Il film romantico Queer (qui la recensione) racconta la storia dell’espatriato americano Lee (Daniel Craig) e del giovane Gene (Drew Starkey), esplorando le complessità dell’amore, dell’attrazione e dello stile di vita gay negli anni Cinquanta. Diretto da Luca Guadagnino e basato sull’omonima novella del 1985 di William S. Burroughs, Queer porta il pubblico nella Città del Messico degli anni Cinquanta per incontrare Lee, un emarginato tra le altre persone queer, che trascorre il suo tempo visitando i club della città e cercando di trovare nuovi (e più giovani) partner sessuali.

Un giorno, Lee vede Gene in un bar e ne è immediatamente attratto, ma, con sua grande sorpresa, non riesce ad avvicinarsi a lui, finché Gene stesso non gli si avvicina. Iniziano così una relazione sessuale, ma Gene continua a essere emotivamente distante, mentre Lee desidera l’intimità emotiva, pur avendo a che fare con un disturbo da uso di sostanze. Un viaggio in Sud America che li porta nella giungla per un’esperienza di yagé/ayahuasca finisce per essere un punto di svolta per i due, e il loro legame e la loro relazione non sono più gli stessi quando arriva il finale di Queer.

Perché Lee e Gene non restano insieme nel finale

Prima che Lee incontri Gene, Queer mostra che Lee tende ad andare a caccia di giovani uomini e ad attirarli a fare sesso con lui, con uno di loro che dice al suo amico che Lee ha cercato di andare a letto con lui per un po’ e che non è in grado di capire l’amicizia tra persone queer. Il problema di Lee non è che non sia in grado di stringere amicizia con altre persone queer, perché è assolutamente in grado di farlo (è amico di Joe, interpretato da Jason Schwartzman), ma che desidera amore, attenzioni e intimità in ogni modo, il che può farlo apparire come disperato o appiccicoso.

L’attrazione di Lee per Gene è diversa da qualsiasi altra che abbia mai provato, poiché non sa nemmeno come approcciarsi a lui, e solo quando Gene gli parla si lascia finalmente andare e si gode l’esperienza. Tuttavia, la relazione tra Lee e Gene è solo sessuale e, sebbene Gene tenga a Lee, l’intimità emotiva che Lee cerca non è presente con Gene. Lee invita Gene a partecipare al suo viaggio in Sud America per avvicinarsi a lui, ma Gene non cambia realmente le sue abitudini.

Uno dei motivi per cui Lee decide di andare in Sud America è il suo interesse per la telepatia e per la pianta yagé, che, a quanto ha letto, viene usata per migliorare la telepatia. Un esperto in materia invia Lee e Gene nella giungla per incontrare la dottoressa Cotter (Lesley Manville), una scienziata che ha studiato la pianta per anni e può controllarne l’uso. Il “viaggio” nello yagé di Lee e Gene apre loro gli occhi e quando finisce, invece di essere più vicini, sono più distanti che mai. Lee e Gene partono e prendono strade diverse, e Lee rimane single fino al suo ultimo giorno.

Perché Lee era così interessato alla telepatia

L’interesse di Lee per la telepatia viene menzionato per la prima volta all’inizio di Queer, quando ne parla con uno dei giovani a cui è interessato. Lee dice di credere nella telepatia e di essere interessato a sperimentarla, e per questo vorrebbe vivere l’esperienza del consumo di yagé. Lee dice anche di aver letto che il governo degli Stati Uniti e i russi hanno fatto esperimenti con lo yagé a scopo di controllo mentale, il che ha gettato un po’ di stigma sulla pianta.

Lee è così interessato alla telepatia non solo perché ci crede, ma perché sarebbe un modo molto più semplice per comunicare i suoi sentimenti ai suoi partner, soprattutto a Gene. Lee fatica a connettersi e a comunicare con Gene, e il suo desiderio di intimità con lui è splendidamente illustrato da un Lee fantasma che raggiunge fisicamente Gene, per cui la telepatia gli permetterebbe di dire a Gene ciò che sente e di cui ha bisogno in modo più semplice e diretto.

Cosa significa l’esperienza di Lee e Gene con lo yagé

Lee viene avvertito più di una volta, prima del finale di Queer, che l’assunzione di yagé non ti fa sballare ed è diversa da qualsiasi altra droga. Lee ha una dipendenza dagli oppioidi e assume regolarmente eroina e, durante il viaggio in Sud America, va incontro a un’intensa crisi di astinenza. Riesce a disintossicarsi durante il viaggio, ma insiste nel provare lo yagé, anche dopo essere stato avvertito che l’assunzione non lo porterà in un’altra “dimensione” come le altre droghe, ma è invece uno specchio che costringe l’utente a guardarsi veramente dentro.

Gene accetta di prendere lo yagé con Lee e i due lo provano con l’aiuto del dottor Cotter, e proprio quando pensano che la pianta non abbia fatto effetto, iniziano a vivere un’esperienza davvero strana ma molto intensa. Dopo aver vomitato il proprio cuore, Lee e Gene si siedono davanti a un falò e scompaiono gradualmente mentre comunicano telepaticamente. Gene dice a Lee di non essere queer e di essere invece incorporeo, una frase che Lee aveva già detto in un sogno. Sebbene Lee dica che lo sapeva già, ha il cuore spezzato, ma nel bel mezzo del viaggio in yagé le sue urla non si sentono.

In un ultimo tentativo di avvicinarsi a Gene al di là di una relazione sessuale, i corpi di Lee e Gene iniziano a fondersi mentre si abbracciano, e questo è il loro ultimo momento insieme. Quando gli effetti dello yagé si esauriscono, Lee cerca di riavvicinarsi a Gene, ma quest’ultimo vuole solo dormire. Il mattino seguente, Gene non parla con Lee e quando lasciano la casa del dottor Cotter, si separano per sempre. Il viaggio nello yagé apre gli occhi sia a Lee che a Gene, con quest’ultimo che finalmente è abbastanza libero da dire a Lee che non è queer e che quindi non può amarlo come vorrebbe.

Lee ottiene ciò che vuole dal “viaggio”, poiché sperimenta la telepatia e può finalmente comunicare con Gene, ma, allo stesso tempo, non ottiene ciò che vuole, poiché si rende conto che Gene non lo amerà mai e lo lascerà. In un ultimo momento di simbolismo in Queer, una volta tornato a Città del Messico due anni dopo, Lee fa un altro sogno in cui trova un serpente che si mangia la coda (l’ouroboros) e Gene che indossa una collana di millepiedi che prende vita.

L’ouroboros è un simbolo del ciclo della vita e della rinascita, ma soprattutto, nel contesto di Lee, riguarda il modo in cui si consuma, così come Lee continuerà nel suo circolo vizioso di solitudine, desiderio d’amore, uso di sostanze ed essere queer in un mondo intollerante e repressivo. D’altra parte, il millepiedi semplicemente se ne va, proprio come fa Gene, e va avanti mentre Lee rimane uguale.

Cosa succede a Gene dopo il viaggio in yagé

Come già detto, il viaggio in yagé permette a Gene di essere finalmente completamente onesto con Lee e di dirgli che non è queer e che quindi non lo amerà come lo ama lui. Anche quella notte, Gene non vuole parlare di ciò che è successo e sceglie di dormire mentre Lee rimane sveglio, e la mattina seguente non parla e rifiuta di aprirsi anche con il dottor Cotter. Quando escono dalla casa del dottor Cotter, Gene è un paio di passi avanti a Lee, ma improvvisamente scompare e quella diventa l’ultima volta che Lee lo vede.

Due anni dopo, a Città del Messico, Lee viene a sapere da Joe che Gene è tornato in città ma è partito sei mesi prima con un colonnello dell’esercito per il Sud America per fargli da guida turistica, e ha anche accennato alla possibilità di incontrare Lee. Gene non torna più a Città del Messico o Lee se ne va ad un certo punto, ma i due non si rivedono mai più.

Cosa succede a Lee alla fine del film

Il finale di Queer contiene un salto temporale: Lee continua il suo viaggio senza Gene dopo l’esperienza yagé e torna a Città del Messico due anni dopo. Lee si riunisce con Joe nel loro bar preferito, dove Joe gli dice che Gene è partito sei mesi fa. Dopodiché, Queer passa al già citato sogno con l’ouroboros e il millepiedi, in cui Gene è seduto su un letto dell’hotel locale dove Lee aveva avuto in precedenza incontri sessuali con altri uomini. Gene si mette un bicchiere di vetro in testa e Lee spara, colpendo Gene alla testa. Sebbene all’inizio Lee sorrida, poi si precipita sul corpo di Gene e lo bacia per l’ultima volta.

Lee si è ormai liberato di Gene, ma non del tutto, perché una parte di lui continuerà ad amarlo – o, forse, ciò che ama e a cui si aggrappa è l’idea di ciò che sarebbe potuto essere se Gene avesse ricambiato il suo amore. Queer fa un ultimo salto temporale a un Lee anziano in quella stessa stanza d’albergo, e invece di indossare il suo caratteristico abito bianco, ora ne indossa uno nero. Lee si sdraia sul letto, su un fianco, tremando, come quando era in astinenza da oppioidi, ma questa volta senza Gene. I ricordi del periodo trascorso con lui continuano a suonare nella sua testa e Lee muore da solo in quel letto, mentre l’ultima inquadratura è costituita da luci lampeggianti di diversi colori.

Il vero significato di Queer

Sebbene l’amore unilaterale tra Lee e Gene sia il punto focale di Queer, ci sono altri grandi temi affrontati. Lee desidera l’intimità emotiva, ma non sa come ottenerla e si accontenta di relazioni puramente fisiche. Mentre Lee vive una vita più libera come uomo queer, Gene è l’opposto, poiché ha ceduto alla pressione sociale degli anni Cinquanta contro le persone queer e non si permette di vivere la sua verità; come diretta conseguenza di ciò, non sa cosa vuole, il che lo porta a giocare con i sentimenti di Lee.

Anche se Lee vive più liberamente, Queer mostra anche quanto possa essere solitario essere una persona queer, poiché c’è ancora un vuoto in lui che non riesce a colmare, e questa solitudine era più presente negli anni Cinquanta. Non si sa se Gene sarà mai in grado di vivere liberamente la sua vita, di essere se stesso e di trovare qualcuno con cui essere se stesso e che possa amare a sua volta, ma almeno per Lee la solitudine rimane fino al suo ultimo giorno, così come il suo amore per Gene.

Il grande colpo di scena di Drop – Accetta o rifiuta è sempre stato sotto gli occhi del pubblico, con una motivazione che in realtà gioca a favore dei temi del film. Diretto da Christopher Landon (regista di Auguri per la tua morte), questo nuovo thriller al cinema dal 17 aprile è incentrato sulla Violet di Meghann Fahy. Al suo primo appuntamento dopo la morte del marito violento, la donna sembra inizialmente felice di condividere finalmente un pasto con il bello e dolce Henry. Tuttavia, una serie di messaggi anonimi la avvisano che la vita di sua sorella Jen e di suo figlio Toby è in pericolo, a meno che non segua esattamente le istruzioni. A questo punto il film propone una serie di colpi di scena che costringono Violet a cercare di scoprire la verità.

Drop – Accetta o rifiuta propone dunque un mistero profondamente divertente e un racconto ingannevolmente elegante che diventa sempre più avvincente man mano che la posta in gioco si alza. Ci si concentra principalmente sul mistero che circonda la persona che sta cercando di costringere Violet a commettere un omicidio, ma questo non toglie nulla alla potente morale al centro della storia. Si tratta di un film in cui i sopravvissuti agli abusi riprendono il loro potere e lottano contro le persone che vogliono controllarli. Ecco allora come il finale del film porta degnamente a conclusione questo teso thriller, in un’esplosione di azione che sottolinea i temi emotivi.

Il colpo di scena di Drop – Accetta o rifiuta

Il cattivo principale di Drop – Accetta o rifiuta è Richard, che si rivela un assassino molto più pericoloso di quanto il suo personaggio inizialmente senza pretese potesse far pensare. Inizialmente, Richard sembra un personaggio di ripiego destinato ad animare la scena che ha con Violet ad inizio film. Un uomo anziano al suo primo appuntamento dopo anni sembra abbastanza innocuo. In realtà, è un assassino ingaggiato per uccidere Henry. Sembra che Richard e il suo innominato socio abbiano fatto questo lavoro abbastanza a lungo da perfezionarlo, usando la tecnologia moderna per manipolare Violet e impedire ogni suo tentativo di avvisare le autorità.

Assicurandosi la collaborazione di Violet minacciando la sua famiglia, Richard cerca di costringerla ad avvelenare Henry, dopo aver preparato la situazione con le prove della colpevolezza di lei. In questo modo, la incolperà dell’omicidio di Henry. Violet sarà vista dalle telecamere di sicurezza mentre manomette il drink dell’uomo, somministrandogli un’overdose di un farmaco che somministra spesso ai pazienti. Complica la cosa il fatto che si dice abbia ucciso il suo violento marito. Dal suo punto cieco in una cabina, Richard può dunque osservare tutto questo e rispondere ai tentativi di fuga di Violet. È un piano ben congegnato che va in fumo solo perché sottovaluta la donna in un momento chiave.

Perché Richard vuole che Henry muoia

Richard non sembra avere un’antipatia specifica per Henry, ma rivela di averlo preso di mira solo a causa dei suoi datori di lavoro. Drop – Accetta o rifiuta rivela che Henry è un fotografo dell’ufficio del sindaco che ha le prove della corruzione del politico. Henry sta collaborando con le autorità e sarà un testimone chiave nel caso. La sua morte, anche in circostanze normali, potrebbe essere considerata sospetta, rendendo necessario un omicidio più articolato. Richard deve anche assicurarsi che la scheda SD della sua macchina fotografica venga distrutta, cosa che costringe Violet a fare nelle sue manipolazioni.

Per questo motivo Richard cerca di usare Violet come intermediario per il suo assassinio. Se Violet venisse incolpata dell’omicidio, sembrerebbe completamente scollegata dall’indagine sul sindaco e potenzialmente gli risparmierebbe ulteriori controlli. Ironia della sorte, i tentativi di Richard di proteggere il sindaco da qualsiasi legame con l’assassinio lo espongono in uno spazio estremamente pubblico. Una volta convinto che Violet abbia avvelenato Henry, Richard deride Violet con tutti i dettagli del loro piano – solo per rendersi conto che lei ha finto di avvelenare Henry e in realtà ha avvelenato il dessert dell’anziano. La sua successiva morte (e l’incapacità di uccidere Violet o Henry) smaschera poi il sindaco.

Cosa è successo davvero al marito di Violet

La prima scena di Drop – Accetta o rifiuta è uno dei momenti più cupi del film, in quanto allude alla natura abusiva del rapporto tra Violet e il suo ex marito. Nonostante avessero un bambino insieme, l’uomo divenne per Violet una presenza sempre più instabile e violenta. La donna spiegherà a Henry, alla fine del film, che era diventato pericoloso con il figlio (cosa che ancora la tormenta). Come viene costantemente rivelato nel film attraverso i flashback, il marito di Violet si scagliava contro di lei, la picchiava e minacciava sia lei che il neonato Toby con una pistola. All’arrivo della polizia, il marito, scosso, ha puntato la pistola contro di sé, uccidendosi.

È una rivelazione oscura che cambia gran parte delle scene precedenti. La decisione di Violet di cambiare la sua prassi nei confronti dei sopravvissuti agli abusi acquista un taglio molto più personale, così come la sua eventuale resilienza di fronte ad altri uomini controllanti e violenti come Richard. Inoltre, dà a lei e a Henry qualcosa di vulnerabile su cui legare, dato che lui è ancora scosso dalle sue scoperte sul sindaco. Inoltre, offre a Richard un potenziale mezzo per dipingere Violet come un’assassina violenta, suggerendo che la famiglia del marito la sospettasse in seguito di un crimine. La tragica verità dietro il matrimonio di Violet è dunque una rivelazione emotivamente efficace.

Il vero significato di Drop

Drop – Accetta o rifiuta è dunque un film dal ritmo serrato che presenta diversi colpi di scena di grande effetto, concentrandosi più sulle tortuose svolte della trama che su qualsiasi grande dichiarazione tematica. Al centro di Violet (e in misura minore di Henry) c’è una metafora dei sopravvissuti agli abusi. Che si tratti di una relazione sentimentale tossica, del tradimento di un amico o delle manipolazioni di un datore di lavoro, i sopravvissuti come Violet e Henry sono entrambi chiaramente scossi e scoraggiati da queste esperienze. Henry suggerisce addirittura di brindare con i loro shot di tequila alla “speranza” di poterne uscire rafforzati.

Questa è l’etica delle azioni di Violet nel momento culminante, quando si rifiuta di cedere la sua autorità a un altro uomo che vuole abusare del suo potere su di lei. Violet combatte contro Richard, non solo superandolo nel ragionamento, ma assicurandosi la sua morte mentre è seduta proprio di fronte a lui. Violet aiuta a evitare che sua sorella e suo figlio diventino vittime, rifiutandosi di seguire le regole di Richard. Drop – Accetta o rifiuta si immedesima nel dolore persistente che il trauma può provocare in tutti i tipi di persone, ma sottolinea quanto sia importante lottare contro di esso e recuperare il proprio senso di sé e la propria autonomia.

Gli anni Settanta sono stati un decennio eccezionale per il cinema americano, con i registi della New Hollywood che hanno approfittato di una libertà artistica senza precedenti mentre il vecchio sistema degli studios declinava. L’atteggiamento verso il sesso, la violenza e le tematiche adulte si allentò e registi come Martin Scorsese, Robert Altman, Peter Bogdanovich, Roman Polanski e i loro contemporanei fiorirono creativamente, realizzando alcuni dei più grandi film dell’epoca. Alla fine, però, quella libertà divenne una lama a doppio taglio. Sul finire del decennio, alcuni noti progetti cinematografici divennero così imponenti e troppo ambiziosi da affossare l’intero movimento. Tra questi vi è anche Apocalypse Now di Francis Ford Coppola.

Sebbene non sia stato disastroso come l’epico fallimento di I cancelli del cielo di Michael Cimino – il film ampiamente considerato come quello che ha messo il chiodo finale nella bara della Nouvelle Vague americana – Apocalypse Now ha mostrato molti segni simili della creatività e dell’ego incontrollati di un regista. Coppola, il regista premio Oscar di Il padrino e Il padrino – Parte II, ha portato l’autorialità a livelli di eccesso stravaganti con la sua fantasticheria infernale su “Cuore di tenebra” di Joseph Conrad.

La produzione di Apocalypse Now è diventata una leggenda del cinema, tanto folle da giustificare un documentario a sé stante, “Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse”. Lavorando con lo sceneggiatore John Milius, il grande progetto di Coppola era però quello di portare il pubblico “attraverso un’esperienza di guerra senza precedenti e farli reagire come coloro che avevano vissuto la guerra”. Considerato oggi come il film per eccellenza sul tema de “la guerra è un inferno”, ci sono pochi dubbi sul fatto che ci sia riuscito. Ma che dire della sua fonte letteraria e di quel finale sconvolgente e ossessionante?

Di cosa parla esattamente Apocalypse Now?

Il capitano Willard (Martin Sheen), un agente speciale, sta impazzendo in una stanza d’albergo di Saigon prima che gli venga offerta una missione molto speciale. Gli viene affidato il compito di risalire il fiume nella vicina Cambogia per infiltrarsi nell’accampamento del colonnello Kurtz (Marlon Brando), berretto verde altamente decorato, che opera brutalmente al di fuori del controllo del Pentagono. La missione di Willard è di porre fine al comando di Kurtz con “estremo pregiudizio”. Per raggiungere la sua destinazione, Willard si imbarca su una barca di pattuglia fluviale della Marina degli Stati Uniti.

Mentre lui e l’equipaggio risalgono lentamente il fiume, si imbattono in episodi sempre più orribili e allucinanti, che vanno dall’attacco di un elicottero cannoniere a un villaggio controllato dai vietcong a uno spettacolo di danza delle Playmate di Playboy nel profondo della giungla. Gradualmente, l’equipaggio di Willard cade uno dopo l’altro nei terrori della giungla, prima che i sopravvissuti arrivino al complesso di Kurtz, disseminato di cadaveri. Dopo che l’attacco aereo preordinato sul posto è stato annullato, Willard attinge al suo cuore di tenebra per liberarsi del tormentato e contaminato colonnello Kurtz.

Il libro che ha ispirato il film

Attingendo alle sue esperienze di lavoro in una compagnia commerciale belga che solcava il fiume Congo, il romanziere Joseph Conrad ideò una storia su Kurtz, un uomo che prende il controllo di una stazione commerciale nell’interno del paese e instaura un regime brutale, venerato come un semidio dalle tribù locali. Ne nacque una novella intitolata “Cuore di tenebra”. Il protagonista della storia, Marlow, viaggia attraverso la giungla e risale il fiume per incontrare il signor Kurtz, che ha una reputazione misteriosa e temibile nella regione. Le voci suggeriscono inoltre che sia gravemente malato. Quando Marlow e il suo equipaggio arrivano all’accampamento di Kurtz, decorato con teste mozzate di indigeni, si conferma l’idea che i metodi del commerciante d’avorio sono diventati orripilanti.

Conrad usa Kurtz come critica al dominio belga in Congo, dove commercianti e avventurieri, avvantaggiati rispetto agli indigeni dalla loro tecnologia superiore, sfruttano il loro potere e sfociano in un trattamento brutale e disumano degli abitanti del luogo. Questo riflette anche il quadro più ampio del saccheggio del continente da parte delle nazioni europee durante lo Scramble for Africa alla fine del XIX secolo. Il titolo stesso, “Cuore di tenebra”, ha un doppio significato, riferendosi al viaggio del protagonista nelle profondità del cosiddetto “continente nero”, ma anche agli abissi di violenza e depravazione di cui l’uomo è capace attraverso la lussuria e l’avidità.

LEGGI ANCHE: Apocalypse Now: il film con Marlon Brando è ispirato ad una storia vera?

La spiegazione del finale di Apocalypse Now

Sebbene le trame di base siano simili, Coppola e Milius aggiungono anche la dimensione della guerra, facendo un parallelo tra la spartizione dell’Africa e il coinvolgimento degli Stati Uniti nel conflitto in Vietnam. Willard è il protagonista ma, come Kurtz, si trova sempre più lontano dalla civiltà quanto più si spinge all’inseguimento del suo obiettivo. Il comportamento di Kurtz suggerisce che la guerra ha un effetto disumanizzante su coloro che vi partecipano, soprattutto se viene dato loro un potere e un’influenza incontrollati sui “selvaggi” che intendono dominare. È evidente fin dall’inizio che Willard non è nelle migliori condizioni mentali.

Alla fine, si è liberato di tutte le norme della correttezza occidentale ed è diventato lui stesso “nativo”, aggirandosi per il complesso di Kurtz mezzo matto e mezzo nudo. Come abbiamo visto gli adoratori di Kurtz macellare cerimoniosamente un bufalo d’acqua, Willard fa lo stesso con Kurtz. L’implicazione è che Kurtz era un’utile bestia da soma per l’esercito americano fino a quando non è diventato un peso, quindi doveva essere sacrificato. Dopo l’uccisione di Kurtz, i suoi seguaci sembrano pronti ad accettare Willard come nuovo sovrano. Invece, egli salpa con l’ultimo superstite del suo equipaggio. Il finale è ambiguo: Willard è sfuggito al ciclo, sapendo che, se prenderà il posto di Kurtz, un altro assassino sarà inviato per lui?

Oppure, liberato dalle ultime vestigia di un comportamento civile, si sta dirigendo fuori dalla mappa per creare il proprio feudo? Potrebbe essere solo diretto a casa, ma è difficile credere che possa più esserci una casa per Willard. Mentre altri film hanno rappresentato i conflitti armati in modo più accurato e viscerale, nessuno si è avvicinato tanto ad Apocalypse Now nel catturare l’impatto psicologico della guerra. L’orrore vero, appunto. Per quanto riguarda l’effettivo significato del titolo del film, Apocalypse Now, il co-sceneggiatore John Milius ha spiegato che è antecedente alla concezione del film e che è stato ispirato dai distintivi che vedeva sfoggiare dagli hippy.

Il titolo gli venne in mente perché gli hippy dell’epoca avevano delle spille con i segni della pace con la scritta “Nirvana Now”. Le parole di Milius sono in linea con il moderno significato inglese della parola “apocalypse”, che connota un cataclisma massiccio e distruttivo, forse visto come una rivelazione profetica. Tuttavia, la parola “apocalisse” affonda le sue radici nel termine greco apokálupsis, che significa “scoprire” o “rivelare”. Anche se forse Coppola e Milius non hanno fatto questo collegamento esplicito, si potrebbe ipotizzare che sia per Willard che per Kurtz la guerra abbia tolto le loro illusioni e giustificazioni interiori per rivelare l’ipocrisia e l’immoralità della loro guerra imperialistica.

Whitney – Una voce diventata leggenda (qui la recensione) è basato sulla storia vera della vita e della carriera dell’iconica cantante. Whitney Houston, soprannominata “The Voice”, è una delle artiste di maggior successo di tutti i tempi, avendo battuto record e venduto più di 200 milioni di dischi in tutto il mondo nel corso della sua carriera. Ad oggi, sono stati realizzati ben cinque film su di lei, tra documentari e lungometraggi. Diretto da Kasi Lemmons su sceneggiatura di Anthony McCarten, il film si ispira dunque alla sua vita, anche se alcuni elementi non vengono approfonditi o raccontati fedelmente rispetto a come si sono realmente svolti.

Come noto, le biografie, pur essendo basate sulla verità, possono infatti includere solo una parte della storia e a volte esagerano alcuni aspetti della vita di un musicista per far valere le proprie ragioni (ne sono un esempio titoli come Bohemian Rhapsody, Rocketman o il più recente A Complete Unknown). Il biopic su Whitney Houston offre uno sguardo sulla vita e sull’ascesa alla fama della celebre cantante, ma c’è molto di più nella storia che il film tralascia e ci sono domande che sorgono dopo aver visto alcune scene di Whitney – Una voce diventata leggenda. In questo approfondimento esploriamo proprio il rapporto tra il film e la realtà.

La storia vera dietro il film: Whitney Houston era bisessuale? La realtà sulla relazione con Robyn Crawford

Whitney – Una voce diventata leggenda si concentra brevemente sulla relazione romantica tra la cantante e Robyn Crawford, che diventerà la sua direttrice creativa. In realtà, la Crawford ha confermato che hanno avuto una relazione intima nel suo libro di memorie, A Song for You: My Life with Whitney Houston, anche se ha anche dichiarato a People che lei e la Houston non hanno mai effettivamente definito la loro relazione. Questa, in ogni caso, è durata solo due anni. La Houston decise infatti di chiudere la storia tra lei e la Crawford per paura di ciò che la gente avrebbe detto e di come avrebbe influenzato le loro vite, soprattutto dopo aver ottenuto un contratto discografico.

La Crawford e la pluripremiata cantante si sono quindi separate dal punto di vista sentimentale, ma sono rimaste migliori amiche per più di due decenni. All’inizio degli anni 2000, tuttavia, la Crawford ha posto dei limiti tra sé e la Houston a causa delle decisioni che la cantante stava prendendo nella sua vita privata, tra cui la sua continua dipendenza dalle droghe. Bobby Brown, l’ex marito di Whitney Houston, ha anche confermato che la Crawford e la cantante hanno avuto una relazione sentimentale, e sostiene che la madre della Houston, Cissy, era contraria e voleva licenziare la Crawford dalla sua posizione di assistente della Houston.

Whitney Houston ha frequentato Jermaine Jackson?

Whitney Houston avrebbe inoltre frequentato Jermaine Jackson per un anno, come accennato in Whitney – Una voce diventata leggenda, e si dice che i due abbiano avuto una relazione mentre Jackson era ancora sposato con l’allora moglie Hazel Gordy. Sebbene Jackson non abbia mai parlato della loro relazione, sua sorella La Toya Jackson ha affermato che suo fratello “ha con loro ammesso che hanno avuto una relazione”. Si sostiene inoltre che la canzone di Whitney Houston “Saving All My Love for You” fosse dedicata proprio a Jermaine Jackson, anche se ciò non è mai stato confermato. Inoltre, la Houston avrebbe avuto un’infatuazione per Eddie Murphy alla fine degli anni ’80, anche se secondo la Crawford lui non avrebbe ricambiato.

Bobby Brown ha abusato di Whitney Houston?

La relazione sentimentale tra Bobby Brown e Whitney Houston fu turbolenta e fece spesso notizia, soprattutto negli ultimi anni di matrimonio. Whitney – Una voce diventata leggenda sostiene che Bobby Brown fosse violento nei confronti di Whitney Houston, e in un’intervista a 20/20 ha confermato di aver colpito la Houston una volta. Brown ha però negato le accuse di essere stato violento nei confronti della Houston al di là dell’incidente ammesso, ma ha rivelato che gli ultimi anni del loro matrimonio sono stati piuttosto terribili.

Chi era Barbara Houston?

Barbara Houston si intravede in tutto il biopic musicale e si percepisce il gelo e la distanza tra lei e Whitney. Il loro rapporto nella vita reale era altrettanto teso. Barbara Houston, che ha 40 anni in meno di John Houston, alla fine lo ha sposato, anche se i due avevano una relazione che sarebbe iniziata quando John era ancora sposato con Cissy, la madre della Houston. Ciò che il film tralascia è però la causa intentata da Barbara contro Whitney, che sosteneva che la cantante fosse l’unica beneficiaria dell’assicurazione sulla vita di John Houston e che il denaro sarebbe stato utilizzato per pagare il mutuo di Barbara e John, mentre il denaro rimanente sarebbe andato a Barbara.

Tuttavia, Whitney Houston ha presentato una domanda riconvenzionale contro la matrigna, sostenendo che l’assicurazione sulla vita doveva servire a ripagare la cantante per il denaro che il padre le aveva prestato anni prima. Nel 2010, un giudice ha dato ragione alla Houston, attribuendole la proprietà dell’ipoteca di Barbara, il che significava che poteva decidere di pignorare la casa e lasciare la matrigna senza nulla. I rapporti tra Whitney Houston e Barbara Houston non erano buoni e la brutta causa rese pubblico il disprezzo della cantante per la nuova  moglie del padre.

Cosa è successo davvero tra Whitney Houston e suo padre?

Il rapporto tra Whitney Houston e suo padre era altrettanto complicato. John Houston divenne il manager della cantante e l’amministratore delegato della sua società, e Whitney – Una voce diventata leggenda sostiene che Houston padre abbia anche preso in prestito del denaro dalla figlia, il che sembra sia stato uno degli elementi che hanno portato i loro rapporti ad inasprirsi nel tempo. L’uomo avrebbe infatti preso in prestito 723.000 dollari da Whitney Houston nel 1990, ma è stata la causa da 100 milioni di dollari che ha intentato contro la celebre cantante nel 2002 per violazione del contratto a mettere in luce il loro rapporto tumultuoso.

La causa sosteneva che Whitney Houston non aveva pagato John o la sua società per i servizi che le avevano fornito, come l’assistenza legale dopo essere stata beccata con la droga alle Hawaii e la negoziazione dei termini del contratto da 100 milioni di dollari con la Arista Records. John Houston cercò persino di fare appello alla figlia in televisione. Il patriarca degli Houston morì però poco dopo, nel 2002, e la causa fu archiviata nel 2004.

Come è morta Whitney Houston?

Whitney – Una voce diventata leggenda evita di mostrare la tragica morte della cantante. Tuttavia, il biopic allude all’evento, avvenuto alcune ore prima della festa pre-Grammy del produttore musicale Clive Davis. Whitney Houston è morta per annegamento accidentale nella vasca da bagno della sua camera d’albergo al Beverly Hilton. Secondo il referto dell’autopsia, anche gli effetti di una “cardiopatia aterosclerotica e l’uso di cocaina” hanno contribuito all’annegamento accidentale della cantante-attrice. La Houston aveva infatti una nota storia di uso di cocaina e sul bancone del bagno è stata trovata della polvere bianca, il che fa pensare che la cantante avesse usato la sostanza.

Piuttosto che concentrarsi sulla sua morte e sui fattori che vi hanno contribuito, però, il film celebra la voce dell’iconica cantante all’apice della sua carriera, scegliendo di incentrare la scena finale del film sull’esibizione di Whitney Houston agli American Music Awards del 1994. Questa decisione allontana la tragedia della sua morte e gli ultimi anni tumultuosi della Houston e serve a ricordare la voce potente e bellissima che aveva e la gioia che portava agli altri quando usava il suo enorme talento. Il pubblico esce così dal film con un momento luminoso nella vita di Whitney Houston invece che con quello buio della sua morte.

The Hill, ora disponibile su Netflix, è un dramma sportivo di grande ispirazione che ha un impatto ancora maggiore se si considera che l’incredibile storia di Rickey Hill è basata su una storia vera. Il film è interpretato da Colin Ford nel ruolo di Rickey Hill, un giovane uomo affetto da una malattia degenerativa della colonna vertebrale che allo stesso tempo insegue il suo sogno di giocatore di baseball. È il tipo di storia poco conosciuta di un eroe sportivo che può raggiungere un pubblico più ampio. Con The Hill, che riporta in vita l’incredibile storia di Rickey Hill, altri potranno infatti trovare ispirazione nel suo percorso di determinazione e perseveranza.

Oltre a Ford che interpreta il ruolo principale, il cast del film comprende attori come Dennis Quaid e Scott Glenn, che danno vita ad alcune delle figure reali della storia di Hill. Il film bilancia così l’emozione di vedere la carriera di Rickey Hill nel baseball diventare realtà con le profonde difficoltà legate ai suoi problemi di salute. Alla fine si tratta di una storia avvincente ed edificante, ma la vera storia di Rickey Hill è ancora più affascinante di quella che si vede nel film.

Rickey Hill è nato con un disturbo degenerativo della colonna vertebrale

Oltre a essere un film sul baseball, The Hill è anche la storia del disturbo degenerativo della colonna vertebrale di Rickey Hill, che è nato con un disco mancante dalla spina dorsale. Dalla nascita all’età di 4 anni, Hill è stato sottoposto a innumerevoli interventi chirurgici per permettergli di camminare. All’età di 5 anni, Hill ha iniziato a indossare tutori per le gambe che gli hanno permesso di camminare, anche se non del tutto normalmente. Questo lo ha portato a dover ovviamente affrontare i bulli e il giudizio dei suoi coetanei.

Purtroppo, all’epoca della diagnosi di Rickey Hill, alla fine degli anni Cinquanta, non si poteva fare molto di più per lui, che continuò quindi a portare i tutori per le gambe, riuscendo però a crescere giocando come tutti gli altri bambini. Secondo Hill, la sua infanzia è stata caratterizzata da difficoltà e povertà, anche a prescindere dai suoi problemi di salute. È infatti cresciuto nella zona di Fort Worth, in Texas, figlio di un povero predicatore battista.

Hill ha raccontato a The Athletic che la sua famiglia era talmente in difficoltà che a volte mangiava “cibo per cani dalla lattina”. Nonostante le difficoltà, Hill ha fatto il possibile per vivere come un bambino normale. Secondo un’intervista rilasciata a Risen Magazine, Hill colpiva i sassi tutto il giorno, esercitando il suo caratteristico swing da baseball. Alla fine, questo fu l’inizio del suo viaggio nel baseball professionistico.

Rickey Hill è stato un giocatore di baseball della Minor League

Sebbene Rickey Hill abbia affrontato ostacoli come la sua malattia degenerativa della colonna vertebrale, la povertà della sua famiglia e i dubbi di chi lo circondava, alla fine è riuscito a diventare un giocatore di baseball della Minor League. La prima squadra in cui Hill giocò a baseball da professionista furono i Montreal Expos, con cui firmò nel 1975, all’età di 19 anni, e con cui disputò un totale di quattro stagioni nelle leghe minori. Secondo Hill, avrebbe effettuato 500 battute al giorno dall’età di 12 anni fino alla fine della sua carriera, intorno ai 22 anni.

Sorprendentemente, Rickey Hill non ha giocato con l’apparecchio per le gambe, ma ha trascorso tutta la sua carriera nelle leghe minori senza di esso. Nel corso di 201 partite, Hill ha avuto una media battuta di .298 con 26 fuoricampo e 116 RBI. Ha giocato per i Lethbridge Expos, i Rio Grande Valley White Wings, i Texas City Stars e i Grays Harbor Loggers. Inoltre, Hill era noto per il suo swing unico. Sebbene Hill abbia giocato a baseball da professionista solo per circa tre anni, il suo impatto è stato comunque ampiamente percepito grazie alla sua incredibile storia.

I sogni di Rickey Hill nel baseball si avverano

Alla fine, i sogni di Rickey Hill di diventare un giocatore di baseball professionista si sono dunque avverati, anche se per poco. Hill è passato dall’essere un bambino poverissimo del Texas, che secondo i medici non avrebbe mai camminato normalmente in vita sua, a calcare il campo da baseball professionistico per quattro intere stagioni. Inoltre, Hill non era solo un membro medio della squadra di baseball. Si è distinto in tutte le squadre in cui ha giocato per il suo talento e la sua propensione ai fuoricampo. In definitiva, Rickey Hill è diventato un personaggio di spicco della storia dello sport.

Il successo di Hill è impressionante per la sua condizione medica, ma soprattutto per il modo in cui ha dimostrato che i suoi coetanei si sbagliavano. Hill aveva molti detrattori che credevano che il suo sogno fosse impossibile, compresi i bulli della scuola e i professionisti del baseball. Anche suo padre, interpretato da Dennis Quaid, riteneva che il figlio non sarebbe mai diventato un giocatore di baseball professionista e lo spinse invece a diventare un predicatore. Pertanto, il raggiungimento dell’obiettivo da parte di Hill è ancora più soddisfacente perché dimostra che ogni dubbio, soprattutto quello del padre, era sbagliato.

Il disturbo alla colonna vertebrale di Rickey Hill ha accorciato la sua carriera nel baseball

Nonostante Rickey Hill abbia superato il suo disturbo alla colonna vertebrale per diventare un giocatore di baseball di serie B, la sua condizione alla fine ha avuto la meglio. Il fatto che Hill abbia smesso di giocare è una testimonianza di quanto la sua salute dovesse essere cagionevole all’epoca perché Hill era dell’idea: “Non esiste la parola smettere, non l’ho mai sentita nominare“. Nonostante ciò, sembrava che anche quando Hill giocava a baseball soffrisse costantemente. Durante la stagione di baseball del 1978, Hill giocava per i Grays Harbor Loggers, quando il suo corpo finì per cedere a causa dello stress del baseball.

Cosa è successo a Rickey Hill dopo il baseball

Dopo il ritiro dal baseball, Rickey Hill si è dedicato alla condivisione della sua storia. Il fratello di Hill documentò il viaggio di Rickey e da lì, molti narratori e registi diversi cercarono di occuparsi della storia di Rickey. Tuttavia, Rickey e suo fratello sono stati severi nel decidere a chi affidare la storia e, dopo molte ricerche, hanno scelto Jeff Celentano, il regista di The Hill. Per quasi 20 anni, gli Hill hanno lavorato con Celentano per rappresentare perfettamente il trionfo di Rickey, portandola infine sullo schermo nel 2023. Il film si è poi affermato come un grande successo in streaming, e tutto il duro lavoro di Rickey Hil è stato nuovamente apprezzato.

C’è un film recente del premio Oscar Ben Kingsley poco noto ma che è una piacevole sorpresa. Si tratta di Jules, diretto da Marc Turtletaub, film perfettamente sentimentale e punteggiato da un tocco fantascientifico che lo rende coinvolgente e unico, ma comunque toccante. Il film segue Milton, un anziano dall’aspetto triste che vive da solo. La piccola città di Milton, in Pennsylvania, ha uno slogan che non approva perché sembra che si possa chiamare la città con un telefono piuttosto che “chiamare” casa. Il secondo grande problema di Milton con la città è che l’incrocio che porta a casa sua è un’area a rischio di incidenti.

L’anziano ritiene pertanto che il consiglio comunare dovrebbe fare qualcosa per risolverlo. Ogni settimana, dunque, gli abitanti della città si riuniscono e Milton si ripete alle riunioni del consiglio su questi due grandi problemi. In realtà, egli non ha nient’altro che lo tenga occupato. Sua figlia è veterinaria e non ha tempo da dedicare a lui e si è allontanato dal figlio. Milton è semplicemente un vecchio solitario finché, un giorno, un’astronave atterra nel suo giardino e da quel momento la sua quotidianità prende una piega inaspettata.

Milton incontra un alieno

Milton chiama immediatamente la polizia perché l’astronave è atterrata sulle sue azalee. Le piante che ha fatto crescere con fatica sono state schiacciate in pochi secondi. L’operatore pensa però che stia facendo uno scherzo e gli riattacca il telefono. Milton non ha altro da fare se non tornare a dormire. Alla riunione successiva, parla però dell’alieno e della sua astronave, delle strisce pedonali e dello slogan della città. Anche in questo caso, nessuno gli crede e Joyce, un’altra anziana della città, gli dice di smetterla di dire sciocchezze o il consiglio non prenderà sul serio le loro richieste.

Quella notte, però, Milton trova un alieno disteso sul suo patio. All’inizio ha paura, ma poi diventa piuttosto disinvolto perché l’alieno non gli fa alcun male. Milton fa entrare l’alieno in casa sua e gli dà cibo e acqua. L’alieno trova una predilezione per le mele e Milton corre quindi al negozio di alimentari per comprarne altre. Dice all’aiutante che si trova lì esattamente quello che sta facendo. In cambio, l’aiutante decide di riferire la notizia a sua figlia, per preoccupazione.

Dopo qualche giorno, Sandy, un’altra anziana del quartiere, si presenta alla porta di Milton per prendere alcune stampe. Milton la fa entrare senza alcuna remora, del tutto non preoccupato che possa vedere l’alieno. Sandy all’inizio rimane infatti stupita, ma capisce che non può perdere l’occasione della sua vita. Ma c’è un problema: Milton ha lasciato le cose in casa nel posto sbagliato e l’incontro con il fruttivendolo lo ha messo in crisi con la figlia Denise. Lei gli fa quindi promettere di andare a una visita medica.

Sembra infatti che Milton stia perdendo lentamente la memoria e si stia avviando verso la demenza o l’Alzheimer di qualche tipo. Il medico gli suggerisce di iniziare a cercare delle opzioni di vita assistita e lui si infuria, definendo l’intero piano di Denise una montatura. Milton chiede a Sandy di fare da babysitter all’alieno durante il suo appuntamento e lei apre allora il suo cuore a questo alieno che non parla una sola parola. Trova i suoi occhi molto comprensivi e ha persino un crollo emotivo. Ben presto, Sandy inizia così a frequentare l’alieno e Milton. Anche Milton trova qualcosa con cui riempire le sue giornate vuote e diventa molto più gioviale del solito.

Tornato a casa, un Milton frustrato dice quindi a Sandy che a livello di salute è tutto a posto, ma fuori ha una conversazione a cuore aperto con l’alieno mentre lavora per riparare la sua astronave. In tutto questo tempo, l’alieno disegna gatti e li regala a Milton, che pensa siano un dono. Tutto va bene e Sandy decide di dare all’alieno un nome e una maglietta. Il nome deciso è Jules e un giorno, mentre stanno cenando con Jules, arriva Joyce. Con tutto quello che si dice al telegiornale su un incidente satellitare, sa che c’è qualcosa di strano e crede improvvisamente a Milton. A questo punto, i tre si uniscono per Jules perché è un tesoro e non possono permettere che qualcuno o qualcosa gli faccia del male.

La spiegazione del finale di Jules

Un giorno fatidico, Sandy riceve la visita di un ragazzo. Si presenta come membro di un’associazione di giovani che parlano di conversazioni con gli anziani, come lei. È un esperimento che sta provando, in cui i giovani possono incontrare gli anziani e fare un tuffo nel loro bagaglio di saggezza ed esperienza. Questo ragazzo, però, ha altre intenzioni e cerca di rubare alcuni gioielli di Sandy. La donna lo trova e dice che chiamerà la polizia. Il ragazzo tenta allora di soffocarla a morte, ma Jules capisce che Sandy è in pericolo e finisce per far esplodere la testa dell’aggressore. Sandy viene poi interrogata dalla polizia, ma non ci sono prove di nulla. Torna a casa di Milton e ringrazia Jules per averle salvato la vita, raccontando agli altri quello che è successo.

Come aveva previsto Joyce, Jules disegna gatti perché ne ha bisogno per la sua astronave. Ma questi gatti devono essere morti, così quando la casa inizia a puzzare, i tre vedono un gatto morto fuori. Milton e Sandy vanno poi a cercare altri gatti morti per le strade, che vengono pattugliate da un’auto della polizia. Dopo l’incidente, si sospetta infatti che Sandy abbia avuto contatti con l’alieno. Anche Joyce trova alcuni gatti, ma alla fine gliene manca uno. La donna possiede un gatto suo che è vecchio, cieco e sordo. All’inizio, quando Milton suggerisce di uccidere il gatto di Joyce, lei rifiuta l’idea, ma poi capisce che sarebbe meglio per il gatto. Jules, tuttavia, non fa esplodere la testa del gatto, ma gli mostra pietà.

Jules torna a casa sua?

I gatti si rivelano dunque essere il carburante per l’astronave di Jules e, grazie a un tessuto di paillettes argentate che l’alieno usa per coprire i gatti, diventano una capsula di carburante. Jules sta per partire, ma offre loro un posto sull’astronave. Milton decide di andare con Jules perché non vuole che sua figlia lo veda peggiorare sempre più. D’altra parte, ha anche cercato di riallacciare i rapporti con il figlio, che però non l’ha mai richiamato. Denise, tuttavia, lo chiama e gli dice che vuole passare del tempo con suo padre e che gli vuole bene. Non voleva farlo sentire come se stesse impazzendo, ma era solo preoccupata. Milton ripensa a quello che sta facendo, ma ormai ha deciso.

Prima che gli altri due possano terminare i loro saluti, gli agenti dell’FBI si presentano alla porta. Tutti salgono sull’astronave e Jules li porta in un punto sicuro della Terra per poter poi tornare a casa. Durante il breve tragitto, Milton decide di rimanere indietro, probabilmente a causa delle parole di Denise, e saluta l’amico Jules. L’alieno osserva i tre amici da una finestra della sua astronave. Rivediamo poi Milton qualche tempo dopo – potrebbero essere giorni o mesi – e le sue condizioni sono profondamente peggiorate. Tuttavia, si ricorda di Jules, come capiamo dalla sua conversazione con Sandy e Joyce.

La presenza di Jules ha creato una bella amicizia tra queste tre persone, che ora si sostengono a vicenda nei momenti difficili. Alla luce di questo finale, Jules può dunque essere interpretato in diversi modi. L’interpretazione più positiva potrebbe essere che alla fine, quando Milton è solo a casa, Jules viene di tanto in tanto a trovarlo. Ma la visione più cinica potrebbe essere che il tempo di Milton è scaduto e, mentre sta lasciando il suo corpo, pensa che le luci lampeggianti siano l’astronave di Jules e che dunque tutto quello che ne è seguito non è che un sogno.

In definitiva, il messaggio di Jules riguarda la solitudine e la mente degli anziani. A volte possiamo dire una cosa o due ai nostri genitori per preoccupazione, ma in realtà li feriamo. D’altra parte, la presenza di Jules nella vita di Milton è quasi un miracolo per lui. Ottiene una famiglia, qualcosa da fare e qualcuno di cui occuparsi invece di sprecare sé stesso senza fare nulla. Anche dopo la scomparsa di Jules, Milton ha ancora amici che si prendono cura di lui e che lo capiscono profondamente.