppio, la
visione di Marsh stesso, più che quella di Beckett. Il doppio,
infatti, spinge il protagonista a lasciar andare i rimpianti e
agire sul presente, l’unico che si può ancora cambiare. Lo spinge
ad avere un po’ di indulgenza verso sé stesso e infine, a dare
valore alle gioie della vita che si nascondono nella quotidianità.
Una vita che, come recita il titolo del film, va innanzitutto
vissuta e forse un po’ meno ri-pensata.
