È disponibile il teaser
trailer di Orgoglio e Pregiudizio, la nuova
miniserie in 6 episodi tratta da uno dei romanzi più amati di tutti
i tempi, che mostra le prime immagini di Elizabeth Bennet
(Emma Corrin) e Mr Darcy (Jack
Lowden).
In un anno ricco di
drammi in costume per i fan più affezionati, la serie – scritta da
Dolly Alderton (Tutto quello che so sull’amore) e diretta da Euros
Lyn (Heartstopper) – arriverà su Netflix in autunno, riportando fedelmente in vita
l’iconico romanzo di Jane Austen e ispirando al contempo una nuova
generazione a innamorarsene per la prima volta.
In occasione
dell’annuncio del cast, Dolly Alderton, sceneggiatrice e
produttrice esecutiva, aveva dichiarato: «Una volta per
generazione, un gruppo di persone ha l’opportunità di raccontare di
nuovo questa storia meravigliosa, e mi sento molto fortunata di
farne parte. Orgoglio e Pregiudizio di Jane Austen è il modello di
riferimento di ogni commedia romantica: è stato un piacere tornare
tra le sue pagine per trovare modi nuovi e allo stesso tempo
familiari per riportare in vita questo libro amatissimo. Con Euros
Lyn alla regia del nostro cast stellare, non vedo l’ora di far
incontrare questi personaggi divertenti e complessi a chi considera
Orgoglio e Pregiudizio il suo libro preferito, e a chi deve ancora
conoscere la propria Lizzie e il proprio Mr Darcy».
I romanzi di Jane Austen
affascinano tutte le generazioni da oltre 200 anni. Il suo libro
più letto e famoso, Orgoglio e Pregiudizio, ha ispirato
innumerevoli scrittori e registi. I suoi personaggi iconici,
l’acuta critica sociale e la storia d’amore senza tempo continuano
a incantare il pubblico di tutto il mondo.
CREDITI
Produttori esecutivi: Laura
Lankester, Will Johnston e Louise Mutter per Lookout Point, insieme
a Dolly Alderton, Euros Lyn ed Emma Corrin, al debutto in questo
ruolo
Produttrice: Lisa Osborne
Basata sul romanzo di Jane Austen
Il cast di Orgoglio e Pregiudizio
Emma Corrin (Nosferatu, Black
Mirror) è Elizabeth Bennet
Il regista Antoine
Fuqua condivide la sua opinione sul film biografico su
Michael Jackson che Lionsgate sta per distribuire.
Michael
uscirà nelle sale e nei cinema Imax il 24 aprile, dopo che la sua
uscita è stata rinviata più volte, l’ultima delle quali
dall’autunno del 2025. Il film segna il debutto cinematografico del
nipote di Jackson, Jaafar Jackson, nel ruolo
dell’icona della musica pop. Lionsgate distribuirà il film a
livello nazionale, mentre Universal si occuperà del lancio
globale.
“Realizzare un film su una
persona come Michael è un viaggio molto spirituale”, afferma
Fuqua in un video pubblicato lunedì dalla Lionsgate. “Michael
ha avuto una grande influenza sulla mia carriera di regista, visto
che si è sempre rifiutato di essere etichettato solo come artista
di colore”. Il film di Fuqua ha debuttato con il
suo ultimo trailer all’inizio di questo mese. Michael vede
anche la partecipazione di Colman Domingo nel ruolo del padre del
cantante, Joe Jackson, e Nia Long in quello della
madre, Katherine.
Completano il cast Miles Teller, Laura Harrier,
Kat Graham, Larenz Tate e
Derek Luke. Graham King,
John Branca e John McClain
producono il film, la cui sceneggiatura è stata scritta da
John Logan. “Michael ha dedicato tutta la sua
vita a regalare alle persone la gioia della sua voce”,
continua Fuqua nel video. “Quando lo guardavo in TV, era sempre
più grande della vita. Per me, come regista, non è stato difficile
vederlo in chiave cinematografica”.
Il regista ha poi aggiunto:
“Non credo che si possa capire Michael Jackson come essere
umano senza tornare indietro e intraprendere un piccolo viaggio.
Era combattuto tra l’amore per la sua famiglia e l’amore per la sua
musica”. The Hollywood Reporter aveva precedentemente riportato
che Michael, inizialmente pensato per coprire
tutta la vita della star e avere una durata piuttosto lunga, aveva
cambiato rotta e sarebbe invece terminato con Jackson che lasciava
il gruppo della sua famiglia, The Jacksons, dopo l’uscita del suo
primo album da solista, Off the Wall del 1979.
Secondo alcune fonti, è ora in fase
di sviluppo un secondo film che si concentrerà sul resto della
carriera e del percorso di Jackson prima della sua morte nel 2009.
Puck ha riferito l’anno scorso che il terzo atto precedentemente
pianificato di Michael ha dovuto essere rielaborato, poiché
includeva la drammatizzazione di un individuo che aveva accusato
Jackson di abusi sessuali su minori. L’accusatore aveva raggiunto
in passato un accordo con gli eredi dell’artista che stabiliva che
non sarebbe mai stato drammatizzato.
“Il motivo per cui ho voluto
realizzarlo è Michael”, ha detto Fuqua durante un panel al San
Diego Comic-Con nel 2024. “Michael è stato una parte importante
della mia vita durante la mia crescita, ha avuto una grande
influenza sulla mia carriera, era un artista incredibile, ma era
anche un essere umano, ed è questo che stiamo esplorando”.
La
terza stagione di The Night Agent non
perde tempo: già nel secondo episodio, la serie Netflix sceglie di colpire lo spettatore con una
svolta brutale. La morte di Catherine Weaver, interpretata da
Amanda Warren, arriva
in modo improvviso e definitivo, spezzando una dinamica che
sembrava destinata a consolidarsi lungo l’intera stagione.
Catherine non era solo una figura istituzionale all’interno della
Night Action: era l’alleata più solida di Peter Sutherland, il suo
punto di riferimento strategico e, soprattutto, umano. La decisione
di eliminarla così presto non è un semplice colpo di scena, ma una
scelta narrativa che ridefinisce il percorso del protagonista e
l’identità stessa della serie.
Come muore Catherine Weaver e perché la scena è costruita come uno
shock strutturale
La morte di Catherine avviene nel
finale dell’episodio “Package Deal”, quando guida un’operazione
per catturare Jacob Monroe. Convinta di trovarsi davanti al
bersaglio insieme a Peter e Jay Batra, apre la portiera di un’auto
che si rivela un’esca imbottita di esplosivo. L’esplosione è
immediata, definitiva, senza possibilità di salvezza.
La scena è costruita per disorientare. Non c’è build-up
melodrammatico, né presagi insistiti: la serie sceglie la rapidità
e la brutalità. È un linguaggio tipico dei thriller politici
contemporanei, dove la sicurezza dei personaggi non è mai
garantita. L’effetto è duplice: alza immediatamente la posta in
gioco e comunica allo spettatore che la terza stagione non offrirà
reti di protezione.
Ma soprattutto, l’eliminazione di Catherine interrompe un arco
emotivo in costruzione. Tra lei e Peter stava nascendo un rapporto
di fiducia personale oltre che professionale. Spezzarlo significa
rifiutare la comfort zone narrativa e riportare la serie in una
dimensione più instabile e solitaria.
La morte di Catherine come motore dell’evoluzione di Peter
Sutherland
Se nella
seconda stagione Catherine aveva rappresentato un freno
operativo – una supervisione rigida che talvolta complicava le
mosse di Peter – nella terza la sua presenza assumeva un valore
diverso. Era il filtro istituzionale tra Peter e il caos del campo.
Con la sua scomparsa, quel filtro viene meno.
La scelta di eliminarla obbliga Peter a diventare più autonomo, ma
anche più esposto. Senza un handler di riferimento, il protagonista
perde un punto di equilibrio e deve ridefinire il proprio metodo
operativo. È una trasformazione coerente con l’arco dell’eroe
d’azione contemporaneo: l’agente non può più affidarsi a una
struttura stabile, deve interiorizzare il comando.
Dal punto di vista produttivo, la decisione segnala la volontà
degli showrunner di evitare la ripetizione. Tenere Catherine
accanto a Peter avrebbe consolidato una dinamica già esplorata.
Togliendola di scena, la serie si costringe a reinventare i
rapporti di potere e a rimescolare le alleanze interne alla Night
Action.
Cosa resta della Night Action e quale futuro attende la serie
La morte di Catherine non è un evento isolato, ma un segnale più
ampio di smantellamento. Nel finale di stagione, Peter chiede un
periodo di congedo prolungato, mentre il supervisore Aidan Mosley
annuncia una “pulizia” interna del team. È un momento chiave: la
Night Action, così come l’abbiamo conosciuta, sembra
dissolversi.
Questa scelta apre due scenari. Il primo è narrativo: la quarta
stagione – quando arriverà – potrebbe presentare un assetto
completamente nuovo, con un diverso equilibrio tra campo e comando.
Il secondo è tematico: la serie sembra voler interrogare la
fragilità delle strutture di intelligence in un contesto politico
instabile, dove le istituzioni non sono più garanzia di
continuità.
Mosley accenna alla possibilità di un nuovo partner per Peter,
lasciando intendere che Gabriel Basso tornerà
nel ruolo del protagonista. Tuttavia, il tono è cambiato. Se le
prime stagioni raccontavano l’ascesa di un agente all’interno di un
sistema, la terza sembra suggerire una progressiva disgregazione di
quel sistema.
In questo senso, la morte di Catherine non è solo un colpo emotivo:
è il simbolo di una fase di transizione. Peter Sutherland non è più
l’agente guidato e protetto, ma un operatore costretto a muoversi
in un territorio dove le alleanze sono temporanee e la stabilità è
un’illusione.
In
attesa dell’uscita nelle sale il 25 febbraio 2026, Scream 7, distribuito da Eagle
Pictures Italia e Paramount Pictures Italia, ha conquistato Roma
con un evento immersivo ad alto tasso di suspense.
Per
una notte, l’Acquario Romano si è trasformato in un set a cielo
aperto, diventando teatro di un’esperienza che ha trascinato ospiti
e creator nel cuore pulsante dell’universo di Scream. L’iniziativa è stata ideata e
realizzata da QMI, agenzia di entertainment marketing, che ha
reinterpretato uno dei luoghi più iconici della Capitale in chiave
thriller contemporaneo.
Protagonista assoluto della serata, il maestoso video mapping
architetturale sulla facciata dell’Acquario Romano: la leggendaria
maschera di Ghostface ha preso vita attraverso spettacolari
proiezioni e animazioni 3D, avvolgendo la piazza in un racconto
visivo immersivo e ad alto impatto emotivo. Un dialogo tra
architettura monumentale e immaginario horror che ha trasformato lo
spazio urbano in un’esperienza cinematografica condivisa.
All’interno, l’atmosfera si è fatta ancora più intensa: luci,
visual e suggestioni sonore ispirate alla colonna sonora del film
hanno accompagnato un cocktail party tematico in cui ogni dettaglio
– dal food & beverage all’allestimento – richiamava l’estetica
iconica del franchise. Immancabile il photocall brandizzato, che ha
amplificato la serata sui social attraverso contenuti live e
condivisioni in tempo reale.
A
sorprendere gli ospiti, la presenza di cosplayer di Ghostface che,
muovendosi tra il pubblico, hanno reso l’esperienza ancora più
coinvolgente e imprevedibile, in perfetto stile Scream.
Scream
7 è il settimo attesissimo capitolo dell’iconico franchise
slasher, diretto da Kevin Williamson, che firma anche la
sceneggiatura insieme a Guy Busick. Basato sui personaggi creati da
Williamson e su una storia di James Vanderbilt e Guy Busick, il
film segna un potente ritorno alle radici della saga, riportando al
centro tensione, meta-narrazione e colpi di scena.
Nel cast: Neve Campbell, Courteney Cox, Isabel May, Jasmin Savoy
Brown, Mason Gooding, Anna Camp, Joel McHale, Mckenna Grace,
Michelle Randolph, Jimmy Tatro, Asa Germann, Celeste O’Connor, Sam
Rechner, Ethan Embry, Tim Simons e Mark Consuelos.
Prodotto da Paramount Pictures e Spyglass Media Group,
Scream 7 arriverà nelle
sale italiane il 25 febbraio 2026, distribuito da Eagle
Pictures.
Le indiscrezioni sulla trama di
Avengers:
Doomsday si susseguono a ritmo serrato con
l’avvicinarsi dell’uscita del film, e l’ultima potrebbe dividere i
fan che nutrono determinate aspettative per questo blockbuster
multiversale. In precedenza era stato riferito che, per salvare la
loro realtà, gli X-Men sono stati costretti a distruggere i
mondi che stavano per collidere con il loro. Ciò non è dissimile
dai fumetti, dove gli Illuminati sono stati costretti a prendere
misure drastiche per salvare la Terra-616.
Si è parlato molto dell’inizio di
Avengers: Doomsday, con Deadpool
e Wolverine che arriverebbero nel mondo di Spider-Man interpretato
da Tobey Maguire. Presumibilmente
combattono, e lo scooper @MyTimeToShineH ha ora lanciato una vera e propria
bomba, qualora si rivelasse vera. Si dice infatti che “lo
Spider-Man di Tobey e il Wolverine di Hugh Jackman muoiano entrambi all’inizio di
Avengers: Doomsday”.
Supponendo per un momento che
muoiano in un’Incursione, questa sarebbe una dichiarazione
piuttosto forte da parte dei fratelli Russo, che sembrano voler
sottolineare la gravità delle Incursioni e il loro significato per
il Multiverso in generale. Comprensibilmente, molti fan non saranno
felici di vedere questi due amati personaggi morire nei primi
minuti di Avengers: Doomsday. Tuttavia, vale la
pena ricordare che diverse fonti hanno affermato che sia Maguire
che Jackman avranno ruoli significativi in questo film (e in
Avengers: Secret Wars).
Con innumerevoli varianti nel
Multiverso, queste potrebbero essere versioni familiari, anche se
completamente diverse, di Spider-Man e Wolverine. Ricordate, la
Marvel Studios ha fatto un trucco
simile all’inizio di Doctor Strange nel
Multiverso della Follia con quel falso Defender
Strange. Al momento, dunque, questa notizia è da prendere come un
rumor privo di fondamenta, non essendoci indizi né certezze di
alcun tipo che confermino questo risvolto.
La sinossi ufficiale conferma il ritorno di
Robert Downey Jr. all’interno dell’universo
Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al
momento sotto riserbo. Stephen McFeely e
Michael Waldron risultano accreditati come
sceneggiatori.
Il cast di Avengers: Doomsday è stato rivelato per
la prima volta durante una diretta streaming a sorpresa della
Marvel Studios, in cui diverse sedie hanno svelato il ritorno di
numerosi attori. Una delle grandi novità è il ritorno di diversi
attori degli X-Men dell’era Fox-Marvel.
La Preside con
Luisa Ranieri si è conclusa il 2 febbraio 2026
dopo una prima stagione intensa e socialmente impegnata, basata
liberamente sulla
storia della dirigente scolastica di Caivano che ha fatto
parlare la televisione italiana. La puntata finale ha riunito le
principali tensioni narrative della serie: la battaglia quotidiana
per dare dignità a una scuola in difficoltà, le contraddizioni
generazionali dei ragazzi, le relazioni personali della
protagonista e il confronto netto con la legalità e l’ingiustizia
sociale. Ma cosa significa davvero il finale? Perché alcune scelte
dei personaggi lasciano aperti interrogativi morali e
simbolici?
Nel momento in cui la stagione si chiude, il racconto non si limita
a offrire una conclusione lineare degli eventi, ma lascia emergere
un messaggio più profondo: la lotta per il cambiamento non si
esaurisce in una singola vittoria, e il percorso formativo — sia
per gli studenti che per la preside — è un processo continuo che si
confronta con la realtà delle relazioni, della legge e delle
speranze collettive.
L’apertura simbolica della scuola e l’inaugurazione dell’istituto
alberghiero: il significato della conquista
Una delle immagini più potenti del finale riguarda la realizzazione
del sogno condiviso da Eugenia Liguori e dai suoi studenti:
l’inaugurazione della nuova sezione dell’istituto alberghiero,
nonostante le condizioni iniziali avessero reso gli spazi
inutilizzabili e inagibili. Questo momento non è solo una
conclusione narrativa, ma rappresenta la capacità collettiva di trasformare un luogo di
marginalità in uno spazio di futuro. La preside non
ottiene questa vittoria da sola: la conquista è frutto dell’impegno
di studenti, famiglie e corpo docente, sintesi di una comunità che
decide di non rassegnarsi al degrado.
In questo senso, l’inaugurazione è anche un simbolo:
la scuola come epicentro
di riscatto sociale. Non è la fine della lotta, ma una
tappa fondamentale che riconosce la possibilità di un cambiamento
reale in un sistema che spesso lascia indietro i più fragili.
Parallelamente, la narrazione utilizza la riapertura degli spazi
come dispositivo per evidenziare che la battaglia educativa non è
un evento isolato, ma un processo che si costruisce giorno dopo
giorno, con fatica e pazienza.
L’arresto di Nicola e il conflitto tra legalità e affetti
Uno degli snodi più discussi del finale riguarda la sorte di
Nicola, il
giovane problematico che aveva incarnato il conflitto tra le
aspettative della comunità e il desiderio di autodeterminazione. La
sua vicenda culmina in un arresto, dopo che, in un momento di
disperazione, aggredisce un coetaneo. Questo evento non assume la
forma di una punizione gratuita, ma rappresenta il punto estremo in cui la legge interviene
per tutelare l’ordine sociale, pur in un contesto di fragilità
giovanile.
La scelta narrativa di mostrare Nicola in stato di detenzione — e
di far sostenere l’esame di maturità nonostante ciò — è
significativa: non si tratta di una sconfitta totale, ma di una
testimonianza che la strada verso la responsabilità passa
attraverso la consapevolezza e l’accettazione delle conseguenze
delle proprie azioni. Il carcere diventa qui una
sala di misura della vita
adulta, un luogo dove il giovane deve confrontarsi con la
realtà delle scelte fatte, piuttosto che un semplice epilogo
drammatico.
Questa dinamica, inoltre, mette in luce la tensione permanente tra
affetto ed educazione: Eugenia non rinuncia alla sua funzione
educativa nemmeno davanti all’errore, ma cerca di trasformare la
pena in opportunità di crescita, sia per Nicola che per gli altri
ragazzi.
I rapporti personali e la dimensione umana di Eugenia
Accanto alle conquiste collettive, il finale approfondisce il lato
più privato di Eugenia, in particolare il rapporto con suo figlio
Andrea. Nel corso della serie, la protagonista affronta
difficoltà personali che
si intrecciano con il suo ruolo pubblico, mostrando che la
leadership educativa è anche una sfida interiore.
La risoluzione del rapporto con Andrea non è un trionfo conclamato,
bensì un momento di riconciliazione che testimonia come il
cambiamento non sia monopolio della sfera pubblica, ma anche della
vita privata. Anche qui il messaggio è chiaro: la crescita personale e la trasformazione
collettiva non sono percorsi separati, ma
interdipendenti.
Parallelamente, altri rapporti secondari, come quello tra Lucia e
Michele o l’addio di Vittorio, contribuiscono a comporre un quadro
corale di relazioni umane segnate da conflitti, affetti contrastati
e desideri di libertà.
Il finale aperto come invito a guardare oltre la stagione
Il modo in cui La
Preside chiude la sua prima stagione non si limita a dare una
conclusione narrativa netta, ma lascia alcuni fili aperti. La lotta
contro la dispersione scolastica, la ricerca di nuove alleanze nel
territorio, la trasformazione dei ragazzi in attori consapevoli del
proprio destino: tutte queste direzioni narrative non si
esauriscono con la puntata finale, ma suggeriscono che la vera
sfida comincia proprio dove finisce la storia raccontata sullo
schermo.
La conclusione, quindi, può essere interpretata come
un invito alla
riflessione più ampia: la responsabilità educativa, il
rapporto tra istituzioni e comunità, e la capacità di costruire
percorsi di riscatto richiedono tempo, perseveranza e una visione
che vada oltre l’immediato. La Preside consegna così al pubblico non un finale
chiuso, ma una prospettiva di continuità possibile, aperta al
cambiamento sociale e alla maturazione individuale.
Il
realismo è l’elemento che più colpisce in La
Preside. La figura della dirigente scolastica
(Luisa
Ranieri) che sceglie di guidare un istituto in un
territorio fragile, tra dispersione, conflitti sociali e resistenze
interne, appare così concreta da far sorgere una domanda
inevitabile: la serie Rai racconta una storia realmente
accaduta?
La
risposta non è netta come potrebbe sembrare. La Preside non è la trasposizione fedele della
vita di una singola dirigente con nome e cognome, ma nasce da un
lavoro di documentazione su esperienze autentiche del mondo
scolastico italiano. È una fiction che si radica nel reale, senza
essere una biografia.
L’ispirazione reale dietro La Preside: testimonianze, non
cronaca
La serie prende forma a partire da racconti e casi concreti di
dirigenti scolastici che hanno operato in contesti complessi,
soprattutto nel Sud Italia, dove la scuola rappresenta spesso
l’ultimo presidio istituzionale in territori segnati da disagio
economico e fragilità sociale. Negli ultimi anni, diversi presidi
sono diventati simbolo di una battaglia quotidiana contro
l’abbandono scolastico e l’isolamento delle famiglie.
Questo patrimonio di esperienze non viene riportato in maniera
documentaristica, ma rielaborato in chiave narrativa. La
protagonista diventa così una figura-sintesi, costruita per
rappresentare molte storie in una sola. Non esiste una “vera
preside” identificabile come fonte diretta della serie, ma esiste
una realtà educativa che ha fornito il materiale drammaturgico.
È
una differenza sostanziale: non siamo davanti a un adattamento
biografico, bensì a un racconto che utilizza elementi autentici per
costruire un personaggio simbolico e coerente.
Perché La Preside sembra una storia vera: la forza della
verosimiglianza sociale
La percezione di autenticità nasce dall’aderenza al contesto. Le
dinamiche raccontate — dispersione scolastica, tensioni con il
territorio, difficoltà nel far rispettare le regole, conflitti con
docenti e famiglie — non sono artifici narrativi, ma problemi
strutturali del sistema scolastico italiano. La serie non idealizza
la scuola, ma la rappresenta come spazio di confronto e di
resistenza civile.
La dirigente non è costruita come eroina infallibile, ma come
figura che affronta compromessi, isolamento e pressioni
istituzionali. Questa scelta di scrittura evita la retorica e
rafforza la credibilità dell’impianto narrativo. È proprio
l’assenza di semplificazioni melodrammatiche a rendere la storia
così “vera” agli occhi dello spettatore.
In definitiva, La
Preside non racconta un fatto specifico realmente accaduto, ma
restituisce una verità collettiva. È una fiction ispirata alla
realtà, non una cronaca televisiva. La sua forza non sta nel dato
biografico, bensì nella capacità di intercettare un nodo sociale
ancora aperto: il ruolo della scuola nei territori fragili.
Spider-Man: Brand New Day segnerà un nuovo inizio per
Peter Parker nell’universo cinematografico Marvel. In questo primo film,
l’Uomo Ragno sembra destinato ad affrontare diverse minacce
provenienti dalla strada, tra cui Scorpion,
Boomerang e Tarantula. Anche
Tombstone farà la sua comparsa e, sebbene i fan
sperassero che questo film e la serie Daredevil: Rinascita potessero
portare a una collaborazione contro Kingpin,
sembra che ciò non sia previsto per nessuno dei due personaggi.
Al posto del sindaco Wilson Fisk,
sembra invece che Tombstone sia stato designato come il grande
cattivo della serie Spider-Man. Questo secondo
Alex Perez di The Cosmic Circus, che afferma che
Lonnie Lincoln sarà la più grande minaccia per Spidey in questa
nuova trilogia ambientata nelle strade. La stagione 2 di
Daredevil: Rinascita, che ora è confermato che
concluderà la trama del sindaco Fisk, potrebbe persino preparare il
terreno per questo sviluppo.
“Anche se [Fisk] perdesse la
carica di sindaco, il vuoto di potere che ha lasciato eliminando i
suoi rivali lo lascia al vertice della malavita per quando alla
fine tornerà alla sua impresa”, scrive Perez. “Ragazzi,
dovete guardare avanti”. Lo status di Tombstone come minaccia
principale è stato consolidato nelle pagine della serie Amazing
Spider-Man di Zeb Wells. Se è vero che
fornisce a questi cattivi la loro tecnologia, possiamo aspettarci
di vedere Spidey combattere contro tutti i tipi di nemici classici
nei prossimi anni.
Durante una recente intervista con
Who Let Us Out, il regista Destin Daniel Cretton
ha infatti anticipato: “Stiamo esplorando un periodo della vita
di Peter Parker che trovo incredibilmente familiare, in cui sta
imparando ad affrontare una nuova fase della sua vita. Presto ne
saprete di più”. Con il film in uscita tra soli 5 mesi al
cinema, l’arrivo di un primo trailer ufficiale dovrebbe ormai
essere imminente, permettendo così di sapere qualcosa in più sul
progetto.
Quello che sappiamo
su Spider-Man: Brand New Day
Ad oggi, una sinossi generica di
Spider-Man: Brand New Day è emersa in rete, anche se
non è chiaro quanto sia accurata.
Dopo gli eventi di Doomsday,
Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a
concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità
di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge
una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e
costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in
gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità
di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile
alleato per proteggere coloro che ama.
L’improbabile alleato potrebbe
dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal –
recentemente annunciato come parte del film – in una situazione
già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono
inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi
contro la vera minaccia di turno.
Di certo c’è che il film condivide
il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la
Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo
inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e
rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha
dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da
un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry
Osborn.
Il film è stato recentemente
posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026.
Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il
film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers.
Tom Holland guida un cast che include
anche Zendaya, Jacob Batalon,Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas
e Jon Bernthal. Michael Mando è
stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento
di
Charlie Cox.
Brainiac,
interpretato dall’attore tedesco Lars
Eidinger, è pronto a fare il suo debutto sul grande
schermo in
Man of Tomorrow di James Gunn, e al regista è stato chiesto su
Threads se una certa serie di fumetti
di Superman abbia
influenzato la sua sceneggiatura. A Gunn è stato anche chiesto del
recente rumor su Maxima, ma non ha risposto a quella parte della
domanda.
“James, la trama di Panic In
The Sky è stata una fonte di ispirazione per Man of Tomorrow? Hai già confermato Brainiac.
Maxima è stata oggetto di numerose voci. Panic In The Sky è la
prima volta che Superman post-Crisi guida un gruppo di eroi. Sembra
che il tuo Superman potrebbe farlo in MoT“, è la domanda di un
utente. “Ho letto quasi tutte le storie di Brainiac per
inserirlo in MoT e ho utilizzato gli elementi che ritenevo più
efficaci. Ma PitS non ha avuto un’influenza determinante sulla
storia”, è la risposta di Gunn.
Panic in the Sky è
stato un evento crossover del 1992 nei quattro fumetti mensili di
Superman, incentrato sull’Uomo d’Acciaio che guida i supereroi
della Terra nella lotta contro un’invasione aliena guidata da
Brainiac.
Riguardo Brainiac, Eidinger ha
invece parlato per la prima volta dell’assegnazione del ruolo la
scorsa settimana. “Per me è un vero miracolo”, ha detto
all’intervistatore di TikTok DieShowMitChris dal Medienboard Party
al Festival Internazionale del Cinema di Berlino. “È davvero un
miracolo che sia successo, e oserei dire che ogni attore, ogni
attrice in Germania, nutre la segreta speranza che un giorno arrivi
la chiamata da Hollywood”.
“Ho sempre pensato: ‘Ho 50 anni
ormai. Ok, è finita’. Poi all’improvviso è successo, e tutto è
andato relativamente in fretta, no?”, ha aggiunto. “Faccio
davvero fatica a crederci. Ma non è che all’improvviso ti ritrovi
su una spiaggia di Los Angeles. Prima gireremo il film. Sono molto
emozionato”.
Tuttavia, il
regista avrebbe poi smentito la voce, e NPN ha già riferito che
il personaggio è in realtà Maxima, che
dovrebbe essere l’antagonista secondaria del film. Gunn non ha
avuto problemi a smentire varie altre voci relative a Man
of Tomorrow, quindi il fatto che abbia rifiutato di
rispondere a una domanda su questo personaggio potrebbe essere
significativo.
Tutto quello che sappiamo su Man of
Tomorrow
Le riprese principali di
Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera
del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio
2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel
al fianco di Lex Luthor, interpretato da
Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro
questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.
James
Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor
e Superman devono collaborare in una certa misura contro una
minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma
questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un
film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il
personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario
con loro due. Adoro la sceneggiatura”.
Gunn annunciato
Man of Tomorrow sui
social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore
e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman
è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC,
Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman.
Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero
stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua
Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per
qualsiasi grande minaccia si presenti loro.
Al momento, è confermata la
presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan. Il co-CEO della DC Studios
ha risposto a un fan su Threads all’inizio di settembre 2025 che
Lois avrà un “ruolo importante”. Il villain del film
sarà Brainiac, interpretato
da Lars Eidinger.
Il film è stato in precedenza
descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad
oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce
direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non
per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo
l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è
incredibilmente importante”.
Ora che Scream
7 è atteso a giorni sul grande schermo, può
essere divertente provarte a fare una classifica dei migliori e
peggiori titoli del franchise horror inaugurato da Wes Craven. I
film di cui si parlerà verranno commentati in tutte le loro parti,
anche quelle considerate SPOILER, quindi
attenzione a proseguire!
Scream 3 (2000)
Scream 3
occupa una posizione controversa all’interno del franchise.
Ambientato a Hollywood e costruito attorno a un set cinematografico
che riproduce gli eventi dei capitoli precedenti, il film porta
all’estremo la componente metanarrativa che ha sempre
caratterizzato la saga. Questa scelta rende il film estremamente
autoreferenziale, ma finisce per appesantirne il ritmo e la
tensione. La storia risulta sovraccarica di idee che non sempre
trovano un equilibrio efficace, soffocando sotto il peso delle
proprie ambizioni. Al di fuori del trio centrale composto da Sidney
Prescott, Gale Weathers e Dewey Riley, i personaggi secondari
risultano poco incisivi, con un conseguente indebolimento
dell’impatto emotivo delle sequenze di morte.
Il tentativo di aumentare la
paranoia, attraverso l’introduzione di un sofisticato modulatore
vocale che consente a Ghostface di imitare chiunque, rappresenta
un’idea potenzialmente interessante ma poco credibile nel contesto
tecnologico dell’epoca. Nonostante questi limiti, il film introduce
un elemento narrativo unico nella saga: un Ghostface solitario.
Roman Bridger, fratellastro di Sidney e regista horror, viene
rivelato come unico assassino, aggiungendo una dimensione familiare
e tragica al conflitto finale.
Scream 2 (1997)
Uscito a un solo anno di
distanza dal primo film, Scream 2 si
inserisce nel solco tracciato dall’originale, cercando di espandere
il suo discorso metacinematografico. L’apertura è particolarmente
efficace e memorabile, ma una volta superata questa sequenza
iniziale il film procede in modo più convenzionale. Pur non
commettendo errori evidenti e rispettando le regole dello slasher,
il capitolo fatica a raggiungere l’impatto culturale del
predecessore. Alcuni momenti restano comunque centrali per la saga,
in particolare la morte di Randy Meeks, che segna un passaggio
cruciale e doloroso per la narrazione.
Il commento meta si sposta dai
cliché degli slasher classici verso un’analisi più contemporanea,
concentrandosi sull’ascesa della cultura del true crime e
sull’ossessione mediatica per i processi televisivi. Questa scelta
rende il film un interessante documento del suo tempo, pur
mantenendolo su un piano meno incisivo rispetto all’originale.
Scream (2022)
Dopo una lunga pausa,
Scream del 2022 segna il ritorno del
franchise con una nuova generazione di personaggi e un linguaggio
aggiornato. Il film affronta in modo diretto la tendenza
dell’industria cinematografica a produrre reboot-sequel, definiti
all’interno della storia come “requels”. Il titolo stesso, identico
a quello del film del 1996, diventa parte integrante della
satira.
Il racconto riesce a mantenere vivo
lo spirito metanarrativo della saga, adattandolo all’horror
contemporaneo e al rapporto ossessivo dei fan con le proprietà
intellettuali. La scelta di rendere gli assassini due fan
estremamente devoti ai film di Stab rappresenta una
riflessione efficace sul fandom tossico e sull’idea di appartenenza
culturale. Il livello di violenza è più esplicito rispetto ai
capitoli originali e contribuisce a rendere il film più in linea
con il gusto moderno. Nel complesso, il capitolo del 2022 risulta
uno dei più solidi del franchise, pur mostrando alcune debolezze
nello sviluppo di parte del cast secondario.
Scream 6 (2023)
Scream 6
prosegue direttamente la linea narrativa introdotta nel 2022,
spostando l’azione a New York e ampliando la scala degli eventi.
L’assenza di Sidney Prescott, figura centrale della saga,
rappresenta una svolta significativa che inizialmente ha generato
perplessità, ma che non ha impedito al film di ottenere il maggior
successo commerciale dell’intero franchise. Il lavoro sui
personaggi risulta più approfondito rispetto al capitolo
precedente, con un cast corale meglio definito.
Per la prima volta nella storia
della saga vengono svelati tre assassini, una scelta che aumenta la
complessità narrativa e intensifica il senso di accerchiamento.
Ghostface viene rappresentato come particolarmente brutale e
spietato, con sequenze di violenza ambientate in contesti urbani
affollati. Il limite principale del film risiede nell’eccessiva
protezione narrativa dei protagonisti, che sopravvivono a ferite
ripetute e potenzialmente fatali, mettendo alla prova la
credibilità della storia.
Scream 4 (2011)
Scream 4
rappresenta l’ultimo capitolo diretto da Wes Craven e, per molti
anni, è stato considerato il finale definitivo della saga. Il film
riporta la narrazione alle origini, aggiornandola però al contesto
dei primi anni Duemila. L’obiettivo è quello di prendere di mira la
moda dei remake di film horror classici, smascherandone i
meccanismi mentre li supera sul piano creativo.
La struttura ricalca quella del
film del 1996, ma viene reinterpretata attraverso l’uso dei social
network e delle nuove tecnologie. Le informazioni e la violenza si
diffondono online, e Ghostface utilizza webcam e telefoni cellulari
per documentare gli omicidi. I killer Jill Roberts e Charlie Walker
incarnano una generazione ossessionata dalla fama e dalla
visibilità, rendendo il movente particolarmente attuale.
L’elaborata sequenza iniziale, costruita su un gioco
metacinematografico con i film di Stab, è tra le più
riuscite dell’intera saga.
Scream (1996)
Scream del
1996 è il film che ha dato origine al franchise e rimane uno dei
titoli più influenti del cinema slasher. L’opera riesce
nell’impresa di parodiare i cliché del genere mentre li utilizza
con estrema efficacia, creando un equilibrio raro tra ironia e
suspense. Il film rende omaggio ai classici dell’horror attraverso
riferimenti espliciti e giochi di conoscenza, introducendo al
contempo personaggi destinati a diventare iconici.
La sequenza iniziale sovverte
immediatamente le aspettative del pubblico, stabilendo il tono e le
regole di un racconto che non dà nulla per scontato. Nel suo
insieme, Scream rinnova profondamente il linguaggio dello
slasher, dimostrando che il genere può evolversi senza rinnegare il
proprio passato e ponendo le basi per una saga capace di riflettere
costantemente su se stessa e sul pubblico che la osserva.
28 anni dopo è
uscito lo scorso anno riscuotendo recensioni entusiastiche, ma ha
incassato solo 151,3 milioni di dollari in tutto il mondo a fronte
di un budget dichiarato di 60 milioni. Il film è stato diretto da
Danny Boyle, regista di 28 giorni
dopo, che ha passato il testimone a Nia
DaCosta per 28 anni dopo – Il tempio delle ossa (leggi
qui la recensione). Il sequel è stato altrettanto apprezzato e,
per molti, è stato un film persino migliore di quello di Boyle. Si
è inoltre concluso con il ritorno di Cillian Murphy nei panni di Jim, preparando il
terreno per il terzo capitolo pianificato da Boyle, che
probabilmente ruoterà attorno a lui e allo Spike di Alfie
Williams.
Il regista ha però dichiarato fin
dall’inizio che il terzo capitolo non era una cosa certa. Ora, con
28 anni dopo – Il tempio delle ossa che ha
incassato solo 57,6 milioni di dollari su un budget dichiarato di
63 milioni, è difficile immaginare che la Sony permetta a Boyle di
concludere la sua trilogia quando c’è una buona probabilità che sia
un flop, anche con Murphy nel ruolo di protagonista. Entrambi i
film erano piuttosto eccentrici e non avevano molto in comune con
28 giorni dopo, un thriller di sopravvivenza
“zombie” abbastanza tradizionale.
Entrambi i sequel avevano qualcosa
da dire sugli esseri umani mostruosi quanto quelli infettati dal
virus della rabbia, ma questi sequel hanno preso una piega strana e
non convenzionale (ninja ispirati a Jimmy Saville, per esempio).
Questo spiega in parte il calo degli incassi al botteghino dal
primo al secondo film, e un nuovo rapporto di World of Reel suggerisce ora che
il via libera di Sony al terzo film potrebbe non avere il peso che
si potrebbe pensare.
Secondo il sito, “Ho sentito da
due fonti separate che la Sony non ha fretta di realizzare il
capitolo conclusivo della trilogia, nonostante lo abbia annunciato
lo scorso dicembre. In realtà, ho sentito che Netflix ha mostrato un certo interesse ad acquisire
il sequel, ma Danny Boyle non ne vuole sapere. Vuole che questo
capitolo finale, che dovrebbe avere come protagonista Cillian Murphy, esca nelle sale
cinematografiche”.
28 anni dopo e
28 anni dopo – Il tempio delle ossa sono stati
girati praticamente uno dopo l’altro, il che significa che almeno
un sequel era sempre garantito. Anche Murphy potrebbe non essere un
punto di forza sufficiente per la Sony a questo punto, dato il
rendimento decrescente del secondo capitolo, e vale la pena notare
che gli account social ufficiali del film stanno ora pubblicizzando
28 anni dopo – Il tempio delle ossa come “il
finale che stavate aspettando”. Questo potrebbe però anche
semplicemente essere un riferimento al cameo di Murphy. Non resta
dunque che attendere maggiori novità.
Scary
Movie 6 è pronto a divertire e terrorizzare il
pubblico, dato che sono stati rivelati i film horror che saranno
oggetto della parodia. Proprio così, la serie di parodie preferita
da tutti sta tornando, e Marlon Wayans,
Shawn Wayans e Keenen Ivory
Wayans sono tornati a scrivere la sceneggiatura insieme a
Rick Alvarez, che sarà il produttore del film. Il
cast riporterà i membri originali, tra cui Regina
Hall, Anna
Faris, Lochlyn Monroe, Dave
Sheridan, Cheri Oteri, Chris
Elliott e Jon Abrahams. Verranno inoltre
introdotti i ruoli di Daman Wayans Jr.,
Kim Wayans, Heidi Garner e altri
ancora da annunciare.
Dread Central ha invece ora
rivelato i film horror che Scary Movie 6 incorporerà nella
parodia, tra cui I
Peccatori, film horror candidato all’Oscar di
Ryan Coogler, Weapons
di Zach Cregger e A Quiet Place. La Paramount ha dichiarato che
questo film sarà “il rilancio del franchise”, dato che i
fratelli Wayan si riuniscono per la prima volta dopo 18 anni.
Marlon Wayans aveva già parlato con Entertainment Weekly del film
in uscita, dato che sono state condivise poche o nessuna
informazione, e ha dichiarato: “Vogliamo solo far ridere tutti,
e non ci interessa se siete sensibili. Anche le persone sensibili
hanno bisogno di ridere di se stesse. Sappiate solo che non stiamo
ridendo solo di voi; avrete la possibilità di ridere degli
altri”.
Scary Movie 6
uscirà nelle sale il 12 giugno, oltre 13 anni dopo
Scary Movie 5, che conteneva parodie di
Paranormal Activity, Il cigno
nero, Mama e L’alba del pianeta
delle scimmie. È stato anche riferito che il nuovo film
conterrà una parodia di Terrifier 3 con
Felissa Rose che apparirà durante lo sketch. Il
trailer dovrebbe essere pubblicato questa settimana prima di
Scream
7.
I dettagli della trama del nuovo
film sono stati però in gran parte tenuti segreti e i nuovi
personaggi sono ancora in gran parte sconosciuti. Michael
Tiddes, noto per Ghost Movie e 50
sfumature di nero, sarà il regista e dovrà affrontare una
dura concorrenza con il suo film sostenuto dalla Paramount, dato
che Toy
Story 5, Supergirl e
Disclosure Day di Steven Spielberg sono tra i molti
blockbuster in uscita durante l’estate.
The Mist di
Mike Flanagan, recentemente annunciato, sarà
molto diverso dal precedente adattamento. A confermarlo è lo stesso
regista tramite alcuni post su Bluesky, nei quali ha
specificato che la sua versione del racconto non avrà nulla a che
vedere con l’adattamento originale
diretto da FrankDarabont
nel 2007. Il regista ha spiegato che “ho imparato molto
tempo fa a non cercare mai di prevedere di cosa discuteranno o non
discuteranno i fan (francamente, tutti dovrebbero rilassarsi; ho
appena visto un’intera catena di persone che sbavavano rabbia per i
poster AI realizzati dai fan per L’esorcista)… ma sì, questo non è
un rifacimento. Le differenze iniziano dalla pagina 1″.
Flanagan ha poi aggiunto che:
“adoro il film di Darabont e non ha alcun senso rifarlo. Ecco
perché sto andando in una direzione diversa”. Sarà dunque
interessante scoprire in che modo il regista adatterà il romanzo
horror di King. In esso si segue un gruppo di persone a Brighton,
nel Maine, costrette a lottare per la sopravvivenza dopo che una
misteriosa nebbia provoca l’attacco di creature mostruose alla
città. Il primo adattamento di Darabont è rimasto fedele al
romanzo, concentrandosi sia sulle creature che sui sopravvissuti
come minacce principali. Darabont ha pereò anche modificato il
finale di The Mist, guadagnandosi gli elogi di
King.
Il secondo adattamento è stato
realizzato sotto forma di serie TV su Spike, modificando la nebbia
in modo da includere sia minacce soprannaturali che effetti
psicologici, ovvero costringendo le persone a confrontarsi con i
propri errori passati. La serie TV The Mist ha
però ricevuto recensioni contrastanti dalla critica ed è stata
cancellata dopo la messa in onda della prima stagione. Per quanto
riguarda la versione di Flanagan, al momento della stesura di
questo articolo non è chiaro quanto rimarrà fedele al romanzo
breve.
Stando alle sue parole, ci saranno
grandi cambiamenti fin dall’inizio rispetto al film di Darabont, il
che fa presagire una serie di nuove idee per mantenere fresca la
storia. Considerando l’alto livello raggiunto dai numerosi
adattamenti di Flanagan dei romanzi di King, sarà sicuramente una
versione intrigante. Al momento, The Mist è uno
dei numerosi adattamenti di King a cui Flanagan sta lavorando. La
sua serie TV Carrie su Prime Video dovrebbe debuttare
nell’ottobre di quest’anno, mentre sta anche lavorando a un
adattamento televisivo della serie La Torre
Nera.
Oltre a King, Flanagan ha però
recentemente scritto anche Clayface per la DCU e dirigerà
un nuovo film de L’esorcista, in uscita nelle
sale il prossimo anno. Ciò significa che potrebbe volerci del tempo
prima che vengano alla luce ulteriori dettagli sulla sua versione
di The Mist. Tuttavia, considerando ciò che ha
detto finora sul film, sembra che i cambiamenti renderanno
l’esperienza significativa, distinguendola dal tipo di storia che
Darabont ha voluto raccontare nel suo adattamento.
Il
reboot di The
X-Files compie un passo decisivo: la nuova serie prodotta
da Ryan Coogler ha ufficialmente trovato la sua prima protagonista
e ha ottenuto il via libera per un episodio pilota su Hulu. A guidare il
progetto sarà Danielle Deadwyler,
scelta come co-lead della nuova versione della storica saga
sci-fi.
Le
prime voci su un ritorno della serie erano emerse nel marzo 2023,
quando il creatore originale Chris Carter aveva
rivelato che Coogler stava lavorando a una reinterpretazione del
franchise. Carter, pur non essendo coinvolto direttamente nella
scrittura, aveva dichiarato il proprio sostegno al nuovo corso.
Un
nuovo duo di agenti FBI nel solco di Mulder e Scully
Secondo quanto riportato da Deadline, il pilot ha ricevuto
ufficialmente il “greenlight” da Hulu. Coogler scriverà e dirigerà
l’episodio inaugurale, mentre Jennifer Yale sarà la
showrunner del progetto.
La serie seguirà due agenti dell’FBI altamente decorati ma
profondamente diversi tra loro, chiamati a riaprire una divisione
da tempo chiusa dedicata ai casi legati a fenomeni inspiegabili.
L’impostazione richiama chiaramente la dinamica iconica tra Fox
Mulder e Dana Scully, ma con l’obiettivo di aggiornare il racconto
per una nuova generazione di spettatori.
Il team di produzione esecutiva include, oltre a Coogler e Yale,
anche Chris Carter, Sev Ohanian e Zinzi Coogler per Proximity
Media. Il casting del pilot è affidato a Francine Maisler, già
responsabile delle scelte per Sinners, altro progetto legato a
Coogler.
Con l’ingresso di Danielle Deadwyler – nota per le sue
interpretazioni intense e carismatiche – il reboot di
The X-Files
entra ufficialmente nella fase operativa. Il progetto punta a
mantenere il cuore tematico della serie originale – il mistero, il
dubbio, la tensione tra scienza e fede – rinnovandone linguaggio e
prospettiva.
L’universo degli
“X-Files” è pronto a riaprire i suoi dossier. E questa volta, la
verità potrebbe avere un volto nuovo.
Tom
Hanks interpreterà per la prima volta nella sua
carriera un presidente degli Stati Uniti. Secondo quanto riportato
da Deadline, l’attore vestirà i panni di Abraham Lincoln
nell’adattamento cinematografico del romanzo Lincoln in the Bardo, scritto da George Saunders e
pubblicato nel 2017. Il libro, vincitore del Booker Prize nello
stesso anno, racconta il dolore di Lincoln per la morte del figlio
Willie, scomparso a soli undici anni.
Il
film sarà diretto da Duke Johnson, noto
per il film d’animazione candidato all’Oscar Anomalisa (2015).
L’adattamento unirà live-action e stop-motion animation: Hanks
interpreterà una versione in carne e ossa di Lincoln, mentre gli
elementi animati serviranno a dare forma alla dimensione metafisica
del “bardo”, uno spazio di transizione tra vita e rinascita,
centrale nel romanzo di Saunders.
Un ruolo inedito nella carriera di Tom Hanks
Nel corso della sua carriera, Hanks ha spesso interpretato figure
realmente esistite, da Richard Phillips in Captain Phillips a
Fred Rogers in Un amico straordinario. Tuttavia, non aveva
mai interpretato un presidente degli Stati Uniti. Con
Lincoln in the Bardo,
l’attore aggiunge dunque un nuovo tassello prestigioso alla sua
filmografia, affrontando una figura storica già portata sullo
schermo in opere celebri come Lincoln (2012) di
Steven Spielberg, dove il
presidente fu interpretato da Daniel Day-Lewis.
Il film esplorerà il lutto di Lincoln nel corso di una sola notte,
mantenendo l’impianto sperimentale del romanzo originale. L’uso
combinato di live-action e stop-motion punta a restituire la
complessità emotiva e spirituale della storia, trasformando il
dolore privato del presidente in un viaggio intimo e
visionario.
Hanks sarà anche produttore del progetto attraverso la sua casa di
produzione Playtone. Tra i produttori figurano Duke Johnson, Gary
Goetzman, Paul Young e Devon Young Rabinowitz, mentre George
Saunders, Steven Shareshian e Aaron Mitchell ricopriranno il ruolo
di executive producer. Il film, realizzato da Starburns Industries,
sarà girato a Londra.
Con questa interpretazione, Lincoln in the Bardo si preannuncia come un nuovo
capitolo importante nella rappresentazione cinematografica di
Abraham Lincoln e come un momento significativo nella carriera di
Tom Hanks, chiamato a confrontarsi con una delle figure più
iconiche della storia americana.
Dunkirk
di Christopher Nolan è un film intenso e
straziante che racconta la miracolosa evacuazione di migliaia di
soldati britannici dalle spiagge della Francia durante la Seconda
guerra mondiale. L’operazione Dynamo, come fu
ufficialmente chiamata, fu l’ultimo disperato tentativo di
Winston Churchill di salvare le forze di
spedizione britanniche da una sconfitta catastrofica, assicurando
all’Inghilterra una forza militare sufficientemente numerosa da
proteggersi dall’esercito tedesco che stava invadendo l’Europa.
Dunkirk è pieno di personaggi di fantasia,
ma si
basa sui fatti realmente accaduti in quella settimana
dell’estate del 1940. Iniziata il 26
maggio e terminata il 4 giugno,
l’operazione prevedeva l’evacuazione di almeno 45.000 soldati, il
numero ritenuto necessario per proteggere l’Inghilterra
dall’invasione, ma alla fine furono più di 300.000 i soldati
trasportati attraverso la Manica. Questa straordinaria impresa fu
possibile solo grazie ai numerosi soldati britannici e francesi che
respinsero l’avanzata tedesca, al supporto aereo fornito dalla
Royal Air Force e, cosa ancora più sorprendente, alle imbarcazioni
civili che si avventurarono in una zona di guerra per riportare a
casa i propri soldati.
Sono questi tre elementi –
gli eventi sulle spiagge di Dunkerque, i
pescherecci civiliei traghetti
che attraversano la Manica e i piloti della RAF
che combattono la Luftwaffe tedesca nei cieli sopra di
loro – a costituire la maggior parte della durata del
film. Tuttavia, dato che si tratta di un film di Nolan e che il
regista ha un debole per la narrazione creativa, la trama di
Dunkirk non è lineare e gli eventi non si
susseguono in ordine strettamente cronologico. Nolan presenta
invece il suo film con tre trame in tre diversi archi temporali,
ciascuno dei quali inizia in un momento diverso rispetto alla fine
dell’evacuazione.
Si tratta certamente di una
presentazione disorientante (soprattutto con una sceneggiatura che
ha dialoghi limitati), ma aiuta a riflettere l’atmosfera frenetica
dell’evacuazione di Dunkerque. Tuttavia, anche per i cinefili più
esperti, le linee temporali di Dunkirk possono
essere difficili da seguire. Per aiutare a dare un senso ai diversi
archi temporali coperti dal film e per spiegare quando iniziano a
intersecarsi, abbiamo delineato (nel miglior modo possibile) gli
eventi del film in ordine cronologico.
Presentato come “La terra” (il nome
dei moli di cemento che proteggono la spiaggia e che i soldati
usavano al posto di un vero e proprio molo), il primo e più ampio
arco temporale di Dunkirk riguarda i soldati
bloccati sulla spiaggia, in particolare Tommy di Fion
Whitehead, Gibson di Aneurin Barnard e
Alex di Harry Styles, nonché il comandante Bolton
di Kenneth Branagh e il colonnello Winnant di
James D’Arcy. Tommy ci viene presentato per la
prima volta mentre lui e i suoi commilitoni vagano per le strade
abbandonate di Dunkerque. Ben presto vengono attaccati dal fuoco
nemico e Tommy è l’unico sopravvissuto, riuscendo a raggiungere la
spiaggia dove migliaia di soldati britannici e francesi attendono i
soccorsi.
Lì vede un altro uomo che
seppellisce un soldato caduto. Né Tommy né Gibson (come
identificato dalla sua uniforme) dicono una parola, ma i loro
sguardi parlano chiaro: questi uomini sono stanchi della guerra e
non desiderano altro che lasciare quella spiaggia vivi. Dopo aver
resistito a un bombardamento della Luftwaffe, colgono l’occasione.
I feriti vengono trasportati su barelle verso una grande nave
militare attraccata al Molo e, dopo che il bombardamento ha
lasciato una barella incustodita, Tommy e Gibson la prendono e
iniziano a correre verso la nave.
Si fanno strada tra centinaia di
soldati, per lo più francesi, poiché le navi britanniche erano lì
per evacuare prima le loro truppe, lasciando molti soldati francesi
bloccati, e raggiungono la nave per un soffio prima che salpi.
Sfortunatamente, una volta consegnato il ferito ai medici, sono
costretti a lasciare la nave perché non c’è abbastanza spazio anche
per loro. Non volendo tornare sulla spiaggia e perdere l’occasione
di andarsene, i due si nascondono sotto il molo per aspettare e
sperare di salire di nascosto sulla prossima nave. Mentre la nave
sta salpando, però, viene bombardata dai tedeschi e inizia ad
affondare.
Il comandante Bolton, responsabile
dell’evacuazione dal molo, ordina che la nave affondante venga
allontanata dal molo per paura che danneggi la fragile struttura in
legno. Coloro che sono in grado di farlo saltano dalla nave per
salvarsi la vita, mentre la maggior parte dei feriti viene lasciata
annegare. Tommy e Gibson agiscono rapidamente mentre la nave che
sta affondando minaccia di schiantarsi contro il molo, salvando
Alex dall’essere schiacciato tra la nave e il molo di cemento. I
tre soldati risalgono e riescono a salire su un’altra nave in
partenza quella notte. Tommy e Alex si dirigono sottocoperta dove
vengono serviti tè e pane con marmellata, mentre Gibson rimane sul
ponte.
Mentre la nave salpa, viene
silurata. L’acqua del mare comincia a riversarsi sottocoperta
mentre la nave si capovolge, intrappolando Tommy e Alex. Gibson
riesce a liberare la porta e a salvarli dall’annegamento. Tutti e
tre nuotano quindi fino alla riva, dove attendono la loro prossima
occasione per fuggire. Mentre aspettano sulla spiaggia nei giorni
successivi, assistono a una serie di eventi deprimenti, tra cui un
uomo che si suicida camminando con calma tra le onde. Ci sono anche
diversi soldati che iniziano a remare verso il mare aperto con le
scialuppe di salvataggio nella speranza di trovare una barca che li
porti oltre il canale. Uno di questi uomini è il personaggio di
Cillian Murphy, protagonista del secondo
capitolo del film, “Il mare”.
In Inghilterra, la Marina Militare
sta requisendo imbarcazioni civili – quelle che in seguito saranno
soprannominate le “piccole imbarcazioni” di Dunkerque – per aiutare
nelle operazioni di evacuazione, poiché la maggior parte delle navi
militari più grandi non è in grado di attraversare le acque poco
profonde e raggiungere la costa francese. Il signor Dawson,
interpretato da Mark Rylance, possiede una di
queste imbarcazioni, ma invece di cedere la “Moonstone” alla
Marina, lui, suo figlio Peter (Tom Glynn-Carney) e
il suo giovane amico George (Barry Keoghan) decidono di salpare da
soli.
Durante il viaggio incrociano una
grande nave che trasporta soldati da Dunkerque e vedono alcuni
Spitfire della RAF volare verso i bombardieri tedeschi, segni che
indicano che si stanno avvicinando alla guerra. Si imbattono poi in
un soldato bloccato su un relitto galleggiante, unico sopravvissuto
all’attacco di un U-Boot. L’uomo è il soldato tremante interpretato
da Cillian Murphy, che ora soffre di disturbo da
stress post-traumatico o shock da bombardamento, e che sale a bordo
della loro barca pensando che siano diretti in Inghilterra. Quando
scopre che stanno andando a Dunkerque, diventa ansioso e instabile
e cerca di prendere il controllo della barca dal signor Dawson.
Questo porta a una lotta in cui
George viene sbattuto sottocoperta, dove batte la testa. Peter
scende a controllarlo e, dopo aver medicato la ferita alla testa
come meglio può, George rivela di essere diventato cieco. Credendo
che gli uomini a Dunkerque rimangano la loro priorità assoluta, il
signor Dawson decide di proseguire. Sulla spiaggia, Tommy, Alex e
Gibson si sono uniti a un gruppo di soldati scozzesi che si stanno
dirigendo verso una barca abbandonata arenata durante la bassa
marea. La speranza è quella di nascondersi all’interno
dell’imbarcazione e, con l’alta marea, di prendere il largo. Dopo
essere entrati, si spaventano quando il capitano olandese della
barca ritorna, spiegando loro che la barca si trova oltre il
perimetro britannico e rischia di essere attaccata.
A quel punto la barca viene presa
di mira, ma non si tratta di un attacco: i soldati tedeschi la
stanno usando per esercitarsi al tiro. Con l’arrivo della marea,
l’acqua comincia a entrare dai fori dei proiettili e diventa chiaro
che la barca non galleggerà più. Pensando che tutto ciò che devono
fare sia perdere un po’ di peso, Alex accusa Gibson di essere una
spia tedesca perché non ha detto quasi nulla e insiste affinché
venga gettato fuori dalla barca. Tommy lo difende, a quel punto
Gibson rivela di non essere né britannico né tedesco, ma piuttosto
un soldato francese e di aver semplicemente rubato l’uniforme
dell’uomo che Tommy lo ha visto seppellire. L’atmosfera all’interno
della barca che lentamente scivola via diventa tesa mentre continua
a derivare verso il mare aperto.
Gli Spitfire che hanno sorvolato la
barca del signor Dawson nelle prime ore del giorno si sono
avvicinati a Dunkerque e nel terzo capitolo del film, “Il cielo”,
vediamo Farrier (Tom
Hardy) e Collins (Jack Lowden)
ingaggiare battaglia con i bombardieri tedeschi che attaccano le
navi britanniche in fuga. Il primo Luftwaffe che incontrano abbatte
il loro capo squadriglia, lasciando Farrier al comando. Anche il
suo indicatore di carburante è danneggiato, mettendolo a rischio di
consumare troppo carburante e costringendolo a contattare
ripetutamente Collins via radio per controllare i livelli. Il loro
successivo scontro con un bombardiere tedesco ha più successo e lo
abbattono, ma l’aereo di Collins è danneggiato e deve effettuare un
atterraggio di emergenza nel canale.
Mentre il suo aereo precipita,
viene avvistato dal signor Dawson, che decide di cambiare rotta per
soccorrere il pilota. Ed è una buona cosa che lo faccia, perché una
volta precipitato, Collins non è in grado di aprire il portello
della cabina di pilotaggio. Mentre l’aereo si riempie d’acqua e
inizia ad affondare con Collins intrappolato all’interno, il
“Moonstone” si avvicina e Peter rompe il portello della cabina di
pilotaggio, salvando Collins. Una volta a bordo, continuano verso
Dunkerque. Anche Farrier fa lo stesso, passando al carburante di
riserva e sorvolando una nave della Marina britannica sotto
attacco. Accanto alla nave più grande, c’è la barca più piccola con
Tommy, Alex, Gibson e gli altri soldati ancora all’interno.
Ormai hanno imbarcato troppa acqua
e la barca sta affondando più rapidamente. Mentre i soldati si
affannano a fuggire, Gibson rimane impigliato nelle catene e
annega. Tommy e Alex raggiungono la superficie e iniziano a nuotare
verso la nave più grande, solo per vederla colpita da un
bombardiere tedesco. In alto sopra di loro, Farrier ingaggia la
Luftwaffe, ma non riesce a salvare la nave e continua la sua corsa
verso Dunkerque. La “Moonstone” raggiunge la scena in tempo per
vedere la nave della Marina bombardata e, mentre schiva il fuoco
dei caccia nemici, il signor Dawson manovra verso la nave che sta
affondando, dove iniziano a salvare tutti i sopravvissuti che la
barca può contenere, tra cui Tommy e Alex.
Con la nave che affonda e perde
carburante nel canale, la “Moonstone” deve allontanarsi rapidamente
per evitare di prendere fuoco quando il petrolio si incendia.
Mentre i soldati salvati iniziano a scendere sottocoperta della
“Moonstone”, scoprono che George è morto a causa delle ferite
riportate. E invece di incolpare il soldato sotto shock e
aggiungere altro dolore al suo dolore, Peter mente e gli dice che
George starà bene. Con la barca piena, il signor Dawson fa
inversione con la “Moonstone” e torna in Inghilterra. Il
resto delle piccole imbarcazioni, tuttavia, sta appena arrivando a
Dunkerque, portando con sé un rinnovato senso di speranza.
Mentre Boltan e Winnant
supervisionano l’evacuazione a terra, Farrier, anch’egli appena
arrivato, fornisce copertura dall’alto. Il suo aereo ha ormai
esaurito il carburante, ma è in grado di planare e continua a
sorvolare la spiaggia. Il pesante bombardamento continua fino a
quando Farrier riesce ad abbattere l’ultimo bombardiere,
assicurando che un maggior numero di soldati possa evacuare.
Winnant informa Bolton che l’evacuazione ha avuto successo, ma
Bolton risponde che non se ne andrà finché non avrà aiutato anche i
francesi a evacuare. Farrier riesce ad atterrare con il suo
Spitfire, ma si trova dietro le linee nemiche. Appicca il fuoco al
suo aereo e viene catturato dai soldati tedeschi.
Una volta tornati a casa, i soldati
sbarcano dalla “Moonstone” dove vengono accolti come eroi, anche se
la maggior parte di loro non si sente all’altezza. Il corpo di
George viene portato via dalla nave e in seguito viene celebrato
come un eroe locale sui giornali. Tommy e Alex salgono su un treno
dove leggono la ristampa di un giornale del discorso di Winston
Churchill dopo il successo dell’Operazione Dynamo: “Difenderemo la
nostra isola, a qualsiasi costo, combatteremo sulle spiagge,
combatteremo sulle piste di atterraggio, combatteremo nei campi e
nelle strade, combatteremo sulle colline; non ci arrenderemo
mai”.
La spiegazione della timeline intrecciata
di Dunkirk
La presentazione non lineare di
Dunkirk, sebbene a volte confusa, è essenziale per
dare a ciascuna delle tre trame del film il tempo e l’attenzione
necessari per trasmettere al pubblico il loro ruolo
nell’evacuazione. Se raccontata in modo strettamente cronologico,
il contributo di Farrier sarebbe sembrato molto inferiore a quello
delle piccole imbarcazioni, che in realtà è come appariva agli
uomini bloccati sulla spiaggia, molti dei quali criticavano la RAF
per non aver fatto abbastanza. Inoltre, presentare il film in modo
così caotico, lasciando al pubblico il compito di ricostruire la
relazione temporale tra le diverse storie, intensifica la
sensazione viscerale del film.
Ad esempio, vediamo la barca
affondare ben prima di sapere che si tratta della barca in cui sono
intrappolati Tommy, Alex e Gibson, e vediamo la “Moonstone”
raccogliere il soldato tremante prima di vederlo lasciare
Dunkerque. Tuttavia, mettere insieme i principali eventi del film
più o meno nell’ordine in cui si sarebbero verificati
cronologicamente aiuta, si spera, a comprendere meglio come Nolan
li abbia alla fine intrecciati tutti insieme. E forse fa luce sul
motivo per cui ha scelto di presentare la sua storia nel modo in
cui l’ha fatto.
Il finale del film Monster
Hunter (leggi
qui la recensione) ha risposto a una serie di domande, tra cui
chi vince in uno scontro tra un drago e un elicottero, ma ne ha
lasciate molte altre in sospeso, in attesa di una risposta in un
sequel o che i fan colleghino i puntini altrove. Di seguito,
allora, rispondiamo alle principali domande sulla trama emerse dopo
la visione del film, nonché ad altre domande che, si spera,
arricchiranno la trama dell’adattamento cinematografico del
videogioco diretto da Paul W.S. Anderson.
Cosa accade nel finale di Monster
Hunter
Per prima cosa, ecco un riassunto
del finale di Monster Hunter, che include tutti
gli eventi principali e i momenti salienti della trama. Nella
seconda metà del film, Artemis, ormai sfuggita alle grinfie dei
mostri Nerscylla, e il Cacciatore si dirigono verso la Torre del
Cielo affinché lei possa tornare nel suo mondo attraverso il
portale. Naturalmente, la strada da percorrere non è priva di
ostacoli e difficoltà. I due vengono salvati dall’equipaggio del
Cacciatore (dopo che questi era caduto dalla loro nave all’inizio
del film) guidato dall’Ammiraglio interpretato da Ron Perlman.
Anche loro si dirigono verso la
Torre Celeste per sconfiggere il Rathalos che custodisce la fonte
di energia. Una volta lì, il Rathalos attacca la squadra, ma
l’ammiraglio guida la controffensiva. Durante un momento
culminante, Artemis viene messa alle strette e si tuffa oltre il
bordo della scogliera mentre la Torre Celeste e il portale si
attivano. Quindi salta attraverso il portale e torna nel deserto
del “nostro” mondo, l’ambientazione all’inizio del film. Lì viene
salvata da una task force ed evacuata. Sfortunatamente per loro, il
Rathalos vola attraverso il portale e brucia tutti, tranne
Artemis.
Artemis sfrutta quindi l’unica
debolezza del Rathalos, la sua bocca spalancata prima di sputare
fuoco, e gli spara un proiettile esplosivo nella gola. Il
Cacciatore appare quindi e aiuta Artemis a uccidere la bestia. Alla
fine del film, l’ammiraglio avverte che un altro attacco è
imminente. Artemis accetta di tornare indietro attraverso il
portale per uccidere la bestia e chiudere la Sky Tower. La squadra
salta attraverso il portale e il film finisce. Nella scena
post-credits di Monster Hunter, il trio combatte
contro un nuovo mostro, con lo chef Miaiuscolo che si unisce al
divertimento. Infine, si vede un uomo incappucciato che osserva la
battaglia.
Il portale tra i due mondi è
chiuso per sempre?
Non sembra proprio. L’ammiraglio ha
fatto un chiaro riferimento all’inizio del film alla Sky Tower che
si trova sopra una fonte di energia basata sulla lava che aiuta ad
alimentare il portale che permette di viaggiare tra i due mondi. Il
portale esiste da molto tempo. Il personaggio di Ron
Perlman ha anche spiegato ad Artemis che “gli Antichi”
avevano viaggiato avanti e indietro tra i due mondi diverse
centinaia di anni fa.
Tuttavia, se la Sky Tower venisse
distrutta, la situazione cambierebbe completamente, creando un
dilemma per Artemis che potrebbe essere esplorato nel sequel. Per
ora è intatta, il che significa che i mostri possono viaggiare nel
mondo umano e viceversa. Ciò significa che ci saranno molte
opportunità per inquietanti incroci tra i due mondi nei prossimi
episodi.
Il Rathalos è morto?
Il Rathalos, un mostro iconico
della serie Monster Hunter, era il cattivo del film. Alla fine è
stato sconfitto grazie alla combinazione degli attacchi di fuoco
dell’Ammiraglio, alla precisione laser del Cacciatore con il suo
arco e ai proiettili esplosivi di Artemis. Il mostro che vediamo
alla fine non è un Rathalos. Nonostante la confusione, il Rathalos
è sicuramente morto e sepolto.
La “civiltà antica”
Sfortunatamente, il riferimento a
metà film di Monster Hunter a una “civiltà antica”
non viene approfondito. Tuttavia, ci sono diverse spiegazioni
basate sulla tradizione dei giochi a cui fare riferimento. La
civiltà antica era un gruppo misterioso che era tecnologicamente
molto più avanzato di qualsiasi altra civiltà negli anni successivi
alla sua estinzione. Spesso utilizzava e catturava mostri per i
propri scopi e costruì persino la Torre, che ha ispirato la Sky
Tower del film. La sua padronanza sia della tecnologia che dei
mostri ha essenzialmente inaugurato un’età dell’oro, anche se i
suoi esperimenti con i draghi alla fine lo hanno portato
all’estinzione durante la Grande Guerra dei Draghi.
Perché la Sky Tower è così
importante?
La Torre Celeste non è solo uno
degli ultimi resti dell’opera dell’Antica Civiltà, ma è anche un
ponte tra il mondo dei mostri e il “nostro” mondo, da cui proviene
Artemis. Nel corso della storia, vari esseri umani sono passati al
mondo dei mostri grazie alla Torre Celeste, anche se non si sa come
venga attivata o perché Artemis e la sua squadra di soldati siano
riusciti ad attraversarla.
Il mostro e l’uomo incappucciato
nella scena post-credits
Monster Hunter,
stranamente, introduce un nuovo cattivo al minuto 90… e ci fa
aspettare il sequel per scoprire di cosa si tratta e se verrà
sconfitto dai cacciatori. Ma se conosci bene i wyvern e gli
akantor, riconoscerai immediatamente gli artigli distintivi e la
postura simile a quella di un drago. Il mostro nell’ultima scena è
un Gore Magala, famoso soprattutto per la sua apparizione in
Monster Hunter 4.
L’uomo incappucciato alla fine del
film rimane un mistero. L’unico parallelo tra quella figura anonima
e la serie di videogiochi Monster Hunter è il
Seeker di Monster Hunter: World del 2017. In quel
gioco, il Seeker faceva parte della prima ondata di cacciatori
arrivati nella terra di Astera, dove vagavano i mostri del gioco.
Si dedica a svelare i segreti del mondo, compreso il modo in cui
l’Elder Crossing, il viaggio che un Elder Dragon compie prima di
morire, provoca la creazione di nuovi mondi.
Quindi, tutti gli appassionati di
Monster Hunter possono stare tranquilli: se Monster
Hunter 2 vedrà la luce, approfondirà alcuni degli aspetti
più complessi della storia che sta dietro al mondo (o ai mondi) dei
giochi. Al momento, tuttavia, non ci sono novità riguardo ad un
sequel. Quello che sappiamo è che il regista Paul W.S.
Anderson ha in precedenza dichiarato di star lavorando a
un nuovo progetto Monster Hunter, ma lo scarso
successo di pubblico ottenuto dal primo film potrebbe aver posto un
freno alla realizzazione di un sequel.
Il
2015 ha visto l’uscita di Run All Night – Una notte per
sopravvivere, diretto da Jaume
Collet-Serra, regista noto per thriller intensi come
Non stop e Unknown – Senza
identità. Il film segna una delle molte collaborazioni tra
Collet-Serra e Liam Neeson, attore protagonista anche in
Non stop (2014),
Unknown – Senza
identità (2011) e L’uomo sul treno –The Commuter (2018). La coppia ha consolidato un
sodalizio capace di combinare tensione narrativa, action ad alto
ritmo e performance carismatiche, rendendo ogni progetto un punto
di riferimento per il cinema d’azione contemporaneo con sfumature
thriller.
All’interno della filmografia di Liam
Neeson, Run All Night – Una notte per
sopravvivere si colloca come un esempio di action-drama
maturo, dove l’attore interpreta un uomo segnato dal passato e
costretto a confrontarsi con la propria coscienza. Dopo successi
come Io vi troverò, Neeson consolida l’archetipo dell’uomo
ordinario con abilità straordinarie, immerso in situazioni estreme
che richiedono coraggio e astuzia. Il film esplora così un lato più
intimo e vulnerabile del protagonista, evidenziando il conflitto
tra responsabilità familiare e legami criminali, elemento
ricorrente nella sua carriera recente.
Il film si muove tra
thriller, action e dramma familiare, mantenendo alta la tensione
per tutta la notte in cui si svolge la vicenda. La narrazione
intreccia inseguimenti, scontri violenti e dilemmi morali, mentre
Neeson cerca di proteggere il figlio minacciato dal mondo criminale
in cui è cresciuto. Tematiche come redenzione, lealtà e relazioni
paterne sono al centro della storia, conferendo al film profondità
emotiva oltre all’adrenalina degli scontri. Nel resto dell’articolo
si proporrà un approfondimento con la spiegazione del finale e di
come esso risolve le tensioni narrative e morali della
pellicola.
La trama di Run All
Night – Una notte per sopravvivere
La vicenda del film si apre nella
città di Brooklyn, dove Jimmy Conlon è un ex
cecchino noto con il nome di Il Becchino. Ormai avanti con gli
anni, l’uomo sembra però essersi ritirato a vita privata,
circondato dai sensi di colpa e dall’alcol. Egli è infatti
costretto ad affrontare da solo il brutto rapporto che ha sempre
avuto con il figlio Mike, il quale si è
allontanato da lui per poter vivere in pace con la propria
famiglia. Nel momento in cui Mike finisce con il cacciarsi in
grossi guai, però, per Jimmy sembra presentarsi l’occasione di
riallacciare i rapporti con lui aiutandolo ad uscire dalla sua
brutta situazione. Ciò che Jimmy non sa ancora, però, è che alle
calcagna del figlio c’è Shawn Maguire, il suo
vecchio boss e partner nel mondo criminale.
Per il cecchino arriva dunque il
momento di scegliere da che parte stare, se aiutare suo figlio o
colui che lo ha cresciuto e introdotto nel mondo a cui appartiene.
Se la scelta sembra per Jimmy abbastanza ovvia, altrettanto lo sono
le conseguenze. L’uomo e suo figlio si trovano così a vivere una
notte di fuga, nel tentativo di rimanere in vita e risolvere i loro
guai. A complicare la loro situazione, però, ci si mette di mezzo
anche l’astuto e inarrestabile detective John
Harding. Questi ha dalla sua numerosi conti in sospeso con
Jimmy, e non vede l’ora di poterlo acchiappare e consegnare alla
giustizia. Basterà una sola notte a cambiare la vita di questi
personaggi, i quali con il sorgere del sole non saranno più gli
stessi di prima.
La spiegazione del finale del
film
Il
terzo atto del film si apre con Jimmy Conlon che prende la
decisione di affrontare direttamente Shawn Maguire e la sua gang,
determinato a proteggere suo figlio Mike e la sua famiglia. Dopo
aver neutralizzato due poliziotti corrotti inviati da Shawn, Jimmy
conduce Mike in un luogo sicuro e cerca di raccogliere prove della
sua innocenza. La tensione cresce mentre Shawn minaccia di
vendicarsi e Jimmy si trova ferito in un confronto con l’assassino
Andrew Price. La sequenza mette in evidenza il confronto finale tra
Jimmy e le minacce che gravano su suo figlio, ponendo le basi per
la risoluzione della storia.
Jimmy decide di affrontare da solo Shawn e la sua banda,
lanciandosi in un attacco disperato al loro nascondiglio. In uno
scontro sanguinoso, elimina Shawn e i suoi uomini, ponendo fine
alla minaccia diretta alla sua famiglia. Contemporaneamente, la
prova video fornita dal giovane Legs dimostra che Mike non ha
commesso l’omicidio degli albanesi, ristabilendo la sua innocenza.
Jimmy, gravemente ferito, raggiunge la famiglia di Mike e affronta
Price in un ultimo confronto: uccide l’assassino per proteggere il
figlio, completando così il ciclo di violenza e sacrificio iniziato
nel corso della notte.
Il film si chiude con Jimmy che, ormai vicino alla morte, consegna
la lista delle sue vittime al detective Harding, rispettando la
promessa fatta per salvare Mike e assicurare giustizia. Mike
finalmente accoglie Jimmy tra i suoi figli, un momento di
riconciliazione emotiva e di chiusura simbolica. Dopo la morte di
Jimmy, la famiglia si riunisce e Mike ritorna alla sua vita
quotidiana, lavorando come allenatore e autista. L’epilogo mostra
la pace ritrovata, ma anche il prezzo pagato da Jimmy per
proteggere ciò che più ama, chiudendo il racconto con un senso di
sacrificio e redenzione.
Il finale porta a compimento i temi centrali del film, come il
conflitto tra lealtà familiare e legami criminali, e la possibilità
di redenzione attraverso azioni coraggiose. Jimmy, pur segnato da
un passato violento, sceglie di affrontare il pericolo per
proteggere il figlio, dimostrando che anche un uomo segnato dal
crimine può trovare un senso morale nelle scelte ultime. La morte
di Jimmy simboleggia la liberazione dei protagonisti dalla catena
di violenza, sottolineando l’importanza della responsabilità
personale e della protezione dei propri cari.
Il film lascia al
pubblico una riflessione sui sacrifici necessari per salvaguardare
chi si ama e sulle conseguenze delle azioni passate. Attraverso il
personaggio di Jimmy, emerge il valore della redenzione e della
responsabilità intergenerazionale, mostrando che anche un uomo
imperfetto può lasciare un’eredità positiva. Il messaggio centrale
riguarda la forza dei legami familiari, la giustizia personale e la
possibilità di riscatto, temi che conferiscono al thriller d’azione
una profondità emotiva rara nel genere e rendono la vicenda
memorabile oltre la pura adrenalina degli scontri.
Lily Collins interpreterà Audrey
Hepburn in un film sull’icona del grande schermo e sulla
realizzazione del suo classico del 1961 Colazione da
Tiffany, che la sua Case Study Films sta sviluppando
insieme a Imagine Entertainment e al produttore Scott LaStaiti.
Con Alena Smith di
Dickinson che ha firmato per l’adattamento, il film è basato sul
bestseller di Sam Wasson Fifth Avenue, 5 A.M.: Audrey Hepburn,
Colazione da Tiffany e l’alba della donna moderna, il primo
resoconto completo della realizzazione del film. Con un cast di
personaggi che include Truman Capote,
Edith Head, il regista Blake
Edwards e, naturalmente, la stessa Hepburn, Wasson immerge
i lettori nell’America della fine degli anni ’50, quando una
ragazza non proprio vergine di nome Holly Golightly fece scalpore
in tutto il paese, cambiando per sempre la moda, il cinema e il
sesso.
Una delle figure più significative
dell’età d’oro di Hollywood, la Hepburn vinse un Oscar per Vacanze
Romane e recitò in altri classici come Sabrina e Cenerentola a
Parigi prima di approdare a Colazione da
Tiffany, la commedia romantica diretta da Blake
Edwards per la Paramount, basata sul racconto di Truman Capote, che
la consacrò come icona mondiale della moda e della cultura. Il suo
personaggio, Holly Golightly, è una giovane mondana newyorkese che
si interessa a un ragazzo appena arrivato nel suo condominio, solo
per scoprire che il suo passato minaccia di intromettersi tra i
due. Candidato a cinque Oscar, con Hepburn in lizza per la migliore
attrice protagonista, il film ne ha vinti due, per la colonna
sonora e la canzone, ed è entrato nel National Film Registry degli
Stati Uniti nel 2012.
Brian Grazer, Jeb
Brody e Justin Wilkes produrranno il film
su Hepburn per Imagine, con Marc Gilbar come produttore esecutivo e
Joyce Choi che supervisionerà lo sviluppo. Collins, Charlie
McDowell e Alex Orlovsky produrranno per Case Study Films insieme a
LaStaiti. Sam Wasson e Brandon Millan saranno produttori esecutivi
per Felix Farmer Productions, con Michael Shamberg anche lui
produttore esecutivo.
Attualmente, Collins può essere
vista protagonista della commedia romantica di successo di NetflixEmily in Paris, prodotta dalla società Jax
Media di Imagine Entertainment, tornata per la sua quinta stagione
a dicembre ed è stata rinnovata per una sesta. Candidata ai Golden
Globe e agli Emmy, e produttrice di quella serie, ha anche prodotto
il thriller di Netflix del 2022 Windfall, in cui ha recitato al
fianco di Jesse Plemons e Jason Segel, con crediti come produttrice
esecutiva per The Summer Book e la recente pluripremiata serie
indipendente Lurker di Mubi.
Collins ha lanciato Case Study con McDowell e Orlovsky nel novembre
2022. Più di recente, hanno annunciato un adattamento
cinematografico di Polly Pocket per Amazon MGM, con Collins che
interpreterà e produrrà insieme a Mattel e Hello Sunshine. È
rappresentata da LBI Entertainment, CAA e Sloane, Offer, Weber &
Dern.
Sceneggiatrice, regista e
showrunner, Smith è nota per aver creato la serie Dickinson,
vincitrice del Peabody Award, con Hailee Steinfeld nel ruolo di Emily
Dickinson, per Apple
TV+. Produttrice esecutiva della prossima miniserie di FX Cry
Wolf, è rappresentata da WME e Jackoway Austen Tyerman.
I progetti recenti di Grazer e
Howard con Imagine Entertainment includono l’adattamento in serie
di The ‘Burbs’ con Keke Palmer e Jack Whitehall per NBC/Peacock, il
thriller psicologico di Luca Guadagnino After the Hunt con Julia Roberts, Andrew Garfield e Ayo
Edebiri, e Eden di Howard ambientato alle Galapagos con
Jude
Law, Sydney Sweeney, Ana
de Armas, Vanessa Kirby e Daniel Brühl. Nel cinema, i
loro prossimi progetti includono How to Rob a Bank di David Leitch
con Nicholas Hoult, Zoë
Kravitz, Anna Sawai e Pete Davidson, Whalefall con Austin
Abrams e Josh
Brolin, e The Mosquito Bowl diretto da Peter Berg. In
televisione, hanno la prossima serie di Siegfried e Roy Wild Things
alla Apple con Jude Law e Andrew Garfield.
Alcuni personaggi moriranno in
Scream
7, ma non tutti hanno le stesse probabilità di
morire o di sopravvivere. Il settimo capitolo del franchise horror
sta arrivando, avvicinandoci più che mai alla scoperta
dell’identità del nuovo Ghostface che terrorizza Sidney Prescott
(Neve Campbell). E il percorso verso la soluzione
di questo mistero sarà, come sempre, costellato di vittime.
I film di Scream
uccidono ogni volta numerosi personaggi, con almeno otto morti in
ciascun capitolo. Questo dice molto su quanto sia pericolosa la
situazione per tutti in Scream
7, che si tratti di Ghostface o di una delle tante vittime
dell’assassino. Tuttavia, alcuni personaggi sono più al sicuro di
altri. Con l’uscita ormai vicina, non c’è momento migliore per
classificare i personaggi del film in base alla probabilità di
morire.
Tatum Evans
Tatum Evans, la figlia di
Sidney, sarà sicuramente in grande pericolo in Scream 7.
Tuttavia, è difficile immaginare uno scenario in cui non riesca a
uscire viva dal film.
Sarebbe troppo crudele e straziante
per la storia di Sidney perdere anche la figlia, soprattutto
considerando che prende il nome da Tatum Riley. Per quanto
Scream 7 possa essere terrificante per lei, se c’è
qualcuno di cui sono certo sopravviverà, è proprio Tatum.
Dopotutto, potrebbe diventare la protagonista futura della
saga.
Sidney Prescott
Le probabilità che il
franchise uccida Sidney in Scream 7 non sono alte, ma non
sono nemmeno pari a zero. Lo studio ha riportato Neve Campbell per
un motivo, e difficilmente è quello di chiudere definitivamente la
sua storia facendola morire. Sarebbe una scelta potenzialmente
controversa, perché cancellerebbe per sempre il lieto fine della
protagonista.
Detto ciò, la morte di Sidney non
può essere esclusa del tutto. I film più recenti non hanno avuto
paura di osare, e con Ghostface che torna a darle la caccia con
legami al passato, questo potrebbe essere un punto adatto per
concludere il suo arco narrativo. E se morisse sacrificandosi per
salvare Tatum, ci sarebbe una forte motivazione emotiva per farlo
ora.
Nonostante questo, la sua
probabilità di morire resta inferiore rispetto a quella del resto
del cast.
Gale Weathers
Se Scream 7
dovesse davvero osare eliminando una delle star originali del
franchise, Gale Weathers è l’opzione più probabile. È l’unico
personaggio presente in ogni capitolo e ha già affrontato molte
perdite. Dopo aver sconfitto diversi Ghostface, non sorprenderebbe
se questo fosse il film in cui non riesce a salvarsi.
Forse è per questo che non è stata
messa particolarmente in evidenza nel marketing. Il ruolo di Gale
potrebbe essere più ridotto questa volta, in vista di una fine
prematura.
Chad e Mindy Meeks-Martin
Chad e Mindy sono gli
unici personaggi di ritorno dagli ultimi due film di
Scream, con Tara e Samantha Carpenter assenti (a causa del
licenziamento di Melissa Barrera e dell’uscita di scena di Jenna Ortega). C’è quindi una certa incertezza
su chi dei due, o se entrambi, riuscirà a sopravvivere.
È probabile che uno dei fratelli
Meeks-Martin muoia al loro terzo incontro con Ghostface. Il
franchise non è mai stato particolarmente clemente con i membri
della stessa famiglia o con chi è legato a omicidi precedenti.
Se dovessi sbilanciarmi, direi che
Mindy corre un rischio maggiore, dato che è la più esperta di
cliché dei film horror. Potrebbe seguire le orme di suo zio Randy
in Scream 2.
Gli amici di Tatum
Non conosciamo ancora i
nomi dei personaggi interpretati da Mckenna Grace e Celeste
O’Connor, ma il marketing li presenta come due delle amiche più
strette di Tatum. E questo, nel franchise Scream, è un
pessimo segno. Gli amici del bersaglio di Ghostface e/o dello
stesso Ghostface vengono spesso uccisi: basti pensare a Robbie
Mercer e Trevor Sheldon in Scream 4.
I personaggi di Grace e O’Connor
hanno quindi alte probabilità di morire in Scream 7. È
facile immaginarli coinvolti nella caccia di Ghostface a Tatum e
finire vittime per essere nel posto sbagliato al momento sbagliato,
o come parte di un piano per tormentare la figlia di Sidney. Forse
uno dei due sopravviverà, ma è difficile credere che ce la facciano
entrambi.
Il personaggio di Anna Camp
Anna Camp interpreta la
vicina di casa e migliore amica di Sidney in Scream 7, il
che la rende uno dei personaggi più a rischio. Questi film non sono
mai stati gentili con le persone vicine a Sidney: Tatum Riley
(Scream) e Hallie McDaniel (Scream 2) sono morte
entrambe mentre erano le sue migliori amiche. Anche la sua
assistente, Rebecca Walters (Scream 4), è stata
uccisa.
Vivendo così vicino, non
sorprenderebbe vederla finire nel mirino di Ghostface — a meno che
non sia lei stessa Ghostface. Ma anche in quel caso, la sua morte
sarebbe praticamente certa entro la fine del film.
Il personaggio di Asa Germann
Anche il personaggio di
Asa Germann resta avvolto nel mistero, ma difficilmente
sopravviverà a Scream 7. Il marketing lo mostra poco, ma
sembra essere l’uomo che sanguina mentre Ghostface lo trascina sul
pavimento in una sequenza. Se nessuno interviene, il suo destino
pare già segnato.
Anche Sam Rechner, Ethan Embry,
Timothy Simons e Mark Consuelos fanno parte del cast e compaiono
nel poster, ma non ci sono informazioni sui loro personaggi. È
lecito considerarli tutti potenziali vittime per aumentare il
numero di uccisioni di Ghostface.
Mark Evans
Il marito di Sidney, Mark
Evans, sembra essere ucciso addirittura prima dell’uscita del film.
I trailer di Scream 7 lo mostrano intrappolato in un telo
e pugnalato ripetutamente da Ghostface. Considerando che gli
interessi amorosi di Sidney sono spesso morti (Billy Loomis in
Scream e Derek Feldman in Scream 2), la
continuazione di questa tradizione non sorprenderebbe.
La sua apparente morte nei trailer
ha fatto pensare che il marketing non rivelerebbe un colpo di scena
così grande. Tuttavia, l’unico modo in cui potrebbe sopravvivere è
se fosse lui stesso Ghostface. In tal caso, però, morirebbe
sicuramente entro la fine: Sidney non permetterebbe a suo marito di
vivere dopo aver tentato di uccidere lei e la loro figlia.
I personaggi di Michelle Randolph
e Jimmy Tatro
Se ci sono due personaggi
praticamente destinati a morire — e meritevoli del primo posto come
vittime più probabili di Scream 7 — sono quelli
interpretati da Michelle Randolph e Jimmy Tatro. Il marketing li
mostra entrare nella vecchia casa dei Macher, ora trasformata in un
Airbnb a tema Stab e Ghostface. Le immagini li mostrano
mentre incontrano l’assassino, fermandosi poco prima delle vere e
proprie scene di morte.
In quella che sembra essere la
sequenza di apertura di Scream 7, il personaggio di
Michelle cade dall’ultimo piano, con Ghostface a terra sotto di
lei, coltello puntato verso l’alto pronto a colpirla
all’impatto.
Il personaggio di Jimmy non si vede
più: potrebbe essere Ghostface, oppure viene ucciso dall’assassino
mascherato mentre l’intera casa va a fuoco. In entrambi i casi,
sarebbe davvero sorprendente se riuscisse a sopravvivere a
Scream 7.
Nella prima stagione di
A Knight of the Seven
Kingdoms, episodio 6, “The Morrow”, Dunk (Peter
Claffey) è sconvolto dopo la morte di Baelor Targaryen
(Bertie Carvel) durante la Prova dei Sette, ma
decide di tenere Egg (Dexter Sol Ansell) come suo scudiero e si
mettono in viaggio. Tuttavia, un breve epilogo dopo l’uscita del
titolo finale rivela esplicitamente che il padre di Egg, Maekar
(Sam Spruell), in realtà non ha dato il suo
permesso a Egg di seguire Dunk.
In un’intervista con Collider, lo
showrunner Ira Parker ha parlato di questo
cambiamento rispetto all’ambiguità della situazione nel racconto di
George R.R. Martin e di come la bugia di Egg a
Dunk influenzerà la seconda stagione. “Abbiamo provato un sacco
di versioni diverse per la seconda stagione, grandi e
piccole”, ha detto Parker. “In realtà non è ancora stato
deciso dove andremo a parare. [La fuga di Egg] tornerà di
nuovo.”
Ma Parker ha continuato dicendo che
le conseguenze delle azioni di Egg non erano destinate a mettere in
ombra il materiale originale per la prossima stagione:
“Inizialmente doveva essere solo una piccola battuta, ma poi la
gente ha iniziato a dirmi ‘No, è un cliffhanger enorme, amico. Devi
andare ad affrontarlo’. E io ho risposto ‘Oh, ok. Sì. Suppongo’.
Non voglio che distolga l’attenzione dalla storia principale che
stavano raccontando nella seconda stagione.”
Parker pensava che gli autori della
serie potessero farlo a causa dell’ambiguità presente nel libro in
merito a quale conversazione Egg e suo padre avessero o meno avuto
dopo che Maekar aveva parlato con Dunk. Poiché la scena nella serie
originariamente doveva essere un momento di ilarità sulla perdita
di Egg da parte dei Targaryen, probabilmente non ci saranno molte
conseguenze, con Maekar che alla fine accetterà semplicemente la
scelta di Egg.
Leggi i commenti completi di Parker
qui sotto:
Nel libro, mi è sembrato giusto
perché in realtà non è mai esplicitamente detto che Maekar dica:
“Okay, mio figlio può farti da scudiero”. Ne parlano e Dunk fa
una buona osservazione, ma poi Maekar se ne va e, pochi istanti
dopo, compare Egg. Forse Egg si stava nascondendo tra i cespugli.
Forse Egg ha seguito suo padre lì, e suo padre stava tornando al
castello per dire: “Andiamocene di qua, cazzo!”. E poi, Egg dice:
“Ehi, Ser, posso venire con te”. Ha creato una piccola lacuna. Era
abbastanza ambiguo da non farci sentire come se stessimo
contraddicendo qualcosa di già scritto. Le conseguenze di tutto
questo potrebbero potenzialmente causare questo, quindi abbiamo
cercato di essere molto cauti.
In particolare, quello
che succede nell’episodio è che Maekar propone a Dunk di andare a
Summerhall, dove Egg può fare da scudiero per lui, e Dunk può
approfittare delle opportunità di ulteriore addestramento per sé.
Ma Dunk vuole prendere le distanze dalla famiglia reale dopo tutto
quello che è successo; in seguito propone un piano alternativo che
preveda che Egg viaggi con lui, ma Maekar rifiuta.
Dunk crede che Egg potrebbe
crescere e diventare un uomo migliore, in grado di fare del bene al
mondo se vivesse in modo più umile, visto come lo stile di vita
privilegiato della famiglia reale sembra aver corrotto i fratelli
maggiori di Egg. Ma, visti i suoi problemi con la crudeltà di
Aerion (Finn Bennett) e la pigrizia di Daeron (Henry Ashton),
Maekar vuole tenere stretto il figlio minore.
Poiché Parker vuole che le
conseguenze della menzogna di Egg siano minime, in modo da poter
continuare ad adattare fedelmente il materiale originale e non
“creare una linea temporale alternativa”, come dice lo showrunner,
sembra probabile che Dunk ed Egg alla fine incontreranno di nuovo
Maekar e Maekar vedrà qualcosa che gli farà pensare che vivere come
un cavaliere errante sia la cosa migliore per suo figlio, e la
storia andrà avanti da lì.
A Knight of the Seven
Kingdoms è stato
rinnovato per una seconda stagione prima della première della
prima stagione e Parker ha parlato di un piano da 12 a 15 stagioni
per lo spin-off di Game of Thrones, che coprirà l’intera vita di
Dunk ed Egg. Dopo che la nuova aggiunta di HBO all’universo
televisivo di Game of Thrones si è rivelata un successo clamoroso,
il pubblico sarà ansioso di vedere la prossima avventura del duo e
come affronteranno la scelta di Egg.
Mentre il precedente spin-off di
Game of Thrones, House of the Dragon, puntava
apertamente sul confronto con il classico fantasy di HBO,
A Knight of the Seven
Kingdoms ha adottato un tono più
leggero e giocoso rispetto a entrambe le serie. Tra gli spin-off di
Game of Thrones in programma, è lo show più divertente e
spensierato che il franchise abbia mai avuto.
Detto questo, resta comunque
pienamente parte dell’universo di Game of Thrones, come
dimostra la terrificante morte di Baylor nell’episodio 5. La serie
non rifugge i momenti oscuri ma, paradossalmente, questo rende
ancora più evidenti e nette le differenze rispetto alla serie
originale. In Game of Thrones, colpi di scena cupi e
deprimenti erano la norma.
L’episodio 6 di A Knight Of
The Seven Kingdoms conferma che Dunk non è mai stato
ufficialmente nominato cavaliere
Pur includendo momenti di brutale
violenza, A Knight of the Seven
Kingdoms mantiene nel
complesso un tono più ottimista e positivo rispetto alla storia di
Game of Thrones. Basta ascoltare il tema musicale di
Game of Thrones nell’episodio 4 di A Knight of the Seven
Kingdoms per rendersene
conto.
Dunk non è un eroe cavalleresco
tradizionale, ma è gentile, leale e fondamentalmente una brava
persona — una rarità nel mondo moralmente torbido di Westeros.
Poiché nessun personaggio dell’universo di Game of Thrones
è perfetto, Dunk è probabilmente il miglior modello possibile nel
contesto della serie.
Per questo, gli spettatori
potrebbero ragionevolmente presumere che non stia mentendo sul suo
status di cavaliere. Ciò è ancora più plausibile considerando che
Dunk non è il personaggio più scaltro o perspicace, quindi sembra
improbabile che possa sostenere a lungo una menzogna così grande.
Tuttavia, nell’episodio 6, “The Morrow”, emerge la verità.
Nell’ultimo dei numerosi flashback
di A Knight of the Seven
Kingdoms, vediamo Dunk parlare con
Arlan morente e chiedergli perché non sia mai stato nominato
cavaliere. Questo conferma una teoria di lunga data tra i lettori
dei romanzi originali: Dunk non è davvero un cavaliere e vive una
menzogna fin dalla morte di Arlan.
Perché Arlan non ha
nominato Dunk cavaliere?
A posteriori, ci sono molte prove a
sostegno di questa rivelazione. Dunk ha numerosi flashback in
soggettiva nella stagione 1 di A Knight of the Seven
Kingdoms — cosa che non
accadeva in Game of Thrones — ma nessuno mostra Arlan che
lo nomina cavaliere o che discute seriamente della questione.
Considerando quanto un momento del
genere sarebbe stato cruciale nel suo arco narrativo prima
dell’inizio della serie, ci si sarebbe aspettati di vederlo sullo
schermo. Inoltre, in vari punti della stagione 1, Dunk appare
insicuro nello svolgere i doveri di un cavaliere, nonostante
l’impressionante abilità con la spada e l’esperienza in
battaglia.
Non è chiaro perché Arlan si sia
rifiutato di nominarlo cavaliere, ma ci sono due spiegazioni
convincenti. La prima è che Arlan avesse bisogno di uno scudiero e,
sapendo di essere vicino alla morte, non volesse restare solo.
Temendo che Dunk lo avrebbe lasciato una volta diventato cavaliere,
rimandò per motivi egoistici.
La teoria opposta è che l’Arlan di
A Knight of the Seven
Kingdoms ritenesse che Dunk
non fosse ancora pronto e avesse rimandato la nomina per il suo
bene. In effetti, per tutta la stagione 1 ci sono momenti in cui
Dunk appare tragicamente ingenuo e, nonostante la corporatura
imponente e le capacità di combattimento, sorprendentemente
impacciato.
Il segreto sulla cavalleria di
Dunk spiega un momento chiave del Processo dei Sette
È quindi plausibile che Arlan abbia
rimandato la nomina per uno di questi motivi, o per una
combinazione di entrambi. Il mondo di Game of Thrones è
psicologicamente complesso e nessun personaggio è del tutto buono o
cattivo: Arlan potrebbe essere stato mosso in parte dall’interesse
personale e in parte da una sincera preoccupazione per Dunk.
Qualunque sia la ragione, il fatto
che Arlan non abbia nominato Dunk cavaliere spiega una grande
sorpresa dell’episodio 4, “Sette”: Dunk non nomina
cavaliere Raymun, anche se qualsiasi cavaliere può farlo, e vede
Arlan sugli spalti durante il Processo dei Sette. Questo allude al
vero passato di Dunk e al senso di colpa irrisolto che porta con sé
a causa di questo grande inganno.
A Knight Of The Seven
Kingdoms ha già dimostrato perché Dunk dovrebbe comunque
essere considerato un cavaliere
Nulla è mai come sembra nel mondo
fantasy di George R. R. Martin, quindi non
sorprende che il cavaliere più onorevole dell’universo del
franchise non sia, tecnicamente, un cavaliere. Per tutta la
stagione 1, il periodo di Dunk ad Ashford e il suo rapporto con Egg
dimostrano che i suoi valori e la sua morale sono pienamente
allineati al codice cavalleresco.
Anche se non è mai stato
ufficialmente investito del titolo, Dunk è un cavaliere sotto ogni
aspetto che conta — e probabilmente il più onorevole dell’universo
della serie. Per questo, sebbene la mancanza di un titolo possa
sembrare una mera formalità, consente anche al finale della
stagione 1 di A Knight of the Seven
Kingdoms di ribadire che la
storia dello show condivide la stessa ambiguità morale di Game
of Thrones.
Sono da oggi disponibili il trailer
e il poster italiani di Idoli
– Fino all’ultima corsa,
diretto da Mat Whitecross e
interpretato da Claudio
Santamaria, Óscar Casas e Ana
Mena. Il film arriverà nelle sale italiane il
19 marzo, distribuito da Warner Bros.
Pictures.Idoli – Fino all’ultima corsa è
ambientato nel mondo del campionato mondiale di MotoGP™ ed esplora
il rapporto umano tra un padre e suo figlio – un manager e il suo
pilota – e tutto ciò che ruota intorno a loro: ambizione,
apprendimento, ego, adrenalina, amore, perdono e seconde
possibilità. Fanno parte del cast anche Enrique Arce,
Saul Nanni, Matteo Paolillo, Mario Ermito, Desiree Popper e
Alessandra Carrillo per la regia di Mat
Whitecross.
Le riprese del film si sono svolte
nell’arco di dieci settimane in diverse location nelle città di
Barcellona e Valencia, e nei seguenti circuiti ufficiali di MotoGP:
Circuito delle Americhe (Austin), Misano (Italia), Motorland
(Aragón), Barcellona, Jerez, Motegi (Giappone) e Valencia.
Idoli – Fino all’ultima corsa racconta e
approfondisce la storia di due generazioni di piloti esplorando gli
sviluppi del loro rapporto quando Antonio – il padre, un
motociclista in pensione con traumi del passato – decide di
allenare il talentuoso ed impulsivo figlio Edu affinché possa
sviluppare tutto il suo potenziale e diventare il migliore nella
sua stessa categoria… il tutto seguendo una preparazione rigorosa
che non ammette distrazioni, una delle quali: innamorarsi.
Mat Whitecross dirige questo
racconto avvincente da un’idea originale di Jordi Gasull che firma
la sceneggiatura insieme a Inma Cánovas e Ricky Roxburgh. Il film è
prodotto da Marco Belardi, Jordi Gasull e Toni Novella. Il team dei
produttori comprende inoltre Marc Sabé, Ignacio Salazar-Simpson,
Ricardo Marco Budé e Marco Belardi. Produttrice delegata è Anna
Godano, mentre Enrico Venti e Lillian González firmano la
produzione esecutiva. La fotografia è curata da Xavi Giménez, il
suono in presa diretta da Sergio Bürmann e Isaac Bonfill, e il
montaggio è affidato ad Ascen Marchena. Le musiche originali sono
composte da Ginevra Nervi.
Idoli – Fino all’ultima corsa è una
produzione 4 Cats Pictures, Warner Bros. Entertainment España,
Anangu Grup, Imperio Contraataca AIE, Mogambo Productions, Warner
Bros. Entertainment Italia e Greenboo Production. Opera realizzata
e distribuita con il contributo del Fondo per lo Sviluppo degli
Investimenti nel Cinema e nell’audiovisivo del Ministero Della
Cultura. Con la partecipazione di HBO
MAX, RTVE e CREA SGR in collaborazione con MotoGP™ Paddock e
FIM JuniorGP™. Con il supporto di Istitut Catala de les Empreses
Culturals e Generalitat de Catalunia e con il contribuito di
Gobierno de Espana Ministerio de Cultura.
Edu è un giovane pilota motociclistico particolarmente
aggressivo di cui nessuna squadra si fida. Eli, team leader dell’
Aspar Team in Moto2, gli offre un’opportunità a condizione che sia
suo padre, Antonio Belardi, ad allenarlo. Edu non vede il padre da
molti anni, un ex pilota che si è ritirato dalle piste dopo aver
causato la morte di un altro pilota durante una gara. Sebbene Edu
odi il padre per averlo abbandonato, sa che solo lui potrà aiutarlo
a realizzare il suo sogno.
Edu decide quindi di sottoporsi alla rigida disciplina che
Antonio gli impone, che prevede tra l’altro di mettere da parte
l’amore… Fino a quando non incontra Luna, una giovane artista che
ha appena aperto uno studio di tatuaggi proprio sotto casa sua.
Il film sarà distribuito nelle sale italiane a partire dal 19
marzo da Warner Bros Pictures.
Piano B Distribuzioni, con il
patrocinio dell’Ambasciata d’Ucraina nella Repubblica Italiana,
porta al cinema Soldiers of Song di Ryan
Smith, in occasione del quarto anniversario dell’invasione
russa nei confronti dell’Ucraina che ricade il 24 febbraio. Ecco
una clip in esclusiva dal film:
Soldiers of Song
racconta lo straordinario viaggio di un gruppo di musicisti ucraini
che, attraverso il potere trasformativo della musica,
contribuiscono a unire la propria nazione durante la guerra.
Il film sarà
presentato il 24 febbraio a Milano (Multisala Eliseo) e
Roma (Cinema Azzurro Scipioni) con delle proiezioni realizzate in
collaborazione con l’Ambasciata d’Ucraina nella Repubblica
Italiana.
Riguardo a Soldiers of
Song di Ryan Smith
Presentato in
anteprima mondiale al Tribeca Film Festival 2024 e realizzato
in collaborazione con una coraggiosa troupe ucraina e con la
produzione esecutiva del Gov. George Pataki Leadership
Center, il film intreccia melodie e storie personali che
parlano di resilienza, speranza e guarigione, mostrando come l’arte
possa diventare una forma di resistenza e di coesione in mezzo al
caos del conflitto.
Il documentario
accompagna alcuni dei musicisti più amati dell’Ucraina — tra cui
Slava Vakarchuk(della band Okean Elzy),
Andriy Khlyvnyuk (della band Boombox) e
Svitlana Tarabarova — mentre condividono
esperienze intime di vita sotto l’ombra dell’aggressione russa.
Attraverso interviste dirette e racconti personali, ciascun
protagonista offre una prospettiva unica, contribuendo a una
narrazione corale di unità e forza collettiva.
Slava Vakarchuk e
Svitlana Tarabarova ripercorrono i primi momenti dell’invasione,
mentre Andriy Khlyvnyuk racconta il suo duplice ruolo di musicista
e operatore di droni, impegnato anche in tournée per sostenere
economicamente la difesa del Paese. Il film dà voce anche a storie
di straordinaria resistenza: un cantante lirico ferito da soldati
russi che non rinuncia alla speranza di tornare a cantare e un
direttore d’orchestra testimone del bombardamento del Teatro di
Mariupol.
Girato nel cuore
dell’Ucraina, Soldiers of Song si distingue per
un’autenticità profonda, frutto di una troupe che ha lavorato in
condizioni estreme, tra sirene antiaeree, blackout e attacchi
missilistici. Il film è una potente testimonianza della forza della
musica e del racconto cinematografico come strumenti di resistenza
culturale e umana.
Ecco una clip in esclusiva da
Miroirs No. 3 – Il mistero di Laura di
Christian Petzold, in arrivo nelle sale italiane
con Wanted in versione originale sottotitolata il 26 febbraio.
Dopo il successo internazionale di
Il cielo brucia, Christian
Petzold torna sul grande schermo, con un film intimo e
magnetico che esplora il trauma, la perdita e la possibilità di una
rinascita. Miroirs No. 3 – Il mistero di
Laura è un film sulla sopravvivenza emotiva, sul
bisogno umano di inventare una nuova storia per poter continuare a
vivere e ad accogliere nuovi giorni. Protagonista assoluta del film
è Paula Beer, musa di Petzold e vincitrice dell’Orso d’Argento e
del Premio del Cinema Europeo per Undine.
Sono ufficialmente
iniziate a Dublino, in Irlanda, le riprese della terza stagione di
Mercoledì, la serie più vista di sempre su
Netflix. Al cast della nuova stagione si aggiungono
Winona Ryder, Chris Sarandon, Noah
Taylor,Oscar Morgan e Kennedy Moyer, che
si
uniscono alla già annunciata Eva Green, che
interpreterà Ophelia, sorella di Morticia Addams, e a
Jenna Ortega (Mercoledì Addams), Catherine Zeta-Jones (Morticia Addams),
Luis Guzmán (Gomez Addams) e tanti altri.
I creatori, showrunner e
produttori esecutivi Al Gough e Miles Millar dichiarano: «È per
noi un oscuro piacere riaprire ancora una volta i cancelli della
Nevermore Academy con l’inizio delle riprese della Stagione 3.
Ringraziamo i nostri irriducibili membri del cast e della troupe
per la loro costante dedizione al cupo e al macabro. Ringraziamo i
fan per la pazienza e per i frenetici commenti online: le vostre
teorie contorte ci hanno dato l’ispirazione per nuovi incubi.
Questa stagione accoglierà nuovi studenti e nuovi insegnanti e
porterà alla luce segreti della Famiglia Addams rimasti a lungo
sepolti. Non dite che non vi avevamo avvertito».
Il produttore esecutivo e
regista Tim
Burton aggiunge: «Sono entusiasta di tornare per la
Stagione 3 ed è fantastico ritrovare tutto il cast originale.
L’aggiunta di alcuni cari amici e collaboratori di lunga data –
Winona, Eva, Chris, Noah… – rende questa stagione ancora più
speciale. Mi sento davvero molto fortunato».
La Stagione 1 di
Mercoledì è la serie tv in lingua inglese più popolare di sempre su
Netflix, e la Stagione 2 si posiziona al quinto posto. La serie è
un mystery con toni investigativi dalle tinte soprannaturali che
racconta gli anni di Mercoledì Addams come studentessa alla
Nevermore Academy.
Cast: Jenna Ortega (Mercoledì Addams), Emma Myers
(Enid Sinclair), Hunter Doohan (Tyler Galpin), Joy Sunday (Bianca
Barclay), Moosa Mostafa (Eugene Ottinger), Georgie Farmer (Ajax
Petropolus), Isaac Ordonez (Pugsley Addams), Billie Piper (Isadora
Capri), Luyanda Unati Lewis-Nyawo (Sceriffo Ritchie Santiago),
Victor Dorobantu (Mano), Evie Templeton (Agnes DeMille), con Luis
Guzmán (Gomez Addams), Catherine Zeta-Jones (Morticia Addams),
Joanna Lumley (Nonna Hester Frump) e Fred Armisen (Zio
Fester).
Basata sui personaggi
creati da: Charles Addams
Creatori / Showrunner /
Produttori esecutivi / Sceneggiatori: Alfred Gough & Miles
Millar
Sembra che il prossimo film di
Francis Lawrence sarà proprio l’adattamento
cinematografico del videogioco BioShock,
annunciato originariamente nel 2021 per Netflix.
Lawrence è stato piuttosto impegnato negli ultimi anni, avendo
diretto lo scorso anno “The
Long Walk” e il prossimo “Hunger
Games – L’alba sulla mietitura”. Questi progetti lo hanno
tenuto occupato, ma sembra molto probabile che
BioShock sarà il prossimo.
Il produttore del film, Roy
Lee, ha dichiarato a Collider che Lawrence inizierà a
lavorare al film una volta terminata la post-produzione di
“Hunger
Games – L’alba sulla mietitura”. “Avremmo potuto
realizzarlo già qualche anno fa, ma poi altri film ci hanno
impedito di farlo, uno dei quali è stato “The Long Walk” e l’altro
il prequel di “Hunger Games”, che uscirà a dicembre. Stiamo solo
aspettando che lui [Francis] finisca la post-produzione, perché ci
lavorerà almeno fino a settembre, e poi ci tornerà sopra”, ha
dichiarato il regista.
Lee aggiunge che “l’intenzione
è quella di iniziare la produzione il prossimo anno”. Le
riprese nel 2027 significherebbero probabilmente un’uscita nel
2028. Sebbene non siano stati rivelati dettagli ufficiali sulla
trama, il film dovrebbe ispirarsi fortemente all’ambientazione e ai
temi del gioco. La storia seguirebbe probabilmente un unico
sopravvissuto che scopre Rapture, un’utopia sottomarina fallita
costruita dall’industriale Andrew Ryan, dove la modificazione
genetica incontrollata e l’individualismo estremo hanno portato al
collasso della società.
Il protagonista si troverebbe senza
dubbio a confrontarsi con gli abitanti distorti della città, noti
come Splicers. Il film dovrebbe quindi fondere l’horror
fantascientifico con l’allegoria politica. Per quanto riguarda
Lawrence, la sua filmografia ha dato vita a una carriera
cinematografica brillante, che dura da oltre due decenni:
“Constantine”, “Io sono leggenda”, la saga di
“Hunger Games”, “Red Sparrow” – tutti lavori di
un certo successo, che gli hanno permesso di spaziare tra i generi
e dimostrarsi un professionista adatto anche ad un progetto
come Bioshock.
I social media sembrano aver
esaurito i personaggi quando si tratta di indovinare chi potrebbe
interpretare Sadie Sink in
Spider-Man: Brand New Day. Tuttavia, mentre scriviamo
questo articolo, Jean Grey rimane la favorita, dato che la Marvel Studios sembra intenzionata
a introdurre il primo membro dei suoi X-Men
post-Avengers:
Secret Wars.
Sono ora emersi però alcuni
dettagli aggiuntivi sul personaggio di Sink, riportati dallo
scooper Daniel Richtman. Egli sostiene che la star
di Stranger Things interpreterà qualcuno
che ha “una stretta relazione” con Punisher. Richtman riferisce
anche che, durante la scena del carro armato che abbiamo visto così
spesso nelle foto dal set, la Sink usa i suoi poteri per
controllare le menti di coloro che la circondano, compreso il
personaggio di Liza Colón-Zayas.
Tutto questo sembra qualcosa che
Jean potrebbe fare. Inoltre, dato che il Dipartimento per il
Controllo dei Danni starebbe dando la caccia ai mutanti, abbiamo
buoni motivi per credere che l’adolescente, che deve ancora essere
scoperta e accolta dal Professor X, sia uno dei loro obiettivi. In
precedenza era stato riportato che Tramell Tillman
interpreterà William Metzger, un cattivo relativamente oscuro degli
X-Men la cui introduzione potrebbe gettare le basi per l’utilizzo
da parte del DODC della tecnologia della Stark Industries nella
creazione finale dei Sentinels.
Molti fan avevano ipotizzato che
gli X-Men sarebbero semplicemente apparsi nell’MCU dopo
Avengers: Secret Wars. Invece,
sembra che la Marvel Studios intenda ancora rivelare che il gene
mutante si è attivato in alcuni individui, a partire da Namor, Ms.
Marvel e Wonder Man. Il previsto soft reboot contribuirà a dare un
senso a tutto questo e probabilmente eliminerà ogni spiegazione
contorta per l’assenza del Professor X e di Magneto dagli eventi
precedenti. Tornando a Sink, però, con ogni nuova rivelazione
sembra che Jean Grey sia davvero la possibilità più probabile per
il suo ruolo misterioso.
Quello che sappiamo
su Spider-Man: Brand New Day
Ad oggi, una sinossi generica di
Spider-Man: Brand New Day è emersa in rete, anche se
non è chiaro quanto sia accurata.
Dopo gli eventi di Doomsday,
Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a
concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità
di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge
una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e
costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in
gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità
di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile
alleato per proteggere coloro che ama.
L’improbabile alleato potrebbe
dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal –
recentemente annunciato come parte del film – in una situazione
già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono
inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi
contro la vera minaccia di turno.
Di certo c’è che il film condivide
il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la
Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo
inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e
rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha
dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da
un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry
Osborn.
Il film è stato recentemente
posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026.
Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il
film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers.
Tom Holland guida un cast che include
anche Zendaya, Jacob Batalon,Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas
e Jon Bernthal. Michael Mando è
stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento
di
Charlie Cox.
La prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms giunge al
termine e ci saluta con una canzone ammiccante e anacronistica che
la maggior parte dei fan potrebbe avere difficoltà a collocare, ma
che calza a pennello se ascoltata con attenzione. La
scena finale di A Knight of the Seven Kingdoms
mostra cosa possiamo aspettarci dalla serie, con Egg (Dexter Sol Ansell) e Duncan (Peter Claffey) in viaggio
insieme.
Ovviamente, non sarebbe A Knight of the Seven Kingdoms
se Dunk non si mettesse nei guai e se Egg non mentisse, ma per le
giuste ragioni. Il non cavaliere Dunk e il non autorizzato a
partire Egg partono insieme mentre Maekar (Sam Spruell) infuria, e
una canzone insolita inizia a suonare nei titoli di coda.
La canzone “Sixteen Tons” di Tennessee Ernie Ford viene
riprodotta durante i titoli di coda dell’episodio 6 di A Knight of
the Seven Kingdoms
La canzone che conclude A Knight of
the Seven Kingdoms non è la sigla di Game of Thrones, né quella dei Targaryen, né
qualsiasi altra canzone travolgente del compositore Dan Romer o
Ramin Djawadi. Non è nemmeno qualcosa di simile alla versione dei
The Hold Steady di “The
Bear and the Maiden Fair” dopo che Jaime viene mutilato di una
mano in Game of Thrones.
La canzone che si sente è “Sixteen
Tons” di Tennessee Ernie Ford. “Sixteen Tons” è stata scritta e
composta dal cantante country del Kentucky Merle Travis nel 1946.
Le canzoni di Travis parlavano spesso dello sfruttamento dei
minatori di carbone americani, e le “sedici tonnellate” del titolo
si riferivano al peso del carbone che dovevano estrarre per essere
pagati.
Nel 1955, Tennessee Ernie Ford ha
reinterpretato la canzone, aggiungendo un costante schioccare di
dita e un arrangiamento di clarinetto inquietante e leggermente
stravagante. A distanza di decenni, è la versione di Tennessee
Ernie Ford quella che la maggior parte delle persone conosce.
Il significato profondo della canzone “Sixteen Tons” e cosa
significa per Dunk & Egg
C’è molto da analizzare in “Sixteen
Tons”, e non è affatto sottile. La canzone parla di come i
lavoratori siano sfruttati, costretti a lavorare per lunghe ore, e
della misera paga che ricevono, che può essere spesa solo nel
negozio dell’azienda, una forma reale di schiavitù per debiti che
costringe i lavoratori a spendere i propri soldi solo per gli
articoli offerti dall’azienda.
A Knight of the Seven Kingdoms è
una serie ricca e tematica, e uno dei temi chiave è il modo in cui
i nobili calpestano i meno abbienti. Dunk è il minatore di questa
serie, lavora duramente, ma è sempre soggetto alle regole riservate
ai nobili. È una canzone per l’uomo comune, e non c’è uomo più
comune di Dunk.
Perché la sigla di A Knight Of The Seven Kingdoms è così
insolita
A Knight of the Seven
Kingdoms è una serie di George R.R. Martin molto diversa
dalle due serie che l’hanno preceduta: Game of Thrones e
House of the Dragon. A Knight of the
Seven Kingdoms è molto più leggera e allegra, e la posta in gioco è
molto più bassa.
Nessuna di queste è una critica. A
Knight of the Seven Kingdoms è speciale per la nuova direzione
intrapresa da A Song of Ice and Fire, e “Sixteen Tons” è un esempio
di come la serie sia diversa. È un po’ sciocca, allegra,
inaspettata, ma c’è ancora un elemento di pericolo che ci tiene
incollati allo schermo.
La prima stagione di A Knight of the Seven
Kingdoms è ufficialmente giunta al termine
con l’episodio 6 che conclude il torneo di Ashford Valley e prepara
le future avventure di Dunk ed Egg. L’inizio della storia di
Dunk in questo spin-off di Game of Thrones è stato sicuramente
ricco di eventi. La stagione è iniziata con l’ex scudiero che
seppellisce il suo maestro cavaliere, Ser Arlan, e decide di
tentare la fortuna al torneo locale. Lungo la strada, raccoglie un
giovane scudiero, Egg, senza immaginare il tipo di guai che questo
ragazzo gli avrebbe causato.
Egg si rivela essere il principe
Aegon Targaryen, nipote del re Daeron II Targaryen. L’identità del
ragazzo è stata rivelata nella prima stagione di A Knight of the Seven
Kingdoms, quando Dunk ha attaccato il fratello di Egg, il
principe Aerion, nel tentativo di salvare Tanselle, una burattinaia
di Dorne. Tra questa azione e il fatto che sembrava che Dunk avesse
rapito Egg, le cose non sembravano troppo promettenti per il futuro
di questo cavaliere errante.
Per dimostrare la sua innocenza,
Dunk fu costretto a partecipare a una prova dei sette. Ciò
significava che doveva trovare altri sei uomini disposti a
combattere al suo fianco contro il principe Aerion e i suoi
soldati. Con grande sorpresa di Dunk, alcuni dei suoi nuovi amici
si schierarono al suo fianco e, cosa ancora più sorprendente, tra
loro c’era anche il principe Baelor Targaryen, Primo Cavaliere del
Re ed erede al Trono di Spade.
Miracolosamente, Dunk uscì
vittorioso dal processo dei sette. Non è un combattente
particolarmente abile, ma la sua straordinaria resistenza ebbe la
meglio su Aerion. Per un attimo, sembrò che il torneo di Ashford
avrebbe avuto un lieto fine. Tuttavia, nei momenti finali
dell’episodio 5 di A Knight of the Seven Kingdoms, il principe
Baelor cadde morto. Il colpo inferto da suo fratello Maekar alla
nuca si rivelò fatale. Questo ci porta all’episodio finale di A
Knight of the Seven Kingdoms.
Dunk assume ufficialmente il ruolo di scudiero di Egg nel finale
della prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms
Dunk è devastato dalla morte di
Baelor nell’episodio finale di Knight of the Seven Kingdoms. Non
riesce a capire perché gli dei abbiano tolto la vita a un principe
e abbiano risparmiato lui. Nessun altro riesce a capacitarsene, ma
il principe Maekar riconosce il significato del sacrificio di suo
fratello. Sebbene riluttante, chiede a Dunk di prendere Egg come
scudiero. Maekar dice che il cavaliere errante può tornare con i
Targaryen a Summerhall, dove riceverà un ulteriore addestramento al
combattimento e potrà lasciarsi alle spalle la vita errante.
All’inizio Dunk rifiuta
categoricamente. I principi gli hanno portato molta sfortuna e lui
non desidera altro che lasciarseli alle spalle. Tuttavia, è il
principe Daeron a fargli cambiare idea. Spiega che anche Aerion era
stato un bambino piacevole, ma crescere come un Targaryen lo aveva
trasformato nel principe crudele che vediamo in Un cavaliere dei
Sette Regni. Daeron sottintende che Egg crescerà diventando come
Aerion o come un miserabile ubriacone come lui.
In poco tempo, Dunk ha iniziato a
voler bene a Egg. L’idea che possa crescere con un destino simile
lo turba profondamente. Così, va da Maekar e dichiara che prenderà
Egg come scudiero, ma solo se il ragazzo potrà unirsi a lui nella
vita di cavaliere errante. Vagherebbero per i regni, dormirebbero
sotto gli alberi e occasionalmente si fermerebbero per servire
signori minori. In questo modo, Egg sarebbe cresciuto lontano dalla
vita viziata dei principi.
Maekar rifiuta la richiesta di
Dunk. Disprezza questo tipo di vita, ma soprattutto non è disposto
a rinunciare a quello che considera il suo ultimo figlio. Aerion e
Daeron lo hanno deluso profondamente, ma c’è ancora una possibilità
per il piccolo Aegon. Nonostante ciò, Egg si presenta più tardi
all’accampamento di Dunk e dice che suo padre gli ha dato il
permesso di unirsi a lui. I due partono insieme, ma gli ultimi
momenti di Un cavaliere dei Sette Regni rivelano che Egg ha
mentito: Maekar si accorge con rabbia, mentre i Targaryen lasciano
Ashford, che il suo figlio più giovane è scomparso. Egg si è unito
a Dunk senza il benestare di suo padre.
Spiegazione dell’ultimo colpo di Ser Arlan
Mentre Dunk ed Egg cavalcano verso
l’orizzonte nell’episodio 6 di A Knight of the Seven Kingdoms,
vediamo per un attimo Ser Arlan che cavalca al loro fianco. Dopo
pochi metri, però, gira a sinistra e si addentra in un campo.
Ovviamente, il vecchio cavaliere non è davvero lì. Durante tutti
gli episodi della prima stagione, Ser Arlan è stato simbolicamente
al fianco di Dunk. Pensava spesso a lui ed era motivato
(soprattutto nel processo dei sette) dalle parole di Arlan. In quei
momenti finali, Dunk è pronto a dire addio e a lasciar andare il
suo maestro.
Durante le scene flashback
dell’episodio
5 di A Knight of the Seven Kingdoms, scopriamo che da bambino
Dunk non desiderava altro che una famiglia amorevole. Ser Arlan,
sebbene un po’ burbero, aveva colmato quel vuoto. Con la scomparsa
del vecchio cavaliere, Dunk era rimasto di nuovo solo, fino
all’arrivo di Egg nella sua vita. La fine di A Knight of the Seven
Kingdoms vede Dunk ed Egg diventare ufficialmente una famiglia
l’uno per l’altro. Ciò significava che Ser Arlan e Dunk potevano
simbolicamente separarsi.
Il destino di Aerion dopo il processo dei Sette spiegato
Due persone in A Knight of the Seven Kingdoms saranno per sempre
incolpate della morte del principe Baelor. Dunk sarà ricordato come
colui per cui il futuro re è morto, mentre il principe Maekar sarà
ricordato come colui che lo ha ucciso. Entrambi sanno che
porteranno questo peso per il resto della loro vita, ma sono anche
consapevoli che la vera causa di questa tragedia è il principe
Aerion Targaryen.
Come punizione per i problemi che ha causato, Aerion viene
mandato in esilio dal padre. Il principe spera che suo figlio
impari dai propri errori a Lys, una delle città libere di Essos.
Mentre i Targaryen lasciano Ashford nell’episodio 6 di “Un
cavaliere dei sette regni”, vediamo un Aerion sanguinante e contuso
seduto su una carrozza in preda alla sofferenza.
Ser Arlan ha mai davvero nominato Dunk cavaliere?
Dunk ha trascorso gran parte di A
Knight of the Seven Kingdoms cercando di dimostrare di essere un
vero cavaliere. Alla fine, è stato il principe Baelor a garantire
per lui, ricordando il vecchio Ser Arlan. Tuttavia, noi spettatori
ci siamo sempre chiesti se Dunk fosse sincero. Questa serie è piena
di flashback, ma non vediamo mai Arlan nominare Dunk cavaliere. La
risposta arriva finalmente nell’episodio finale della prima
stagione di Un cavaliere dei Sette Regni.
Poco prima della morte di Arlan,
Dunk gli chiede perché il vecchio non lo abbia mai nominato
cavaliere. Gli chiede se sia perché Arlan pensava che se lo avesse
fatto lui se ne sarebbe andato, o se ci fosse un altro motivo. Non
è mai arrivata una risposta. Per un attimo è sembrato che Arlan
fosse morto proprio mentre Dunk gli poneva la domanda, ma il
cavaliere si è ripreso in modo comico per finire la sua storia.
Tuttavia, Arlan non ha mai fornito una risposta. Indipendentemente
da ciò, questo flashback ha risolto ufficialmente il mistero della
cavalleria di Dunk. A meno che Arlan non si fosse ripreso
abbastanza a lungo da celebrare la cerimonia, Dunk non era un vero
cavaliere quando è arrivato ad Ashford.
Cosa succederà a Dunk & Egg nella seconda stagione di A Knight
of the Seven Kingdoms
Mentre Dunk ed Egg lasciano Ashford
nel finale della prima stagione di A Knight of the Seven
Kingdoms, discutono su dove potrebbero andare nei Sette Regni
(anche se in realtà sono nove). Egg dice di aver sentito che Dorn
ha dei bei spettacoli di marionette, suggerendo sottilmente di
dirigersi in quella direzione per trovare Tanselle, la ragazza che
Dunk ha difeso da Aerion. Questo fa pensare che la prossima grande
avventura della coppia sarà in questo luogo.
Passando al prossimo capitolo di
questa serie di Game of Thrones, dobbiamo anche considerare il
principe Maekar. Dato che ora sappiamo che in realtà non ha
permesso a Egg di andare con Dunk, questo potrebbe rivelarsi un
problema significativo. Potrebbe lasciar perdere l’intera faccenda,
ma dato il suo attaccamento dichiarato a Egg, è improbabile. È solo
un altro motivo per attendere con ansia il proseguimento del
viaggio di Dunk ed Egg nella
seconda stagione di A Knight of the Seven Kingdoms.