Con Ringu – The Ring (1998), il regista Hideo Nakata ha inaugurato una nuova era per il cinema horror giapponese, affermando il cosiddetto “J-horror” come una delle tendenze più influenti a livello internazionale tra la fine degli anni ’90 e i primi anni 2000. Tratto dal romanzo omonimo di Koji Suzuki, il film racconta la storia di una giornalista che indaga su una misteriosa videocassetta che uccide chiunque la guardi dopo sette giorni. Grazie alla sua atmosfera disturbante, al ritmo lento e a un senso di inquietudine costante, il film ha conquistato il pubblico giapponese e, successivamente, quello occidentale, influenzando profondamente anche Hollywood.

L’importanza di Ringu – The Ring non risiede solo nel successo commerciale e critico, ma anche nella sua capacità di rinnovare l’immaginario horror attraverso elementi legati al folklore giapponese e alla modernità tecnologica. Il personaggio di Sadako, con il suo volto coperto da lunghi capelli neri e il suo movimento innaturale, è diventato una figura iconica del terrore contemporaneo. Il film riflette paure collettive legate alla morte, alla trasmissione dell’informazione e alla perdita di controllo, giocando abilmente con il confine tra realtà e leggenda urbana. In un periodo segnato dal boom tecnologico, la videocassetta maledetta si trasforma in simbolo dell’inquietudine per ciò che è invisibile ma potenzialmente letale.

Nel corso dell’articolo, esploreremo nel dettaglio il significato del finale del film, cercando di comprendere come le ultime scene chiudano – o rilancino – i temi della maledizione e della trasmissione del male. Analizzeremo inoltre in che modo il film abbia impostato le basi per i numerosi sequel e remake, compreso il celebre adattamento statunitense del 2002. Ma prima, è fondamentale comprendere il contesto culturale e simbolico in cui Ringu – The Ring è nato, per coglierne appieno la portata.

La trama di Ringu – The Ring

Dopo la morte di sua cugina Tomoko, la giornalista Reiko sente strane storie riguardo ad una videocassetta che “ucciderebbe” chiunque la veda, a distanza di una settimana esatta dalla visione. All’inizio Reiko è scettica riguardo a queste voci, ma quando viene a conoscenza della morte di un’altra persona, che aveva visto il video insieme a Tomoko, comincia ad investigare. Dopo aver visionato lei stessa la cassetta, iniziano ad accadere strane cose, così Reiko con l’aiuto del suo ex marito cerca di fermare il corso degli eventi prima che scocchi anche per lei l’ora della morte.

La spiegazione del finale

Nelle sequenze finali di Ringu – The Ring, Reiko scopre che l’unico modo per salvarsi dalla maledizione della videocassetta è farne una copia e farla vedere a qualcun altro, trasferendo così la condanna. Dopo che il suo ex compagno Ryuji muore per non aver copiato il nastro, Reiko capisce il meccanismo che permette di sopravvivere. In un ultimo, agghiacciante gesto, decide di far vedere la copia al padre, suggerendo quindi che la salvezza personale passa per un atto deliberato di trasmissione del male. Il film si chiude con Reiko che si allontana, lasciando lo spettatore con una profonda inquietudine morale.

Questo finale sovverte le aspettative dello spettatore. Non c’è una vera “sconfitta” del male, nessuna liberazione catartica: Sadako, lo spirito vendicativo, continua a vivere e a colpire. Il film ci costringe ad accettare che il male non può essere distrutto, ma solo trasferito. In tal senso, Ringu – The Ring si allontana dalle classiche narrazioni occidentali in cui il bene prevale sul male e abbraccia invece una visione ciclica e ineluttabile della maledizione. La salvezza diventa un atto egoistico e consapevole, che mette a rischio qualcun altro per salvare sé stessi, creando un dilemma etico disturbante.

Il gesto finale di Reiko riflette uno dei temi centrali del film: la trasmissione. Non solo della videocassetta e della maledizione, ma anche del dolore, del trauma e del rancore. Sadako è una creatura nata da una violenza taciuta, cresciuta nell’isolamento e nell’odio, che si propaga attraverso lo strumento più simbolico del tardo Novecento: il video. Il supporto analogico diventa metafora della contaminazione emotiva e culturale, di una società che trasmette la sofferenza senza mai elaborarla davvero. Il finale, dunque, è profondamente coerente con questo tema di fondo.

In ultima analisi, il finale di Ringu – The Ring non solo spaventa, ma fa riflettere. Ci parla della responsabilità individuale in un mondo dove le informazioni – e le emozioni – viaggiano senza controllo. In un’epoca ossessionata dai media e dalla velocità della comunicazione, Ringu ci lascia con una domanda inquietante: quanto siamo disposti a sacrificare per salvarci? E soprattutto, a quale prezzo? È un epilogo che rifiuta il conforto, preferendo invece insinuarsi sotto la pelle dello spettatore con il suo sottile e persistente terrore.

Primo film diretto da Emerald Fennell, Una donna promettente (qui la recensione) racconta la storia di Cassandra “Cassie” Thomas (Carey Mulligan), una studentessa che ha abbandonato la facoltà di medicina e la cui vita sembra essere bloccata in un limbo. Non ha un fidanzato, lavora in un bar e vive con i suoi genitori. Si scopre che ha lasciato la facoltà di medicina insieme alla sua amica Nina dopo che quest’ultima è stata violentata mentre era sotto l’effetto dell’alcol. Da allora Nina è morta.

Sebbene il suo stupratore non sia mai stato punito, Cassie ha trovato un modo per espiare il suo peccato. Una volta alla settimana va in un nightclub e finge di essere ubriaca finché un uomo non le si avvicina con il pretesto di aiutarla. Questi la portano quasi inevitabilmente a casa loro, dove cercano di approfittare di lei mentre è profondamente ubriaca. A quel punto lei fa loro capire di essere perfettamente sobria, spaventandoli a morte.

Dopo aver scoperto che lo stupratore della sua amica e gli altri coinvolti nel caso conducono una vita normale, Cassie intraprende poi un percorso di vendetta. Il film sovverte però le aspettative del pubblico non trasformandosi in un thriller exploitation. Al contrario, attraverso il suo finale straziante, prende una strada molto più cupa, continuando a puntare il dito contro la società. Una donna promettente sembra scomodamente una storia vera, ma lo è davvero? In questo articolo approfondiamo proprio questo aspetto.

La storia vera dietro Una donna promettente

Sebbene Una donna promettente non sia basato su una storia vera in senso stretto, Emerald Fennell ha più volte dichiarato di aver tratto ispirazione da esperienze vissute da donne reali e dal contesto sociale che ha preceduto e accompagnato il movimento #MeToo. La regista e sceneggiatrice ha spiegato che l’idea per il film è nata dal desiderio di esplorare la cultura dello stupro e la normalizzazione del comportamento predatorio nei confronti delle donne, soprattutto in contesti apparentemente sicuri come feste universitarie o ambienti di lavoro.

Quello che succede a Nina è uno stupro da appuntamento, qualcosa che è diventato inquietantemente comune nei campus di tutto il mondo. Come mostrato nel film, l’atto è spesso preceduto da un consumo eccessivo di alcol e/o dalla somministrazione di una droga da appuntamento. Le vittime tendono ad essere prevalentemente altre studentesse universitarie, di età compresa tra i 18 e i 25 anni. Anche la maggior parte dei responsabili rientra in quella fascia d’età. Negli ultimi anni, questo fenomeno è diventato sempre più diffuso nei locali notturni. Il titolo del film si riferisce sia a Cassie che a Nina.

Erano giovani donne brillanti destinate a un futuro brillante, fino a quando qualcosa di così vile come lo stupro non ha portato via loro il futuro. L’intento non era quindi raccontare un caso specifico, ma dare voce a un sentimento diffuso: quello della rabbia silenziosa e persistente di molte donne verso un sistema che tende a giustificare o minimizzare le aggressioni. Attraverso il film, Fennell satirizza l’espressione “non tutti gli uomini” dimostrando ripetutamente che i sedicenti “uomini gentili” non sono molto diversi dai cosiddetti maschi alfa. Gli uomini che appartengono al primo gruppo fingono solo di essere più gentili e premurosi.

Uno degli spunti principali è quindi arrivato dalla rappresentazione mediatica dei cosiddetti “bravi ragazzi”, spesso protetti da una narrazione che li vede come inconsapevoli o “vittime delle circostanze” anche quando sono responsabili di comportamenti gravi. Fennell ha voluto proprio mettere a nudo quella zona grigia della responsabilità maschile, ponendo domande scomode e capovolgendo l’archetipo della vendetta femminile. Come dice Cassie una volta nel film, quasi tutti i potenziali stupratori che cattura durante le sue escursioni notturne sono questi “uomini gentili”.

La regista ha dunque preso una decisione consapevole quando ha scelto Adam Brody, Max Greenfield, Chris Lowell, Christopher Mintz-Plasse e Bo Burnham per questi ruoli. “Non volevo scegliere un sacco di goblin malvagi”, ha dichiarato in un’intervista. “Volevo scegliere persone che tutti noi vorremmo apprezzare. Quando senti qualcosa su qualcuno che ami, non vuoi crederci”. La sceneggiatrice e regista ha aggiunto: “Voglio mettere alla prova le nostre affiliazioni e lealtà in ogni fase. È molto più interessante che dire: ‘Oh, beh, lui è cattivo e spero che muoia’”.

Questo contrasto serve a sottolineare quanto la violenza possa annidarsi nei luoghi più familiari e nei volti più rassicuranti. L’ispirazione è però anche letteraria e cinematografica: il film richiama toni e temi di thriller come Hard Candy, ma è anche influenzato da romanzi sulla rabbia repressa e sulla disillusione come Lolita o American Psycho, filtrati però attraverso una prospettiva profondamente femminile. Inoltre, Fennell ha tratto ispirazione dalla cultura pop e dai suoi codici visivi per costruire un’estetica volutamente contraddittoria.

Si ritrovano infatti nel film colori pastello, musica pop romantica, ambientazioni quasi da commedia romantica che contrastano radicalmente con i contenuti violenti e cupi della storia. Il risultato è un’opera che, pur essendo di finzione, nasce da una realtà sociale ben riconoscibile e si fa portavoce di un’esigenza collettiva: quella di essere ascoltate, credute e vendicate. Alla luce di ciò, non sorprende che Una donna promettente abbia ricevuto molti riconoscimenti per aver descritto fedelmente l’atteggiamento indifferente della società nei confronti delle vittime.

Il finale di Dragon Trainer (qui la nostra recensione) si basa sulle basi stabilite dal film originale, espandendo al contempo alcuni elementi specifici del cast e di quel mondo. Remake dell’omonimo film d’animazione DreamWorks, Dragon Trainer porta le avventure di un giovane vichingo e del suo drago in una versione live-action. Il risultato è una storia che non cambia molto nella trama, con il cast di personaggi di Dragon Trainer che condivide molto con l’originale.

I cambiamenti più importanti che Dragon Trainer apporta all’originale consistono in alcune lievi modifiche tonali e sottotrame ampliate, che conferiscono a due dei personaggi secondari del film un arco narrativo più appagante. Oltre a ciò, il film fa anche un lavoro migliore rispetto al film d’animazione originale nel gettare le basi per un Dragon Trainer 2 live-action, che è già in fase di sviluppo. Ecco come il finale di Dragon Trainer si confronta con quello originale e cosa anticipa sul futuro del franchise.

Il finale di Dragon Trainer è quasi identico a quello del film d’animazione

Entrambi i film preparano Berk a diventare un rifugio per i draghi

Il finale di Dragon Trainer è in gran parte simile a quello del film d’animazione originale, il che evidenzia le principali somiglianze tra i due film. Il grande arco emotivo di Dragon Trainer si concentra sul legame di Hiccup con persone come suo padre Stoick e il suo interesse amoroso, Astrid. Il ragazzo ha finalmente mostrato il suo valore, ma Stoick scopre che il figlio ha imparato come tenere i draghi a bada da Sdentato e rapisce il drago per condurlo al mitico nido dei draghi. Hiccup e i suoi amici corrono lì in testa ad altri draghi, contribuendo a salvare la situazione e a uccidere la Morte Rossa.

Tuttavia, questa vittoria ha un costo per Hiccup, che perde un piede nel violento atterraggio. Il resto di Berk si riprende rapidamente e si adatta al ritrovato rispetto reciproco per i draghi, che permette loro di integrarli nella struttura cittadina. È un finale molto carino, quasi identico, nota per nota, all’originale animato. Sebbene il tono sia stato reso leggermente più drammatico grazie al passaggio al live-action, il finale di Dragon Trainer è molto coerente con il film originale.

In che modo il finale del remake live-action è diverso da quello del film d’animazione

Astrid e Moccicoso ottengono archi narrativi migliori nel nuovo finale di Dragon Trainer

Le principali differenze rispetto al finale di Dragon Trainer sono coerenti con altri cambiamenti nella storia. I cambiamenti più significativi riguardano Astrid e Moccicoso, che ottengono entrambi maggiore profondità nel nuovo film. Astrid viene affermata come un’aspirante capo, guadagnandosi il rispetto di tutta Berk. Inizialmente vede Hiccup come un rivale ed è frustrata sia dal suo privilegio di essere “il figlio del capo” che dalle sue inaspettate abilità. Questa relazione conflittuale aggiunge poi valore alla futura storia d’amore di Astrid con Hiccup e al suo ruolo di leader sul campo per i giovani vichinghi.

Moccicoso è uno dei personaggi più monotoni del film d’animazione originale, una specie di bulleto per Hiccup. Il personaggio acquisisce maggiore profondità nel film, andando oltre la sua cotta per Astrid, riducendo gran parte del suo antagonismo diretto per Hiccup pur affermandosi come un bullo. Il film presenta anche il padre di Moccicoso, che viene visto ripetutamente giudicare il giovane. Il ragazzo funge da diretto specchio per Hiccup in questo senso, in quanto entrambi che cercano di guadagnarsi il rispetto del padre.

Sia per Hiccup che per Moccicoso, il loro coraggio nella battaglia finale contro la Morte Rossa sembra cementarli agli occhi del padre, con il padre del secondo che gli dà una pacca sulla spalla in segno di affetto nel climax. È un piccolo momento, ma che rende il personaggio molto più simpatico. Mentre gli elementi generali della trama del finale di Dragon Trainer rimangono coerenti in entrambe le versioni, la profondità che la durata estesa conferisce ad Astrid e Moccicoso migliora entrambi i personaggi.

Cosa significa il finale di Dragons Train per il sequel

Il film live-action prepara il ritorno della madre di Hiccup e il più ampio mondo dei draghi

Il finale di Dragon Trainer è piuttosto autoconclusivo, garantendo a tutti i personaggi principali un lieto fine. Tuttavia, il film lascia aperto un intero mondo da esplorare. Il film originale si concluse in modo simile, dando vita a diversi spin-off e due sequel cinematografici. Probabilmente il più importante è Dragon Trainer 2, che ha ampliato il mondo del franchise e introdotto Valka, la madre di Hiccup. Valka viene citata ripetutamente in Dragon Trainer, il che pone maggiore enfasi sulla sua apparente morte, che ha ispirato la furia anti-drago di Stoick.

Dragon Trainer ha anche incorporato la diversità nel casting e nella costruzione del mondo, rivelando che Berk è stata fondata reclutando i migliori cacciatori di draghi da tutto il mondo. Questo apre la possibilità di incontri con draghi in tutto il mondo e potrebbe creare numerose avventure secondarie o nuove location per futuri film.

Altri maestri di draghi come Drago, il cattivo di Dragon Trainer 2, potrebbero facilmente minacciare la pace che Hiccup ha instaurato nella sua comunità. Proprio come il film originale, Dragon Trainer ha un finale avvincente che introduce un mondo più ampio.

Il vero significato di Dragon Trainer

Dragon Trainer parla del potere dell’empatia

Il finale di Dragon Trainer è una dolce testimonianza del potenziale dell’empatia, sia a livello personale che culturale. Hiccup è intrappolato dall’amore per il suo popolo e dal suo legame con Sdentato, che lo spinge a cercare di convincerli che i vichinghi non hanno bisogno di essere nemici dei draghi. Allo stesso modo, cerca di appianare il conflitto che si è inasprito con suo padre, la tensione che è cresciuta tra lui e Astrid e la sua reputazione presso l’intero villaggio. I vichinghi trattano le sue particolarità con disprezzo, proprio come temono e odiano i draghi.

Hiccup dimostra di essere l’unico capace di oltrepassare i confini tra vichinghi e draghi, convinto che siano la stessa cosa. Quella stessa paura che ha provato e visto in Sdentato lo ispira. Questo elemento condiviso si trasforma gradualmente in lealtà e persino nobiltà, trasformando Hiccup da aspirante vichingo in un vero eroe. È un arco narrativo dolce ed emozionante per il film, una tesi centrale che si concretizza nei principali archi narrativi dei personaggi di Dragon Trainer, mentre imparano da Hiccup e imparano ad accettarsi a vicenda in un modo nuovo.

Proprio quando Zoey e Ben pensano di essersi liberati dalle grinfie della Minos Corporation, il colpo di scena finale di Escape Room 2 – Gioco mortale rivela che in realtà non sono mai realmente riusciti a fuggire. Gli ultimi momenti del sequel horror preparano così il terreno per il seguito della storia, ricollegandosi anche al finale del primo Escape Room. Ma andiamo con ordine. Diretto da Adam Robitel, il sequel vede i due sopravvissuti del primo film cercare di ottenere giustizia per i loro compagni di gioco che sono stati tormentati e uccisi dalla Minos. Sfortunatamente, il loro tentativo di indagare sul quartier generale della società a New York City finisce con loro che vengono attirati in una nuova serie di escape room.

Insieme a loro, ci sono stavolta altri quattro sopravvissuti dei precedenti giochi della Minos. Dopo aver affrontato una serie di rompicapo diabolici che coinvolgono un vagone della metropolitana che diventa una bobina di Tesla, una banca piena di laser letali, una spiaggia finta ricoperta di sabbie mobili e una strada cittadina periodicamente inondata da piogge acide altamente corrosive, Zoey è scioccata dal ritorno a sorpresa di due persone che credeva morte: Amanda, morta nel primo film, e Ben, inghiottito dalle sabbie mobili. Anche Escape Room 2 – Gioco mortale riserva dunque una nuova sorpresa dietro ogni angolo. In questo approfondimento analizziamo dunque il finale, fornendone una spiegazione.

Come (e perché) Amanda è sopravvissuta alla prima Escape Room

Con un po’ di retconning tramite flashback sul primo film, Escape Room 2 – Gioco mortale rivela che Amanda Harper aveva una figlia piccola. Questo è un primo indizio di un colpo di scena nel terzo atto, quando viene rivelato che la morte di Amanda per caduta era un’illusione e che da allora è stata nelle mani di Minos. Dopo essere caduta nel lungo pozzo dalla sala della piscina con il pavimento che crollava, Amanda è atterrata su un materasso invece che sul duro pavimento. Minos ha poi rivelato di aver rapito sua figlia, Sonya, e di averla usata come leva per costringere Amanda a progettare la loro prossima serie di stanze enigmistiche.

Come rivelato nel primo film, le escape room di Minos sono fornite come intrattenimento gladiatorio di alto livello a una clientela di ricchi sadici, e i loro clienti richiedono sempre enigmi più complessi ed elaborati. Ogni gruppo di concorrenti è collegato da un tema, quindi utilizzare gli ex concorrenti per progettare nuovi puzzle potrebbe essere semplicemente un altro modo per evolvere le escape room e mantenere le cose eccitanti per i clienti. La serie di escape room di Amanda era unica nel modo in cui le utilizzava per raccontare la sua storia, forse con l’intenzione di comunicare una richiesta di aiuto.

Come Zoey capisce quando legge una lettera scritta dalla figlia di Amanda, Sonya, le escape room sono tutte collegate ai ricordi di un giorno particolare: il viaggio in metropolitana, l’andare in banca e l’andare in spiaggia. Sia il puzzle della spiaggia che quello della strada utilizzavano l’immagine di una bambina che guardava sua madre, e c’erano anche riferimenti al round precedente di escape room nascosti nel nuovo set. Come le dice il suo terapeuta, “tutto è un indizio”.

Gli altri concorrenti potrebbero essere ancora vivi?

Uno dei temi principali di Escape Room 2 – Gioco mortale è che non tutto è come sembra, e questo concetto è ribadito dall’avvertimento di Amanda a Zoey: se non ha visto un cadavere con i propri occhi, quella morte potrebbe non essere mai avvenuta. Se Minos ha salvato Amanda dalla caduta, potrebbe aver salvato anche altri concorrenti. Danny Khan era un veterano delle escape room e ne aveva già affrontate decine, il che lo rendeva il candidato perfetto per Minos come progettista di puzzle. Danny sembrava essere annegato dopo essere caduto nel ghiaccio, ma dato che il suo corpo è scomparso nell’acqua, potrebbe benissimo tornare come ha fatto Amanda.

Il ritorno di Ben dopo essere rimasto intrappolato nelle sabbie mobili apre anche la possibilità che Nathan possa essere ancora vivo, dato che era stato risucchiato nella stessa trappola. Rachel e Brianna sembravano essere morte quando sono state catturate dalla pioggia acida, ma Zoey è stata lasciata cadere nella stanza accanto prima che la loro morte fosse confermata. E anche se il rapporto della stazione di polizia dice che quattro corpi sono stati rimossi dall’edificio Minos a New York, la notizia si rivela essere solo un’altra bugia inventata da Minos.

Il colpo di scena finale

Convinta che Minos sia stato sconfitto e che Amanda stia rilasciando una dichiarazione alla stazione di polizia che aiuterà l’FBI a dare la caccia ai colpevoli, Zoey decide finalmente di superare la sua persistente paura di volare e di prendere un aereo per tornare a Chicago. Mentre è sull’aereo, però, si rende conto che tutti i mezzi con cui pensava di ingannare Minos e risolvere i loro enigmi – come scoprire la seconda uscita dietro la luna nella stanza sulla spiaggia e usare il tubo del gas per liberare Ben nella stanza finale – erano sospettosamente facili. Quelli che pensava fossero errori nella progettazione degli enigmi erano in realtà stati inseriti deliberatamente, proprio come tutti gli altri indizi.

La “fuga” di Zoey e Ben dall’edificio Minos faceva quindi parte del piano della società. La loro esperienza alla stazione di polizia, dal rapporto della polizia in TV alla rassicurazione che Minos era sotto indagine dell’FBI, era tutta una messinscena. Era stato progettato per dare a Zoey la fiducia necessaria per salire finalmente su un aereo, il che a sua volta avrebbe dato il via al prossimo round di escape room. Il libro sul libero arbitrio che il suo terapeuta le mostra all’inizio del film era davvero un indizio: un indizio su come Minos avesse intenzione di ingannarla facendola credere che stesse agendo di sua spontanea volontà, quando in realtà stava semplicemente facendo il loro gioco.

Come il primo film ha preparato il finale di Escape Room 2 – Gioco mortale

Escape Room si è concluso con quella che all’inizio sembrava essere una escape room costruita all’interno di un aereo, con i concorrenti costretti a cercare di risolvere il puzzle prima che l’aereo si schiantasse contro una montagna. Si è poi scoperto che questo aereo era semplicemente un modello, costruito su una piattaforma inclinabile con schermi alle finestre per creare l’illusione di essere in volo. I “concorrenti” erano dipendenti di Minos che giocavano nella stanza dei puzzle per cercare difetti nel suo design.

Dopo l’ultima prova del puzzle dell’aereo, una misteriosa figura oscura su uno schermo chiede quali siano le possibilità di successo, e un ingegnere gli risponde che sono solo del 4%. Il creatore del puzzle rivela che questa stanza è stata progettata appositamente per Zoey, gongolando: “Sono così felice che Zoey abbia superato la sua paura di volare”. All’inizio di Escape Room 2 – Gioco mortale sembra che Zoey sia riuscita a evitare questo puzzle; ha cancellato il volo che avrebbe dovuto prendere per New York e ha cancellato anche altri tre voli, decidendo infine di andare in città in auto con Ben.

Il creatore del puzzle si è apparentemente reso conto che Zoey non avrebbe mai avuto abbastanza fiducia in sé stessa per volare a meno che non avesse pensato che Minos fosse stata sconfitta, e così ha orchestrato un piano per far credere a Zoey di aver vinto. È possibile che l’aereo su cui Ben e Zoey salgono alla fine del film non sia nemmeno un vero aereo, ma un modello all’interno di un magazzino come quello visto alla fine del primo film. È anche possibile che Minos abbia intensificato le cose trasformando un vero aereo in una stanza enigmistica e, se Zoey non riuscirà a capire gli indizi, lei, Ben e tutti gli altri passeggeri finiranno davvero per schiantarsi. È un chiaro punto di partenza per un terzo film, ma come il resto del film amplia anche l’idea di cosa possa essere una escape room.

Il vero significato del finale di Escape Room 2 – Gioco mortale

La primissima stanza enigmistica introdotta in Escape Room ha stabilito l’idea che qualsiasi stanza potesse essere una escape room. Ai concorrenti è stato detto di andare a sedersi in una sala d’attesa, solo per rendersi conto che erano chiusi dentro e che il gioco era già iniziato. Come spiega il terapeuta di Zoey all’inizio di Escape Room 2 – Gioco mortale, la loro esperienza li ha lasciati con un tipo specifico di trauma che li porta a vedere il mondo stesso come una escape room e tutto ciò che contiene come indizi. Parlando con Screen Rant, il regista Adam Robitel ha spiegato che l’obiettivo del sequel era quello di far condividere al pubblico il dubbio su ciò che è reale e ciò che è artificiale:

“Il gioco si è decisamente ampliato. Minos ha lavorato sodo, ma ciò che amo di questo film è che, ovunque tu vada, chiunque tu incontri, ti chiedi: cos’è la realtà? Non c’è nessun cucchiaio. Il gioco può essere ovunque, gli enigmi sono ovunque. E l’idea che ci sia questa forza machiavellica che controlla ogni singola scelta che facciamo, penso sia davvero spaventosa, soprattutto dopo una pandemia in cui ci sentiamo come se avessimo perso ogni controllo sulla nostra vita“.

Escape Room 2 – Gioco mortale ha alzato subito la posta in gioco trasformando un vagone della metropolitana in una escape room. Questo dà un’idea di quanto sia terrificante il potere della Minos Corporation: se può controllare la metropolitana di New York e trasformare una stazione di polizia in un’estensione del suo gioco, cos’altro potrebbe controllare? Zoey ha davvero ingannato il sistema di puzzle e ucciso il Gamesmaster nel primo film di sua spontanea volontà, o anche questo era stato pianificato come parte dell’intrattenimento da Minos? E se il sequel ha trasformato un marciapiede di New York City, una spiaggia e persino un aereo in un puzzle elaborato e attentamente controllato, come continuerà Minos a migliorare il suo gioco in Escape Room 3?

Cosa sappiamo di Escape Room 3

Il finale di Escape Room 2 – Gioco mortale sembra dunque suggerire in modo evidente che Escape Room 3 sarebbe arrivato per trasformare la duologia in una trilogia. La premessa fondamentale ha chiaramente un potenziale franchise e, come i film della serie Saw, sembra limitata solo dal numero di trappole che i registi riescono a immaginare. Tuttavia, nonostante il secondo film sia uscito ormai nel 2021 e abbia incassato oltre 65 milioni di dollari al botteghino con un budget di soli 15 milioni di dollari, Escape Room 3 non si è ancora concretizzato.

Il regista Adam Robitel aveva accennato nello stesso 2021 alla possibilità di un terzo film. Parlando con Nightmarish Conjurings, Robitel ha suggerito che l’unica cosa che frenava un potenziale sequel era il budget e l’interesse del pubblico: “Vedremo! Dico sempre: vediamo se c’è voglia di farlo. Tutto dipende dai soldi, come si suol dire”. Tuttavia, questo risale a quattro anni fa e da allora non ci sono state notizie concrete su Escape Room 3. Adam Robitel non ha più diretto alcun film da allora. Questo potrebbe però essere un buon segno, poiché significa che non è distratto da altri progetti e potrebbe essere al lavoro sul terzo film, ma al momento mancano conferme ufficiali.

Final Destination 2, uscito nel 2003 e diretto da David R. Ellis, rappresenta uno dei casi più emblematici di come un sequel possa espandere efficacemente un concept narrativo già ben definito. Rispetto al primo film, questo secondo capitolo alza la posta in gioco sia a livello visivo che tematico, portando avanti l’idea del destino inevitabile con maggiore audacia e una regia più spettacolare. Il tono è più dinamico, il ritmo più serrato, e le sequenze legate alla “morte che reclama ciò che le è sfuggito” diventano ancora più elaborate e memorabili. Non si tratta solo di replicare un successo, ma di evolverne le potenzialità, dimostrando come la tensione e l’orrore possano trovare nuova linfa in un contesto già collaudato.

All’interno della saga, Final Destination 2 occupa dunque un posto centrale e significativo. È il film che consolida davvero le regole del gioco, introduce una mitologia più strutturata e offre chiarimenti fondamentali su come la Morte agisce e su cosa i personaggi possono fare per cercare di sfuggirle. È proprio in questo capitolo che la narrazione inizia a diventare più serializzata, aprendo la strada a collegamenti più stretti tra i film successivi e creando una sorta di “universo condiviso” in cui ogni evento passato può avere ripercussioni future. In questo senso, il film non è soltanto un seguito, ma un vero e proprio punto di snodo per l’intera serie.

Uno degli aspetti più affascinanti di Final Destination 2 è poi il modo in cui il suo finale riesce a essere tanto scioccante quanto coerente con le regole dell’universo creato dal franchise, riuscendo anche a giocare con le aspettative dello spettatore, sorprendendolo ma allo stesso tempo rispettando la logica interna della storia. Nei prossimi paragrafi, analizzeremo a fondo proprio il significato e la costruzione del finale, cercando di comprenderne le implicazioni più profonde e il modo in cui si ricollega ai temi portanti della saga.

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La trama di Final Destination 2

Un anno dopo il disastro del volo 180, Kimberly Corman sta per partire con gli amici per una vacanza in Florida. Durante il tragitto in autostrada, ha una terrificante visione: un gigantesco incidente a catena causato dal distacco di un tronco da un camion provoca la morte di numerose persone, tra cui lei stessa. Sconvolta, ferma la sua auto bloccando il traffico, impedendo ad altri veicoli di immettersi sull’autostrada. Poco dopo, l’incidente si verifica realmente, esattamente come nella premonizione, e Kimberly si rende conto di aver appena salvato delle vite. Tuttavia, la sua vittoria è solo temporanea.

Poco a poco, infatti, le persone sopravvissute all’incidente iniziano a morire in circostanze inspiegabili, seguendo un ordine preciso. Convinta che la Morte stia cercando di sistemare le cose, Kimberly si rivolge a Clear Rivers, unica superstite dell’incidente aereo del volo 180, che vive rinchiusa in una clinica psichiatrica per sfuggire al suo destino. Insieme, tentano di comprendere e infrangere il disegno letale della Morte. Scoprono che tutti i superstiti dell’autostrada erano legati indirettamente a chi era coinvolto nel volo 180 e che forse solo una “nuova vita” potrebbe spezzare il ciclo mortale. Mentre la Morte continua a colpire, Kimberly dovrà affrontare sacrifici estremi per tentare di sovvertire le sue regole.

La spiegazione del finale del film

Nel finale di Final Destination 2, Kimberly, convinta di poter interrompere la catena della morte, si getta in un lago con la propria auto nel tentativo estremo di “morire” e quindi ingannare il disegno della Morte. Viene però salvata all’ultimo momento dal dottor Kalarjian, che la rianima con un massaggio cardiaco e le restituisce la vita. Questo gesto, almeno in apparenza, dovrebbe segnare la fine del ciclo fatale: Kimberly è tecnicamente “morta” e poi è “resuscitata”, riuscendo così a sfuggire al proprio destino. Il film si chiude quindi con una scena apparentemente più leggera, in cui Kimberly e Burke vengono invitati a un barbecue dalla famiglia Gibbons.

Uno dei membri di questa, Brian, sembra essere scampato alla morte grazie all’intervento di Rory, che lo aveva salvato da un’esplosione. Kimberly capisce subito cosa questo vuol dire, ma prima che possa intervenire in alcun modo, il ragazzo salta in aria a causa dell’esplosione di una griglia. Una morte che lascia ovviamente i presenti sconvolti. Questo momento finale, breve ma scioccante, dimostra che la Morte non si può sconfiggere, ha semplicemente rinviato la sua pretesa e che nessun intervento umano è davvero definitivo.

La scena non solo rafforza l’idea che la Morte abbia un piano ben preciso, ma anche che il tentativo di “rompere la catena” potrebbe essere solo un’illusione temporanea. Il significato profondo di questo finale è duplice. Da un lato, illude i personaggi e lo spettatore che ci sia un controllo possibile sul destino, suggerendo che con sacrifici e strategie si possa ingannare la Morte. Dall’altro, con la morte improvvisa di Brian, il film ribadisce brutalmente la regola fondante dell’intera saga: nessuno sfugge davvero. Anche i tentativi più audaci di sovvertire l’ordine naturale vengono inesorabilmente annullati.

La tensione costante tra libero arbitrio e predestinazione, già presente nel primo film, viene quindi qui portata a un nuovo livello di complessità. Questo finale imposta le basi per i capitoli successivi della saga. Da qui in avanti, i personaggi cercheranno non solo di evitare la Morte, ma di decifrare le regole con cui essa opera, esplorando nuovi stratagemmi e interpretazioni del “disegno” fatale. Il sacrificio, l’ordine inverso della morte, e il concetto di “salto” nella catena diventano temi centrali nei film successivi, rendendo Final Destination 2 non solo un sequel riuscito, ma un punto di svolta narrativo nell’evoluzione del franchise.