La seconda stagione di
Skeleton Crew si farà? La serie ha appena concluso il
suo primo ciclo su Disney+ e sebbene sia uno dei migliori
prodotti Lucasfilm usciti nell’ultimo periodo, i
risultati sulla piattaforma non sono stati lusinghieri.
È stato ampiamente riportato che lo
show ha debuttato con numeri di spettatori inferiori a The
Acolyte, rendendolo la serie TV di Star
Wars meno vista su Disney+ fino ad oggi. Jon
Watts ha detto questo su cosa il futuro potrebbe o meno
riservare alla serie:
“Per quanto riguarda ciò che
faremo dopo, siamo entusiasti di parlare con tutti, ma ovviamente
tutti hanno le mani occupate in questo momento a gestire le
tragedie degli incendi. Ma siamo emozionati. Siamo felici che le
persone stiano trovando anche lo show. Abbiamo lentamente aumentato
gli spettatori in ogni episodio, quindi è davvero emozionante
vedere questa crescita, e il passaparola è stato davvero
positivo”.
“Quindi siamo emozionati di
tornare insieme a tutti e parlare presto del futuro.Abbiamo sicuramente delle idee in testa. Stiamo aspettando di
scoprire cosa pensano tutti gli altri, ma abbiamo sempre avuto
un’idea di dove potrebbe andare anche prima di realizzare la prima
stagione. Quindi c’è molto potenziale là fuori e spero che tutti lo
vedano.”
Se gli spettatori sono aumentati di
settimana in settimana, allora potrebbe essere proprio questo
passaparola virtuoso a salvare Skeleton Crew dal diventare un altro
programma televisivo di Star Wars che raggiunge
una fine prematura. Tuttavia non c’è ancora nulla di ufficiale.
Netflix ha fissato la data di uscita della quinta
stagione di You, che
sarà l’ultima dello show. La serie tornerà il 24 aprile. La
descrizione ufficiale degli episodi finali afferma: “Nell’epica
quinta e ultima stagione, Joe Goldberg (Penn
Badgley) torna a New York per godersi il suo lieto
fine… finché la sua vita perfetta non viene minacciata dai fantasmi
del suo passato e dai suoi oscuri desideri”.
Ecco anche il trailer per You 5
Nel teaser, Joe torna alla libreria
di Mooney e ricorda tutto ciò che lo ha portato fin qui.
“Eccoci qui, di nuovo insieme, di nuovo dove tutto è
iniziato“, dice Joe. “E l’unica costante, l’unica cosa che
è sempre stata lì per me sei tu“.
A marzo 2023 è stato annunciato che
You si
sarebbe
conclusa con la quinta stagione. In quel momento, è stato anche
rivelato che i produttori esecutivi della serie Michael
Foley e Justin Lo avrebbero assunto il ruolo di showrunner
per la stagione finale, con Sera Gamble che è
rimasta a bordo come produttrice esecutiva.
Tutto quello che c’è da sapere su You
You è stato
sviluppato da Sera Gamble e Greg Berlanti, con Gamble come
showrunner. La serie è prodotta da Berlanti Productions, Man Sewing
Dinosaur e Alloy Entertainment in associazione con Warner Horizon
Scripted Television. Berlanti, Gamble, Sarah Schechter, Leslie
Morgenstein, Gina Girolamo e Marcos Siega sono i produttori
esecutivi.
Nell’ottobre 2021, prima della
premiere della terza stagione, la serie è stata rinnovata per una
quarta stagione , che è stata rilasciata in due parti il 9
febbraio e il 9 marzo 2023. La stagione è interpretata anche da
Charlotte Ritchie , Tilly Keeper , Amy-Leigh Hickman , Ed
Speleers e Lukas Gage. Nel marzo 2023, la serie è stata
rinnovata per una quinta e ultima stagione.
Tratta dal bestseller di Caroline
Kepnes “Tu”. “Cosa faresti per amore?” Quando il brillante gestore
di una libreria incontra un’aspirante scrittrice, la sua risposta è
chiara: per amore farebbe di tutto. Usando Internet e i social
media come strumenti per raccogliere i dettagli più intimi della
ragazza e avvicinarsi a lei, la sua cotta irresistibile e goffa
diventa un’ossessione e lentamente decide di rimuovere qualsiasi
ostacolo, e persona, tra lui e il suo oggetto del desiderio. Nella
quarta stagione, Joe Goldberg, fingendosi “Johnathan Moore”, ora
risiede a Londra, lavora come professore di inglese presso un
istituto rispettato e conduce un’esistenza tranquilla. Ha
anche seguito Marienne in giro per l’Europa nel tentativo di
localizzarla. La sua nuova vita di solitudine, tuttavia, viene
interrotta quando inizia a legare con una cerchia di ricchi
socialiti, che iniziano a morire uno per uno mentre un serial
killer inizia a prendere di mira il loro gruppo d’élite.
Ecco il trailer di September
5 – La diretta che cambiò lastoria, il
film
presentato a Venezia 81 con
Peter Sarsgaard, John Magaro, Ben Chaplin, Leonie Benesch,
Zinedine Soualem, Georgina Rich, Corey Johnson, Marcus Rutherford,
Daniel Adeosun, Benjamin Walker, Ferdinand Dörfler che
uscirà al cinema il 13 febbraio con Eagle Pictures.
La trama di September 5 – La diretta che cambiò
lastoria
“September 5 – La diretta
che cambiò la storia“ racconta il momento
cruciale che ha trasformato per sempre il modo di fare informazione
in diretta. Ambientato durante le Olimpiadi di Monaco del 1972, il
film ripercorre la trasformazione improvvisa del team di ABC
Sports, passato da una tranquilla copertura sportiva alla cronaca
in tempo reale del sequestro degli atleti israeliani da parte di un
gruppo terroristico. Al centro della storia c’è Geoff (John
Magaro), un giovane produttore deciso a farsi strada sotto la guida
del leggendario Roone Arledge (Peter Sarsgaard). Con l’aiuto di
Marianne (Leonie Benesch), interprete tedesca, e del suo mentore
Marvin Bader (Ben Chaplin), Geoff si muove tra le sfide tecniche e
le scelte morali di una diretta che ha segnato la storia della
televisione.
Nel finale di
Skeleton Crew, viene chiarito che Jod Na
Nawood di Jude Law non è il pirata dal cuore d’oro che
molti fan di Star
Wars immaginavano sarebbe stato rivelato. Invece, è un
cattivo a tutti gli effetti che spera di schiavizzare un intero
pianeta e costringerlo a creare una scorta illimitata di
crediti.
I giovani protagonisti della serie
sventano il piano di Jod (dopo aver scoperto che è
stato salvato da uno Jedi da bambino solo per veder morire il suo
salvatore morire durante l’Ordine 66), lasciando il pirata a
guardare mentre il suo piano crolla.
Parlando con Entertainment
Weekly dell’arco narrativo di Jod, il co-creatore di
Skeleton CrewJon Watts ha
detto: “Tutti aspettano quell’arco narrativo di redenzione, e
Ford diceva sempre: ‘Non è i loro genitori’. Quindi abbiamo
aspettato e ti sei innervosito un po’. Ti sei chiesto: ‘Avremmo
dovuto dargli un arco narrativo di redenzione?’ Ma non lo
so”.
Il co-creatore Christopher
Ford ha aggiunto: “Sapevamo che quell’archetipo del
personaggio faceva parte di Star Wars, quindi volevamo giocarci, e
in particolare con tutta la questione ‘È uno Jedi o no?’ È buono o
cattivo? E quindi il nostro colpo di scena è stato questo
anti-colpo di scena, che era esattamente come si presentava.
Apparentemente”.
Interrogato su quell’ultima
inquadratura di Jod, Watts non ha rivelato molto, ma ha rivelato:
“Sta vedendo l’intero piano che ha, probabilmente il più vicino
alla vittoria che abbia mai avuto, andare a fuoco. È fantastico
perché penso che si possano leggere molte idee diverse in
quell’espressione”.
Per quanto riguarda il suo
improbabile posto nella storia di Star Wars,
avendo assistito allo svolgersi dell’Ordine 66,
sembra che tutti i flashback sul passato di Jod siano stati salvati
per una possibile seconda stagione.
“Nelle nostre teste, ha il
potenziale per andare più a fondo”, ha stuzzicato Ford.
“Quella parte della storia è qualcosa che potrebbe essere
esplorata in futuro. Quindi quando hai qualcosa che è una specie di
work in progress come quello, lo lasci abbastanza aperto da
lavorarci sopra e migliorarlo”.
MUBI, il distributore globale, servizio di
streaming e società di produzione, porta il documentario acclamato
dalla critica e vincitore di premi Grand Theft
Hamlet (qui
la nostra recensione) in streaming in esclusiva su MUBI,
dopo l’uscita nelle sale del Regno Unito e degli Stati Uniti.
Vincitore di due British
Independent Film Awards per il Miglior
esordio di regista – Documentario (assegnato ai registi Pinny
Grylls e Sam Crane) e del Raindance Maverick
Award, che celebra i registi più audaci, creativi e
intraprendenti, il film è anche nella lista dei candidati per il
Miglior esordio di uno scrittore, regista o produttore
britannico agli EE Bafta Film Awards
2025.
Acclamato come “Un’idea
brillante, brillantemente realizzata; esilarante, surreale e
genuinamente emozionante” in una recensione a 5
stelle del Guardian,“Il documentario più
divertente dell’anno” di Time Out,
“Un tributo inaspettatamente commovente e genuinamente
rivoluzionario alla resistenza dell’arte” di
Empire e “Perfidamente
divertente”di The Standard, GRAND THEFT HAMLET
racconta la storia di due attori disoccupati che tentano l’impresa
apparentemente impossibile di allestire una produzione completa
dell’Amleto di William Shakespeare all’interno del mondo ultra
violento di Grand Theft Auto, girato interamente nel gioco.
La carriera festivaliera di Grand Theft
Hamlet
Dopo l’anteprima mondiale al SXSW
2024 (vincitore del Documentary Feature Jury Award), il
film, scritto e diretto da Pinny Grylls
(vincitrice del BFI & Chanel Luminous Gala Filmmaker Award 2024) e
Sam Crane, ha partecipato ad una serie di festival
internazionali di successo, tra cui le proiezioni in selezione
ufficiale a Hot Docs 2024, CPH: DOX 2024, BFI London Film Festival
(compresa la presentazione IMAX), Visions du Reel 2024, Melbourne
International Film Festival 2024, Cambridge Film Festival 2024,
Leeds Film Festival 2014, Korea’s DMZ Docs 2024, dove ha vinto il
Frontier Competition Grand Prize.
È stato presentato al
Festival di Sitges in Spagna (premiato con il
Best Documentary Film), al Vancouver International
Film Festival (premiato con lo Spectrum Audience
Award), all’Hamptons International Film
Festival, dove è stato presentato in concorso, al
Philadelphia Film Festival, dove ha ricevuto una
menzione d’onore. In Italia è stato presentato in anteprima nella
fortunata prima edizione del MUBI Fest, che si è
tenuta a Milano dal 13 al 15 dicembre dove, per l’occasione, il
regista Sam Crane è stato ospite del festival. È stato, infine,
inserito nella lista dei candidati al Cinema Eye Honors’
Audience Choice Award.
Il DCU non ha preso forma così rapidamente
come alcuni fan avrebbero voluto, anche se gli scioperi di
Hollywood del 2023 hanno fatto poco per aiutarne il processo.
Superman,
tuttavia, è in fase di post-produzione e le riprese di
Supergirl: Woman of Tomorrow sono appena iniziate nel
Regno Unito.
La seconda stagione di
Peacemaker arriverà anche su Max (e
speriamo anche da noi) e si prevede che le riprese di Lanterns inizieranno
da un mese a questa parte. Quindi, c’è molto da aspettarsi e,
secondo l’insider Daniel Richtman, la
sceneggiatura di Supergirl: Woman of
Tomorrow è “così buona” che il capo dei DC
Studios James Gunn è
ansioso di coinvolgere la scrittrice Ana Nogueira
in più progetti DCU.
Nogueira era
intenzionata a scrivere il film di Supergirl che
avrebbe dovuto scaturire dagli eventi di The
Flash, con Sahsa Calle scelta come
protagonista. Quel progetto è stato scartato, ma è chiaro che sta
impressionando i dirigenti della DC da un po’ di tempo.
Per quanto riguarda Lobo di
Jason Momoa, mentre ci si aspetta che interpreti solo
un piccolo ruolo nel film della Maiden of Might, si dice che la
porta sia disponibile il suo progetto DCU in futuro.
Prime
Video ha rilasciato oggi il trailer ufficiale e le
prime immagini dell’attesissimo film Original britannico È
colpa mia: Londra, che vuole offrire ai fan di tutto il mondo
un emozionante remake inglese di questo film Original basato sul
primo libro della trilogia best-seller di Mercedes Ron,
Culpables(Culpa Mía, Culpa Tuya, Culpa Nuestra)
e dopo il successo globale dello spagnolo È colpa
mia?.
È colpa mia: Londra
debutterà il 13 febbraio 2025 in esclusiva su Prime Video in oltre 240 Paesi e territori nel
mondo, con protagonisti due giovani talenti in piena ascesa come
Asha Banks (Come uccidono le brave ragazze – A
Good Girl’s Guide to Murder) e Matthew Broome (The
Buccaneers), per la regia di Dani Girdwood e Charlotte
Fassler.
La trama di Colpa mia: Londra
Quando la madre di Noah, Ella, si
innamora del ricchissimo William, i due si trasferiscono
dall’America a Londra per vivere con William e suo figlio Nick. Al
suo arrivo, la diciottenne Noah incontra il bad boy Nick e
tra i due nasce un’attrazione immediata. Noah trascorre l’estate
adattandosi alla sua nuova vita, facendosi nuovi amici tra i vari
circoli frequentati da Nick e provando a gestire questa relazione
complicata, mentre i due lottano per tenere a bada l’attrazione che
provano l’uno per l’altra. Noah sarà infine costretta ad affrontare
il proprio devastante passato e ad innamorarsi per la prima
volta.
Il finale di Hereditary –
Le Radici del Male è aperto all’interpretazione e lascia
molte domande aperte sul demone Paimon. In
Hereditary, Annie Graham è un’artista la cui madre è appena
morta e, sebbene il figlio Peter e il marito Steve sembrino per lo
più indifferenti alla sua morte, la figlia di Annie, Charlie,
sembra particolarmente turbata. Questo dà il via a una breve
esplorazione delle peculiari tendenze di Charlie – staccare la
testa a un uccello morto, creare creature anomale con gli scarti –
prima che una serie di eventi apparentemente insignificanti la
porti a una morte prematura.
Da qui, Hereditary sconfina
improvvisamente nel soprannaturale, introducendo sedute spiritiche,
fantasmi e occulto. Tuttavia, sia che gli spettri che sembrano
infestare la loro casa siano reali o solo proiezioni amplificate
del dolore, c’è chiaramente qualcosa di maligno che abita questa
famiglia Graham disperata. Se la conclusione di “Hail, Paimon” di
Hereditary sia particolarmente soddisfacente dipende
dall’interpretazione dell’orrore che il pubblico è propenso a
seguire.
Interpretazione letterale di
Hereditary – Le Radici del Male
Nel finale di Hereditary –
Le Radici del Male, viene rivelato che la madre di Annie
era profondamente coinvolta nell’occulto – in particolare come
devota adoratrice del demone Paimon (“uno degli otto re
dell’Inferno”) – e, secondo la missione del culto, Annie aveva il
compito di aiutare Paimon a manifestare il corpo di un bambino
umano. Aveva tentato di usare Peter come ospite alla sua nascita,
ma Annie era troppo territoriale, inducendo inavvertitamente a
usare Charlie al suo posto.
Tuttavia, dato che si preferiva un
ospite maschio, la morte di Charlie (sia essa casuale, serendipica
o in qualche modo divinamente indotta) andò a vantaggio del culto.
Questo ha portato al trasferimento dell’anima di Paimon nel corpo
di Peter e ha richiesto l’assistenza di un mortale, il che spiega
la presenza della collega Joan (Ann Dowd).
Inoltre, Annie, che aveva fatto del
suo meglio per tenere legata la famiglia fino agli ultimi istanti
del film, viene posseduta a sua volta, non solo contribuendo alla
morte di Peter ma anche alla resurrezione di Paimon. Forse avrebbe
dovuto prevederlo, visto che il simbolo del demone è disseminato in
tutto il film, in particolare sulle collane sue e di sua madre.
Essendo stata ingannata
nell’evocare il demone, Annie viene tristemente privata del suo
titolo di matriarca e si taglia la testa come sacrificio finale per
un bene superiore; il “bene superiore” in questo caso è il male. In
effetti, le decapitazioni ricorrenti in questo film suggeriscono
che la morte di Charlie (per decapitazione) non sia stata poi una
coincidenza, soprattutto se si considera che il simbolo di Paimon è
inciso proprio sul palo del telefono che finisce per staccarle la
testa.
Di conseguenza, Hereditary
riecheggia pesantemente Rosemary’s Baby e Il presagio, con il male
che prevale sul bene. Detto questo, l’interpretazione letterale di
Hereditary è altrettanto potente di quella che si addentra meno nel
soprannaturale che nella salute mentale.
Uno sguardo più approfondito alla
depressione e alle malattie mentali nella famiglia Graham
Sotto l’orrore palese di
Hereditary c’è un’immersione profonda nella salute
mentale. All’inizio del film, quando Annie partecipa a una
sessione di terapia di gruppo per persone che affrontano la perdita
di una persona cara, si apre sulla storia della sua
famiglia con problemi di salute mentale. Non solo suo padre e suo
fratello soffrivano rispettivamente di depressione psicotica e
schizofrenia (entrambe sfociate in suicidio), ma sua madre soffriva
di un disturbo dissociativo dell’identità. Anche le
rappresentazioni più fisiche dell’orrore (ad esempio il fuoco che
esce dalle candele, le apparizioni che appaiono nell’ombra) possono
simboleggiare gli effetti collaterali attribuiti a queste
condizioni di salute mentale.
Alla fine, lo strano finale di
Hereditary – Le Radici del Male è totalmente
aperto all’interpretazione. Annie potrebbe essere
posseduta, oppure i suoi sintomi potrebbero aver superato il punto
di controllo. Peter potrebbe essere talmente terrorizzato
dalle scene a cui assiste in soffitta da essere disposto a fuggire
dalla finestra del terzo piano, oppure i suoi crescenti episodi di
autolesionismo potrebbero essere sfociati nel suicidio.
Inoltre, tutti i membri
della famiglia Graham possono essere interpretati come
rappresentanti dei vari modi in cui le persone affrontano il
lutto. Da questo punto di vista, Annie rappresenta l’ansia
e l’auto-colpevolizzazione/responsabilità ingiustificata. La
tragedia la sovrasta in modo tale che il suo dolore si trasforma in
senso di colpa. Invece di accettare la perdita, si trova in un
perenne stato di “correzione”, non diversamente dal modo in cui si
concentra su tutti i minimi dettagli dei suoi modelli in scala,
Annie non può fare a meno di portare il peso di ogni fallimento,
passo falso e perdita senza permettersi di guarire e lasciarsi
andare.
Peter, invece, rappresenta
l’autolesionismo. Incapace di perdonarsi per un incidente che non
dipende da lui, il suo dolore è più fisico che altro. Che venga
strangolato nel sonno, soffocato dagli insetti o che il suo volto
venga spinto con la forza sulla superficie del banco di scuola,
rompendosi il naso, la forma di dolore di Peter inHereditaryè rappresentata dalla
punizione. A un certo punto, subisce persino gli stessi
sintomi di shock anafilattico che Charlie ha provato pochi istanti
prima di morire, suggerendo che se Charlie ha dovuto soffrire, deve
soffrire anche lui.
Lo Steve distante e
riservato diHereditaryrappresenta i sintomi tradizionali della depressione
maggiore. È chiuso, introverso, irritabile, letargico.
Egli simboleggia un tipo di depressione più silenziosa, un tipo di
dolore che si tiene in disparte e osserva, ma che è comunque
debilitante e corrosivo. In un film così stratificato come
Hereditary, non c’è limite a come il pubblico possa
interpretarlo. Da un lato c’è l’esplorazione della salute mentale,
ma altre impressioni potrebbero facilmente includere una gamma più
ampia di argomenti, come la politica di genere (sacrificare un
ospite femminile per il maschio preferito), il nichilismo, il
perdono o persino il declino dei “valori familiari
tradizionali”.
Il finale di Hereditary è stato
(più o meno) previsto
Per quanto Hereditary – Le
Radici del Malepossa essere sconvolgente,
non tenta affatto di togliere il tappeto da sotto i piedi al suo
pubblico in termini di grande impatto emotivo. Anzi, abbraccia
apertamente il suo atto finale morboso fin dall’inizio – l’unica
condizione è che tutti i suoi dettagli minimi richiedono una
rigorosa attenzione ai particolari.
Nel corso del film, la
classe di inglese del liceo di Peter fa continuamente riferimento
alle tragedie greche, tracciando ovvi paralleli con il trauma
attuale della sua famiglia. In una scena, una citazione di
Sofocle recita: “La punizione porta anche saggezza”. Così,
quando il conflitto dei Graham raggiunge l’inevitabile punto di
ebollizione, gli avvertimenti morbosi sono già stati messi in
evidenza e ogni speranza è stata spazzata via. Questo film assapora
la punizione, non solo per i suoi personaggi ma anche per il suo
pubblico, e il finale di Hereditary sferra a il suo colpo
più spietato.
In un’altra delle lezioni di
inglese del liceo di Peter, il suo insegnante dice (riferendosi ai
personaggi di una storia, ma indirettamente anche a Peter e alla
sua famiglia): “Sono tutti pedine di questa macchina orribile e
senza speranza”. Per quanto invitante possa apparire la luce
alla fine del tunnel, è fugace. Alla fine la luce si spegnerà e il
destino avrà il suo destino.
Hail Paimon: la spiegazione del
demone del film (e perché Ari Aster lo ha scelto)
Re Paimon, uno dei re dell’Inferno
secondo la Piccola Chiave di Salomone, comanda una vasta
legione di demoni e possiede una profonda conoscenza del passato e
del futuro. Rinomato per la sua capacità di insegnare arti
e scienze e di conferire titoli speciali ai suoi seguaci, la
tradizione di Paimon è ricca di complessità e grandezza. La scelta
di Paimon da parte di Aster, come discusso in un
Reddit AMA, è stata dettata dal desiderio di esplorare
territori inesplorati dell’orrore, evitando la rappresentazione
stereotipata del diavolo. Aster ha dichiarato:
“Il diavolo è stato fatto a
pezzi.Paimon è stata la mia opzione preferita, emersa
durante le mie ricerche.Alcuni mi hanno già detto che
Paimon è una “scelta ovvia”.Tutti sono critici, a quanto
pare”.
Questa decisione riflette un
impegno ponderato con le tradizioni demonologiche, con l’obiettivo
di sorprendere e sconvolgere un pubblico forse troppo a suo agio
con i tropi familiari del cinema horror. Il riconoscimento da parte
del regista del fatto che i critici abbiano considerato Paimon una
“scelta ovvia” sottolinea la sfida di bilanciare la novità
con le aspettative del genere. La presenza di Paimon al
posto di una figura demoniaca universalmente riconosciuta come il
DiavoloarricchisceHereditarydi uno strato di
originalità e profondità che lo distingue dai film horror
convenzionali.
Questa scelta non solo dimostra la
dedizione di Aster all’innovazione narrativa, ma amplifica anche i
temi ossessionanti del film, rendendo la presenza di Paimon non
solo un dettaglio, ma una pietra miliare del suo inquietante
fascino. Con Hereditary, Aster riesce a colmare il divario
tra gli elementi tradizionali dell’horror e un nuovo approccio
narrativo, segnando il film come un’entrata di spicco nel genere e
cementando il suo posto negli annali del cinema horror.
Cosa significa il finale di
Hereditary
Hereditary di Ari Aster è
un film incredibilmente complesso con molti temi e strati che a
volte si perdono dietro le immagini scioccanti. Tuttavia, è anche
un film horror il cui finale ha un chiaro messaggio tematico. Il
finale di Hereditary parla del potere trasformativo del
trauma e di come gli eventi peggiori nella vita delle persone
possano ridefinire completamente chi sono.
In particolare, Hereditary
parla del ciclo del dolore all’interno del nucleo familiare e di
come famiglie precedentemente sane possano essere completamente
cambiate da un singolo evento traumatico. Lo ha confermato lo
stesso regista durante un’intervista. Parlando con Vox nel 2018, Aster ha spiegato il significato del
finale di Hereditary e il messaggio che ha cercato di
trasmettere con il suo film horror di successo:
Per me, la metafora funziona
fino in fondo.Alla fine, senza spoilerare nulla, il film
parla ancora di come il trauma possa trasformare completamente una
persona, e non necessariamente in meglio.
Questo è evidente in ogni
personaggio di Hereditary alla fine del film. L’Annie di
Toni Collette porta con sé il trauma della madre e dell’infanzia.
Peter porta con sé il trauma delle azioni di Annie e del suo ruolo
nella morte della sorella minore, Charlie. È con Peter che il
significato di Hereditary diventa più chiaro. La
trasformazione dal trauma e dal dolore è letterale nel senso di
Peter, che diventa Paimon, la posizione originariamente riservata a
Charlie.
Come è stato accolto il finale
di Hereditary
Hereditary è stato un
trionfo sia per lo studio A24 che
per il regista Ari Aster. Le recensioni della critica sono state
quasi universalmente positive, come dimostra il punteggio del 90%
del Tomatometer su Rotten Tomatoes.
Tra i molti aspetti regolarmente elogiati dalla critica, come
l’interpretazione di Toni Collette e il tono visivo creato da Aster
e dal direttore della fotografia Pawel Pogorzelski, c’è stata la
trama complessiva. Il finale di Hereditary ha contribuito
in modo significativo all’elogio della narrazione, e molti lo hanno
definito un finale incredibilmente forte per coronare il terrore a
fuoco lento e i momenti di tensione viscerale che hanno
caratterizzato il resto del film.
Un punto di forza
particolare del finale
diHereditaryper molti
critici è stato il modo in cui le scene finali hanno fatto passare
la storia dal regno dell’inquietantemente concreto a quello
dell’incubo surreale. Per esempio, Matt Zoller Seitz,
scrivendo per Roger
Ebert, ha commentato il modo magistrale in cui il finale di
Hereditary ha chiuso le cose in modo semi-ambiguo, senza
sminuire l’esperienza complessiva della visione:
“L’atto finale del film solleva
domande sulla realtà verificabile di tutto ciò che avete appena
visto, ma sembra appropriato considerando tutta l’attenzione che la
sceneggiatura ha prestato all’idea dell’inspiegabile.Aster,
il suo direttore della fotografia Pawel Pogorzelski, la troupe
della macchina da presa e delle luci e l’intero reparto sonoro
meritano un riconoscimento speciale per aver creato momenti
raccapriccianti così specificamente immaginati che si può davvero
dire di non averli mai vissuti prima”.
Oltre a lodare il finale in
sé, Matt Zoller Seitz e molti altri critici hanno anche citato
l’eccezionale profondità tematica e lo sviluppo dei personaggi
diHereditaryche si
prestano incredibilmente bene ai momenti finali. È stato
un finale soddisfacente, ma non lo sarebbe stato se non fosse stato
per la forza di Aster come regista e per il modo in cui i
personaggi di Hereditary si sono fatti sentire:
“Aster e il cast fanno sì che ci
si preoccupi di queste persone disturbate e si tema ciò che
potrebbero fare gli uni agli altri, a se stessi e agli
estranei.Quando immancabilmente accade qualcosa di
terribile, si prova tristezza oltre che shock, perché ora sarà
ancora più difficile per i Graham uscire dal baratro di tristezza
in cui li ha gettati la morte della nonna e affrontare finalmente i
traumi del passato che hanno ignorato o coperto.
Aster continua a far intendere
che qualcosa di orribile potrebbe accadere da un momento all’altro
(si noti come ogni oggetto appuntito usato per qualsiasi motivo
abbia il suo minaccioso primo piano), ma quando qualcosa di
orribile accade, di solito è molto peggiore di quello che si era
immaginato, non solo per gli incidenti in sé, ma perché
“Hereditary” è un raro film dell’orrore che presta la giusta
attenzione al mondo reale a come gli individui affrontano i
traumi”.
Un altro punto di forza del
finale diHereditaryper
molti critici è stato il fatto che fosse così cupo. Non
c’è una ragazza (o un ragazzo) finale nel film horror di Ari Aster,
e questo si adatta incredibilmente bene alla storia e al suo
messaggio centrale. Questo aspetto è riassunto dal critico Alissa
Wilkinson, che scrive per Vox, nella sua recensione:
“È possibile leggere
Hereditary come un film sulla paura di ereditare la
malattia mentale di un genitore, e anche se questo non è
sicuramente il suo unico punto di vista, aggiunge un ulteriore
livello di paura al film.Ma se, si chiede
Hereditary, fosse tutto sbagliato?E se alla fine
tutti noi soccombessimo al destino scritto nei nostri geni e nelle
nostre stelle?Da quella parte c’è la follia.Ma la
follia, di un certo tipo, è esattamente ciò che Hereditary
cerca.Il film rimane impresso nella mente e rimane come un
grumo nell’anima.Ed è deliziosamente contorto lungo il
percorso.Hereditary ha carne da incubo da vendere
e nessuno, alla fine, riesce a fuggire”.
Nel complesso, Hereditary
del 2018 è il film che ha contribuito a far conoscere Ari Aster
come regista horror. Sebbene ci siano molte scene scioccanti a cui
il regista può attribuire il successo ottenuto con
Hereditary (come il famigerato momento in cui Charlie
viene decapitato), è anche merito del finale. Molte storie sono
valide solo quanto i loro momenti finali e, nel caso di
Hereditary, è il climax a cementarlo come
uno dei migliori film horror del 21° secolo fino ad ora.
Le storie di imprese sportive hanno
sempre un certo fascino, perché ci ricordano di cosa può essere
capace l’essere umano anche – se non soprattutto – quando si trova
a doversi confrontare con mastodontiche difficoltà, che siano
esterne o interne a sé. Film come
Million Dollar Baby, Tonya,
Invictus – L’invincibile o The Blind Side sono solo alcuni dei più brillanti
esempi a riguardo, con il capolavoro del 1976
Rocky quale esempio perfetto di underdog che ribalta i
pronostici e ottiene la propria rivincita. Ed è proprio al film con
Sylvester Stallone che William
Goldenberg si è ispirato per dar vita alla sua opera prima
come regista: Inarrestabile.
Il film, distribuito direttamente su
Prime Video e basato sul libro
Unstoppable: From Underdog to Undefeated: How I Became a
Champion, ci presenta infatti un giovane con il sogno di
diventare un campione di wrestling nonostante la sua condizione
fisica apparentemente inconbiliabile con questo desiderio: la
mancanza di una gamba. Se si considera che quella narrata è una
storia vera, quella di Anthony Robles, ecco che si
comprende di essere davanti ad un film di questo genere con tutte
le caratteristiche per emozionare, intrattenere e ispirare.
D’altronde, a fare da garanti sulla
qualità del progetto ci sono anche i grandi amici-colleghi Matt Damon e BenAffleck. I due si
riuniscono qui in veste di produttori dopo aver realizzato nel 2023
un altro film che in modo tangenziale toccava l’ambito sportivo:
Air – La
storia del grande salto. Non compaiono dunque in scena ma
supervisionano un film che segue passo passo le coordinate di
questa tipologia di racconto, talvolta fin troppo pedissequamente
ma riuscendo a far emergere non solo il desiderio del protagonista
e i tentativi di concretizzarlo quanto anche le ragioni dietro di
esso.
La trama di Inarrestabile: crederci sempre,
mollare mai
La storia è dunque quella di
Anthony Robles (Jharrel Jerome),
giovane nato senza una gamba con la passione per il wrestling,
attività che porta avanti nonostante la sua mancanza. Anzi, proprio
in vista di questa, Anthony si allena il doppio dei suoi coetani e
affronta sforzi maggiori con l’obiettivo di rendere quel suo
“difetto” un vantaggio. Mentre cerca di consolidare la propria
reputazione in questo sport, però, deve anche fare i conti con una
situazione familiare tutt’altro che idilliaca, con la madre
Judy (Jennifer
Lopez), afflitta da problemi economici e da un
compagno violento (Bobby Cannavale).
Storia di una madre e di un figlio in cerca di rivalsa
Partiamo proprio da questi ultimi
dettagli di trama. Inarrestabile ci propone un
racconto che si muove su due binari, che spesso e volentieri si
incrociano tra loro. Il primo è quello degli allenamenti e
dell’attività sportiva di Anthony, mentre il secondo è quello
legato alla sua sfera privata e alle dinamiche famigliari. Queste
ultime hanno un peso molto importante all’interno del film,
fungendo sostanzialmente da motore per la volontà del protagonista
di affermarsi a livello sportivo. Il rapporto con la madre è dunque
il vero cuore di Inarrestabile, che pur
mantenendosi sempre allineato con il punto di vista di Anthony si
configura quasi come un racconto a due voci.
Entrambi sono infatti personaggi in
cerca di un riscatto per qualcosa che gli è stato tolto o per il
modo in cui sono sempre stati trattati dalla società. Degli
underdog, a punto, come afferma lo stesso Robles con il
titolo della sua autobiografia. Ecco allora che si può ritrovare
grande emozione nei loro scambi, grazie in particolare ad una
Jennifer Lopez che rinuncia ai panni da diva
per mettersi a disposizione di questa madre fragile e disposta ad
ogni sacrificio pur di vedere trionfare suo figlio. È dunque nella
costruzione del loro rapporto – più che nella rappresentazione
della disabilità – che il film trova quella chiave per garantirsi –
o perlomeno provarci – l’attenzione dello spettatore.
Inarrestabile trova la propria forza nei suoi
protagonisti
Come si diceva,
Inarrestabile non riesce ad evitare – forse anche
volutamente, per non andare su territori incerti – tutta una serie
di prevedibili tappe e stereotipi. Cosa che a suo modo impedisce al
film di avvalersi di elementi degni di nota che gli permettano di
essere ricordato, pur riuscendo a regalare più di qualche emozione
durante la visione, cosa che per certi versi può bastare. Sono però
diversi gli sprechi all’interno del film, dai grandi attori qui
sottoutilizzati, come avviene per Don Cheadle nel ruolo dell’allenatore di
Anthony, ad una serie di imput narrativi poi non sviluppati.
Inoltre, bisogna anche tener
presente che il tipo di wrestling praticato da Anthony non è fonte
di particolare spettacolo, svolgendosi quasi del tutto al suolo e
basandosi su prese e sottomissioni. Per questo motivo, quando il
film si concentra sull’animo dei due protagonisti – dove oltre a
Lopez spicca anche un valido Jharrel Jerome
(attore visto in Moonlight e
voce originale di Miles Morales in
Spider-Man: Un nuovo universo e i suoi sequel) – trova
terreno solido per giungere al suo finale e regalare una visione
che, senza dubbio, motiva a non arrendersi davanti alle
difficoltà.
Sebbene sia probabilmente uno dei
segreti peggio custoditi nella storia dei film sui supereroi, di
recente abbiamo avuto la conferma che “Bob” di Lewis
Pullman indosserà davvero il costume di Sentry in Thunderbolts* dei
Marvel Studios, al cinema più avanti
quest’anno.
Il primo trailer mostrava Bob solo
in abiti civili, ma più fonti hanno confermato che Pullman
indosserà un costume a un certo punto del film, e un primo sguardo
a parte della tuta potrebbe essere trapelato online. Clicca qui per dare
un’occhiata.
L’immagine rivela solo la fibbia
della cintura (che è apparsa in alcune recenti illustrazioni
promozionali), ma ci offre anche un primo sguardo alla tuta, che ha
la stessa combinazione di colori nero/blu navy e oro del costume
del personaggio nei fumetti. È reale? È difficile dirlo. Sarebbe
abbastanza facile falsificare un’immagine come questa, ma in
passato abbiamo visto illustrazioni promozionali ritagliate in modo
simile che si sono rivelate vere. L’immagine corrisponde a una
descrizione recente dell’intero completo (tramite
MTTSH).
“Il materiale ha una lucentezza
metallica. Le caratteristiche principali dell’abito includono un
colletto e un torace: un colletto alto e nero contrasta con l’oro
dell’abito, estendendosi in accenti neri attorno alle spalle e alla
parte superiore del torace. La cintura ha una grande fibbia
circolare con un design a “S” in rilievo in oro e nero. L’abito
dorato si estende lungo le gambe, con ginocchia e parastinchi neri
rinforzati che si fondono perfettamente con gli stivali
neri.”
Tutto quello che c’è da sapere su Thunderbolts*
Diretto da Jake
Schreier (Paper Towns), il cast di Thunderbolts*
comprende Sebastian Stan nel ruolo di Bucky Barnes,
Hannah John-Kamen nel ruolo di Ava Starr alias
Ghost, Wyatt Russell nel ruolo di John Walker,
David Harbour nel ruolo di Alexei Shostakov
alias Red Guardian, Olga Kurylenko nel ruolo di Antonia Dreykov
alias Taskmaster, Harrison Ford nel ruolo del Generale Thaddeus
‘Thunderbolt’ Ross e Lewis Pullman nel ruolo di
Bob alias Sentry.
Florence Pugh riprende il ruolo di Yelena
Belova, sorella di Vedova Nera (e una delle parti migliori della
serie MarvelDisney+ Occhio di Falco). Inoltre, Julia
Louis-Dreyfus interpreta Valentina Allegra de Fontaine,
con Geraldine Viswanathan nei panni di Mel, la sua assistente (che
sostituisce una Ayo Edebri estremamente impegnata e piena di
impegni).
Lo sceneggiatore di Black
WidoweThor:
Ragnarok Eric Pearson si unisce agli sceneggiatori di
Beef Lee Sung Jin e Joanna Calo. Un trailer è stato mostrato a
porte chiuse al San Diego Comic-Con. Thunderbolts*
arriverà nelle sale il 5 maggio 2025, in ritardo
rispetto alla precedente data di uscita del 20 dicembre 2024 a
causa degli scioperi della WGA e della SAG-AFTRA. Nel frattempo,
restate aggiornati sul MCU con la nostra
guida alla storia della Fase 5 della Marvel e con uno
sguardo a ciò che deve ancora venire nella Fase 6 della Marvel.
Le prime immagini di Until
Dawn: Fino all’alba, il nuovo horror prodotto da Sony
Pictures. Il film è diretto da David F. Sandberg
(Annabelle 2: Creation, Shazam!,
Shazam! Furia degli dei) e scritto da Blair
Butler (The Ceremony – Invito mortale) e Gary
Dauberman (Annabelle, Annabelle 2: Creation, The
Nun – La vocazione del male, Annabelle 3, It e
It – Capitolo due) ed è tratto dal
videogioco di PlayStation Studios.
Nel cast ci sono Ella
Rubin (Anora), Michael Cimino (Annabelle
3, Love, Victor), Odessa A’zion (Hellraiser),
Ji-young Yoo (Freaky Tales), Belmont
Cameli (Ti giro intorno), Maia Mitchell
(Una torta per l’uomo giusto) e Peter Stormare
(Constantine, Educazione siberiana, John Wick – Capitolo 2).
Until Dawn: Fino all’alba sarà nelle sale italiane
dal 24 aprile prodotto da Sony Pictures e distribuito da Eagle
Pictures.
La trama di Until Dawn: Fino all’alba
Un anno dopo la misteriosa
sparizione di sua sorella Melanie, Clover e i suoi amici si recano
nella remota valle in cui è scomparsa, in cerca di risposte.
Esplorando un centro visitatori abbandonato, i ragazzi sono
inseguiti da un assassino mascherato e orribilmente uccisi uno dopo
l’altro… per poi svegliarsi e ritrovarsi all’inizio della stessa
notte. Intrappolati nella valle, sono costretti a rivivere l’incubo
ripetutamente ma ogni volta la minaccia dell’assassino è diversa,
ciascuna più terrificante della precedente. La speranza diminuisce
quando il gruppo si rende conto di poter morire per un numero
limitato di volte e che l’unico modo per fuggire è sopravvivere
fino all’alba.
ATTENZIONE – Questo articolo
contiene Spoiler sul finale della seconda stagione di XO,
Kitty
XO, Kitty Stagione 2 è stata un turbine di emozioni e
drammi! Stranamente, Kitty ci dice esplicitamente all’inizio della
stagione che vuole un anno senza drammi, ma le cose non vanno
proprio come lei aveva previsto! La Stagione 2 è principalmente
incentrata sulla trama di Stella, una nuova aggiunta al cast.
Abbiamo scoperto all’inizio della stagione che sta cercando
vendetta contro il padre di Min Ho, Moon. Da giovane, Stella si è
esibita al “Moons Music Talent Show”. Eppure è stata respinta,
sconvolta e arrabbiata. Così ha deciso di meditare vendetta.
Alla fine di XO, Kitty
Stagione 2, Episodio 8, ci troviamo di fronte a una
risoluzione semplice e sconfortante del piano di Stella, ma solo
perché questa parte del finale non ha offerto le emozioni che ci si
aspettava non significa che l’intero episodio sia da buttare. Anzi,
un punto molto importante da cui partire sono i temi che questo
episodio racconta.
Il tema della famiglia e della casa
nel finale di XO, Kitty Stagione 2
Stella crede di avere informazioni
compromettenti su Joon Ho, il famoso fratello cantante pop di Min
Ho, scopre che ha dormito con una delle sue ballerine di supporto e
che lei è incinta. Moon non vuole trasmettere questa informazione
al mondo per paura che possa rovinare l’azienda di famiglia, ma è
proprio quello che vuole fare lei. Tuttavia, Joon Ho dice a suo
padre che è innamorato della ballerina e vuole sposarla ed essere
lì per suo figlio.
Kitty condivide l’idea che Joon Ho
dovrebbe fare un annuncio al mondo riguardo alla donna di cui è
innamorato, e così il grimaldello di Stella diventa inutile.
Moon si scusa perché ora si rende conto che la famiglia è più
importante del suo lavoro. Chiede a Stella di tornare a casa e la
accompagna su un aereo.
Il punto è che Moon potrebbe lasciar
andare le sue paure e i suoi desideri di fama e fortuna e accettare
la decisione di suo figlio anche se gli sarebbe costato tutto, cosa
che non sembra essere accaduta. Ma forse la terza stagione offrirà
una via di fuga da questo empasse. Moon fa un sacrificio
per la famiglia e questo gli vale un rapporto migliore con suo
figlio.
Per quanto riguarda Kitty, invece,
il finale della seconda stagione comincia con lei che racconta al
pubblico come si sente ad avere una famiglia e si sente a casa.
Casa è e non è un luogo. La famiglia è ma non si limita a
essere un legame di sangue. Kitty ha una casa con la sua
famiglia, una casa con i suoi amici, una casa a Seoul e una casa
con i ricordi di sua madre. È davvero un tema importante e fa
emergere sentimenti di desiderio di avere la stessa cosa nella
propria vita.
Il bene prevale sempre sul male in
XO, Kitty Stagione 2
Un ulteriore punto della trama di
Stella è che il bene prevarrà sempre. Se metti
bontà e gentilezza nel mondo, sarai ricompensato e i tuoi sforzi
saranno premiati. Ciò è dimostrato dalla sconfitta di Stella.
La serie ci racconte che quando
affrontiamo qualsiasi problema della vita agendo con malizia,
vendetta o dolore, non può nascere nulla di buono. L’oscurità
spegne la luce e tutto ciò che rimane è il vuoto. Quindi, quando il
piano di Kitty si concentra su amore, famiglia e bontà, non c’è da
stupirsi che abbia successo.
Tuttavia, i momenti finali
della Stagione 2 sono i più frustranti. La storia finisce
nello stesso punto in cui abbiamo lasciato la Stagione
1, con la domanda aperta su cosa succederà tra Kitty e
Min Ho, che tutti pensavano destinati l’uno all’altra.
Gli autori ci guidano lungo il
viaggio di Kitty che parla con Q di cosa prova per Min Ho. Q
convince Kitty ad andare a dirglielo! E mentre gli spettatori sono
eccitati all’idea che finalemnte i due si confesseranno il
reciproco amore, Min Ho le dice che andrà in viaggio con suo padre
e suo fratello. Quindi Kitty si trattiene dall’esprimere i suoi
sentimenti… Ma poi, per fortuna, all’ultimo secondo, chiede a Min
Ho se può unirsi a loro.
Ci sarà un’altra stagione in cui
vedremo finalmente Min Ho e Kitty insieme?
Gli autori e i produttori di questo
show hanno concluso la seconda stagione con temi prevalentemente
tradizionali (Joon Ho chiede alla sua compagna, che aspetta un
bambino, di sposarlo). Ancora più interessante, Kitty è confusa
sulla sua sessualità, ma si è ritrovata concentrata di nuovo su Min
Ho. Entrambe le scelte di trama si configurano all’interno della
tradizione dei k-drama che si confermano un punto fortissimo
dell’intrattenimento occidentale.
ATTENZIONE – L’articolo
contiene spoiler su Castlevania: Nocturne. I fan del
franchise di Castlevania possono finalmente godere della
seconda stagione: Castlevania: Nocturne. La
prima stagione si è concentrata maggiormente su Richter che porta
avanti l’eredità dei Belmont in Francia. Aveva bisogno di aiuto per
fermare il “messia vampiro”, alias Erzsebet Báthory. La sua squadra
ha impedito la notte eterna che lei ha cercato di evocare.
Tuttavia, ha ancora vampiri e Creature della Notte pronti a
conquistare la Francia e a saccheggiare l’Europa. Fortunatamente,
Richter ha un fattore x che sposta un po’ la
guerra: il dhampir, Alucard. Il figlio di Dracula
è arrivato per guidare la carica, sapendo che la legione di
Erzsebet sta diventando più forte di minuto in minuto. La vicenda
si sviluppa verso un finale travolgente che mostra il valore del
lavoro di squadra, così come della redenzione, in questa guerra
orribile.
Castlevania: Nocturne trasforma
Drolta in una traditrice
Drolta uccide Erzsebet per prendere
il potere di Sekhmet
La seconda stagione di
questo anime Netflix
rivela di più sulla storia passata di Drolta in Egitto. Era una
serva e sacerdotessa fedele alla dea Sekhmet. Ma dopo che degli
uomini tossici hanno ucciso i membri del suo culto, ha assassinato
un vampiro e ne ha assorbito il sangue per diventare sovrumana. Poi
ha cercato il corpo di Sekhmet per trovare un contenitore degno di
reincarnazione.
Molti corpi ospiti non sono riusciti
a integrarsi con il sangue di Sekhmet che era stato conservato,
tranne Erzsebet. Drolta l’ha trovata e l’ha trasformata da serial
killer in questa Prescelta. È stata l’unica ad essere potenziata
dal sangue, al punto che pensava di essere Sekhmet. Nella
seconda stagione, Drolta viene riportata in vita come Creatura
della Notte da Erzsebet e individua il corpo mummificato di Sekhmet
per rendere Erzsebet intera.
Ahimè, una Annette potenziata usa la
sua magia per estrarre i frammenti dell’anima di Sekhmet da
Erzsebet. Drolta piomba e porta via la sua alleata, ma è arrabbiata
perché Erzsebet ha fallito. Certo, è ingiusto e frettoloso, dato
che ha trasformato Erzsebet in un’arma e l’ha fatta illuminare a
gas. Per non parlare del fatto che è ingrata perché Erzsebet
l’amava come una madre. Drolta assorbe il potere di Erzsebet e
lascia cadere il suo cadavere a terra. Ora abbraccia quel poco che
resta dell’essenza di Sekhmet.
Castlevania: Nocturne salva l’anima
di Annette
Annette torna dal Duat dopo aver
aiutato Sekhmet
Il motivo per cui Annette
può estrarre i frammenti dell’anima è dovuto al fatto che è entrata
nel regno degli spiriti in Castlevania: Nocturne.
Attinge al suo piano ancestrale per trovare la parte buona
dell’anima di Sekhmet. Le due parti precedenti, “ka” e “ba”, sono
state corrotte e inserite in Erzsebet. Lo spirito di Annette si
dirige verso un tempio nell’aldilà e trova “akh”, che è il lato
chiaro. Ma questo lato si arrabbia e possiede il corpo di Annette
nel mondo reale. Punisce Erzsebet e poi Drolta per aver calunniato
il suo nome.
Sekhmet era una volta una dea
giusta, quindi odia che Drolta sia diventata questo abominio che ha
usato il suo nome per il genocidio. Sekhmet assorbe la sua energia
residua da Drolta, ma brucia gravemente la spoglia mortale di
Annette. Richter intuisce che non sarà in grado di contenere questo
potere al punto che persino Alucard ammette che dovranno lasciarla
morire. Annette vorrebbe questo sacrificio, però, perché sarebbe
per il bene superiore.
Fortunatamente, Annette sconfigge la
bestia che la imprigiona nell’aldilà di Sekmet nel Duat egiziano
(visto in Moon Knight della Marvel). I tre frammenti dell’anima
ritornano, consentendo ad Annette di provare a tornare indietro
attraverso il portale. Fortunatamente, i suoi antenati e gli dei
Orisha la aiutano. Ogun la butta a casa e sua madre (morta
combattendo il razzismo e i mostri nei Caraibi come schiava) la
aiuta a scortarla indietro. L’amore di Richter è l’ultima cosa che
la riporta alla realtà. Richter è grato di riavere la donna che ama
e alla fine recita dell’Ave Maria per riscattare il simbolo di
Sekhmet.
Castlevania: Nocturne scatena
finalmente il lato spaventoso di Richter Belmont
Richter usa Olrox e Alucard per
uccidere Drolta
Per un po’ di tempo, i
fan hanno voluto vedere scatenata la magia completa di Richter
Belmont. Ha lottato mentalmente nella
prima stagione di Castlevania: Nocturne. Aveva
dubbi su se stesso, inoltre viveva con la paura e il trauma di
Olrox che si trasformava in un drago e uccideva sua madre anni
prima. Ma ha ritrovato la sua anima gemella. Proteggerla lo spinge
e alimenta la sua magia. Richter lavora con Alucard per colpire la
forma indebolita di Drolta.
Sorprendentemente, Olrox arriva per
dare una mano. Odia il modo in cui i vampiri hanno causato così
tanto scompiglio, quindi vuole completare la sua espiazione. È
innamorato di Mizrak (un ex membro della setta che ha contribuito a
creare le Creature della Notte), quindi vuole fare un’inversione a
U come ha fatto Mizrak. Brucia Drolta, consentendo a Richter di
sfruttare gli elementi e creare una spada soprannaturale usando la
lama di Alucard.
Richter si dimostra fulmineo,
invulnerabile e divino mentre uccide il cattivo una volta per
tutte. È grato per l’assistenza, ma avverte Olrox che un giorno
vendicherà sua madre. Olrox se ne va, accettando che sia un accordo
equo poiché non può annullare i suoi peccati in questo caso
particolare.
Castlevania: Nocturne abbraccia il
romanticismo e i finali sentiti
Olrox e Mizrak si innamorano mentre
Annette e Richter diventano una coppia
L’episodio finale
di Castlevania: Nocturne Stagione 2 termina con Annette
che torna alla sua colonia a Saint-Domingue. Ha con sé il suo
amico, Edouard. Chiarisce che la loro società lo accetterà
nonostante sia una Creatura della Notte. Ha mantenuto la sua
umanità e può diventare un guardiano per il loro popolo. Richter va
con loro, intraprendendo finalmente una relazione con Annette.
L’amore può guarirlo mentalmente e
fisicamente. Quanto ad Alucard, il dhampir è
ispirato dagli umani che hanno combattuto i vampiri, quindi vuole
continuare a salvaguardare l’Europa. Anche Juste ha recuperato la
sua magia, quindi ora farà da mentore alla giovane Maria. Ultimo ma
non meno importante, Olrox trasforma Mizrak in un vampiro per
salvarlo da una ferita mortale. Olrox lo ha desiderato ardentemente
per così tanto tempo, il che ha portato Olrox ad abbandonare
l’esercito di Drolta. Mizrak sapeva che c’era un brav’uomo sotto
quel guscio da vampiro.
Alla fine, Olrox ha abbracciato la
sua umanità. Ha ricordato come i conquistadores spagnoli hanno
razziato la sua tribù azteca, ucciso e saccheggiato, e lo hanno
lasciato a un vampiro per trasformarlo. Può lasciar andare
quell’angoscia e quella lealtà che aveva nei confronti del culto.
Non sono come lui. Mizrak rappresenta le persone che avrebbe dovuto
difendere. Ora, questo non assolve Olrox dai suoi crimini passati e
da come si è nutrito di umani. Ma fa molta strada. Mizrak si è
opposto alla tirannia, quindi Olrox vuole ricompensarlo in un arco
narrativo che mescola affari e piacere. È riconoscibile, per usare
un eufemismo.
Ora possono cercare l’amore come
immortali, mostrando la dualità della serie. Il vampirismo
può essere una maledizione e una piaga una volta che entrano nella
loro modalità rabbiosa e animalesca. Ma a volte,
può essere una condizione per tragedie oscure, poetiche e gotiche
in cui le persone vogliono solo il romanticismo. In
sostanza, questi giochi e persino l’anime precursore di
Castlevania erano storie d’amore. In Castlevania,
Dracula combatte per riportare indietro la sua amata Lisa, e Trevor
Belmont e Sypha Belnades alla fine diventano una coppia. La guerra
fa versare sangue, ma può anche unire le persone in archi
sentimentali.
Castlevania: Nocturne prepara una
terza stagione più oscura
La natura vendicativa di Maria e
Tera potrebbe diventare un punto focale
Ora, ci sono degli
archi narrativi diretti per la terza stagione di
Castlevania: Nocturne. Richter, Annette ed Edouard
potrebbero dare la caccia a nuovi mostri o affrontare la
costernazione quando torneranno a Saint-Domingue. La società
potrebbe non apprezzare i guai che portano o l’aspetto di Edouard.
In secondo luogo, Maria ha un lato oscuro. Juste e Alucard lo
sanno. Odia il modo in cui suo padre, il malvagio Abbott, ha creato
le Creature della Notte per rifare il mondo secondo un ordine
distorto.
Lo uccide usando una creatura
dell’Altro Mondo. Di conseguenza, Maria vuole uccidere tutti i
vampiri per aver maledetto la sua famiglia, quindi i suoi mentori
dovranno moderare la sua rabbia, poiché questi mostri quasi
inarrestabili a volte non la ascoltano. Maria potrebbe anche andare
contro Olrox e Mizrak, scatenando una specie di mini-guerra civile,
mentre combattono con la sua gente. Alucard sta già monitorando la
sua evoluzione, sospettoso se stanno creando un’arma bigotta di
distruzione di massa.
Infine, Tera (la madre di Maria) è
una vampira. Ha offerto la sua vita in schiavitù per salvare la
ragazza dall’essere mangiata da Erzsebet. Tuttavia, Tera ha
problemi suoi dopo essere fuggita da Parigi e essersi nascosta. Ha
la sua sete di sangue con cui fare i conti. Dovrà stare attenta a
come si nutre e di chi si nutre.
Oltre a ciò, Tera ha un cuore d’oro,
quindi è facile vederla proteggere innocenti vampiri e Creature
della Notte che non hanno mai chiesto di essere convertite. Questo
la prepara ad affrontare sua figlia. Tera ha i poteri mistici di un
Oratore, il che suggerisce che una volta che Maria sbloccherà il
suo pieno potenziale, sarà piuttosto esplosivo. Questo può
finalmente permettere ai fan di saperne di più sulla magia degli
Speaker dell’anime, qualcosa su cui il materiale originale diceva
poco.
Il bello è che la versione della
serie del Grim Reaper, o “Old Man Coyote”, come lo chiama Olrox,
sembra manipolare il duo madre-figlia. Olrox ha cercato di
dissiparlo, pensando che lo stesse prendendo di mira. Ma sembra che
si stia concentrando su Tera. Il modo in cui la sua forma oscura e
invisibile sta dietro di lei, sorridendo mentre guarda i
simpatizzanti dei vampiri essere uccisi, è molto evidente che ha
grandi progetti per la maga. Questo crea una forza della natura e
un cattivo inquietante con un potere enorme per il futuro.
Inizieranno nel mese di maggio in
Francia le riprese di Cambiare l’acqua ai
fiori, il film tratto dal romanzo
bestseller di Valérie Perrin diventato un
successo mondiale con oltre due milioni di copie vendute tra
Francia e Italia, tradotto in ventotto lingue, vincitore del Prix
Maison de la Presse e del Prix des Lecteurs du Livre de Poche
e pubblicato in Italia da Edizioni e/o.
A dirigere l’adattamento
cinematografico di uno dei romanzi più iconici e amati degli ultimi
anni, il regista Jean-Pierre Jeunet (Il
favoloso mondo di Amélie,
Una lunga domenica di passioni), mentre a
interpretare il ruolo della protagonista Violette Toussaint ci sarà
l’attrice Leïla Bekhti, vincitrice nel 2011 del
César Award come miglior promessa femminile.
Cambiare l’acqua ai fiori è una
produzione Palomar, con la francese 24 25 Films, entrambe società
del Gruppo Mediawan. Un film coprodotto e distribuito da
StudioCanal, con il supporto di Canal+ e Netflix.
La trama del romanzo Cambiare
l’acqua ai fiori
Violette Toussaint è la
guardiana di un cimitero. Passanti e clienti abituali vanno a
riscaldarsi nella sua casa, dove risate e lacrime si mescolano tra
una tazza di caffè e l’altra. La sua routine quotidiana è scandita
dalle loro confidenze. Un giorno, un uomo bussa alla sua porta. Si
chiama Julien Seul ed è un commissario di polizia che ha delle
domande su una coppia che riposa nel cimitero. La sua indagine ha
inizio e i legami tra i vivi e i morti vengono alla luce, e alcune
anime che si pensavano oscure si rivelano luminose.
Skeleton Crew, l’ultima serie live-action di
Star
Wars della Lucasfilm ha concluso la
sua prima stagione con un episodio emozionante, che ha finalmente
rivelato la storia passata del pirata sensibile alla Forza noto
come Jod Na Nawood, alias Capitano Silvo, alias
Crimson Jack (Jude
Law).
Attenzione, seguono spoiler su
Skeleton Crew
“The Real Good
Guys” riprende subito dopo gli eventi dell’episodio della
scorsa settimana, con Jod che accende la sua spada laser mentre si
avvicina ai nostri giovani eroi e ai loro genitori. No, non aveva
intenzione di rievocare la serie di omicidi del giovane Anakin
Skywalker da La vendetta dei Sith, e stava
semplicemente usando l’arma per convincere i droidi custodi di At
Attin che è un emissario della Repubblica e uno Jedi. Nonostante la
sua strana richiesta che i bambini siano confinati nei loro
alloggi, gli adulti credono alla sua storia, ma Nawood non è così
fortunato con il misterioso Supervisore.
Si è ipotizzato che il Supervisore
(doppiato da Stephen Fry) potesse essere Tak
Rennod, il famigerato pirata e capitano originale dell’Onyx Cinder,
ma in realtà si rivela essere un enorme droide (chiaramente
influenzato dall’iconico HAL 9000 di 2001: Odissea nello
spazio). Quando il Supervisore smaschera Jod e la sua
bugia di essere uno Jedi, il pirata affonda la sua spada laser
proprio nell’occhio del droide, recidendo la sua connessione con At
Attin e rendendo il pianeta completamente impotente.
Ciò consente a Jod Na Nawood di
contattare la sua nave e ordinare agli altri pirati di iniziare
l’invasione, ma dà anche ai ragazzi l’opportunità di cercare aiuto
fuori dal pianeta inviando un messaggio a Kh’ymm, l’alieno simile a
un gatto/gufo che abbiamo incontrato nell’episodio 3.
Dopo un teso inseguimento in
speeder-bike per le strade, Wim e suo padre riescono a
ripristinare la corrente, lasciando KB a pilotare la Cinder fuori
dall’atmosfera e chiamare gli X-Wing, con un piccolo aiuto da
SM-33, che è ancora operativo dopo aver perso la testa
nell’episodio precedente.
Purtroppo, KB è costretta a un
atterraggio di fortuna, con i suoi amici devastati che temono il
peggio. Anche Jod è costernato, e insiste sul fatto che non avrebbe
mai voluto “che tutto questo accadesse”. Nawood potrebbe essere al
di là di ogni redenzione (non importa cosa affermi, stava
essenzialmente pianificando di schiavizzare la popolazione di At
Attin dopo aver minacciato di massacrare i genitori dei bambini se
non avessero collaborato), ma otteniamo un quadro più chiaro del
perché è diventato come è diventato quando condivide la sua tragica
storia passata con Wim.
Il passato di Jod
Na Nawood
Jod non era in realtà uno Jedi… o
almeno, non ha mai avuto la possibilità di esserlo. Nawood spiega
che era un bambino affamato e indigente finché uno Jedi non lo
trovò e gli insegnò le vie della Forza. Jod dice che ha trascorso
abbastanza tempo con lei per imparare qualche trucco, ma il
Cavaliere Jedi senza nome è stato alla fine rintracciato e ucciso
proprio di fronte a lui, presumibilmente durante la Purga
dell’Ordine 66.
Per quanto spietato possa essere,
Jod alla fine si dimostra riluttante a oltrepassare il limite del
fare del male ai bambini (o ai loro genitori), gettando a terra il
suo blaster per evitare ulteriori conflitti quando la barriera
viene disattivata e Wim prende il controllo della spada laser.
Mentre le navi della Nuova
Repubblica arrivano (B-Wings!), Wim fa cenno a Nawood di lasciare
la torre con loro, ma lui sceglie di restare e guardare la fregata
cadere dal cielo dopo aver prima lanciato ai suoi ex compagni di
equipaggio quello che potrebbe essere considerato uno sguardo di
approvazione.
Il destino di Jod non viene
mostrato, ma il suo cambio di espressione appena prima della fine
suggerisce che potrebbe aver individuato una via di fuga. Wim, Fern
e Neel corrono sul luogo dell’incidente dell’Onyx Cider e si
riuniscono a KB e 33 (non pensavi che fossero davvero morti,
vero?), e la stagione si conclude con un Wim determinato che guarda
attraverso il tetto distrutto mentre arriva la Nuova
Repubblica.
Insieme alle altre serie
NetflixMarvelJessica
Jones, Iron Fist, Punisher, Defenders e l’originale
Daredevil, Luke Cage era
tecnicamente ambientato nel Marvel Cinematic Universe al
momento della sua uscita, ma in seguito abbiamo scoperto che Kevin
Feige non era mai stato del tutto d’accordo con l’integrazione di
questi progetti nell’MCU vero e proprio, e l’avvento di
Marvel Television e del servizio di
streaming Disney+ suggeriva che gli show non
facessero ufficialmente parte dell’Universo 616 principale, o
almeno così pensavamo.
Poi, Matt Murdock (Charlie
Cox) e Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio)
sono apparsi in progetti cinematografici e televisivi dell’MCU, con Frank Castle (Jon
Bernthal) pronto a debuttare in Rinascita. Si è parlato di
Jessica Jones (Krysten Ritter) che sarebbe stata
(re)introdotta in futuro, ma non abbiamo sentito nulla su Danny
Rand (Finn Jones) o Luke Cage (Mike
Colter).
Ora, i fan con l’occhio d’aquila
hanno notato che un cartellone pubblicitario per Harlem’s Paradise può essere visto circa 28 secondi dopo
l’inizio del trailer durante un raduno di Capodanno a Times Square,
dove il sindaco Fisk si rivolge alla folla. “Harlem’s Paradise
è il luogo in cui hip-hop, funk, jazz e rock and roll tornano tutti
alla nave madre. È una festa, gente.” Questo club è stato un
luogo chiave nelle due stagioni di Luke Cage come
base operativa per la famiglia criminale Stokes. Nell’episodio
finale della serie, la proprietà dell’Harlem’s Paradise era passata
a Cage dopo la morte di Mariah Dillard.
“Harlem’s Paradise è il luogo in cui hip-hop, funk, jazz e rock and
roll tornano tutti alla nave madre. È una festa, gente.” Screen dal
trailer di Daredevil: Rinascita.
Questo cartellone pubblicitario
potrebbe essere stato semplicemente incluso come Easter egg e non
significa necessariamente che Colter riprenderà il ruolo, ma
sembrerebbe confermare che il Power Man è là fuori, da qualche
parte!
In Daredevil:
Rinascita, Matt Murdock (Charlie
Cox), un avvocato non vedente con abilità potenziate,
combatte per la giustizia attraverso il suo frenetico studio
legale, mentre l’ex boss della mafia Wilson Fisk (Vincent
D’Onofrio) persegue i suoi impegni politici a New
York. Quando le loro identità passate iniziano a emergere, i due
uomini si trovano in un’inevitabile rotta di collisione.
Il cast di Daredevil: Rinascita
La serie è interpretata da
Charlie Cox,
Vincent D’Onofrio, Margarita Levieva, Deborah Ann
Woll, Elden Henson, Wilson Bethel, Zabryna Guevara, Nikki M. James,
Genneya Walton, Arty Froushan, Clark Johnson, Michael Gandolfini,
con Ayelet Zurer e Jon Bernthal. Dario Scardapane è lo showrunner.
Gli episodi sono diretti da Justin Benson & Aaron Moorhead, Michael
Cuesta, Jeffrey Nachmanoff e David Boyd; gli executive producers
sono Kevin Feige, Louis D’Esposito, Brad Winderbaum, Sana Amanat,
Chris Gary, Dario Scardapane, Matt Corman & Chris Ord e Justin
Benson & Aaron Moorhead.
Matt Murdock e Wilson
Fisk si affrontano ancora una volta nella nuova serie
Marvel Television Daredevil:
Rinascita, che in Italia debutterà il 5
marzo alle ore 3:00 del mattino (ora italiana) su Disney+.
All’inizio di questa settimana è stato segnalato che le riprese
di Supergirl: Woman of
Tomorrow sono cominciate nel Regno Unito e ciò è stato
confermato oggi in un post Instagram (ora cancellato) dello
sceneggiatore di fumetti Tom King.
King ha scritto la serie su cui si
basa questo film e, sui social media, ha scritto: “Mentre
iniziano le riprese di Supergirl Woman of Tomorrow, ecco la
copertina senza lettere del numero 1. Penso che la prima immagine
tratta dal libro sia quella del genio [Bilquis Evely]. L’ha
centrato subito”.
Ci auguriamo che venga condiviso un
primo sguardo ufficiale al ritorno della Maiden of
Might sul grande schermo da un giorno all’altro.
Sfortunatamente, sembra improbabile che otterremo molte foto dal
set dal momento che la maggior parte dell’azione ambientata nello
spazio e quindi ci saranno un sacco di interni con il green
screen.
King, uno degli scrittori di
Lanterns di Max, ha probabilmente fatto da
consulente per Supergirl: Woman of Tomorrow. In
una recente intervista con CBM, ha
rivelato la sua eccitazione nel vedere il cast del film riunirsi.
“È stato surreale, amico. È stato surreale [Ride]. Sì, la cosa
di Supergirl che si è unita.”“L’ho appena pubblicato su
Instagram, ma il personaggio principale prende il nome dalla mia
nipotina, Ruthye, quindi andare da lei e dirle: “Farai un film” e
vedere il suo viso illuminarsi… è una delle gioie della mia vita. È
emozionante”, ha aggiunto King.
Cosa sappiamo di Supergirl: Woman
of Tomorrow?
Supergirl: Woman of Tomorrow sarà il secondo film
DCU dei DC Studios e sarà diretto dal regista di
Curdelia Craig Gillespie. Ana
Nogueira (The Vampire Diaries) ha scritto la sceneggiatura
dopo essere stata inizialmente assunta per scrivere il film di
Supergirl con Sasha Calle di
Flash.
Nel film, Supergirl
viaggia attraverso la galassia per festeggiare il suo 21°
compleanno con Krypto il Supercane. Lungo la strada, incontra una
giovane donna di nome Ruthye e finisce per intraprendere una
ricerca omicida di vendetta. Il cast include Milly Alcock nel ruolo di Supergirl,
Eve Ridley nel ruolo di Ruthye Marye Knoll,
Matthias Schoenaerts nel ruolo di Krem delle Colline
Gialle e
Jason Momoa nel ruolo di Lobo.
Quando Supergirl: Woman of
Tomorrow fu annunciato per la prima volta, Gunn disse:
“Vediamo la differenza tra Superman che è stato mandato sulla
Terra e cresciuto da genitori amorevoli fin da quando era un
neonato, rispetto a Supergirl che è stata cresciuta su una roccia,
un frammento di Krypton, e ha visto tutti intorno a lei morire ed
essere uccisi in modi terribili per i primi 14 anni della sua vita,
e poi è arrivata sulla Terra quando era una ragazzina”. “È molto
più hardcore, non è esattamente la Supergirl che siamo abituati a
vedere”, ha concluso.
James
Gunn e Peter Safran hanno annunciato il reboot di
Supergirl durante la giornata stampa dello studio nel gennaio dello
scorso anno, quando è stato rivelato lo slate del DCU “Gods
and Monsters“. Il progetto sarà basato almeno in parte
sull’omonima serie di fumetti di King del 2022.
Black Panther è
stato un argomento caldo per tutta la settimana. Il franchise sta
ritrovando nuovo slancio grazie all’annuncio del casting di un
nuovo attore per interpretare T’Challa. Se sarà una versione
alternativa del personaggio di Chadwick Boseman o se sarà invece il
figlio dello T’Challa originale che abbiamo conosciuto alla fine di
Wakanda
Forever non è ancora chiaro.
Indipendentemente dal fatto che si
tratti di T’Challa II o di una Multiversal Variant, la notizia che
Black Panther sopravviverà per combattere un altro
giorno ha fatto piacere alla maggior parte dei fan. Seguire le orme
del defunto Chadwick Boseman non sarà facile, ma la
maggior parte del pubblico sembra pronta a vedere un altro attore
onorare la sua eredità e quella del personaggio.
Black Panther apparirà nei
film degli Avengers
Dopo
aver rivelato ieri alcuni dei nomi che i Marvel Studios stanno tenendo d’occhio per il
nuovo T’Challa dell’MCU, lo scooper @MyTimeToShineH oggi riporta la notizia che
“[Il] nuovo T’Challa apparirà per la prima volta nei film di
Avengers e poi in Black Panther 3”. Quindi, come previsto, è
probabile che ci sia un elemento Multiversale in gioco. Che si
tratti del futuro Toussaint o di una Black Panther da una realtà
alternativa, il presunto reset di Avengers: Secret Wars sembra
destinato a stabilire l’eroe in tempo per Black Panther
3.
È anche abbastanza appropriato che
siano i fratelli Russo a reintrodurre T’Challa in
Avengers: Doomaday, poiché è stato nel
Captain America: Civil
War del 2016 che Boseman ha fatto il suo
indimenticabile debutto come eroe.
Per quanto riguarda il significato
che potrebbe avere un recasting del personaggio di Boseman, ha
avuto senso che T’Challa non sia stato semplicemente sostituito in
Black Panther: Wakanda
Forever, ma dal momento in cui abbiamo incontrato il
giovane T’Challa II, era ovvio che i Marvel Studios avevano pianificato
di far passare il testimone di Shuri a suo nipote. Dato il
doloroso, accorato e anche bellissimo omaggio che è stato fatto a
Boseman in Wakanda Forever, sembra ormai tempo di riportare il
personaggio al cinema, senza che questo possa intaccare la memoria
di colui che per primo lo ha fatto splendere sul grande
schermo.
Taylor Sheridan ha portato a termine il finale della
prima stagione di Landman, uno dei migliori episodi della serie
finora, offrendo una tonnellata di drammi interessanti mi da
analizzare. L’ultima serie dell’acclamato creatore di Yellowstone è incentrata sull’industria
petrolifera del Bacino Permiano e su una società fittizia chiamata
M-Tex. Billy Bob Thornton guida il cast di Landman nei panni di
Tommy Norris, il responsabile della gestione delle crisi della
M-Tex, di proprietà del Monty Miller di Jon Hamm, amico di vecchia data di Tommy. Il finale
dell’episodio 9 vede Monty ricoverato in ospedale per problemi
cardiaci, e questa trama si protrae fino al finale.
L’episodio inizia con il peggioramento delle condizioni
cardiache di Monty Miller, che ne causano la morte. Quando Monty è
in stato di incapacità, Tommy ottiene il controllo dell’azienda e
del patrimonio di Monty. Tommy consiglia a Cami (Demi
Moore) di vendere l’azienda, liquidando il possibile in modo
che la sua famiglia possa vivere agiatamente per generazioni, ma
lei decide di puntare tutto su un’operazione di trivellazione
petrolifera. Più avanti nell’episodio, Tommy viene catturato e
torturato dal Cartello prima che un signore della droga di nome
Gallino (Andy Garcia) arrivi e lo fermi. L’episodio si conclude con
Tommy che osserva ancora una volta un coyote nel suo giardino.
Perché il boss del Cartello ha salvato Tommy e cosa significa
per Landman
Il penultimo episodio della stagione 1 di Landman ha visto Tommy
parlare al telefono con Jiminez, un boss del Cartello di livello
inferiore che nel finale decide di prendere in mano la situazione.
Jiminez cattura Tommy e fa esplodere una trivella petrolifera
M-Tex. Gallino è un nuovo personaggio introdotto nel finale della
prima stagione di
Landman, che porta con sé un’altra veterana star del cinema.
Andy Garcia, noto soprattutto per i suoi ruoli in
Gli intoccabili e Ocean’s Eleven, oltre a molti altri film
iconici, si presenta come un leader del Cartello sofisticato e
dignitoso che spera di porre fine al ciclo della violenza.
Gallino e Tommy discutono di come potrebbero prosperare
contemporaneamente, imparando a collaborare e a generare reddito
insieme. Tommy suggerisce che l’attività di Gallino nel settore
della droga è in declino e Gallino suggerisce che potrebbe essere
interessato a passare al petrolio. Tommy è riluttante a stringere
accordi con il Cartello, ma Gallino stringe un duro accordo,
rispondendo alle minacce di Tommy con i propri fatti. La narrazione
lascia intendere che, per avere successo in futuro, Tommy potrebbe
dover iniziare a fare accordi con il diavolo.
Cosa significa la morte di Monty per Tommy e Cami
La morte di Monty mette Tommy in difficoltà, perché ora lavora
essenzialmente per conto di Cami. Ora è il presidente della
società, ma ha ancora intenzione di rispettare le decisioni di Cami
e di spendere i soldi come lei vuole, consigliandola lungo il
percorso. Tommy vuole aiutarla, ma conosce gli immensi rischi che
si corrono immergendosi nel business del petrolio e sa che lo
stress del rischio costante di fare o rompere è ciò che ha portato
Monty alla morte. In senso letterale e figurato, Tommy non vuole
che lo stesso accada a Cami, o a se stesso, se è per questo.
La riporta come avvocato principale, con lei destinata a essere
la negoziatrice, mentre Nathan fornisce al team legale una maggiore
esperienza nell’industria petrolifera. I due organizzano la loro
strategia prima che Tommy venga rapito dal Cartello, e questa
narrazione viene lasciata per la prossima stagione.
Perché Tommy vede di nuovo il coyote nella scena finale di
Landman Stagione 1
La visione del coyote da parte di Tommy ha un significato
simbolico importante per la sua storia. Nel complesso, è un uomo
che si concentra sul suo lavoro, spesso sacrificando la felicità
personale o il tempo trascorso con la sua famiglia. A causa di una
serie di fattori nella prima stagione, tra cui la morte di Monty
con il rimpianto di non aver trascorso più tempo con i suoi figli,
Tommy inizia a riconsiderare il suo ruolo nell’industria. Questo è
uno dei motivi per cui vuole che Cami venda l’azienda, perché
correre un rischio maggiore significa per lui meno stabilità, più
stress e la probabilità di diventare come Monty.
Il primo coyote, alla fine dell’episodio 9, è stato ucciso dal
vicino di Tommy. La seconda volta che ne vede uno, lo incoraggia a
scappare, dicendo che “da queste parti sparano ai coyote”. Il
coyote è un simbolo della libertà di Tommy e della libertà
generalizzata della frontiera occidentale. Con la morte di Monty e
l’assunzione da parte di Tommy di un ruolo più importante
nell’azienda, per non parlare del fatto che è entrato a far parte
del Cartello, è più che mai intrappolato nella sua vita lavorativa,
condannandolo essenzialmente allo stesso destino di Monty.
Perché ci sono cose che Tommy non può dire ad Angela
Tommy torna a casa dopo essere stato rapito dal Cartello con
lividi su tutto il viso, suscitando immediatamente la
preoccupazione di Angela (Ali Larter). Con fare da padrino,
Tommy le suggerisce che ci sono cose che non può dirle sul suo
lavoro, chiudendo essenzialmente la porta tra la sua vita
lavorativa e quella domestica. Angela vuole che Tommy sia felice e
non sarebbe entusiasta dei rischi che sta correndo con il lavoro.
Chiudendola fuori, lui fa quello che deve fare per potersi
concentrare sull’M-Tex.
Cosa sta succedendo a Cooper e Ariana?
Cooper e Ariana sono diventati il tira e molla di Landman per
tutta la prima stagione, in quanto Ariana è vedova da poco e
giovane madre single. Tommy consiglia a Cooper il potenziale della
sua instabilità e il finale di stagione la mostra in lutto per la
perdita del marito. Tuttavia, invece di creare una frattura tra
loro, Cooper è comprensivo e la incoraggia a provare le emozioni
che ha bisogno di provare. Abbracciandola, la rende felice e alla
fine i due si avvicinano. Per quanto riguarda Cooper, il suo piano
di entrare nell’industria petrolifera è partito con successo, ma
non ci sono stati molti sviluppi nell’episodio.
La seconda stagione di Landman si farà?
Con Landman che sta preparando le storie per la seconda
stagione, sembra probabile che il pubblico possa tornare a vedere
lo show di successo di Paramount+. Il servizio di streaming non ha
ancora annunciato la produzione di una nuova stagione, ma la serie
è stata molto apprezzata. Inoltre, Taylor Sheridan è la principale
fonte di contenuti originali per Paramount+, quindi se è
interessato e ha il tempo di scrivere un’altra stagione, sarebbe
scioccante se lo rifiutassero. Tutto sommato, è probabile che
Landman abbia una seconda stagione, ma non c’è ancora un annuncio
ufficiale in merito.
Matt Murdock e Wilson
Fisk si affrontano ancora una volta nella nuova serie
Marvel Television Daredevil:
Rinascita, che in Italia debutterà il 5
marzo alle ore 3:00 del mattino (ora italiana) su Disney+. Ecco il trailer italiano:
In Daredevil: Rinascita, Matt
Murdock (Charlie
Cox), un avvocato non vedente con abilità potenziate,
combatte per la giustizia attraverso il suo frenetico studio
legale, mentre l’ex boss della mafia Wilson Fisk (Vincent
D’Onofrio) persegue i suoi impegni politici a New
York. Quando le loro identità passate iniziano a emergere, i due
uomini si trovano in un’inevitabile rotta di collisione.
Il cast di Daredevil: Rinascita
La serie è interpretata da
Charlie Cox,
Vincent D’Onofrio, Margarita Levieva, Deborah Ann
Woll, Elden Henson, Wilson Bethel, Zabryna Guevara, Nikki M. James,
Genneya Walton, Arty Froushan, Clark Johnson, Michael Gandolfini,
con Ayelet Zurer e Jon Bernthal. Dario Scardapane è lo showrunner.
Gli episodi sono diretti da Justin Benson & Aaron Moorhead, Michael
Cuesta, Jeffrey Nachmanoff e David Boyd; gli executive producers
sono Kevin Feige, Louis D’Esposito, Brad Winderbaum, Sana Amanat,
Chris Gary, Dario Scardapane, Matt Corman & Chris Ord e Justin
Benson & Aaron Moorhead.
Anora, Challengers, A Complete
Unknown, Nickel Boys e Wicked sono
tra i candidati per la sceneggiatura di lungometraggi per la 77a
edizione annuale dei WGA Awards 2025, la cui Gilda
ha svelato i candidati per onorare le migliori sceneggiature
dell’anno in ambito cinematografico, televisivo, dei nuovi media,
dei notiziari, del settore radiofonico e della scrittura
promozionale.
I vincitori saranno annunciati il
15 febbraio durante le cerimonie simultanee a New York presso
l’Edison Ballroom e a Los Angeles presso il Beverly Hilton. Al
momento quella è ancora la data ufficiale della cerimonia, ma
potrebbe subire ritardi a causa degli incendi boschivi in corso a
Los Angeles, come molti degli appuntamenti di questa stagione dei
premi.
Nella categoria sceneggiatura non
originale, Wicked di Winnie Holzman e Dana Fox,
tratto dal romanzo che ha dato vita al musical di Broadway, il film
di Bob Dylan di James Mangold e Jay Cocks A Complete
Unknown e la versione di RaMell Ross e Joslyn Barnes del
romanzo di Colson Whitehead Nickel Boys sono
affiancati da Dune:
Parte Due di Denis Villeneuve e Jon Spaihts e Hit
Man di Richard Linklater e Glen Powell.
Come al solito, i premi WGA spesso
escludono diversi film di punta a causa delle regole di
ammissibilità. Se un film è prodotto al di fuori del contratto
collettivo di lavoro WGA o scritto da un membro non sindacalizzato,
non è ammissibile per i premi della corporazione.
I WGA Awards
dell’anno scorso hanno visto The Holdovers e
American Fiction vincere i premi cinematografici
più importanti durante la cerimonia posticipata a causa dello
sciopero, che è avvenuta dopo la consegna degli Oscar e dopo che
American Fiction di Cord Jefferson ha vinto
l’Oscar per la sceneggiatura non originale.
Ecco tutte le
nomination ai WGA 2025
Cinema
Sceneggiatura originale
A Real Pain,
Written by Jesse Eisenberg; Searchlight Pictures
Anora, Written
by Sean Baker; Neon
Challengers,
Written by Justin Kuritzkes; Amazon MGM Studios
My Old Ass,
Written by Megan Park; Amazon MGM Studios
Sceneggiatura non originale
A Complete
Unknown, Screenplay by James Mangold and Jay Cocks, Based on the
Book Dylan Goes Electric! by Elijah Wald; Searchlight Pictures
Dune: Part 2,
Screenplay by Denis Villeneuve and Jon Spaihts, Based on the Novel
Dune by Frank Herbert; Warner Bros. Pictures
Hit Man,
Screenplay by Richard Linklater & Glen Powell, Based on the Texas
Monthly Article by Skip Hollandsworth; Netflix
Nickel Boys,
Screenplay by RaMell Ross & Joslyn Barnes, Based on the Book The
Nickel Boys by Colson Whitehead; Orion Pictures/Amazon MGM
Studios
Wicked,
Screenplay by Winnie Holzman and Winnie Holzman & Dana Fox, Based
on the musical stage play with music and lyrics by Stephen Schwartz
and book by Winnie Holzman, From the Novel by Gregory Maguire;
Universal Pictures
Sceneggiatura per documentario
Jim Henson:
Idea Man, Written by Mark Monroe; Imagine Documentaries
Kiss the
Future, Screenplay by Bill S. Carter, Story by Bill S. Carter and
Nenad Cicin-Sain; Fifth Season
Martha, Written
by R.J. Cutler; Netflix
War Game,
Written by Tony Gerber & Jesse Moss; Submarine Deluxe
Televisione, Streaming e News
Serie
drama
The
Boys, Written by Geoff Aull, Jessica Chou, Paul Grellong, Eric
Kripke, Ellie Monahan, Judalina Neira, David Reed, Anslem
Richardson; Prime Video
The Diplomat,
Written by Peter Ackerman, Eli Attie, Debora Cahn, Anna Hagen,
Julianna Dudley Meagher, Peter Noah; Netflix
Fallout, Written by Jake Bender, Karey Dornetto, Zach
Dunn, Kieran Fitzgerald, Chaz Hawkins, Lisa Joy, Carson Mell,
Jonathan Nolan, Geneva Robertson-Dworet, Gursimran Sandhu, Graham
Wagner; Prime Video
Mr. & Mrs.
Smith, Written by Carla Ching, Adamma Ebo, Adanne Ebo, Donald
Glover, Stephen Glover, Schuyler Pappas, Francesca Sloane, Yvonne
Hana Yi; Prime Video
Shōgun, Written
by Shannon Goss, Maegan Houang, Rachel Kondo, Matt Lambert, Justin
Marks, Caillin Puente, Nigel Williams, Emily Yoshida; FX/Hulu
Serie
comedy
Abbott
Elementary, Written by Quinta Brunson, Ava Coleman, Riley
Dufurrena, Justin Halpern, Joya McCrory, Chad Morton, Morgan
Murphy, Brittani Nichols, Rebekka Pesqueira, Kate Peterman, Brian
Rubenstein, Patrick Schumacker, Justin Tan, Jordan Temple, Garrett
Werner; ABC
The Bear,
Written by Karen Joseph Adcock, Joanna Calo, Rene Gube, Will
Guidara, Matty Matheson, Alex Russell, Catherine Schetina,
Christopher Storer, Courtney Storer; FX/Hulu
Curb Your
Enthusiasm, Written by Larry David, Jon Hayman, Justin Hurwitz,
Carol Leifer, Stephen Leff, Jeff Schaffer, Nathaniel Stein; HBO |
Max
Hacks, Written
by Genevieve Aniello, Lucia Aniello, Guy Branum, Jessica Chaffin,
Paul W. Downs, Jess Dweck, Ariel Karlin, Andrew Law, Carol Leifer,
Carolyn Lipka, Joe Mande, Aisha Muharrar, Pat Regan, Samantha
Riley, Jen Statsky; HBO | Max
What We Do in
the Shadows, Written by Jake Bender, Max Brockman, Zach Dunn, Shana
Gohd, Amelia Haller, Sam Johnson, Jeremy Levick, Chris Marcil,
William Meny, Sarah Naftalis, Marika Sawyer, Paul Simms, Rajat
Suresh, Lauren Wells; FX/Hulu
Nuova serie
English Teacher, Written by Brian Jordan Alvarez, Wally Baram, Jake
Bender, Emmy Blotnick, Zach Dunn, Dave King, Stephanie Koenig,
Jonathan Krisel, Paul Simms, Samantha Shier; FX/Hulu
Fallout,
Written by Jake Bender, Karey Dornetto, Zach Dunn, Kieran
Fitzgerald, Chaz Hawkins, Lisa Joy, Carson Mell, Jonathan Nolan,
Geneva Robertson-Dworet, Gursimran Sandhu, Graham Wagner; Prime
Video
Mr. & Mrs.
Smith, Written by Carla Ching, Adamma Ebo, Adanne Ebo, Donald
Glover, Stephen Glover, Schuyler Pappas, Francesca Sloane, Yvonne
Hana Yi; Prime Video
Nobody Wants
This, Written by Barbie Adler, Jane Becker, Jack Burditt, Vali
Chandrasekaran, Craig DiGregorio, Erin Foster, Lindsay Golder,
Steven Levitan, Pat Regan, Niki Schwartz-Wright, Neel Shah, Noelle
Valdivia, Ron Weiner, Ryann Werner; Netflix
Shōgun, Written
by Shannon Goss, Maegan Houang, Rachel Kondo, Matt Lambert, Justin
Marks, Caillin Puente, Nigel Williams, Emily Yoshida; FX/Hulu
Serie
Limitata
The
Penguin, Written by Vladimir Cvetko, Breannah Gibson, Erika L.
Johnson, Lauren LeFranc, Corina Maritescu, Megan Martin, John
McCutcheon, Shaye Ogbonna, Nick Towne, Noelle Valdivia, Kira
Snyder; HBO | Max
Presumed
Innocent, Written by Miki Johnson, David E. Kelley, Sharr White;
Apple
TV+
Ripley, Written
by Steven Zaillian; Netflix
Say Nothing,
Written by Clare Barron, Joe Murtagh, Kirsten Sheridan, Joshua
Zetumer; FX/Hulu
True Detective:
Night Country, Written by Katrina Albright, Alan Page Arriaga,
Namsi Khan, Issa López, Chris Mundy, Wenonah Wilms; HBO | Max
Film per
TV & STREAMING
The Great
Lillian Hall, Written by Elisabeth Seldes Annacone; HBO | Max
Prom Dates,
Written by D.J. Mausner; Hulu
Rebel Ridge,
Written by Jeremy Saulnier; Netflix
Terry McMillan
Presents Forever, Written by Bart Baker; Lifetime
Animazione
“Bottle
Episode” (The Simpsons), Written by Rob LaZebnik & Johnny LaZebnik;
Fox
“Cremains of
the Day” (The Simpsons), Written by John Frink; Fox
“Night of the
Living Wage” (The Simpsons), Written by Cesar Mazariegos; Fox
“Saving
Favorite Drive-In” (Bob’s Burgers), Written by Katie Crown;
Fox
“The Tina
Table: The Tables Have Tina-ed” (Bob’s Burgers), Written by Greg
Thompson; Fox
“Winter Is
Born” (Blood of Zeus), Written by Charles Parlapanides & Vlas
Parlapanides; Netflix
Episodio
Drama
“Anjin”
(Shōgun), Written for Television by Rachel Kondo & Justin Marks;
FX/Hulu
“The Beginning”
(Fallout), Written by Gursimran Sandhu; Prime Video
“Fear of the
End” (Evil), Written by Rockne S. O’Bannon & Nialla LeBouef;
Paramount+
“First Date”
(Mr. & Mrs. Smith), Written by Francesca Sloane & Donald Glover;
Prime Video
“Olivia”
(Sugar), Written by Mark Protosevich; Apple TV+
“Pilot”
(Elsbeth), Written by Robert King & Michelle King; CBS
Episodio Comedy
“AGG” (Somebody Somewhere), Written by Hannah Bos & Paul Thureen
and Bridget Everett; HBO | Max
“Bulletproof”
(Hacks), Written by Lucia Aniello & Paul W. Downs & Jen Statsky;
HBO | Max
“Linda”
(English Teacher), Written by Jake Bender & Zach Dunn; FX/Hulu
“Napkins” (The
Bear), Written by Catherine Schetina; FX/Hulu
“Once Upon a
Time in the West” (Only Murders in the Building), Written by John
Hoffman & Joshua Allen Griffith; Hulu
“Petiole” (The
Sticky), Written by Brian Donovan & Ed Herro; Prime Video
Serie
COMEDY/VARIETY – TALK OR SKETCH
The Daily Show,
Head Writer Dan Amira Senior Writers Lauren Sarver Means, Daniel
Radosh Writers David Angelo, Nicole Conlan, Devin Delliquanti, Zach
DiLanzo, Jennifer Flanz, Jason Gilbert, Dina Hashem, Scott Hercman,
Josh Johnson, David Kibuuka, Matt Koff, Joe Opio, Randall Otis,
Zhubin Parang, Kat Radley, Lanee’ Sanders, Scott Sherman, Jon
Stewart, Ashton Womack, Sophie Zucker; Comedy Central
John Mulaney
Presents: Everybody’s in L.A., Writers Anna Drezen, David Ferguson,
Fran Gillespie, Langston Kerman, Jeremy Levick, John Mulaney, Alex
Scordelis, Rajat Suresh; Netflix
The Kelly
Clarkson Show, Head Writer Jordan Watland Writers Kevin Hurley, Nik
Robinson; Syndicated
Last Week
Tonight with John Oliver, Senior Writers Daniel O’Brien, Owen
Parsons, Charlie Redd, Joanna Rothkopf, Seena Vali Writers
Johnathan Appel, Ali Barthwell, Tim Carvell, Liz Hynes, Ryan Ken,
Mark Kramer, Sofia Manfredi, John Oliver, Taylor Kay Phillips,
Chrissy Shackelford; HBO | Max
The Late Show
with Stephen Colbert, Head Writers Ariel Dumas, Jay Katsir Writers
Delmonte Bent, Michael Brumm, Aaron Cohen, Stephen T. Colbert, Paul
Dinello, Glenn Eichler, Gabe Gronli, Barry Julien, Michael Cruz
Kayne, Eliana Kwartler, Matt Lappin, Caroline Lazar, Pratima Mani,
Felipe Torres Medina, Opus Moreschi, Carley Moseley, Asher Perlman,
Michael Pielocik, Tom Purcell, Kate Sidley, Brian Stack, John
Thibodeaux, Steve Waltien; CBS
Saturday Night
Live, Head Writers Alison Gates, Streeter Seidell, Kent Sublette
Writers Rosebud Baker, Dan Bulla, Megan Callahan-Shah, Steven
Castillo, Michael Che, Mike DiCenzo, Alex English, Jimmy Fowlie,
Martin Herlihy, John Higgins, Steve Higgins, Vannessa Jackson,
Colin Jost, Erik Kenward, Ben Marshall, Dennis McNicholas, Lorne
Michaels, Jake Nordwind, Ceara O’Sullivan, Josh Patten, Gary
Richardson, Pete Schultz, KC Shornima, Asha Ward, Auguste White,
Celeste Yim; NBC
Speciale
COMEDY/VARIETY
The 77th Annual
Tony Awards, Written by Dave Boone; CBS
A Closer Look
with Seth Meyers: Primetime Live Election Special, Head Writer Alex
Baze Writing Supervised by Mike Scollins Closer Look Writing
Supervised by Sal Gentile Written by Alex Baze, Bryan Donaldson,
Sal Gentile, Matt Goldich, Allison Hord, Mike Scollins, Seth
Meyers, Mike Shoemaker; NBC
Nikki Glaser:
Someday You’ll Die, Written by Nikki Glaser; HBO | Max
Ramy Youssef:
More Feelings, Written by Ramy Youssef; HBO | Max
Partecipazione QUIZ e AUDIENCE
Jeopardy!,
Writers Marcus Brown, Michael Davies, John Duarte, Mark Gaberman,
Debbie Griffin, Michele Loud, Robert McClenaghan, Jim Rhine, Steve
Tamerius, Billy Wisse; ABC
Pop Culture
Jeopardy!, Writers Marcus Brown, Buzzy Cohen, Michael Davies, Chip
Dornell, John Duarte, Mark Gaberman, Debbie Griffin, Michele Loud,
Traci Mack, Amy Ozols, Louis Virtel, Billy Wisse; Amazon Prime
DAYTIME
DRAMA
Days of Our
Lives, Head Writer Ron Carlivati Writers Sonja Alarr, Kirk Doering,
Christopher Dunn, Jamey Giddens, David Kreizman, Henry Newman, Ryan
Quan, Dave Ryan, Katherine D. Schock; Peacock
General
Hospital, Head Writers Elizabeth Korte, Chris Van Etten Writers
Nigel Campbell, Ashley Cook, Emily Culliton, Suzanne Flynn,
Charlotte Gibson, Lucky Gold, Kate Hall, Catherine LePard, Patrick
Mulcahey, Dan O’Connor, Shannon Peace, Stacey Pulwer, Anne
Schoettle, Scott Sickles, Micah Steinberg; ABC
The Young and
the Restless, Head Writer Amanda L. Beall Writers Susan Banks, Jeff
Beldner, Marin Gazzaniga, Lindsay Harrison, Marla Kanelos, Rebecca
McCarty, Madeleine Phillips, Dave Ryan; CBS/Paramount +
CHILDREN’S EPISODIC, LONG FORM AND SPECIALS
“A God Buys Us
Cheeseburgers” (Percy Jackson and the Olympians), Written by Rick
Riordan & Jonathan E. Steinberg; Disney+
“I’m Pogey”
(Fraggle Rock: Back to the Rock), Written by Charley Feldman; Apple
TV+
Out of My Mind,
Written by Daniel Stiepleman; Disney+
“The Sign
Language ABCs” (Sesame Street), Written by Jessica Carleton; HBO |
Max
“Welcome to
Spiderwick” (The Spiderwick Chronicles), Written by Aron Eli
Coleite; Roku Channel
SHORT
FORM STREAMING
Die Hart 3:
Hart to Kill, Written by Tripper Clancy; Roku Channel
Tiny Time
Travel, Written by Annabeth Bondor-Stone, Cynthia Furey, Tim
McKeon, Nikki Palumbo, Connor White, Moujan Zolfaghari; PBS
Kids
DOCUMENTARY SCRIPT
“The American
Vice President” (American Experience), Written by Michelle Ferrari;
PBS
“The Cancer
Detectives” (American Experience), Written by Gene Tempest;
PBS
“Part One:
Inferno to Paradise” (Dante), Written by Ric Burns and Riccardo
Bruscagli; PBS
“Poisoned
Ground: The Tragedy at Love Canal” (American Experience), Written
by Jamila Ephron; PBS
The Space Race,
Written by Mark Monroe; National Geographic Channel
NEWS SCRIPT – REGULARLY SCHEDULED, BULLETIN, OR BREAKING
REPORT
“Alabama IVF
Ruling Sends Shockwaves Across America” (CBS Evening News), Written
by James Hutton, Rob Rivielle; CBS News
“Assassination
Attempt” (CBS Evening News – Special Weekend Edition), Written by
Craig Wilson, James Hutton, Claudine Cleophat, Joe Clines, Rob
Rivielle; CBS News
“Willie Mays
Tribute” (CBS Newspath), Written by Gerald Mazza; CBS News
NEWS
SCRIPT – ANALYSIS, FEATURE, OR COMMENTARY
“Finding
Cillian Murphy” (60 Minutes), Written by Scott Pelley, Nicole
Young, Kristin Steve; CBS News
“Fine Print:
Carl Hiaasen” (CBS Sunday Morning), Written by Richard Buddenhagen,
Lesley Stahl; CBS News
“History
Repeats Itself in Northern Gaza One Year Later” (Ayman), Written by
Rajaa Elidrissi; MSNBC
“The
Resistance” (60 Minutes), Written by Scott Pelley, Nicole Young,
Kristin Steve; CBS News
“Understanding
Travel Advisories” (ABC NewsOne), Written by Erik Pierorazio; ABC
NewsOne
DIGITAL
NEWS
“The Food That
Makes You Gay” Written by Jaya Saxena; Eater
“Mise-en-Seine:
A Paris Olympics Diary”, Written by Henry Grabar; Slate
“Sent by God”,
Written by Molly Olmstead; Slate
“The Unraveling
of Nancy Mace”, Written by Jim Newell; Slate
“What Is Hamas
Thinking Now?”, Written by Akbar Shahid Ahmed; HuffPost
Radio/Audio
RADIO/AUDIO DOCUMENTARY
“Art on Trial”
(One Year: 1990), Written by Evan Chung; Slate
“Deadly Exes:
Domestic Violence Awareness with Annie Elise” (Serial Killers),
Written by Maggie Admire; Spotify Studios
“A Hotbed of
Homosexuality” (Slow Burn), Written by Christina Cauterucci;
Slate
“If You Give a
Mouse a Cookie… Will He Want a Welfare Check?” (Decoder Ring),
Written by Cheyna Roth and Patrick Fort; Slate
RADIO/AUDIO NEWS SCRIPT – REGULARLY SCHEDULED, BULLETIN, OR
BREAKING REPORT
“6:40am News –
Nov 6, 2023”, Written by Philip Pilato; 1010 WINS AM & FM
“12-15-2023,
World News This Week”, Written by Joan B. Harris; ABC News
Radio
“Inside a Gaza
Hospital” (What Next?), Written by Mary Harris and Rob Gunther;
Slate
“Passages:
Three Women Who Made A Difference”, Written by Gail Lee; CBS News
Radio
“World News
This Year 2023”, Written by Robert Hawley; ABC News Radio
RADIO/AUDIO NEWS SCRIPT – ANALYSIS, FEATURE, OR
COMMENTARY
“The
Athleticism and Empathy of Horses” (Press Play 2024), Written by
Robert Hawley; ABC News Radio
“The bleeding
edge” (Unexplainable), Written by Byrd Pinkerton; Vox
“Charles Osgood
Remembered”, Written by Gail Lee; CBS News Radio
Promotional Writing
ON-AIR
PROMOTION
“Fortune Favors
the Bold. Promotions for Tracker and King & Conqueror”, Written by Molly
Neylan; CBS
“LC Voting
Ads”, Written by Desireena Almoradie, Angad Bhalla; YouTube
“NCIS: Season
21 Legacy, Launch and Beyond Trailers”, Written by Erial Tompkins;
CBS
“NYSNA AMC
Campaign”, Written by Adrianna Hernandez Stewart, Angad Bhalla;
YouTube
Il regista James
Mangold ha affrontato molti generi, sia che si tratti di
biopic come A
Complete Unknown, sia che si tratti di blockbuster
d’azione come Logan
– The Wolverine e Indiana
Jones e il Quadrante del Destino. Oltre a un film di
Star
Wars che esplora le origini degli Jedi ambientate 25.000
anni nel passato, Mangold è stato poi incaricato dai DC Studios di
prendere il timone di Swamp
Thing. Il personaggio è stato protagonista di una
serie televisiva di breve durata, ma questo segnerebbe il debutto
sul grande schermo di un personaggio che si inserisce bene nella
serie “Gods and Monsters” di James Gunn.
Parlando ora con MovieWeb, Mangold ha spiegato
come intende affrontare il film del DCU. “Con Bob [Dylan] ci sono quantità note,
sì, ma ci sono modi per interpretarle”, ha esordito. “Con
altri tipi di IP, si arriva a un livello religioso. Per la DC,
Swamp Thing è solo una questione di: troviamo un modo per dire
qualcosa di originale?”. “Mentre sono sicuro che la DC
vede Swamp Thing come un franchise, io lo vedrei come un film
horror gotico molto semplice e pulito su questo uomo/mostro”,
ha continuato Mangold. “Faccio solo le mie cose, un film
indipendente, standalone”.
Questo suona simile al progesso su
Clayface, per esempio, e non possiamo immaginare
che Gunn abbia problemi con il fatto che Swamp
Thing sia una storia a sé stante (inoltre, può sempre
usare il film di Mangold come piattaforma di lancio per progetti in
cui non sarà coinvolto, ad esempio Justice League Dark). “Mi è stata
data la possibilità [di lavorare] in generi diversi, perché la
gente lo finanzierà. Se fossi solo un regista horror e la gente
volesse pagare solo per i miei film horror, il problema sarebbe un
altro”, ha poi ammesso il regista.
“Ma parte della gioia è che si
impara molto quando si cambia genere o il linguaggio in alcuni modi
di comunicare la propria arte”. “Ho imparato molto, sia
che si tratti di fare un film d’azione, sia che si tratti di fare
un western e portare quelle energie in una sorta di film di
supereroi o di film Marvel. Non solo si imparano cose
facendo un genere, ma poi si impara come trasportare le lezioni di
quel genere in un altro che non ci si aspetterebbe”, ha
concluso Mangold.
Di cosa parlerà Swamp Thing?
Swamp
Thing è un supereroe nei fumetti americani pubblicati
dalla DC Comics. Una creatura elementale umanoide/vegetale,
creata dallo scrittore Len Wein e dall’artista Bernie Wrightson,
Swamp
Thing ha avuto diverse incarnazioni umanoidi o mostri in varie
trame diverse. Il personaggio è apparso per la prima volta in House
of Secrets#. Il personaggio è un mostro di palude che assomiglia a
un tumulo antropomorfo di materia vegetale e combatte per
proteggere la sua casa paludosa, l’ambiente in generale e l’umanità
da varie minacce soprannaturali o terroristiche.
Il film indagherà le origini oscure
del suo personaggio principale. La DC Studios non ha ancora
annunciato una data di uscita e non è chiaro se Mangold intenda
iniziare a lavorare prima su questo film o sul suo progetto di
Star Wars. Non sono poi state sollevate potenziali scelte
di casting, ma una recente voce ha affermato che
l’attoreBill Skarsgård di It
e John Wick Chapter 4 potrebbe essere in lizza per
interpretare Alec Holland, alias Swamp Thing.
La storia vera che ha ispirato
La ragazza della palude (qui
la recensione) è diversa da quella proposta dal film,
ma vi sono comunque alcuni elementi comuni che non possono essere
ignorati. Come noto, il film
del 2022 ha adattato l’omonimo romanzo best-seller del 2018 di
Delia Owens, che pur essendo un romanzo di
fantasia vanta un forte legame con la vita reale della Owens. Il
racconto ha per protagonista Kya (Daisy
Edgar-Jones), accusata di aver ucciso il suo ex
fidanzato violento, Chase Andrews. Kya è una
ragazza che vive nella Carolina del Nord ed è costretta a crescere
da sola fin da piccola. Sebbene sia completamente ostracizzata
dalla città, ottiene l’attenzione di due uomini,
Tate e Chase.
Dopo la morte di Chase, Kya viene
dunque accusata di omicidio, ma La ragazza della
palude si conclude con la sua assoluzione. Anche se in
realtà Kya non era innocente (come
sveliamo nella nostra spiegazione del finale), è difficile non
fare il tifo per lei dopo tutto quello che Chase le ha fatto
passare. Il film intreccia dunque una storia complicata che
potrebbe in un certo senso essere legata alla vita reale
dell’autrice Delia Owens. Proprio come Kya, la Owens è infatti
un’autrice che ha preso una tragedia e l’ha trasformata in qualcosa
di più grande di lei. Anche se non è indispensabile per la visione
del film, conoscere la storia vera che sembra aver ispirato questo
racconto aggiunge un ulteriore livello alla trama.
La ragazza della
palude è basato su una storia vera? Diversi eventi reali
della vita di Delia Owen hanno ispirato il racconto
La vera storia di La ragazza
della palude è più una serie di ispirazioni reali che un
singolo evento specifico. Nei registri pubblici non sembra esserci
una donna che, come il personaggio di questo racconto, abbia
vissuto da sola in una palude e sia stata dichiarata non colpevole
di aver ucciso un uomo ma, come anticipato, ci sono collegamenti
con il passato della Owens. Prima di diventare autrice, Delia Owens
e l’allora marito Mark lavoravano come
ambientalisti in Africa. Anche il figliastro di Delia e il figlio
di Mark, Chris, viveva con loro in Africa.
Il loro lavoro si concentrava sul
salvataggio degli elefanti dai bracconieri in Zambia e, all’epoca,
facevano parte di un documentario speciale della ABC che seguiva i
loro sforzi di conservazione. Il documentario, intitolato
Deadly Game: The Mark and Delia Owens Story,
riprendeva Mark mentre istruiva gli scout a sparare ai bracconieri
che entravano nel parco nazionale. Questo potrebbe far parte della
storia vera di La ragazza della palude, poiché gli
sforzi di conservazione hanno trasformato il documentario in
un’indagine di cronaca nera quando un presunto bracconiere è stato
ucciso dopo essere entrato in un campeggio.
Dopo la messa in onda dell’episodio,
il governo dello Zambia ha aperto un’indagine per omicidio ancora
irrisolta. Le indagini successive hanno rivelato che il figlio
Chris aveva presumibilmente sparato due dei tre colpi al presunto
bracconiere, ma l’intera famiglia ha negato il coinvolgimento nella
sparatoria. Anzi, Delia ha affermato che Chris non si trovava in
realtà nell’accampamento in quel momento, ma è stato scambiato per
un operatore di ripresa con lo stesso nome, Chris
Everson. Quest’ultimo sostiene che Mark aveva portato lui
stesso, Chris Owens e un altro esploratore sul
posto e che Mark li aveva poi abbandonati.
Everson sostiene poi che quando il
bracconiere è arrivato, Chris Owens ha sparato un colpo. Sempre
Everson riferisce poi di aver ripreso l’esploratore che sparava un
secondo colpo, seguito da un terzo colpo sparato da Owens. Un
giorno, però, il filmato è scomparso dalla tenda, per poi
riapparire misteriosamente in seguito. Questa complessa storia può
essere molto lontana dall’ambientazione palustre del libro e del
film, ma ci sono alcuni chiari parallelismi, tra cui una morte e
una difficile indagine per cercare di scoprire la verità su ciò che
è accaduto.
La spiegazione dell’ispirazione per
La ragazza della palude
Alcuni elementi della storia vera di
La ragazza della palude fanno dunque pensare che
il racconto sia stato ispirato da una tragedia realmente accaduta.
Sebbene non si tratti dello stesso scenario, il fatto che un
bracconiere senza nome, intenzionato a fare del male agli animali
di un parco nazionale, venga trovato morto potrebbe essere
considerato da alcuni giustificato per proteggere gli animali. Se
Chris ha teoricamente sparato al bracconiere, l’ha anche fatta
franca. Anche se le decisioni di Kya in La ragazza della
palude non erano motivate esclusivamente (o addirittura
principalmente) dal desiderio di proteggere le paludi, la domanda
se il fine giustifica i mezzi rimane la stessa.
Proprio come Kya ha lasciato un
biglietto che prova la sua colpevolezza, anche Mark avrebbe
lasciato un biglietto, riportato nel documentario, in cui diceva:
“Due bracconieri sono stati uccisi e uno ferito… ci stiamo solo
scaldando”. Gli autori, come Delia Owens,
spesso attingono a esperienze personali quando scrivono, quindi è
anche possibile che la storia vera di La ragazza della
palude sia tecnicamente basata sulla misteriosa morte del
bracconiere, indipendentemente dal fatto che la sua famiglia fosse
effettivamente coinvolta o meno. Da questo punto di vista, il film
può essere considerato è una storia vera, ma non quando si entra
nel merito della narrazione.
Cosa il film ci racconta di
vero
Dal momento che la controversa
storia vera di La ragazza della palude è
probabilmente basata su questo violento incidente di conservazione
degli animali, vale la pena notare che la conservazione di essi si
è trasformata in un affare sanguinoso nel corso degli anni. Anche
se non è una pratica diffusa negli Stati Uniti, le protezioni
contro i bracconieri si sono trasformate in tattiche militari
quando il problema è sfuggito di mano. Secondo lo Smithsonian, l’ex
commando israeliano Nir Kalron ha venduto le sue
tecniche militari ai conservazionisti di tutta l’Africa per
combattere i bracconieri.
Il bracconaggio moderno è un’impresa
criminale altamente organizzata e gli ambientalisti hanno dovuto
ingegnarsi per tenere al sicuro i loro animali, purtroppo
ricorrendo a tattiche militari. I bracconieri hanno ucciso ben
100.000 elefanti tra il 2010 e il 2012, e vale la pena notare che
le operazioni di bracconaggio sono spesso legate ad altre imprese
criminali. Sebbene le misure militari possano sembrare estreme in
superficie e per alcuni sia strano che La ragazza della
palude sia basato su una storia vera di un incidente
violento riguardante la conservazione degli animali, uno sguardo
più approfondito agli eventi li contestualizza.
Cosa ha ispirato Delia Owens nella
stesura del libro
Sebbene la storia vera sia diversa
da quella del romanzo e del film, la scrittrice Delia
Owens ha usato questo insieme di sue esperienze di vita
per comporre il racconto struggente di Kya. In un’intervista a
BookBrowse, la Owens ha parlato
della scrittura di La ragazza della palude e di
quali elementi sono stati tratti dalla sua vita personale. Una
parte sorprendente della storia, dell’ambientazione, dei temi e dei
personaggi è stata dettata dalle esperienze personali della Owens:
dalla palude della Carolina del Nord (che è un personaggio a sé
stante) ai difetti di Kya, dovuti al fatto di aver vissuto in
isolamento, hanno trovato una radice negli incontri della
Owens.
Alla domanda sul perché sia stata
scelta una palude costiera per l’ambientazione, la Owens ha poi
spiegato l’importanza della natura nell’ambito della storia
complessiva, in quanto è diventata praticamente il genitore di Kya
dopo la morte della madre, e osserva che non c’è davvero insegnante
più grande della natura stessa. Tuttavia, per quanto riguarda
l’ambientazione, la Owens ha dichiarato di aver scelto la palude
perché la conosce bene: “Ho scelto la palude costiera perché
avevo una certa familiarità con essa e conoscevo molto bene altre
paludi e acquitrini degli Stati del Sud. Da ragazza andavo in
campeggio in canoa con mia madre nella palude di Okefenokee e in
altri luoghi selvaggi”.
Il periodo trascorso da Owens come
ricercatore in aree remote dell’Africa ha poi influenzato anche le
esperienze del personaggio di Kya, cresciuto in isolamento. In
questo modo, la storia vera dietro La ragazza della
palude è uno specchio degli incontri della Owens. La
scrittrice afferma infatti che gran parte della sua vita adulta è
stata trascorsa in completo isolamento, tra il vivere nel deserto
del Kalahari per sette anni e l’avere un proprio campo nel Luangwa:
“So cosa significa essere soli. […] So come l’isolamento possa
farti sentire insicuro e inadeguato. So cosa vuol dire evitare le
persone quando si va in città perché non si appartiene”.
Daisy Edgar-Jones in La ragazza della palude.
Alcuni elementi della storia di
La ragazza della palude hanno suscitato
polemiche
Come la stessa storia vera, anche il
libro/film e la stessa autrice sono stati oggetto di controversie.
L’incidente descritto in Deadly Game: The Mark and Delia
Owens Story ha portato solo problemi alla famiglia, e non
ha aiutato il fatto che la Owens abbia incluso un personaggio
principale colpevole di omicidio ma poi assolto. Ci sono dei
parallelismi tra il crimine di Kya e quello del marito e del
figliastro della Owens, Mark e Chris, in quanto entrambe le vittime
erano responsabili di azioni riprovevoli, anche se questo
ovviamente non giustifica l’omicidio agli occhi della legge.
Tuttavia, ci sono parti della storia
vera che sono più sinistre di quanto inizialmente lasciato
intendere, e i parallelismi tra Kya e Owens non aiutano la sua
colpevolezza nella vicenda. La storia di Mark e Delia Owens ha
infatti portato a un’indagine della polizia zambiana e Mark Owens
sarebbe stato coinvolto in una piccola milizia di guardiacaccia che
ha effettuato un’acquisizione militarizzata dell’area di
conservazione. Mark è stato anche accusato di aver organizzato un
raid aereo contro i bracconieri, mentre Chris Owens avrebbe
picchiato i guardiacaccia come forma di controllo. Una vicenda
dunque complessa, ancora oggi senza risoluzione e che ha dunque a
suo modo ispirato questo film.
Quest’anno ci aspettano molti film
importanti, ma il 2025 si concluderà con quello che probabilmente
sarà di gran lunga il più importante di tutti: Avatar: Fire
and Ash di James Cameron. Il trequel esplorerà ancora una
volta nuove zone di Pandora, abbandonando i Metkayina, amanti
dell’oceano, per concentrarsi sul popolo della cenere, decisamente
meno amichevole. Oggi, grazie ad Empire, abbiamo anche un primo sguardo al Varang di
Oona Chaplin e ai “Wind Traders” del film, che si
possono vedere nei post Instagram qui di seguito:
“Varang è la leader di un popolo
che ha attraversato un’incredibile avversità. È indurita da
questo”, racconta Cameron a Empire Online. “Farebbe
qualsiasi cosa per loro, anche cose che noi considereremmo
malvagie. Una cosa che volevamo fare in questo film è non essere
semplicistici in bianco e nero. O semplicistico blu e rosa”.
“Stiamo cercando di evolvere oltre il paradigma ‘tutti gli
umani sono cattivi, tutti i Na’vi sono buoni’”, ha poi detto,
per quanto riguarda l’evoluzione del franchise, che non si limita a
mettere i Na’vi contro l’RDA.
Secondo il regista, la Chaplin
“è così brava che non ho apprezzato la sua interpretazione fino
a quando non abbiamo recuperato l’animazione di Wētā. È un nemico,
un personaggio avverso, ma [Chaplin] la fa sentire così reale e
viva”. In Avatar: Fire
and Ash non incontreremo però solo i cattivi, perché è
prevista anche l’introduzione dei “Wind Traders”, Na’vi che
viaggiano tra le nuvole grazie a gigantesche creature del
Pandoran.
“Sono commercianti nomadi,
equivalenti alle carovane di cammelli della Via delle Spezie nel
Medioevo”, spiega Cameron. “E sapete, sono semplicemente
divertenti. Come tutti i Na’vi, vivono in simbiosi con le loro
creature. Se avete un po’ di sangue nautico nelle vene, vorrete
essere sulla [loro] nave”. Con questi nuovi dettagli, non
resta che attendere di poter vedere un primo trailer del film, in
vista dell’uscita in sala fissata a dicembre.
Avatar: Fire
and Ash riprenderà subito dopo quegli eventi, quando
Jake e Neytiri incontreranno il Popolo della Cenere, che Cameron ha
lasciato intendere essere più attratto dalla violenza e dal potere
rispetto agli altri clan. “Ci sono nuovi personaggi, uno in
particolare penso che sarà amato, o amerete odiarlo”, ha detto
Cameron.
Oona Chaplin (“Game
of Thrones”) interpreta il leader del popolo della Cenere, Varang.
Anche David Thewlis e Michelle Yeoh si uniscono al cast. Insieme a
Worthington e Saldaña, il cast di ritorno include
Sigourney Weaver, Stephen Lang,
Kate Winslet, Cliff Curtis, Britain Dalton, Jack Champion,
Trinity Jo-Li Bliss, Bailey Bass, Joel David Moore, Edie
Falco e Dileep Rao.
Avatar: La
via dell’acqua e Avatar: Fire
and Ash sono entrambi scritti da Cameron,
Rick Jaffa e Amanda Silver. In
origine, dovevano essere un unico film, ma durante il processo di
scrittura, Cameron ha deciso che c’era troppo materiale e ha diviso
la storia in due parti. L’uscita del film in sala è attualmente
prevista per il 19 dicembre 2025.
Cameron ha prodotto tutti i film di
“Avatar” con il suo partner creativo di lunga data Jon Landau, morto di cancro a luglio a 63
anni. “La sua eredità non sono solo i film che ha prodotto, ma
l’esempio personale che ha dato: indomito, premuroso, inclusivo,
instancabile, perspicace e assolutamente unico”, ha affermato
Cameron in una dichiarazione all’epoca. “Ha prodotto grandi
film, non esercitando potere ma diffondendo calore e la gioia di
fare cinema. Ci ha ispirato tutti a essere e a dare il meglio di
noi, ogni giorno. Ho perso un caro amico e il mio più stretto
collaboratore per 31 anni. Una parte di me è stata strappata
via”.
Sono i molti i film dove uomini
qualunque decidono di farsi giustizia da sé, insoddisfatti da
quella offerta dalle autorità. Tra i titoli più recenti di questo
filone si ritrovano Il giustiziere della notte e Vendetta finale, ma prima di questi, nel 2009, è
arrivato al cinema il film Giustizia privata
(qui la recensione), diretto da
F. Gary Gray e
scritto da Kurt Wimmer. Attraverso la storia qui
narrata si esplora dunque la sfiducia nelle istituzioni, come anche
il senso di colpa che si genera da situazioni al limite come quella
qui raccontata. Il titolo originale, Law Abiding Citizen
(letteralmente: cittadino rispettoso della legge), risulta
particolarmente esplicito, e ironico, riguardo a tali
argomenti.
Pur se accolto in modo negativo
dalla critica, Giustizia privata si è affermato
come un buon successo a box office. Il film è infatti arrivato ad
un guadagno di circa 127 milioni di dollari a fronte di un budget
di 53. Girato nella città di Philadelphia, sfondo ideale per una
storia crime di questo tipo, il lungometraggio è poi stato
candidato come miglior film d’azione ai prestigiosi Saturn Awards,
perdendo però contro Bastardi senza gloria. Arricchito da un cast di grandi
attori, tra cui alcuni premi Oscar, Giustizia
privata è ancora oggi, a distanza di più di dieci anni,
uno dei film più ricercati dagli amanti di questo genere.
Particolarmente teso e dinamico,
questo riesce infatti a coinvolgere lo spettatore in una spirale di
violenza e vendetta, abbattendo la distinzione tra buoni e cattivi.
Ognuno dei personaggi presenti vanta infatti tante ragioni quanti
torti. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà
certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità
relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti
possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama e al cast di attori.
Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme
streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
Colm Meaney e Jamie Foxx in Giustizia privata
La trama di Giustizia privata
Protagonista del film è l’ingegnere
Clyde Shelton, il quale conduce una tranquilla
esistenza nella città di Philadelphia, insieme alla moglie ed alla
figlia. Purtroppo per lui, tutto ciò viene irrimediabilmente
spezzato nel momento in cui durante una notte due criminali si
introducono nella sua abitazione. Si tratta di Clarence
Darby e Rupert Ames, i quali oltre a
rubare ciò che possono decidono di violentare e uccidere la moglie
e la figlia di Clyde sotto gli occhi di questi. I due vengono però
arrestati, e l’ingegnere spera di poter vedere giustizia fatta. A
causa di alcuni errori durante le indagini, però, non risultano
esserci abbastanza indizi per condannare entrambi gli
assassini.
L’avvocato Nick
Rice, che ha in mano il caso, decide allora di
patteggiare, convincendo Darby a testimoniare contro Rupert.
Quest’ultimo verrà dunque condannato alla pena capitale, mentre
l’altro viene rilasciato. Deluso e tradito dal sistema, Clyde cova
allora il desiderio di ottenere una vendetta personale. Cose
orribili iniziano infatti a capitare a quanti non hanno permesso
che la famiglia dell’uomo ottenesse giustizia. Ben presto, Rice
capisce di essere sulla lista dei condannati a morte e per poter
evitare di fare una brutta fine dovrà riuscire a riscattarsi delle
sue azioni, ottenendo il perdono di Clyde.
Il cast del film
Protagonisti del film,
rispettivamente nei ruoli dell’ingegnere Clyde Shelton e
dell’avvocato Nick Rice, sono gli attori Gerard Butler ed il
premio Oscar Jamie Foxx.
Originariamente, però, i due avrebbero dovuto interpretare l’uno il
ruolo dell’altro. A proporre lo scambio sembra essere stato Foxx,
più interessato ad interpretare il ruolo dell’avvocato. Butler,
entusiasta dell’idea, acconsentì subito. Accanto a loro, nei panni
del detective Dunningan vi è l’attore Colm Meaney, celebre
per aver interpretato il personaggio di Miles O’Brien nel franchise
di Star Trek. Il procuratore distrettuale Jonas Cantrell ha invece
il volto di Bruce McGill, attore noto per i suoi
ruoli da giudice o avvocato.
L’attrice Leslie
Bibb interpreta invece Sarah Lowell, collega di Nick. Ad
interpretare i due criminali, Clarence Darby e Rupert Ames, vi sono
gli attori Christian Stolte e Josh
Stewart. Il primo è principalmente noto per il ruolo di
Randy “Mouch” McHolland in Chicago Fire, mentre il secondo
è ricordato per serie come Squadra emergenza e
Dirt. L’attrice Regina Hall, celebre per
il ruolo di Brenda la migliore amica della protagonista della saga
di Scary Movie, dà vita al personaggio di Kelly Rice, la
moglie dell’avvocato Nick. Infine, la premio Oscar Viola Davis è
presente nei panni del sindaco della città. Originariamente tale
ruolo era stato offerto all’attrice Catherine Zeta-Jones, la quale ha però
rifiutato la parte.
Gerard Butler in Giustizia privata
Giustizia privata è tratto da una storia
vera?
In un’intervista, il regista ha
parlato di alcune decisioni prese durante le riprese del film e
delle ricerche effettuate. Uno dei commenti che si è più fatto
notare è stata la dichiarazione che Giustizia
privata non è “un documentario“. Con ciò il
regista voleva intendere di non aver preso spunto da nessuna storia
di vita reale a cui sentisse il bisogno di rimanere fedele.
Tuttavia, Gray ha portato avanti numerose ricerche con l’obiettivo
di rendere il film realistico. “Non ho mai visto un’esecuzione
in vita mia, ma ho fatto delle ricerche in video. Penso che tutte
le persone coinvolte abbiano fatto un buon lavoro nel creare quella
che penso sia un’esecuzione che sarebbe andata male“.
Nella stessa intervista, Gray ha
parlato delle armi utilizzate da Shelton, dicendo: “Ho fatto
molte ricerche con esperti di armi e persone del Dipartimento della
Difesa, e ho studiato molto gli strumenti della CIA. Quasi tutto è
possibile. È questa la parte spaventosa. È questo che rende il
personaggio così divertente e pericoloso“. Questo dimostra
che, pur non essendoci un episodio specifico da cui Gray ha tratto
i dettagli, la libertà creativa l’ha portato a cercare altre fonti
per sviluppare le sue idee. In ogni caso, si può stabilire
che Giustizia privata non è basato su una
storia vera.
Il trailer del film e dove vederlo
in streaming e in TV
Per poter guardare e approfondire il
film e i suoi significati, è possibile fruirne grazie alla sua
presenza su due delle più popolari piattaforme streaming presenti
oggi in rete. Giustizia privata è infatti
disponibile nel catalogo di Tim Vision e
Prime Videoper il noleggio,
l’acquisto o la visione compresa nell’abbonamento alla piattaforma.
Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della
qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo
di mercoledì 15 gennaio alle ore
21:20 sul canale Italia 1.
Da oggi Alien:
Romulus (qui
la nostra recensione) è disponibile su Disney+. Il film è stato un
successo significativo al botteghino ed ha anche ottenuto un ottimo
riscontro da parte della critica, quindi non è stata una grande
sorpresa quando l’anno scorso Steve Asbell, capo
dei 20th Century Studios, ha confermato che i primi piani per un
sequel sono in corso. Sebbene il regista Fede
Álvarez non abbia ancora firmato ufficialmente per il
ritorno, sembra che la cosa sia quasi fatta.
Durante una nuova intervista con
Empire, il regista ha infatti
confermato che sta lavorando alla sceneggiatura del sequel e
promette che il film porterà il classico franchise horror
fantascientifico “in acque inesplorate”. “Rodo
[Sayagues, co-sceneggiatore] e io ci stiamo lavorando proprio ora.
Siamo entusiasti di dove può arrivare. Abbiamo quasi spuntato tutte
le caselle delle cose che volevo vedere [in Romulus], e abbiamo
riportato in auge molte delle cose che non vedevo da tempo. Ovunque
andremo ora, potremo spingerci in acque inesplorate”.
Alvarez ha anche ribadito che il
piano attuale è quello di seguire i sopravvissuti del film
precedente, la Rain Carradine di Cailee Spaeny e suo fratello androide Andy
(David Jonsson), che abbiamo visto entrare nel
crio-sonno per il loro viaggio verso Yvaga III nei momenti finali
di Alien: Romulus. “Penso che sarà molto
eccitante andare con i personaggi che conoscete da questo film, in
un luogo del franchise di Alien in cui non siamo mai stati prima, e
scoprire cose che non avete mai visto prima”.
Fede Alvarez pronto a realizzare un
sequel di Alien: Romulus
In una precedente intervista,
Álvarez aveva spiegato perché esiterebbe ad andare avanti con un
sequel fino a quando non avranno trovato una storia degna di essere
raccontata. “Beh, voglio dire, vogliamo assolutamente
farlo”, ha detto il regista a Gizmodo l’anno scorso. “Lo
studio vuole farlo. Io voglio farlo. Credo che con i sequel si
tratti sempre di trovare la storia giusta. Io e Rodo [Sayagues], il
mio co-sceneggiatore, abbiamo alcune idee, ma non è finché non
troviamo qualcosa che ci faccia dire ‘Ok, questo è un film che vale
la pena fare’ che ci imbarchiamo davvero”.
“Quindi è questo il processo in
cui ci troviamo ora, cercare di trovare una storia che sia degna
del tempo di tutti e che sia degna del titolo. Altrimenti, non si
vuole mai cadere nell’errore di fare [un sequel] solo perché il
primo è un grande successo… [fare un sequel] solo perché si può
fare, è sempre una ricetta per il disastro”. Non resta dunque
che attendere per scoprire esattamente quali direzioni prenderà
l’annunciato sequel di Alien: Romulus.
Birds of Prey e la
fantasmagorica rinascita di Harley Quinn ha segnato il
ritorno al cinema della celebre criminale della DC Comics,
interpretata nuovamente dall’attrice MargotRobbie. Nel
film, diretto da Cathy Yan, Harley Quinn viene ripresa in seguito agli
eventi di Suicide
Squad, quando dopo aver rotto la propria relazione con
Joker decide di unirsi al gruppo Birds of Prey (la
recensione), nel tentativo di sconfiggere un nuovo super
criminale arrivato a Gotham City.
Ecco 10 curiosità sul film
Birds of Prey.
La produzione di Birds of Prey
1. Margot Robbie ha proposto
l’idea alla Warner. Dopo aver ricoperto i panni di Harley
Quinn, l’attrice MargotRobbie desiderava poter vestire nuovamente i
panni del personaggio. Per questo motivo propose l’idea per il
film alla Warner Bros., la quale acconsentì dato l’ampio
riscontro positivo ottenuto dal personaggio. L’unica condizione
richiesta dall’attrice fu che il film ottenesse il permesso di
essere un prodotto vietato a certe fasce di pubblico, permettendo
così una maggiore libertà creativa.
2. È stato co-prodotto
dall’attrice protagonista. Particolarmente devota al
progetto, la Robbie ha deciso di
co-produrre il film con la sua compagnia, la LuckyChap.
Partecipando alla produzione di Birds of Prey, questo è il
progetto più ambizioso fino ad ora per lo studio di produzione
dell’attrice, con un budget stimato di 75 milioni di dollari.
3. Il film aveva un titolo
di lavorazione piuttosto noto. Il titolo che la produzione
aveva assegnato al film nel corso della sua pre-produzione e della
fase iniziale delle riprese era Fox Force Five. I fan
accaniti di Quentin Tarantino ricorderanno che questo è
uno dei titoli dei pilot mai diventati serie interpretati da Mia
Wallace nel film Pulp Fiction (1994).
Il cast di Birds of Prey
4. Ewan McGregor non era
la prima scelta per Maschera Nera. Il villain principale
del film è Maschera Nera, che nei fumetti DC Comics è uno dei più
temibili nemici di Batman. Per il personaggio la produzione aveva
inizialmente pensato agli attori Sam
Rockwell e Sharlto Copley. Rockwell
tuttavia rifiutò al ruolo, con la produzione che continuò a cercare
un attore che corrispondesse a quell’archetipo. La parte fu infine
assegnata ad Ewan
McGregor.
5. Diverse attrici furono
prese in considerazione per Cacciatrice. Tra le alleate di
Harley Quinn nel film vi è Cacciatrice. Per il ruolo furono prese
in considerazioni diverse giovani attrici, come Cristin
Milioti, Margaret Qualley e Alexandra Daddario. Il ruolo fu però infine
assegnato all’attrice Mary Elizabeth Winstead.
Dov’è Joker in Birds of Prey?
6. Joker doveva comparire
nel film. Inizialmente, è stata girata una scena sulla
rottura della relazione tra Harley Quinn e
Joker, utilizzando una controfigura di Jared Leto. Tuttavia, la scena è poi stata
tagliata dal film quando si è deciso di concentrare l’attenzione
del film interamente su Harley. Si trattava inoltre di una
necessità imposta dall’indisponibilità di Leto a prendere parte ad
ulteriori riprese.
In Birds of Prey Harley Quinn ha un
nuovo look
7. Il personaggio è stato
pensato in modo diverso. In Suicide
Squad il personaggio di Harley Quinn appariva
prevalentemente come un oggetto del desiderio per la componente
maschile. In questo nuovo film a lei dedicato, al contrario, il
personaggio sfoggerà un nuovo look, il che permetterà di segnare un
ulteriore svolta nel suo arco narrativo. La Robbia ha indicato il
merito di ciò nella presenza alla produzione, alla regia e alla
sceneggiatura di tutte donne.
Birds of Prey è vietato ai
minori
8. È una novità nel DC
Extended Universe.Birds of Prey è l’ottavo
film del DC
Extended Universe, ma sarà solo il primo a sfoggiare il Rated
R, che equivale negli Stati Uniti ad un divieto per i minori di 17
anni per via della presenza di violenza, linguaggio forte,
riferimenti sessuali e uso di droghe.
La regista di Birds of Prey
9. La regista detiene un
importante primato. Per Cathy Yan,
Birds of Prey è la seconda opera cinematografica, ma la
prima ad ottenere una distribuzione particolarmente imponente.
Nell’assumere il ruolo di regista, la Yan è divenuta la prima donna
asiatica a dirigere un film di supereroi, e la seconda regista
donna di un film DC dopo Patty Jenkins.
Birds of Prey doveva essere il
primo di una trilogia?
10. Sarebbe potuto essere
l’inizio ad una trilogia su Harley Quinn. Stando ad alcune
voci, il film sarebbe stato concepito come primo capitolo di una
trilogia dedicata al personaggio di Harley Quinn. I successivi due
capitolo dovrebbero essere Gotham City Sirens e Birds
of Prey vs. Gotham City Sirens. Il successo non
particolarmente redditizio e i continui cambi di direzione del
management di WB e DC hanno messo fine a quei progetti.
Inoltre con l’avvento di James Gunn è in discussione anche la
partecipazione di MargotRobbie come Harley Quinn per il prossimo
futuro della nuova DCU.
Alain Guiraudie,
regista francese de Le Roi de l’évasion e
Lo sconosciuto del lago, torna dal 16
gennaio nelle sale italiane con L’uomo nel
bosco (Miséricorde).
Coprodotto da Albert Serra, la sua ultima fatica
dietro la cinepresa è un brillante mix di thriller rurale, dramma
di provincia e commedia picaresca, sulla scia dell’eccellente
As Bestas di Sorgoyen.
In un’apparentemente tranquilla
cittadina di provincia francese, Saint-Martial,
dove sembra non vivere nessuno tranne la decina di protagonisti, si
svolge questo film mutevole che all’inizio sembra prediligere un
approccio drammatico alla parola carica di significato usata per il
titolo originale (Misericordia), ma che a poco a poco si
rivela un brillante esercizio comico con una buona dose di
humour nero e di irriverenza anticlericale, entrambe
specialità del suo regista, il grande Alain
Guiraudie.
Ritorno al villaggio che non c’è
Tutto inizia con l’arrivo di un’auto
nel villaggio in questione: il conducente è
Jérémie (Félix Kysyl), un giovane
rientrato al paesino natale per prendere parte al funerale
dell’anziano panettiere del villaggio, che si fermerà per qualche
giorno a casa della vedova, Martine
(Catherine Frot). Il rapporto di Jérémie con il
defunto – pare che da adolescente lavorasse nella sua panetteria –
e con la sua famiglia non è del tutto chiaro, ma notiamo fin da
subito cmhe ha un rapporto caloroso con Martine e uno più teso con
il figlio Vincent (Jean-Baptiste
Durand) e con il solitario Walter
(David Ayala), un amico di famiglia, entrambi in
qualche modo emarginati.
Man mano che Jéremie prolunga la sua
permanenza nel villaggio e che i fratelli si innervosiscono a
vicenda e lo affrontano – ognuno a modo suo, l’uno con un
combattimento fisico impressionantemente appiccicoso, l’altro
accampando scuse, fuggendo o bevendo troppo – la tensione inizia a
crescere, così come le confusioni sessuali e altri misteri. A loro
si aggiunge il curiosissimo prete locale,
Padre Grisolles (Jacques
Develay), che sembra essere ovunque e, quando avviene un
atto criminale, la polizia avrà gli stessi poteri di aprire le
porte delle stanze dei sospettati quando dormono.
Jérémie e Vincent in una scena de L’uomo nel bosco – Cortesia di
Movies Inspired
Tutti vogliono Jérémie
L’uomo nel
bosco è un film tanto intrigante quanto scomodo:
mette lo spettatore tra l’incudine e il martello, costringendolo a
entrare nella situazione, oppure invitandolo o ipnotizzandolo,
piuttosto, grazie al puro intrigo, squisitameante costruito. Fin da
subito si capisce che c’è qualcosa di molto sbagliato e che ci sono
segreti che verranno alla luce. C’è, ovviamente, un interesse
malsano e morboso nel volerli scoprire, per quanto oscuri possano
essere. Più sono perversi, meglio è.
Religione, sesso, segreti e bugie di
ogni tipo vengono alla luce in una combinazione molto acida che
Guiraudie gestisce con eleganza e leggerezza. Per qualche motivo
non del tutto chiaro, Jérémie suscita passioni nel villaggio, e
nessun sesso o credo può resistere al suo fascino misterioso. Come
in Strangers By the Lake, sesso e crimine
si mescolano in modi impensabili nell’opera di questo regista
francese iconoclasta, libero e felicemente
irrispettoso.
Una scena del film L’uomo nel bosco – Cortesia di Movies
Inspired
Chiusure che diventano spazi labirintici
I film di Guiraudie
tendono sempre a concentrarsi su una parte della Francia, sulla sua
terra natale, l’Occitania, e da lì si
proiettano in luoghi sconosciuti, in un mistero mai
definito. La storia che racconta L’uomo nel
bosco non si allontana di una virgola dal realismo,
eppure nega la realtà rappresentata per avvolgerla in un’atmosfera
strana e inquietante, vicina alla fiaba o alla favola. Il bosco in
cui si svolge gran parte del film sembra essere un luogo astratto
costruito in modo frammentario, attraverso inquadrature che lo
delimitano ma che lo aprono anche a molteplici
interpretazioni, così come la fila di alberi che lo
compongono sembra sempre nascondere qualcosa. La casa della vedova,
così come la stanza in cui vive il protagonista, è uno spazio
labirintico che non viene mai mostrato nella sua interezza. E il
protagonista stesso, intrappolato in questo clima
ossessivo, non può fare altro che vagare in questi spazi
come se non potesse sfuggirvi, come se fosse condannato a vagarvi
per tutta la vita.
In questo microcosmo opprimente, in
cui finisce per svolgersi una commedia dell’intreccio dai toni
piuttosto cupi, Guiraudie introduce diverse questioni
apparentemente trascendentali, che nelle sue mani finiscono per
costruire una sottile e assurda metafisica: il desiderio
porta alla notte, che a sua volta porta alla morte. E
questi tre temi, intrecciati in un rondò dalla struttura perfetta
ma pieno di punti di fuga, danno vita a una ragnatela che
contraddice la pulizia delle inquadrature: il mondo è un luogo
apparentemente semplice in cui tutto cospira per complicarci la
vita. Tuttavia, la misericordia, intesa come
canalizzazione del desiderio per ricomporre l’ordine perduto,
è sempre in grado di offrire consolazione. Il
protagonista può finire intrappolato nel villaggio, ma raggiunge
anche una certa pace interiore: la felicità consiste in
quell’equilibrio tra l’accettazione della morte e il traboccare
della vita.
A distanza di più tempo di quanto si
credeva,
il trailer di Daredevil: Born Again è
finalmente arrivato on line e c’è da dire che il piacere ha
ripagato l’attesa. Leggermente diverso rispetto alla versione
trapelata online dopo il D23 dello scorso anno,
il video promette una nuova avventura ricca di azione e
sangue per l’Uomo senza Paura.
La Marvel Television è chiaramente
attenta a non svelare troppo della serie di 9 episodi. Tuttavia, ci
sono diverse grandi rivelazioni e accenni a ciò che accadrà,
comprese le apparizioni di personaggi come Bullseye, il
Punitore e Muse. Grazie a CBM, ecco un approfondimento sul
trailer di Daredevil: Born Again che analizza
tutti i momenti più importanti, le rivelazioni, i potenziali
spoiler sulla trama, i riferimenti ai fumetti e gli Easter Egg.
Alleati improbabili?
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Matt Murdock e
Wilson Fisk si incontrano in una tavola calda per
uno scambio teso ma i due si rivolgono l’uno all’altro quasi come
se fossero vecchi amici. Sembra che i due nemici di lunga data
abbiano raggiunto una sorta di tregua. Il nuovo ruolo di Fisk come
sindaco lo rende probabilmente intoccabile, anche se sembra che
Matt sia aperto all’idea che il Kingpin del crimine abbia voltato
pagina (l’avvocato non è del tutto convinto, e a ragione, visti i
flash di Fisk che si azzuffa violentemente con qualcuno che
intercalano questo incontro).
Il punto più importante è
l’ammissione da parte di Fisk che “non è del tutto
spiacevole” rivedere Matt. È un complimento a rovescio, certo,
ma i due potrebbero non farsi la guerra in questa serie… almeno non
ancora.
Amici riuniti
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Inizialmente non ci si aspettava che
Elden Henson e Deborah Ann Woll
riprendessero i loro ruoli di Foggy Nelson e Karen Page in Daredevil:Born
Again. La revisione creativa ha cambiato le cose,
fortunatamente, ed entrambi i personaggi possono essere visti al
fianco di Matt. Sembra che si tratti della stessa sequenza che
abbiamo visto girare nelle foto e nei video del set.
Tuttavia, Karen appare
successivamente in quella che sembra essere un’aula di tribunale. E
sì, il fatto che sia vestita di nero ci fa un po’ preoccupare su
cosa ne sarà di Foggy. In ogni caso, non ci aspettiamo che abbiano
un ruolo importante in questa prima stagione.
Sindaco Fisk
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Wilson Fisk è ora il sindaco di New
York e, a giudicare dalla foto della folla, è adorato dai cittadini
della Grande Mela. Non è chiaro come Daredevil:Born
Again affronterà il fatto che Kingpin ha trascorso del
tempo dietro le sbarre. Probabilmente sarebbe abbastanza facile con
una battuta a effetto rivelare che è stato scagionato da tutte le
accuse. Nel MCU sono successe cose più
strane.
Si dice che Fisk otterrà il suo
sostegno dando un giro di vite ai vigilanti di strada che gli hanno
causato un gran mal di testa nel corso degli anni. In base alla
prossima diapositiva, però, Matt potrebbe non essere troppo
infastidito da questo…
Mai più Daredevil
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Nella versione originale di
Daredevil: Born Again, Matt avrebbe rinunciato a
essere un vigilante per quasi tutta la prima stagione dello show. I
Marvel Studios si sono resi conto che era una
pessima idea, anche se sembra che questo punto della trama sia
rimasto.
Alla domanda di Fisk sul perché
abbia rinunciato a essere un vigilante, Matt risponde: “È stato
superato un limite”. Ha superato il limite o l’eroe si sta
forse riferendo all’attacco di Bullseye? Non prevediamo che
rinuncerà al mantello per molto tempo, anche se lo si può vedere
con un costume di fortuna più avanti nel trailer. Se Daredevil non
in giro, avrebbe senso che l’avvocato non si opponga
necessariamente al piano di Fisk di eliminare i vigilanti
pericolosi.
Bullseye
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Wilson Bethel torna
a vestire i panni di Benjamin “Dex” Poindexter e si rimette in
piedi mentre una squadra di guardie lo accompagna in prigione. La
terza stagione di Daredevil ha percorso una strada
strana con la storia del cattivo, rendendolo uno che si faceva
passare per Daredevil, ma ci aspettiamo che i
Marvel Studios lo rendano
più in linea con la sua controparte a fumetti (anche se il suo
classico costume è stato scambiato con uno molto più concreto).
Bullseye può essere visto in seguito
all’attacco e, anche se non prevediamo necessariamente un suo ruolo
importante in Born Again, la nuova Marvel Television ha il merito di
non aver lasciato in sospeso questo cliffhanger.
Un nuovo interesse amoroso
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Sembra che Matt e Karen siano
saldamente in zona amicizia, perché questo trailer mostra un nuovo
interesse amoroso: Heather Glenn. Nei fumetti, la
socialite ha aiutato Matt a finanziare il suo studio
legale grazie all’aiuto del padre, l’industriale Maxwell Glenn.
Come Daredevil, l’avvocato ha scoperto di essere
caduto sotto il controllo dell’Uomo Porpora e di essere stato
coinvolto in una cospirazione criminale.
L’eroe fa del suo meglio per
scagionarlo, ma quando non ci riesce, il padre di Heather muore
suicida. Matt alla fine si stanca delle feste e dell’abuso di alcol
della sua ragazza e, dopo che le loro strade si separarono, lei
cade sempre più nell’alcolismo e si toglie la vita.
Muse
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Muse è un serial killer squilibrato
con un talento artistico. Sembra uscito direttamente dalla pagina e
si scontra con Daredevil in un faccia a faccia che
fa pensare a una minaccia fisica per il vecchio
Hornhead. Vediamo anche i suoi accattivanti graffiti e, come
suggeriscono le foto del set, tutti gli indizi indicano che è alla
ricerca del sangue del sindaco Wilson Fisk.
Se, ad esempio, la sua famiglia è
stata uccisa da Kingpin, come si sentirà Daredevil a intervenire
per fermare una ricerca di vendetta di cui si è occupato lui stesso
in passato? I corpi appesi al soffitto potrebbero cambiare le cose,
naturalmente.
Qualcosa di familiare…
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Wilson Fisk e
Vanessa Fisk vengono brevemente mostrati mentre
mangiano insieme e, sullo sfondo, c’è quel familiare ritratto
bianco… che ha ancora il sangue schizzato sopra dal finale della
terza stagione. La sua presenza qui non solo conferma che il
Daredevil di Netflix è canonico, ma che i Marvel Studios non intendono più
trattare quella serie come qualcosa che potrebbe essere
accaduto.
Daredevil: Born
Again si svolge sulla Terra-616 e ci aspettiamo qualche
piccolo cambiamento… dopo tutto, è improbabile che Kevin
Feige sia vincolato ad alcune delle idee più stupide della
precedente Marvel Television.
Tigre bianca
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Forse non ve ne siete accorti, ma è
Hector Ayala che combatte contro quei teppisti
nella metropolitana (cosa che abbiamo potuto confermare grazie al
trailer trapelato al D23). In questo sneak peek, Hector veste i
panni della Tigre Bianca, anche se con un costume un po’ più nero
rispetto alla versione completamente bianca dei fumetti. Intorno al
suo collo c’è l’amuleto che conferisce il potere e che, come
sappiamo, alla fine passerà a sua nipote, Angela del
Toro, la prossima Tigre Bianca.
Una nota più triste è che l’attore
che qui interpreta la Tigre Bianca, Kamar de los
Reyes, è morto nel dicembre 2023 dopo aver lottato contro
il cancro.
Nuovi costumi
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Matt non si è vestito fino al finale
della prima stagione di Daredevil e ha poi
indossato lo stesso costume nella maggior parte della seconda
stagione e in The Defenders, prima di abbandonarlo
per la sua versione nera fatta in casa per tutta la terza
stagione.
Da allora lo abbiamo visto con il
classico costume giallo in She-Hulk: Attorney at Law e questo trailer
ci suggerisce ancora più look alternativi. Vengono mostrati cinque
cappucci, due dei quali di diverse tonalità di rosso e gli altri
bianchi, gialli e neri.
Il costume rosso che appare nelle
foto del set viene mostrato durante alcune intense scene di
combattimento e sembra essere quello che indosserà per la maggior
parte di Daredevil: Born Again. In base a questa
anticipazione, ci si aspetta che l’attore sfoggi anche altri nuovi
look.
Così. Tanta. Violenza
Immagine dal trailer di Daredevil: Born Again
Ci era stato promesso che
Daredevil: Born Again non si sarebbe tirato
indietro in termini di violenza e questo trailer è senza dubbio
all’altezza delle aspettative. Il sangue scorre a fiumi, le ossa si
rompono, i pugni arrivano a destinazione e l’Uomo Senza Paura si
scrolla di dosso la versione buffa dell’eroe che abbiamo visto in
She-Hulk: Attorney at Law. Non illudetevi,
Born Again si guadagnerà la classificazione
TV-MA.
Non è chiaro cosa questo significhi
per Daredevil nel più ampio MCU. Tuttavia, se
Wolverine e Deadpool possono
frequentare gli eroi più potenti della Terra in Avengers: Doomsday, non vediamo
perché questo personaggio non possa incrociare il suo cammino con
Spider-Man.
Il film del 2019
La ragazza della palude, tratto dal romanzo
best-seller Where the Crawdads Sing di Delia
Owens, ha fatto molto parlare di sé. Diretto da Olivia Newman, già
regista di First Match, e prodotto dalla premio Oscar
Reese Whiterspoon, il film ha infatti offerto
non solo un’intricata storia con un enigma da risolvere ma anche
una serie di riflessioni sulla conservazione della natura e
l’istinto di protezione umano. Tematiche che si scoprono
particolarmente delicate se poste in rapporto con ciò che circonda
l’opera e la vita della Owens.
Il film è anche celebre per la
presenza di un brano dal titolo “Carolina“, scritto
e interpretato dalla cantautrice americana Taylor
Swift, realizzato prima ancora che la pellicola entrasse
in produzione. La Swift ha dichiarato di essersi “assolutamente
persa nel libro quando l’ha letto anni fa” e di aver
“voluto creare qualcosa di ossessionante ed etereo” per il
film quando ha saputo che lo stavano producendo. Ma, come si
diceva, sono molteplici i motivi per cui
La ragazza della palude è noto, a partire dal suo
controverso finale e dalle vere vicende che sembra evocare.
Sono infatti molti gli aspetti
interessanti del film e in questo articolo, approfondiamo dunque
alcune delle principali curiosità relative a
La ragazza della palude. Proseguendo qui nella lettura
sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama, al cast di attori, alla
spiegazione del finale e alla storia vera
a cui si ispira. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
Protagonista del film è
Kya, una bambina abbandonata che è cresciuta fino
all’età adulta nelle pericolose paludi della Carolina del Nord. Per
anni, le voci sulla “ragazza della palude” hanno perseguitato
Barkley Cove, isolando la forte e selvaggia Kya dalla sua comunità.
Per lei tutto sembra cambiare quando conosce
Chase, quaterback locale con cui intraprende una
relazione. Quando però il giovane viene ritrovato morto, Kya è
immediatamente indicata come la principale sospettata.
Ad interpretare Kya vi è l’attrice
Daisy Edgar-Jones, divenuta celebre per la
serie Normal People. Ad interpretare Tate, amico e amante di
Kya, da giovane vi è Luke David Blumm, mentre la
sua versione adulta è interpretata da Taylor John
Smith e quella anziana da Sam Anderson.
Chase è invece interpretato da Blue Clarke da
giovene da Harris Dickinson da adulto.
Michael Hyatt interpreta Mabel Madison, mentre
Garret Dillahunt e Ahna O’Reilly
interpretano “Pa” Jackson Clark e “Ma” Julienne Clark.
La spiegazione del finale: chi ha
ucciso Chase?
Nel finale del film, con la sola
teoria infondata che la vuole assassina, la collana mancante di
Chase e la testimonianza a suo favore di un pescatore, Kya viene
dichiarata non colpevole. Da quel momento in poi, la ragazza
ritrova il suo primo amore Tate e trascorre il resto della sua vita
insieme a lui. Pubblica libri naturalistici illustrati e riceve
spesso la visita di Jodie e della sua famiglia. Ormai settantenne,
mentre attraversa la palude con la sua barca, immagina di vedere
sua madre tornare alla baita.
Poco dopo, Tate trova Kya morta
nella barca al loro molo. Dopo aver raccolto le cose di lei, trova
un passaggio del suo diario in cui si dice che per proteggere la
preda, a volte il predatore deve essere ucciso. Il testo è
accompagnato da un disegno di Chase. Tate trova poi la collana di
conchiglie mancante e dopo una breve riflessione la getta
nell’acqua della palude. Il finale suggerisce dunque che è
effettivamente stata Kya ad uccidere Chase.
Le sue ragioni non vengono mai
spiegate esplicitamente, ma è chiaro che Chase stava diventando
violento e non voleva permettere che Kya lo abbandonasse. Cresciuta
con un padre violento, la ragazza era probabilmente stanca di
essere una preda e si è trasformata in un predatore per assicurarsi
la sopravvivenza. Nel gettare la collana nell’acqua, Tate decide
dunque di nascondere la verità e proteggere la donna amata.
La ragazza della palude è tratto da una storia
vera?
La ragazza della palude non è basato su una
storia vera, ma alcune persone hanno trovato delle analogie tra gli
elementi rappresentati nel film (e nel libro da cui è tratto) e la
vita dell’autrice Delia Owens. Infatti, la Owens,
l’ex marito Mark e il figliastro Christopher sono attualmente
ricercati dalle autorità dello Zambia per essere interrogati in
merito all’omicidio di un presunto bracconiere avvenuto nel 1995.
Ad oggi Delia e gli altri coinvolti hanno categoricamente smentito
la cosa, ma l’aver scritto un romanzo con dinamiche di questo tipo
ha contribuito al riaccendersi del caso.
Il trailer di La ragazza
della palude e dove vedere il film in streaming e in
TV
È possibile fruire di
La ragazza della palude grazie alla sua presenza su
alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in
rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di
Infinit+, Apple TV,
Prime Video e Netflix. Per vederlo, una volta scelta la
piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o
sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di
guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video.
La seconda stagione di
questo anime 
Il motivo per cui Annette
può estrarre i frammenti dell’anima è dovuto al fatto che è entrata
nel regno degli spiriti in Castlevania: Nocturne.
Attinge al suo piano ancestrale per trovare la parte buona
dell’anima di Sekhmet. Le due parti precedenti, “ka” e “ba”, sono
state corrotte e inserite in Erzsebet. Lo spirito di Annette si
dirige verso un tempio nell’aldilà e trova “akh”, che è il lato
chiaro. Ma questo lato si arrabbia e possiede il corpo di Annette
nel mondo reale. Punisce Erzsebet e poi Drolta per aver calunniato
il suo nome.
Per un po’ di tempo, i
fan hanno voluto vedere scatenata la magia completa di Richter
Belmont. Ha lottato mentalmente nella 
L’episodio finale
di Castlevania: Nocturne Stagione 2 termina con Annette
che torna alla sua colonia a Saint-Domingue. Ha con sé il suo
amico, Edouard. Chiarisce che la loro società lo accetterà
nonostante sia una Creatura della Notte. Ha mantenuto la sua
umanità e può diventare un guardiano per il loro popolo. Richter va
con loro, intraprendendo finalmente una relazione con Annette.
Ora, ci sono degli
archi narrativi diretti per la terza stagione di
Castlevania: Nocturne. Richter, Annette ed Edouard
potrebbero dare la caccia a nuovi mostri o affrontare la
costernazione quando torneranno a Saint-Domingue. La società
potrebbe non apprezzare i guai che portano o l’aspetto di Edouard.
In secondo luogo, Maria ha un lato oscuro. Juste e Alucard lo
sanno. Odia il modo in cui suo padre, il malvagio Abbott, ha creato
le Creature della Notte per rifare il mondo secondo un ordine
distorto.
Il passato di Jod
Na Nawood
