L’esorcista
– Il credente, uscito nel 2023, nasce con l’ambizione
di riportare in vita il mito del
capolavoro del 1973, considerato uno dei film più influenti
della storia dell’horror.
Il nuovo capitolo si presenta come sequel diretto dell’originale,
ignorando gli altri episodi della saga e riallacciando la storia al
fascino inquieto del primo film. Sin dalle premesse si percepisce
la volontà di ricreare un’atmosfera più realistica e adulta, capace
di parlare alle paure contemporanee senza rinunciare al richiamo
sacrale e perturbante tipico dell’opera di Friedkin.
Alla regia c’è David Gordon Green, già autore
della recente trilogia sequel di “Halloween“, e la sua
firma si riconosce nel tentativo di mescolare dramma familiare e
orrore soprannaturale. La novità principale è la presenza non di
una sola vittima della possessione, ma di due ragazze coinvolte in
un evento demoniaco condiviso, elemento che amplia la portata
rituale e simbolica della storia. Allo stesso tempo, il film prova
a costruire un nuovo percorso narrativo, inserendo volti inediti e
riportando in scena personaggi storici che legano direttamente
questo capitolo al mito originale.
Il progetto avrebbe
dovuto essere il primo tassello di una nuova trilogia, ma il
responso critico e commerciale inferiore alle aspettative ha
bloccato i piani iniziali. Rimane così un film che tenta di
aggiornare la leggenda dell’Esorcista al presente, con
nuovi temi e una struttura più corale, cercando di parlare di fede,
colpa, trauma e perdita. Nel resto dell’articolo approfondiremo la
storia vera che ha ispirato questo e il film del 1973, analizzando
come il caso reale sia diventato uno dei racconti più spaventosi e
controversi dell’immaginario moderno.
Ellen Burstyn e Leslie Odom Jr. in L’esorcista – Il
credente
La trama
di L’esorcista – Il credente
Il film racconta la storia
di Victor Fielding (Leslie Odom
Jr.), rimasto vedovo dopo che sua moglie è morta durante
un terremoto ad Haiti, avvenuto dodici anni prima. L’uomo ha così
cresciuto la
figlia, Angela (Lidya
Jewett), completamente da solo. Un giorno Angela insieme
alla sua amica Katherine (Olivia
Marcum) scompare misteriosamente nel bosco, per riapparire
tre giorni dopo senza alcuna memoria di cosa sia accaduto. Da
questo momento in poi si scateneranno una serie di oscuri eventi
che porteranno Victor faccia a faccia con il male, nella sua forma
più terribile.
In preda alla disperazione e all
terrore, l’uomo si mette alla ricerca dell’unica persona ancora in
vita che abbia avuto già a che fare con qualcosa di simile,
ovvero Chris MacNeil (Ellen
Burstyn). Quando la donna lo raggiungerà, si ritroverà a
doversi confrontare con un male che conosce bene, avendolo visto
esercitato sul corpo di sua figlia. Ma liberarsi del demonio,
stavolta, sarà ancora più pericoloso e terribile e tutti saranno a
chiamati a compiere scelte e sacrifici strazianti.
Il film è tratto da una storia vera?
Il
film del 2023 L’esorcista – Il credente trae
ispirazione da fenomeni reali di presunta possessione demoniaca, ma
non è tratto da un singolo caso documentato. Come infatti riporta
un articolo di People, nel film si afferma che
“tutti gli elementi che abbiamo messo in Believer sono molto
autentici e basati su queste esperienze che le persone hanno
vissuto” (citazione dell’esperto Christopher Chacon). Questa
frase sottolinea che il materiale narrativo attinge a più
testimonianze di possessione, piuttosto che a un caso storico
riconosciuto.
Lidya Jewett in L’esorcista – Il credente
Le
vicende delle due ragazze possedute – Angela e Katherine – e del
padre Victor che cerca aiuto da Chris MacNeil, sono frutto di una
combinazione creativa di racconti reali di possessione, suggestioni
voodoo e rituali esorcistici, ma non corrispondono ad alcun caso
pubblico specifico e completamente verificato. L’articolo fa
chiaramente intendere che, pur riconoscendo la realtà del fenomeno,
la pellicola opera una libera rielaborazione e non pretende di
offrire un documentario. In tal senso, il film si inserisce nella
tradizione horror che mescola verità e finzione, creando tensione e
inquietudine attraverso un amalgama di testimonianze.
Pertanto, rispondendo alla domanda: sì, il film è tratto da alcune
storie vere, nel senso che attinge a casi reali di presunta
possessione, ma no, non è basato su un unico fatto storico
riconosciuto come “quello del film”. L’intento dichiarato del
regista David Gordon Green è confezionare un
moderno racconto di terrore che si fondi su elementi reali –
rituali, fenomeni inspiegabili, testimonianze di esperti – ma lo fa
con licenza creativa, intrecciando più esperienze e costruendo
personaggi e situazioni di finzione. In questo modo, il film
diventa un’opera ibrida: parte “ispirata da” e parte elaborazione
narrativa libera, concepita per spaventare e riflettere più che
documentare con rigore storico.
Si può affermare con certezza che
non è mai esistita un’adattamento della leggenda arturiana simile a
King Arthur – Il Potere della Spada di Guy
Ritchie (qui
la recensione). Con Charlie Hunnam nel ruolo di Artù, che combatte
per rivendicare il suo regno dal controllo dello zio usurpatore Re
Vortigern (Jude
Law), il film abbandona quasi completamente ogni
traccia del mito tradizionale di Re Artù. In questa nuova
incarnazione, la ricerca di Artù per diventare re è la storia di
Camelot raccontata attraverso un frenetico film di Ritchie, con una
banda di ladri e stregoni che complottano una rivoluzione per
rovesciare l’ordine costituito e insediare il Re Nato sul
trono.
Per chiunque abbia familiarità con
la leggenda arturiana, sia attraverso film come Excalibur
di John Boorman, il musical Camelot e
l’adattamento cinematografico con Richard Harris,
il classico Disney La spada nella roccia, sia attraverso
la letteratura come La morte di Artù di Sir Thomas
Malory o Il re una volta e futuro di T.H.
White, King Arthur – Il potere della
spada può rappresentare una sconcertante divergenza dai
classici tropi della leggenda.
Tra i principali cambiamenti
apportati da Ritchie e dal suo team di sceneggiatori Lionel
Wigram e Jody Harold vi sono una completa
reinvenzione della storia delle origini di Artù, l’assenza di Sir
Lancillotto, Sir Galahad e Sir Gawain e la rimozione del classico
triangolo amoroso tra Artù, Lancillotto e Ginevra. Al contrario, il
Re Artù di Ritchie reinventa la mitologia classica in modi che
lascerebbero perplesso il vostro professore di letteratura
classica. Ecco come King Arthur – Il potere della
spada stravolge la tradizione e offre un’esperienza di Re
Artù diversa da qualsiasi altra.
Camelot prima di Artù
Il film si apre con uno shock
immediato: Camelot esiste già. Invece di un castello dorato fondato
da Re Artù, Camelot è una fortezza situata sulle montagne
dell’Inghilterra. L’Inghilterra è anche nel mezzo di una guerra
civile con i Maghi, una razza di stregoni che annovera Merlino tra
i suoi membri. Tuttavia, i Maghi in guerra sono guidati da Mordred,
un potente Mago malvagio. Tradizionalmente, Mordred è il figlio di
Artù, ma in Legend of the Sword, Mordred viene invece ucciso dal
padre di Artù, re Uther Pendragon (Eric
Bana), che brandisce Excalibur contro di lui e salva
eroicamente Camelot. Artù è ancora molto giovane quando i Maghi
vengono sconfitti da re Uther, ma il fratello di Uther, il principe
Vortigern, riesce a conquistare il potere.
Vortigern, con l’aiuto magico delle
Sirene, esegue con successo un colpo di stato per usurpare il
trono. Vortigern uccide re Uther e la regina Elsa, ma Artù riesce a
nascondersi in una piccola barca e a fuggire lungo il fiume. In
seguito si scopre che Vortigern ha complottato con Mordred per
scatenare la guerra. Mordred ha condiviso alcuni dei suoi segreti
magici con Vortigern, in particolare la costruzione di una torre
magica a Camelot simile alla torre magica dei Maghi, che diventa un
punto di connessione per il loro potere. Quando Mordred non riesce
a uccidere Uther, Vortigern passa al suo piano B, chiedendo aiuto
alle Sirene per uccidere Uther.
Artù, il re nato
A differenza di alcune
rappresentazioni classiche della nascita di Artù, come in
Excalibur, Artù nacque da un’unione felice tra re Uther e la regina
Elsa. Dopo che entrambi furono uccisi e il giovane Artù fuggì da
Camelot, la sua piccola barca galleggiò fino alla città di
Londinium. Artù fu scoperto e accolto da alcune prostitute. Invece
di essere nascosto da Merlino e cresciuto da un cavaliere di nome
Sir Ector, Artù viene cresciuto in un bordello, dove spazza i
pavimenti, svolge lavori occasionali e impara persino un po’ di
furto. Da adulto, Artù finisce per gestire il bordello. Artù
diventa adulto nei vicoli di Londinium, che è già una città
multinazionale.
Artù impara a combattere da un
maestro di arti marziali cinese di nome George (Tom
Wu) in un dojo locale. Artù non ricorda la sua discendenza
reale e crede di essere nato nel bordello. Tuttavia, ha spesso
incubi che non riesce a comprendere, in cui vede sua madre e suo
padre uccisi da un demone con il volto di un teschio infuocato.
Quando Arthur estrae Excalibur dalla roccia, viene riconosciuto
come il Re Nato e deve essere eliminato da Vortigern. Tuttavia,
Arthur trascorre la maggior parte del film rifiutando la sua
eredità. (Sopraffatto dal suo potere, sviene persino le prime due
volte che brandisce Excalibur).
Sebbene non desideri diventare re,
l’Artù di Hunnam emana comunque una sicurezza e una spavalderia da
maschio alfa che diventano ancora più evidenti quando finalmente
accetta la corona e il suo destino. L’albero genealogico di Artù in
King Arthur – Il potere della spada è estremamente
semplificato: suo padre è Uther Pendragon, sua madre è Elsa e
Vorigern è suo zio e re usurpatore. Non ha una sorellastra,
Morgana, e non ha figli. Artù ha una cugina, la principessa Catia
(Millie Brady), figlia di Vortigern, che non ha
mai conosciuto da adulto. Lei e la moglie di Vortigern, Elsa
(Katie McGrath), sono entrambe decedute alla fine
di Legend of the Sword. (Stranamente, sia Uther che Vortigern hanno
sposato donne di nome Elsa).
La leggendaria spada magica
Excalibur è l’arma più potente e fondamentale del film. Fu forgiata
da Merlino dal proprio bastone nella sua torre magica come arma per
Uther Pendragon da usare contro Mordred nella guerra tra Uomini e
Maghi. Dopo aver creato Excalibur, Merlino la diede alla Dama del
Lago, che a sua volta la consegnò a Uther. La spada è legata al
lignaggio dei Pendragon, ma può essere utilizzata solo da Uther e
dal suo vero figlio Artù. Anche se Vortigern ha anch’egli sangue
Pendragon, il potere di Excalibur gli è inaccessibile.
Quando Uther e Artù brandiscono
Excalibur e attingono al suo potere (afferrando saldamente l’elsa
con entrambe le mani), Excalibur conferisce ai re Pendragon dei
superpoteri. (Artù lo chiama “razzle dazzle con la spada”). Quando
attinge al potere di Excalibur, gli occhi di Artù diventano
argentati, può combattere con incredibile potenza e velocità ed
Excalibur può tagliare con facilità qualsiasi tipo di armatura o
arma. L’assenza di Lancillotto, tradizionalmente il miglior
guerriero e primo cavaliere di Camelot, si spiega quindi con il
fatto che non è necessario.
Quando Artù scatena il potere di
Excalibur, diventa il miglior guerriero d’Inghilterra, in grado di
abbattere un’orda di soldati con una velocità sorprendente. La
magia di Excalibur conferisce anche ad Artù delle visioni,
sbloccando in particolare i suoi ricordi sepolti della notte in cui
Vortigern uccise Uther. In un’interessante svolta della leggenda,
quando Uther si rese conto che stava per morire, scagliò Excalibur
in aria e quando questa atterrò, trafisse Uther alla schiena. Uther
morì e si trasformò magicamente in pietra.
Quindi, Uther Pendragon stesso è la
pietra nella leggenda della Spada nella Roccia. Artù, il Re Nato,
rivendicò la sua regalità estraendo Excalibur dal proprio padre.
Artù trascorre anche gran parte del film rifiutando la sua
responsabilità di essere re. A un certo punto, lancia persino
Excalibur in un lago, ma la Dama del Lago la afferra e la
restituisce immediatamente ad Artù, costringendolo letteralmente a
riprenderla in mano e dandogli una visione apocalittica di ciò che
accadrà all’Inghilterra se Artù non accetterà il suo destino.
Non è specificato in quale secolo
sia ambientato Re Artù. L’influenza romana nell’architettura è
evidente a Londinium, che ha un Colosseo e acquedotti che portano
l’acqua al castello di Camelot. Il Vallo di Adriano è visibile
nelle mappe dell’Inghilterra, della Scozia e dell’Irlanda mostrate.
Ci sono anche i Vichinghi con cui sia Vortigern che Artù hanno a
che fare come re. Tuttavia, l’Inghilterra del film è un paese in
cui esiste la magia. Nel film ci sono una serie di creature
magiche: elefanti da guerra giganti grandi come montagne, lupi
giganti, serpenti giganti e falchi giganti, oltre a ninfe degli
alberi. C’è persino un’isola magica chiamata Terre Oscure dove Artù
deve portare Excalibur.
Le Terre Oscure sono il luogo in
cui vivono la maggior parte di queste creature giganti. Quando la
sua strategia con Mordred fallì, Vortigern si rivolse alle Sirene
per strappare il trono d’Inghilterra a suo fratello. Le Sirene
vivono nelle acque sotto la torre magica in costruzione a Camelot.
Mostri composti da tre donne, due belle e una grottesca, con la
parte inferiore del corpo costituita da tentacoli di polpo, le
Sirene aiutano Vortigern a un prezzo: egli deve uccidere e
sacrificare una persona cara alle Sirene affinché queste gli
prestino la loro magia oscura. Vortigern uccide prima sua moglie
Elsa per strappare il trono a Uther. Per la sua battaglia decisiva
con Artù, Vortigern uccide sua figlia, la principessa Catia.
In entrambe le occasioni, le Sirene
trasformano Vortigern in un gigantesco demone dal volto di teschio
circondato dalle fiamme. Quando Artù uccide Vortigern, usa
Excalibur per abbattere la torre magica, eliminando presumibilmente
anche le Sirene. La razza dei maghi in Re Artù è vista come un
esercito, e anche Mordred e Merlino compaiono brevemente nel film.
Il personaggio principale dei maghi è una donna conosciuta solo
come la Maga (Àstrid Bergès-Frisbey). Viene
inviata da Merlino per aiutare Artù nella sua missione di diventare
re, anche se è frustrata dalla sua riluttanza ad afferrare il suo
destino. La Maga può controllare magicamente e trasformarsi negli
animali giganti del film.
Alcuni media dedicati a
King Arthur – Il potere della spada identificano
il personaggio di Bergès-Frisbey come Ginevra, ma nel film non
viene mai chiamata con questo nome né con alcun altro nome proprio.
Se alla fine la Maga si rivelasse essere Ginevra, questa versione
andrebbe contro la tradizione e la allineerebbe maggiormente alla
regina guerriera dei Pitti dipinta di blu, Ginevra, interpretata da
Keira Knightley nel film King Arthur del 2004 diretto da Antoine Fuqua. Che la
Maga sia o meno Ginevra, in King Arthur – Il potere della
spada non c’è alcuna storia d’amore tra lei e Artù.
Gli uomini che diventeranno i
Cavalieri di Artù alla fine di King Arthur – Il potere
della spada sono tutt’altro che l’ideale tradizionale
della cavalleria medievale. L’unico che assomiglia a un cavaliere
arturiano tradizionale è Sir Bedivere (Djimon
Hounsou), che era un cavaliere alla corte di re Uther
ma fuggì per lavorare al fianco dei maghi quando Vortigern usurpò
il trono. Gli altri sono la variegata banda di furfanti di Artù
provenienti dai bordelli e dai vicoli di Londinum, che include il
criminale tiratore scelto Goosefat Bill (Aidan
Gillen). Combattono al fianco di Artù e scatenano una
rivoluzione contro Vortigern.
Quando Artù finalmente sale al
trono, il nuovo re nomina i suoi compagni cavalieri, che diventano
Sir Percival, Sir William e Sir George. Infine, alla fine del film
viene presentata la Tavola Rotonda (completata solo per due terzi),
accompagnata da battute in cui i nuovi cavalieri si chiedono cosa
sia esattamente. King Arthur – Il potere della
spada doveva essere destinato a essere il primo di una
serie di sei film. I sequel avrebbero dunque dato più ampio spazio
a personaggi classici come Lancillotto, Galahad e Morgana.
Tuttavia, i piani per questa saga sono poi stati abbandonati.
Mentre è in corso la ricerca del
prossimo James
Bond, uno dei nuovi produttori della serie fornisce un
aggiornamento sulla tempistica di uscita del reboot della saga.
All’inizio di quest’anno, i produttori di lunga data
Barbara Broccoli e Michael G. Wilson hanno ceduto
il controllo creativo della serie Bond alla Amazon MGM Studios, un
cambiamento epocale per un’icona della narrativa britannica per
eccellenza.
Una delle poche cose certe sulla
nuova era di Bond è
che il regista di Dune e Blade Runner 2049 Denis
Villeneuve (di origine canadese) dirigerà il primo film in
uscita. Tuttavia, Bond non è completamente fuori dal controllo
britannico. L’acclamato produttore britannico David Heyman ha
collaborato con la produttrice americana Amy Pascal per riportare
Bond sul grande schermo, e il creatore di Peaky Blinders Steven Knight scriverà la
sceneggiatura.
Durante un’intervista con
Screen
Daily, Heyman ha rivelato che al momento non esiste una
tempistica di produzione definita per il primo film di Bond della
nuova era, spiegando che “Denis [Villeneuve] sta ancora girando
Dune
[3]”. Heyman ha anche sottolineato che non esiste una scadenza
precisa per il casting del prossimo James
Bond. Ha poi continuato:
“L’unica cosa su cui
ho un certo controllo è trovare progetti e lavorare con persone
fantastiche e di talento che credo possano avere la possibilità di
realizzare qualcosa di straordinario. Non è sempre stato così.
Quando inizi, non hai questa opportunità, cerchi solo di tirare
avanti e pagare l’affitto. Sono stato così per molto tempo, poi la
mia vita è cambiata e ora mi trovo in una posizione molto
privilegiata”.
Heyman non è nuovo alle grandi
franchise britanniche, dato che lui e la sua società di produzione,
la Heyday Films, sono dietro a diversi mega successi britannici,
tra cui tutti gli otto film di Harry Potter – e il prossimo remake
di Harry Potter della HBO – così come i film live-action
Paddington, acclamati dalla critica e amati dal pubblico.
Dune: Parte
Tre uscirà nelle sale nel dicembre 2026 e il film
richiederà un ampio lavoro di post-produzione. Ci vorrà un po’ di
tempo prima che Villeneuve possa dedicarsi completamente a James
Bond. In precedenza si vociferava che la produzione sarebbe
iniziata nel 2027, ma le dichiarazioni di Heyman lasciano intendere
che anche questa tempistica è flessibile.
Per quanto riguarda il casting di
James Bond, Villeneuve ha dichiarato a
Deadline a settembre che avrebbe iniziato la ricerca di un
nuovo James Bond il prossimo anno, dopo aver completato la
produzione di Dune: Parte Terza. Deadline ha anche riferito che
Amazon, Heyman, Pascal e Villeneuve vogliono che il prossimo Bond
sia un uomo britannico “dal volto nuovo”, “un sconosciuto tra i 20
e i 30 anni”, presumibilmente in modo che l’attore possa crescere
con il franchise per una nuova generazione.
Questa descrizione non corrisponde
alla lista dei candidati Bond pubblicata quest’estate, che
includeva Tom
Holland, Harris Dickinson e Jacob Elordi. Sebbene tutti e tre gli
attori abbiano attualmente circa 30 anni, nessuno di loro può
essere definito “sconosciuto”. Elordi è anche australiano, anche se
va notato che George Lazenby, che ha interpretato Bond subito dopo
(e prima) Sean Connery in Al servizio segreto di Sua Maestà, era
anch’egli australiano.
Dopo l’addio emozionante e audace
di Daniel Craig in No Time to
Die nel 2021, c’è molta pressione per trovare un James
Bond in grado di portare il franchise in un’era completamente
nuova. Chiaramente, Amazon e il team creativo di Bond non sono
disposti ad affrettare il processo, creando ancora più hype intorno
al ritorno di questo personaggio amato in tutto il mondo.
La mattina del 2 luglio 1881,
Charles Guiteau si assicurò un posto infame nella storia
politica americana quando sparò due colpi a James
Garfield. Il ventesimo presidente degli Stati Uniti sarebbe
morto quasi tre mesi dopo. La vita di Guiteau terminò l’anno
successivo, all’estremità di una corda.
L’assassinio fu l’ultima risposta
violenta di Guiteau a una vita in cui non aveva ricevuto ciò che
riteneva di meritare dal mondo. Quasi certamente affetto da una
malattia mentale non diagnosticata, Guiteau fallì come avvocato,
giornalista, autore e predicatore; fallì come marito e come membro
di una comunità religiosa; e fallì, in modo ridicolo, nella sua
incursione nella politica.
Si potrebbe dire che l’unica cosa
in cui ebbe successo fu uccidere il presidente. E anche in questo
fallì quasi.
Death
by Lightning, una serie drammatica in quattro episodi
di Netflix del 2025 con
Matthew Macfadyen nel ruolo di Guiteau e Michael Shannon in quello di Garfield,
racconta la storia di Guiteau riconoscendo che, tra gli assassini
di presidenti, il suo nome non è certo famoso come quello di John
Wilkes Booth o Lee Harvey Oswald, rispettivamente assassini di
Abraham Lincoln e John F. Kennedy. La frase di apertura della
serie, pronunciata mentre il cervello conservato di Guiteau rotola
sul pavimento in un barattolo, riassume il tutto: “Chi c***o è
Charles Guiteau?!”
Chi era il vero Charles
Guiteau?
Cortesia di Netflix
Charles Julius Guiteau ebbe
un’infanzia difficile. Nato l’8 settembre 1841 a Freeport,
nell’Illinois, era il quarto di sei figli di una madre affetta da
episodi psicotici. Lei morì quando Charles aveva sette anni e suo
padre era un uomo severo e spesso violento.
Come l’uomo che avrebbe poi ucciso,
il giovane Guiteau cercò di migliorare la sua situazione attraverso
l’istruzione, ma fallì nel tentativo di entrare all’Università del
Michigan, inciampando nell’esame di ammissione. Abbandonando gli
studi, nel 1860 entrò a far parte di una setta religiosa, la Oneida
Community, nello Stato di New York.
Charles Guiteau, l’assassino del
presidente James A Garfield, sparò al presidente nel luglio 1881 e
fu giustiziato per impiccagione l’anno successivo. Il suo atto di
violenza sconvolse la nazione e portò a nuove richieste di riforma
della pubblica amministrazione negli Stati Uniti. (Foto di Getty
Images)
Charles Giteau entrò a far parte
di una comunità di “amore libero”?
Sì, lo fece. La Oneida Community
credeva nella possibilità del perfezionismo, nell’essere totalmente
liberi dal peccato sulla Terra. A tal fine, praticavano la
critica reciproca (riunendosi in gruppi per rimproverarsi a vicenda
i peccati), una forma di proto-eugenetica per garantire che
nascessero solo bambini perfetti, e il “matrimonio complesso”, in
cui chiunque poteva andare a letto con chiunque altro.
Sebbene Guiteau idolatrasse il suo
fondatore, John Humphrey Noyes, non riuscì mai ad integrarsi nella
Oneida. Detestava i lavori umili e non riusciva a trovare piacere
nella dottrina dell’amore libero, poiché nessuno voleva essere suo
partner. Trovandolo egocentrico, i membri della comunità lo
chiamavano “Charles Gitout”.
Lui acconsentì, andandosene per
fondare un giornale basato sugli insegnamenti della Oneida, The
Daily Theocrat. Il giornale fallì, così come il suo ritorno
nella comunità e le conseguenti cause legali contro Noyes. A questo
punto, diverse persone lo descrivevano come “pazzo”, compresa sua
sorella Frances, che ricordava come una volta lui avesse brandito
un’ascia sopra la sua testa come per ucciderla.
Trasferitosi a Chicago, Guiteau
riuscì a superare un esame molto facile per essere ammesso
all’ordine degli avvocati e sposò una bibliotecaria di nome Annie
Bunn. Ciò non migliorò però la sua situazione: invece di diventare
avvocato, lavorò come esattore (e rubò denaro ai clienti, per cui
fu condannato a un periodo di carcere) e maltrattò Annie fino a
quando lei chiese il divorzio.
Nel 1872, mentre si trovava a New
York, Guiteau mostrò il suo primo interesse per la politica
scrivendo un discorso a sostegno di un candidato alla presidenza,
Horace Greeley. Solo per questo, credeva di meritare una ricompensa
sotto forma di un incarico di ambasciatore in Cile.
Quando ciò non funzionò, Guiteau
tornò brevemente alla religione, scrivendo un libro intitolato
The Truth, che essenzialmente copiò dalla letteratura di
Oneida, e divenne un predicatore itinerante. Nessuno sembrava
rispondere ai suoi sermoni sconclusionati, ma lui era sempre più
convinto non solo di stare compiendo l’opera di Dio, ma anche, dopo
essere sopravvissuto al naufragio di un battello a vapore, di
godere della protezione divina.
Con questo incrollabile senso di
determinazione, che a quel punto era chiaramente visto dagli altri
come fantasia, Guiteau tornò alla politica.
Charles Guiteau incontrò James
Garfield?
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Non è noto se i due
uomini si incontrarono durante le elezioni presidenziali del 1880,
in cui Garfield aveva vinto la candidatura repubblicana, anche se
non c’era alcun motivo concreto per cui dovessero farlo, dato che
Guiteau non aveva un ruolo attivo nella campagna elettorale. Non fu
per mancanza di tentativi: egli offrì costantemente e
disperatamente la sua assistenza.
Questo iniziò prima che Garfield
fosse candidato. Alla Convention Nazionale Repubblicana del 1880,
molti si aspettavano che Ulysses S Grant ottenesse la nomina, dato
che aveva già ricoperto la carica due volte ed era il capo della
fazione dominante del partito, gli Stalwarts.
Questo gruppo sosteneva il
mantenimento del “spoils system”, un sistema di clientelismo di
lunga data in base al quale le cariche governative venivano
assegnate a sostenitori e amici piuttosto che in base al merito.
Guiteau, ripensando alla carica di ambasciatore che riteneva di
meritare in cambio del suo sostegno a Greeley, credeva che avrebbe
tratto vantaggio dal sistema delle nomine, quindi appoggiò
Grant.
Scrisse un discorso intitolato
“Grant contro Hancock” (il candidato democratico, Winfield Scott
Hancock). Tuttavia, Guiteau aveva puntato sul cavallo sbagliato:
alla convention, Grant non riuscì a ottenere abbastanza voti per la
nomina e Garfield divenne inaspettatamente il candidato di
compromesso.
Questo non fu un problema per
Guiteau: semplicemente modificò il suo discorso sostituendo tutti i
riferimenti a “Grant” con “Garfield” e lasciando tutto il resto
invariato. Sebbene possa averlo pronunciato davanti a un piccolo
gruppo di persone e averne stampato alcune copie da distribuire,
questo fu tutto il suo contributo alle elezioni del 1880.
Questo ritratto raffigura James
Abram Garfield, il ventesimo presidente degli Stati Uniti. Ex
generale dell’Unione e membro del Congresso, la presidenza di
Garfield nel 1881 fu interrotta da un assassinio. (Foto di Getty
Images)
Perché Charles Guiteau assassinò
James Garfield?
Cortesia di Netflix
Quando Garfield vinse le elezioni
presidenziali, Guiteau si convinse che fosse stato solo grazie al
suo discorso. In cambio, si aspettava di ottenere un incarico
prestigioso nella sua amministrazione e iniziò a chiedere il
consolato a Vienna, in Austria, che in seguito cambiò con quello di
Parigi, in Francia.
Unendosi alla folla di aspiranti
funzionari a Washington DC, Guiteau, ormai indigente, passava il
tempo a interrogare chiunque per avere notizie su ciò che gli era
dovuto. Il resto del tempo lo trascorreva nascondendosi tra le
pensioni senza pagare. Concentrò gran parte dei suoi sforzi su
James Blaine, allora Segretario di Stato, disturbandolo
regolarmente. Un giorno, nel maggio 1881, secondo quanto riferito,
Blaine, esasperato, sbottò: “Non parlarmi mai più del consolato a
Parigi finché vivrai!”.
Devastato, Guiteau giunse a una
conclusione: Garfield voleva distruggere il sistema delle nomine
politiche e l’unico modo per salvarlo – e ottenere il posto a
Parigi – era ucciderlo. Il vicepresidente di Garfield, Chester Arthur, figura di spicco della fazione
degli Stalwarts, avrebbe preso il suo posto. Inoltre, Guiteau
concluse che Dio gli aveva detto che la “rimozione” di Garfield era
per il bene del Partito Repubblicano e del Paese.
Quando e come Charles Guiteau
assassinò James Garfield?
Dopo aver preso in prestito del
denaro da un parente, Guiteau acquistò una pistola British Bulldog
a canna corta, scegliendo il modello con impugnatura in avorio
anziché in legno perché pensava che sarebbe stato più attraente
quando l’arma sarebbe inevitabilmente diventata parte di una mostra
museale sull’assassinio.
Provò la sua mira sparando contro
gli alberi nei parchi di Washington e poi iniziò a seguire
Garfield. Durante il processo, è emerso chiaramente che in alcune
occasioni aveva rinunciato a sparare, una volta in una chiesa e
un’altra volta per non uccidere Garfield davanti a sua moglie. Alla
fine, Guiteau vide la sua occasione sul giornale: il presidente
avrebbe preso un treno il 2 luglio 1881.
Quella mattina, Guiteau attese
Garfield e il suo piccolo entourage alla stazione ferroviaria di
Baltimora e Potomac. Anche dopo l’assassinio di Abraham Lincoln 16
anni prima, i presidenti non avevano una scorta di sicurezza,
quindi nessuno fermò Guiteau mentre si avvicinava e sparava. Un
colpo sfiorò il braccio di Garfield, mentre l’altro lo colpì alla
schiena.
Guiteau cercò di fuggire, ma si
imbatté in un poliziotto. Accettando il suo arresto, dichiarò:
“Sono uno Stalwart. Arthur è ora il presidente degli Stati
Uniti”.
Questa illustrazione raffigura
l’assassinio del presidente James A Garfield da parte di Charles
Guiteau nel 1881. (Foto di Getty Images)
Garfield sopravvisse all’attacco e
avrebbe potuto guarire completamente se non fosse stato per le cure
mediche scadenti che ricevette, tipiche dei medici che curavano la
sua ferita con strumenti e mani non sterilizzati. Le sue condizioni
peggiorarono gradualmente e morì 11 settimane dopo l’assassinio, il
19 settembre 1880. Era stato presidente per poco più di otto mesi.
Per tutto quel tempo, Guiteau attese in prigione.
Cosa accadde al processo di
Charles Guiteau?
Cortesia di Netflix
Una volta morto
Garfield, Guiteau poté essere accusato di omicidio e il suo
processo iniziò a novembre. Suo cognato George Scoville agì come
suo avvocato difensore e presentò una richiesta di infermità
mentale.
Guiteau diede certamente credito a
quella difesa con il suo comportamento irregolare in tribunale.
Interrompeva e insultava tutti, compreso Scoville; pronunciava la
sua testimonianza come se fosse un poema epico; e passava biglietti
agli spettatori chiedendo consigli.
Tuttavia, pur affermando di essere
stato pazzo al momento dello sparo – poiché Dio gli aveva tolto il
libero arbitrio – insisteva nel dire che non era pazzo dal punto di
vista medico, con grande disappunto della sua difesa. Finì per
concordare con l’accusa sul fatto che sapeva che le sue azioni
erano illegali.
Inoltre, sosteneva che la
responsabilità della morte di Garfield ricadeva sui suoi medici,
non su di lui. “Io gli ho solo sparato”, disse.
Quando non era in tribunale, dettò
la sua autobiografia per The New York Herald, che includeva
un annuncio personale in cui cercava “una simpatica signora
cristiana sotto i 30 anni”, e iniziò a pianificare cosa fare dopo
il processo. Guiteau sosteneva di aver fatto la cosa giusta e
credeva che molti americani lo sostenessero. Scrisse persino ad
Arthur dicendogli che avrebbe dovuto essere grato per lo stipendio
più alto ora che era presidente.
Sicuro di essere rilasciato,
Guiteau prevedeva di intraprendere un tour di conferenze in tutto
il paese, seguito dalla sua candidatura alla presidenza nel
1884.
Invece, quando il processo si
concluse alla fine di gennaio del 1882, la giuria impiegò meno di
un’ora per dichiararlo colpevole, al che lui urlò: “Siete tutti dei
miserabili, dei perfetti idioti!”. Guiteau fu condannato a morte
per impiccagione.
Quando fu giustiziato Charles
Guiteau?
L’esecuzione fu eseguita
il 30 giugno 1882, due giorni prima del primo anniversario della
sparatoria.
Sul patibolo, Guiteau recitò una
poesia che aveva scritto quella mattina, un verso sconclusionato
con le frasi “Gloria alleluia” e “Sto andando dal Signore” ripetute
più e più volte.
La sua richiesta di avere
un’orchestra che lo accompagnasse musicalmente fu respinta.
Che fine ha fatto il cervello di
Charles Guiteau?
Death by Lightning ci fa
credere che il cervello di Charles Guiteau sia conservato in un
barattolo da qualche parte, e questo è assolutamente vero.
Alcune parti sono ancora esposte al Mütter Museum di Filadelfia,
un’istituzione specializzata in storia della medicina.
Dopo l’impiccagione, il corpo di
Guiteau fu sottoposto ad autopsia e il suo cervello fu inviato per
essere studiato nella speranza di trovare una spiegazione anatomica
alla sua follia. Il suo stato mentale rimane ancora oggi oggetto di
dibattito, con diagnosi che vanno dalla sifilide alla schizofrenia
e alla psicopatia.
I creatori di Stranger
Things, Matt e Ross Duffer, hanno risposto alle accuse
di molestie mosse da
Millie Bobby Brown e
David Harbour prima della premiere della quinta
stagione. In vista dell’uscita della
quinta stagione di Stranger Things, un articolo del
Daily Mail ha riportato che Brown avrebbe
presentato una denuncia per molestie e bullismo contro Harbour
prima dell’inizio delle riprese degli episodi finali.
Parlando con The Hollywood Reporter durante la premiere della
quinta stagione di Stranger Things, Ross Duffer ha
affrontato le accuse secondo cui Harbour avrebbe bullizzato Brown
sul set della serie Netflix. Il co-creatore della serie ha spiegato di
non poter affrontare “questioni personali sul set”, ma ha
sottolineato la forza dei legami tra i membri principali del cast
dello show:
Ovviamente capite che
non posso entrare nel merito di questioni personali sul set, ma vi
dirò che lavoriamo con questo cast da 10 anni e a questo punto sono
come una famiglia per noi e teniamo molto a loro. Quindi, sapete,
niente è più importante che avere un set dove tutti si sentono al
sicuro e felici.
L’articolo, pubblicato sabato dal
quotidiano britannico, sostiene che la Brown abbia presentato una
denuncia per molestie e bullismo contro Harbour, che ha portato a
un’indagine durata mesi da parte di Netflix. Sebbene la natura
esatta della presunta denuncia non sia stata specificata
nell’articolo, la fonte anonima citata dal Daily Mail ha affermato
che “non includeva accuse di scorrettezza sessuale”.
Il rapporto sostiene che Brown
avesse un rappresentante sul set con lei durante le riprese
Stranger Things – stagione 5, che sono durate per
la maggior parte del 2024. Anche se Netflix non ha risposto al
rapporto, Brown e Harbour sono stati visti abbracciarsi al red
carpet della premiere dell’ultima stagione. Anche il regista e
produttore esecutivo Shawn Levy ha definito il rapporto
“estremamente impreciso.”
Sullo schermo, Eleven di Brown e
Jim Hopper di Harbour sono una coppia padre-figlia surrogata, con
un arco narrativo lungo diverse stagioni che li lega come una
famiglia. La loro dinamica è un aspetto centrale tra i personaggi
di Stranger Things, ben lontano dalle accuse di molestie riportate
nell’articolo. Sebbene la loro validità rimanga poco chiara, la
dichiarazione di Duffer segnala che c’è stata una risoluzione
amichevole.
Stranger Things stagione 5 debutta
su Netflix con i primi quattro episodi il 26 novembre alle 20:00
ET, seguiti dai prossimi tre episodi il 25 dicembre e dal finale di
serie il 31 dicembre. Nel finale tutti i personaggi principali
della serie si uniranno per sconfiggere Vecna
e impedire all’Upside Down di distruggere il mondo.
Ora che i Duffer hanno affrontato
la questione, resta da vedere se Netflix o i rappresentanti di
Brown e Harbour risponderanno. Anche se non è chiaro se la notizia
virale avrà un impatto sul successo della quinta stagione di
Stranger Things, le parole del co-creatore sembrano
rassicurare sul fatto che qualsiasi cosa sia successa internamente
è stata risolta in modo adeguato.
Alan Ritchson è
stato preso in considerazione per un ruolo nel DC
Universe di James
Gunn.
In un’intervista con
ScreenRant per il suo prossimo film Playdate, a
Ritchson è stato chiesto se ci fosse la possibilità che entrasse a
far parte del franchise DCU. La star di Reacher ha
confermato che è effettivamente in trattativa per un ruolo
“caotico” nel franchise di Gunn, come ha
rivelato:
Alan Ritchson: Sì. Sì. La
conversazione che ho avuto con loro è stata più o meno questa:
“Voglio interpretare un personaggio un po’ più caotico”. E ho detto
loro che, se avessi accettato, avrei interpretato il tipo di
personaggio che volevo e spiegato cosa avrebbe significato per il
loro mondo, e penso che sia qualcosa che tutti vorrebbero vedere in
questo momento. Quindi sì, voglio interpretare un personaggio un
po’ più sporco rispetto al tipico protagonista pulito e
ordinato.
FOTO IN COPERTINA: Alan Ritchson
arriva al Charlize Theron Africa Outreach Project
(CTAOP) 2023 Block Party. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com
Ecco il trailer di Tua
madre, il docufilm di Leonardo
Malaguti, prodotto da Umberto Maria
Angrisani con Dania
Rendano, scritto da Margherita
Arioli e Leonardo Malaguti, prossimamente
al cinema.
Che cos’è una mamma?
Per molti, la parola evoca amore,
calore e protezione. Ma dietro questa immagine si nasconde una
realtà più complessa, fatta di ruoli, aspettative e identità in
continuo cambiamento.
Tua Madre esplora come la società
percepisce e definisce una donna quando diventa madre, chiedendosi
se quel modello sia davvero naturale o una costruzione culturale
che può evolversi. Attraverso le voci di donne (e non solo)
provenienti da contesti diversi — tra cui esperte di sociologia,
psicologia, politica e letteratura — il film offre un ritratto
corale dell’esperienza materna contemporanea. A guidare questa
ricerca è Dania (25), una studentessa di cinema che scopre di
essere incinta e decide di trasformare il proprio dubbio in un
documentario.
Il suo viaggio personale si
intreccia con una riflessione collettiva, mostrando che essere
madre dovrebbe essere, prima di tutto, una scelta individuale,
influenzata ma non imposta dalla società.
C’è un genere che si è ormai
affermato su Netflix: la docuserie. Nel corso degli anni, la
piattaforma lo ha sempre più raffinato. Si sceglie un argomento, si
realizzano interviste, si aggiungono ricostruzioni in modo che il
parlato abbia una controparte visiva, e tutto ciò che viene
mostrato sullo schermo viene persino estetizzato per ottenere un
pacchetto pulito, impeccabile, quasi anestetizzato. La prima
docuserie a stabilire un punto di riferimento è stata SanPa
– Luci e tenebre di San Patrignano, che, a differenza di
tutte le altre produzioni che ne hanno seguito le orme, aveva
qualcosa che non si è mai ripetuto: la spontaneità.
Non quella degli intervistati o nel
modo in cui i fatti sono stati presentati, ma nel genuino desiderio
di raccontare una storia, di farlo con una certa struttura e scelte
specifiche che, di fatto, si adattassero all’argomento. Eppure, da
allora ce ne sono stati altri, ognuno dei quali ha perso sempre più
quella cruda onestà che ha decretato il successo dell’originale. È
su questa linea che arriva Terrazza Sentimento.
Chi è Alberto Genovese?
La docuserie in tre parti
ricostruisce il caso dell’imprenditore Alberto
Genovese e le violenze inflitte a diverse giovani donne
che frequentavano la sua casa. Lo scandalo è scoppiato nell’ottobre
2020, gettando nuova luce sul cosiddetto stile di vita milanese da
bere, sulla cocaina e i suoi effetti, e sulla scena mondana che
prosperava nel periodo immediatamente successivo alla pandemia (e,
a quanto pare, anche durante).
A differenza della docuserie in sé
– il cui obiettivo sembra essere quello di produrre nuovi contenuti
senza trovare un modo originale o incisivo per farlo, finendo per
essere un mero contenitore di fatti – il risultato sembra più
un’aggiunta alla libreria Netflix che una vera e propria indagine
su uno dei più recenti scandali pubblici italiani. Questa
impressione è rafforzata dal breve intervallo di tempo tra i fatti
realmente accaduti e il loro adattamento in streaming.
Cortesia di Netflix
Terrazza
Sentimento
Terrazza
Sentimento avrebbe potuto essere l’occasione per far luce
su come il privilegio diventi una scusa per giustificare gli atti
più riprovevoli, sulla facilità con cui le donne rimangono
costantemente esposte al pericolo e, soprattutto, sulla rapidità
con cui vengono accusate di “cercarselo” anziché essere sostenute.
La docuserie non è male, sebbene alcune scelte siano discutibili,
come la necessità di tornare all’infanzia di Genovese per mostrare
che era vittima di bullismo ed escluso dalle feste, una spiegazione
che stride con la narrazione sulle feste edonistiche che
organizzava da adulto e sugli abusi inflitti a donne drogate,
sedate e violentate.
Un’altra scelta discutibile è l’uso
di ricostruzioni digitali in assenza di materiali originali,
complete di conversazioni simulate. Che Terrazza
Sentimento abbia rapidamente raggiunto la vetta delle
classifiche Netflix era prevedibile. Ma ciò che merita maggiore
riflessione è la nostra continua fascinazione per l’approfondimento
superficiale di storie inquietanti e la nostra ricerca della
spettacolarizzazione del male, un fenomeno che ha poco a che fare
con la qualità produttiva di queste docuserie.
La serie
Death by Lightning, acclamata dalla critica e
disponibile su Netflix, racconta il drammatico assassinio del
presidente americano James A. Garfield,
interpretato da Matthew Macfadyen, e del suo assassino
Charles Guiteau, a cui dà volto Michael
Shannon.
Pur essendo una produzione di altissimo livello, la miniserie
omette un elemento importante della storia reale: il
processo e la condanna di Guiteau.
A oltre 140 anni dai fatti, il caso
è però ben documentato grazie a giornali dell’epoca e al libro del
1882 The Life of Guiteau and the Official History of the Most
Exciting Case on Record di H.H. Alexander. È quindi possibile
ricostruire nel dettaglio ciò che accadde dopo l’attentato, nella
parte che la serie non mostra.
Il processo di Charles
Guiteau
Il 2 luglio 1881, come mostrato
nella serie, Charles Guiteau sparò due colpi di pistola al
presidente Garfield nella stazione ferroviaria di
Baltimore e Potomac. Fu immediatamente arrestato e rimase in
prigione per oltre dieci settimane, mentre il presidente lottava
tra la vita e la morte.
Quando Garfield morì, il suo vice
Chester Arthur divenne presidente, e quello stesso
giorno Guiteau fu incriminato per omicidio.
Durante l’udienza preliminare del 14 ottobre 1881, si dichiarò non
colpevole, sostenendo di essere stato temporaneamente folle e
accusando i medici di Garfield di aver causato la morte con cure
sbagliate.
Il suo avvocato e cognato,
George Scoville, fece cadere le accuse di
negligenza medica, e dopo un mese di rinvii, il processo iniziò il
14 novembre 1881. A rappresentare l’accusa c’erano
il procuratore di Washington D.C., George
Corkhill, e due rinomati legali, John
Porter e Walter Davidge.
Guiteau tenta di difendersi
da solo
Sin dal primo giorno del processo,
Guiteau cercò di licenziare i suoi avvocati per
assumere la propria difesa, sostenendo di conoscere il caso meglio
di chiunque altro.
In aula, definì i suoi legali “incapaci e ottusi”, accusandoli di
non sapere come condurre la difesa. Il giudice Walter
Cox decise comunque di mantenerli, ma fu costretto a
tollerare le frequenti interruzioni e gli sfoghi del detenuto per
evitare un annullamento del processo. Guiteau arrivò persino ad
accusare il giudice di volerlo “mettere a tacere”.
Un processo-spettacolo
Il processo di Charles
Guiteau divenne presto un vero e proprio spettacolo
pubblico.
L’imputato, convinto di essere popolare, trasformò l’aula
in un palcoscenico, tra insulti, dichiarazioni assurde e
continui interventi fuori luogo. Contestava le domande dei suoi
stessi avvocati, derideva i testimoni della difesa e insultava
Scoville definendolo “un asino nelle controinterrogazioni”. Come se
non bastasse, decise di testimoniare in propria
difesa, cosa che si rivelò disastrosa. Raccontò nei
dettagli come aveva pianificato l’omicidio, descrivendo persino la
scelta della pistola — con manici d’avorio — perché “sarebbe stata
più bella da esporre in un museo”.
Con queste dichiarazioni,
vanificò completamente la strategia della follia
momentanea, sostenendo di essere stato “pazzo solo nel
momento dello sparo”, ma perfettamente lucido durante il processo.
Arrivò persino a dire che l’assassinio avrebbe reso famoso il suo
libro autobiografico. Alla fine del processo, Guiteau cantò
John Brown’s Body e si paragonò a George
Washington, un gesto che confermò, secondo molti esperti,
che il suo comportamento fosse in gran parte una recita per
simulare la pazzia.
Gli esperti divisi sulla sua
sanità mentale
Il caso Guiteau fu il primo
grande processo americano a invocare la difesa per infermità
mentale. Si basava sulla regola di
M’Naghten, secondo cui un imputato è considerato folle
solo se, al momento del crimine, non comprendeva ciò che stava
facendo o non sapeva che fosse sbagliato.
Furono chiamati 36
medici, 23 per l’accusa e 13 per la difesa, ma le loro
testimonianze risultarono contraddittorie. Alcuni sostenevano che
Guiteau fosse nato folle, altri che avesse sviluppato disturbi
mentali in seguito; qualcuno attribuiva la follia alla forma del
cranio o a difetti di linguaggio, mentre altri dicevano che le
lesioni cerebrali ne fossero la causa — anche se Guiteau non ne
mostrava alcuna traccia.
La condanna a morte
Il 25 gennaio
1882, dopo due mesi di processo, la giuria impiegò appena
65 minuti per dichiararlo colpevole. Il 4
febbraio venne condannato alla pena di morte per
impiccagione. Nonostante il ricorso alla Corte Suprema, la
sua richiesta fu respinta. Disperata, la sorella di Guiteau cercò
aiuto dalla vedova del presidente, Lucretia
Garfield, ma fu respinta freddamente. Anche la figlia
della coppia, Mollie Garfield, si indignò per
l’audacia della donna.
L’esecuzione e la fine di
Guiteau
Convinto fino all’ultimo di
ricevere la grazia, Guiteau scrisse al nuovo presidente
Chester Arthur, sostenendo che il suo gesto lo
aveva favorito e meritava riconoscenza. Arthur, però,
rifiutò ogni intervento. L’esecuzione fu fissata
per il 30 giugno 1882 (la serie riporta per errore
l’anno 1992).
Oltre 20.000 persone
parteciparono a una lotteria per assistere
all’impiccagione, ma solo 250 ottennero i biglietti per vedere la
scena dal vivo. Proprio come mostrato in Death by
Lightning, Guiteau salì sul patibolo, recitò la poesia
“I Am Going to the Lordy” e fu infine impiccato.
Nel finale di
Death by Lightning, la serie mantiene la promessa
del suo inizio, ma lascia ancora molte domande su cosa accadrà dopo
e sul significato complessivo della storia. La miniserie drammatica
esplora la vita e la presidenza di James Garfield,
il 20º presidente degli Stati Uniti, e la sua morte
prematura, che pose fine al suo mandato dopo meno di un
anno.
A causa del suo breve periodo alla
Casa Bianca, l’eredità di Garfield è stata col tempo
diluita e dimenticata, oscurata dalla tragedia
della sua morte. Tuttavia, Death by Lightning riesce a
ridare vita alla sua storia, approfondendo anche
la mente dell’uomo che lo assassinò: Charles
Guiteau.
Cosa succede alla fine di
Death bey Lightning?
Il primo episodio chiarisce subito
che la serie ruota attorno a James Garfield e al
suo assassino, Charles Guiteau. Nel penultimo
episodio, Guiteau spara due colpi contro il presidente Garfield, e
il finale esplora le conseguenze di questo tragico evento.
Inizialmente, le condizioni del presidente sembrano stabili:
Garfield sopravvive per diverse settimane, ricevendo cure e potendo
salutare la sua famiglia. Tuttavia, a causa della
negligenza di un medico che rifiuta le teorie sui
germi e la contaminazione, la ferita si infetta e Garfield
muore.
Dopo la sua morte, Guiteau
viene impiccato per l’attentato, ma il suo comportamento
in prigione è bizzarro: concede interviste alla stampa e parla di
un libro che vorrebbe pubblicare dopo la sua esecuzione. Quando la
vedova di Garfield lo visita in carcere, gli dice
chiaramente che il suo nome sarà dimenticato e che
il suo libro non verrà mai pubblicato.
Nel frattempo, il vicepresidente
Chester Arthur, inizialmente rivale politico di
Garfield, ne diventa il successore. Dopo aver assistito alla bontà
e all’integrità di Garfield, mostra un sincero cambiamento
di cuore.
Il finale di Death by
Lightning è storicamente accurato?
Come molte serie storiche, anche
Death by Lightning si prende alcune libertà narrative, ma
la maggior parte degli eventi è rappresentata
fedelmente. Garfield fu realmente colpito da Guiteau due
volte in una stazione ferroviaria e morì per un’infezione causata
da cure mediche inadeguate. Chester Arthur divenne presidente dopo
di lui e portò avanti parte del suo programma politico. Alcune
scene, come quella dell’incontro in prigione tra la signora
Garfield e Guiteau, sono invenzioni drammatiche,
create per rendere la storia più emotiva e cinematografica.
Dopo la morte di Garfield,
Chester Arthur divenne presidente in virtù del suo
ruolo di vicepresidente. Era uno dei primi casi di questo tipo, e
non esisteva ancora una procedura chiara per la transizione del
potere o per nominare un nuovo vicepresidente.
Arthur governò quindi senza
un vicepresidente per l’intero mandato. Il suo operato ha
ricevuto giudizi contrastanti: alcuni lo lodano
per le riforme introdotte, altri lo criticano per mancanza di
carisma e direzione. Alla fine del suo mandato, i
Democratici vinsero per la prima volta dalla
Guerra Civile, segno forse che il Paese desiderava un cambiamento
dopo la sua presidenza.
Cortesia di Netflix
Charles Guiteau scrisse davvero un
libro sulla sua vita?
Nella serie si fa riferimento a un
libro intitolato Truth, che in realtà
esiste: si trattava di un articolo scritto da
Guiteau per raccontare la sua versione dei fatti sull’assassinio.
Fu pubblicato, ma non ebbe alcun impatto.
La scena del confronto tra Guiteau
e la vedova Garfield è quindi puramente fiction,
pensata per enfatizzare il tema della futilità del gesto di
Guiteau e del fatto che la sua memoria sarebbe svanita nel
tempo. È una scena emotiva ed efficace, ma non basata su
eventi reali.
Cortesia di Netflix
Il vero significato del finale di
Death by Lightning
La serie mette in evidenza i
parallelismi tra la corruzione politica dell’epoca di
Garfield e quella moderna, ma soprattutto riflette su
eredità e moralità. Entrambi i protagonisti —
Garfield e Guiteau — muoiono, ma i loro destini restano
intrecciati. All’inizio, Guiteau ammira Garfield, ma dopo
essere stato respinto, intraprende un percorso folle nel tentativo
di lasciare un segno nella storia. Garfield, invece, è descritto
come un uomo umile, interessato non alla gloria
personale ma al bene del Paese, desideroso di mostrare
un’alternativa alla politica corrotta.
Il messaggio della serie è chiaro:
un solo uomo può cambiare una nazione, ma allo
stesso tempo un solo uomo può distruggerne
l’eredità. Il finale di Death by Lightning è
dunque riflessivo e provocatorio, invitando gli
spettatori a meditare su quanto il potere, la moralità e la memoria
storica possano essere fragili.
Con i Giovani favolosi sabato 8
novembre prende ufficialmente il via la 30esima edizione di
Linea d’Ombra Festival. Si parte dal futuro,
con lo sguardo rivolto alla nuova generazione del cinema italiano:
un passaggio di testimone ideale che dialoga con la storia e la
memoria di trent’anni di ricerca sull’audiovisivo.
Un’edizione sold out per le giurie,
con oltre 500 iscritti nelle due sezioni in concorso, che segna un
successo già prima di cominciare e che promette di essere, più che
una celebrazione, un nuovo inizio. Per festeggiare questo simbolico
anniversario, Linea d’Ombra Festival, ideato e diretto da Peppe
D’Antonio e Boris Sollazzo, proporrà fino al 15 novembre una densa
otto giorni con oltre settanta eventi tra cinema, musica, libri,
arti visive e formazione.
Ogni appuntamento sarà l’occasione
per interrogarsi sul senso profondo dei Diritti/Rights, in
particolare sul “diritto al sapere”, tema di questo trentennale. Un
diritto che si fa racconto, ma anche visione e indagine. Un filo
rosso che unisce la memoria dei trent’anni trascorsi al desiderio
di conoscenza che anima il presente. Perché sapere è comprensione,
scelta, partecipazione.
I luoghi di questo percorso
simbolico sono proprio i tre concorsi: Passaggi d’Europa_30, con
sei lungometraggi europei di finzione; CortoEuropa_30, con ventuno
cortometraggi europei di finzione, animazione e documentario; e
UniFest, con dieci opere audiovisive prodotte dagli studenti
universitari di tutto il mondo.
IL PROGRAMMA DELLA
GIORNATA. La trentesima edizione si apre con la meglio
gioventù del cinema italiano. L’atteso Ring serale, alle 21.30 e
moderato da Boris Sollazzo, vedrà protagonisti i Giovani favolosi,
la nuova generazione del cinema italiano. L’incontro sarà con
Samuele Carrino, che ha commosso l’Italia con Il ragazzo dai
pantaloni rosa, Carlotta Gamba, titanica e lacerante in Dostoevskij
dei fratelli D’Innocenzo, Aurora Giovinazzo che ha elettrizzato in
Freaks Out e Ludovica Nasti, l’esplosiva Lila nella prima stagione
de L’amica geniale. I 4 giovani favolosi dialogheranno con il
pubblico in un evento simbolico che sarà possibile anche in diretta
streaming sui canali di Linea d’Ombra Festival.
La sezione competitiva del festival, preceduta dall’apertura
istituzionale di Linea d’Ombra Festival, prende il via alle 16.30
in Sala Pasolini con CortoEuropa_30, presentata da Carla Paglioli e
Aldo Galelli. I titoli che verranno proiettati sono: Domenica sera
di Matteo Tortone (Italia, 2024), Your Favourite Film di Claire
Bonnefoy (Francia, 2025), Retirement Plan di John Kelly (Regno
Unito, 2025), I’m glad you’re dead now (Tawfeek Barhom, 2025). Al
termine dell’incontro è previsto un Q&A con gli autori. A
seguire, La parola ai giurati, lo spazio di dibattito dedicato alla
giuria popolare.
Alle 18.30 si prosegue con la
sezione competitiva del festival. In Sala Pasolini, presentato da
Peppe D’Antonio, sarà On the edge di Guérin van de Vorst, Sophie
Muselle (Belgio, 2024), ad aprire il concorso Passaggi d’Europa_30,
racconto con protagonista una giovane tirocinante in un ospedale
psichiatrico che stringerà un forte legame con una giovane paziente
di origine ceca, convinta di essere trattenuta nell’ospedale senza
ragione. Al termine dell’incontro è previsto un Q&A con gli
autori.
GLI OSPITI.
Numerosi, quest’anno, gli ospiti che saranno presenti durante le
otto giornate di Linea d’Ombra Festival. Dopo i Giovani
favolosi, che apriranno la prima giornata di programmazione, il
festival ospiterà, domenica 9 novembre alle ore 21.30 in Sala
Pasolini un Ring con protagonista lo scrittore Donato Carrisi, che
ripercorrerà la sua carriera di autore e regista. La giornata di
martedì 11 novembre si aprirà con la prima delle tre masterclass,
con protagonista Milena Mancini (ore 9.00, Complesso San Michele –
Sala Formazione), attrice, autrice, danzatrice e performer, in un
incontro dal titolo La costruzione del personaggio attraverso il
movimento – dal testo all’azione. Si prosegue mercoledì 12 novembre alle ore 17.00 al Complesso
San Michele – Sala Affreschi con la masterclass del fumettista
Roberto Recchioni, moderata da Roberto Policastro, un incontro
dedicato ai molteplici volti della narrazione. Sempre mercoledì 12
sarà ospite il regista Vincenzo Marra, che presenterà, Fuori
Concorso, il documentario 58%, girato a Gaza nel 2004, e
protagonista del Ring serale al Piccolo Teatro di Porta Catena dal
titolo Marra(dona) è meglio ‘e Pelè, in un dialogo dedicato alla
sua carriera. L’ultima masterclass dell’edizione, venerdì 14 al
Piccolo Teatro di Porta Catena, sarà con il regista Edoardo De
Angelis, produttore, scrittore e sceneggiatore. Una riflessione sul
mestiere del regista oggi, tra creatività, consapevolezza e
adattamento alle nuove pratiche produttive e distributive. Grande
l’attesa per l’ospite internazionale dell’edizione, il regista Eran
Riklis, in arrivo al festival venerdì 14 novembre. Alle 20.30 in
Sala Pasolini Riklis sarà protagonista di un Ring dedicato alla sua
lunga e proficua carriera e riceverà il Premio speciale Linea
d’Ombra Maestri del Cinema. A Riklis, dalle 23.00 in Sala Pasolini,
sarà dedicata l’attesa Maratona Notturna, durante la quale saranno
proiettati cinque titoli cardine della sua filmografia. Uno
speciale fuori programma sarà la presentazione, Sabato 15 alle ore
19:00 al Cinema Fatima, del film 40 secondi in presenza del
regista, Vincenzo Alfieri, e due dei protagonisti, l’attrice
Beatrice Puccilli e l’attore Justin De Vivo.
Saranno inoltre presenti al
festival: lo scrittore e regista Manlio Castagna, per presentare il
documentario I love Lucca Comics & Games, dedicato alla
celebre manifestazione; il regista salernitano Loris G. Nese, per
presentare al pubblico una proiezione speciale del lungometraggio
Una cosa vicina, presentato alle Giornate degli Autori della 82a
Mostra del Cinema di Venezia nel 2025; il regista Loris Lai, per la
proiezione del film da lui realizzato, I bambini di Gaza. Sulle ali
della libertà; Adriana Savarese, nota al grande pubblico come
coprotagonista della fiction Belcanto e qui attrice protagonista
del corto Trotula e il sentiero nel vento di Federica Avagliano. E
ancora, numerosi i registi dei tre concorsi che saranno presenti
durante le giornate di festival, protagonisti di incontri e Q&A
con il pubblico.
Richard Linklater ha attualmente due nuovi film in
procinto di arrivare al cinema, Nouvelle Vague (qui
la recensione) e
Blue Moon, ma resta da definire quale sarà il suo
prossimo progetto. Negli ultimi anni il regista ha mantenuto un
ritmo produttivo costante, rilasciando quattro film in quattro
anni. Da tempo Linklater sta però anche sviluppando un’opera
dedicata al trascendentalismo, movimento letterario che coinvolse
figure come Margaret
Fuller, Ralph
Waldo Emerson e Henry David Thoreau.
Il
regista ha descritto il progetto come un film ambientato nel XIX
secolo, con un taglio vicino alle sue classiche “hangout movies”, e
legato ai temi delle origini del femminismo, dell’ambientalismo e
dell’abolizionismo. In una nuova intervista concessa a Filmmaker Magazine, Linklater ha dichiarato che il
film è in lavorazione da circa vent’anni e potrebbe essere
finalmente vicino alla produzione. Il regista ha inoltre fornito un
aggiornamento sul possibile cast.
Ethan Hawke
sarebbe coinvolto nel ruolo di Emerson, mentre Natalie
Portman e Oscar Isaac
potrebbero interpretare rispettivamente Margaret Fuller e Henry
David Thoreau. Parallelamente, Linklater è al sesto anno di
lavorazione di Merrily We
Go Along, iniziato nel 2019 e caratterizzato dalla scelta
di far invecchiare gli attori in tempo reale, come già avvenuto in
Boyhood. Il film —
che vede tra i protagonisti Paul Mescal,
Beanie Feldstein
e Ben Platt —
dovrebbe arrivare nelle sale intorno al 2040.
Nel corso della sua
carriera, Linklater ha realizzato una filmografia ampia e
diversificata, che include titoli come La vita è un sogno, Before Sunrise, Before Sunset, Boyhood,
Waking Life,
School of Rock,
Tutti vogliono
qualcosa!!, Bernie
e Apollo 10½, oltre ai
recenti Blue Moon e
Nouvelle
Vague. Questo nuovo progetto, ancora senza titolo
ufficiale, andrebbe dunque ad aggiungersi ad una filmografia
estremamente entusiasmante, di quello che è uno dei più grandi
registi attualmente in attività.
In occasione dell’anniversario
della scomparsa di Will Byers a Hawkins nel 1983, il 6 novembre i
fan in tutto il mondo hanno festeggiato lo “Stranger Things Day”. Per celebrare
questa speciale ricorrenza, ieri si è tenuta a Los Angeles la
première globale della quinta e ultima stagione dell’amatissima
serie, che ha visto la presenza dei protagonisti
Millie Bobby Brown,
Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Noah
Schnapp,
Winona Ryder,
David Harbour,
Sadie Sink, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Joe Keery,
Maya Hawke,
Jamie Campbell Bower, dei creatori Matt & Ross
Duffer e del resto del cast.
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Stranger Things. - Stagione
5 Premiere - Cortesia di Netflix
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A seguire sono stati poi rivelati
in anteprima esclusiva i primi 5 minuti dell’attesissima quinta
stagione, disponibili a questo link. Il capitolo
conclusivo della serie debutterà su Netflix in tre volumi: il
Volume 1 il 27 novembre (ep.1-4), il Volume 2 (ep.5-7) il 26
dicembre e il Finale il 1º gennaio 2026, tutti alle 2 del mattino
(ora italiana). Le novità non sono finite: la nuova serie animata
Stranger Things: Storie dal 1985 uscirà nel 2026 e sono da ora
disponibili due immagini inedite e un video dietro le quinte. In
questa avventura d’animazione i personaggi originali dovranno
combattere nuovi mostri e svelare un mistero paranormale che
terrorizza la loro cittadina.
Informazioni su Stranger
Things: Storie dal 1985
Data di uscita: nel 2026
Sinossi: Bentornati a Hawkins
nel rigido inverno del 1985, dove i personaggi originali devono
combattere nuovi mostri e svelare un mistero paranormale che
terrorizza la loro cittadina in Stranger Things: Tales from ’85,
un’epica nuova serie animata.
Showrunner e Produttore Esecutivo:
Eric Robles
Produttori Esecutivi: Matt e Ross
Duffer, insieme a Hilary Leavitt, per Upside Down Pictures; Shawn Levy per 21 Laps; Dan
Cohen
Studio di animazione: Flying Bark
Productions
Doppiatori originali: Brooklyn
Davey Norstedt (Undici), Jolie Hoang-Rappaport (Max), Luca Diaz
(Mike), Ej (Elisha) Williams (Lucas), Braxton Quinney (Dustin), Ben
Plessala (Will) e Brett Gipson (Hopper). Con la partecipazione di
Odessa A’zion, Janeane Garofalo e Lou Diamond Phillips.
INFORMAZIONI SU STRANGER
THINGS 5
● Date di uscita: 27 novembre 2025
h. 2:00 (Vol. 1 ep. 1-4), 26 dicembre 2025 h. 2:00 (Vol. 2 ep.
5-7), 1 gennaio 2026 h. 2:00 (Episodio Finale)
● Sinossi: Autunno 1987. Hawkins è
rimasta segnata dall’apertura dei portali e i nostri eroi sono
uniti da un unico obiettivo: trovare e uccidere Vecna,
che è svanito nel nulla: non si sa dove si trovi né quali siano i
suoi piani. A complicare la missione, il governo ha messo la città
in quarantena militare e ha intensificato la caccia a Undici,
costringendola a nascondersi di nuovo. Con l’avvicinarsi
dell’anniversario della scomparsa di Will si fa strada una paura
pesante e familiare. La battaglia finale è alle porte e con essa
un’oscurità più potente e letale di qualsiasi altra situazione mai
affrontata prima. Per porre fine a quest’incubo è necessario che il
gruppo al completo resti unito, per l’ultima volta.
● Creata dai Duffer Brothers,
Stranger Things è prodotta da Upside Down Pictures & 21 Laps
Entertainment con i Duffer Brothers come produttori esecutivi,
insieme a Shawn Levy di 21 Laps Entertainment e Dan Cohen.
● Cast: Winona Ryder (Joyce Byers),
David Harbour (Jim Hopper), Millie Bobby Brown (Undici), Finn Wolfhard (Mike Wheeler), Gaten Matarazzo
(Dustin Henderson), Caleb McLaughlin (Lucas Sinclair), Noah Schnapp
(Will Byers), Sadie
Sink (Max Mayfield), Natalia Dyer (Nancy Wheeler), Charlie
Heaton (Jonathan Byers), Joe Keery (Steve Harrington), Maya Hawke
(Robin Buckley), Priah Ferguson (Erica Sinclair), Brett Gelman
(Murray), Jamie Campbell Bower (Vecna), Cara Buono (Karen Wheeler),
Amybeth McNulty (Vickie), Nell Fisher (Holly Wheeler), Jake
Connelly (Derek Turnbow), Alex Breaux (tenente Akers) e Linda
Hamilton (dottoressa Kay)
Jurassic
World – La rinascita (qui
la recensione) ha superato gli 870 milioni di dollari al
box-office mondiale e, secondo nuove indiscrezioni, Universal
sarebbe al lavoro sul prossimo capitolo della saga. Come riportato
da The InSneider, il regista
Gareth Edwards
sarebbe in trattative finali per tornare dietro la macchina da
presa e dirigere il nuovo film del franchise. Il sequel dovrebbe
vedere nuovamente protagonista Scarlett
Johansson nel ruolo dell’esperta di operazioni sotto
copertura Zoe Bennett. Attesi al ritorno anche Jonathan
Bailey e Mahershala
Ali.
Non
è ancora stato indicato lo sceneggiatore, ma tra i possibili nomi
figura David
Koepp, già autore del nuovo film della saga. In
Jurassic World – La
rinascita, la storia riprendeva cinque anni dopo gli
eventi di Il dominio: i dinosauri esistono ancora in
alcune aree isolate del pianeta e la comunità internazionale
ritiene di aver ristabilito il controllo. Zoe Bennett guida una
missione per ottenere campioni di DNA dai tre esemplari più grandi
di terra, mare e aria, materiali considerati decisivi per
potenziali sviluppi medici. La situazione, però, cambia rapidamente
nel corso dell’operazione.
La regia del film era passata a Gareth Edwards — già autore de
The Creator e
Rogue One: A Star Wars Story — dopo
l’uscita dal progetto del precedente regista David
Leitch, ufficialmente per “divergenze creative”. Non sono
ancora note tempistiche di produzione o data di uscita. Ulteriori
aggiornamenti sul cast, sullo sviluppo e sulla distribuzione
saranno annunciati da Universal nei prossimi mesi.
Predator:
Badlands si conclude con un finale cruento ma
appagante, che lascia aperto quanto basta per permettere al futuro
della saga di svilupparsi in diverse direzioni. Il film di
Dan Trachtenberg, seguito di Prey e Predator: Killer of Killers, si concentra su
Dek, un giovane cacciatore Yautja determinato a
dimostrare il proprio valore, sia a se stesso che alla sua
tribù.
Il finale di Predator:
Badlands prepara le future avventure di Dek e Thia
Il finale di Predator: Badlands getta le basi per
il futuro del franchise, con Dek, Thia e Bud
pronti per nuove avventure insieme. Alla fine del film, tutti e tre
i protagonisti sono stati separati dalle rispettive famiglie, chi
per scelta brutale, chi per perdita dolorosa. Tuttavia, hanno
formato la loro tribù personale, costruita
sull’amicizia e sulla solidarietà.
L’alleanza tra Dek e Thia sembra
sfidare le regole della cultura tradizionale Yautja, dandogli
motivo di restare costantemente in movimento e creando numerose
opportunità per nuove avventure. È un approccio simile a quello di
The Mandalorian, che prende un universo
fantascientifico consolidato e lo espande in molteplici direzioni
narrative.
Dek riesce a sconfiggere il padre,
mentre Thia ferma la sorella; tuttavia, entrambi restano minacciati
da figure materne. L’ultima inquadratura del film lascia intendere
che la madre di Dek potrebbe essere la principale
antagonista di un eventuale seguito, mentre
MU/TH/UR potrebbe rappresentare perfettamente la
minaccia costante della corporazione
Weyland-Yutani.
Accanto a loro c’è
Bud, il simpatico compagno animale — per quanto
letale — che accompagna i protagonisti e porta un tocco di
leggerezza. La conclusione della prima avventura cinematografica di
Dek lascia quindi la porta spalancata per il ritorno dei tre eroi,
con la possibilità di trasformarli nei protagonisti ricorrenti di
un nuovo ciclo narrativo.
Come Predator:
Badlands amplia la mitologia degli Yautja
Per molto tempo, la cultura Yautja
è rimasta in secondo piano nei film della saga Predator.
Le pellicole si erano sempre concentrate sugli esseri umani
costretti ad affrontare i cacciatori alieni, sfruttando il mistero
che li circondava per creare tensione e dramma. Questa volta,
invece, spostando il punto di vista su un Predator,
Badlands ha l’occasione di espandere il mondo e la
cultura di questa specie.
Mentre Predator: Killer of
Killers mostrava un’arena di combattimento e guerrieri
catturati, Badlands si focalizza su una singola
tribù. Le norme culturali Yautja considerano la pietà e il
dolore come segni di debolezza, difetti da estirpare dal
collettivo. È una società brutale, dove il padre di Dek considera
una morte rapida come un vero atto di misericordia.
Ciò che rende interessante il
viaggio di Dek è il modo in cui resiste ad alcuni aspetti
della sua cultura pur rimanendo fedele ad altri. Non
smette mai di combattere e di rispettare i costumi del suo popolo,
fino a guadagnarsi onorevolmente il suo mantello da cacciatore.
Tuttavia, accoglie anche la filosofia di Thia, che gli parla dei
branchi di lupi e del ruolo dell’“Alpha”, concetto che adotta per
fondare il suo stesso clan nel finale del film.
Questa evoluzione rispecchia i temi
centrali del film, che parlano di amore familiare e
abuso, con Dek che onora la memoria del fratello Kwei
diventando per gli altri il protettore che Kwei era stato per lui.
Il film si apre citando il Codice Yautja, che sottolinea
l’importanza per un predatore di stare solo. Ma Dek sceglie
un’altra via: essere un Alpha che protegge, non solo uno
che uccide.
Cortesia Disney
Il futuro di Badlands
potrebbe intrecciarsi con Killer of Killers e l’universo
di Alien
Uno degli aspetti più affascinanti
del finale di Predator: Badlands è il modo in cui
semina spunti per collegarsi non solo a un possibile
sequel, ma anche ai precedenti film e all’universo di Alien. La nave che si dirige verso Dek,
Thia e Bud nelle ultime scene potrebbe appartenere alla madre di
Dek, oppure essere la stessa nave usata da Torres e
Kenji in Killer of Killers.
Questo collegamento permetterebbe
ai due film di intrecciarsi direttamente, portando alla cattura dei
protagonisti da parte di una razza aliena. Se invece la nave
appartenesse alla madre di Dek, potrebbe arrivare per
reclutare il figlio in una nuova caccia,
introducendo così un dilemma morale che metterebbe in conflitto la
natura da cacciatore di Dek con l’umanità ereditata da Thia.
Inoltre, la presenza di Thia nel
film consolida un aspetto importante: sotto il marchio Disney,
gli universi di Alien e Predator
coesistono ufficialmente. Considerando che Alien:
Romulus si conclude con i protagonisti che fuggono nello
spazio profondo, non sarebbe impossibile immaginare un loro
atterraggio nello stesso pianeta di Dek e Thia.
Anche la natura delle creature
aliene presenti su Genna potrebbe servire da ponte
con la serie Alien: Earth, rafforzando il legame tra la
serie televisiva e i film. Le bestie pericolose di quello show FX
si adatterebbero perfettamente all’ecosistema letale del pianeta di
Badlands. Tutto questo potrebbe portare a un nuovo, epico
Alien vs. Predator.
Cortesia Disney
Il vero significato di
Predator: Badlands
Predator: Badlands segue
una linea emotiva semplice ma potente, usando
l’ambientazione fantascientifica e le assurde creature aliene come
superficie d’intrattenimento per raccontare una storia più
profonda: quella del dolore — e della salvezza — che può nascere
dal legame familiare. Dek e Thia iniziano davvero a capirsi e a
empatizzare solo quando scoprono di condividere un rapporto
fraterno.
Dek è ossessionato per tutto il
film dalla perdita di suo fratello Kwei; è questa ferita che lo
spinge a completare la caccia, onorando le ultime parole del
fratello e dimostrando che la sua morte non è stata vana. Allo
stesso modo, Thia ha un rapporto conflittuale con la propria
“sorella” Tessa, che inizia come alleata, quasi sacrificandosi per
salvarla dal Kalisk che dovevano catturare. Tuttavia, Tessa finisce
per incarnare la stessa crudeltà del padre di Dek, interpretando la
morte di Kwei come una “lezione” e abbandonando Thia, considerata
troppo debole.
Sia Dek che Thia si trovano quindi
a dover affrontare un familiare — reale o simbolico — che distrugge
la figura del protettore. Perfino Bud condivide un
destino simile: si scopre che è un cucciolo di Kalisk, separato
dalla madre e costretto ad assistere alla sua morte per mano di
Tessa. Alla fine, però, questi tre “orfani” — Dek, Thia e Bud —
formano una nuova famiglia, più forte e unita di
prima.
C’è un cuore morale dolce e
sorprendente in Predator: Badlands, che
sottolinea l’importanza della comunità attraverso tre emarginati
che si uniscono per affrontare un mondo crudele.
Il film dona a un Predator, a un
androide e a un piccolo alieno una umanità
condivisa, costruita con semplicità e sincerità. Sotto
tutta l’azione, il sangue e i mostri, Predator: Badlands
racconta una verità semplice ma potente: l’onore e la forza
più grandi si trovano nella famiglia.
Russell Crowe ha appena rivelato di aver conosciuto
per la prima volta il suo co-protagonista di Highlander,
Henry Cavill, quando quest’ultimo era ancora
un adolescente. I due attori avevano già lavorato insieme in
Man of Steel, dove Crowe interpretava
Jor-El e Cavill Clark Kent/Superman. Più di dieci
anni dopo, si ritrovano fianco a fianco per il reboot di
Highlander.
Durante la promozione del suo nuovo
film Norimberga,
Crowe è stato ospite del The Joe Rogan Experience,
dove ha raccontato di aver incontrato Cavill molti anni prima delle
riprese di Man of Steel.
All’epoca, Crowe stava lavorando a
un film intitolato Proof of Life (Rapimento e
riscatto), uscito nel 2000. Una delle scene veniva girata alla
Stowe School in Inghilterra, durante una partita
di rugby. Mentre cercava di concentrarsi sulla scena, Crowe non
poteva fare a meno di osservare il gioco, colpito dalle
straordinarie abilità di uno dei ragazzi in campo.
Durante una pausa dalle riprese,
quel ragazzo — che altri non era se non un giovanissimo Henry Cavill — si avvicinò a Crowe, si
presentò e gli chiese come si potesse iniziare una carriera da
attore. I due ebbero così una breve conversazione, prima di essere
circondati dagli altri studenti e separarsi.
Qualche giorno dopo, Crowe tornò
alla Stowe School per partecipare a un evento in onore di
Merlin Hanbury-Tenison, il ragazzo che nel film
interpretava suo figlio in Proof of Life.
Mentre era lì, decise di firmare
una foto per il giovane giocatore di rugby che lo aveva colpito,
scoprendo che il suo nome era Henry. Sulla foto scrisse: “A
Henry, un viaggio di mille miglia inizia con un solo passo.
Russell.”
Crowe ha ricordato quell’incontro
con affetto: “Adoro Henry. Lo conosco da tanto tempo, da quando
era ancora uno scolaro. L’ho incontrato in un posto chiamato Stowe
School, in Inghilterra. Stavo girando una scena per un film
intitolato Proof of Life, in cui parlavo con mio figlio nel film,
mentre sullo sfondo si giocava una partita di rugby. Stavo cercando
di concentrarmi, ma continuavo a guardare il campo: c’era un
ragazzo che aveva un vero talento, un’intelligenza naturale per il
gioco. Quando abbiamo finito la scena e lo sfondo si è svuotato,
quel ragazzo si è avvicinato a me. Era proprio lui, quello che
avevo osservato. Voleva fare due chiacchiere. Si è presentato e mi
ha chiesto come si fa a diventare attore. Abbiamo avuto una
conversazione molto breve, poi siamo stati sommersi dagli altri
studenti.”
“Qualche giorno dopo stavo
preparando un regalo per il ragazzo che interpretava mio figlio,
Merlin Hanbury-Tenison. Mi erano avanzate alcune foto e ho pensato:
come si chiamava quell’altro ragazzo? Henry. Così ho scritto su una
foto di Il gladiatore — che non era ancora uscito all’epoca — ‘A
Henry, un viaggio di mille miglia inizia con un solo passo.
Russell.’ A quanto pare, Henry ha conservato quella foto con sé
ovunque vivesse, continuando a tenere vivo e ardente il suo
sogno.”
Anni dopo,
Russell Crowe e Cavill si ritrovarono nella stessa
palestra, in Illinois, per prepararsi alle riprese di
L’Uomo d’Acciaio. “La volta
successiva in cui ho visto Henry Cavill è stata in una palestra, vicino a
Chicago. Io mi allenavo da una parte, lui dall’altra. E pensavo tra
me e me: beh, io sono il padre di Superman… quindi quello
dev’essere Superman, no? In effetti gli somiglia.Abbiamo
passato una settimana o più ad allenarci nello stesso posto prima
di parlarci. Un giorno si è avvicinato, mi ha stretto la mano e
abbiamo cominciato a parlare. A un certo punto gli ho chiesto: ‘Ti
conosco, vero?’ E lui mi ha risposto: ‘Sì, signore, mi conosce.’
Poi mi ha ricordato dove ci eravamo incontrati. E io: ‘Henry?
Quell’Henry? Sei tu, Henry?’ È stato pazzesco. Davvero incredibile,
no?”
Crowe ha definito quella
coincidenza “assolutamente folle” e “incredibile”. Secondo
l’attore, Cavill ha conservato la foto autografata
indipendentemente da dove vivesse o da che lavoro stesse facendo,
mantenendo sempre viva la passione per la recitazione.
Con i due attori ora pronti per il
reboot di Highlander, si scopre che è stato
proprio Cavill a voler fortemente Crowe nel cast, nel
ruolo di Ramirez, il personaggio interpretato
originariamente da Sean Connery nel film del 1986.
Per Cavill, Crowe era “l’unica opzione possibile”.
Crowe, entusiasta della scelta, ha
dichiarato: “Ora ci troviamo in questa nuova situazione, con
Henry nel ruolo del nuovo Highlander. Gli hanno chiesto chi volesse
come Ramirez, e lui ha risposto: ‘Ho una sola opzione, dovete
prendere lui.’ È fantastico. Sarà molto divertente quando
finalmente potremo girarlo. Questo è il terzo capitolo della nostra
connessione, e quando arriverà il momento, sarà
bellissimo.”
Le riprese di Highlander
sarebbero dovute iniziare già da tempo, ma Cavill ha subito
la rottura del tendine d’Achille, costringendo la
produzione a rinviare il progetto.
Highlander
è una saga fantasy nata nel 1986 con Christopher
Lambert nei panni di Connor MacLeod (lo
stesso personaggio che interpreterà Cavill nel reboot) e
Sean Connery come suo mentore, Ramirez. Il film
originale ha dato vita a quattro sequel, un film
d’animazione e tre serie televisive. La storia
ruota attorno a Connor, che scopre di essere immortale e di dover
combattere contro un guerriero rivale per sopravvivere.
Il reboot di
Highlander è in sviluppo da diversi anni, con
vari attori e registi associati al progetto in momenti diversi.
Oltre a Crowe e Cavill, nel cast figurano anche Marisa
Abela, Karen Gillan, Djimon Hounsou, Max
Zhang, Dave Bautista e Drew
McIntyre. La produzione dovrebbe iniziare nel
2026, una volta che Cavill si sarà completamente
ripreso dal suo infortunio.
È un’immagine potente ed evocativa
quella affidata alla matita di La
Came dal Noir in Festival 2025: l’ombra avvolgente del
maestro Andrea Camilleri scopre una scena
simbolica dell’universo noir, tra Porto Empedocle e la città, una
scena notturna rischiarata appena dai fasci di luce di chi
indaga.
Alla fine delle celebrazioni per il
centenario del grande scrittore (premiato al Noir in Festival nel
2011 con il nostro massimo premio, il Raymond Chandler Award), era
naturale che Noir in Festival lo
salutasse con un omaggio, in accordo con la famiglia e il Fondo
Andrea Camilleri, che la disegnatrice La Came ha reinterpretato con
il suo stile inconfondibile.
Alla vigilia della sua 35°
edizione, Noir in Festival (Milano, 1-6
dicembre) svela la sua immagine dell’anno anticipando
così la sua identità che non muta: raccontare il mondo del mystery,
oggi autentico punto di riferimento della narrazione in tutto il
mondo, tra disagio, inchiesta, ossessioni e paure grazie al cinema,
alla letteratura, alla serialità, fumetto e new media. Sono già
stati svelati i film finalisti del Premio Claudio Caligari per il
miglior film italiano di genere (promosso dal festival insieme
all’Università IULM), mentre nei prossimi giorni saranno note le
anticipazioni della nuova edizione in programma al Cinema
Arlecchino – Cineteca di Milano dal 24 al 30 novembre nel quadro
dell’iniziativa “Uno, due tre…Festival!” con Piccolo Grande Cinema
e Filmmaker Festival. Infine, c’è già grande attesa per la
pre-inaugurazione di domenica 30 novembre con Maurizio
De Giovanni alla Libreria Rizzoli Galleria (ore
18.00).
Il programma completo di Noir in
Festival 2025 verrà invece presentato nel corso della conferenza
stampa in programma il 20 novembre a Palazzo
Marino, sede del Comune di Milano.
L’autrice dell’immagine del Noir in Festival
2025
Laura Camelli (La Came), fumettista, illustratrice,
pittrice e bookbinder ossessionata di autoproduzioni e
microeditoria. Fa parte del collettivo di fumettisti Mammaiuto con
cui pubblica Suomi, I Tre Cani e DVNZN. Per Inuit Bookshop pubblica
in risograph JSB e Versus. Di recente ha disegnato il fumetto
horror Malanottescritto da Marco Taddei, una storia
breve per Lupo Alberto scritta da Lorenzo La Neve e
fa parte del team di che ha realizzato il nuovo progetto a fumetti
di Caparezza. Collabora con storie brevi per varie realtà
editoriali indipendenti e non, come Lok-Zine, Attaccapanni Press,
La Revue, Jacobin, Linus, Quasi rivista.
La Came sarà al Noir in
Festival il 2 dicembre alle ore 15.00 alla IULM per incontrare il
pubblico e gli studenti dell’Università.
Il film horror soprannaturale di
Stan Lee sta finalmente prendendo forma dopo
50 anni di inattività, a conferma che il film si farà. Lee è noto
soprattutto per il suo lavoro nella Marvel Comics, dove ha creato supereroi e
cattivi classici come Spider-Man e Dottor Destino.
Ma nel 1969, concepì un film horror, insieme al regista Lloyd Kaufman, che non fu mai
realizzato.
Ora, secondo Bloody
Disgusting, il film mai realizzato di Lee e Kaufman,
Night of the Witch, è entrato in pre-produzione
tramite Little Spark Films. Il film sarà diretto dal proprietario
della casa di produzione, Joe Manco, che ha
co-scritto la sceneggiatura insieme a Kaufman. Da parte sua,
Kaufman sarà anche produttore esecutivo.
La trama di Night of the
Witch
Il film seguirà la stessa trama che
Lee e Kaufman avevano immaginato nel 1969, sviluppandola poi in una
prima bozza di sceneggiatura nel 1971. Night of the
Witch racconta la storia di una ragazza
messicano-americana accusata di stregoneria durante il 200°
anniversario di un processo alle streghe di importanza storica.
Manko e Kaufman hanno rilasciato dichiarazioni entusiaste per la
realizzazione del film:
Joe Manco: È
una storia molto potente. Una volta capito cosa Lloyd cerca di dire
nelle sue sceneggiature, si capisce il significato nascosto di
tutto; il messaggio. Questo è ciò che mi interessa di più. La notte
della strega è attuale oggi quanto lo era nel 1970, forse anche di
più, e la nostra missione è renderla più incisiva, più brutale e
ricordare alle persone che queste stesse battaglie sono state
combattute per decenni.
Lloyd Kaufman:
Riconosco il talento quando lo vedo – la mia esperienza lo dimostra
– e Joe è il regista giusto per dare finalmente vita a questa
storia. Proprio come ho passato la scopa di Toxie a Macon Blair al
Comic-Con, passo Night of the Witch a Joe Manco. È pronto, più che
pronto, a raccogliere il testimone e finalmente realizzare questo
film.
Quando cominceranno le riprese di
Night of the Witch
Le riprese del film dovrebbero
iniziare a Dallas, in Texas, e nelle aree circostanti, nel 2026. Ci
saranno contatti per finanziare la produzione mentre la
pre-produzione è in corso, con la speranza che gli investitori
contribuiscano a finanziare il film. Inoltre, Little Spark produrrà
un documentario sul prossimo film horror, intitolato Passing the
Torch, sullo sviluppo del film da parte di Manco.
Lee non è riuscito a vedere Night
of the Witch concretizzarsi, essendo morto nel novembre 2018, molto
prima che iniziassero le trattative per la sua realizzazione.
Tuttavia, Passing the Torch è destinato a riconoscere il suo
contributo al film, insieme al modo in cui ha aiutato Kaufman a far
decollare il suo classico del 1984 The Toxic Avenger.
Sebbene i dettagli esatti della
trama rimangano segreti, sembra che Kaufman e Manco intendano
incarnare le idee fondamentali della sceneggiatura originale,
adattandola al XXI secolo. Non è chiaro quante idee di Lee
rimarranno valide per la versione finale. Ma, dato che sarà onorato
durante la produzione, è probabile che il suo contributo
fondamentale rimanga.
Con Night of the
Witch in pieno svolgimento il prossimo anno, l’eredità di
Lee vivrà nel film, anche se non ha avuto la possibilità di
vederlo. La collaborazione tra Manco e Kaufman fornirà al film un
solido punto di partenza per il successo. Con il procedere della
pre-produzione, ulteriori informazioni arriveranno sicuramente a
tempo debito.
La star di Game of Thrones, Emilia Clarke, è stata individuata in
un’anteprima della sua nuova commedia romantica, Next
Life, in cui recita al fianco di Edgar Ramírez. L’attrice ha ottenuto
diversi ruoli dalla fine della serie fantasy. Tra questi, un ruolo
vocale di Pippa in The Twits del 2025 e un ruolo
importante come G’iah in Secret Invasion.
Ora, Deadline ha pubblicato la prima
immagine di Next Life, il suo prossimo film
commedia romantica. L’immagine mostra Clarke e il suo
co-protagonista, Ramírez, seduti insieme su un treno. Nel film,
Clarke interpreta Ivy, una ragazza che sperimenta possibili vite in
universi paralleli con Diego (Ramirez) e Noah
(Jack Farthing). Date un’occhiata alla prima
immagine del film qui sotto:
Next Life
Rocket Science
In Next Life, gli
universi paralleli che Ivy, interpretata da Clarke, attraversa
fungono da portali verso potenziali decisioni di vita che potrebbe
prendere. In uno, c’è Diego, che incoraggia costantemente i suoi
sogni e le sue ambizioni, indipendentemente da ciò che deve fare
per sostenerla. Nell’altro, c’è Noah, un amore passato con cui
riaccende un profondo legame.
Il film non ha ancora una data di
uscita, ma la casa di produzione Rocket Science presenterà il film
ai potenziali acquirenti prima dell’American Film Market della
prossima settimana. Il CEO di Rocket Science, Thorsten
Schumacher, ha descritto il film come “un film che
piace al pubblico, che insegna a seguire le proprie passioni”,
elogiandone l’ambientazione londinese, l’influenza musicale e
l’interpretazione principale di Clarke.
Sebbene la prossima commedia
romantica non abbia ancora una data di uscita ufficiale, la
dichiarazione di Schumacher suggerisce che sarà un altro ruolo
fondamentale per Clarke dopo Il Trono di Spade. Sarà anche il primo
ruolo da attrice per Femi Koleoso, leader degli Ezra Collective, un
pluripremiato gruppo jazz britannico. Il compositore candidato
all’Oscar Dan Romer ha composto la musica del film.
Questo non è l’unico progetto
imminente che Emilia Clarke ha in cantiere. Avrà un ruolo
principale nel dramma poliziesco di Prime VideoCriminal con Charlie Hunnam, e sarà la
protagonista del thriller di spionaggio in costume Ponies per
Peacock. Next Life è solo uno dei tanti grandi progetti che
usciranno presto.
Ma è anche uno dei suoi più
singolari, grazie al suo uso distorto del tempo e agli elementi
comici. Questo primo sguardo a Next Life
sottolinea come procederà il viaggio di Ivy, ma senza rivelare
troppo sul film e sulla sua direzione. Mentre cerca la
distribuzione, senza dubbio verranno rivelati maggiori dettagli su
cosa riserva il futuro.
Solo i mostri giocano a fare Dio. I
mostri tracotanti, che pensano di poter espandere gli stretti
limiti della scienza accademica per rispondere con la maestosità
della creazione al dolore inesauribile di una perdita.
Guillermo Del Toro arriva in concorso a
Venezia 82 con la sua personale rilettura di
Frankenstein, il film che – citando le
parole dell’interprete
Mia Goth – “avremmo sempre voluto vederlo
dirigere“.
Dai primi anni 2000 ad oggi, il
regista messicano ha infatti instaurato un prolungato dialogato
d’amore con le creature che la società tenderebbe a trattenere ai
margini, reinventate tramite il filtro del fantastico, e che hanno
sempre raccontato con innegabile intensità l’essere umano. Con uno
di questi, a metà tra il marittimo e l’umano, si è anche
aggiudicato il Leone d’Oro alla mostra del cinema nel 2017
(La
forma dell’acqua). Partendo da queste premesse,
il cineasta doveva per forza approdare al capolavoro di Mary
Shelley, che ha ridefinito il concetto stesso di vita e morte.
Il moderno Prometeo
Oscar Isaac interpreta qui
Victor Frankenstein, scienziato geniale ma
tormentato, che spinto dal proprio ego intraprende l’impresa di
dare vita a una nuovo essere. Il risultato è la Creatura,
interpretata da Jacob Elordi, la cui sola esistenza
mette in discussione il confine tra umanità e mostruosità.
Il film attraversa scenari che
vanno dalle gelide distese dell’Artico ai sanguinosi campi di
battaglia dell’Europa ottocentesca, seguendo il viaggio parallelo
di Frankenstein e della sua Creatura, entrambi alla ricerca di un
significato in un mondo dominato dalla follia. Nel cast anche
Mia
Goth, nel ruolo della luminosa Elizabeth, e
Christoph Waltz, due volte premio
Oscar.
Nella migliore tradizione
artigianale di Del Toro – che anche in questo caso
ci delizia con scenografie e character design mozzafiato – Victor
Frankenstein viene qui rappresentato più come un artista che come
uno scienziato, che sembra lavorare direttamente in un atelier
bohémien. Grottesco conquistatore, prometeo incandescente, nel
prologo ambientato nel gelido polo ci viene però introdotto come un
uomo bestiale, che si scontra con una creatura dalla forza bruta.
Così, con progenitore e progenie riuniti, parte un viaggio a
ritroso alla scoperta di due esperienze complementari,
dall’ideazione alla creazione fino all’autodeterminazione. Due
uomini cuciti assieme, che si vedono per la prima volta al
risveglio, quasi come se avessero passato la notte insieme, e che
non potranno mai più dirsi addio.
Figlio di un padre chirurgo, fin da
piccolo Victor conosce l’abbandono e il disprezzo da parte di chi
gli ha dato la vita, segnato dalla perdita di una madre che vede
come luminosa stella polare. Nel momento in cui questa figura che
era la vita è diventata la morte, Victor decide che, proprio come
recita il significato intrinseco del suo cognome,
conquisterà la morte.
Come si fa a vivere con un cuore
infranto? Come si può esistere senza avere la possibilità di
morire? Angeli e demoni, è tutta un’illusione: siamo entrambi, allo
stesso tempo. Quello imbastito da Del Toro è un racconto di punti
di vista, Victor Frankenstein ha concesso alla creatura lo spazio
di esistere ma il regista messicano gli dà quello di parlare. C’è
un lavoro di delicata eleganza sui dialoghi, che intesse l’universo
fantasy-gotico ben caro ai conoscitori del suo cinema, impreziosito
ulteriormente dal romanticismo struggente che suggellava il
rapporto tra Elisa (Sally Hawkins) e la creatura
in La forma dell’acqua.
Non posso dimenticare ciò che non
riesco a ricordare
Il film di Del Toro ci racconta la
creatura principalmente fuori dal laboratorio di Frankenstein, dal
momento in cui chiama a gran voce il nome del suo creatore e
capisce di essere solo. Si veste, mangia, si accompagna
segretamente alla quotidianità di una famiglia, diventa uno spirito
della foresta che fa del bene. Due ricerche di un senso che
procedono in parallelo, che sembrano scontrarsi ma in fondo sono
imprescindibili, si inseguono finchè non resta più nulla se non
loro stessi.
Curioso come, solo due anni fa,
alla Mostra del Cinema di Venezia abbia trionfato
Povere Creature! di Yorgos Lanthimos, che pure rileggeva il
mito di Frankenstein da una chiave però femminile e femminista.
Laddove Bella Baxter, figlia di Godwin
Baxter, salpava all’avventura “abbandonando” il
padre-dio-creatore per scoprire nei modi più disparati e viscerali
cosa significa scegliere, la creatura di Victor Frankenstein è
obbligata a sopravvivere senza possibilità. Può solo assumere la
consapevolezza che è nato dalla morte e muore per vivere. Solo così
si diventa umani, quando un cuore smette di battere e l’altro forse
inizia per la prima volta: nella riappacificazione oltre ogni
forma, nella capacità di ricordare e perdonare.
Midnight Factory,
etichetta horror di Plaion Pictures, annuncia l’arrivo al cinema
dal 19 novembre del film
Shelby Oaks – Il Covo del Male. Ecco una clip
esclusiva dal film prodotto dall’icona dell’horror Mike
Flanagan (The Haunting, Ouija – L’origine del
male) e diretto da Chris Stuckmann.
Dopo il successo ai
festival internazionali Fantasia e FrightFest, dove è stato
applaudito come uno dei migliori esordi horror degli ultimi anni,
il film arriva finalmente nelle sale italiane.
Shelby Oaks – Il
Covo del Male è un’esperienza di terrore psicologico e
tensione crescente che riscrive le regole del found footage,
fondendo l’estetica di capostipiti quali The Blair Witch
Project e Rec al terrore di classici moderni come
Hereditary e The Conjuring, con una
profonda riflessione sulla perdita e l’ossessione.
La trama di Shelby Oaks – Il Covo del
Male
La vita di Mia
(Camille Sullivan) è stata stravolta dalla scomparsa della
sorella Riley, avvenuta una decina di anni prima. Riley faceva
infatti parte dei Paranormal Paranoids, un gruppo di quattro
youtuber ricercatori del paranormale, arrivati alla fama sul web in
seguito alla loro scomparsa e al successivo ritrovamento dei
cadaveri dilanati di tre di loro.. Di Riley, invece, non c’era più
traccia. Mia è ossessionata dal ricordo della sorella e prova in
ogni modo a ricostruire l’accaduto, anche quando la polizia sembra
ormai sul punto di chiudere il caso. Quando anche le ultime
speranze sembrano svanire, un giorno Mia apre la porta di casa e si
trova davanti un uomo che si toglie la vita con una pistola. Il
corpo stringe in mano una vecchia videocassetta che reca il nome di
Shelby Oaks, cittadina abbandonata segnata da eventi inspiegabili
su cui avevano indagato Riley e i suoi amici.
Dopo sei intense stagioni, Le regole del delitto perfetto (How to Get Away with
Murder) è giunta al termine con una serie di morti
e rivelazioni dell’ultimo minuto, ma cosa è successo nel finale e
cosa significa tutto questo? Il finale della serie “Stay” inizia
con l’ultima morte flash-forward della serie, quando una persona
misteriosa viene uccisa a colpi di pistola sui gradini del
tribunale. Naturalmente, questa volta c’è solo un episodio per
capire chi sia, invece del solito svolgimento lungo tutta la
stagione, ma ci sono molte altre sorprese e morti lungo il
percorso.
La sesta stagione di Le regole del delitto perfetto
(How to Get Away with Murder)è l’ultima della
longeva serie drammatica legale che segue la professoressa di
diritto Annalise Keating (Viola
Davis) e cinque dei suoi studenti di legge. Acclamata
dalla critica per la trama complessa e la forte interpretazione
della Davis, l’episodio finale di Le regole del delitto
perfetto (How to Get Away with Murder) risponde ad alcune
delle domande più importanti della serie, insieme al misterioso
omicidio che apre l’episodio, il tutto sullo sfondo del processo ad
Annalise: sarà dichiarata colpevole?
I fan sono anche ansiosi di sapere
se i suoi studenti o chiunque altro nella sua cerchia si
rivolteranno contro di lei. Le domande sulla scena del funerale in
flash-forward e sull’apparente ricomparsa di Wes (Alfred
Enoch) trovano una risposta, ma “Stay” fa molto di più che
risolvere le questioni più ovvie. Come finale, offre una
conclusione per ciascuno dei personaggi principali, trasmettendo al
contempo un messaggio sorprendentemente morale sul dire la verità e
sul superare le cose che ciascuno dei protagonisti ha fatto.
La trama centrale è, ovviamente, il
processo stesso. Il finale presenta alcuni colpi di scena, anche se
nessuno grande quanto il sorprendente sostegno di Laurel
(Karla
Souza) ad Annalise nell’episodio precedente. Jorge
Castillo (Esai Morales) sale sul banco dei
testimoni e dichiara la sua innocenza, insieme al governatore
Birkhead (Laura Innes), e c’è un breve momento di
suspense quando Annalise riesce a fornire una registrazione di
Hannah (Marcia
Gay Harden) che parla con Xavier (Gerardo
Celasco) della cospirazione. Anche Gabriel (Rome
Flynn) viene convinto (grazie a una valigetta piena di
contanti) a non testimoniare, ma alla fine del processo tutti
questi momenti sembrano quasi irrilevanti.
Questi colpi di scena finali
aggiungono plausibilità alla vittoria di Annalise, ma il vero colpo
al cuore del suo caso giudiziario non ha nulla a che vedere con
Birkhead, Hannah, Gabriel o persino i membri sopravvissuti dei
Keating 5. Si tratta invece del discorso finale di Annalise. In una
scena mozzafiato, lei svela il vero fulcro di tutta questa
intricata cospirazione: Annalise ha commesso il crimine di essere
nera, ambiziosa, antipatica, bisessuale, potente, capace. Dalla
scena in cui si toglie la parrucca, al montaggio in cui si veste
per andare in tribunale, alla sua decisione di mostrare i suoi
capelli naturali, Le regole del delitto perfetto (How to Get
Away with Murder) ha lanciato un messaggio sempre più
forte sul ruolo delle donne di colore. Il finale raddoppia questo
messaggio, rifiutando di nascondere la sua posizione, la sua
crescita o il suo posto nel mondo, ed è questo che fa esultare i
fan quando riceve il verdetto di “non colpevolezza”.
Naturalmente, il finale non poteva
concludersi semplicemente con un discorso appassionato, una
vittoria e un lieto fine. Ci sono ancora troppi personaggi in piedi
e c’è quel misterioso omicidio da risolvere che, insieme ai
flash-forward del funerale, ha portato molti fan a supporre che
Annalise avrebbe finito per subire la punizione narrativa
definitiva della morte per la sua schiettezza. Tuttavia, Annalise
sopravvive, fino al funerale che alla fine si rivela avvenire dopo
che lei ha vissuto una lunga vita. Anche Tegan (Amirah
Vann) sopravvive alla carneficina e viene vista ballare
con Annalise in futuro. Laurel riesce a salire in macchina con il
piccolo Christopher e a fuggire non appena partono gli spari,
proteggendo il suo bambino come sempre, e sia Connor (Jack
Falahee) che Oliver (Conrad Ricamora)
ce la fanno, anche se Connor è destinato alla prigione e Oliver sta
affrontando il divorzio. Anche Michaela (Aja
Naomi King) sopravvive, fuori di prigione, ma senza
amici e sola.
Gli altri, invece, sono tutti
morti. Wes e Asher (Matt McGorry) se ne sono
andati da tempo, insieme a Sam (Tom Verica) e
Hannah. Il governatore Birkhead è vittima della sparatoria al
tribunale, ucciso da Frank in preda alla rabbia. Anche Bonnie
(Liza
Weil) e Frank (Charlie
Weber) muoiono entrambi sui gradini quel giorno, Frank
ucciso dalle guardie, Bonnie colpita dal fuoco incrociato.
Il funerale e il cerchio che si
chiude
La serie si conclude con il
funerale mostrato all’inizio, quello di Annalise, ormai anziana.
Connor e Oliver sono lì insieme, e Laurel è lì con suo figlio
adulto, che assomiglia esattamente a Wes. La cosa affascinante di
come si conclude la serie, soprattutto considerando il funerale e i
momenti finali, è che impiega sei stagioni per costruire assassini
complessi e simpatici e poi finisce con una conclusione
sorprendentemente moralistica (ma realistica), in cui tutti
sembrano ottenere ciò che meritano in base a quante bugie hanno
detto e quante persone hanno ucciso. Annalise, bugiarda consumata,
in realtà non uccide nessuno, viene scagionata, ne esce forte e poi
vive una vita piena e amata prima della sua morte. Laurel, che alla
fine ha detto tutta la verità, si è redenta diventando un’amica di
famiglia di Annalise. Connor e Oliver, che non hanno ucciso, ma
hanno mentito e sono stati complici, alla fine erano disposti ad
accettare la loro punizione (se non a dire la verità), e questo ha
riabilitato Connor, mentre Oliver ha dovuto affrontare anni da solo
e riconquistare la fiducia di suo marito per la sua disponibilità a
tradire Annalise per motivi egoistici.
I peggiori bugiardi e assassini del
gruppo sono quelli che sono morti: Asher, che ha ucciso e mentito
come talpa per l’FBI; Wes, che ha ucciso Sam; Bonnie, che ha ucciso
una ragazza indifesa; Frank, che ha ucciso molte persone; e persino
Birkhead, che ha ucciso e cospirato. Tuttavia, ad eccezione di
Birkhead, che alla fine rifiuta di essere onesto, nessuna di queste
morti è stata inflitta come un giudizio pietoso. La morte di Bonnie
è la morte straziante di un’innocente, mentre quella di Frank è la
morte dolorosa di una vittima. Le regole del delitto perfetto
(How to Get Away with Murder) riesce a evitare di
simpatizzare con gli assassini, ma mostra anche la loro paura e le
loro motivazioni, assicurandosi che non vengano glorificati o
celebrati.
Michaela, in particolare, è degna
di nota in quanto unica sopravvissuta a non partecipare al funerale
di Annalise; ha rinunciato alla “famiglia” che aveva trovato nei
Keating 5 tradendoli, ma lo ha fatto volontariamente e
consapevolmente per mettersi al sicuro. Questo riflette il modo in
cui si è sempre tenuta leggermente in disparte rispetto a loro, fin
dal primo momento in cui ha voluto andare alla polizia mentre gli
altri non lo hanno fatto. È anche degno di nota il fatto che suo
padre non si veda più, ma in un flash-forward si vede lei che
presta giuramento, il che riecheggia la storia di Annalise.
Domande a cui i fan vogliono
ancora una risposta
Se la scena finale sembra
familiare, è perché è quasi una ricostruzione diretta delle scene
iniziali originali con Christopher che sostituisce Annalise. Il
finale mostra Christopher/Wes che attraversa di nuovo il campus di
Middleton in bicicletta, ma questa volta è Christopher che si
dirige a insegnare nella vecchia classe di Annalise, esattamente
allo stesso modo. Intravede persino Annalise seduta in classe che
gli sorride. Dopo il suo discorso potente e la sua serie di azioni
volte a incarnare con forza esattamente chi è, questa è una
rivendicazione della donna che in realtà non ha ucciso, ma che ha
cercato di fare da madre e di sopravvivere. Il momento in cui il
cerchio si chiude è soddisfacente e fornisce il “lieto fine”, pur
consentendo a tutte queste persone complicate che hanno fatto cose
terribili di essere adeguatamente “punite” per esse. Sembra anche
una conclusione definitiva, quindi è improbabile che ci sarà
un’altra stagione o uno spin-off, nonostante alcune domande rimaste
senza risposta alla fine.
Non è ancora chiaro come Annalise,
Laurel e Wes siano finiti in una dinamica familiare/mentore. Laurel
ha riallacciato i rapporti con Annalise subito dopo la morte di suo
padre in prigione?
E, cosa ancora più importante, è
stata lei a causarne la morte, trovando finalmente la libertà dalla
sua famiglia? Connor e Oliver si sono riconciliati immediatamente e
hanno aspettato che Connor scontasse la pena detentiva, o ci è
voluto molto più tempo? Tegan e Annalise si sono messe insieme, o
le loro scene di ballo erano semplicemente amicizia? E infine,
naturalmente, cosa aspetta Christopher a Middleton come professore?
Questi potrebbero essere gli ultimi segreti cheLe regole del
delitto perfetto (How to Get Away with Murder) custodisce.
Secondo un esperto, il Superman
di James Gunn evita di cadere nella trappola
della mascolinità tossica. Uscito la scorsa estate, il film della
DC introduce David Corenswet nel ruolo dell’eroe titolare,
con Rachel Brosnahan che interpreta la giornalista
Lois Lane, con cui Superman ha una relazione.
Il film ha conquistato il pubblico
per la sua grande azione e il suo cuore ancora più grande, ma il
terapeuta abilitato Jonathan Decker ha ora
spiegato su Cinema Therapy che il
personaggio di Corenswet è anche un perfetto esempio di mascolinità
non tossica. Un modo importante in cui Clark lo dimostra, spiega
Decker, è l’essere aperto e onesto nelle sue interazioni con
Lois.
Quando Clark mette a nudo i suoi
sentimenti durante una conversazione intima ma intensa con il
personaggio di Brosnahan, questo “dà a Lois la sicurezza di
esplorare e chiarire i propri sentimenti senza chiedersi: ‘Dove si
trova? Cosa sta pensando? Cosa sta provando?’” Decker e il
co-conduttore Alan Seawright, un regista,
approfondiscono anche l’origine della mascolinità non tossica di
Superman.
Si tratta di un caso di “natura
contro educazione”, dice Decker. “La sua natura
kryptoniana è la fonte di tutti i suoi poteri. Ma la sua
gentilezza, la sua bontà e il suo rispetto per la vita umana,
questi li ha ereditati da Jonathan e Martha Kent”. Il film
mostra la mascolinità non tossica di Superman nei momenti di calma,
ma anche nei combattimenti. Decker spiega che Superman combatte non
perché lo vuole, ma perché non ha altra scelta:
“Una mascolinità sana, quando
si tratta di combattere, è difensiva, non aggressiva”, sono le
sue parole. Le recensioni di Superman sono state in gran parte
positive, con l’approccio di Gunn che ha trovato riscontro sia nel
pubblico che nella critica. Le immagini colorate, gli effetti
mozzafiato e le ottime interpretazioni sono sicuramente parte del
motivo di questi elogi, ma la sceneggiatura di Gunn sottolinea
anche il potere della speranza e della bontà.
Questo, ovviamente, è in netto
contrasto con l’interpretazione del Superman di Zack
Snyder, che era molto più cupa e seria e che inL’uomo d’acciaioarriva anche ad
uccidere il suo nemico,
non avendo altra scelta. Insomma, un ulteriore riconoscimento
per il film di Gunn, che dopo anni di supereroi controversi o
antieroi, ha portato sul grande schermo una figura interamente
positiva e apprezzabile in quanto profondamente umana.
Il futuro del DC Universe
dopo Superman
La risposta a
Superman è stata così positiva da ottenere il via
libera per un sequel. Gunn è pronto a scrivere e dirigere
Man of Tomorrow, che uscirà nel 2027. Sebbene non
siano ancora stati rilasciati dettagli sulla trama, il film
presumibilmente garantirà ancora una volta che l’eroe di Corenswet
sia un faro di speranza nel mondo, mostrando un tipo di mascolinità
non tossica.
Con Superman ormai
alle spalle, l’attenzione si è spostata sul prossimo grande
progetto DC:
Supergirl, con Milly Alcock. Come rivelato nel finale di
Superman, l’eroina interpretata da Alcock sarà molto diversa da
quella di Corenswet, caratterizzata da un atteggiamento ribelle e
indifferente. Resta da vedere come il film di Craig
Gillespie del 2026 si confronterà con quello di Gunn, ma
il pubblico forse non dovrebbe aspettarsi la stessa
rappresentazione riflessiva della mascolinità.
L’attesa per il primo trailer di
Avengers:
Doomsday è quasi finita. Con l’inizio della Fase
6 del Marvel Cinematic Universe
quest’estate con l’arrivo di I Fantastici Quattro: Gli
Inizi, l’attuale fase terminerà nel 2027, con i due film degli
Avengers in uscita. Collider ha ora confermato
quello che si sospettava da tempo, ovvero che il trailer di
Avengers: Doomsday debutterà
prima di Avatar: Fuoco
e Cenere il 19 dicembre.
Le riprese principali della Fase 6
si sono concluse il 19 settembre 2025, con Anthony
e JoeRusso alla regia del grande
film corale. Il cast segnerà il ritorno di Robert Downey Jr. nella timeline dell’MCU, ma
con una svolta, dato che è pronto a dare vita all’iconico Victor
von Doom, alias Dottor Destino, nel franchise della Marvel Studios.
Il veterano dei supereroi interpreterà il cattivo anche in Avengers:
Secret Wars del 2027, le cui riprese principali
dovrebbero iniziare nella primavera del 2026.
La sinossi ufficiale conferma il ritorno di
Robert Downey Jr. all’interno dell’universo
Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al
momento sotto riserbo. Stephen McFeely e
Michael Waldron risultano accreditati come
sceneggiatori.
Il cast di Avengers: Doomsday è stato rivelato per
la prima volta durante una diretta streaming a sorpresa della
Marvel Studios, in cui diverse sedie hanno svelato il ritorno di
numerosi attori. Una delle grandi novità è il ritorno di diversi
attori degli X-Men
dell’era Fox-Marvel.
È stata rivelata la recensione di
Stephen King sul remake di
The Running
Man. Il film, diretto da Edgar Wright
e interpretato da Glen Powell, è un nuovo adattamento
dell’omonimo romanzo di King del 1982, originariamente pubblicato
con lo pseudonimo di Richard Bachman. In
precedenza era stato adattato in un film del 1987 con
Arnold Schwarzenegger.
Variety ha recentemente incontrato
Wright per discutere di The Running Man e il
regista ha rivelato di aver recentemente chiesto a Stephen
King cosa ne pensasse del progetto, in modo da poter
condividere la sua opinione con il pubblico durante un panel
promozionale del film. Via e-mail, King ha risposto: “Se mi
piace? Lo adoro!”.
King ha continuato dicendo che
The Running Man del 2025 è “abbastanza fedele
al libro da soddisfare i fan, ma abbastanza diverso da renderlo
emozionante per me”. Si tratta di un grande elogio da parte
del leggendario autore, che non esita a esprimere la sua
disapprovazione quando non approva un adattamento delle sue
opere.
Ad esempio, nonostante sia uno dei
film tratti da un suo romanzo più apprezzati, l’adattamento di
Stanley Kubrick del 1980 di The
Shining ha suscitato l’ira dello scrittore, soprattutto per
essersi allontanato troppo dal materiale originale. Tuttavia, King
ha anche approvato pubblicamente alcuni adattamenti che si
discostano notevolmente dal testo originale, soprattutto quando
mantengono la giusta atmosfera generale.
Infatti, The Mist del
2007, che ha un finale notevolmente più cupo rispetto al romanzo
originale, ha ottenuto notevoli elogi da King. Nel 2017, ha
dichiarato a Yahoo! Entertainment che “era nichilista. Mi è
piaciuto. Quindi ho detto di andare avanti e farlo”. Sembra
dunque che The Running Man abbia mantenuto lo
spirito del romanzo, pur conservando una propria identità
distinta.
Se la valutazione di King è
accurata, allora il film del 2025 è probabilmente molto più fedele
al romanzo rispetto all’adattamento del 1987, che presenta una
serie di differenze significative rispetto al libro originale.
L’elogio di King al film è stato rivelato pochi giorni dopo che
Glen
Powell ha condiviso il fatto che la star del precedente film,
Arnold Schwarzenegger, gli aveva detto che il nuovo film era
“incredibile”.
Resta da vedere se i critici e il
pubblico avranno la stessa reazione al nuovo film di King e
Schwarzenegger. Finora, il film non ha ancora ottenuto un punteggio
Tomatometer o Popcornmeter su Rotten Tomatoes. Tuttavia, il 5
novembre i critici
hanno potuto condividere sui social media le loro prime
reazioni, prive di spoiler, e il tenore generale delle loro
reazioni è stato positivo.
Diversi critici hanno insistito sul
fatto che The Running Man è all’altezza delle
aspettative, il che potrebbe significare che la recensione
entusiastica di King sarà il primo segno del grande successo di
critica del film. A sua volta, questo potrebbe portare il film a
diventare un successo commerciale, aggiungendo un altro blockbuster
alla filmografia di Glen Powell, che include già successi
come Tutti tranne te e Twisters.
Quello che c’è da sapere su The Running
Man
The Running Man
vede Glen Powell nei panni di Ben Richards, che
partecipa a una competizione in cui deve sopravvivere mentre viene
braccato da killer professionisti, il tutto per salvare la figlia
malata. Richards viene inseguito per 30 giorni e deve sopravvivere
contro ogni previsione per vincere. Il film uscirà il 13 novembre
in Italia.
Edgar Wright
dirige questo adattamento. Wright è famoso soprattutto per Baby
Driver e L’alba dei morti dementi, film ricchi di
azione e memorabili. Accanto a Powell, c’è un cast stellare che
include Josh Brolin, William H. Macy,
Michael Cera, Lee
Pace ed Emilia Jones.
Chris Hemsworth: un memorabile viaggio on the
road, il documentario di un’ora, prodotto da Protozoa del
regista candidato all’Oscar® Darren Aronofsky, da
Nutopia di Jane Root e da Wild State di Chris
Hemsworth e Ben Grayson, debutterà il 24
novembre su Disney+.
Oggi, più di 57 milioni di persone
in tutto il mondo convivono con la demenza, la cui causa più comune
è il morbo di Alzheimer. Ogni anno si registrano ben 10 milioni di
nuovi casi di demenza in tutto il mondo, il che solleva una
domanda: cosa possiamo fare per aiutare chi ne è affetto? È questa
domanda che ha spinto Chris
Hemsworth a rispondere con la missione più
personale che abbia mai intrapreso: Chris
Hemsworth: un memorabile viaggio on the road. Andando
oltre la propria salute, come mostrato nella
serie Limitless, in questo speciale
profondamente emozionante Chris intraprende un viaggio in moto
attraverso l’Australia con suo padre Craig, a cui è stato
recentemente diagnosticato l’Alzheimer, per riaccendere i ricordi e
rafforzare il loro legame, esplorando l’efficace scienza della
connessione, della comunità e della nostalgia, strumenti cruciali
ma spesso trascurati nella protezione della salute del
cervello.
In questo viaggio commovente ed
edificante, ispirato dalla recente diagnosi di Craig, Chris e suo
padre partono in moto per un “viaggio indietro nel tempo”,
visitando persone e luoghi del loro passato comune, dalla periferia
di Melbourne alle distese selvagge dei Territori del Nord
dell’Australia, per esplorare la profonda scienza delle relazioni
sociali. Attraverso i paesaggi mozzafiato e sconfinati
dell’Australia, il viaggio di Chris e Craig diventa un’indagine
divertente e commovente del legame tra padre e figlio, dimostrando
che l’amore, la comunità e le esperienze condivise possono essere
una potente medicina.
La loro avventura, che Chris
riprende in parte con la sua videocamera, è guidata da Suraj
Samtani, specialista in demenza e psicologo clinico presso il
Centre for Healthy Brain Aging della University of New South Wales,
che ha lavorato con i produttori in collaborazione con la famiglia
Hemsworth nel corso di un anno.
La ricerca del dottor Samtani,
insieme a un recente studio globale condotto su oltre 40.000
persone in 14 paesi, ha scoperto che chi mantiene regolari
interazioni sociali dimezza il rischio di sviluppare la demenza,
con prove che dimostrano che forti legami sociali possono persino
rallentare il declino cognitivo dopo la diagnosi. Questa scoperta
fondamentale fornisce la base scientifica per gli elementi chiave
del viaggio, tra cui:
Terapia della reminiscenza: rivisitare
esperienze passate parlandone con qualcuno, utilizzando oggetti del
passato (come foto o video personali) o visitando luoghi del
passato è un ottimo modo per stimolare le capacità cognitive.
Relazioni sociali: è dimostrato che interagire
regolarmente con altre persone, ad esempio parlando con un amico o
confidandosi con qualcuno, riduce il rischio di mortalità
precoce.
“Social Bridging”: partecipare ad attività
comunitarie più ampie, come il volontariato o le passeggiate di
gruppo, è collegato a un rallentamento del declino cognitivo.
“Io e mio padre avevamo sempre
parlato di fare un viaggio nel Territorio del Nord, dove la nostra
famiglia aveva vissuto anni fa, ma non eravamo mai riusciti a
trovare il tempo per farlo”, ha detto Chris Hemsworth.
“Più recentemente, l’idea di fare quel viaggio è riemersa con
maggiore urgenza. Il risultato è stato un’esperienza più profonda,
più emozionante e più sorprendente di quanto avessi mai
immaginato”.
Lo scorso agosto, su Disney+ ha
debuttato Limitless: Live Better
Now, dove Chris Hemsworth ha affrontato sfide epiche
per svelare modi in cui tutti noi possiamo vivere meglio oggi.
Nell’episodio “Potenza mentale”, ha affrontato una sfida per
stimolare il cervello: suonare “Thinking Out Loud” sul palco con Ed
Sheeran davanti a 70.000 fan a Bucarest, un momento che da allora
ha totalizzato quasi 35 milioni di visualizzazioni sulle
piattaforme social di Chris, Ed e National
Geographic. Successo mondiale, la prima stagione
di Limitless con Chris Hemsworth è la seconda
serie in streaming più vista di sempre di National Geographic, con
quasi la metà del suo pubblico composta da spettatori
internazionali.
Chris Hemsworth: un
memorabile viaggio on the road è prodotto da
Protozoa, Nutopia e Wild State per National Geographic. Tom
Watt-Smith, Peter Lovering, Arif Nurmohamed e Jane Root sono
executive producer per Nutopia. I creatori Darren Aronofsky e Ari
Handel di Protozoa tornano come executive producer, mentre Chris
Hemsworth, Ben Grayson e Brandon Hill sono executive producer per
Wild State. Tom Barbor-Might ha diretto il documentario. Per
National Geographic, sono executive producer Bengt Anderson e Simon
Raikes.
La vincitrice dell’Oscar Jessica Chastain e Chris Pine si sono uniti al cast all star del
prossimo thriller poliziesco dark-comico di Elijah
Bynum intitolato My Darling California.
Il film vedrà protagonisti Chastain e Pine insieme a Josh Brolin, Charles, Melton,
Don Cheadle e la premio Oscar Mikey
Madison. Ambientato a Los Angeles, il film racconterà come
un singolo crimine colleghi le vite di un conduttore televisivo,
della sua irrequieta moglie, di un idolo della musica country, di
due piccoli criminali e di un ex detenuto, tutti alla ricerca di
una vita migliore.
Il primo lungometraggio dello
sceneggiatore e regista Elijah Bynum è stato Hot Summer Nights, con Timothée Chalamet e Maika Monroe, seguito dal titolo
Magazine Dreams nel 2023 e The Deliverance
nel 2024, entrambi presentati al Sundance. Il film è
attualmente in fase di negoziazione con acquirenti internazionali
in vista dell’American Film Market, dove sta già suscitando grande
interesse come uno dei pochi progetti imperdibili in vendita grazie
al suo cast stellare e alla combinazione sceneggiatore-regista.
Il film è prodotto da David
Hinojosa della 2 AM, noto per Materialists, con
Zach Nutman come produttore esecutivo. Anton
(Greenland) finanzia e gestisce le vendite per l’AFM
insieme alla CAA Media Finance. La produzione di My Darling
California dovrebbe iniziare nel 2026.
Per Jessica Chastain, My Darling
California continua una recente serie di progetti che
bilanciano il prestigio con un tocco psicologico. I ruoli
dell’attrice hanno spesso caratterizzato una lunga lista di
personaggi complessi che sfidano la percezione della forza e della
vulnerabilità femminile, da Zero Dark Thirty alla sua interpretazione vincitrice
dell’Oscar in Gli
occhi di Tammy Faye.
D’altra parte, Chris Pine lo si vedrà prossimamente nel film
italiano intitolato Il
rapimento di Arabella, dopo il suo debutto alla regia con
Poolman nel 2023 e il suo ruolo di Magnifico in
Wish della Disney. Per lui questo segna un passaggio da
franchise di successo come Star Trek e Wonder
Woman a un territorio più realistico e drammatico.
La crescente reputazione di Bynum
come regista aggiunge ulteriore fascino al progetto. Il suo
precedente lavoro in Magazine Dreams ha esplorato il lato
oscuro dell’ambizione e dell’identità attraverso un’intensa lente
psicologica. Con My Darling California, sembra
esplorare ancora una volta il prezzo della fama e le contraddizioni
morali, ma questa volta su una scala più ampia e multiprospettica,
con un cast stellare.
Il cast e il genere lo rendono uno
dei titoli più interessanti sul mercato in vista dell’AFM,
attraente sia per i distributori orientati ai premi che per gli
acquirenti globali alla ricerca di progetti commerciali ma di alto
livello. La premessa del film è in linea con il tipo di thriller di
prestigio che recentemente hanno ottenuto un buon successo sia di
pubblico che di critica, come The Menu del 2022.
Con l’inizio della produzione
previsto per il prossimo anno, My Darling
California si preannuncia già come uno dei drammi
hollywoodiani più attesi. Tra il profilo registico in ascesa di
Bynum e il gruppo di protagonisti di talento, il film potrebbe
facilmente diventare uno dei principali argomenti di discussione
quando arriverà la stagione dei premi.
Netflix celebra lo Stranger
Things Day (il 6 novembre, giorno in cui, nel 1983,
Will viene rapito dal Demogorgone) in grande stile con una première
esclusiva per i fan, svelando cinque minuti del primo
episodio della quinta stagione.
In una trasmissione in anteprima di
Stranger
Things – Stagione 5, Netflix ha ospitato un watch
party virtuale con un red carpet, interviste al cast, apparizioni a
sorpresa e un’anteprima dell’ultima stagione dell’avventura.
Ecco la clip dei primi 5 minuti
della nuova stagione che ci riportano indietro nel tempo a quando
Will era stato trascinato nel Sottosopra dal Demogorgone. Nella clip vediamo
Will spaventato e infreddolito che cerca di nascondersi, ma viene
trovato e portato da… Vecna!
Qui capiamo che la mostruosa e malvagia creatura ha in serbo per il
nostro piccolo eroe un piano malvagio.
Stranger Things
Stranger Things è un fenomeno
globale e una delle serie di maggior successo di Netflix. Finora,
la serie ha vinto numerosi Primetime Emmy Awards, con un totale di
113 vittorie e 308 nomination. Al momento dell’uscita, la quarta
stagione è diventata una delle serie in lingua inglese più viste di
tutti i tempi su Netflix, con 140,7 milioni di visualizzazioni e
1,8 miliardi di ore di visione.
Il cast ha parlato dei propri
sentimenti riguardo all’ultima stagione, salutando i rispettivi
personaggi. Finn Wolfhard, noto come Mike Wheeler, ha
parlato del nuovo scopo di Mike nell’ultima stagione, e ha
affermato che “si è conclusa nel modo migliore” per il suo
personaggio. Il regista e produttore esecutivo Shawn
Levy è intervenuto sul red carpet e ha dichiarato: “È
il finale televisivo più bello che abbia mai visto“.
Caleb McLaughlin
si sente un po’ più malinconico per il trauma del suo personaggio
durante l’ultima stagione, quando Max rimane in coma dopo il loro
scontro con Vecna nella quarta stagione.
Netflix ha anche annunciato il suo
spin-off, che sarà un’animazione intitolata Stranger
Things: Tales from ’85 con il ritorno dei Duffer
Brothers per colmare il vuoto temporale tra la seconda e
la terza stagione, con Undici, Mike, Dustin, Lucas, Max e Will.
La quinta stagione di
Stranger Things uscirà con il Volume 1 il 26
novembre, il Volume 2 il 25 dicembre e il finale il 31 dicembre. Il
finale uscirà anche in sale selezionate, dando ai fan la
possibilità di guardare i loro personaggi preferiti in un modo mai
visto prima.
Guillermo del Toro
ha spiegato come la ricerca delle location per il prequel de Il
Signore degli Anelli, Lo Hobbit – Un viaggio inaspettato, lo abbia
traumatizzato. Inizialmente designato per dirigere l’adattamento
cinematografico dell’omonimo romanzo fantasy di J. R. R.
Tolkien, il regista ha poi abbandonato il progetto dopo
una serie di ritardi.
Sebbene del Toro non abbia finito
per dirigere il film, ha comunque contribuito alla ricerca delle
location per il film fantasy di successo. In un’intervista a Jimmy Kimmel
Live! del Toro ha ora rivelato come ha finito per
incontrare una serie di fenomeni paranormali in un inquietante
hotel in Nuova Zelanda. Dopo aver chiesto al personale quale fosse
la stanza più infestata del famigerato Waitomo Caves Hotel, il
regista ha affermato di aver sentito “un intero omicidio”
avvenire proprio nella sua stanza.
Ha detto a Kimmel che ogni volta
che va in un hotel infestato, chiede sempre la stanza con la
maggiore attività paranormale. “Stavamo cercando location per
Lo Hobbit in un hotel vuoto a Waitomo, il Waitomo Hotel. In ogni
hotel in cui vado, so qual è la stanza infestata. Chiedo: ‘Potete
darmi la stanza infestata?’. Fino ad allora non era mai successo
nulla”.
Secondo del Toro, stava
semplicemente guardando The Wire quando ha sentito il
fantasma. “Stavo guardando Stringer Bell e, all’improvviso, ho
sentito un intero omicidio nel mezzo della stanza. Le urla, le
coltellate e il pianto”. Ha affermato di essere stato così
spaventato che “non sono riuscito a dormire
affatto”.
Kimmel ha cercato di offrire al
regista alcune spiegazioni più logiche dietro i suoni omicidi che
aveva sentito. Tuttavia, del Toro ha respinto qualsiasi teoria non
paranormale. Ha detto che non potevano essere stati altri ospiti
perché lui era l’unica persona che alloggiava nell’ala est
dell’hotel. “Non c’era nessun altro nell’hotel, nemmeno il
direttore. Ci hanno dato le chiavi perché era bassa stagione. Io
ero nell’ala est e tutti gli altri erano nell’ala ovest”.
Invece di gettare la spugna e
trasferirsi nell’ala ovest come tutti gli altri, rimase nella
stanza infestata per tutta la notte, anche se non chiuse occhio.
“Mi rimisi le cuffie e rimasi a guardare il computer per tutta
la notte”, ha ricordato. “Non volevo girarmi. C’era un
balcone e mi sono detto: ‘E se guardassi e ci fosse qualcosa
lì?’”. Ad ogni modo, l’esperienza non sembra esserne valsa la
pena per del Toro, che non ha più diretto Lo Hobbit, poi
passato all’amico Peter Jackson.
Per quanto riguarda il fattore
intrattenimento, è difficile battere un buon film catastrofico. La
posta in gioco è estrema, le emozioni sono intense e, se è fatto
bene, le scene d’azione sono elettrizzanti. Uno dei migliori film
usciti negli
anni ’90, un decennio fertile per il genere (tra Independence Day e
Deep Impact), è Twister. Sebbene il film
sia spesso ricordato per le sequenze di tempeste violente (che
ancora oggi reggono molto bene), ci sono anche alcuni filoni
emotivi profondi che attraversano la narrazione.
Dopo aver visto suo padre morire in
un tornado quando era bambina, la dottoressa Jo Harding
(Elen Hunt) si è dedicata alla missione di
migliorare l’efficacia dei sistemi di allerta tornado. Nel
frattempo, il suo ex collega e futuro ex marito, il dottor Bill
Harding (Bill Paxton), sta cercando di andare
avanti con la sua vita e con la sua nuova fidanzata, la dottoressa
Melissa Reeves (Jami Gertz). Con Melissa al
seguito, Bill rintraccia Jo e il suo team nella campagna
dell’Oklahoma per convincerla a firmare finalmente i documenti del
divorzio.
Ma dopo che Jo rivela di aver
sviluppato un nuovo dispositivo per studiare meglio i tornado,
modellato sul progetto di Bill, lui viene coinvolto nell’azione
quando Jo evita di firmare i documenti per inseguire le tempeste
che iniziano a scoppiare tutt’intorno a loro durante la stagione
dei tornado più intensa a memoria d’uomo. Se avete visto il film di
recente e avete ancora qualche domanda, ecco cosa dovete sapere sul
finale di Twister.
Una giornata alla ricerca delle
tempeste riaccende una vecchia fiamma
La maggior parte degli eventi di
Twister si svolgono nel corso di un solo giorno,
che inizia con Bill che dà a Jo i documenti per il divorzio da
firmare al mattino e termina solo dopo che hanno rischiato più
volte di perdere la vita mentre davano la caccia ai tornado. Quando
arriva la notte, Jo, Bill, Melissa e il resto del team si
registrano in un motel. Jo ha cercato attivamente di evitare di
firmare i documenti per il divorzio di Bill, poiché collaborare
nuovamente con il suo ex marito per cercare di implementare il suo
nuovo sistema di monitoraggio, chiamato DOROTHY, ha rafforzato
ulteriormente ciò che sospettava sin dalla loro separazione: è
ancora innamorata di lui.
Purtroppo, Bill sembra deciso ad
andare avanti con la sua vita, quindi lei cede e alla fine si
prepara a finalizzare il divorzio. Questo, almeno fino a quando la
città in cui alloggiano non viene devastata da un enorme tornado.
Il tornado passa, ma lascia dietro di sé distruzione sia fisica che
emotiva. Dopo essere stata trascinata in giro per lo stato e aver
vissuto una serie di situazioni pericolose a causa del desiderio
impulsivo di Bill di inseguire di nuovo le tempeste, Melissa si
rende conto che lui e Jo hanno qualcosa che lei e Bill non avranno
mai. Melissa rompe ufficialmente con Bill e torna a casa. Nel
frattempo, Jo corre alla vicina casa di sua zia Meg (Lois Smith),
che teme sia stata colpita dalla tempesta.
Un enorme tornado colpisce troppo
vicino a casa
Quando Jo arriva a casa della zia
Meg, scopre che è stata distrutta dal tornado. Meg è ferita, ma
ancora viva. È chiaramente sconvolta dall’esperienza e racconta a
Jo che la tempesta è arrivata così rapidamente che quando sono
suonate le sirene del tornado, era già su di loro. Questo
chiaramente addolora Jo. Da bambina, ha visto suo padre morire in
un tornado per il quale la sua famiglia non ha avuto il tempo di
prepararsi adeguatamente. Questo è stato uno dei motivi principali
che l’ha spinta a dedicarsi alla ricerca sul dispositivo
DOROTHY.
Spera infatti contribuirà a creare
sistemi di allerta tornado in grado di rilevare le tempeste con
maggiore anticipo, dando alle persone più tempo per mettersi in
salvo. Il pericolo scampato dalla zia Meg è solo un altro
promemoria per Jo che, finché non avrà portato a termine la sua
missione, nessuno dei suoi cari sarà al sicuro. Con un rinnovato
senso di determinazione, Jo apporta alcune modifiche al dispositivo
DOROTHY e parte con Bill per intercettare un tornado ultra potente
nelle vicinanze: il catastrofico F5. Si ritrovano in una corsa
contro il tempo.
Anche il rivale di Jo, il dottor
Jonas Miller (Cary Elwes), che ha creato un
dispositivo simile, sta inseguendo la tempesta. Non fidandosi delle
sue intenzioni, Jo vuole assicurarsi che lui non riesca a batterla
sul tempo e a utilizzare il suo dispositivo copiato prima che lei
possa ottenere i dati di cui ha bisogno con DOROTHY. Mentre il
tornado F5 semina distruzione, entrambe le squadre corrono per
posizionarsi sul percorso della tempesta.
Jo e Bill rischiano la vita per
installare il loro dispositivo nel mezzo di un tornado di categoria
F5
Mentre si avvicinano alla tempesta,
entrambe le squadre cercano di installare i loro dispositivi in
modo che vengano catturati dal vortice del tornado. Tuttavia, Jonas
si è posizionato direttamente sulla traiettoria della tempesta e,
nonostante gli avvertimenti di Jo e Bill, rimane fermo, andando
incontro alla morte. Nel frattempo, Jo e Bill riescono a installare
con successo un dispositivo DOROTHY, ma quando la tempesta cambia
direzione, si rendono conto che sta puntando direttamente verso di
loro.
Riescono ad agganciarsi ai tubi di
irrigazione nel campo in cui si trovano proprio mentre arriva il
tornado. Il vortice passa direttamente sopra Jo e Bill e, mentre lo
fa, Jo guarda verso il centro della tempesta. È un momento di resa
dei conti per lei. I tornado sono ciò attorno a cui ha strutturato
la sua vita e sono la fonte della sua determinazione e forza
d’animo, che sono i tratti caratteriali che più la definiscono. La
loro capacità di distruggere la perseguita sin dalla morte di suo
padre.
Il fatto di trovarsi letteralmente
all’interno di uno di essi e sopravvivere è un momento profondo per
lei. Quando la tempesta passa, Jo e Bill festeggiano il loro
successo con DOROTHY e la loro sopravvivenza. L’esperienza di
pre-morte ha anche fatto capire a entrambi che, nonostante le
difficoltà del loro matrimonio, sono fatti l’uno per l’altra. Con i
dati raccolti e i documenti per il divorzio gettati via, la coppia
gode di un lieto fine dopo 24 ore intense.
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Anni dopo, 
