Si è chiusa la votazione delle due
giurie, dei lettori sul sito del Noir in festival
e della Giuria Letteraria, composta da Cecilia Scerbanenco
(Presidente), Valerio Calzolaio, Maria Teresa Carbone, Liborio
Conca, Luca Crovi, Cecilia Lavopa, Sergio Pent, Sebastiano Triulzi
e John Vignola.
La somma ponderata dei voti delle
due giurie ha determinato la seguente cinquina finalista del
Premio Giorgio Scerbanenco per il miglior romanzo noir italiano
edito nell’anno 2025 (in ordine alfabetico di autore):
Barbara Baraldi, Gli omicidi dei
tarocchi, Giunti
Giorgia Lepore, Forse è così che si
diventa uomini, Edizioni E/O
Davide Longo, La donna della
mansarda, Einaudi
Alessandro Robecchi, Il tallone da
killer, Sellerio
Mirko Zilahy, La stanza delle ombre,
Mondadori
I cinque romanzi finalisti saranno
presentati mercoledì3 dicembre alle ore
17.30 alla Casa del Manzoni a Milano dove, in serata,
avverrà la premiazione del vincitore, scelto quest’anno dalla
Giuria Letteraria a cui si affiancheranno Isabella Fava, Alessandra
Tedesco e i 5 giurati del Circolo dei Lettori di Milano: Bianca
Battagion, Serena Caprara, Eugenio Gaslini, Christian Hill e Chiara
Mariani.
Il romanzo più votato sul sito del
Noir in Festival è risultato L’Educatore, di
Antonio Lanzetta, Newton Compton. L’autore riceverà, nella
stessa serata del 3 dicembre a Casa Manzoni, il Premio dei Lettori
– Premio Città di Lignano Sabbiadoro dalle mani dell’Assessore alla
cultura del Comune di Lignano Sabbiadoro.
Ringraziamo per la preziosa
collaborazione all’edizione 2025 del Premio Scerbanenco il Sistema
Bibliotecario di Milano, il Circolo dei Lettori di Milano, Casa
Manzoni e il Comune di Lignano Sabbiadoro.
La giornata del 3
dicembre, dedicata al Premio Giorgio Scerbanenco 2025, si
aprirà quest’anno con la proiezione alle ore 15:30 al
Cinema Arlecchino di Milano di un inedito omaggio
documentario agli scrittori di genere noir italiani, Chi è
senza colpa, di Katiuscia Magliarisi con la regia di
Riccardo Alessandri, una produzione Rai – Contenuti Digitali e
Transmediali, in cui compaiono molti scrittori già ospiti del Noir
in festival e legati al Premio, come ad esempio il
“narratore-inviato” nel film Orso Tosco, vincitore dell’edizione
2024 del Premio, o come il giurato Luca Crovi, i già premiati o
finalisti Massimo Carlotto, Piero Colaprico, Maurizio De Giovanni,
Gabriella Genisi, Gaetano Savatteri, tra gli altri, e per finire
Antonio Lanzetta, vincitore del Premio dei Lettori – Premio Città
di Lignano Sabbiadoro 2025. Infine, alle 16.45, alla Casa del
Manzoni, prima dell’incontro con i finalisti e della consegna del
Premio, sarà presentato il libro di Alberto Pezzotta, Il
nero italiano e Scerbanenco (Mimesis).
Sono state rivelate le prime foto
di Here Comes the Flood. L’attesissimo
film di Netflix unirà due talenti unici: Denzel Washington e Robert Pattinson. Durante una recente
intervista per promuovere il suo nuovo film, Die My Love, Pattinson ha rivelato di aver
iniziato le riprese di Here Comes the
Flood “questa settimana a New York“.
Ora, tramite What’s on
Netflix, sono state rivelate le prime foto
dal set di Here Comes the Flood. Le foto mostrano
Denzel Washington e Robert Pattinson a Bloomfield, nel New Jersey,
mentre tengono in mano i copioni e si preparano per una scena,
vestiti con abiti casual e adatti alle condizioni meteo. Clicca sul
link qui sotto e scorri verso il basso per vedere le foto dal
set:
Diretto dal candidato all’Oscar
Fernando Meirelles (City of God),
con una sceneggiatura scritta dal candidato all’Oscar Simon
Kinberg (The Martian), Here Comes
the Flood segue “una guardia di banca, un cassiere e
un ladro provetto in un mortale gioco di truffe e doppi
incroci”, si legge nella sinossi ufficiale, che lo descrive
anche come “un film di rapina non convenzionale”.
Guidato da Robert Pattinson e dal due volte premio Oscar
Denzel Washington (Glory, Training Day), il
cast include anche Daisy Edgar-Jones, candidata ai
BAFTA per Normal People, nota anche per i suoi ruoli in Where the
Crawdads Sing (2022) e Twisters (2024). Il cast di supporto include
Danai Gurira (The Walking Dead), Sean
Harris (Mission: Impossible), Moises
Arias (Fallout) e il candidato agli Emmy Justin
Kirk (Angels in America).
Here Comes the
Flood segna la prima volta che Denzel Washington e Daisy
Edgar-Jones saranno i protagonisti di un film Netflix,
sebbene il primo abbia prodotto progetti come Ma Rainey’s Black
Bottom (2020) e The Piano Lesson (2024).
Le riprese nel New Jersey
dovrebbero proseguire fino a gennaio 2026. Se la produzione si
concluderà in tempo, sembra probabile un’uscita su Netflix per Here
Comes the Flood verso la fine del 2026.
Nel corso degli anni abbiamo visto
più che abbastanza personaggi come Joker, Due Facce e Il Pinguino
sui nostri schermi. Quindi, ora speriamo che The
Batman – Parte II e The Brave and the Bold
possano spostare l’attenzione su alcuni volti meno familiari. Hush,
Mr. Freeze e Poison Ivy sono tra i suggerimenti più popolari dei
fan. Dopo essersi vestita come quest’ultima cattiva per Halloween
un paio di anni fa, la star di Riverdale e The
StrangersMadelaine Petsch ha chiarito che vuole provare
a trasformarsi nella villain sullo schermo.
In una nuova intervista, l’attrice
ha spiegato perché è così interessata a dare vita a Poison Ivy e ha
suggerito che potrebbe farlo nel sequel di The
Batman di Matt Reeves. “Ci
stiamo lavorando”, ha esordito. “Mi sono vestita da Poison
Ivy, molti Halloween fa, solo per attirare la loro attenzione. È
come dire: ‘Ehi, Matt Reeves, ci stai prestando attenzione?’. Non
hanno ancora realizzato il film, quindi chi lo sa?”. Le foto
(si possono vedere qui) qui sotto
dimostrano che Petsch sarebbe perfetta per la parte, ma sarebbe
adatta a interpretare la cattiva?
Questo è oggetto di dibattito,
anche se l’attrice ha un vasto seguito di fan ed è chiaramente
appassionata del ruolo. A meno di una profonda reinvenzione,
tuttavia, Poison Ivy probabilmente non è adatta al Batverse di
Reeves. Un personaggio con la capacità di controllare le piante e
di soggiogare gli uomini con un bacio non è proprio l’ideale per il
mondo realistico che il regista ha immaginato, ma la DCU e The Brave and the Bold?
Quello potrebbe essere un film in cui Poison Ivy potrebbe trovare
il proprio spazio.
Tutto quello che sappiamo su
The Batman – Parte II
The
Batman – Parte II è uno dei film più attesi del nuovo
panorama DC, ma il suo percorso produttivo non è stato privo di
ostacoli. Inizialmente previsto per ottobre 2025, il sequel diretto
da Matt Reeves è stato rinviato al 1°
ottobre 2027. I ritardi sono stati giustificati da
esigenze legate alla scrittura della sceneggiatura e al calendario
riorganizzato della DC sotto la nuova guida di James Gunn e Peter Safran,
che stanno ristrutturando l’intero universo narrativo. Nonostante
ciò, Reeves ha confermato che
le riprese inizieranno nella primavera
2026 e Gunn ha recentemente letto la
sceneggiatura, definendola “grandiosa”, un segnale incoraggiante
per i fan.
Sul fronte del cast, è confermato
il ritorno di Robert Pattinson nei panni di Bruce
Wayne/Batman, all’interno dell’universo narrativo alternativo noto
come “Elseworlds”, separato dal DCU principale. Dovrebbero tornare
anche Jeffrey Wright come il commissario Gordon e
Andy Serkis nel ruolo di Alfred. I rumor più
insistenti ruotano attorno alla possibile introduzione di
Hush e Clayface (che avrà inoltre un film tutto suo)
come villain principali, anche se nulla è stato ancora
ufficializzato. C’è chi ipotizza un ampliamento del focus sulla
corruzione sistemica di Gotham, riprendendo i toni noir e
investigativi del primo capitolo, con Batman sempre più immerso in
un mondo in cui la linea tra giustizia e vendetta si fa
sottile.
Per quanto riguarda la
trama, le indiscrezioni suggeriscono un’evoluzione
psicologica per Bruce Wayne, alle prese con le conseguenze delle
sue azioni e un Gotham sempre più caotica, anche dopo gli eventi
della serie spin-off The Penguin con Colin Farrell (anche lui probabile membro del
cast). Alcune fonti parlano di un possibile scontro morale con
Harvey Dent, figura ambigua per eccellenza, o di un Batman
costretto a confrontarsi con i limiti del suo metodo. Al momento,
tutto è però ancora avvolto nel riserbo, ma la conferma della
sceneggiatura completa e approvata lascia ben sperare per l’inizio
delle riprese entro l’autunno e per un sequel che promette di
essere ancora più cupo, ambizioso e introspettivo.
Reeves spera naturalmente che il
suo prossimo film su Batman abbia lo stesso successo del primo.
The Batman del 2022 ha avuto un’ottima performance
al botteghino, incassando oltre 772 milioni di dollari in tutto il
mondo e ottenendo un ampio consenso da parte della critica. Queste
recensioni entusiastiche sono state portate avanti nella stagione
dei premi, visto che il film ha ottenuto quattro nomination agli
Oscar. Nel frattempo, Reeves ha espanso la serie DC
Elseworld con la già citata serie spin-off di Batman,
The Penguin, disponibile su Sky e NOW, per
l’Italia.
Napoli, 1977. La storia di come
tutto è iniziato: di come un giovanissimo Pietro
Savastano entrerà nel mondo della criminalità, sullo
sfondo di una Napoli in piena trasformazione, povera, segnata dal
contrabbando di sigarette e all’alba dell’arrivo dell’eroina.
Questo e molto altro nelle prime immagini appena rilasciate col
teaser ufficiale di Gomorra – Le Origini,
attesissimo prequel in sei episodi prodotto da Sky
Studios e da Cattleya, parte di ITV Studios, dell’epica saga
crime Sky Original tratta dall’omonimo bestseller
di Roberto Saviano. La serie arriverà in esclusiva su Sky e
in streaming solo su NOW a gennaio.
La trama di Gomorra – Le Origini
La storia inizia
nel 1977 con un giovanissimo Pietro, figlio di nessuno, che cresce
come fratello adottivo in una famiglia della parte più povera di
Secondigliano. Ragazzo di strada, si arrabatta come può sognando un
benessere che gli è ancora precluso. Si attraversa la perdita
dell’innocenza di Pietro insieme ai suoi fratelli ed amici di
sempre, le loro ambizioni e il suo primo grande amore, che, come
per ogni adolescente, sarà folle e appassionato. L’incontro con
Angelo, detto ‘A Sirena, il reggente di Secondigliano, segna poi il
suo ingresso nel mondo della criminalità. Tra violenza, alleanze e
tradimenti, Pietro scopre però a sue spese il prezzo che quella
vita comporta.
La nuova
serie, origin story sull’educazione
criminale del futuro boss, fornendo una nuova prospettiva
sulle radici del potere di Pietro, cattura un’epoca che ha definito
il volto della criminalità moderna.
I primi quattro
episodi della serie sono diretti da Marco D’Amore, anche supervisore
artistico e co-sceneggiatore del progetto nonché già
indimenticabile protagonista di Gomorra – La Serie,
mentre gli ultimi due sono diretti da Francesco
Ghiaccio (Dolcissime, Un posto
sicuro). Creata da Leonardo Fasoli, Maddalena
Ravagli e Roberto Saviano, è distribuita
internazionalmente da Beta Film.
Luca
Lubrano interpreta il giovane Pietro, qui ambizioso e
inquieto ragazzo di strada di Secondigliano che insieme
al suo inseparabile gruppo di amici sogna una vita migliore, per
loro e per le loro famiglie.
GOMORRA – LA SERIE. LE ORIGINI Photo credit. Marco
Ghidelli
Con lui nel
cast: Francesco Pellegrino nei panni di
Angelo ‘A Sirena, carismatico malavitoso che lavora per il clan dei
Villa gestendo una bisca, ruolo che gli sta molto
stretto; Flavio Furno interpreta ‘O
Paisano, malavitoso detenuto in carcere, dove inizia a raccogliere
«fedeli» che lo seguano nel suo progetto: una camorra nuova, che
sia senza schiavi e senza capi; Tullia
Venezia è una giovanissima Imma, che frequenta il
liceo, suona al conservatorio e sogna di andare a studiare in
America; Antonio Buono, Ciro
Burzo e Luigi Cardone sono
rispettivamente Mimì, Tresette e ‘A Macchietta, amici di Angelo ‘A
Sirena; Antonio Del Duca, Mattia
Francesco Cozzolino, Junior Rancel Rodriguez
Arcia e il piccolo Antonio
Incalza interpretano gli amici del gruppo di Pietro,
rispettivamente Lello, Manuele, Toni e
Fucariello; Renato Russo nei panni di
Michele Villa, detto ‘O Sant, erede al trono di una delle famiglie
dell’aristocrazia criminale di Napoli, i Villa. Il padre, Don
Antonio, è il boss di Forcella. A interpretarlo è Ciro
Capano. E ancora Biagio
Forestieri nei panni di Corrado Arena, re del
contrabbando di sigarette a Napoli; Fabiola
Balestriere che interpreta Annalisa Magliocca, la
futura Scianel, qui giovane madre vittima della gelosia violenta
del marito; e Veronica D’Elia nei panni
di Anna, sorella di ‘O Paisano.
Come la storica
serie madre che ha conquistato pubblico e critica in oltre 190
territori nel mondo, GOMORRA – LE ORIGINI è tratta dal romanzo
“Gomorra” di Roberto Saviano, edito da Arnoldo Mondadori Editore.
Il soggetto di serie e i soggetti di puntata sono scritti da
Leonardo Fasoli, Maddalena Ravagli e Roberto Saviano, mentre le
sceneggiature sono firmate dagli stessi Fasoli e Ravagli con Marco
D’amore.
Dieci anni dopo l’uscita di
Star Wars: Il Risveglio della Forza, Daniel Craig rivela la parte peggiore del
suo cameo. Craig ha un cameo non accreditato nei panni di uno
stormtrooper del Primo Ordine che appare quando Rey
(Daisy Ridley) viene tenuta prigioniera
sulla Base Starkiller. È lo stesso stormtrooper su cui Rey usa un
trucco mentale Jedi per liberarla dalle catene.
L’apparizione di Craig è stata
tenuta segreta prima dell’attesissima uscita nelle sale
cinematografiche, ed è stato solo in seguito che il cameo è
diventato di dominio pubblico. È successo mentre Craig stava
girando Spectre, il film di James
Bond. Ha chiesto a Ben Dixon, che ha lavorato a
Spectre e Il Risveglio della
Forza come secondo assistente alla regia, di apparire nel
nuovo film di Star
Wars, e il regista J.J. Abrams ha
accettato.
Durante la promozione di
Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery su Sirius
XM, a Daniel Craig è stato chiesto se l’uniforme da
stormtrooper fosse scomoda. Ha confermato di sì, poiché l’uniforme
emanava un odore sgradevole e le maniche troppo lunghe e rigide gli
hanno causato dolore al pollice per una settimana dopo l’uso.
Nonostante il disagio, Craig è grato per l’esperienza. Ecco i suoi
commenti qui sotto:
“In pratica è indossata da
molti stuntman nel deserto, quindi… non ha un buon odore. Inoltre,
le maniche della mia erano troppo lunghe, ed è rigida, e non ho
sentito il pollice per una settimana. Ma per il resto, è stato
fantastico.”
Con Rian Johnson
alla regia e alla sceneggiatura del sequel de Il Risveglio
della Forza, Gli Ultimi Jedi, sia lui che
Daniel Craig hanno lavorato alla trilogia
sequel prima di collaborare per i loro film di Knives
Out. Molto prima del primo Cena con delitto e quando Il
Risveglio della Forza era ancora in produzione, Johnson aveva già
capito che non si trattava di un semplice attore di contorno in
uniforme da stormtrooper.
Durante una sessione di domande e
risposte durante una proiezione a New York per il press tour di
Wake Up Dead Man, moderata da Abrams, Johnson ha
ricordato quanto la scena lo avesse colpito. Ha chiesto dell’attore
che interpretava lo stormtrooper, e gli è stato confermato che era
Craig a interpretarlo.
“Quando stavo scrivendo
l’ottavo episodio, guardavamo le riprese giornaliere, perché
[Abrams] stava girando il settimo. Un giorno… c’era una scena con
Daisy [Ridley] in cui usa la Forza per controllare mentalmente uno
stormtrooper e gli fa aprire le sue cose. È arrivato il controllo
giornaliero, è arrivato lo stormtrooper, lei lo ha detto, lo
stormtrooper non ha detto nulla, si è solo avvicinato a
lei.
E io ho fatto questo: “Chi è
quell’attore?” E Pablo [Hidalgo] della Lucasfilm ha detto: “Penso
che sia solo uno stuntman con una cosa da stormtrooper”, e io ho
risposto: “No, è un vero attore, solo per come ha camminato sul
palco”.
Per quanto scomoda fosse l’uniforme
da stormtrooper, Daniel Craig ha comunque dato una presenza
significativa alla parte, facendo sì che Johnson notasse il
personaggio semplicemente dal modo in cui camminava. Oltre a
rendere distintivo il piccolo ruolo, la performance di Craig ha
contribuito a dare forma a un momento importante nel canone di
Star Wars, poiché è su di lui che Rey fa
il suo primo Trucco mentale Jedi e scopre
ulteriormente il suo forte legame con la Forza.
Craig è noto soprattutto per i film
di Cena con delitto e James Bond, ma il suo cameo
lo rende ufficialmente parte della vasta linea temporale di Star
Wars e del franchise di lunga data. Con Star Wars: Il
Risveglio della Forza che celebra il suo decimo
anniversario, è un pezzo memorabile dell’eredità del film.
Predator:
Badlands ha ricevuto un’ottima valutazione su
Rotten Tomatoes, dimostrando che il suo regista
potrebbe essere il nuovo re del franchise.
Predator è nato come uno spettacolo di
fantascienza d’azione in cui gli umani combattevano contro un
letale assassino alieno. È iniziato nella giungla nel 1987 con
Arnold Schwarzenegger, ma alla fine si è
spostato in ambienti urbani, culminando in uno scontro con gli
Xenomorfi di Alien.
Negli ultimi anni, il franchise ha
avuto molti tentativi di reboot falliti, come
Predators del 2010 e The
Predator del 2018. Tuttavia, è stato solo con
Prey
del 2022 che la serie ha iniziato a riacquistare un po’ di slancio.
Diretto da Dan Trachtenberg, Prey
ha sorpreso i fan di Predator e affascinato i nuovi arrivati con
una storia su piccola scala che tornava alle radici
dell’universo.
Dan Trachtenberg è
tornato a dirigere Badlands,
il primo film uscito nelle sale cinematografiche dal 2018. Il suo
ultimo film sta ricevendo recensioni entusiastiche dalla critica,
ottenendo un punteggio dell’89% su RT. È il suo terzo film
consecutivo di Predator, con grandi elogi, il che suggerisce che
Trachtenberg potrebbe essere il fattore principale del successo
della serie. Dan Trachtenberg ha diretto 3 film di
Predator completamente diversi, con punteggi elevati su RT.
Dopo che il film di Shane
Black del 2018 ha portato Predator a
livelli assurdi, la serie aveva bisogno di essere riportata alla
semplicità. Prey
ha raggiunto esattamente questo obiettivo, seguendo le vicende di
una donna Comanche che cerca di proteggere la sua tribù da una
pericolosa minaccia aliena. Ambientato nel 1719, il film ha
un’impostazione unica, in cui la protagonista principale usa armi
primitive per sconfiggere un cacciatore tecnologicamente
avanzato.
Prey
detiene attualmente un 94% su RT, poiché i critici hanno elogiato
il film per le sue sequenze d’azione creative e l’avvincente
interpretazione di Amber Midthunder. Dopo il
successo del film su Hulu, Trachtenberg è tornato a dirigere un
altro film di Predator, che ha portato il franchise in un’altra
direzione.
Uscito nel giugno 2025,
Predator: Killer of Killers è un film
antologico animato che racconta le storie di un vichingo, un ninja
e un pilota della Seconda Guerra Mondiale, tutti sopravvissuti agli
incontri con i Predator. Sebbene ogni storia sia
ambientata in un periodo storico diverso, si uniscono per un finale
che introduce diverse possibilità intriganti per il canone
dell’universo.
Non tutte le storie sono avvincenti
come le altre, ma i critici hanno comunque apprezzato questo
progetto nel complesso, che ha ottenuto un punteggio del 95% su RT.
È il film con il punteggio più alto della serie ed è stata un’altra
vittoria per Trachtenberg e Hulu. Con Predator:
Badlands, il regista di 10 Cloverfield
Lane ha creato una trilogia non ufficiale di Predator,
ricca di beniamini della critica.
Ciò che è ancora più impressionante
del successo di Trachtenberg è che questi tre film sono distinti.
Prey riporta il franchise nell’America coloniale, Killer of
Killers è il primo capitolo animato/antologico e Badlands è il primo capitolo ad avere un
Predator come protagonista principale.
Hanno tutti angoli di visione
unici, ma includono comunque il gore, la suspense e l’azione a cui
il pubblico è abituato. Predator:
Badlands dimostra che Dan
Trachtenberg comprende questo franchise meglio di chiunque
altro, offrendo blockbuster fantascientifici divertenti che
presentano qualcosa di nuovo.
È piuttosto comune che gli studi
cinematografici candidino i film sui supereroi nella maggior parte
delle categorie principali durante la stagione dei premi. Anche se
alcuni, come Black Panther e Joker, riescono occasionalmente a entrare nelle
categorie principali, il genere è riconosciuto soprattutto per gli
effetti speciali e altri risultati tecnici. Tuttavia, la DC Studios
sta facendo un passo avanti candidando Superman
nelle categorie drammatiche dei Golden Globe.
Come spiega Variety, questo segnala
“l’intenzione di James
Gunn di posizionare l’iconico supereroe come qualcosa di più di
un semplice intrattenimento evasivo”. Lo studio ha presentato
Superman per “Miglior film”
(Drammatico), “Miglior attore” (Drammatico) per David Corenswet, “Miglior attrice non
protagonista” (Drammatico) per Rachel Brosnahan e “Miglior attore non
protagonista” (Drammatico) per Nicholas Hoult.
Altre candidature includono
“Miglior regista” (Drammatico) e “Miglior sceneggiatura”
(Drammatico) per James Gunn, insieme a “Miglior canzone
originale” per “The Mighty Crabjoy’s Theme” di Gunn,
Eric Nally e Devin Williams. Con
un incasso di oltre 150 milioni di dollari in tutto il mondo,
Superman sarà anche candidato al premio “Outstanding Cinematic and
Box Office Achievement”, una categoria solitamente riservata ai
film popcorn che altrimenti verrebbero ignorati dalle giurie dei
premi.
“Il posizionamento nella
categoria drammatica sottolinea l’ambizione di Gunn di presentare
l’Uomo d’Acciaio, tradizionalmente associato
alla verità, alla giustizia e allo stile di vita americano, come
veicolo per temi importanti”, scrive la rivista. “Al di là
dei Golden Globe, ‘Superman’ sta generando un certo interesse per
gli Oscar all’interno dei settori artigianali
dell’Academy”.
“Secondo i membri dell’AMPAS e
alcune fonti, il film sarebbe tra i primi favoriti per gli effetti
visivi, con Stephane Ceretti, Enrico Damm, Stéphane Nazé e Guy
Williams alla guida del team, anche se l’attesissimo ‘Avatar: Fuoco e Cenere’ si profila
come un formidabile concorrente”. Ci sono anche buone
possibilità che Superman venga premiato nelle categorie sonoro,
trucco e acconciature, anche se la colonna sonora non sarà presa in
considerazione perché presenta in modo massiccio il lavoro di
John Williams (il che significa che tecnicamente
non è abbastanza “originale” per essere nominata).
Con Un
semplice incidente (Un simple accident in
originale), Jafar Panahi torna alla regia dopo anni di
silenzio forzato, portando in concorso al Festival di
Cannes un’opera tanto minimale nei mezzi quanto dirompente nel
contenuto. Il film segna anche il suo ritorno pubblico: è la prima
volta in quattordici anni che il regista iraniano riesce a lasciare
il Paese per accompagnare personalmente una propria opera, accolto
da una lunga e commossa ovazione al Grand Théâtre Lumière. Non si
tratta solo di una presenza simbolica, ma di un gesto politico e
artistico che rafforza il valore già altissimo del film.
La storia si apre con
una scena ordinaria, quasi dimessa: una famiglia viaggia di notte
su un’auto sgangherata lungo una strada deserta. Il padre, Eghbal,
investe un cane e il guasto che ne deriva li costringe a fermarsi
in un’officina. Lì si trova Vahid, un uomo segnato dalla prigione,
che riconosce nell’andatura claudicante del conducente — provocata
da una protesi — il suo ex aguzzino. Da quel momento la narrazione
vira bruscamente: Eghbal viene sequestrato, portato nel deserto e
costretto a scavarsi la fossa. Ma Vahid non riesce a chiudere il
cerchio: il dubbio si insinua, e con esso nasce la necessità di
confermare quell’identità.
Un road movie atipico, claustrofobico e pieno di
incertezze
Un semplice
incidente (guarda
il trailer del film) diventa così un road movie atipico,
claustrofobico e pieno di incertezze, costruito attraverso una
serie di tappe che mettono in discussione ogni presunta verità.
Vahid cerca testimoni tra gli ex detenuti che, come lui, hanno
subito torture da parte dello stesso uomo: una fotografa, una
giovane donna che si sta per sposare, una ex coppia. Tutti
raccontano le stesse violenze, ma nessuno può affermare con
sicurezza che quell’uomo — ora prigioniero e in silenzio — sia
davvero il responsabile. In molti casi, l’unico ricordo che rimane
è un dettaglio sensoriale: l’odore del sudore, un suono familiare,
un’impressione fisica rimasta impressa nella memoria più del
volto.
Il film riflette in modo
diretto e tagliente su ciò che accade quando la giustizia
istituzionale viene meno, e lascia spazio al sospetto, all’odio,
alla tentazione di farsi giudici e carnefici. Ma al centro del
racconto c’è sempre il dubbio, che non solo frena l’azione, ma la
disarma. Anche quando tutti sembrano concordi sulla colpevolezza,
resta la domanda: “E se ci sbagliassimo?”
Con mezzi limitati e
attori in gran parte non professionisti, Panahi costruisce un’opera
compatta, priva di orpelli, che lavora per sottrazione. La tensione
cresce con naturalezza, grazie a una regia che dosa con precisione
il tempo e lo spazio. Gli ambienti — quasi sempre chiusi o notturni
— contribuiscono a creare un senso di isolamento e di precarietà.
Il montaggio evita l’enfasi, mentre il suono ha un ruolo centrale:
nel finale, un’inquadratura apparentemente neutra è resa
disturbante proprio da ciò che si sente, non da ciò che si
vede.
Come già accaduto in
Taxi Teheran o No Bears, Panahi fa della semplicità
un punto di forza. La messa in scena è scarna, ma ogni elemento —
un’inquadratura fissa, un silenzio prolungato, un rumore fuori
campo — ha un peso specifico. E se il film prende spunto da
un’esperienza personale, Panahi evita l’autobiografismo diretto per
costruire un racconto corale, in cui l’Iran contemporaneo è
rappresentato attraverso una serie di volti e storie che si
intrecciano nella precarietà della sopravvivenza.
Durante la conferenza
stampa, Panahi ha parlato apertamente della propria detenzione
nella famigerata prigione di Evin, raccontando condizioni di vita
al limite dell’umano e interrogatori quotidiani. Ha spiegato come
il film sia nato proprio da quella esperienza: «In un certo
senso, non sono io ad aver fatto questo film. È la Repubblica
Islamica che l’ha fatto, perché mi ha messo in carcere». E ha
poi rivolto un pensiero ai colleghi e agli artisti che ancora oggi
non possono lavorare: «Oggi sono qui con voi, ma dietro di me
c’è un muro. E dietro quel muro ci sono ancora tanti altri che sono
rimasti dentro».
Vendetta, giustizia, memoria e trauma senza retorica
Un simple
accident è un film che parla di vendetta, giustizia, memoria e
trauma, ma lo fa evitando la retorica. È un’opera che pone domande
più che offrire risposte, e che racconta un Paese dove i confini
tra vittima e carnefice si confondono, dove la verità è sempre
filtrata dalla paura e dal dolore. Panahi firma così uno dei film
più potenti e necessari della sua carriera: un’opera compatta,
etica, politica, ma anche umanissima. E conferma ancora una volta
la sua centralità in un cinema che resiste, anche quando tutto
sembra spingerlo verso il silenzio.
Il film d’azione ricco di acrobazie
The
Fall Guyha finora entusiasmato il
pubblico, ma The
Fall Guy 2 vedrà mai la luce? Basato sull’omonima serie
TV degli anni ’80 con Lee Majors, The Fall Guy è ambientato
sul set del prossimo blockbuster hollywoodiano, Metalstorm,
dove uno stuntman e un regista esordiente diventano inconsapevoli
pedine di un piano malvagio ordito da un attore protagonista geloso
e da un produttore intrigante. Leggero nella trama e ricco di
divertimento, The Fall Guy è tanto un omaggio all’arte poco
conosciuta delle acrobazie quanto alla classica serie degli anni
’80.
Questo film esplosivo e ambizioso
sul mondo del cinema ha soddisfatto la critica e ha persino
recuperato al botteghino dopo un’apertura deludente. Uno dei punti
di forza di The Fall Guy è l’intesa tra i protagonisti, con
Ryan Gosling che completa perfettamente
Emily Blunt in questo film d’azione e commedia. I
film di Ryan Gosling hanno portato l’attore dai ruoli più
drammatici a quelli più comici, e The Fall Guy è un perfetto
esempio della straordinaria versatilità di questo attore di prima
grandezza. I film d’azione sono sempre stati il terreno fertile
perfetto per i sequel, e The Fall Guy 2 sembra una
possibilità concreta.
Ultime notizie su The Fall Guy
2
Gosling conferma la
sceneggiatura del sequel
Sebbene l’esercizio di
scrittura possa essere stato catartico per Blunt e Gosling,
rappresenta la possibilità molto concreta che The Fall Guy 2 possa
diventare realtà.
Sebbene non si tratti di un
annuncio ufficiale della realizzazione del sequel, le ultime
notizie vedono Ryan Gosling rivelare che la sceneggiatura di The
Fall Guy 2 è stata scritta. In una recente intervista, Gosling
ha lasciato intendere che lui e Blunt hanno scritto una
sceneggiatura per un sequel di Fall Guy, in modo da poter “sapere,
solo per noi stessi, cosa succede a Colt e Jody.” Sebbene
l’esercizio di scrittura possa essere stato catartico per Blunt e
Gosling, esso rappresenta la possibilità molto concreta che The
Fall Guy 2 possa diventare realtà.
Leggi qui sotto il commento
completo di Gosling:
Il sequel si è scritto
da solo, in un certo senso. Conosciamo già [la storia] molto bene.
Speriamo solo che questo film piaccia abbastanza al pubblico da
permetterci di continuare a raccontare la storia di questi
personaggi. Li amiamo tantissimo, amiamo questo mondo e sono sicuro
che ce la possiamo fare… Oh sì, [abbiamo già una sceneggiatura].
Noi già… voglio dire, amiamo così tanto questi personaggi che
volevamo sapere, solo per noi stessi, cosa succede a Colt e [al
personaggio di Emily Blunt] Jody dopo la fine del film? Qual è la
fase successiva per loro? E sappiamo esattamente di cosa si tratta.
Quindi speriamo che anche il pubblico voglia
saperlo.
The Fall Guy 2 non è
confermato
Ancora nessuna notizia sul
sequel
Nonostante tutto sia pronto per un
sequel, The Fall Guy 2 non è stato confermato. Con Gosling,
Blunt e il regista David Leitch che hanno tutti espresso il
desiderio di un sequel, non c’è dubbio che potrebbe realizzarsi.
Tuttavia, i dati al botteghino di The Fall Guy saranno un fattore
decisivo per il futuro del franchise, ma non sembrano nemmeno così
male. Sebbene non sia il successo strepitoso che gli studios
avrebbero sperato, i risultati iniziali suggeriscono che è ben
lontano dall’essere un flop.
Il cast di The Fall Guy
2
Blunt e Gosling
torneranno?
Nonostante sia un film su un grande
blockbuster hollywoodiano, il cast principale di The Fall Guy era
relativamente piccolo, e alla fine del film era ancora più ridotto.
Ci sono solo una manciata di
attori che potrebbero tornare per The Fall Guy 2, e quel
piccolo ensemble è guidato da Ryan Gosling nel ruolo dello stuntman
Colt Seavers ed Emily Blunt nel ruolo della regista Jody
Moreno. Se The Fall Guy 2 alla fine vedrà la luce,
probabilmente introdurrà una serie di nuovi personaggi e alcuni di
essi potrebbero anche rimanere se in futuro ci saranno ulteriori
sequel.
La trama di The Fall Guy
2
Ci saranno altre acrobazie nel
futuro di Colt?
Gli scioperi di Hollywood del
2023 hanno messo in luce le disparità all’interno della più grande
industria di Tinseltown, e un sequel di Fall Guy potrebbe mettere
queste questioni al centro dell’attenzione, pur continuando a
offrire una storia coinvolgente ed emozionante.
Il finale di The Fall Guyè stato
conclusivo e ha risolto tutte le principali trame. Tuttavia,
questo non ha mai impedito a Hollywood di sfornare altri sequel,
soprattutto con una coppia come Blunt e Gosling che rappresenta una
miniera d’oro al botteghino. La trama più probabile di The
Fall Guy 2è tratta dalla serie TV e, sebbene condivida il
titolo, gran parte del classico degli anni ’80 è stato tralasciato
nel primo film. Il sequel potrebbe vedere Colt diventare un
cacciatore di taglie che usa la sua esperienza nelle acrobazie
per ottenere ricompense lucrative.
D’altra parte, The Fall Guy
2 potrebbe essere un’altra lettera d’amore alla comunità
degli stuntman ed esplorare le questioni che devono affrontare
coloro che lavorano nell’industria cinematografica in ruoli poco
conosciuti. Gli scioperi di Hollywood del 2023 hanno messo in luce
la disparità all’interno della più grande industria di Tinseltown,
e un sequel di Fall Guy potrebbe mettere queste questioni al
centro della scena, pur offrendo una storia coinvolgente ed
emozionante.
Cynthia Erivo sostituisce la tunica nera di
Elphaba in Wicked con la toga nera di un avvocato
difensore e la parrucca grigia nella prima immagine di
Prima Facie. L’attrice britannica è stata
candidata due volte all’Oscar per i suoi ruoli di Harriet Tubman in
Harriet (2019) e di Elphaba in
Wicked (2024). Riprende quest’ultimo ruolo in
Wicked
– Parte Due, in uscita il 21 novembre.
Tramite Variety, è stata rivelata
la prima immagine di Cynthia Erivo
nell’adattamento cinematografico di Prima Facie. Guardala qui
sotto:
Cortesia Embankment Films via Variety
Prima Facie segue
Cynthia Erivo nei panni di Tessa Ensler, una
giovane e talentuosa avvocatessa britannica che, partendo da un
ambiente operaio, ha iniziato a difendere uomini accusati di
violenza sessuale. Tuttavia, mentre la sua carriera inizia a
decollare, si trova di fronte a una scelta che la costringe a
conciliare la sua passione per la legge con la sua spinta personale
a cercare vera giustizia.
L’adattamento cinematografico è
diretto dalla vincitrice del BAFTA e due volte candidata agli Emmy
Susanna White (Bleak House, Jane Eyre,
Generation Kill), con una sceneggiatura scritta da
Suzie Miller basata sulla sua pluripremiata opera
teatrale, interpretata da Jodie Comer e vincitrice dei Laurence
Olivier Awards come Miglior Nuova Opera e Miglior Attrice, oltre a
un Tony Award come Miglior Attrice.
Oltre all’uscita di un’immagine in
anteprima, è stato annunciato il cast di supporto del film. Il cast
include Daniel Ings, Elizabeth Dulau, Noma
Dumezweni, il candidato agli Emmy Toheeb
Jimoh (Ted
Lasso), Harry Treadaway, Sarah Junillon,
Elliot Levey e il due volte vincitore del BAFTA
Simon Russell Beale (The Hollow Crown, A
Dance to the Music of Time).
Le riprese dell’adattamento
cinematografico di Prima Facie sono terminate a
Londra.
La scena post-crediti di The Fall
Guy include cameo importanti, ed ecco cosa potrebbero
significare per il futuro del franchise. Il film d’azione del 2024
vede protagonisti Ryan Gosling ed Emily Blunt in un remake moderno dell’omonima
serie TV degli anni ’80. Il cast di The
Fall Guy mantiene l’attenzione su Colt Seavers di Gosling e
Jody Moreno di Blunt, mentre le vite dello stuntman e della regista
esordiente si intrecciano nuovamente. La trama principale del film
segue Colt mentre cerca di trovare il protagonista scomparso del
film di Jody, solo per scoprire che fa parte di un piano elaborato
da Tom Ryder (Aaron
Taylor-Jonson).
Quando The Fall Guy giunge al termine, il pubblico ha seguito
il viaggio di Colt e Jody per smascherare il piano di Tom sul set
di Metalstorm. Tra acrobazie mozzafiato e scene d’azione,
vengono gettate le basi per un potenziale nuovo franchise. Con
un’intera serie TV di materiale a cui ispirarsi per i futuri
capitoli, le aspettative sul franchise non hanno fatto altro che
aumentare la probabilità che The Fall Guy abbia una scena
dopo i titoli di coda. A quanto pare, il film utilizza i titoli di
coda per diversi scopi.
The Fall Guy ha una scena dopo
i titoli di coda
C’è una scena a metà dei titoli
di coda
È confermato che The Fall
Guy ha una scena dopo i titoli di coda. Il filmato
aggiuntivo viene mostrato durante la sequenza a metà dei titoli di
coda del film e non c’è una seconda scena dopo i titoli di coda
alla fine. Ciò significa che il pubblico deve solo guardare le
prime parti dei titoli di coda quando e dove guarda The Fall
Guy senza temere di perdersi alcun potenziale sviluppo del
franchise. Si consiglia comunque di guardare l’intera sequenza dei
titoli di coda per vedere i nomi di tutti coloro che hanno lavorato
al film, soprattutto dopo la scena a metà dei titoli di coda di
The Fall Guy.
I titoli di coda di The Fall
Guy rendono omaggio alla squadra di stuntman
Prima della scena post-titoli di
coda, gli spettatori possono godersi il dietro le quinte della
squadra di stuntmandi The Fall Guy mentre eseguono le
varie scene d’azione. Il film è una lettera d’amore alla comunità
degli stuntman sotto molti aspetti, quindi mostrare i controfigura
in azione dopo la conclusione del film è un meraviglioso tributo.
Ciò consente a The Fall Guy di prendersi una pausa dalla
trama del film, dall’impostazione di un franchise o dal
collegamento con la serie originale per mostrare l’incredibile team
di stuntman che ha dato vita al film.
La scena a metà dei titoli di
coda di The Fall Guy riporta in scena le star della serie TV
originale
Lee Majors e Heather Thomas
tornano
Il contenuto effettivo della scena
a metà dei titoli di coda di The Fall Guy è l’occasione per
il film di rendere omaggio alla serie TV originale. Dopo le riprese
dietro le quinte delle acrobazie, i titoli di coda tornano al
finale del film sul set di Metalstorm. La sequenza mostra i
poliziotti che arrivano per arrestare Tom e Gail (Hannah
Waddingham), con Tom che si fa saltare in aria cercando di chiamare
aiuto.
È qui che la scena dei titoli di
coda di The Fall Guyinclude i cameo di Lee Majors e Heather Thomas,
due dei protagonisti della serie TV originale degli anni ’80.
Nella serie TV The Fall Guy,
Lee Majors interpretava Colt Seavers, il ruolo che ora ricopre
Ryan Gosling. Heather Thomas interpretava Jody
Banks, una stuntwoman che lavorava spesso con Colt. I due erano i
protagonisti della serie originale insieme a Howie Munson,
interpretato da Douglas Barr. Non si sa perché Douglas Barr non si
sia unito a Majors e Thomas per la comparsa. Lee Majors e
Heather Thomas non riprendono i loro ruoli nella scena a metà
dei titoli di codadi The Fall Guy, poiché i poliziotti che
interpretano sono personaggi completamente nuovi. Inoltre, non
interagiscono con le nuove versioni dei loro vecchi ruoli ora
interpretati da Gosling e Blunt.
Lee Majors ha confermato che
apparirà in The Fall Guy nel 2023. Majors è accreditato come The
Fall Guy, mentre Thomas è accreditata come Jody Banks, anche se non
sembrano essere gli stessi personaggi della serie originale.
Cosa significa la scena dopo i
titoli di coda di The Fall Guy per il sequel
Lee Majors e Heather Thomas
torneranno?
A differenza della maggior parte
delle scene post-crediti dei potenziali franchise, la scena a
metà dei titoli di coda di The Fall Guy non ha lo scopo di
preparare il terreno per un sequel. Il contenuto della scena
viene invece utilizzato per concludere ulteriormente la storia
principale, arrivando persino a spiegare il
cameo di Jason Momoa in The Fall Guy. Sembra invece che
lo scopo principale del tag fosse quello di inserire i cameo di Lee
Majors e Heather Thomas.
David Leitch voleva trovare un modo
per rendere omaggio alle star originali e includerle nel reboot.
Alla fine, il film ha optato per i cameo di entrambi a metà dei
titoli di coda.
Il ritorno di Lee Majors e Heather
Thomas nei titoli di coda di The Fall Guy non fa
probabilmente parte di un piano che prevede ruoli più importanti
per loro in un eventuale sequel. I loro nuovi personaggi di
poliziotti potrebbero potenzialmente tornare per futuri cameo se
venissero realizzati altri film e Colt e Jody continuassero a fare
scalpore. Tuttavia, non ci si dovrebbe aspettare che Majors e
Thomas abbiano ruoli più importanti in The Fall Guy 2 dopo le loro apparizioni nella scena
a metà dei titoli di coda.
È piuttosto sorprendente vedere
The Fall Guy utilizzare una scena a metà dei titoli di coda
il cui unico scopo non è quello di preparare il terreno per futuri
sequel. Questo può però giocare a favore del franchise, poiché
lascia la porta aperta a ciò che potrebbe accadere in un sequel. Il
primo film avrebbe potuto mettere il franchise in un vicolo cieco
con un sequel più diretto nei titoli di coda. È più sicuro per la
scena post-titoli di coda di The Fall Guy onorare le
star della serie TV originale con cameo e aspettare di vedere se il
film avrà abbastanza successo da meritare un franchise prima di
stuzzicare il pubblico.
Dal 2008, il Marvel Cinematic Universe
ha portato al cinema (e in tv) molti amati eroi e cattivi del mondo
dei fumetti. Mentre diversi attori di alto profilo si sono uniti
alla timeline dell’MCU negli ultimi due anni, il viaggio potrebbe
presto concludersi per un grande beniamino dei fan.
Durante la sua recente apparizione
allo Stronger Podcast, Sebastian Stan ha parlato apertamente del suo
futuro con i Marvel Studios e di quanto a lungo si vede
interpretare Bucky Barnes. La star candidata
all’Oscar ha dichiarato: “Devo cercare di offrire qualcosa di
diverso rispetto a prima”.
Stan ha continuato: “E non ho
mai favorito un ruolo rispetto a un altro. Il materiale Marvel, lo
sentirò sempre, fino alla fine dei tempi, [mi] ha davvero aiutato a
crescere come persona e come attore, e mi ha insegnato le
relazioni”. Il co-protagonista di Falcon & The Winter
Soldier ha sottolineato gli aspetti chiave del suo lavoro
con star come “Robert Downey [Jr.] e Scarlett [Johansson] e
tutte queste persone che ammirava”.
Mentre per lui “era un lavoro.
Era una famiglia e mi ha dato un senso di appartenenza, e c’è
sempre stato”, Stan ha sottolineato che il suo mandato nel MCU
“è stato solo il primo passo per me”.
L’attore è stato visto l’ultima volta sul grande schermo nel MCU
come parte del cast del film Thunderbolts*.
Il 26 marzo 2025, Sebastian Stan è stato uno dei tanti attori
rivelati come parte del cast di Avengers: Doomsday durante la
diretta streaming a sorpresa dei Marvel Studios per il capitolo
della Fase 6. Le riprese principali di questo capitolo si sono
concluse il 19 settembre 2025.
Non è noto se il Bucky di Stan farà
parte del cast di Avengers: Secret Wars, poiché
le riprese del finale della Fase 6 devono ancora iniziare. Ma con
l’ultimo film della Saga del Multiverso che dovrebbe
resettare l’MCU, il 2027 potrebbe potenzialmente essere l’ultima
volta che molte star di lunga data del franchise, tra cui Sebastian Stan, interpretano i rispettivi
personaggi.
Il finale di The Fall
Guyrisolve i nodi irrisolti della trama e
culmina con un destino scioccante per Tom Ryder. Diretto da David
Leitch, il cast di The
Fall Guy include Ryan Gosling ed Emily Blunt nei panni rispettivamente dello
stuntman Colt Seavers e della regista esordiente Jody Moreno.
Sebbene Colt l’abbia lasciata dopo l’infortunio alla schiena che ha
quasi posto fine alla sua carriera, lui e Jody hanno riaccendo la
loro storia d’amore alla fine del film. Colt e Jody hanno scoperto
che Tom non solo era vivo, ma che lui e Gail stavano tramando un
piano malvagio per attribuire le loro malefatte a Colt e uscirne
indenni.
Jody e Colt reclutano l’intera
squadra di stuntman che lavora al film di Jody, Metalstorm,
per ottenere la confessione di Tom in modo che Colt non finisca in
prigione. Gail fa del suo meglio per fermarli, ma Colt riesce a
ottenere la confessione prima che lei voli via in elicottero.
Nonostante i cartelli che avvertono che i cellulari sono pericolosi
vicino alle aree delle acrobazie esplosive, Tom usa il suo telefono
prima di essere portato via dalla polizia e finisce per farsi
saltare in aria. Poco dopo, Jody finalmente finisce il suo primo
film e il trailer viene presentato in anteprima al Comic-Con.
Colt e Jody smascherano il
piano di Tom Ryder nel finale di The Fall Guy
Tutto ciò che accade a Colt è
opera di Tom e Gail
Colt e Jody escogitano un piano per
smascherare i piani di Tom e Gail usando la debolezza di Tom contro
di lui.
Colt sapeva che Tom odiava che gli
venisse chiesto se avesse fatto le sue acrobazie; l’attore voleva
essere lodato per un lavoro che non aveva fatto. Colt pensò di
lasciare che Tom dimostrasse il suo valore mettendolo al volante di
un’auto da stunt, spingendolo a confessare di aver ucciso lo
stuntman e di aver cercato di incastrare Colt per questo. Questo
chiude il cerchio di The Fall Guy, poiché mette in pericolo la vita
di Tom come lui ha fatto con Colt all’inizio del film.
Inoltre, Colt scopre che tutto,
compresa la sua caduta, è successo a causa di Tom e Gail. Gail,
nel frattempo, stava anche cercando di mettere zizzania tra Colt e
Jody, allontanandoli ulteriormente in modo che nessuno dei due
sospettasse cosa stesse succedendo. Ciò che Gail finì per fare,
tuttavia, fu avvicinare Colt e Jody. I teppisti di Tom che
tentarono di uccidere Colt e che furono quasi incastrati per
omicidio gli fecero davvero vedere le cose in prospettiva. Questo
ha insegnato a Colt ad affidarsi a Jody per chiedere aiuto invece
di allontanarla.
Cosa succede a Metalstorm dopo
la morte di Tom
La produzione del film non si
ferma nonostante la morte di Tom
La morte di Tom ha lasciato
Metalstorm senza protagonista, ma Jason Momoa ha assunto il ruolo lasciato da
Tom, entrando ufficialmente a far parte del cast di The Fall
Guy. Anche senza Gail come produttrice, Jody è riuscita a
finire il terzo atto del film, che lo studio ha finito per amare.
Con Momoa a bordo, Jody è finalmente riuscita a completare
Metalstorm senza grossi intoppi, prendendo ispirazione dalla
sua vita per la storia. Con il trailer presentato in anteprima
al SDCC con grande energia e clamore, Metalstorm era pronto
a diventare un grande successo per Jody, realizzando il suo
sogno di diventare una regista d’azione.CorrelatiDove guardare The
Fall Guy: orari e disponibilità in streamingIl film d’azione con
Ryan Gosling ed Emily Blunt è arrivato, ed ecco dove guardare The
Fall Guy con gli orari delle proiezioni nelle sale e in streaming
da casa.
Perché Gail ha davvero assunto
Jody per dirigere Metalstorm
Gail ha usato Jody per i propri
scopi
Gail non era una semplice
spettatrice nel piano di Tom; credeva semplicemente che l’attore
fosse troppo importante per finire in prigione per i suoi crimini,
tra cui quello di aver ferito intenzionalmente Colt durante le
riprese di un’acrobazia sul set un anno prima. Jody desiderava da
tempo diventare regista; aveva solo bisogno di un’occasione per
mettersi alla prova. Gail le diede quell’occasione, ma solo perché
credeva che Jody fosse una persona facilmente influenzabile, che
avrebbe potuto manipolare a suo piacimento.
Gail utilizzò Jody anche per
assicurarsi che Tom avesse un film d’azione in cui recitare,
soprattutto considerando la sua storia con gli stuntman e il suo
comportamento generalmente pessimo. Gail sapeva che riportare
Colt sulla scena avrebbe distratto Jody, dandole più tempo per
pianificare con Tom. Sfortunatamente per Gail, Jody non era così
facile da influenzare. Il seme del dubbio aveva iniziato a
germogliare e, nonostante fosse un po’ disillusa, Jody continuava a
fidarsi più di Colt che di Gail. Alla fine di The Fall Guy,
Jody aveva capito tutto e aveva dimostrato a Gail che non era una
con cui scherzare.
Come The Fall Guy si collega
alla serie TV originale
Due volti familiari fanno la
loro comparsa
La scena a metà dei titoli di
coda di The Fall Guy include due cameo di Lee Majors e Heather
Thomas, i protagonisti della serie TV originale The Fall
Guy. Gli attori interpretano due agenti di polizia che arrivano
sulla scena dopo che The Fall Guy ha completato le scene
acrobatiche. Nella serie originale, Majors interpretava Colt
Seavers mentre Thomas interpretava Jody Banks, una stuntwoman che a
volte lavorava con Colt. Anche se Major e Thomas non riprendono i
loro ruoli originali, i loro cameo sono un bel omaggio alla serie
TV degli anni ’80.
Il finale di The Fall Guy è una
dedica agli stuntman
The Fall Guy non solo rende
omaggio alle star della serie, ma è anche una lettera d’amore alla
comunità degli stuntman. Il finale della commedia d’azione presenta
filmati dietro le quinte degli stuntman reali che hanno lavorato al
film. Il film stesso rende omaggio al lavoro della comunità
degli stuntman di Hollywood, ma il finale di The Fall
Guy è una vera e propria dedica allo sforzo che hanno profuso
nel film e alle pericolose acrobazie che riescono a compiere,
facendo allo stesso tempo fare bella figura agli attori. Il finale
rende giustizia alla comunità degli stuntman e mette in luce il
loro duro lavoro e il loro impegno.
Come il finale di The Fall Guy
prepara il terreno per un sequel
Fall Guy 2 potrebbe esplorare
più a fondo il mondo delle acrobazie
The Fall Guy può avere un
finale definitivo, che conclude la sua storia e riunisce Colt e
Jody, ma ciò non significa che il pubblico non vedrà più i
personaggi. Il finale del film mostra quanto si può fare con le
acrobazie, e The Fall Guy 2 potrebbe esplorare più a
fondo il mondo delle acrobazie e chi ne fa parte. È possibile
che Colt, come nella serie originale, diventi un cacciatore di
taglie, conciliando questa attività con la sua vita di stuntman. È
riuscito a uscire da una situazione in cui era stato incastrato e
un sequel potrebbe vederlo mettere a frutto il suo lavoro di
stuntman in altri ambiti.
Cosa hanno detto il cast e il
regista di The Fall Guy riguardo a un sequel
Il finale diThe Fall Guy non
anticipa direttamente un altro film, ma il regista David Leitch è
sicuramente interessato a realizzare un sequel della commedia
d’azione. Se dipendesse da lui, ne realizzerebbe più di uno.
Parlando con Variety, Leitch ha discusso la possibilità di realizzare
The Fall Guy 2. Ecco cosa ha detto:
Se il pubblico lo desidera, siamo tutti d’accordo. È
stata un’esperienza fantastica per tutti. Ryan ed Emily vogliono
tornare, noi vorremmo tornare. Vogliamo realizzarne cinque. È stata
una delle migliori esperienze cinematografiche che abbiamo mai
avuto. Facciamolo.
Emily Blunt ha condiviso un
sentimento simile quando ha parlato di un potenziale sequel di The
Fall Guy. Alla fine del film, il suo personaggio ha realizzato il
suo sogno di finire il suo primo lungometraggio come regista, e un
sequel potrebbe affrontare ciò che succede dopo per Jody. Ecco cosa
ha detto Blunt sulle possibilità di un sequel (tramite Total
Film):
Se potessi, farei molti Fall Guys. È stato troppo
divertente.
Allo stesso tempo, la Blunt ammette
che il sequel di The Fall Guy dipende davvero dagli spettatori,
poiché lo studio dovrà vedere se “la gente lo ama” o meno. Ryan
Gosling rivela lo stesso. Ha detto a
Fast Company che lui, Blunt e Leitch “conoscono già la storia”
di ciò che comporterebbe un sequel, ma che spetta al pubblico amare
abbastanza il film, il che significa che The Fall Guy deve avere
successo al botteghino, in modo che possano continuare a giocare
nel mondo del film.
Il vero significato del
finale di The Fall Guy
Il finale di The Fall Guy rende
omaggio a coloro che lavorano nell’ombra di Hollywood e suggerisce
che la comunità degli stuntman, proprio come qualsiasi star del
cinema, dovrebbe essere sotto i riflettori. In un certo senso,
la conclusione di The Fall Guy prende in giro gli attori che non
danno il giusto merito ai loro controfigura. Tom passa tutto il
film ad arrabbiarsi perché la gente mette in discussione le sue
acrobazie, ma fa in modo che i suoi stuntman non gli rubino la
scena. The Fall Guy riconosce in definitiva che gli attori
non sono nulla senza le loro controfigure e la squadra di stuntman
in generale, senza i quali le scene d’azione non
funzionerebbero.
Inoltre, il finale di The Fall Guy
è una lezione per Colt, che dopo l’infortunio si sentiva come se
avesse perso una parte di sé. Colt non sapeva più chi fosse se non
faceva acrobazie, ma ha imparato che chi lo amava non lo
considerava inferiore per questo. Ha anche capito che non avrebbe
dovuto allontanare Jody e che avere qualcuno dalla sua parte era
una cosa positiva. Tutto sommato, Colt ha messo da parte il suo
orgoglio alla fine di The Fall Guy ed è riuscito ad
accettare l’aiuto e l’amore, il che lo ha reso una persona più
forte.
Il finale di The Fall
Guy include un cameo di un importante attore
hollywoodiano che cattura perfettamente il tono meta del film. Il
film vede Ryan Gosling nel suo attesissimo seguito al
film di maggior incasso del 2023, Barbie. È anche una grande
lettera d’amore e un tributo alla storia degli stuntman e delle
stuntwoman di Hollywood, con diverse acrobazie spericolate e scorci
della magia del cinema dietro le quinte. The
Fall Guy è in parte una commedia romantica, in parte una
commedia d’azione e al 100% un divertimento che piace al
pubblico. Gosling brilla nel cast di The Fall Guy
insieme a Emily Blunt e a un cast di supporto stellare
composto da Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham
e Winston Duke.
Nonostante l’accoglienza positiva
della critica, The Fall Guy ha deluso al botteghino,
incassando meno di 28 milioni di dollari nel weekend di apertura e
un totale mondiale di 180 milioni di dollari a fronte di un
budget di produzione di 125 milioni di dollari. Anche se The
Fall Guy è considerato un flop al botteghino, va considerato
anche il fatto che The Fall Guy è attualmente uno dei primi
20 film di maggior incasso del 2024. The Fall Guy ha anche
criticato gli Oscar per la mancanza di rappresentanza degli
stuntman e ha chiesto l’introduzione di una categoria ufficiale
dedicata agli stuntman agli Academy
Awards. Inoltre, The Fall Guy ha stabilito un nuovo
Guinness World Record per il maggior numero di capriole con un’auto
in uno stunt di un film.
Jason Momoa fa un cameo nel
finale di The Fall Guy nei panni di se stesso
Momoa è la nuova star del film
fittizio Metalstorm
Nel finale di The Fall Guy, Jason Momoa fa un’apparizione a sorpresa. Il film
è incentrato sullo stuntman protagonista interpretato da Ryan Gosling, Colt Seavers, alla ricerca della
star scomparsa di un film chiamato Metalstorm, diretto dal
personaggio di Emily Blunt, Jody. Colt viene coinvolto in una
cospirazione che porta alla rivelazione che la star scomparsa, Tom
Ryder interpretato da Aaron Taylor Johnson, ha ucciso un altro
stuntman. Alla fine, Ryder viene licenziato da Metalstorm e
arrestato, aprendo la strada al cameo di Momoa.
Il finale di The Fall
Guyrivela che Momoa è l’attore ingaggiato per sostituire Tom
Ryder nel ruolo principale del film di Jody. Ciò significa che
il primo interpreta una versione meta-fiction di se stesso in
The Fall Guy, recitando nel film di Jody, Metalstorm. Poiché
la trama di The Fall Guy è autoreferenziale, ingaggiare
Momoa per interpretare se stesso si adatta perfettamente al tono
del film. La spiegazione del cameo si estende anche alla scena
post-crediti di The Fall Guy.
The Fall Guy ha anticipato
il cameo di Momoa all’inizio del film, quando Colt trova un post-it
di Ryder con scritto “È Momoa o Mamoa?”
Il cameo di Jason Momoa in The
Fall Guy prepara il terreno per un ruolo nel sequel
Jason Momoa potrebbe tornare in
The Fall Guy 2
Sebbene il cameo di Momoa in The
Fall Guy sia di per sé una gag divertente, potrebbe anche
preparare il terreno per una storia in The Fall Guy 2. Un
sequel di The Fall Guy non è stato confermato, ma
l’inclusione di Momoa potrebbe portare a un seguito. Il primo film
era incentrato su Colt coinvolto nel dramma della vita di Ryder,
qualcosa che potrebbe facilmente continuare se Momoa fosse
utilizzato in un sequel. Questo non solo consentirebbe un perfetto
duo sullo schermo tra Jason Momoa e Ryan Gosling, ma continuerebbe
anche il meta-senso dell’umorismo di The Fall Guy.
Avere Momoa in un ruolo più
importante come versione romanzata di se stesso potrebbe portare a
una fantastica commedia autoreferenziale. In questo caso, The
Fall Guy 2 potrebbe continuare la storia del primo film, con
Colt coinvolto negli affari di un attore, anche se con il notevole
cambiamento che Momoa non sarebbe il cattivo. Ciò consentirebbe a
un potenziale sequel di The Fall Guy di sembrare familiare
ma allo stesso tempo fresco, sfruttando al contempo l’esilarante
cameo di Momoa nel primo film.
Perché Jason Momoa ha un cameo
in The Fall Guy
Sostituisce il personaggio di
Aaron-Taylor Johnson nel film immaginario
Jason Momoa interpreta se stesso
in The Fall Guy in un momento meta-cinematografico.
Viene chiamato a sostituire il personaggio immaginario della star
del cinema Tom Ryder, interpretato da Aaron-Taylor Johnson, dopo
che Colt Seavers, lo stuntman di Tom interpretato da Ryan Gosling,
lo smaschera. Alla fine di The Fall Guy, si scopre che Tom
Ryder aveva cospirato con Gail Meyer, la sua fedele e spietata
produttrice, per sbarazzarsi di Colt, geloso del fatto che questi
gli rubasse la scena durante la produzione del film d’azione
fantascientifico immaginario di Jody Moreno, Metalstorm.
Dopo che Colt trova Tom, che è “scomparso” sullo yacht di Gail,
viene incastrato e quasi ucciso, ma alla fine fa pagare sia Tom che
Gail.
Momoa, che è una delle star di
grande nome nel blockbuster fantascientifico di Denis Villeneuve
del 2021 Dune, sostituisce Tom Ryder dopo che questi
viene licenziato dal film di Jody una volta scoperto il complotto
suo e di Gail. The Fall Guy si conclude con Tom che muore in
un’esplosione e Gail che probabilmente dovrà affrontare accuse
penali grazie alla pronta reazione dei personaggi dei poliziotti
interpretati da Lee Majors e Heather Thomas, che negli anni ’80
hanno recitato rispettivamente nei panni di Colt e Jody nella serie
televisiva Fall Guy. Metalstorm ha già elementi satirici di Dune
con i suoi temi fantascientifici e l’ambientazione desertica, il
che rende Momoa una scelta esilarante e azzeccata per interpretare
il ruolo di Tom nel film fittizio all’interno del
film.CorrelatiContinuo a sperare in The Fall Guy 2, affinché la
sfortuna di Ryan Gosling ed Emily Blunt con i franchise finiscaThe
Fall Guy avrebbe dovuto lanciare un franchise d’azione per Ryan
Gosling ed Emily Blunt, e spero che il sequel venga realizzato per
porre fine alla loro sfortuna.
Cosa ha detto Jason Momoa sul
suo cameo in The Fall Guy
Momoa ha promosso il suo film
nel film sui social media
Momoa ha utilizzato Instagram per
promuovere The Fall Guy in occasione dell’uscita del film
nelle sale all’inizio di maggio 2024. Con il suo nome utente
“prideofgypsies” in un post congiunto con “thefallguymovie”,
‘davidmleitch’ e “87northaction”, Momoa ha pubblicato un trailer di
Metalstorm che mostrava il suo personaggio vestito in abiti western
mentre sparava agli extraterrestri in un deserto polveroso. Momoa
ha scritto nella didascalia:
È MOMOA, non
MAMOA.
Mahalos Kelly McCormick@kmc_87ne David
Leitch@davidmleitchper avermi invitato a partecipare🤍
TUTTI DEVONO VEDERE @thefallguymovieORA, questo film è il motivo per cui amiamo i film: amore,
risate, qualche lacrima e ACROBAZIE, acrobazie da Guinness dei
primati una dopo l’altra.
È ora di tornare al cinema. Aloha J
Sebbene Momoa appaia solo per pochi
istanti in The Fall Guy, la sua presenza a sorpresa è una
delle migliori battute dell’intero film.
Dan Trachtenberg
ha dato nuova vita al franchise di Predator, e c’è
un personaggio originale che vorrebbe riportare in auge. Da quando
si è unito alla serie d’azione fantascientifica con l’acclamato
Prey, il regista ha offerto diversi spunti sulla
tradizione che circonda la razza aliena omonima, tra cui
l’antologia plurisecolare
Killer of Killers e l’ambientazione cosmica Badlands.
Ora, in un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant per
l’uscita di Predator:
Badlands, a Trachtenberg è stato chiesto quale
personaggio del passato del franchise vorrebbe riportare in vita.
Ridendo mentre ammette che la maggior parte sono stati “uccisi
in modo piuttosto raccapricciante e brutale” da vari Yautja,
ha espresso il suo amore per Billy, interpretato da Sonny
Landham nell’originale, pur riconoscendo che lui e il suo
team hanno “riportato in vita molti dei nostri personaggi
preferiti o hanno creato le condizioni per riportarli in
vita”.
La stile di Dan
Trachtenberg
Nei suoi tre capitoli, Dan
Trachtenberg ha portato un mix di nostalgia e originalità
ai suoi film Predator.
Prey ha utilizzato ritmi familiari dell’originale con
Arnold Schwarzenegger,
esplorando al contempo un’epoca e un gruppo di personaggi
principali diversi con la sua tribù Comanche, mentre
Killer of Killers ha presentato personaggi resilienti
che si scontrano con gli Yautja.
Quest’ultimo film, tuttavia, è il
più vicino che il franchise abbia mai visto al ritorno di
personaggi principali oltre all’alieno del titolo. Il finale di
Predator: Killer of Killers ha visto Naru
(Amber Midthunder), Mike Harrigan (Danny
Glover) e Dutch (Schwarzenegger) tutti in
animazione sospesa, aprendo la strada a un loro ritorno in futuro,
il primo dei quali era già atteso, dato che negli anni successivi
si sono susseguite voci su Prey
2.
Per quanto riguarda Dan
Trachtenberg, riportare Billy in vita in una futura storia
di Predator è complicato dopo la morte del
personaggio nell’originale. Come molte delle vittime degli Yautja,
Billy è stato scuoiato e gli sono stati rimossi la spina dorsale e
il cranio come trofeo. A questo si aggiunge la scomparsa di
Landham nel 2017, a meno che Trachtenberg non cerchi di
mostrare conversazioni allucinatorie tra Billy e Dutch, il suo
ritorno sarà un’impresa ancora più ardua.
Il prossimo film della saga
di Star
Wars, Star
Wars: Starfighter, è diretto da Shawn
Levy e l’uscita nelle sale è prevista per il 28 maggio
2027. Il cast include Ryan Gosling, Flynn Gray,
Mia Goth, Aaron Pierre,
Simon Bird, Jamael Westman,
Daniel Ings, Amy Adams e
Matt Smith. Il 28 agosto Lucasfilm ha annunciato
l’inizio delle riprese nel Regno Unito, confermando il cast e
rivelando una foto in bianco e nero di Gosling e Gray sul set.
Sebbene i dettagli della trama e dei personaggi siano ancora
segreti, è stato confermato che si tratterà di una storia autonoma
ambientata negli anni successivi a
L’ascesa di Skywalker.
Ora, durante una conversazione con
l’attrice Genevieve Gaunt nella boutique di Paul
Smith a Mayfair (tramite A Rabbit’s Foot), l’attore
Matt Smith ha rivelato che inizierà le riprese di
Starfighter a dicembre. Ha anche parlato di
come sta lavorando per definire il costume e l’aspetto generale del
suo personaggio. “Sto affrontando questo processo ora per il
lavoro che sto per fare. Stiamo cercando di trovare un costume, e a
volte non sai se ti piace un costume finché non lo indossi per un
paio di giorni”.
“Sto per girare Star Wars a
dicembre e stiamo cercando di sviluppare il look per quel
film“, ha poi aggiunto l’attore. Quando è stata diffusa la
notizia che Smith avrebbe recitato in Star
Wars: Starfighter, è stato riferito che avrebbe
interpretato un cattivo, e anche Goth avrebbe interpretato un
cattivo. Tuttavia, dato che Smith inizierà le riprese solo a
dicembre e che il prossimo film di Star Wars è in
produzione da agosto, il suo ruolo potrebbe essere meno importante
di quanto inizialmente previsto.
Come per ogni cattivo di Star
Wars, il costume e l’estetica generale sono essenziali. Prima
che Smith inizi le riprese, si sta dunque dedicando del tempo alla
finalizzazione di questi elementi. Finora, le uniche foto dal set
rilasciate mostrano i personaggi di Gosling e Gray, con
un’immagine di loro in mare svelata poche settimane dopo la
prima immagine in bianco e nero. Al momento, però, on ci sono
ancora state anteprime di Smith, Goth o di qualsiasi altro attore
coinvolto nel film.
Cosa sappiamo di Star Wars:
Starfighter
Il prossimo film
di Star Wars è descritto come un capitolo
autonomo dell’iconica saga fantascientifica che si svolgerà cinque
anni dopo gli eventi di L’ascesa di Skywalker del 2019. Oltre a Ryan Goslingnel cast
ritroviamo Amy Adams, Aaron Pierre,
Flynn Gray, Simon Bird,
Jamael Westman e Daniel Ings. Gli
attori Matt Smith e Mia Goth interpreteranno invece due
antagonisti nel film.
Finora, la trama del prossimo film
di Star Wars è rimasta segreta. Tuttavia, l’immagine condivisa nel
post dell’annuncio sembra suggerire che il personaggio di Ryan Gosling sarà in qualche modo una figura
protettrice o mentore del personaggio interpretato da Flynn Gray.
Questo evocherebbe una relazione adulto-bambino che è comune in
tutta la saga di Star Wars ed è stata al centro di episodi
come The
Mandalorian, Obi-Wan
Kenobi, Skeleton
Crew e La minaccia fantasma.
Prima che Predator:
Badlands diventasse un team tra Yautja e sitetici
Weyland-Yutani, il regista Dan Trachtenberg aveva
altre idee entusiasmanti su come rendere, per la prima volta nella
storia del franchise, il Predator come protagonista. A un certo
punto, tra queste idee, c’era persino una potenziale ambientazione
durante la Seconda Guerra Mondiale, un richiamo alle radici
paramilitari del film Predator del 1987.
In un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant, il
regista Dan Trachtenberg ha rivelato che una delle
prime idee scartate per Predator: Badlands avrebbe visto
gli Yautja affrontare i nazisti. L’idea è nata dal
tentativo di Trachtenberg di capire come trasformare il Predator in
eroe, il che, se avesse optato per la vittoria degli Yautja contro
gli umani, avrebbe significato trovare un gruppo di cattivi per cui
il pubblico non avrebbe fatto il tifo:
“In realtà è nato dal tentativo
di capire cosa avesse fatto il franchise in precedenza. C’era
questo sentimento diffuso tra i fan: ‘Perché il Predator viene
sempre massacrato?’. Dovrebbe essere il più grande cacciatore della
galassia e lo vediamo sempre perdere!
Così ho cercato di immaginare
una storia che abbracciasse la domanda ‘E se vincesse il
Predator?’. Ma non volevo solo fare uno slasher in cui alla fine
vince il cattivo. All’inizio, pensavo: ‘Beh, forse potrebbe essere
lui contro i nazisti o qualcosa del genere’, ma niente di tutto ciò
ha funzionato davvero finché non ho trovato il mio equilibrio nel
renderlo su un Predator in un clan follemente intenso e brutale che
cerca di dimostrare il suo valore.”
Il codice Yautja di
Predator li obbliga a dare la caccia agli assassini più pericolosi
per ottenere la massima gloria, il che ha portato a una
varietà di prede in tutto il franchise. Tra queste, la
squadra paramilitare di Predator, la polizia e i
cartelli della droga di Predator 2, vari
killer esperti in Predators, soldati con
disturbo da stress post-traumatico in The Predator,
cacciatori Comanche e commercianti di pellicce francesi in
Prey e guerrieri di varie epoche in
Predator: Killer of Killers. Tuttavia, c’è sempre
stato un motivo per tifare almeno per la maggior parte dei
personaggi umani.
I progetti di Hollywood
sulla caccia ai nazisti come Bastardi senza
gloria, Sisu e Hunters
di Prime Video hanno riscosso una
comprovata popolarità nel corso degli anni, ed è un concetto che si
adatterebbe facilmente alla premessa generale di “killer of
killers” del franchise di Predator. Sebbene il personale militare
abbia spesso avuto un ruolo, sorprende che Predator non abbia
ancora presentato un film ambientato nella Prima o Seconda Guerra
Mondiale per i territori di caccia degli Yautja.
Tuttavia,
Predator: Killer of Killers ha effettivamente
toccato l’argomento della Seconda Guerra Mondiale nella sezione
“The Bullet” del film antologico. Ambientata nel 1942, quella
storia animata era incentrata su un pilota di caccia della Marina
statunitense coinvolto in una battaglia con il Pilot Predator che
attaccava entrambe le fazioni in guerra. Pertanto, sebbene abbiamo
visto brevemente uno Yautja inserirsi in una battaglia in corso,
non lo abbiamo mai visto prendere di mira una singola truppa nel
mezzo di una delle due guerre mondiali per un intero
lungometraggio.
Sebbene Dan
Trachtenberg abbia in programma un altro film di Predator
dopo Badlands, sembra improbabile che un film live-action sulla
caccia ai nazisti durante la Seconda Guerra Mondiale con gli Yautja
possa concretizzarsi a breve. Trachtenberg si è concentrato sul
portare il franchise dove non è mai stato prima, quindi il prossimo
capitolo probabilmente presenterà una premessa con una direzione
completamente diversa da quella che avrebbe potuto dare a
Badlands.
Alla fine, Trachtenberg ha trovato
l’idea giusta per Badlands: immergersi profondamente nella
cultura Yautja, trasformare Predator in un protagonista
con tratti distintivi e una storia da sfavorito con cui il pubblico
può identificarsi, ed evitare di sminuire il suo ruolo eroico
rifiutando di includere personaggi umani.
Netflix ha pubblicato il trailer ufficiale di The Abandons, la nuova serie
originale che debutterà sulla piattaforma il 4 dicembre 2025. Creata da
Kurt Sutter, già
autore di Sons of Anarchy,
la serie si preannuncia come un dramma western epico e spietato, ambientato nel
cuore dell’Ottocento americano e costruito attorno al conflitto tra
due famiglie destinate a scontrarsi per il potere, la terra e la
sopravvivenza.
La
storia di The Abandons
ruota intorno a una comunità di pionieri che, ai margini della
civiltà, tenta di costruire una nuova vita tra violenza, avidità e
ingiustizia. Ma quando le autorità locali e i ricchi proprietari
terrieri minacciano di strappar loro tutto, i protagonisti si
troveranno costretti a combattere per difendere ciò che amano. Al
centro della narrazione due donne forti e carismatiche: Lena Headey,
celebre per il ruolo di Cersei Lannister in Game of Thrones, e Gillian
Anderson, indimenticabile interprete di
The X-Files e
The
Crown. Le due attrici guidano un cast corale in un
racconto di frontiera che esplora la linea sottile tra giustizia e
vendetta.
Descritta come una saga “dei ricchi e dei poveri”, The Abandons mette in scena
una lotta di classe
ambientata nel selvaggio West, unendo il linguaggio visivo
del cinema alla profondità emotiva del grande racconto televisivo.
Il trailer lascia intravedere paesaggi spettacolari, tensione
crescente e una fotografia cinematografica che restituisce tutta la
brutalità e la bellezza di un’epoca di frontiera.
Con la regia e la scrittura di Sutter, e due protagoniste
d’eccezione, The
Abandons si candida a essere uno dei titoli più attesi del
catalogo Netflix di fine anno: una storia di potere, famiglia e ribellione che promette di
ridefinire il western moderno.
Sono arrivate le prime reazioni a
The
Running Man, il film diretto da Edgar
Wright e tratto dal romanzo di Stephen King del 1982. La storia segue
Ben Richards (Glen
Powell), che partecipa a un gioco televisivo mortale
chiamato The Running Man, dove lotta per sopravvivere mentre i
Cacciatori cercano di trovarlo e ucciderlo.
A poco più di una settimana
dall’uscita nelle sale, i critici hanno potuto vedere The
Running Man in anteprima, e il consenso generale è che il
film è all’altezza delle aspettative. Perri Nemiroff di
Collider elogia l’adattamento per essere “più fedele”
al materiale originale rispetto alla versione del 1987 con Arnold Schwarzenegger e per concludere in
bellezza un anno stellare di adattamenti di King.
Rachel Leishman di The Mary Sue dichiara che
“Edgar Wright ha davvero catturato la magia” e ha
realizzato “un classico istantaneo” con la sua versione
“ricca di azione ed emozioni” del romanzo di King.
Jimmy O di
JoBlo elogia la performance di Powell e osserva che questo
adattamento è “molto diverso” dalla versione del 1987.
Riconosce che “è un po’ troppo lungo e con troppi
personaggi”, ma riesce comunque a essere “un film che
piace al pubblico”.
Kathy Paz di WSVN
7News sottolinea invece la “performance potente” di
Powell e il modo in cui rende Richards un protagonista di
Stephen King per cui vale la pena tifare,
sottolineando anche che il film è “emozionante e adrenalinico,
dall’inizio alla fine”. Andrew Korpan di
ClutchPoints è impressionato da come questo adattamento
migliori il materiale originale, poiché Wright “ha tagliato le
parti più deboli del libro e ha persino apportato modifiche e
miglioramenti” e “Glen
Powell conferisce maggiore umanità a Ben Richards”.
Uno dei punti ricorrenti in queste
reazioni è la forza della performance da protagonista di Powell.
Sembra non solo rendere giustizia al personaggio di Ben, ma riesce
persino a renderlo più umano e degno di essere tifato rispetto al
romanzo originale di King. La regia di Wright riceve elogi simili,
senza lasciare dubbi sul fatto che il suo approccio funzioni meglio
rispetto al film del 1987.
Per quanto impressionanti siano la
performance di Powell e la regia di Wright, sembra però esserci il
problema che il cast di The Running Man ha troppi
personaggi in un film potenzialmente troppo lungo. Oltre a Powell,
il cast include Colman Domingo, Josh Brolin, Lee Pace, Jayme Lawson,
Michael Cera, William H. Macy,
David Zayas e Katy O’Brian.
Con una durata di 2 ore e 13
minuti, non è lungo come molti blockbuster moderni, e non tutti i
critici hanno sollevato questioni sul ritmo, compresi quelli che lo
hanno trovato forte dall’inizio alla fine. Le reazioni estremamente
positive fanno dunque ben sperare per ulteriori recensioni positive
prima dell’uscita di The Running Man nelle sale il
13 novembre, insieme alle possibilità che il film diventi un
successo al botteghino.
Il creatore di Stranger
Things ha appena difeso il calendario di uscita della
prossima stagione finale. L’attesa per la quinta stagione di Stranger Things è alle stelle, ma la
popolare piattaforma di streaming ha deciso di pubblicare la
stagione in tre parti, in concomitanza con tre importanti
festività, una scelta che è stata oggetto di critiche.
I primi quattro episodi saranno
pubblicati il giorno prima del Ringraziamento, i tre episodi
successivi il giorno di Natale e il finale della serie è previsto
per la vigilia di Capodanno.
Durante la promozione dell’ultima
stagione, il co-creatore di Stranger Things, Ross Duffer, ha difeso
Netflix riguardo al piano di uscita in tre parti. Ha
ammesso alla rivista SFX Magazine (tramite GamesRadar) di non essere a conoscenza della decisione
della piattaforma di streaming di dividere la quarta stagione in
due parti, cosa che ha attribuito alla pandemia di COVID-19 e non
ai dirigenti di Netflix.
Il programma è stato creato in modo
che gli episodi potessero essere pubblicati il prima possibile.
Tuttavia, il programma di
pubblicazione in tre parti della quinta stagione di Stranger
Things era stato pianificato in anticipo e Duffer ne era a
conoscenza ben prima dell’inizio della produzione, il che ha
aiutato lui e il co-creatore Matt Duffer a costruire la trama
attorno al programma.
Ad esempio, Duffer definisce il
Volume 1 (i primi quattro episodi) un “mega-film” con “un
proprio climax”. Il finale di metà stagione, ovvero l’episodio
4, si è rivelato l’episodio “più impegnativo”, ancora più
del finale della serie, che di per sé era il “più difficile”
a “livello emotivo”.
Parlando del finale, Duffer ha
ammesso di non piangere molto “se non quando guarda i film della
Pixar”, ma la produzione del finale della serie ha fatto
piangere il co-showrunner numerose volte durante il processo.
Sono anche entusiasta
del primo volume perché, nella quarta stagione, non sapevamo che
sarebbe stato diviso in due. Non è colpa di Netflix, non è colpa di
nessuno. C’è stata la pandemia e abbiamo finito per dividerla in
due in modo da poter pubblicare gli episodi prima. Ma questa volta
sapevamo che l’avremmo divisa in due, quindi è davvero in due
parti. Il volume uno è davvero un mega-film a sé stante. Ha un suo
climax.
L’episodio quattro è
stato il più impegnativo che abbiamo mai realizzato, compreso il
finale, anche se a livello emotivo il finale è stato il più
difficile. Non so quanti giorni mi sono ritrovato a piangere, e non
sono una persona che piange molto spesso, a parte quando guardo i
film della Pixar.
Foto Credits Netflix
La maggior parte delle serie
Netflix rilascia un’intera stagione in una volta sola, un modello
che è diventato noto come binge-watching. Questo è stato il modello
seguito dalle prime tre stagioni di Stranger Things.
Tuttavia, la stagione 4 è stata
divisa in due parti, con il Volume 1 pubblicato il 27 maggio e il
Volume 2 in uscita il 1° luglio. Come ha detto Duffer, l’unico
motivo per cui hanno adottato questo programma è stato quello di
consentire al pubblico di tornare a guardare Stranger Things il più
presto possibile dopo i ritardi causati dalla pandemia.
La stagione 5 di Stranger Things
seguirà un programma di pubblicazione in più parti simile. La
differenza principale questa volta è che il finale della serie avrà
una data di uscita propria, il 31 dicembre, insieme a un’uscita
simultanea nelle sale cinematografiche.
Un altro cambiamento unico per la
stagione finale è l’orario di uscita. La maggior parte dei
programmi Netflix esce a mezzanotte, ora del Pacifico, ma ogni
serie di episodi, compreso il finale della serie, della stagione 5
di Stranger Things sarà disponibile in streaming a partire dalle
20:00 ET/17:00 PT.
Negli ultimi anni, Netflix ha
sperimentato diversi modelli di distribuzione. La seconda stagione
di Wednesday, ad esempio, è stata divisa in due parti, con gli
ultimi quattro episodi distribuiti circa un mese dopo i primi
quattro. Netflix ha ricevuto molte critiche sui social media per
questa strategia di programmazione, e le reazioni negative sono
state riprese per Stranger Things.
Gli spettatori televisivi sono
solitamente abituati a due formule: la pubblicazione dell’intera
stagione in una volta sola e la pubblicazione di un episodio alla
settimana (come sulle reti televisive tradizionali). Sembra che
molti abbonati ai servizi di streaming non siano soddisfatti delle
programmazioni in due o tre parti.
Stranger Things Stagione 5, i
dettagli
Il cast della quinta stagione vedrà
il ritorno di tutti i volti principali. Millie
Bobby Brown sarà ancora Undici, pronta a usare i
suoi poteri in una battaglia decisiva. Fanno poi parte del
cast Finn
Wolfhard (Mike), Noah
Schnapp (Will), Gaten
Matarazzo (Dustin), Caleb
McLaughlin (Lucas), Sadie
Sink (Max) e Natalia
Dyer (Nancy), Joe
Keery (Steve), Charlie
Heaton (Jonathan), Maya
Hawke (Robin), Winona
Ryder(Joyce) e David
Harbour (Hopper). Grande attesa anche per il
ritorno di Jamie
Campbell Bower nel ruolo di Vecna/Henry, ancora più potente e vendicativo.
La star di American
Horror StorySarah Paulson ha rivelato quale
stagione della serie antologica horror di Ryan
Murphy non le è piaciuta molto. Sebbene la puntata
fosse popolare tra molti fan, l’attrice ha detto che semplicemente
non faceva per lei.
Nel programma di Andy Cohen
Watch What Happens Live, a Paulson è stato chiesto quale
stagione di American Horror Story fosse quella
che le era piaciuta meno. La veterana della serie ha esitato a
rispondere all’inizio: “Sarà controverso perché molte persone lo
adorano”. Tuttavia, alla fine ha deciso di rivelare quale delle
12 stagioni esistenti avrebbe potuto fare a meno,
Roanoke.
Roanoke è il sesto capitolo
della serie horror. Girava attorno alla colonia reale di Roanoke
(ora Outer Banks della Carolina del Nord) che
scomparve tra il 1587 e il 1590. La prima metà della stagione è
stata pubblicata come un mockumentary, My Roanoke Nightmare.
Raccontava le attività paranormali che tormentavano una
coppia nella loro casa nella Carolina del Nord.
La seconda metà era uno show di
follow-up intitolato Return to Roanoke: Three Days in
Hell. Essenzialmente era presentato come un film found footage
con il cast del documentario originale. E, nel tipico stile di
American Horror Story, gli attori iniziano lentamente a
sperimentare attività soprannaturali reali mentre i confini tra
realtà e finzione si confondono.
Roanoke vedeva la
partecipazione di molti veterani di American Horror
Story, come Paulson, Kathy Bates, Lily Rabe, Evan
Peters, Angela Bassett, Denis O’Hare, Wes Bentley e
Cheyenne Jackson. Sono presenti anche alcuni nuovi
arrivati nella serie, Cuba Gooding Jr. e Andre Holland.
Un’altra rivelazione sorprendente
su Watch What Happens Live è che, a quanto pare, né Cohen né
Paulson sapevano che Murphy avesse già annunciato il cast della
tredicesima stagione di American Horror Story. Il conduttore ha
chiesto all’attrice se avrebbe mai preso in considerazione l’idea
di tornare nella serie, e lei ha risposto di sì. Cohen le ha poi
chiesto se avrebbe partecipato alla prossima stagione, e lei ha
risposto: “Forse”.
Il finale della settima stagione ha
portato alla conclusione la longeva serie fantasy della ABC
Once upon a time (C’era una volta): ecco cosa è
successo nell’ultimo episodio. Le prime sei stagioni di
Once upon a time (C’era una
volta) erano incentrate su Emma Swan e sulla strana e
meravigliosa cittadina di Storybrooke, nel Maine, ma la serie ha
preso una nuova direzione dopo che la maggior parte dei personaggi
ha ottenuto il proprio lieto fine con la rimozione dell’ennesima
maledizione nel finale della sesta stagione.
La settima stagione di Once
upon a time (C’era una volta) è stata una sorta di soft
reboot, con la maggior parte del cast originale che ha lasciato la
serie. L’attenzione si è spostata su Henry Mills, ormai adulto, che
vive sotto una nuova maledizione nel quartiere Hyperion Heights di
Seattle, e sugli sforzi di sua figlia Lucy per aiutarlo a ricordare
chi è veramente.
Negli episodi che precedono il
finale della settima stagione, è stato rivelato un altro colpo di
scena di Once upon a time (C’era una volta): Eloise (alias
Madre Gothel) aveva lanciato una maledizione che ha riportato
indietro nel tempo i personaggi. Ciò significa che la linea
temporale della settima stagione si svolgeva in realtà in
concomitanza con gli eventi del primo episodio della settima
stagione, in cui il giovane Henry viveva ancora a Storybrooke.
Henry rompe la maledizione e si
ricongiunge con Lucy e sua moglie Ella, ma i festeggiamenti durano
poco con l’arrivo di Rumplestiltskin dal Regno dei Desideri, che
porta via la sua famiglia nel Regno dei Desideri. Nell’episodio
finale di Once upon a time (C’era una volta), “Leaving
Storybrooke”, viene rivelato che Rumple del Regno dei Desideri
intende mandare tutti in regni separati per vivere finali infelici
con l’aiuto del giovane Sir Henry, con cui ha stretto un
accordo.
Nel frattempo, Henry adulto è
bloccato in una prigione a forma di palla di neve con Lucy, Ella,
Hook e Weaver, ma vengono liberati con l’aiuto di Robin e Alice. Il
vendicativo Sir Henry vuole la testa di Regina, di cui ha bisogno
per aiutare Rumple del Regno dei Desideri a condannare i personaggi
a un finale infelice. Regina e il giovane Henry si affrontano in un
duello con la spada che apre i portali verso i regni separati, ma
fortunatamente Regina riesce a convincere Henry che lo ama,
riportandolo alla ragione e chiudendo i portali.
In un altro momento del finale di
Once upon a time (C’era una volta), Hook salva sua figlia
Alice dall’essere risucchiata nel portale, ma l’eroica azione
riempie il suo cuore di veleno, con grande gioia di Rumple del
Regno dei Desideri, che sfida il suo alter ego Weaver a
distruggerlo. Weaver strappa il proprio cuore e lo dà a Hook,
riportandolo indietro dall’orlo della morte e distruggendo sia
Rumple del Regno dei Desideri che Weaver, che finalmente si
ricongiunge con Belle nell’aldilà.
Con il malvagio Rumplestiltskin
sconfitto, Regina lancia un’altra maledizione, ma questa volta per
amore, che unisce tutti i regni delle fiabe a Storybrooke. Le scene
finali del finale della settima stagione di Once upon a time
(C’era una volta) sono ambientate qualche tempo dopo e
vedono Regina sorpresa da un’incoronazione che rivela che i
cittadini dei vari regni hanno deciso di incoronarla Regina Buona
dei Regni Uniti, ottenendo finalmente il suo lieto fine.
Aggregate Films e August
Night stanno producendo il film di genere crime Evil
Genius, con Patricia Arquette e
David Harbour come protagonisti e
Courteney Cox alla regia. Ispirato
all’acclamata serie di documentari true crime di Barbara Schroeder
e Trey Borzillieri, la sceneggiatura è stata scritta da Courtenay
Miles, candidata al WGA.
Il film esplora la vera storia del
famigerato caso del “pizza bomber”, che si addentra nella storia
più profondamente umana dell’inganno, della disperazione e del
confine tra vittima e criminale. Nel cast figurano anche
Michael Chernus, Garrett Dillahunt, Danielle MacDonald, Tom
McCarthy, Gregory Alan Williams, Ryan Eggold, Owen Teague
e Harlow Jane.
August Night finanzierà e produrrà
il film con Jason Bateman, Michael Costigan e John
Buderwitz con la loro Aggregate Films. Cox è anche produttrice. La
produzione è attualmente in corso nel New Jersey.
“Sono rimasto affascinato da
Evil Genius fin dalla prima volta che ho visto il
documentario”, ha detto Courteney Cox. “È
più strano della finzione. A tratti è cupamente divertente, ma allo
stesso tempo profondamente emozionante. Una storia d’amore,
solitudine, manipolazione e di persone ai margini che vengono
trascinate in qualcosa di molto più grande di loro”.
Il regista di Predator:
Badlands, Dan Trachtenberg, ha
spiegato come il montaggio finale abbia sbalordito James Cameron dopo un’incredibile
conversazione tra i due. La storia di Predator:
Badlands porta il franchise in una direzione
completamente nuova, concentrandosi su un giovane Yautja caduto in
disgrazia di nome Dek, alla ricerca di una famosa bestia da
uccidere per dimostrare il suo valore alla famiglia.
Il concetto di un Predator come
protagonista è unico per il franchise. Ma è un’idea che
Trachtenberg è stato incoraggiato da Cameron a perseguire. Parlando
con The Hollywood Reporter, il regista ha spiegato come ha
contattato Cameron per la sua idea di Predator: Badlands prima
dell’inizio dello sviluppo. Il regista più esperto lo incoraggiò a
perseguire l’idea, dicendo che pensava potesse funzionare:
“Mi considero incredibilmente
fortunato, e probabilmente è in gran parte merito del fatto che
entrambi abbiamo girato film con gli stessi collaboratori alla 20th
Century Fox. Lui vide Prey e
gli piacque molto, quindi eravamo rimasti in contatto. E quando
andai in Nuova Zelanda per iniziare a preparare Badlands, mi invitò
a vedere cosa stava facendo a Wellington. Così trascorsi un po’ di
tempo con lui sul set e in sala montaggio [di Avatar: Fuoco e Cenere]. In sala
montaggio, gli raccontai la cosa folle che stavamo facendo, il modo
folle in cui la stavamo facendo, e quanto sarebbe stata una novità
assoluta per il franchise e una novità per me come
regista.
Poi andammo a cena
separatamente, e quando entrò e si sedette, disse: “Stavo solo
pensando a quello che stai facendo, e penso che funzionerà”. Così,
con tutto quel vento in poppa, sono tornato ad Auckland per dirlo
alla mia troupe. La benedizione di quell’uomo, che ha affrontato
sfide davvero impossibili e le ha portate a termine, è stata
assolutamente incredibile.”
Tuttavia, solo quando
Trachtenberg ha mostrato il montaggio finale a Cameron, questi ha
rivelato di non essere stato molto sicuro del film all’inizio. Ma
ha detto a Trachtenberg di “avercela fatta”. Il regista di
Predator: Badlands ha paragonato la dichiarazione
di Cameron a qualcosa che aveva bisogno di sentirsi dire in quel
momento per rendere il film il migliore possibile:
“Poi abbiamo condiviso il
montaggio con lui quando non era ancora pronto. C’erano alcune
domande specifiche che avevo in mente e volevo vedere se poteva
darci qualche suggerimento utile. Così ha visto il film un paio di
mesi fa e mi ha detto: “Devo essere onesto con te. Quando ho
sentito per la prima volta cosa stavi facendo, non pensavo che
avrebbe funzionato. Ma santo cielo, ce l’hai fatta.” O non
ricordava quella prima conversazione che per me ha significato
molto, oppure sa davvero cosa ha bisogno di sentirsi dire da
qualcuno nella mia posizione per ottenere risultati. Credo che sia
più quest’ultima ipotesi. Quindi ci ha dato la carica al momento
giusto, e ho dovuto assicurarmi di ringraziarlo in modo
speciale.”
La storia di Trachtenberg indica
che il regista di Avatar: Fuoco e Cenere voleva
incoraggiarlo con Predator:
Badlands, perseguendo l’idea nonostante il rischio che
comportava. Il film è un punto di forza della saga, sia per il
personaggio principale Yautja, sia per la sua classificazione
PG-13. Affronta anche elementi fantascientifici più intensi
rispetto a qualsiasi altro film precedente.
La visione di Trachtenberg per il
franchise di Predator lo ha portato in direzioni molto diverse e
uniche. Dall’ambientazione di Prey nel 1700 a Predator: Killer of Killers che evidenzia vari
momenti storici attraverso un’antologia animata connessa, il
regista ha trasformato la serie in un franchise di fantascienza
unico. L’incoraggiamento di Cameron per Badlands ha senza dubbio
contribuito a questa impresa più ampia.
Con l’uscita di Predator:
Badlands ormai alle porte, il sigillo di approvazione
di Cameron aumenta l’attesa per un capitolo già di per sé
eccezionale del franchise. Dato che Trachtenberg è apparentemente
riuscito a sfruttare al meglio le qualità uniche del film, sembra
che sarà un capitolo memorabile e adrenalinico della serie di
fantascienza. Potrebbe persino aprire le porte a storie più
avvincenti e originali in futuro.
Il film Serenity –
L’isola dell’inganno spiegava che nulla era come
sembrava e si concludeva con un finale a sorpresa diverso da quasi
tutti gli altri. Il
film di Steven Knight, stroncato dalla critica, sembrava un
thriller tradizionale, ma un colpo di scena nell’atto finale
sconvolge la struttura narrativa.
Serenity – L’isola dell’inganno inizia con un primo piano
degli occhi di un ragazzino, e da lì l’attenzione si sposta
immediatamente su
Matthew McConaughey nei panni di Baker Dill, una guida
di pesca. Quando l’ex moglie di Baker, Karen (Anne
Hathaway), si presenta, gli fa un’offerta che lui non
può rifiutare.
Vuole che Baker uccida il suo
marito violento, Frank (Jason
Clarke), durante una battuta di pesca programmata.
Baker è più interessato a essere un buon padre per suo figlio e a
comunicare con lui attraverso mezzi apparentemente telepatici. Dati
gli elementi noir di Serenity – L’isola
dell’inganno, la narrazione suggerisce che il libero
arbitrio di Baker determina in ultima analisi il risultato.
Tuttavia, il colpo di scena principale è che Baker è controllato da
qualcun altro e che Plymouth Island è una simulazione al computer.
In questo mondo, Serenity – L’isola dell’inganno non è
solo una barca e Justice non è solo un pesce.
Serenity – L’isola
dell’inganno parla di un videogioco di pesca ricodificato per
vendetta
Il figlio di Baker ha creato il
gioco basandosi sui ricordi di suo padre
In tutto Serenity – L’isola
dell’inganno, Baker parla con suo figlio assente, suggerendo
che esiste un forte legame tra loro e che alla fine si riuniranno;
un’immagine surreale di Baker che incontra un ragazzo sott’acqua si
allinea con la sua storia. Nel frattempo, il nemico di Baker,
Frank, parla del suo figliastro e di come gli piaccia giocare ai
videogiochi, con il film che taglia ripetutamente su un adolescente
che crea un codice nella sua stanza (mentre gli adulti litigano
nelle vicinanze).
La carta jolly di Serenity –
L’isola dell’inganno è il misterioso uomo d’affari
interpretato da Strong, Reid Miller. Durante una notte di pioggia
battente, raggiunge Baker e, dopo aver bevuto un po’ di alcol, gli
rivela un’informazione cruciale. Il suo obiettivo principale è
vendere a Baker una nuova attrezzatura da pesca, ma prima gli offre
una prova gratuita. Quando Baker insiste con Reid sulle sue
intenzioni, lui esclama: “Io sono le regole”. Alla fine,
Baker scopre di vivere in un mondo videoludico creato da suo
figlio Patrick (Rafael Sayegh).
La compulsione di Baker per
la pesca è solo un tratto del suo carattere, un pezzo di codice
informatico.
L’obiettivo principale viene
modificato. La compulsione di Baker per la pesca è solo un tratto
del suo carattere, un pezzo di codice informatico. Patrick decide
di cambiare drasticamente “le regole” per realizzare la
fantasia di uccidere il suo patrigno violento nella vita reale.
Nella simulazione, il protagonista Baker, ora consapevole di sé, è
destabilizzato dal codice in continua evoluzione, senza sapere se
pescare o uccidere. Una volta che Patrick completa il nuovo codice,
Baker esegue il comando.
È in parte aiutato da un nuovo
personaggio che sembra essere una versione simulata del creatore
del videogioco: Patrick. In Serenity – L’isola
dell’inganno, Baker trova Justice e Frank, la versione
simulata del patrigno di Patrick, intraprende un viaggio finale
verso Justice. Ma questa non è la rivelazione finale di
Serenity: l’ispirazione nella vita reale di Baker, il
padre di Patrick, è deceduto. È stato ucciso durante il
servizio militare in Iraq. Baker rappresenta una versione
idealizzata di ciò che avrebbe potuto essere.
Patrick uccide il suo patrigno
nella realtà alla fine di Serenity – L’isola
dell’inganno
Patrick pugnala l’uomo con un
coltello
Per la maggior parte di
Serenity – L’isola dell’inganno, Patrick usa il libero
arbitrio in un mondo di sua creazione. Agli occhi dello
spettatore, può sembrare un ragazzo impotente, costretto a
sopportare la violenza che si svolge nella stanza accanto. Come
molti bambini in situazioni simili, Patrick si rifugia nella sua
“compulsione” personale, trasferendo così la sua energia alla
versione simulata del padre defunto. Attraverso Baker, Patrick può
vedere sua madre e suo padre riunirsi. Può infondere la sua
influenza creativa per manipolare un mondo personalizzato.
Ma quando il cablaggio del cervello
di Patrick cambia in Serenity, i suoi concetti creativi
diventano una fantasia oscura e contorta. Dare a Baker il libero
arbitrio di uccidere Frank non è sufficiente. Patrick trasferisce
invece il potere di Baker a se stesso, nel mondo reale, e il
creatore del gioco alla fine lascia il suo computer per cercare
giustizia nella vita reale. Serenity – L’isola
dell’inganno non finisce con la libertà di Patrick nella
vita reale, anche se lui sperimenta la salvezza nella sua mente (ne
parleremo più avanti).
Il presagio del colpo di scena
del videogioco Serenity – L’isola dell’inganno
Il film lo prepara fin dalla
prima scena
Fin dall’inizio, Serenity –
L’isola dell’inganno preannuncia un mondo simulato.
Naturalmente, c’è la scena iniziale, in cui il pubblico viene
trasportato nella mente di un ragazzino, Patrick. Quando Baker
appare per la prima volta, tuttavia, non c’è alcuna indicazione che
ciò che viene presentato sullo schermo non sia reale. Baker sembra
essere un altro pescatore scontroso, appassionato del proprio
lavoro. In questo senso, l’introduzione di Baker è universalmente
riconoscibile, poiché fallisce mentre fa qualcosa che ama; non
riesce a catturare il pesce grosso, Justice.
Baker DIll è l’eroe, Duke il
compagno, Karen la femme fatale, Frank il cattivo e Constance
l’interesse amoroso idealizzato.
C’è qualcosa che non va nelle scene
terrestri di Serenity – L’isola dell’inganno. I personaggi
non sembrano avere molta profondità; parlano per cliché. Inoltre,
il personaggio di McConaughey viene ripetutamente chiamato con il
suo nome completo, Baker Dill. Col senno di poi, gli archetipi noir
hanno senso perché i personaggi non dovrebbero avere molta
profondità; sono solo versioni appena velate degli archetipi del
genere: Baker Dill è l’eroe, Duke il compagno, Karen la femme
fatale, Frank il cattivo e Constance l’interesse amoroso
idealizzato.
Inoltre, Karen fa riferimento al
“mondo reale” quando parla di Facebook. A quel punto,
Serenity – L’isola dell’inganno suggerisce che questi
personaggi vivono in un mondo parallelo, per quanto sottile possa
essere. Mentre offre 10 milioni di dollari a Baker, Karen riconosce
il motivo per cui è lì: fare un’offerta che il suo ex marito non
può rifiutare. Più tardi, un personaggio secondario dice a Baker
che è solo nella sua testa, e Duke, l’amico fedele, ribadisce
alcune regole che Baker deve seguire.
In questa simulazione, Baker ha
davvero un passato legato all’Iraq. E durante un momento di
riflessione, afferma di “non essere davvero tornato”. Man
mano che Serenity – L’isola dell’inganno procede,
diventa evidente che nessuno dovrebbe morire nella simulazione di
Patrick, il che spiega la confusione collettiva dei personaggi
quando il creatore inizia a lavorare su un nuovo codice,
contemplando nel contempo il proprio libero arbitrio.
A completamento delle anticipazioni
del dialogo, Serenity – L’isola dell’inganno utilizza
motivi visivi per sostenere i tropi di genere, associando i
personaggi a colori specifici. Plymouth Island è ricca di rossi,
verdi, bianchi e blu intensi, che si abbinano al design della
stanza di Patrick. Quando Baker accetta di far parte di una
simulazione, chiede a qualcuno la posizione esatta dell’isola nel
mondo. Nella successiva scena della telefonata, la combinazione di
colori è rosso, bianco e blu, in linea con la posizione geografica
di Patrick, gli Stati Uniti.
Cosa significa davvero il
finale di Serenity – L’isola dell’inganno
Nella sequenza finale di
Serenity – L’isola dell’inganno, il film rende omaggio
alle influenze del genere cinematografico, ma allo stesso tempo
lancia un messaggio più ampio. Quando Baker parla al telefono con
suo figlio, è qui che Serenity si presta a diverse
interpretazioni, a seconda delle esperienze personali dello
spettatore. Da un certo punto di vista, il finale di
Serenity sembra suggerire che Patrick abbia accettato la
morte di suo padre, il che a sua volta è correlato a un nuovo
inizio e alla vita stessa.
Quando i due si incontrano su un
molo nell’ultima scena, Patrick indossa una camicia rosso vivo e
Baker ora ne indossa una blu vivo. Ciò implica che Patrick non è
fuori dai guai, per così dire, ha sicuramente dei problemi legali
(il rosso simboleggia i guai). E per Baker c’è un senso di
chiarezza, evidenziato da una tonalità di blu intenso. Ma
soprattutto, i due sono insieme, circondati da una luce bianca
brillante.
Serenity solleva anche
interrogativi sulla teoria della simulazione, l’idea che il mondo
sia controllato da un potere superiore, un Dio tecnologico.
L’autore Chuck Klosterman affronta questo concetto nel suo libro
del 2016 But What If We’re Wrong?: Thinking About the Present As
If It Were the Past, in cui discute l’idea che la vita come la
conosciamo sia semplicemente la creazione di un ragazzo come
Patrick di Serenity – L’isola dell’inganno, qualcuno che
vive nel futuro e mette in scena varie simulazioni e fantasie. La
giustizia assume molte forme e Serenity – L’isola
dell’inganno può significare molte cose.
Altri film con finali
simulati
Ci sono diversi film in cui
l’intera trama ruota attorno a una simulazione al computer.
L’esempio più evidente è Matrix. In quel film, non è la fine
ad essere una simulazione, ma l’inizio. Tuttavia, con il proseguire
della serie, ci si è chiesti cosa fosse reale e cosa fosse
simulato. Ci sono persino indizi in Matrix:
Resurrections che anche il mondo realee la
ribellione fossero simulazioni al computer per tenere gli umani
occupati a pensare di liberarsi mentre i computer rimanevano al
comando.
The Truman Show era l’esempio
perfetto di un intero film che era una simulazione.
Pur non essendo una “simulazione al
computer”, The Truman Show era l’esempio perfetto di un intero film
che era una simulazione.
In questo film, Jim
Carrey interpreta Truman Burbank, un uomo che vive una vita
ideale. Tuttavia, presto si rende conto che qualcosa potrebbe non
essere giusto. Alla fine scopre che la sua vita è falsa. Vive in
una città dove tutti gli altri sono attori e la sua intera vita è
uno dei programmi televisivi più seguiti al mondo. È l’unico a non
sapere di vivere in un mondo fantastico.
Duncan Jones ha creato un film che
utilizza una simulazione per risolvere un crimine. In Source
Code, Jake Gyllenhaal interpreta il capitano
dell’esercito americano Colter Steven. Sale su un treno e poi, con
suo grande orrore, si rende conto che c’è una bomba. Il treno
esplode e lui muore. L’unico problema è che si sveglia e sale di
nuovo sul treno. Ben presto, Colt scopre di essere un soldato che è
stato quasi ucciso, ha perso gran parte del suo corpo ed è tenuto
in vita da macchine per scoprire chi ha piazzato la bomba sul
treno. A differenza di Serenity – L’isola dell’inganno,
quando Colt capisce cosa sta succedendo, decide di cambiare le
cose.
Jennifer Lawrence,
Emma Stone e Cole Escola stanno unendo le forze per
dare a Miss Piggy il trattamento da star del
cinema.
Secondo fonti ben informate, la
Disney, che detiene i diritti dei Muppets, sta sviluppando un film
sulla capricciosa diva pupazzo. Il personaggio iconico, creato
negli anni ’70 da Bonnie Erickson e Frank Oz, non è mai stato
protagonista di un lungometraggio. Lawrence e Stone saranno i
produttori insieme a Escola, vincitore di un Tony Award per la loro
commedia di successo a Broadway “Oh, Mary!”, che scriverà la
sceneggiatura.
“Non so se posso annunciarlo,
ma lo farò comunque… Emma
Stone e io stiamo producendo un film su Miss Piggy e Cole lo
sta scrivendo”, ha rivelato Lawrence nel
podcast “Las Culturistas”, condotto da Bowen Yang e Matt
Rogers. Dopo che i co-conduttori hanno urlato di gioia e
chiesto se le amiche di lunga data Stone e Lawrence avrebbero
recitato insieme nel film, Lawrence ha scherzato: “Penso di sì.
Dobbiamo farlo… È assurdo [che non abbiamo mai fatto un film
insieme]”.
Lawrence ha anche raccontato di
aver pensato di portare il suo talento a Broadway per “Oh, Mary!” e
di aver voluto interpretare il personaggio principale, Mary Todd
Lincoln. La commedia gonzo è ambientata nei giorni precedenti
l’assassinio di Lincoln e immagina l’ex first lady come
un’aspirante star del cabaret alcolizzata. (“L’intera cosa è uno
scherzo di cui lei è complice”, ha detto Lawrence. “Mi sentivo come
se potessi diventare famosa e stare al gioco”). Tuttavia, ha
cambiato idea dopo aver considerato la routine estenuante di otto
spettacoli a settimana del Great White Way.
“Non credo che sarei brava [nel
teatro]… è tutta una questione di corpo e voce”, ha detto Lawrence,
che attualmente sta promuovendo il suo nuovo film “Die My Love”, un
dramma psicologico con Robert Pattinson. “L’unica volta che ho
voluto fare teatro è stato quando ho voluto fare ‘Oh, Mary!’. Mi
hanno detto: ‘Sono otto spettacoli a settimana e sei settimane di
prove’. Io ho risposto: ‘Avete un asilo nido lì?’. Non avrebbe
funzionato”.
Dame
Helen Mirren sarà insignita del prestigioso Cecil
B. DeMille Award durante lo speciale in prima serata “Golden
Eve”, in onda giovedì 8 gennaio, prima della cerimonia dei Golden
Globe di domenica 11 gennaio.
Lo speciale in onore dell’attrice
vincitrice di tre Golden Globe e di Oscar, Emmy e Tony Award andrà
in onda sulla CBS e sarà trasmesso in streaming su Paramount+.
Mirren è l’ultima di una serie di
leggendari vincitori del DeMille Award, che dal 1952 celebra i
successi di una vita delle figure più iconiche di Hollywood. La
consegna del premio sarà l’evento clou di “Golden Eve”, uno
speciale rinnovato che onorerà anche il vincitore del Carol Burnett
Award, ancora da annunciare, e darà il via ai festeggiamenti che
precedono l’83ª edizione dei Golden Globe Awards.
“Helen Mirren è una forza della natura e la sua
carriera è a dir poco straordinaria”, ha dichiarato
Helen Hoehne, presidente dei Golden Globe. “Le
sue interpretazioni trascendentali e la sua dedizione al mestiere
continuano a ispirare generazioni di artisti e di pubblico. È un
grande onore consegnarle il Cecil B. DeMille Award”.
La prolifica carriera della Mirren
abbraccia oltre sei decenni di cinema, televisione e teatro. Ha
vinto il Golden Globe per il suo ruolo in The
Queen di Stephen Frears, in cui interpreta la regina
Elisabetta II, e per i suoi ruoli televisivi in “Elizabeth I” e
“Losing Chase”. La Mirren è una delle poche attrici ad aver
conquistato la tripla corona della recitazione: ha vinto un Oscar,
un Emmy Award e un Tony Award.
Nel 2003 è stata nominata Dame
dell’Impero Britannico per il suo contributo alle arti.
“Golden Eve” amplia il successo
dello scorso anno del “Golden Gala”, che ha onorato Viola Davis e Ted Danson. Lo speciale del 2026
promette un’esperienza più coinvolgente e celebrativa, con
retrospettive curate, rari filmati d’archivio e tributi personali
da parte di amici, collaboratori e colleghi del settore. La
trasmissione sarà uno dei momenti salienti della Golden Week, una
nuova iniziativa di Paramount e Dick Clark Productions che prevede
la messa in onda di programmi ed eventi su diverse piattaforme nei
giorni precedenti la cerimonia principale dei Golden Globe.
Il DeMille Award, intitolato al
pionieristico regista Cecil B. DeMille, ha premiato 69 dei talenti
più longevi del settore, tra cui Meryl Streep, Tom
Hanks, Oprah Winfrey, Robert Redford, Sidney Poitier e Barbra
Streisand. Anche il Carol Burnett Award, istituito nel
2019 per riconoscere i contributi eccezionali alla televisione,
sarà presentato durante la trasmissione “Golden Eve”. Il vincitore
del Burnett Award di quest’anno non è ancora stato annunciato.
L’83ª edizione dei Golden Globe
Awards, presentata dalla comica e attrice Nikki Glaser, sarà uno
dei primi grandi eventi di premiazione della stagione 2026 e
continuerà la tradizione dei Globes di premiare il meglio del
cinema, della televisione e, per la prima volta, dei podcast. Tra i
principali contendenti dell’anno figurano “One Battle
After Another” di Paul Thomas Anderson, ‘Hamnet’ di Chloé Zhao, “Sinners” di Ryan Coogler e altri ancora.
Xolo Mariduña
salperà nella terza stagione di One
Piece. L’attore, noto soprattutto per aver
interpretato Miguel Diaz in Cobra Kai e il
personaggio principale in Blue
Beetle, è stato scritturato per interpretare Portgas D.
Ace nella serie fantasy-avventurosa di Netflix dedicata ai pirati.
Il personaggio, noto anche come
Fire Fist Ace, era il capitano dei Pirati di Spade prima
di essere reclutato dai Pirati di Barbabianca. Spesso lo si vede a
torso nudo con un grande cappello in testa e un machete alla
cintura.
Si unisce al recentemente
annunciato vincitore del Tony Award Cole Escola, che interpreterà
l’assassino Bon Clay nella terza stagione di “One Piece”.
One Piece è un adattamento
live-action della serie manga di Eiichiro Oda. Segue le vicende di
un ragazzo di nome Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy), che viaggia
attraverso i mari con la sua ciurma di pirati alla ricerca di un
mitico tesoro chiamato “One Piece”, che lo incoronerebbe prossimo
Re dei Pirati.
La serie vede anche Emily Rudd nel ruolo di Nami, Mackenyu nel ruolo
di Roronoa Zoro, Jacob Gibson nel ruolo di Usopp, Taz Skylar nel
ruolo di Sanji, Vincent Regan nel ruolo di Monkey D. Garp, Jeff
Ward nel ruolo di Buggy il Clown e Morgan Davies nel ruolo di
Koby.
La
seconda stagione vedrà l’ingresso di Mikaela Hoover come voce
del ragazzo-renna dal naso blu Tony Tony Chopper e di Charithra
Chandran nel ruolo della misteriosa Miss Wednesday.
One Piece tornerà su
Netflix il 10 marzo 2026 con la sua seconda stagione. La serie si è
assicurata un rinnovo anticipato da Netflix, poiché la terza
stagione entrerà in produzione alla fine di quest’anno a Città del
Capo, in Sudafrica.
One Piece è stato creato
in collaborazione con Shueisha ed è prodotto da Tomorrow Studios
(partner di ITV Studios) e Netflix. Il creatore del manga originale
Oda è produttore esecutivo insieme a Marty Adelstein e Becky
Clements attraverso Tomorrow Studios, così come Tetsu Fujimura,
Chris Symes, Christoph Schrewe e Steven Maeda.
Netflix e Sony hanno
finalizzato un accordo per
un altro film di KPop Demon Hunters, con
l’intenzione di rilasciare il sequel musicale animato nel 2029,
come riportato per la prima volta da Bloomberg. I film
d’animazione possono richiedere molto tempo per essere realizzati,
da qui il potenziale intervallo di quattro anni tra un episodio e
l’altro. Naturalmente, i piani relativi alla data di uscita
potrebbero cambiare a seconda del programma di produzione del
film.
KPop Demon
Hunters, un’avventura fantasy su un gruppo femminile K-pop
immaginario che protegge il mondo dai demoni con la sua musica, è
stato sviluppato e prodotto dalla Sony Pictures Animation.
Nell’ambito dell’accordo di licenza tra Sony e Netflix, “KPop Demon Hunters” è approdato
direttamente su Netflix ed è diventato il film più popolare di
sempre della piattaforma di streaming. Nel frattempo, tre delle sue
canzoni originali – “Golden”, “Your Idol” e “Soda Pop” – sono state
protagoniste della classifica Hot 100 di Billboard e potrebbero
ottenere nomination ai prossimi Grammy Awards.
“KPop Demon Hunters” ha avuto un
tale successo che Netflix, solitamente avversa alle sale
cinematografiche, ha deciso di portare una versione karaoke del
film nei cinema per eventi dedicati ai fan in agosto e ottobre.
Durante la prima tornata, “KPop Demon Hunters” ha conquistato il
box office con circa 18 milioni di dollari in due giorni. Poi,
intorno ad Halloween, il film ha incassato dai 5 ai 6 milioni di
dollari, il che è degno di nota considerando che è stato ampiamente
disponibile in streaming per mesi.
La co-regista di “KPop Demon
Hunters”, Maggie Kang, che ha diretto il film insieme a Chris
Appelhans, ha da tempo espresso il desiderio di realizzare un
sequel.
“Abbiamo preparato così tante
cose per un potenziale retroscena”, ha detto
Kang a Variety a luglio. “Ovviamente, ci sono molte
domande che rimangono senza risposta e aree che non sono state
esplorate. Abbiamo dovuto farlo perché in 85 minuti si può
raccontare solo una parte della storia”.
Annabelle
2: Creation (qui
la recensione) è un film davvero spaventoso e anche
incredibilmente divertente con un finale agghiacciante (e confuso),
che vanta anche due scene post-crediti che lo collegano a un mondo
molto più grande. L’universo
di Conjuring ha vissuto una prima grande espansione con il
prequel di Annabelle.
Lo spin-off originale è stato un altro successo finanziario per la
saga horror ideata da James Wan, ma è stato
stroncato dalla critica per la trama banale e gli spaventi
vuoti.
Il sequel Annabelle 2: Creation alza invece la
posta con David F. Sandberg che approfondisce il
passato del giocattolo più inquietante del cinema per offrire un
film horror da brivido che spaventa mentre affronta gli effetti
delle famiglie distrutte, oltre a inserirsi meravigliosamente nel
resto della serie. Il film è ricco di nuova mitologia per
Annabelle, collegamenti con i
film The Conjuring e anticipa il successivo spin-off The Nun. Esploriamo il significato di quel finale e di
quelle scene post-crediti in stile Marvel.
La spiegazione delle origini di
Annabelle
Prima di Annabelle 2:
Creation, tutto ciò che sapevamo di Annabelle era che era
una bambola antica posseduta da uno spirito diabolico noto come
Ram. I dettagli di entrambe le storie erano piuttosto vaghi, ma
ora, pur avendo ancora domande sull’essere stesso, sappiamo come è
stato creato il giocattolo inquietante e come è stato collegato per
la prima volta alla possessione. All’inizio del prequel,
apprendiamo che “Annabelle” fa parte di una serie esclusiva di
bambole della Mullins Toy Company, una piccola azienda gestita da
Samuel Mullins negli anni ’40 che era di gran moda nella sua
comunità urbana.
Nel film si sottintende che alla
bambola, destinata a diventare malvagia, fu assegnato il numero 1
di 100, ma che Mullins non ne realizzò altre a causa di una
tragedia personale, rendendola davvero unica nel suo genere. Quella
tragedia personale era la morte di sua figlia. Soprannominata Bee –
che più tardi scopriremo essere in realtà l’abbreviazione di
Annabelle, rivelando la vera origine del nome della bambola – fu
investita da un’auto mentre tornava dalla chiesa. La famiglia
Mullins cadde in depressione, ma poi trovò conforto in quello che
credevano essere il fantasma di Bee.
Lei infestava la loro casa in modo
docile, convincendo i genitori in lutto a permetterle di risiedere
nella bambola. Dopo averlo fatto, però, scoprirono rapidamente che
non si trattava affatto di Bee, ma di un demone che voleva trovare
una forma fisica. La bambola era solo il primo passo, ma ora voleva
impossessarsi di un essere vivente: Esther Mullins. Attaccò la
madre quando era sola, ma lei fu salvata dal marito e la bambola fu
rinchiusa in un armadio tappezzato di immagini sacre e bagnato con
acqua santa. Tutto sembrava andare bene fino a quando non aprono la
loro casa a un orfanotrofio.
Nel film, ambientato nel 1957, lo
spirito manipola le ragazze ignare per liberarlo, permettendo al
Ram di possedere Janice, affetta da poliomielite. Dopo una serie di
scene spaventose in cui lo spirito cerca di reclamare altre anime,
Janice fugge e viene adottata dalla famiglia Higgins, che le cambia
il nome in modo piuttosto sadico in, ovviamente, Annabelle. A
questo punto, lo spirito sembra essere scomparso dalla bambola, che
viene portata via dalla polizia. Il film termina 12 anni dopo, nel
1969, quando Annabelle, ormai cresciuta, uccide i suoi genitori
adottivi, riportandoci all’inizio del primo film e al ritorno della
bambola. Il che solleva un sacco di domande.
L’Annabelle originale, uno
spin-off di The Conjuring che spiega come la sua “star”
finita nella collezione di oggetti infestati dagli investigatori
del paranormale Warren, segue per lo più la neo-mamma Mia,
perseguitata dalla bambola infestata che vuole possedere il suo
neonato. Questa è stata l’ultima volta che la bambola è apparsa
prima che la famiglia la segnalasse ai Warren. Il film inizia
proprio dove finisce Annabelle 2: Creation, il
giorno in cui Annabelle uccide gli Higgins; Mia riceve la bambola
dal marito John, poi quella notte vengono svegliati dai loro vicini
che vengono attaccati da due aggressori.
L’uomo viene ucciso dalla polizia,
ma la donna, Annabelle Higgins, prende la bambola e si taglia la
gola, con una goccia del suo sangue che le entra nell’orbita
dell’occhio. In seguito si scopre che i due erano “Discepoli
dell’Ariete”, una setta dedita alla resurrezione dello spirito
attraverso sacrifici rituali. Si sottintende che gli omicidi
iniziali abbiano portato l’Ariete da Annabelle, portando ai suoi
successivi tentativi di impossessarsi della figlia di Mia.
La creazione lega così la sua
storia, per lo più autonoma, alla mitologia più ampia con la sua
scena finale. I fan avranno notato il nome Higgins e come Janice
sia diventata l’attrice che ha interpretato la precedente
Annabelle, ma il vero colpo di scena arriva con la rivelazione di
Mia (interpretata dall’appropriatamente chiamata Annabelle Wallis, la star del film originale).
Come la maggior parte dei prequel, è strettamente collegato
all’originale. Naturalmente, il prequel ridefinisce in qualche modo
ciò che abbiamo visto nel 2014.
Ora sappiamo che Annabelle Higgins
è in realtà Janice posseduta, il che significa che invece di
cercare semplicemente di resuscitare il Ram, lei e il suo complice
stavano tentando qualcos’altro; probabilmente trasferire la sua
anima in un altro contenitore, utilizzando prima la bambola come
tramite. Il motivo non è spiegato, ma è probabile che si tratti di
una questione legata all’età, dato che le conquiste successive
dello spirito coinvolgono bambini, le cui anime sono più pure o più
facili da conquistare.
Cosa significa questa
connessione?
Ciò che questo fa è sollevare la
questione del ritorno della bambola. Alla fine della parte di
Creation ambientata nel 1957, si sottintende che la bambola sia ora
libera da tutte le forze dannose, eppure in qualche modo viene
nuovamente coinvolta nella storia del Ram dodici anni dopo, quando
riappare magicamente e Annabelle la possiede nuovamente. È una
coincidenza enorme che Janice, posseduta da Ram, e la bambola
precedentemente posseduta finiscano nello stesso quartiere: come è
potuto succedere e, se è solo un contenitore, perché è ancora
importante?
Potrebbe trattarsi di un semplice
retcon; diversi elementi del film originale, come il fantasma della
piccola Annabelle di 7 anni che attacca Mia, sono stati modificati
dal colpo di scena, quindi c’è un elemento di canone libero e
incerto. Tuttavia, la scena a metà dei titoli di coda potrebbe
fornire una spiegazione più approfondita. Innanzitutto, però, vale
la pena sottolineare che ci sono altri collegamenti tra
Annabelle 2: Creation e la più ampia
mitologia di Conjuring: il Ram prende il controllo di Janice
vomitandole in bocca una sostanza viscosa e nera, proprio come la
madre in The Conjuring era posseduta dal demone del
film.
E l’inganno di accogliere uno
spirito in un contenitore solo per scoprire che si tratta di una
forza oscura è stato un trucco ripetuto dai demoni dell’universo.
C’è anche un easter egg incredibilmente interessante nei momenti
finali per gli appassionati di fantasmi nella vita reale; la
bambola consegnata a Janice/Annabelle quando incontra per la prima
volta gli Higgins è una replica della vera bambola Annabelle, un
riconoscimento di come tutto questo sia iniziato da una storia
“vera” e che evidenzia come la mitologia di Conjuring si
sia evoluta da allora. E, a questo proposito, è il momento di
esaminare le espansioni fornite dalle due scene post-credits.
Contando la sua breve apparizione
in
The Conjuring – Il caso Enfield, questo è il quarto film
in cui compare Annabelle. Nel corso della serie, i dettagli dei
suoi poteri e la natura della sua possessione sono variati (come
già discusso, solo in Annabelle 2: Creation
abbiamo avuto molti cambiamenti sostanziali), ma c’è stata una
costante: non si vede mai la bambola muoversi. Le ragioni di ciò
dovrebbero essere ovvie per qualsiasi appassionato di horror. Una
bambola inquietante è incredibilmente spaventosa quando se ne sta
lì seduta a fissarti con i suoi freddi occhi di vetro ma nel
momento in cui inizia a saltellare come una marionetta diventa
ridicola.
Come tutti i buoni film horror,
questo sembrava far parte di una serie esplicita di regole
inquietanti. Il primo Annabelle ha quasi infranto questa regola,
facendo levitare la bambola e iniziando a muoverla, ma si è
rapidamente rivelato essere un’azione del Ram e nulla di simile a
Child’s Play. Creation non ha nemmeno un accenno del genere,
mantenendo i movimenti di Annabelle completamente fuori dallo
schermo, almeno fino alla fine del film.
La spiegazione della scena a metà
dei titoli di coda
La scena a metà dei titoli di coda
del film è incredibilmente semplice: uno zoom lento sulla bambola
Annabelle mentre la tensione sale prima che… lei si giri di scatto
verso la telecamera prima che lo schermo diventi nero.
Naturalmente, si tratta molto probabilmente di un finale divertente
per spaventare ancora una volta il pubblico, piuttosto che di
qualcosa di narrativamente sostanziale; infatti, la bambola sembra
trovarsi nell’armadio pieno di bibbie all’inizio del film,
piuttosto che nella custodia della polizia dove presumibilmente è
finita.
E, a questo proposito, è davvero
ottimo, rinunciando a una scena scontata e scontata per qualcosa di
più sottile e inquietante (il film era fortunatamente privo di
colpi di scena per la maggior parte) che infrange la regola del
“nessun movimento” senza essere banale. Tuttavia, questo potrebbe
spiegare perché la bambola sia ricomparsa nella storia di Ram nel
film originale e suggerire un legame simbiotico più profondo tra i
due. Anche se i sacerdoti affermano che la bambola è ormai priva di
qualsiasi forza malvagia, nulla suggerisce che ciò sia vero: in
tutta la serie la chiesa è stata descritta come imperfetta. Il
movimento suggerisce che, mentre il Ram è fuori, c’è un male
residuo più profondo in Annabelle che la lega allo spirito
oscuro.
Questo conferisce alla bambola
inquietante una maggiore autonomia e un ruolo nella narrazione
degno della sua importanza iconica. Se questo verrà effettivamente
spiegato dipenderà dall’uscita di Annabelle 3 e da ciò che esplorerà, ma si può
sicuramente sperare; un terzo film sembra incredibilmente probabile
dato il previsto successo al botteghino di Creation e, se così
fosse, probabilmente sarebbe un altro prequel esplorativo, dato che
lei è ancora nella stanza degli orrori dei Warren. Ma prima di
iniziare a pensare al futuro di Annabelle, il prossimo passo è un
diverso spin-off di Conjuring. Sì, è ora di parlare di The Nun e di
quella scena dopo i titoli di coda.
Se Annabelle era la protagonista
assoluta di The Conjuring, la sua naturale erede nel
sequel è senza dubbio The Nun. A differenza della bambola, che esisteva più
come un ingresso nel mondo dei Warren, questo spirito maligno era
essenziale per la trama di
The Conjuring – Il caso Enfield; Lorraine Warren la vide
per la prima volta in una visione durante una seduta spiritica
mentre indagava sull’orrore di Amityville, che la perseguitò
ripetutamente con visioni della morte del marito Ed, prima che
fosse finalmente rivelata come la causa dell’Enfield Haunting al
centro della trama del film.
Lo spirito viene infine sconfitto
quando Lorraine lo manda all’inferno pronunciando il suo nome, Valak. Era un mostro piuttosto impressionante,
forse anche più inquietante di Annabelle, e così, pochi giorni dopo
l’uscita di
The Conjuring – Il caso Enfield, è stato annunciato uno
spin-off, The Nun. Il film uscirà il 13 luglio 2018 e le riprese
sono già terminate, con un trailer presentato al SDCC. Nello
spirito dell’espansione dell’universo condiviso, Creation ha
pubblicato alcuni teaser molto interessanti su dove stiamo andando.
Il primo riguarda suor Charlotte, la suora che si prende cura degli
orfani.
All’inizio del film mostra a
Mullins una fotografia di lei e di altre tre suore – Maria, Anna e
Lucia – in un convento in Romania, ma un cambiamento di luce rivela
che c’è una quinta figura nascosta nell’ombra: Valak. Mullins lo fa
notare, ma Charlotte dice immediatamente di non ricordarla e passa
rapidamente oltre. Più tardi, c’è un altro potenziale avvistamento
quando Janice, costretta su una sedia a rotelle, viene spinta nel
fienile per essere posseduta dal Ram; viene spostata da qualcosa
che indossa abiti da suora, ma con una pelle orribile e segnata da
segni neri.
Nel film non è chiaro cosa sia
esattamente, ma si presume che si tratti di Valak; le mani
chiaramente non sono gli stessi artigli neri dello spirito che
possiede il Ram. Grazie alle sue azioni eroiche nell’atto finale,
non sembra che suor Charlotte sia affatto una minaccia, ma il fatto
che abbia una storia legata alla suora, che ignori rapidamente la
sua presenza nell’immagine e che appaia poco dopo aver lasciato
Janice, indica una sorta di relazione. Che si tratti di possessione
o di una presenza più parassitaria, la spiegazione arriverà
sicuramente in The Nun. In ogni caso, Annabelle 2:
Creation lega sottilmente la storia di Valak e del Ram,
creando una minaccia ancora più grande nell’universo di The
Conjuring.
La spiegazione della scena dopo i
titoli di coda
La scena dopo i titoli di coda
conclude il tutto dandoci un assaggio diretto e appropriato di
The Nun. Si tratta di un’unica inquadratura statica che
mostra un corridoio illuminato da candele nell’Abbazia di St Carta
nel 1952. Le luci lungo il corridoio iniziano lentamente a
spegnersi misteriosamente prima che il volto spettrale della suora
appaia dall’ombra. Sapevamo già che il film sarebbe stato
ambientato in Romania, ma questo ci fornisce il luogo e la data
specifici.
Il monastero di Carta è una chiesa
reale, il che permette alla serie di giocare con un finto angolo
horror reale, anche se è l’anno che più interessa;
Annabelle 2: Creation è ambientato nel 1957, solo
cinque anni dopo The Nun. Data la connessione preesistente
attraverso suor Charlotte, c’è da aspettarsi un collegamento
attivo. Nessuna delle suore citate da Charlotte è presente
nell’attuale cast dello spin-off, ma è certo che appariranno, e
probabilmente tornerà anche Stephanie Sigman, se non altro per
farsi fotografare e legare davvero insieme l’universo di
Conjuring.
Come già accaduto in
Taxi Teheran o No Bears, Panahi fa della semplicità
un punto di forza. La messa in scena è scarna, ma ogni elemento —
un’inquadratura fissa, un silenzio prolungato, un rumore fuori
campo — ha un peso specifico. E se il film prende spunto da
un’esperienza personale, Panahi evita l’autobiografismo diretto per
costruire un racconto corale, in cui l’Iran contemporaneo è
rappresentato attraverso una serie di volti e storie che si
intrecciano nella precarietà della sopravvivenza.
I progetti di Hollywood
sulla caccia ai nazisti come Bastardi senza
gloria, Sisu e Hunters
di 
