Timothée Chalamet ha perso due
volte agli Oscar fino ad oggi. Ha infatti ricevuto nomination come
miglior attore per Chiamami
col tuo nome e A
Complete Unknown, perdendo rispettivamente contro Gary Oldman e Adrien Brody. Durante un’intervista con
Vogue, Chalamet ha ora rivelato
lo stato d’animo degli attori quando perdono un premio
importante.
Ha affermato che i candidati che
perdono si sentono frustrati per la notizia deludente. Anche se ha
frequentato attori che non hanno ego e sono “profondamente
generosi”, la maggior parte di loro pensa almeno tra sé e sé
“C***o!” quando perde. Chalamet non esita ad ammettere di
essere un “try-hard”, come è stato definito in passato. I critici
possono dire quello che vogliono su di lui, ma lui è “quello
che sta davvero facendo qualcosa”, quindi ovviamente è
deludente perdere un premio importante come l’Oscar.
“Se ci sono cinque persone a
una cerimonia di premiazione e quattro tornano a casa senza aver
vinto, non pensate che quelle quattro persone siano al ristorante a
dire: “C***, non abbiamo vinto”? Ho conosciuto alcuni attori
profondamente generosi e senza ego, e forse alcuni di loro pensano:
“È stato divertente”. Ma so per certo che molti di loro pensano:
“C***!”, sono le parole dell’attore.
“La gente può definirmi uno che
si sforza troppo e può dire quello che c*** vuole, ma sono io
quello che sta davvero facendo qualcosa qui”, ha aggiunto
l’attore. Timothée Chalamet ha iniziato la sua
carriera di attore con piccoli ruoli televisivi in Law &
Order e Royal Pains, oltre che in diversi episodi di
Homeland, prima di lanciarsi
nel cinema con film come Interstellar.
La sua carriera è esplosa dopo aver
recitato in Call Me By Your Name, che ha ottenuto
il 95% su Rotten Tomatoes. Quel film è valso a Chalamet la sua
prima nomination all’Oscar. L’attore è poi passata a Lady
Bird e Little Women prima di ottenere il ruolo di
Paul Atreides in Dune al fianco di Zendaya, basato su uno dei migliori libri di
fantascienza mai scritti. È tornato per Dune – Parte
Due e sta lavorando al terzo capitolo.
Man mano che la sua fama cresceva a
Hollywood, è diventato anche l’ultimo attore a interpretare
l’iconico personaggio di Roald Dahl, Willy Wonka, seguendo
le orme di Gene Wilder e Johnny Depp. Qualche anno dopo, il
suo ruolo da protagonista in A Complete Unknown ha
portato Chalamet più vicino che mai alla vittoria di un Oscar. Ha
gareggiato contro Brody, Colman Domingo, Ralph Fiennes e Sebastian Stan. Sia Brody che
Chalamet erano i favoriti nella categoria Miglior Attore, con Brody
che ha portato a casa la vittoria per The Brutalist.
In vista degli Oscar 2025,
Timothée Chalamet ha vinto ai SAG Awards.
Durante il suo discorso di ringraziamento, ha fatto scalpore quando
ha ammesso di perseguire la grandezza e ha citato diverse star
pluripremiate come Daniel Day-Lewis
e Viola Davis come esempi di chi vuole
emulare. Ha ricevuto alcune critiche per i suoi commenti, con i
critici che lo hanno definito presuntuoso.
Tuttavia, Timothée
Chalamet non si scusa per provare questi sentimenti e
spera ancora di vincere un Oscar e di essere considerato uno dei
grandi un giorno. Se ciò accadrà davvero è ancora da vedere, ma lui
non sembra aver paura di andare avanti e almeno provare a
raggiungere i suoi ambiziosi obiettivi. Perdere l’Oscar è davvero
deludente, e il ventinovenne vuole solo che tutti capiscano da dove
provengono lui e i suoi colleghi attori, anche se nel frattempo
viene definito un “sforzato”.
L’Uomo
d’Acciaio (qui
la recensione) di Zack Snyder è forse uno dei
film di supereroi più controversi in circolazione. Tutto, dal suo
tono cupo alla caratterizzazione del Boy Scout Blu, continua a
essere oggetto di dibattito tra i fan ancora oggi. All’epoca della
sua uscita, il film avrebbe dovuto rappresentare il ritorno
trionfale del suo personaggio principale sul grande schermo.
Invece, la scarsa accoglienza della critica (57% di RT) gli ha
impedito di raggiungere il suo pieno potenziale.
Ora, tuttavia, un importante
difensore del film si è fatto avanti per esprimere la sua opinione:
il Generale Zod in persona,
Michael Shannon. L’attore ha recentemente ripercorso
la sua carriera per Vanity Fair. Uno dei progetti toccati è stato
L’Uomo d’Acciaio, dando all’attore
l’opportunità di esprimere la sua opinione sul film. In primo
luogo, Shannon ha affrontato la questione di Superman che uccide Zod,
affermando:
“Oh, cavolo, vorrei solo che la
gente non uccidesse nessuno. Punto. Voglio dire, che siano alieni
dallo spazio o persone normali. Immagino che una delle controversie
di questo film – e Zack [Snyder] ha davvero progettato tutto questo
– sia che Superman non dovrebbe uccidere nessuno. Quindi, l’ho
messo in una situazione in cui, se vuole salvare queste persone,
deve uccidermi, e lo fa. E questo ovviamente ha portato a un sacco
di sturm un drang, o come si dice.”
Come ha detto Shannon, uno degli
aspetti più discussi e – a volte – decisamente odiati del film è
Kal-El che spezza il collo a Zod durante la
battaglia finale. Sebbene il messaggio della scena sia chiaro –
voler far sentire al pubblico il peso della decisione di Superman –
la sua esecuzione è stata imperfetta. Sì, Superman avrebbe dovuto
compiere il sacrificio morale supremo per aiutare l’umanità.
Tuttavia, avrebbe potuto essere mostrato in un modo che non
lasciasse il pubblico frustrato dalle diverse soluzioni possibili
per risolvere il conflitto.
Riguardo al film nel suo complesso,
Shannon ha dichiarato di aver amato sia lavorare con Zack
Snyder sia il processo di realizzazione di quello che
sarebbe diventato il primo capitolo del DCEU.
“Ho adorato lavorare con Zack
[Snyder] e ho adorato realizzare questo film. Credo che molti
dicano: ‘Oh, non è quello che fa di solito. Ha solo cercato la
grossa paga’, o qualcosa del genere, ma sono orgoglioso di questo
film. Penso che parli davvero di qualcosa.”
Michael Shannon ha presentato un’idea intrigante
affermando che L’Uomo
d’Acciaio aveva qualcosa da dire. Anche se potrebbe
sembrare una critica ad altri cinecomic, potrebbe non essere
necessariamente questa la sua intenzione. Potrebbe invece riferirsi
alla rilevanza del film. Al giorno d’oggi, i film di supereroi sono
una dozzina, quindi c’è una formula che il pubblico si aspetta da
loro, e a cui si rifanno anche molti film tratti dai fumetti.
A parte l’opinione di
Michael Shannon sul film, è bello sapere che ha
ricordi piacevoli e un atteggiamento di apprezzamento per il film.
Gli attori che recitano in film di supereroi, in particolare quelli
che non hanno ricevuto grandi consensi, a volte possono essere
sprezzanti nei confronti del loro lavoro. Per questo motivo, è
confortante sentire un attore di un progetto controverso come
L’Uomo d’Acciaio ripensare al film con affetto e trovare aspetti da
apprezzare.
Anche se è stata avvistata sul set,
non sappiamo ancora chi interpreterà Sadie Sink in
Spider-Man: Brand New Day. Con così tanto intrigo ed
entusiasmo che circondano il suo personaggio, è difficile sfuggire
alla sensazione che ci stiamo preparando tutti a una delusione.
Indipendentemente dal fatto che
Sadie Sink interpreti un’aggiunta importante
all’MCU, un eroe o un cattivo di nuova
creazione, o forse un amalgama di più personaggi dei fumetti, la
star di Stranger Things non rivela nulla.
Apparendo alla première mondiale dell’ultima stagione della serie
Netflix, a Sink è stato chiesto di descrivere il suo
personaggio in una parola: “Pensavo che questa fosse la
première di Stranger Things. Non ero preparata”, ha risposto
l’attrice chiaramente agitata. Spinta a rispondere, Sink ha
risposto: “No. No. Ho abbastanza segreti [Ride].”
Sebbene sembrasse che avessimo
risolto il caso e scoperto che Sadie Sink avrebbe interpretato Rachel
Cole-Alves, recenti indiscrezioni hanno indicato il suo
personaggio come la malvagia Shathra, una nemica del Multiversale.
Non sembra molto realistico, ma potrebbe ben anticipare il ruolo di
Spider-Man in Avengers: Doomsday e/o
Avengers: Secret Wars.
Chi potrebbe interpretare Sadie Sink in Spider-Man: Brand New
Day
Nei fumetti, Shathra è una
Dea-Vespa e una predatrice totemica proveniente da Loomworld,
Terra-001, concepita da Oshtur e Gea. Originariamente incaricata di
tessere il “Grande Nido”, il suo lavoro fu rifiutato in favore
della “Grande Tela” di sua sorella Neith, che divenne la Rete della
Vita e del Destino.
Infuriata e corrotta dalla gelosia,
Shathra si trasformò in una mostruosa divinità-vespa e giurò di
sostituire la Tela con una da lei creata. Tutto questo è stato
aggiunto alla storia del personaggio da Dan Slott, ma la versione
originale introdotta da J. Michael Straczynski e
John Romita Jr. era un po’ più realistica (e
sarebbe più adatta a Spider-Man: Brand New
Day).
Una cosa che sappiamo è che Sink
avrà i suoi caratteristici capelli rossi nel film, cosa che non
farà che alimentare ulteriormente le teorie su Jean Grey, Mary Jane
Watson e Mayday Parker.
Potete guardare l’intervista
completa con Sink che parla di Spider-Man: Brand New Day nel player
qui sotto.
Per la maggior parte, I
Fantastici Quattro: Gli Inizi (qui
la nostra recensione) è separato dal resto dell’MCU, fino alla scena post-crediti.
Come molte scene post-crediti dell’MCU, ha suscitato un certo
entusiasmo in molti fan, ma se ci pensate bene, alla fine la scena
non ha raggiunto l’obiettivo che avrebbe dovuto raggiungere.
I Fantastici Quattro: Gli
Inizi si svolge in un universo diverso dalla maggior parte dei
progetti MCU, il che significa che non era collegato a nient’altro.
Tuttavia, la scena post-crediti ha segnato l’arrivo
dell’attesissimo Doctor Doom, che sarà il principale antagonista in
Avengers: Doomsday. Tuttavia, poiché
non hanno fatto una cosa specifica, questa scena non mi ha
convinto.
Non mostrare Doctor Doom è
stato un errore
Il momento clou della
scena post-crediti di I Fantastici Quattro: Gli
Inizi mostra il giovane Franklin avvicinato da un uomo con
un cappuccio verde e una maschera di metallo in mano. Si tratta
chiaramente di Doctor Doom, che sarà l’antagonista nel film
Avengers: Doomsday in uscita il prossimo anno. A prima
vista, si tratta di un’anteprima entusiasmante per quel film.
Tuttavia, la decisione di non
mostrare Doom ha reso questa scena piuttosto vuota. Tutti sanno
che il Dottor Destino è interpretato da Robert Downey Jr., quindi non c’è un senso
di mistero che circonda il personaggio. Una semplice inquadratura
di Doom che si gira e ci mostra per la prima volta RDJ nel ruolo
sarebbe stata perfetta.
Non mostrare Doom indebolisce la
scena e fa sembrare che sia stata aggiunta in un momento in cui
RDJ non era disponibile o sul set, anche se in realtà lo era.
Ciò è particolarmente frustrante poiché sappiamo che molte di
queste scene post-crediti sono girate in un momento diverso
rispetto al film vero e proprio.
Infatti,
la scena post-crediti di Thunderbolts* è stata girata
sul set di Avengers: Doomsday. Avrebbero potuto fare la
stessa cosa con Downey per I Fantastici Quattro: Gli
Inizi, e non avendolo fatto, la scena perde molto del
suo fascino. Anche se sono ancora entusiasta di Avengers:
Doomsday, questo avrebbe potuto aggiungere molto al film.
La struttura confusa di
Avengers: Doomsday non ha aiutato
Uno dei motivi principali per cui
la scena post-crediti di I Fantastici Quattro: Gli Inizi
non ha funzionato è la struttura complessivamente confusa di
Avengers: Doomsday. Una cosa per cui l’MCU è stato spesso
elogiato è il modo in cui ha costruito tutto nel corso degli anni,
in particolare in vista dei progetti Avengers.
Tutto ciò che ha portato a The
Avengers del 2012 ha preparato il terreno, dalle motivazioni di
Loki al modo in cui ci sono stati presentati gli eroi. Ha anche
preparato la motivazione di Tony per la creazione di Ultron in
Avengers: Age of Ultron.
Naturalmente, ci sono stati anche diversi teaser e apparizioni di
Thanos prima di Avengers: Infinity War e
Avengers: Endgame.
Anche se non avevamo bisogno di una
serie di anticipazioni su Doctor Doom prima di Avengers:
Doomsday, la preparazione al film è stata incoerente.
Per cominciare, tutti sanno che Kang era il piano iniziale per i
film, ma la controversia che ha circondato Jonathan Majors e il
debutto cinematografico poco brillante del personaggio hanno
cambiato le cose, rendendo quelle apparizioni piuttosto
discutibili.
C’è anche il problema di chi
apparirà in Avengers: Doomsday. Personaggi come Shang-Chi sono in
lista, ma lui è apparso solo in un progetto cinque anni fa. Questo
rende difficile per il pubblico e per me stesso collegarci e
interessarci alla cosa. Inoltre, non si è quasi mai fatto
riferimento ai classici personaggi degli X-Men
che sono in Avengers: Doomsday.
Serie TV e film come Moon
Knight, Eternals e Shang-Chi: The Legend of the Ten
Rings sono solo alcuni di quelli che sembrano non avere alcuna
attinenza con Avengers: Doomsday. In realtà, Thunderbolts* e I Fantastici Quattro:
Gli Inizisono i primi film che sembrano preparare
il terreno per Avengers: Doomsday.
Dato che questi due film sono
usciti solo un anno prima di Avengers: Doomsday, sembra che
le cose siano state un po’ affrettate. Il fatto di non vedere
Doctor Doom non fa che aumentare questa sensazione. Vederlo avrebbe
reso la scena post-crediti ancora più emozionante e mi avrebbe
fatto desiderare ancora di più Avengers: Doomsday.
Avengers: Doomsday potrebbe
ancora essere ciò che serve all’MCU
Non è un segreto che la qualità
dell’MCU abbia avuto alti e bassi dall’uscita di Avengers:
Endgame. Se ne parla anche in Deadpool & Wolverine, dove si
nota che Deadpool entra a far parte dell’MCU come un “punto
debole”. Nonostante i problemi e la costruzione poco brillante,
Avengers: Doomsday potrebbe raddrizzare la situazione.
Nonostante tutti i problemi che il
franchise sta attraversando, l’MCU non ha sbagliato con i suoi
film degli Avengers. Considerando la sua storia di
successi, il ritorno di Robert Downey Jr. e il cast coinvolto, è
molto probabile che Avengers: Doomsday sarà fantastico.
Potrebbe essere proprio ciò di cui l’MCU ha bisogno.
Se questo film sarà all’altezza
delle aspettative di molti di noi, allora il franchise che sembra
lasciare in sospeso molte questioni, come tutto ciò che riguarda
Eternals, l’apparizione di Hercules, il figlio di Hulk e
altro, sarà probabilmente dimenticato e perdonato. Giocare sulla
nostalgia ha avuto successo per molti franchise e l’MCU può puntare
su questo con Avengers: Doomsday.
Avengers: Doomsday, se
sarà un grande film, potrà dare il tono a Avengers: Secret Wars, entusiasmare
nuovamente il pubblico e forse segnare una svolta per l’MCU,
riportandolo sulla strada giusta. Ci farà anche dimenticare la
delusione provata dalla scena post-crediti di The Fantastic
Four: First Steps.
I Fantastici Quattro: Gli
Inizi (qui
la nostra recensione) è finalmente arrivato al cinema,
lanciando ufficialmente la Fase 6 del Marvel Cinematic Universe con un
reboot ambizioso e visivamente suggestivo. Diretto da Matt
Shakman e ambientato in una realtà alternativa ispirata
agli anni ’60 — la Terra-828 — il film presenta la Prima Famiglia
Marvel, ovvero Reed Richards (Pedro
Pascal), Sue Storm (Vanessa
Kirby), Johnny Storm (Joseph
Quinn) e Ben Grimm (Ebon
Moss-Bachrach).
Pur restando un’avventura autonoma,
l’opera si distingue per la sua estetica retro-futuristica, la
rappresentazione della gravidanza di Sue e l’introduzione di
antagonisti cosmici come Galactus e Silver
Surfer, interpretati da Ralph
Ineson e Julia Garner. La narrazione
punta molto sui legami familiari, l’identità e il sacrificio,
evitando il percorso canonico delle origini e proponendo invece una
squadra già formata, pronta a confrontarsi con una minaccia
intergalattica senza affiliazioni dirette ai Vendicatori.
Il film, però, getta le basi
per Avengers:
Doomsday, che vedremo al cinema a dicembre 2026,
presentando dunque diversi elementi molto importanti. Dopo aver
visto in anteprima il film e aver già approfondito le
sue due scene post-credits (qui
la descrizione e le teorie sul futuro che impostano), andiamo
ora a proporre una spiegazione del finale del film, cercando di
cogliere alcuni dettagli che potranno rivelarsi in futuro, ma anche
quei dettagli che il film “mette in pausa” in attesa di poterli
riprendere al momento giusto.
Galactus in I Fantastici Quattro: Gli Inizi
La spiegazione del piano di Reed
Richards in I Fantastici Quattro: Gli Inizi
Il film, dunque, si basa sulla
gigantesca minaccia di Galactus, il quale intende divorare la
terra. L’unico modo per fermarlo sarebbe quella di
consegnarli Franklin
Richards, il figlio di Reed e Sue. Galactus riconosce
infatti nel bambino un potere straordinario, che potrebbe liberarlo
dalla sua maledizione, facendolo a suo modo diventare il suo erede.
Naturalmente i Fantastici Quattro si oppongono alla cosa, ma non
hanno idea di come fermare la furia di Galactus. L’idea arriva
quando Sue pronuncia alcune parole che il padre era solito dirle:
“sposterei il cielo e la terra per te”.
Reed elabora così il piano di
teletrasportare l’intero pianeta Terra altrove nell’universo,
allontanandosi così dalla minaccia del Divoratore di Mondi. Già in
precedenza nel film lo si era visto intento in esperimenti sul
teletrasporto, in quel caso di un uovo. Per riuscire in un’impresa
così colossale, vengono allora fatti costruire dispositivi appositi
in tutto il mondo, cosa che sembra dar luogo ad una vera e propria
alleanza mondiale. Sfortunatamente il piano viene mandato in
frantumi da Silver Surfer, araldo di Galactus, che distrugge le
postazioni costruite eccetto quella di New York, venendo fermata
per tempo da Johnny Storm.
A questo punto, ai Fantastici
Quattro non resta che tentare l’inverso, ovvero teletrasportare
Galactus altrove nell’universo. Per farlo, lo attirano all’interno
del raggio di azione della postazione ancora funzionante
utilizzando Franklin come esca, salvo portarlo all’ultimo in salvo
lontano dal villain. Il gigante, sceso dalla sua astronave per
reclamare il bambino, sembra inizialmente non cadere nella trappola
e individua il luogo in cui è stato spostato Franklin. Riesce così
effettivamente a prenderlo con sé, ma è a quel punto che interviene
Sue Storm, che con il suo potere dei campi di forza riesce a
spingere Galactus verso il buco aperto dal teletrasporto.
Vanessa Kirby è Sue Storm in I Fantastici
Quattro: Gli Inizi
L’intervento di Silver Surfer
Così, mentre Galactus viene spinto
verso questo portale, Franklin viene tratto in salvo. Ma il gigante
è troppo forte e Sue troppo esausta per allontanarlo per sempre.
Johnny Storm sembra pronto a sacrificarsi per la causa, ma
all’ultimo viene allontanato da Silver Surfer, la quale si ribella
a Galactus, colpendolo con la propria tavola da surf e facendolo
così finire del tutto dentro il portale, finendovi però a sua
volta. A quel punto questo squarcio nello spazio viene chiuso e la
minaccia del Divoratore dei Mondi è sconfitta. Ciò permette dunque
a Silver Surfer di riscattarsi a suo modo dal tanto male fatto in
nome del suo padrone.
Come ci mostrano alcuni flashback,
prima di essere Silver Surfer lei era nota come Shalla-Bal,
una scienziata sul suo pianeta. Pur di salvarlo dalla fame di
Galactus, ha dunque accettato di diventare suo araldo. È lei ad
individuare i pianeti che Galactus poi mangerà. Il suo punto di
rottura avviene però quando Johnny Storm la costringe a sentire le
urla disperate degli abitanti dei pianeti distrutti, scatenando il
senso di colpa di lei, che sul momento fugge. Torna però dunque nel
finale, aiutando i Fantastici Quattro ad allontanare Galactus dal
loro pianeta.
Ma dove finiscono Silver Surfer e Galactus?
La risposta a questa domanda rimane
per adesso un mistero. Di certo, né Silver Surfer né Galactus sono
morti. Sono semplicemente stati teletrasportati in un altro punto
dell’universo, ma non è chiaro se questo sia casuale o stabilito da
Reed Richards. Sappiamo però che sono entrambi ancora vivi e questo
stratagemma permette ai Marvel Studios di poterli far tornare in
futuro. D’altronde, Galactus è un nemico troppo potente per
esaurirlo con un solo film e Silver Surfer un personaggio molto
complesso, che merita di essere esplorato ancora. Di certo,
Galactus è però primo della sua astronave, il che potrebbe
rappresentare un problema per lui.
Come si nutrirà? Per quanto tempo
può resistere alla sua fame? Per il momento anche queste sono
domande senza risposta. Va però sottolineato che è stato stabilito
che esiste un solo Galactus per tutte le realtà facenti parte del
Marvel Cinematic Universe. Dunque il modo in cui viene allontanato
da Terra-828 potrebbe anche essere il modo in cui finisce nella
realtà di Terra-616, ovvero quella in cui vivono gli Avengers che
abbiamo sino ad oggi conosciuto. Potremmo dunque ritrovare lì il
villain, desideroso più che mai di vendetta. Un suo ritorno, come
anche quello di Silver Surfer, è da considerare più che una
semplice probabilità.
Julia Garner è Silver Surfer in I Fantastici Quattro: Gli
Inizi
Franklin Richard riporta in vita Sue Storm
Tornando ai Fantastici Quattro,
l’enorme sforzo con cui Sue Storm allontana Galactus le costa la
vita. La Donna Invisibile è effettivamente morta nel finale del
film, con gli altri suoi tre compagni di squadra che già soffrono
per averla persa. È però in quel momento che il piccolo Franklin,
vedendo la madre priva di vita, scoppia a piangere, salvo poi
smettere quando una volta poggiato su di lei. Con il tocco delle
sue mani, dalle quali evidentemente scaturisce un potere
inconcepibilmente forte, riesce infatti a riportare in vita Sue
Storm, la quale come prima cosa affermerà “lui non è come noi,
è molto di più”.
Abbiamo scritto di Franklin
Richards, dei suoi poteri e del suo ruolo nell’universo Marvel in
questo approfondimento, per cui in questa sede basta dire che
I Fantastici Quattro: Gli Inizi imposta il
figlio di Reed e Sue come un personaggio estremamente importante
per i prossimi capitoli di questa Saga
del Multiverso. Sembra infatti che in funzione di lui
si baseranno gli eventi di Avengers:
Doomsdaye Avengers:
Secret Wars. Cosa che ci viene confermata anche dalla
scena mid-credits del film. Per il momento, però, le reali
capacità di questo personaggio restano inesplorate, lasciando
questa scoperta al futuro.
Il significato del film I Fantastici Quattro: Gli
Inizi
Al di là di questi esiti e delle
possibili linee narrative che impostano, I Fantastici
Quattro: Gli Inizi è valido anche come film a sé
stante. Si concentra dunque sul parlare di famiglia, ma ancor di
più, il film ci mostra quattro supereroi fragili, in particolare
Reed Richards, che vivono con il senso di colpa per ciò che non
hanno potuto evitare e la paura per un futuro che non riescono a
prevedere. Davanti a questi timori così umani – e così
contemporanei – i quattro protagonisti trovano la capacità di
reagire unendo le proprie forze. Ma la cosa non si limita solo a
loro, in quanto l’intero mondo si unisce nel tentativo di
sconfiggere la minaccia di Galactus.
Una minaccia che può essere
interpretata come gli odierni pericoli che minacciano il nostro
pianeta, dal cambiamento climatico (e c’è a riguardo un non sottile
invito a risparmiare l’energia) fino agli spiriti bellicosi che
oggigiorno devastano interi luoghi proprio come Galactus fa con New
York. In questo I Fantastici Quattro: Gli Inizi si
dimostra dunque un film molto attuale e contemporaneo, dove il
popolo pretende la salvezza da precisi eroi senza preoccuparsi di
come potrebbe a sua volta dare aiuto. Nel contrastare infine tutti
insieme il Divoratore di Mondi, ci si apre invece ad una speranza
per il futuro che dovrebbe ispirare tutti gli spettatori.
Meryl Streep e Sigourney Weaver hanno appena firmato per
recitare in un nuovo thriller intitolato Useful
Idiots, diretto dal regista di una serie
fantascientifica per Apple
TV. Hanno vinto numerosi premi, tra cui tre Oscar per
la Streep (“Kramer contro Kramer”, “La scelta di Sophie” e “The
Iron Lady”) e due Golden Globe per la Weaver (“Gorilla nella
nebbia” e “Una donna in carriera”).
Non avevano mai recitato insieme in
un progetto prima, nonostante siano due degli attori più iconici
dell’industria dell’intrattenimento. Ma tutto sta per cambiare, ora
che Streep e Weaver sono state scritturate per Useful
Idiots, secondo Deadline.
Il regista, Joseph
Cedar, ha diretto film come Time of Favor e
Campfire. Ha anche ottenuto nomination all’Oscar per
Beaufort e Footnote. Sul piccolo schermo, ha
diretto Our Boys della HBO e la serie fantascientifica
Constellation per Apple TV. Cedar e Shachar Bar-On hanno scritto la
sceneggiatura insieme; Bar-On è attualmente produttore di 60
Minutes.
Zhang Xin, Jonathan King,
Bruce Cohen e William Horberg sono i
produttori, mentre Graham Taylor, Christopher Slager e Dan Guando
lavorano dietro le quinte come produttori esecutivi.
È attualmente in corso la ricerca
di uno studio cinematografico per distribuire Useful
Idiots nelle sale, ma le case di produzione coinvolte
nel progetto sono Fifth Season e Black Bear.
In Useful
Idiots, Meryl Streep interpreterà una giornalista di
nome Diane Castle, la cui competenza include immobili di lusso a
New York. Inizia a sentirsi frustrata dal dover scrivere
costantemente di ricchi. Tuttavia, tutto cambia quando inizia a
indagare sul nuovo acquirente di un attico che ha pagato una cifra
record. Lungo il cammino, svela misteri e scopre segreti
sconvolgenti che coinvolgono la corruzione. Continuando a scavare
in questa storia, Diane e la sua famiglia finiscono nel mirino. I
dettagli sul personaggio di Sigourney Weaver non sono stati rivelati. Ma
considerando il suo ruolo da star nel film, è possibile che
interpreti la proprietaria dell’attico al centro delle indagini di
Diane.
Sebbene Streep e Weaver non abbiano
mai lavorato insieme prima, entrambe hanno alle spalle carriere di
tutto rispetto nell’industria dello spettacolo.
Jack Reacher: Punto di non ritorno non è stato
esattamente il film più fedele al libro, con un numero piuttosto
elevato di elementi che differivano completamente dal materiale
originale. Seguito di Jack Reacher del 2012, Jack Reacher: Punto di non
ritornoè l’adattamento di un altro romanzo
della serie acclamata dalla critica di Lee Child, intitolato
semplicemente Never Go Back.Jack Reacher: Punto di non ritorno non è stato un
successo, né dal punto di vista commerciale né da quello artistico,
e gran parte del suo insuccesso potrebbe essere dovuto alle
numerose deviazioni rispetto al materiale originale.
Jack Reacher: Punto di
non ritorno aveva una trama piuttosto complicata da
adattare, cosa che diventa chiara quando si confrontano le
narrazioni del libro e del film. Non solo, ma il film ha
curiosamente deciso di stravolgere completamente l’ordine dei
personaggi della serie Jack Reacher, alterandone
pesantemente alcuni e rimuovendone altri del tutto. Il film ha
anche aggiunto elementi originali alla storia, complicando
ulteriormente le cose. Alla fine dei conti, il film distribuito dal
regista Edward Zwick potrebbe anche essere una storia completamente
diversa, che condivide solo il nome del libro di Child.
La descrizione di Jack Reacher
differisce da quella di Cruise
La differenza più stridente
nell’adattamento cinematografico di entrambi i film
Uno dei cambiamenti più evidenti
e sorprendenti dai romanzi di Jack Reacheragli adattamenti cinematografici con Tom
Cruise è la scelta dello stesso Cruise per il ruolo. I
libri chiariscono che Jack Reacher è un uomo gigantesco, alto 1,95
m e pesante 113 kg, un muro di muscoli senza sottigliezze.
Tom Cruise, invece, è notoriamente basso, alto
1,70 m, con un aspetto affascinante che non è attribuito al
personaggio originale di Lee Child. Cruise interpreta Reacher in
modo più soave, simile a Bond, che stride con la personalità del
personaggio del libro.
Ma le dimensioni e il
comportamento di Reacher sono ancora una differenza stridente
rispetto al libro nel secondo film.
Per correggere questo aspetto, la
serie TV Reacher, molto apprezzata, ha scelto Alan Ritchson
per interpretare Jack Reacher, una rappresentazione molto più
fedele al libro grazie al fisico massiccio e muscoloso di Ritchson,
alto 1,90 m. Detto questo, i film di Tom Cruise hanno azzeccato
alcune cose su Reacher, come dimostra la partecipazione
cameo dello stesso autore della serie Lee Childs nel ruolo di una
guardia di sicurezza che fa passare la versione di Cruise, dando
meta-contestualmente la sua benedizione alla rappresentazione.
Tuttavia, la statura e il comportamento di Reacher continuano a
differire in modo stridente dal personaggio del libro nel secondo
film.
La trama sulla paternità si
risolve in modo diverso
Come se la storia di spionaggio,
false accuse e pericolose operazioni di contrabbando non bastasse,
Jack Reacher: Punto di non ritorno affronta
anche una trama commovente che ruota attorno a Samantha,
un’adolescente che sostiene di essere la figlia perduta di Reacher.
Sia nel libro che nel film, Reacher viene colpito dalle sue
affermazioni di parentela all’inizio della storia, ma il film dà
molta più importanza a questo aspetto della narrazione. Nel
romanzo, Samantha è una sottotrama distante che fa da cornice
all’azione crescente della storia principale, più
pericolosa.
Il film lega entrambe le trame in
modo molto più stretto, coinvolgendo Samantha nel caos della vita
di Reacher e dando molta più importanza alla questione se Reacher
sia davvero suo padre. La scena del libro che risponde a
questa domanda è molto più informale, con Reacher che semplicemente
scopre un certificato di nascita falso che smentisce la falsa
affermazione di parentela. Nel film, invece, Reacher si
prende il tempo di incontrare Sam, che crede sinceramente che
Reacher possa essere suo padre.
Jack conosce meglio il maggiore
Turner
Il comandante militare ha una
storia più lunga con Reacher nel film
Un altro personaggio oltre a
Reacher stesso che è stato adattato dal romanzo in Jack
Reacher: Punto di non ritorno è la determinata
maggiore Susan Turner. Comandante della 110ª Unità
investigativa speciale della polizia militare, Turner è una delle
poche alleate di Reacher in entrambe le versioni della storia, i
due si aiutano a vicenda a discolparsi poiché entrambi sono stati
falsamente accusati di crimini che non hanno commesso. Nel libro,
gli eventi di Never Go Back sono la prima volta che Reacher
incontra canonicamente il maggiore Turner, collaborando con lei
solo per il tempo necessario.
Questo è in netto contrasto con il
film, in cui si scopre che Reacher e il maggiore Turner hanno una
lunga storia alle spalle. La versione cinematografica di Turner,
interpretata da Cobie Smulders di How I Met Your Mother, ha lavorato con Reacher per un
po’ di tempo, coordinando a distanza lo smantellamento di un giro
di traffico di esseri umani con Reacher nella scena iniziale. I
due continuano a lavorare a stretto contatto durante gli eventi
della storia e promettono persino di tenersi in contatto una volta
che la situazione si sarà stabilizzata.
Reacher è meno
solitario
Il Reacher di Tom Cruise è
molto più amichevole
Non sono solo i dettagli della
trama ad essere stati modificati in Jack Reacher: Never Go
Back nell’adattamento della storia originale di Lee Child.
Anche il tono della storia è stato fortemente influenzato dal
passaggio al grande schermo, grazie in gran parte al cambiamento di
atteggiamento di Reacher, interpretato da Tom Cruise. Nei libri,
Reacher è famoso per essere un lupo solitario, che in molti casi
rifiuta l’aiuto degli altri e preferisce combattere le sue
battaglie da vagabondo, passando da un caso all’altro.
Questo è in netto contrasto
con l’atteggiamento solitario di Reacher nei romanzi originali, che
trova la sua massima espressione nel modo in cui entrambe le
versioni della storia finiscono.
Nel frattempo, in Jack Reacher:
Punto di non ritorno Reacher chiede tutto l’aiuto
possibile, formando una squadra affiatata con il maggiore Turner,
il capitano Espin (che nel libro è solo un sottufficiale) e un
gruppo di ufficiali della polizia militare. Questo è in netto
contrasto con l’atteggiamento solitario di Reacher nei romanzi
originali, che trova la sua massima espressione nel modo in cui
entrambe le versioni della storia finiscono. Mentre nel libro
Reacher getta via il cellulare e si mette in viaggio da solo,
il film finisce con lui che manda un messaggio a Samantha con un
sorriso sul volto.
La scena iniziale è
completamente nuova
Il film non è riuscito a
tradurre la tensione dell’inizio del libro
Lemigliori scene
iniziali dei filmcaratterizzano immediatamente la posizione
del protagonista all’inizio della storia o rivelano qualcosa della
sua personalità, e la Jack Reacherduologia ha
fatto del suo meglio per fare entrambe le cose.Jack
Reacher: Punto di non ritornosi apre con
l’eroe titolare che conduce una serie di arresti insieme alla 110ª
Polizia Militare CID dell’esercito statunitense, arrestando uno
sceriffo dell’Oklahoma per aver gestito un giro di traffico di
esseri umani dal suo distretto. Mentre lo faceva, apparentemente si
coordinava con il maggiore Turner, anche se Turner si è rapidamente
indisponibilizzato poco dopo.
Al contrario, il libro si apre
con Jack Reacher che viene affrontato da due militari che lo
riconoscono fuori da un motel fatiscente a Washington, D.C. I
due rimproverano Reacher per aver disonorato la loro unità prima di
attaccarlo, venendo brutalmente picchiati dal potente Reacher in
una rissa 2 contro 1. La netta differenza tra queste due scene
sottolinea quanto siano diversi tra loro il libro e il film
Reacher. Mentre nel film Reacher collabora con le autorità per
arrestare i cattivi, nel libro Reacher si difende solennemente dai
suoi compagni veterani.
Il cacciatore è una creazione
del film
Il film ha faticato a trovare
un cattivo unico
Jack Reacher non ha carenza di
nemici intimidatori in nessuno dei suoi romanzi, ma il film ha
faticato a trovare un unico cattivo contro cui far combattere il
personaggio. Nel romanzo di Child, Reacher combatte criminali,
misteriosi aggressori e persino i suoi commilitoni, ma non incontra
mai un singolo avversario pericoloso che sia alla sua altezza. Nel
tentativo di dargliene uno, Jack Reacher: Punto di non
ritorno inventa il personaggio noto come “The
Hunter”, un famigerato mercenario che orchestra l’incastramento di
Reacher.
La creazione di un unico misterioso
personaggio ex membro delle forze speciali per dare al protagonista
un supercattivo con cui il pubblico possa identificarsi non è una
caratteristica esclusiva di Jack Reacher: Punto di non
ritorno.Un altro adattamento di un thriller di
spionaggioAmerican Assassins discostò dal libroin modo simile l’anno successivo, inventando l’agente noto come
“Ghost” per combattere contro Mitch. Sembra che Hollywood sia a
disagio nell’adattare romanzi d’azione senza creare un antagonista
che sia fisicamente all’altezza dell’eroe, dando loro un volto
riconoscibile con cui combattere nella resa dei conti finale.
Gli incontri di Reacher con lo
spacciatore non sono inclusi nel film
Ci sono antagonisti minori che
esistono in Punto di non ritorno ma che non sono
presenti nell’adattamento cinematografico, ovvero i parenti dello
spacciatore Claughton. Durante la sua fuga, Reacher ruba l’auto
dello spacciatore di metanfetamine morto, spingendo la famiglia del
defunto criminale a dargli la caccia. I parenti di Claughton hanno
un confronto teso con Reacher fuori dal motel dove alloggiano lui e
Turner, ma il terrificante vagabondo riesce a farli allontanare con
la sola forza della sua presenza.
Non solo, ma Reacher li mette
ulteriormente in imbarazzo rubando un altro veicolo, questa volta
un camion.
Claughton e la sua famiglia non
sono presenti nell’adattamento cinematografico, ed è facile capire
perché. Certo, la vignetta di Reacher che spaventa i criminali
incalliti è per lo più solo un riempitivo, esistente per dare al
personaggio un’altra scena nel libro in cui si possa percepire la
sua aura intimidatoria. Tra tutti i cambiamenti che Jack
Reacher: Never Go Back apporta al materiale originale, è facile
vedere l’ammissione di questo ritmo come uno dei più sensati,
essendo più adatto alla durata estesa della serie TV
Reacher.
L’operazione di contrabbando è
completamente diversa
Dai protagonisti principali a
ciò che viene contrabbandato, il film differisce notevolmente dal
libro
Per quanto riguarda la trama, il
cambiamento più significativo da Punto di non
ritorno al suo adattamento cinematografico è
la natura stessa del complotto di contrabbando che Reacher e Turner
sventano. Nel libro, l’operazione è gestita dai capi di
stato maggiore di Fort Bragg, Crew Scully e Gabriel Montague, che
collaborano con un misterioso anziano afgano di nome Emal Zadran
per contrabbandare oppio negli Stati Uniti. Reacher e Turner
rintracciano i due in un nightclub fuori Washington, D.C., ma
entrambi preferiscono suicidarsi piuttosto che essere
catturati.
Il climax del film è molto
più spettacolare, con una violenta lotta con The Hunter e i suoi
uomini.
Il
finale di Jack Reacher: Punto di non ritorno combina
invece entrambi i cospiratori nel generale James Harkness, che
contrabbanda nel paese pericolose armi anticarro insieme all’oppio.
Il climax del film è molto più spettacolare, con una violenta lotta
con The Hunter e i suoi uomini. Potrebbero essere stati cambiamenti
poco sottili come questo a contribuire al fatto che Jack
Reacher: Punto di non ritorno abbia causato la fine della
serie di film Jack Reacher prima ancora che iniziasse
veramente.
Uscito nel 2015 e ora su Netflix e diretto da David M. Rosenthal, The Perfect Guy è un thriller psicologico
che unisce il fascino del dramma sentimentale con la tensione del
cinema stalker anni ’90. Con protagonisti Sanaa Lathan, Michael Ealy e Morris Chestnut, il film esplora le
conseguenze di una relazione tossica e della perdita di controllo,
offrendo un racconto ad alta tensione sulle paure più intime legate
alla fiducia, alla sicurezza e all’identità. Dietro l’apparente
formula del thriller romantico, The Perfect Guy costruisce una riflessione sottile sul
tema della violenza maschile e del diritto alla difesa personale,
fino a un finale che ribalta i ruoli di vittima e carnefice.
Cosa succede in The Perfect
Guy
La protagonista Leah
Vaughn (Sanaa Lathan) è una lobbista di successo che sogna
di costruire una famiglia con il suo compagno Dave King (Morris Chestnut). Quando
lui rifiuta di impegnarsi, la relazione finisce e Leah, sola e
vulnerabile, incontra Carter Duncan (Michael Ealy), un uomo affascinante
e apparentemente perfetto. Carter conquista rapidamente la fiducia
di Leah, dei suoi amici e persino dei suoi genitori, mostrando un
lato premuroso e protettivo. Ma dopo un viaggio insieme, un
episodio di violenza improvvisa — l’aggressione di uno sconosciuto
a una stazione di servizio — rivela la vera natura dell’uomo:
possessiva, esplosiva, ossessiva.
Leah decide di lasciarlo, ma Carter non accetta la separazione.
Inizia così un incubo fatto di pedinamenti, intrusioni, telefonate
e messaggi intimidatori. Carter si introduce nella sua casa, ruba
il suo gatto, manipola i suoi file, e quando Leah tenta di reagire,
la sua vita viene progressivamente distrutta: perde il lavoro, la
reputazione e, infine, il nuovo compagno Dave, ucciso in un
apparente incidente che si rivelerà un omicidio orchestrato dallo
stesso Carter. A questo punto, Leah si trova sola e terrorizzata,
senza prove concrete per incastrarlo, mentre l’uomo continua a
cambiare identità e a perseguitarla da lontano.
Spiegazione del finale di The
Perfect Guy
Nel finale, Leah decide di non essere più la vittima. Seguendo il
consiglio del detective Hansen, acquista un fucile Remington con proiettili a
sacchetto di sabbia (“bean bag rounds”) e colpi letali. Quando
scopre che Carter, ormai sotto una nuova identità, sta iniziando
una nuova relazione, Leah affronta la donna per metterla in guardia
e, contemporaneamente, distrugge il covo dell’uomo, dove scopre
telecamere e computer con cui la spiava. È un gesto simbolico: Leah
smette di essere osservata e riprende il controllo della propria
narrazione.
La notte seguente, Carter (o meglio, Robert Adams, la sua vera
identità) irrompe in casa di Leah per vendicarsi. Ma la donna lo
attira in una trappola. Dopo una violenta colluttazione, Leah
recupera il fucile e, come previsto, gli spara due colpi non letali per creare una
giustificazione legale all’autodifesa. Quando l’uomo – convinto che
non abbia il coraggio di uccidere – la attacca di nuovo, Leah lo
colpisce con un proiettile reale, uccidendolo all’istante.
Il gesto finale di Leah non è soltanto un atto di sopravvivenza: è
la conclusione del suo arco di trasformazione. Da donna controllata
e perseguitata, diventa agente della propria liberazione. L’inganno sulla
natura dei proiettili riflette la strategia e la lucidità
ritrovate, ma anche l’ambiguità morale che il film suggerisce: per
liberarsi dal male, Leah deve spingersi oltre i limiti della legge
e della sua stessa coscienza.
Il film si chiude con la polizia che porta via il corpo di Carter e
Leah che, pur scossa, ritrova la pace. Non è un lieto fine
classico: The Perfect
Guy lascia aperta una domanda scomoda – quanto siamo disposti a cambiare per
sopravvivere alla violenza? -, trasformando il suo finale
in una catarsi tanto emotiva quanto inquietante.
Predator: Badlands consolida alcuni importanti legami
tra il franchise e la serie Alien. Poiché sia Alien che Predator
erano proprietà della 20th Century, sono stati entrambi acquisiti
dalla Disney durante l’acquisizione di tale studio nel 2019. Di
conseguenza, hanno una nuova opportunità per realizzare un nuovo
Alien vs. Predator e hanno già gettato le basi per questo
scontro.
Sebbene in Predator: Badlands non ci siano
Xenomorfi, il film trova molte opportunità per mettere uno Yautja
contro una delle forze antagoniste più longeve di Alien.
Ecco come Predator: Badlands getta le basi per futuri
scontri tra le due proprietà fantascientifiche, posizionando al
contempo un personaggio oscuro del primo Alien come minaccia
generale per entrambi.
Predator: Badlands prepara una
guerra Yautja con Weyland-Yutani
Una delle dinamiche centrali di
Predator: Badlands è il conflitto che si sviluppa tra Dek e
i soldati della Weyland-Yutani. Guidato da Tessa e Thia, il team
della Weyland-Yutani inviato a Genna sta cercando specificamente di
catturare altri esemplari per la sperimentazione e il potenziale
sviluppo medico. Ciò è in linea con i loro sforzi per
raccogliere Xenomorfi per la sperimentazione, come si vede in
Aliens e Alien: Romulus.
Sia la Weyland-Yutani che Dek si
ritrovano a cercare la stessa creatura, dando a Dek un motivo in
più per affrontarli. C’è una minaccia sottintesa rappresentata
dalla Weyland-Yutani, che nella seconda metà del film diventa un
antagonista più esplicito, in netto contrasto con l’etica a cui
aderiscono i cacciatori Yautja come Dek.
Thia e Tessa sono alla ricerca di
creature da usare come “strumenti”, in modo simile a come Dek
inizialmente vede Thia solo come uno strumento per la propria
sopravvivenza. Entrambi cercano di affrontare e
alla fine distruggere i Kalisk per i propri scopi. È un
parallelo interessante tra i due franchise, la filosofia
schietta dei cacciatori Yautja contrapposta alla calcolatrice
società Weyland-Yutani.
Si suggerisce che la società abbia
già incontrato gli Yatuja in passato, il che spiega la loro
diffidenza nei confronti di Tessa che li affronta e l’entusiasmo
della società nell’ottenere la tecnologia dei Predator. L’idea che
la Weyland-Yutani abbia incontrato gli Yautja abbastanza spesso da
avere dei file su di loro apre ogni sorta di possibilità
narrative, che si tratti di incontri precedenti o di conflitti
futuri tra le due culture.
Il grande climax del film vede Dek
uccidere una orde di sintetici della Weyland-Yutani, dando
potenzialmente alla società un motivo in più per
interessarsi al potenziale di quella specie aliena. Questo potrebbe
portare a ulteriori tentativi di catturarli per sperimentazione. È
un modo intelligente per presentare la Weyland-Yutani come un
naturale contrasto e nemico degli Yautja.
La ricerca dell’immortalità
umana è presente in Predator: Badlands e Alien: Earth
In Predator: Badlands, la
Weyland-Yutani dimostra di conoscere molto bene il potenziale
pericolo rappresentato dagli Yautja. Questo potrebbe
rappresentare un interessante filo conduttore tra il nuovo film
e gli obiettivi delle aziende terrestri come la Weyland-Yutani in
serie come Alien: Earth.
In particolare, questo si riflette
nel modo in cui i rappresentanti della Weyland-Yutani in Alien:
Earth non stavano solo recuperando uno Xenomorfo, ma anche
molte altre forme di vita aliene, tutte apparentemente alla ricerca
di nuovi segreti biologici da svelare. Le pericolose creature di
Genna non sono troppo dissimili dagli alieni incontrati in
Alien: Earth, sottolineando ulteriormente la natura
pericolosa di questo universo.
Questo conferisce al film un legame
tematico con la serie FX, che mette in evidenza come diverse
aziende siano impegnate nel tentativo di svelare la nuova
immortalità umana. L’idea che le principali aziende di questo
universo siano alla ricerca dell’immortalità spiega anche perché
la Weyland-Yutani sia così concentrata sul Kalisk, poiché
possiede un fattore di guarigione che potrebbe rendere gli esseri
umani molto più resistenti.
Mentre Alien: Earth
evidenzia come i nuovi synth potrebbero essere la chiave di tale
sviluppo, la Weyland-Yutani sembra convinta che l’uso del DNA
alieno – non solo dello Xenomorfo, ma di tutti i tipi di esseri
extraterrestri – potrebbe essere la chiave della loro vittoria
in quella corsa. È interessante notare che la Weyland-Yutani,
dando la caccia alle specie per il loro potenziale, presenta una
sottile somiglianza con gli Yautja.
Predator: Killer of Killers
ha rivelato che gli Yautja raccolgono “guerrieri degni” che
sconfiggono i loro cacciatori, impressionati dal loro potenziale.
Le due culture potrebbero ritrovarsi a inseguire nuovamente lo
stesso premio, oppure la Weyland-Yutani potrebbe concentrare
maggiormente i propri sforzi sulla cattura degli Yautja,
fungendo da possibile impulso per ulteriori conflitti e connessioni
tra i due franchise.
Predator: Badlands trasforma
MU/TH/UR in un possibile grande cattivo
Predator: Badlands
riporta in scena anche MU/TH/UR, la fredda intelligenza
artificiale che è stata un grosso problema per gli eroi del
franchise Alien. Come sempre, la programmazione della
Weyland-Yutani è impegnata a far progredire l’azienda e l’umanità a
tutti i costi. Questo si estende a Predator: Badlands, dove
mette Tessa contro Thia e minaccia di “smantellarla” se Tessa non
riesce a catturare il Kalisk.
Questo serve come una comoda
rappresentazione della minaccia generale, fungendo da
controparte tematica al padre omicida di Dek come figura
genitoriale indifferente. MU/TH/UR ha ancora più successo, poiché
riesce a portare Tessa dalla sua parte mentre il Predator non
riesce a mettere suo figlio Kwei contro Dek. Questo rende MU/TH/UR
una minaccia duratura.
Tutto ciò rafforza la minaccia
persistente e onnipresente rappresentata dal sistema operativo
Weyland-Yutani. In questo film non viene nemmeno affrontata,
figuriamoci sconfitta. MU/TH/UR è uno dei collegamenti più
importanti tra i film Alien e Predator:
Badlands, gettando le basi per futuri crossover e scontri
in cui MU/TH/UR dirige le risorse umane contro i guerrieri
Yautja.
Gli Yautja sono tornati più forti
che mai in Predator: Badlands, e dato che il franchise
continua ad espandersi, è naturale pensare a cosa potrebbe
succedere in futuro. Dopotutto, il film è il terzo capitolo del
revival della serie dopo che la Disney ha acquistato la 20th
Century e Dan Trachtenberg ha effettivamente preso le redini
dell’universo.
Sia che guardiate Predator: Badlands al cinema o in
streaming, la fine del viaggio di Dek e Thia vi farà probabilmente
chiedere se ci saranno ulteriori anticipazioni sul futuro nei
titoli di coda. Hollywood si è ormai abituata a inserire queste
scene nei titoli di coda dei film della serie, con la scena dei
titoli di coda di
Predator: Killer of Killers che ha segnato una novità
per questo tipo di narrazione serializzata.
Quella sorpresa iniziale e
l’aggiunta inaspettata di una versione estesa dopo l’uscita hanno
reso più probabile la possibilità che Predator: Badlands
avesse una scena dopo i titoli di coda, soprattutto con
Trachtenberg che ha anticipato di avere già delle idee per un altro
film.
Predator: Badlands non ha una
scena dopo i titoli di coda
Invece di continuare a inserire
scene dopo i titoli di coda nei film di Predator,
Predator: Badlands si conclude senza. Non ci sono scene
aggiunte a metà o dopo i titoli di coda che Trachtenberg utilizza
per preparare il terreno a ciò che potrebbe succedere in
futuro.
Ciò non significa che dovreste
smettere di guardare non appena iniziano a scorrere i titoli di
coda. È comunque bello guardarli
fino alla fine e vedere i nomi di tutti coloro che hanno reso
possibile questo film, dal regista, allo sceneggiatore, ai
protagonisti, ai vari membri della troupe e agli artisti degli
effetti visivi.
Ma chiunque temesse di perdersi un
indizio sul futuro del franchise non rimanendo fino alla fine dei
titoli di coda può stare tranquillo. A questo punto non ci sono
ulteriori informazioni sul futuro di Predator, dato che non
c’è nemmeno un epilogo grafico interessante come quello che
Trachtenberg ha inserito nei titoli di coda di Prey.
Ciò rende ancora più intrigante il
fatto che Predator: Badlands non abbia una scena post-titoli
di coda. Trachtenberg ha dato al pubblico qualche anticipazione
su un’altra possibile storia alla fine degli ultimi due film
Predator. Sembrava che gli piacesse usarli e sapesse
come farlo senza limitare il franchise.
Dopotutto, i titoli di coda di
Prey anticipavano l’incontro della tribù di Naru con
un’intera flotta di navi Yautja, suggerendo che avremmo visto
quella storia nel prossimo film. Ma i titoli di coda di Killer
of Killers hanno saltato quegli eventi e hanno presentato
un’idea completamente diversa per il franchise: Ursa, Naru, Dutch e
Harrigan vengono scongelati e combattono ancora una volta contro
gli Yautja, ma questa volta insieme.
Con Predator:
Badlands che termina senza una scena post-titoli di coda,
il futuro del franchise rimane un po’ meno chiaro. Ma forse era
intenzionale, considerando che il film è ambientato in un futuro
più lontano rispetto a qualsiasi film precedente. Non includendo
una scena nei titoli di coda, Trachtenberg può davvero capire dove
portare avanti la storia.
Diretto da Xavier
Gens, Farang (anche noto come
Mayhem!) è un film
thriller
d’azione francese che si svolge principalmente nella Thailandia
orientale. La trama non è nulla di straordinario, ma le scene
d’azione lo rendono degno di essere visto. I primi minuti
approfondiscono il passato del protagonista. Scopriamo da dove
viene e quanto sia disperato nel voler ricominciare da capo. Ma la
vita trova sempre nuovi modi per mettere alla prova Sam e, anche
dopo la fuga in Thailandia, la violenza trova il modo di entrare
nella sua vita.
In
precedenza, Sam è incarcerato per spaccio di droga per conto di una
banda. È rilasciato sulla parola e non vede l’ora di iniziare una
vita onesta con un nuovo lavoro, ma sfortunatamente la banda per
cui lavorava non gli permette di vivere in pace. Sam viene
aggredito dai membri di questo gruppo e, mentre cerca di
difendersi, finisce per ucciderne uno. Sam riesce poi a fuggire in
Thailandia, dove alla fine si innamora di una ragazza.
Perché Sam è determinato a vendicarsi?
Dopo essersi trasferito in Thailandia, Sam incontra Mia e sua
figlia Dara. Mia è per metà thailandese e per metà francese e, dopo
che il suo fidanzato francese le ha spezzato il cuore sette anni
prima, si stabilisce in Thailandia con sua figlia. Mia e Dara
portano speranza nella vita di Sam in un momento in cui lui ha
quasi rinunciato. Mia è incinta e stanno per mettere su famiglia
insieme. Per il momento, Sam lavora come addetto ai bagagli in un
hotel. Ha anche sviluppato un interesse per la Muay Thai e
partecipa anche a incontri locali.
Sam e Mia hanno in programma di aprire un ristorante insieme. Ma
presto scoprono che il terreno che hanno comprato con i loro
risparmi è venduto a un altro uomo. Mia è devastata;
all’improvviso, la possibilità di realizzare il suo sogno le è
portata via. Sam incontra Narong, il gangster locale che ha
comprato la proprietà. Sam è disperato e vuole riavere il terreno,
e quando Narong gli propone di fare una consegna per lui, Sam
accetta. Anche se Sam cerca di tenersi lontano dal mondo del
crimine, ne viene nuovamente risucchiato.
Nassim Lyes in Farang
Gli viene chiesto di contrabbandare droga all’aeroporto e il suo
permesso di accesso e il suo pass tornano utili. Sam entra come al
solito nell’area dell’aeroporto e ogni volta che un addetto alla
sicurezza lo ferma per controllare la sua auto, lui si blocca.
Supera un controllo dopo l’altro senza destare alcun sospetto.
L’ultima parte del contrabbando è la più difficile: Sam deve
seguire l’uomo di Narong, Kim, e lasciare la valigia secondo le sue
istruzioni. Non appena gli occhi di Sam incontrano quelli di Kim,
la sicurezza si raduna intorno a loro e Kim viene preso di
mira.
Sam sa che alla fine sarà arrestato e l’unica opzione che ha è
scappare per salvarsi la vita. Riesce a fuggire dall’aeroporto, ma
la polizia continua a dargli la caccia. Non è solo la polizia a
cercare Sam, ma anche Narong. Sam non ha consegnato la merce e,
invece di combattere contro la polizia, è fuggito, motivo
sufficiente per Narong per dargli la caccia. Sam riesce a
raggiungere casa e dice a Mia e Dara di preparare le loro cose.
Ma non sono abbastanza fortunate da riuscire a scappare in tempo.
Gli uomini di Narong fanno irruzione nella loro casa e uccidono
Mia. Sam rimane ferito e Dara viene portata via. Narong appicca un
incendio per bruciare la casa con Sam all’interno. Il maestro di
Muay Thai di Sam, Hansa, arriva in suo soccorso e lo porta fuori
dalla casa. Trascorre giorni ad aiutare Sam a riprendersi. Narong
pensa che Sam sia morto bruciato, ignaro che ora dovrà affrontare
un uomo determinato a vendicarsi.
Sam uccide Kasem?
Sombat avverte Sam che Narong e Kasem sono uomini contro cui non
dovrebbe mai mettersi, ma Sam è spinto dalla rabbia dopo aver perso
la sua famiglia e non gli importa di morire, purché possa
vendicarsi. Kasem lavora per Narong ed è il primo obiettivo di Sam.
Hansa si unisce a Sam nella sua missione di distruggere Narong e la
sua banda. Ama Sam come un figlio e non è pronto a perderlo. Dopo
aver chiesto informazioni su Kasem alla gente del posto, Sam viene
a sapere che frequenta soprattutto i club di ladyboy. Il
comportamento maleducato di Kasem gli ha procurato una cattiva
reputazione tra le ladyboy, che rivelano volentieri a Sam dove si
trova la sua casa.
Alla Spade Residence di Rayong è in corso una festa e Sam riesce a
introdursi all’interno. Segue un’intensa sequenza d’azione durante
la quale Sam uccide tutto il personale di sicurezza della casa.
Kasem finalmente lo affronta e Sam sta per strangolarlo a morte
quando lui confessa che Dara è viva. Per tutto questo tempo, Sam ha
pensato che Narong avesse ucciso la sua bambina, e la notizia che è
viva gli dà speranza. Kasem è comunque ucciso. Sam non cerca solo
vendetta; deve trovare sua figlia prima che sia troppo tardi.
Nassim Lyes nel film Farang
Cosa rivela Narong prima di morire?
Dopo aver chiesto agli ospiti della festa dove si trovi sua figlia,
Sam sa che troverà ulteriori informazioni al Cowboy Bar di
Chinatown, a Bangkok. Oltre al traffico di droga, Narong è
coinvolto anche nel traffico di minori. Alcune delle vittime
lavorano al bar e Sam spera di trovare Dara lì. Anche se Dara è
introvabile, la donna responsabile del locale rivela dove si trova
Narong. Mentre Hansa affronta gli uomini fuori dall’ufficio di
Narong, Sam riesce a entrare nell’edificio.
Le ragazze sono costrette a lavorare in condizioni disumane per
aiutare Narong a trafficare droga. Sam mette fuori combattimento un
uomo dopo l’altro e finisce per aiutare le vittime a fuggire.
Quando Sam affronta e uccide tutti gli uomini di Narong, è
gravemente ferito. Alla fine di Farang, Sam entra
nell’ufficio di Narong mentre il gangster lo aspetta con una
pistola in mano. A quanto pare, questo scontro è pianificato da
tempo.
Narong e l’ex capo di Sam, Farhat, sono in contatto e negli ultimi
cinque anni Kasem ha cercato di rintracciare Sam. L’uomo che Sam ha
ucciso prima di fuggire dalla Francia è il fratello di Farhat, e
Farhat ha trascorso anni alla ricerca dell’uomo responsabile della
sua perdita. La vendetta è la forza motrice di
Farang e alla fine Sam raccoglie tutte le sue
forze per uccidere l’uomo che ha distrutto la vita che si è
costruito. Hansa muore proteggendo Sam, e senza di lui l’intera
operazione sarebbe un fallimento.
Chi consegna Sam a Narong?
Prima di essere ucciso, Narong confessa che Sombat lo ha aiutato a
intrappolare Sam. Nel finale di Farang viene
rivelato che Sombat è sempre stato innamorato di Mia. Prima che Sam
entrasse nella vita di Mia e Dara, era Sombat a prendersi cura di
loro. Era l’unico uomo nella vita di Mia e non riesce ad accettare
l’improvviso cambiamento nella loro relazione. Ne incolpa Sam e lo
odia per avergli portato via Mia. Sombat crede di amare Mia più di
quanto Sam potrà mai fare.
Sombat aiuta Narong a sbarazzarsi di Sam, ma non avrebbe mai
pensato di perdere Mia per questo. Le cose non vanno come vuole e
lui rimane un uomo distrutto. Alla fine, Sombat si spara con la
pistola che Sam ha lasciato nel suo ristorante. Forse Sombat
incolpa se stesso per la morte di Mia e non riesce più a convivere
con il senso di colpa. Perderla lo lascia vuoto e sceglie di morire
piuttosto che vivere con il dolore.
Nassim Lyes e Loryn Nounay in Farang
Dara è viva?
Durante il finale di Farang, Sam si ricongiunge
finalmente con la sua figliastra, Dara. A quanto pare, quella notte
a Bang Chan non è uccisa. Dara è affidata a Sombat, ma ovviamente
lui non può essere il padre che Sam è per Dara. Si può supporre che
quando gli uomini di Narong attaccano Sam e Mia, Sombat implora il
gangster di lasciar andare la bambina. Non riesce a salvare Mia, ma
spera di redimersi proteggendo sua figlia. Dara è felicissima
quando incontra Sam.
Pensa che sia stato ucciso quella notte e non riesce a credere ai
suoi occhi quando lo vede per la prima volta. Lui è l’unica
famiglia che le è rimasta e, a qualsiasi costo, Sam non metterà mai
più a rischio la sua vita. Possiamo supporre che Sam farà del suo
meglio per stare lontano dai guai e forse dovrà nascondersi e
trasferirsi di nuovo in un altro paese. Speriamo che Farhat,
Narong, la sua famiglia e i suoi amici non si uniscano per
ritrovare Sam, ma se lo faranno, possiamo aspettarci un sequel di
questo dramma d’azione.
La star di Hollywood Jeremy Renner è stata accusata di molestie nei confronti
di una sua ex fidanzata. La regista cinese Yi Zhou, attraverso
il Daily Mail, ha parlato della sua relazione passata con
Renner, in quanto l’attore le avrebbe rivolto minacce e molestie
sessuali, sia durante la loro relazione privata che
professionale. La regista ha condiviso una serie di post negli
ultimi giorni, descrivendo in dettaglio le sue accuse contro la
star della Marvel.
Zhou ha pubblicato una recente
dichiarazione sul suo account Instagram ufficiale, che contiene
un’immagine ripetuta di “tradimento”, che potete vedere qui
sotto:
Credevo nelle favole
Disney quando Jeremy Renner mi ha contattata e corteggiata:
Fino a poco tempo fa pensavo che l’amore fosse puro e che il suo
incidente lo avesse reso una persona nuova, quindi
@chroniclesofdisney e @stardustfuturemovie lo hanno incluso e la
favola in cui credevo è stata intrecciata nelle due opere (il cui
obiettivo e impegno, come riportato in precedenza, è quello di
donare il 100% a @mptf e al fondo below the line senza alcun
guadagno per @intothesunentertainment).
Poiché si tratta di una
storia in evoluzione di cyber flashing / pornografia non richiesta,
campagna diffamatoria e violenza domestica, ho appena scoperto
grazie al coraggioso @joshtboswell che c’è un’altra vittima che gli
ha appena parlato e a quanto pare lui mi ha tradita con lei! Gli ho
confessato alcuni nuovi dettagli che non ho condiviso
nell’intervista di oggi con Josh. Sono orgogliosa del lavoro che
sta facendo nel portare alla luce ciò che Hollywood vuole
nascondere e lodare.
Bravo @joshtboswell
@dailymail, abbiamo bisogno di più coraggio da parte dei media per
sostenere e smascherare. Restate sintonizzati. Altro in arrivo,
altri scandali e comportamenti scorretti. Molti di loro, mi è stato
detto, sembrano essere fan che lui contatta durante gli incontri
con i fan o semplicemente online. Come si può abusare dei fan? Li
usa per il proprio piacere, invia immagini pornografiche e poi li
getta nel cestino dei rifiuti sparendo senza lasciare traccia. Un
comportamento che, mi è stato detto, è frequente in
lui.
Incoraggio le altre
vittime a parlare, i media di Hollywood a sostenerci maggiormente
nel portare alla luce questa verità e a rendere Hollywood un luogo
sano e sicuro per le donne.
Come riportato dal Daily
Mail, Zhou ha riferito che l’ex attore della Marvel
Cinematic Universe si sarebbe ubriacato durante un
incontro a casa sua per discutere del loro documentario, al
punto da urlare contro di lei per due ore. Il sito ha
pubblicato un’immagine del testo in cui Zhou parla con un amico del
presunto comportamento violento di Renner. Temendo di essere
aggredita, ha raccontato di essersi chiusa in bagno per
proteggersi.
Zhou ha dichiarato:
“Stavo discutendo della logistica del documentario, poi
lui ha bevuto una bottiglia di vino da solo e si è arrabbiato,
urlando per due ore. Ho dovuto condividere la mia posizione con il
mio team, i miei genitori e i colleghi della Disney, in modo che
sapessero dove mi trovavo nel caso mi fosse successo qualcosa. Mi
sono chiusa in una stanza per sicurezza, pregando che non entrasse
durante la notte, dato che era davvero arrabbiato. Non ho detto una
parola, avevo tanta paura per la mia vita”.
Il rapporto include anche
screenshot dei messaggi di testo che lei aveva inviato, oltre a una
foto che aveva scattato il giorno del presunto incidente. Zhou ha
anche raccontato di come aveva affrontato Renner quando lui le
aveva inviato foto esplicite, il che lo aveva portato a minacciarla
di chiamare l’ICE (Immigration and Customs Enforcement) per
denunciare la regista. In uno dei suoi post ha scritto quanto
segue:
Il Daily Mail riporta che
Zhou “ha rifiutato di fornire” il resto del presunto
messaggio di testo di Renner. Il giornale ha contattato Renner per
un commento, ma né l’attore né i suoi rappresentanti hanno
risposto al momento della pubblicazione di questo articolo.
In un altro articolo del Daily
Beast, si legge che la coppia ha iniziato una relazione
sentimentale all’inizio di quest’anno. Renner si sarebbe
presentato tramite messaggi diretti e WhatsApp, con le immagini
“indesiderate” nel giugno 2025.
L’ex moglie di Renner, Sonni
Pacheco, lo aveva già accusato di comportamento violento,
venuto alla luce durante la battaglia per la custodia della loro
figlia, che all’epoca, nel 2019, aveva 6 anni. La star 54enne ha
negato le accuse.
FOTO DI COPERTINA: Jeremy Renner arriva al Netflix Tudum 2025 il 31 maggio 2025. Foto di Image
Press Agency via DepositPhotos.com
L’esorcista
– Il credente, uscito nel 2023, nasce con l’ambizione
di riportare in vita il mito del
capolavoro del 1973, considerato uno dei film più influenti
della storia dell’horror.
Il nuovo capitolo si presenta come sequel diretto dell’originale,
ignorando gli altri episodi della saga e riallacciando la storia al
fascino inquieto del primo film. Sin dalle premesse si percepisce
la volontà di ricreare un’atmosfera più realistica e adulta, capace
di parlare alle paure contemporanee senza rinunciare al richiamo
sacrale e perturbante tipico dell’opera di Friedkin.
Alla regia c’è David Gordon Green, già autore
della recente trilogia sequel di “Halloween“, e la sua
firma si riconosce nel tentativo di mescolare dramma familiare e
orrore soprannaturale. La novità principale è la presenza non di
una sola vittima della possessione, ma di due ragazze coinvolte in
un evento demoniaco condiviso, elemento che amplia la portata
rituale e simbolica della storia. Allo stesso tempo, il film prova
a costruire un nuovo percorso narrativo, inserendo volti inediti e
riportando in scena personaggi storici che legano direttamente
questo capitolo al mito originale.
Il progetto avrebbe
dovuto essere il primo tassello di una nuova trilogia, ma il
responso critico e commerciale inferiore alle aspettative ha
bloccato i piani iniziali. Rimane così un film che tenta di
aggiornare la leggenda dell’Esorcista al presente, con
nuovi temi e una struttura più corale, cercando di parlare di fede,
colpa, trauma e perdita. Nel resto dell’articolo approfondiremo la
storia vera che ha ispirato questo e il film del 1973, analizzando
come il caso reale sia diventato uno dei racconti più spaventosi e
controversi dell’immaginario moderno.
Ellen Burstyn e Leslie Odom Jr. in L’esorcista – Il
credente
La trama
di L’esorcista – Il credente
Il film racconta la storia
di Victor Fielding (Leslie Odom
Jr.), rimasto vedovo dopo che sua moglie è morta durante
un terremoto ad Haiti, avvenuto dodici anni prima. L’uomo ha così
cresciuto la
figlia, Angela (Lidya
Jewett), completamente da solo. Un giorno Angela insieme
alla sua amica Katherine (Olivia
Marcum) scompare misteriosamente nel bosco, per riapparire
tre giorni dopo senza alcuna memoria di cosa sia accaduto. Da
questo momento in poi si scateneranno una serie di oscuri eventi
che porteranno Victor faccia a faccia con il male, nella sua forma
più terribile.
In preda alla disperazione e all
terrore, l’uomo si mette alla ricerca dell’unica persona ancora in
vita che abbia avuto già a che fare con qualcosa di simile,
ovvero Chris MacNeil (Ellen
Burstyn). Quando la donna lo raggiungerà, si ritroverà a
doversi confrontare con un male che conosce bene, avendolo visto
esercitato sul corpo di sua figlia. Ma liberarsi del demonio,
stavolta, sarà ancora più pericoloso e terribile e tutti saranno a
chiamati a compiere scelte e sacrifici strazianti.
Il film è tratto da una storia vera?
Il
film del 2023 L’esorcista – Il credente trae
ispirazione da fenomeni reali di presunta possessione demoniaca, ma
non è tratto da un singolo caso documentato. Come infatti riporta
un articolo di People, nel film si afferma che
“tutti gli elementi che abbiamo messo in Believer sono molto
autentici e basati su queste esperienze che le persone hanno
vissuto” (citazione dell’esperto Christopher Chacon). Questa
frase sottolinea che il materiale narrativo attinge a più
testimonianze di possessione, piuttosto che a un caso storico
riconosciuto.
Lidya Jewett in L’esorcista – Il credente
Le
vicende delle due ragazze possedute – Angela e Katherine – e del
padre Victor che cerca aiuto da Chris MacNeil, sono frutto di una
combinazione creativa di racconti reali di possessione, suggestioni
voodoo e rituali esorcistici, ma non corrispondono ad alcun caso
pubblico specifico e completamente verificato. L’articolo fa
chiaramente intendere che, pur riconoscendo la realtà del fenomeno,
la pellicola opera una libera rielaborazione e non pretende di
offrire un documentario. In tal senso, il film si inserisce nella
tradizione horror che mescola verità e finzione, creando tensione e
inquietudine attraverso un amalgama di testimonianze.
Pertanto, rispondendo alla domanda: sì, il film è tratto da alcune
storie vere, nel senso che attinge a casi reali di presunta
possessione, ma no, non è basato su un unico fatto storico
riconosciuto come “quello del film”. L’intento dichiarato del
regista David Gordon Green è confezionare un
moderno racconto di terrore che si fondi su elementi reali –
rituali, fenomeni inspiegabili, testimonianze di esperti – ma lo fa
con licenza creativa, intrecciando più esperienze e costruendo
personaggi e situazioni di finzione. In questo modo, il film
diventa un’opera ibrida: parte “ispirata da” e parte elaborazione
narrativa libera, concepita per spaventare e riflettere più che
documentare con rigore storico.
Si può affermare con certezza che
non è mai esistita un’adattamento della leggenda arturiana simile a
King Arthur – Il Potere della Spada di Guy
Ritchie (qui
la recensione). Con Charlie Hunnam nel ruolo di Artù, che combatte
per rivendicare il suo regno dal controllo dello zio usurpatore Re
Vortigern (Jude
Law), il film abbandona quasi completamente ogni
traccia del mito tradizionale di Re Artù. In questa nuova
incarnazione, la ricerca di Artù per diventare re è la storia di
Camelot raccontata attraverso un frenetico film di Ritchie, con una
banda di ladri e stregoni che complottano una rivoluzione per
rovesciare l’ordine costituito e insediare il Re Nato sul
trono.
Per chiunque abbia familiarità con
la leggenda arturiana, sia attraverso film come Excalibur
di John Boorman, il musical Camelot e
l’adattamento cinematografico con Richard Harris,
il classico Disney La spada nella roccia, sia attraverso
la letteratura come La morte di Artù di Sir Thomas
Malory o Il re una volta e futuro di T.H.
White, King Arthur – Il potere della
spada può rappresentare una sconcertante divergenza dai
classici tropi della leggenda.
Tra i principali cambiamenti
apportati da Ritchie e dal suo team di sceneggiatori Lionel
Wigram e Jody Harold vi sono una completa
reinvenzione della storia delle origini di Artù, l’assenza di Sir
Lancillotto, Sir Galahad e Sir Gawain e la rimozione del classico
triangolo amoroso tra Artù, Lancillotto e Ginevra. Al contrario, il
Re Artù di Ritchie reinventa la mitologia classica in modi che
lascerebbero perplesso il vostro professore di letteratura
classica. Ecco come King Arthur – Il potere della
spada stravolge la tradizione e offre un’esperienza di Re
Artù diversa da qualsiasi altra.
Camelot prima di Artù
Il film si apre con uno shock
immediato: Camelot esiste già. Invece di un castello dorato fondato
da Re Artù, Camelot è una fortezza situata sulle montagne
dell’Inghilterra. L’Inghilterra è anche nel mezzo di una guerra
civile con i Maghi, una razza di stregoni che annovera Merlino tra
i suoi membri. Tuttavia, i Maghi in guerra sono guidati da Mordred,
un potente Mago malvagio. Tradizionalmente, Mordred è il figlio di
Artù, ma in Legend of the Sword, Mordred viene invece ucciso dal
padre di Artù, re Uther Pendragon (Eric
Bana), che brandisce Excalibur contro di lui e salva
eroicamente Camelot. Artù è ancora molto giovane quando i Maghi
vengono sconfitti da re Uther, ma il fratello di Uther, il principe
Vortigern, riesce a conquistare il potere.
Vortigern, con l’aiuto magico delle
Sirene, esegue con successo un colpo di stato per usurpare il
trono. Vortigern uccide re Uther e la regina Elsa, ma Artù riesce a
nascondersi in una piccola barca e a fuggire lungo il fiume. In
seguito si scopre che Vortigern ha complottato con Mordred per
scatenare la guerra. Mordred ha condiviso alcuni dei suoi segreti
magici con Vortigern, in particolare la costruzione di una torre
magica a Camelot simile alla torre magica dei Maghi, che diventa un
punto di connessione per il loro potere. Quando Mordred non riesce
a uccidere Uther, Vortigern passa al suo piano B, chiedendo aiuto
alle Sirene per uccidere Uther.
Artù, il re nato
A differenza di alcune
rappresentazioni classiche della nascita di Artù, come in
Excalibur, Artù nacque da un’unione felice tra re Uther e la regina
Elsa. Dopo che entrambi furono uccisi e il giovane Artù fuggì da
Camelot, la sua piccola barca galleggiò fino alla città di
Londinium. Artù fu scoperto e accolto da alcune prostitute. Invece
di essere nascosto da Merlino e cresciuto da un cavaliere di nome
Sir Ector, Artù viene cresciuto in un bordello, dove spazza i
pavimenti, svolge lavori occasionali e impara persino un po’ di
furto. Da adulto, Artù finisce per gestire il bordello. Artù
diventa adulto nei vicoli di Londinium, che è già una città
multinazionale.
Artù impara a combattere da un
maestro di arti marziali cinese di nome George (Tom
Wu) in un dojo locale. Artù non ricorda la sua discendenza
reale e crede di essere nato nel bordello. Tuttavia, ha spesso
incubi che non riesce a comprendere, in cui vede sua madre e suo
padre uccisi da un demone con il volto di un teschio infuocato.
Quando Arthur estrae Excalibur dalla roccia, viene riconosciuto
come il Re Nato e deve essere eliminato da Vortigern. Tuttavia,
Arthur trascorre la maggior parte del film rifiutando la sua
eredità. (Sopraffatto dal suo potere, sviene persino le prime due
volte che brandisce Excalibur).
Sebbene non desideri diventare re,
l’Artù di Hunnam emana comunque una sicurezza e una spavalderia da
maschio alfa che diventano ancora più evidenti quando finalmente
accetta la corona e il suo destino. L’albero genealogico di Artù in
King Arthur – Il potere della spada è estremamente
semplificato: suo padre è Uther Pendragon, sua madre è Elsa e
Vorigern è suo zio e re usurpatore. Non ha una sorellastra,
Morgana, e non ha figli. Artù ha una cugina, la principessa Catia
(Millie Brady), figlia di Vortigern, che non ha
mai conosciuto da adulto. Lei e la moglie di Vortigern, Elsa
(Katie McGrath), sono entrambe decedute alla fine
di Legend of the Sword. (Stranamente, sia Uther che Vortigern hanno
sposato donne di nome Elsa).
La leggendaria spada magica
Excalibur è l’arma più potente e fondamentale del film. Fu forgiata
da Merlino dal proprio bastone nella sua torre magica come arma per
Uther Pendragon da usare contro Mordred nella guerra tra Uomini e
Maghi. Dopo aver creato Excalibur, Merlino la diede alla Dama del
Lago, che a sua volta la consegnò a Uther. La spada è legata al
lignaggio dei Pendragon, ma può essere utilizzata solo da Uther e
dal suo vero figlio Artù. Anche se Vortigern ha anch’egli sangue
Pendragon, il potere di Excalibur gli è inaccessibile.
Quando Uther e Artù brandiscono
Excalibur e attingono al suo potere (afferrando saldamente l’elsa
con entrambe le mani), Excalibur conferisce ai re Pendragon dei
superpoteri. (Artù lo chiama “razzle dazzle con la spada”). Quando
attinge al potere di Excalibur, gli occhi di Artù diventano
argentati, può combattere con incredibile potenza e velocità ed
Excalibur può tagliare con facilità qualsiasi tipo di armatura o
arma. L’assenza di Lancillotto, tradizionalmente il miglior
guerriero e primo cavaliere di Camelot, si spiega quindi con il
fatto che non è necessario.
Quando Artù scatena il potere di
Excalibur, diventa il miglior guerriero d’Inghilterra, in grado di
abbattere un’orda di soldati con una velocità sorprendente. La
magia di Excalibur conferisce anche ad Artù delle visioni,
sbloccando in particolare i suoi ricordi sepolti della notte in cui
Vortigern uccise Uther. In un’interessante svolta della leggenda,
quando Uther si rese conto che stava per morire, scagliò Excalibur
in aria e quando questa atterrò, trafisse Uther alla schiena. Uther
morì e si trasformò magicamente in pietra.
Quindi, Uther Pendragon stesso è la
pietra nella leggenda della Spada nella Roccia. Artù, il Re Nato,
rivendicò la sua regalità estraendo Excalibur dal proprio padre.
Artù trascorre anche gran parte del film rifiutando la sua
responsabilità di essere re. A un certo punto, lancia persino
Excalibur in un lago, ma la Dama del Lago la afferra e la
restituisce immediatamente ad Artù, costringendolo letteralmente a
riprenderla in mano e dandogli una visione apocalittica di ciò che
accadrà all’Inghilterra se Artù non accetterà il suo destino.
Non è specificato in quale secolo
sia ambientato Re Artù. L’influenza romana nell’architettura è
evidente a Londinium, che ha un Colosseo e acquedotti che portano
l’acqua al castello di Camelot. Il Vallo di Adriano è visibile
nelle mappe dell’Inghilterra, della Scozia e dell’Irlanda mostrate.
Ci sono anche i Vichinghi con cui sia Vortigern che Artù hanno a
che fare come re. Tuttavia, l’Inghilterra del film è un paese in
cui esiste la magia. Nel film ci sono una serie di creature
magiche: elefanti da guerra giganti grandi come montagne, lupi
giganti, serpenti giganti e falchi giganti, oltre a ninfe degli
alberi. C’è persino un’isola magica chiamata Terre Oscure dove Artù
deve portare Excalibur.
Le Terre Oscure sono il luogo in
cui vivono la maggior parte di queste creature giganti. Quando la
sua strategia con Mordred fallì, Vortigern si rivolse alle Sirene
per strappare il trono d’Inghilterra a suo fratello. Le Sirene
vivono nelle acque sotto la torre magica in costruzione a Camelot.
Mostri composti da tre donne, due belle e una grottesca, con la
parte inferiore del corpo costituita da tentacoli di polpo, le
Sirene aiutano Vortigern a un prezzo: egli deve uccidere e
sacrificare una persona cara alle Sirene affinché queste gli
prestino la loro magia oscura. Vortigern uccide prima sua moglie
Elsa per strappare il trono a Uther. Per la sua battaglia decisiva
con Artù, Vortigern uccide sua figlia, la principessa Catia.
In entrambe le occasioni, le Sirene
trasformano Vortigern in un gigantesco demone dal volto di teschio
circondato dalle fiamme. Quando Artù uccide Vortigern, usa
Excalibur per abbattere la torre magica, eliminando presumibilmente
anche le Sirene. La razza dei maghi in Re Artù è vista come un
esercito, e anche Mordred e Merlino compaiono brevemente nel film.
Il personaggio principale dei maghi è una donna conosciuta solo
come la Maga (Àstrid Bergès-Frisbey). Viene
inviata da Merlino per aiutare Artù nella sua missione di diventare
re, anche se è frustrata dalla sua riluttanza ad afferrare il suo
destino. La Maga può controllare magicamente e trasformarsi negli
animali giganti del film.
Alcuni media dedicati a
King Arthur – Il potere della spada identificano
il personaggio di Bergès-Frisbey come Ginevra, ma nel film non
viene mai chiamata con questo nome né con alcun altro nome proprio.
Se alla fine la Maga si rivelasse essere Ginevra, questa versione
andrebbe contro la tradizione e la allineerebbe maggiormente alla
regina guerriera dei Pitti dipinta di blu, Ginevra, interpretata da
Keira Knightley nel film King Arthur del 2004 diretto da Antoine Fuqua. Che la
Maga sia o meno Ginevra, in King Arthur – Il potere della
spada non c’è alcuna storia d’amore tra lei e Artù.
Gli uomini che diventeranno i
Cavalieri di Artù alla fine di King Arthur – Il potere
della spada sono tutt’altro che l’ideale tradizionale
della cavalleria medievale. L’unico che assomiglia a un cavaliere
arturiano tradizionale è Sir Bedivere (Djimon
Hounsou), che era un cavaliere alla corte di re Uther
ma fuggì per lavorare al fianco dei maghi quando Vortigern usurpò
il trono. Gli altri sono la variegata banda di furfanti di Artù
provenienti dai bordelli e dai vicoli di Londinum, che include il
criminale tiratore scelto Goosefat Bill (Aidan
Gillen). Combattono al fianco di Artù e scatenano una
rivoluzione contro Vortigern.
Quando Artù finalmente sale al
trono, il nuovo re nomina i suoi compagni cavalieri, che diventano
Sir Percival, Sir William e Sir George. Infine, alla fine del film
viene presentata la Tavola Rotonda (completata solo per due terzi),
accompagnata da battute in cui i nuovi cavalieri si chiedono cosa
sia esattamente. King Arthur – Il potere della
spada doveva essere destinato a essere il primo di una
serie di sei film. I sequel avrebbero dunque dato più ampio spazio
a personaggi classici come Lancillotto, Galahad e Morgana.
Tuttavia, i piani per questa saga sono poi stati abbandonati.
Mentre è in corso la ricerca del
prossimo James
Bond, uno dei nuovi produttori della serie fornisce un
aggiornamento sulla tempistica di uscita del reboot della saga.
All’inizio di quest’anno, i produttori di lunga data
Barbara Broccoli e Michael G. Wilson hanno ceduto
il controllo creativo della serie Bond alla Amazon MGM Studios, un
cambiamento epocale per un’icona della narrativa britannica per
eccellenza.
Una delle poche cose certe sulla
nuova era di Bond è
che il regista di Dune e Blade Runner 2049 Denis
Villeneuve (di origine canadese) dirigerà il primo film in
uscita. Tuttavia, Bond non è completamente fuori dal controllo
britannico. L’acclamato produttore britannico David Heyman ha
collaborato con la produttrice americana Amy Pascal per riportare
Bond sul grande schermo, e il creatore di Peaky Blinders Steven Knight scriverà la
sceneggiatura.
Durante un’intervista con
Screen
Daily, Heyman ha rivelato che al momento non esiste una
tempistica di produzione definita per il primo film di Bond della
nuova era, spiegando che “Denis [Villeneuve] sta ancora girando
Dune
[3]”. Heyman ha anche sottolineato che non esiste una scadenza
precisa per il casting del prossimo James
Bond. Ha poi continuato:
“L’unica cosa su cui
ho un certo controllo è trovare progetti e lavorare con persone
fantastiche e di talento che credo possano avere la possibilità di
realizzare qualcosa di straordinario. Non è sempre stato così.
Quando inizi, non hai questa opportunità, cerchi solo di tirare
avanti e pagare l’affitto. Sono stato così per molto tempo, poi la
mia vita è cambiata e ora mi trovo in una posizione molto
privilegiata”.
Heyman non è nuovo alle grandi
franchise britanniche, dato che lui e la sua società di produzione,
la Heyday Films, sono dietro a diversi mega successi britannici,
tra cui tutti gli otto film di Harry Potter – e il prossimo remake
di Harry Potter della HBO – così come i film live-action
Paddington, acclamati dalla critica e amati dal pubblico.
Dune: Parte
Tre uscirà nelle sale nel dicembre 2026 e il film
richiederà un ampio lavoro di post-produzione. Ci vorrà un po’ di
tempo prima che Villeneuve possa dedicarsi completamente a James
Bond. In precedenza si vociferava che la produzione sarebbe
iniziata nel 2027, ma le dichiarazioni di Heyman lasciano intendere
che anche questa tempistica è flessibile.
Per quanto riguarda il casting di
James Bond, Villeneuve ha dichiarato a
Deadline a settembre che avrebbe iniziato la ricerca di un
nuovo James Bond il prossimo anno, dopo aver completato la
produzione di Dune: Parte Terza. Deadline ha anche riferito che
Amazon, Heyman, Pascal e Villeneuve vogliono che il prossimo Bond
sia un uomo britannico “dal volto nuovo”, “un sconosciuto tra i 20
e i 30 anni”, presumibilmente in modo che l’attore possa crescere
con il franchise per una nuova generazione.
Questa descrizione non corrisponde
alla lista dei candidati Bond pubblicata quest’estate, che
includeva Tom
Holland, Harris Dickinson e Jacob Elordi. Sebbene tutti e tre gli
attori abbiano attualmente circa 30 anni, nessuno di loro può
essere definito “sconosciuto”. Elordi è anche australiano, anche se
va notato che George Lazenby, che ha interpretato Bond subito dopo
(e prima) Sean Connery in Al servizio segreto di Sua Maestà, era
anch’egli australiano.
Dopo l’addio emozionante e audace
di Daniel Craig in No Time to
Die nel 2021, c’è molta pressione per trovare un James
Bond in grado di portare il franchise in un’era completamente
nuova. Chiaramente, Amazon e il team creativo di Bond non sono
disposti ad affrettare il processo, creando ancora più hype intorno
al ritorno di questo personaggio amato in tutto il mondo.
La mattina del 2 luglio 1881,
Charles Guiteau si assicurò un posto infame nella storia
politica americana quando sparò due colpi a James
Garfield. Il ventesimo presidente degli Stati Uniti sarebbe
morto quasi tre mesi dopo. La vita di Guiteau terminò l’anno
successivo, all’estremità di una corda.
L’assassinio fu l’ultima risposta
violenta di Guiteau a una vita in cui non aveva ricevuto ciò che
riteneva di meritare dal mondo. Quasi certamente affetto da una
malattia mentale non diagnosticata, Guiteau fallì come avvocato,
giornalista, autore e predicatore; fallì come marito e come membro
di una comunità religiosa; e fallì, in modo ridicolo, nella sua
incursione nella politica.
Si potrebbe dire che l’unica cosa
in cui ebbe successo fu uccidere il presidente. E anche in questo
fallì quasi.
Death
by Lightning, una serie drammatica in quattro episodi
di Netflix del 2025 con
Matthew Macfadyen nel ruolo di Guiteau e Michael Shannon in quello di Garfield,
racconta la storia di Guiteau riconoscendo che, tra gli assassini
di presidenti, il suo nome non è certo famoso come quello di John
Wilkes Booth o Lee Harvey Oswald, rispettivamente assassini di
Abraham Lincoln e John F. Kennedy. La frase di apertura della
serie, pronunciata mentre il cervello conservato di Guiteau rotola
sul pavimento in un barattolo, riassume il tutto: “Chi c***o è
Charles Guiteau?!”
Chi era il vero Charles
Guiteau?
Cortesia di Netflix
Charles Julius Guiteau ebbe
un’infanzia difficile. Nato l’8 settembre 1841 a Freeport,
nell’Illinois, era il quarto di sei figli di una madre affetta da
episodi psicotici. Lei morì quando Charles aveva sette anni e suo
padre era un uomo severo e spesso violento.
Come l’uomo che avrebbe poi ucciso,
il giovane Guiteau cercò di migliorare la sua situazione attraverso
l’istruzione, ma fallì nel tentativo di entrare all’Università del
Michigan, inciampando nell’esame di ammissione. Abbandonando gli
studi, nel 1860 entrò a far parte di una setta religiosa, la Oneida
Community, nello Stato di New York.
Charles Guiteau, l’assassino del
presidente James A Garfield, sparò al presidente nel luglio 1881 e
fu giustiziato per impiccagione l’anno successivo. Il suo atto di
violenza sconvolse la nazione e portò a nuove richieste di riforma
della pubblica amministrazione negli Stati Uniti. (Foto di Getty
Images)
Charles Giteau entrò a far parte
di una comunità di “amore libero”?
Sì, lo fece. La Oneida Community
credeva nella possibilità del perfezionismo, nell’essere totalmente
liberi dal peccato sulla Terra. A tal fine, praticavano la
critica reciproca (riunendosi in gruppi per rimproverarsi a vicenda
i peccati), una forma di proto-eugenetica per garantire che
nascessero solo bambini perfetti, e il “matrimonio complesso”, in
cui chiunque poteva andare a letto con chiunque altro.
Sebbene Guiteau idolatrasse il suo
fondatore, John Humphrey Noyes, non riuscì mai ad integrarsi nella
Oneida. Detestava i lavori umili e non riusciva a trovare piacere
nella dottrina dell’amore libero, poiché nessuno voleva essere suo
partner. Trovandolo egocentrico, i membri della comunità lo
chiamavano “Charles Gitout”.
Lui acconsentì, andandosene per
fondare un giornale basato sugli insegnamenti della Oneida, The
Daily Theocrat. Il giornale fallì, così come il suo ritorno
nella comunità e le conseguenti cause legali contro Noyes. A questo
punto, diverse persone lo descrivevano come “pazzo”, compresa sua
sorella Frances, che ricordava come una volta lui avesse brandito
un’ascia sopra la sua testa come per ucciderla.
Trasferitosi a Chicago, Guiteau
riuscì a superare un esame molto facile per essere ammesso
all’ordine degli avvocati e sposò una bibliotecaria di nome Annie
Bunn. Ciò non migliorò però la sua situazione: invece di diventare
avvocato, lavorò come esattore (e rubò denaro ai clienti, per cui
fu condannato a un periodo di carcere) e maltrattò Annie fino a
quando lei chiese il divorzio.
Nel 1872, mentre si trovava a New
York, Guiteau mostrò il suo primo interesse per la politica
scrivendo un discorso a sostegno di un candidato alla presidenza,
Horace Greeley. Solo per questo, credeva di meritare una ricompensa
sotto forma di un incarico di ambasciatore in Cile.
Quando ciò non funzionò, Guiteau
tornò brevemente alla religione, scrivendo un libro intitolato
The Truth, che essenzialmente copiò dalla letteratura di
Oneida, e divenne un predicatore itinerante. Nessuno sembrava
rispondere ai suoi sermoni sconclusionati, ma lui era sempre più
convinto non solo di stare compiendo l’opera di Dio, ma anche, dopo
essere sopravvissuto al naufragio di un battello a vapore, di
godere della protezione divina.
Con questo incrollabile senso di
determinazione, che a quel punto era chiaramente visto dagli altri
come fantasia, Guiteau tornò alla politica.
Charles Guiteau incontrò James
Garfield?
Cortesia di Netflix
Non è noto se i due
uomini si incontrarono durante le elezioni presidenziali del 1880,
in cui Garfield aveva vinto la candidatura repubblicana, anche se
non c’era alcun motivo concreto per cui dovessero farlo, dato che
Guiteau non aveva un ruolo attivo nella campagna elettorale. Non fu
per mancanza di tentativi: egli offrì costantemente e
disperatamente la sua assistenza.
Questo iniziò prima che Garfield
fosse candidato. Alla Convention Nazionale Repubblicana del 1880,
molti si aspettavano che Ulysses S Grant ottenesse la nomina, dato
che aveva già ricoperto la carica due volte ed era il capo della
fazione dominante del partito, gli Stalwarts.
Questo gruppo sosteneva il
mantenimento del “spoils system”, un sistema di clientelismo di
lunga data in base al quale le cariche governative venivano
assegnate a sostenitori e amici piuttosto che in base al merito.
Guiteau, ripensando alla carica di ambasciatore che riteneva di
meritare in cambio del suo sostegno a Greeley, credeva che avrebbe
tratto vantaggio dal sistema delle nomine, quindi appoggiò
Grant.
Scrisse un discorso intitolato
“Grant contro Hancock” (il candidato democratico, Winfield Scott
Hancock). Tuttavia, Guiteau aveva puntato sul cavallo sbagliato:
alla convention, Grant non riuscì a ottenere abbastanza voti per la
nomina e Garfield divenne inaspettatamente il candidato di
compromesso.
Questo non fu un problema per
Guiteau: semplicemente modificò il suo discorso sostituendo tutti i
riferimenti a “Grant” con “Garfield” e lasciando tutto il resto
invariato. Sebbene possa averlo pronunciato davanti a un piccolo
gruppo di persone e averne stampato alcune copie da distribuire,
questo fu tutto il suo contributo alle elezioni del 1880.
Questo ritratto raffigura James
Abram Garfield, il ventesimo presidente degli Stati Uniti. Ex
generale dell’Unione e membro del Congresso, la presidenza di
Garfield nel 1881 fu interrotta da un assassinio. (Foto di Getty
Images)
Perché Charles Guiteau assassinò
James Garfield?
Cortesia di Netflix
Quando Garfield vinse le elezioni
presidenziali, Guiteau si convinse che fosse stato solo grazie al
suo discorso. In cambio, si aspettava di ottenere un incarico
prestigioso nella sua amministrazione e iniziò a chiedere il
consolato a Vienna, in Austria, che in seguito cambiò con quello di
Parigi, in Francia.
Unendosi alla folla di aspiranti
funzionari a Washington DC, Guiteau, ormai indigente, passava il
tempo a interrogare chiunque per avere notizie su ciò che gli era
dovuto. Il resto del tempo lo trascorreva nascondendosi tra le
pensioni senza pagare. Concentrò gran parte dei suoi sforzi su
James Blaine, allora Segretario di Stato, disturbandolo
regolarmente. Un giorno, nel maggio 1881, secondo quanto riferito,
Blaine, esasperato, sbottò: “Non parlarmi mai più del consolato a
Parigi finché vivrai!”.
Devastato, Guiteau giunse a una
conclusione: Garfield voleva distruggere il sistema delle nomine
politiche e l’unico modo per salvarlo – e ottenere il posto a
Parigi – era ucciderlo. Il vicepresidente di Garfield, Chester Arthur, figura di spicco della fazione
degli Stalwarts, avrebbe preso il suo posto. Inoltre, Guiteau
concluse che Dio gli aveva detto che la “rimozione” di Garfield era
per il bene del Partito Repubblicano e del Paese.
Quando e come Charles Guiteau
assassinò James Garfield?
Dopo aver preso in prestito del
denaro da un parente, Guiteau acquistò una pistola British Bulldog
a canna corta, scegliendo il modello con impugnatura in avorio
anziché in legno perché pensava che sarebbe stato più attraente
quando l’arma sarebbe inevitabilmente diventata parte di una mostra
museale sull’assassinio.
Provò la sua mira sparando contro
gli alberi nei parchi di Washington e poi iniziò a seguire
Garfield. Durante il processo, è emerso chiaramente che in alcune
occasioni aveva rinunciato a sparare, una volta in una chiesa e
un’altra volta per non uccidere Garfield davanti a sua moglie. Alla
fine, Guiteau vide la sua occasione sul giornale: il presidente
avrebbe preso un treno il 2 luglio 1881.
Quella mattina, Guiteau attese
Garfield e il suo piccolo entourage alla stazione ferroviaria di
Baltimora e Potomac. Anche dopo l’assassinio di Abraham Lincoln 16
anni prima, i presidenti non avevano una scorta di sicurezza,
quindi nessuno fermò Guiteau mentre si avvicinava e sparava. Un
colpo sfiorò il braccio di Garfield, mentre l’altro lo colpì alla
schiena.
Guiteau cercò di fuggire, ma si
imbatté in un poliziotto. Accettando il suo arresto, dichiarò:
“Sono uno Stalwart. Arthur è ora il presidente degli Stati
Uniti”.
Questa illustrazione raffigura
l’assassinio del presidente James A Garfield da parte di Charles
Guiteau nel 1881. (Foto di Getty Images)
Garfield sopravvisse all’attacco e
avrebbe potuto guarire completamente se non fosse stato per le cure
mediche scadenti che ricevette, tipiche dei medici che curavano la
sua ferita con strumenti e mani non sterilizzati. Le sue condizioni
peggiorarono gradualmente e morì 11 settimane dopo l’assassinio, il
19 settembre 1880. Era stato presidente per poco più di otto mesi.
Per tutto quel tempo, Guiteau attese in prigione.
Cosa accadde al processo di
Charles Guiteau?
Cortesia di Netflix
Una volta morto
Garfield, Guiteau poté essere accusato di omicidio e il suo
processo iniziò a novembre. Suo cognato George Scoville agì come
suo avvocato difensore e presentò una richiesta di infermità
mentale.
Guiteau diede certamente credito a
quella difesa con il suo comportamento irregolare in tribunale.
Interrompeva e insultava tutti, compreso Scoville; pronunciava la
sua testimonianza come se fosse un poema epico; e passava biglietti
agli spettatori chiedendo consigli.
Tuttavia, pur affermando di essere
stato pazzo al momento dello sparo – poiché Dio gli aveva tolto il
libero arbitrio – insisteva nel dire che non era pazzo dal punto di
vista medico, con grande disappunto della sua difesa. Finì per
concordare con l’accusa sul fatto che sapeva che le sue azioni
erano illegali.
Inoltre, sosteneva che la
responsabilità della morte di Garfield ricadeva sui suoi medici,
non su di lui. “Io gli ho solo sparato”, disse.
Quando non era in tribunale, dettò
la sua autobiografia per The New York Herald, che includeva
un annuncio personale in cui cercava “una simpatica signora
cristiana sotto i 30 anni”, e iniziò a pianificare cosa fare dopo
il processo. Guiteau sosteneva di aver fatto la cosa giusta e
credeva che molti americani lo sostenessero. Scrisse persino ad
Arthur dicendogli che avrebbe dovuto essere grato per lo stipendio
più alto ora che era presidente.
Sicuro di essere rilasciato,
Guiteau prevedeva di intraprendere un tour di conferenze in tutto
il paese, seguito dalla sua candidatura alla presidenza nel
1884.
Invece, quando il processo si
concluse alla fine di gennaio del 1882, la giuria impiegò meno di
un’ora per dichiararlo colpevole, al che lui urlò: “Siete tutti dei
miserabili, dei perfetti idioti!”. Guiteau fu condannato a morte
per impiccagione.
Quando fu giustiziato Charles
Guiteau?
L’esecuzione fu eseguita
il 30 giugno 1882, due giorni prima del primo anniversario della
sparatoria.
Sul patibolo, Guiteau recitò una
poesia che aveva scritto quella mattina, un verso sconclusionato
con le frasi “Gloria alleluia” e “Sto andando dal Signore” ripetute
più e più volte.
La sua richiesta di avere
un’orchestra che lo accompagnasse musicalmente fu respinta.
Che fine ha fatto il cervello di
Charles Guiteau?
Death by Lightning ci fa
credere che il cervello di Charles Guiteau sia conservato in un
barattolo da qualche parte, e questo è assolutamente vero.
Alcune parti sono ancora esposte al Mütter Museum di Filadelfia,
un’istituzione specializzata in storia della medicina.
Dopo l’impiccagione, il corpo di
Guiteau fu sottoposto ad autopsia e il suo cervello fu inviato per
essere studiato nella speranza di trovare una spiegazione anatomica
alla sua follia. Il suo stato mentale rimane ancora oggi oggetto di
dibattito, con diagnosi che vanno dalla sifilide alla schizofrenia
e alla psicopatia.
I creatori di Stranger
Things, Matt e Ross Duffer, hanno risposto alle accuse
di molestie mosse da
Millie Bobby Brown e
David Harbour prima della premiere della quinta
stagione. In vista dell’uscita della
quinta stagione di Stranger Things, un articolo del
Daily Mail ha riportato che Brown avrebbe
presentato una denuncia per molestie e bullismo contro Harbour
prima dell’inizio delle riprese degli episodi finali.
Parlando con The Hollywood Reporter durante la premiere della
quinta stagione di Stranger Things, Ross Duffer ha
affrontato le accuse secondo cui Harbour avrebbe bullizzato Brown
sul set della serie Netflix. Il co-creatore della serie ha spiegato di
non poter affrontare “questioni personali sul set”, ma ha
sottolineato la forza dei legami tra i membri principali del cast
dello show:
Ovviamente capite che
non posso entrare nel merito di questioni personali sul set, ma vi
dirò che lavoriamo con questo cast da 10 anni e a questo punto sono
come una famiglia per noi e teniamo molto a loro. Quindi, sapete,
niente è più importante che avere un set dove tutti si sentono al
sicuro e felici.
L’articolo, pubblicato sabato dal
quotidiano britannico, sostiene che la Brown abbia presentato una
denuncia per molestie e bullismo contro Harbour, che ha portato a
un’indagine durata mesi da parte di Netflix. Sebbene la natura
esatta della presunta denuncia non sia stata specificata
nell’articolo, la fonte anonima citata dal Daily Mail ha affermato
che “non includeva accuse di scorrettezza sessuale”.
Il rapporto sostiene che Brown
avesse un rappresentante sul set con lei durante le riprese
Stranger Things – stagione 5, che sono durate per
la maggior parte del 2024. Anche se Netflix non ha risposto al
rapporto, Brown e Harbour sono stati visti abbracciarsi al red
carpet della premiere dell’ultima stagione. Anche il regista e
produttore esecutivo Shawn Levy ha definito il rapporto
“estremamente impreciso.”
Sullo schermo, Eleven di Brown e
Jim Hopper di Harbour sono una coppia padre-figlia surrogata, con
un arco narrativo lungo diverse stagioni che li lega come una
famiglia. La loro dinamica è un aspetto centrale tra i personaggi
di Stranger Things, ben lontano dalle accuse di molestie riportate
nell’articolo. Sebbene la loro validità rimanga poco chiara, la
dichiarazione di Duffer segnala che c’è stata una risoluzione
amichevole.
Stranger Things stagione 5 debutta
su Netflix con i primi quattro episodi il 26 novembre alle 20:00
ET, seguiti dai prossimi tre episodi il 25 dicembre e dal finale di
serie il 31 dicembre. Nel finale tutti i personaggi principali
della serie si uniranno per sconfiggere Vecna
e impedire all’Upside Down di distruggere il mondo.
Ora che i Duffer hanno affrontato
la questione, resta da vedere se Netflix o i rappresentanti di
Brown e Harbour risponderanno. Anche se non è chiaro se la notizia
virale avrà un impatto sul successo della quinta stagione di
Stranger Things, le parole del co-creatore sembrano
rassicurare sul fatto che qualsiasi cosa sia successa internamente
è stata risolta in modo adeguato.
Alan Ritchson è
stato preso in considerazione per un ruolo nel DC
Universe di James
Gunn.
In un’intervista con
ScreenRant per il suo prossimo film Playdate, a
Ritchson è stato chiesto se ci fosse la possibilità che entrasse a
far parte del franchise DCU. La star di Reacher ha
confermato che è effettivamente in trattativa per un ruolo
“caotico” nel franchise di Gunn, come ha
rivelato:
Alan Ritchson: Sì. Sì. La
conversazione che ho avuto con loro è stata più o meno questa:
“Voglio interpretare un personaggio un po’ più caotico”. E ho detto
loro che, se avessi accettato, avrei interpretato il tipo di
personaggio che volevo e spiegato cosa avrebbe significato per il
loro mondo, e penso che sia qualcosa che tutti vorrebbero vedere in
questo momento. Quindi sì, voglio interpretare un personaggio un
po’ più sporco rispetto al tipico protagonista pulito e
ordinato.
FOTO IN COPERTINA: Alan Ritchson
arriva al Charlize Theron Africa Outreach Project
(CTAOP) 2023 Block Party. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com
Ecco il trailer di Tua
madre, il docufilm di Leonardo
Malaguti, prodotto da Umberto Maria
Angrisani con Dania
Rendano, scritto da Margherita
Arioli e Leonardo Malaguti, prossimamente
al cinema.
Che cos’è una mamma?
Per molti, la parola evoca amore,
calore e protezione. Ma dietro questa immagine si nasconde una
realtà più complessa, fatta di ruoli, aspettative e identità in
continuo cambiamento.
Tua Madre esplora come la società
percepisce e definisce una donna quando diventa madre, chiedendosi
se quel modello sia davvero naturale o una costruzione culturale
che può evolversi. Attraverso le voci di donne (e non solo)
provenienti da contesti diversi — tra cui esperte di sociologia,
psicologia, politica e letteratura — il film offre un ritratto
corale dell’esperienza materna contemporanea. A guidare questa
ricerca è Dania (25), una studentessa di cinema che scopre di
essere incinta e decide di trasformare il proprio dubbio in un
documentario.
Il suo viaggio personale si
intreccia con una riflessione collettiva, mostrando che essere
madre dovrebbe essere, prima di tutto, una scelta individuale,
influenzata ma non imposta dalla società.
C’è un genere che si è ormai
affermato su Netflix: la docuserie. Nel corso degli anni, la
piattaforma lo ha sempre più raffinato. Si sceglie un argomento, si
realizzano interviste, si aggiungono ricostruzioni in modo che il
parlato abbia una controparte visiva, e tutto ciò che viene
mostrato sullo schermo viene persino estetizzato per ottenere un
pacchetto pulito, impeccabile, quasi anestetizzato. La prima
docuserie a stabilire un punto di riferimento è stata SanPa
– Luci e tenebre di San Patrignano, che, a differenza di
tutte le altre produzioni che ne hanno seguito le orme, aveva
qualcosa che non si è mai ripetuto: la spontaneità.
Non quella degli intervistati o nel
modo in cui i fatti sono stati presentati, ma nel genuino desiderio
di raccontare una storia, di farlo con una certa struttura e scelte
specifiche che, di fatto, si adattassero all’argomento. Eppure, da
allora ce ne sono stati altri, ognuno dei quali ha perso sempre più
quella cruda onestà che ha decretato il successo dell’originale. È
su questa linea che arriva Terrazza Sentimento.
Chi è Alberto Genovese?
La docuserie in tre parti
ricostruisce il caso dell’imprenditore Alberto
Genovese e le violenze inflitte a diverse giovani donne
che frequentavano la sua casa. Lo scandalo è scoppiato nell’ottobre
2020, gettando nuova luce sul cosiddetto stile di vita milanese da
bere, sulla cocaina e i suoi effetti, e sulla scena mondana che
prosperava nel periodo immediatamente successivo alla pandemia (e,
a quanto pare, anche durante).
A differenza della docuserie in sé
– il cui obiettivo sembra essere quello di produrre nuovi contenuti
senza trovare un modo originale o incisivo per farlo, finendo per
essere un mero contenitore di fatti – il risultato sembra più
un’aggiunta alla libreria Netflix che una vera e propria indagine
su uno dei più recenti scandali pubblici italiani. Questa
impressione è rafforzata dal breve intervallo di tempo tra i fatti
realmente accaduti e il loro adattamento in streaming.
Cortesia di Netflix
Terrazza
Sentimento
Terrazza
Sentimento avrebbe potuto essere l’occasione per far luce
su come il privilegio diventi una scusa per giustificare gli atti
più riprovevoli, sulla facilità con cui le donne rimangono
costantemente esposte al pericolo e, soprattutto, sulla rapidità
con cui vengono accusate di “cercarselo” anziché essere sostenute.
La docuserie non è male, sebbene alcune scelte siano discutibili,
come la necessità di tornare all’infanzia di Genovese per mostrare
che era vittima di bullismo ed escluso dalle feste, una spiegazione
che stride con la narrazione sulle feste edonistiche che
organizzava da adulto e sugli abusi inflitti a donne drogate,
sedate e violentate.
Un’altra scelta discutibile è l’uso
di ricostruzioni digitali in assenza di materiali originali,
complete di conversazioni simulate. Che Terrazza
Sentimento abbia rapidamente raggiunto la vetta delle
classifiche Netflix era prevedibile. Ma ciò che merita maggiore
riflessione è la nostra continua fascinazione per l’approfondimento
superficiale di storie inquietanti e la nostra ricerca della
spettacolarizzazione del male, un fenomeno che ha poco a che fare
con la qualità produttiva di queste docuserie.
La serie
Death by Lightning, acclamata dalla critica e
disponibile su Netflix, racconta il drammatico assassinio del
presidente americano James A. Garfield,
interpretato da Matthew Macfadyen, e del suo assassino
Charles Guiteau, a cui dà volto Michael
Shannon.
Pur essendo una produzione di altissimo livello, la miniserie
omette un elemento importante della storia reale: il
processo e la condanna di Guiteau.
A oltre 140 anni dai fatti, il caso
è però ben documentato grazie a giornali dell’epoca e al libro del
1882 The Life of Guiteau and the Official History of the Most
Exciting Case on Record di H.H. Alexander. È quindi possibile
ricostruire nel dettaglio ciò che accadde dopo l’attentato, nella
parte che la serie non mostra.
Il processo di Charles
Guiteau
Il 2 luglio 1881, come mostrato
nella serie, Charles Guiteau sparò due colpi di pistola al
presidente Garfield nella stazione ferroviaria di
Baltimore e Potomac. Fu immediatamente arrestato e rimase in
prigione per oltre dieci settimane, mentre il presidente lottava
tra la vita e la morte.
Quando Garfield morì, il suo vice
Chester Arthur divenne presidente, e quello stesso
giorno Guiteau fu incriminato per omicidio.
Durante l’udienza preliminare del 14 ottobre 1881, si dichiarò non
colpevole, sostenendo di essere stato temporaneamente folle e
accusando i medici di Garfield di aver causato la morte con cure
sbagliate.
Il suo avvocato e cognato,
George Scoville, fece cadere le accuse di
negligenza medica, e dopo un mese di rinvii, il processo iniziò il
14 novembre 1881. A rappresentare l’accusa c’erano
il procuratore di Washington D.C., George
Corkhill, e due rinomati legali, John
Porter e Walter Davidge.
Guiteau tenta di difendersi
da solo
Sin dal primo giorno del processo,
Guiteau cercò di licenziare i suoi avvocati per
assumere la propria difesa, sostenendo di conoscere il caso meglio
di chiunque altro.
In aula, definì i suoi legali “incapaci e ottusi”, accusandoli di
non sapere come condurre la difesa. Il giudice Walter
Cox decise comunque di mantenerli, ma fu costretto a
tollerare le frequenti interruzioni e gli sfoghi del detenuto per
evitare un annullamento del processo. Guiteau arrivò persino ad
accusare il giudice di volerlo “mettere a tacere”.
Un processo-spettacolo
Il processo di Charles
Guiteau divenne presto un vero e proprio spettacolo
pubblico.
L’imputato, convinto di essere popolare, trasformò l’aula
in un palcoscenico, tra insulti, dichiarazioni assurde e
continui interventi fuori luogo. Contestava le domande dei suoi
stessi avvocati, derideva i testimoni della difesa e insultava
Scoville definendolo “un asino nelle controinterrogazioni”. Come se
non bastasse, decise di testimoniare in propria
difesa, cosa che si rivelò disastrosa. Raccontò nei
dettagli come aveva pianificato l’omicidio, descrivendo persino la
scelta della pistola — con manici d’avorio — perché “sarebbe stata
più bella da esporre in un museo”.
Con queste dichiarazioni,
vanificò completamente la strategia della follia
momentanea, sostenendo di essere stato “pazzo solo nel
momento dello sparo”, ma perfettamente lucido durante il processo.
Arrivò persino a dire che l’assassinio avrebbe reso famoso il suo
libro autobiografico. Alla fine del processo, Guiteau cantò
John Brown’s Body e si paragonò a George
Washington, un gesto che confermò, secondo molti esperti,
che il suo comportamento fosse in gran parte una recita per
simulare la pazzia.
Gli esperti divisi sulla sua
sanità mentale
Il caso Guiteau fu il primo
grande processo americano a invocare la difesa per infermità
mentale. Si basava sulla regola di
M’Naghten, secondo cui un imputato è considerato folle
solo se, al momento del crimine, non comprendeva ciò che stava
facendo o non sapeva che fosse sbagliato.
Furono chiamati 36
medici, 23 per l’accusa e 13 per la difesa, ma le loro
testimonianze risultarono contraddittorie. Alcuni sostenevano che
Guiteau fosse nato folle, altri che avesse sviluppato disturbi
mentali in seguito; qualcuno attribuiva la follia alla forma del
cranio o a difetti di linguaggio, mentre altri dicevano che le
lesioni cerebrali ne fossero la causa — anche se Guiteau non ne
mostrava alcuna traccia.
La condanna a morte
Il 25 gennaio
1882, dopo due mesi di processo, la giuria impiegò appena
65 minuti per dichiararlo colpevole. Il 4
febbraio venne condannato alla pena di morte per
impiccagione. Nonostante il ricorso alla Corte Suprema, la
sua richiesta fu respinta. Disperata, la sorella di Guiteau cercò
aiuto dalla vedova del presidente, Lucretia
Garfield, ma fu respinta freddamente. Anche la figlia
della coppia, Mollie Garfield, si indignò per
l’audacia della donna.
L’esecuzione e la fine di
Guiteau
Convinto fino all’ultimo di
ricevere la grazia, Guiteau scrisse al nuovo presidente
Chester Arthur, sostenendo che il suo gesto lo
aveva favorito e meritava riconoscenza. Arthur, però,
rifiutò ogni intervento. L’esecuzione fu fissata
per il 30 giugno 1882 (la serie riporta per errore
l’anno 1992).
Oltre 20.000 persone
parteciparono a una lotteria per assistere
all’impiccagione, ma solo 250 ottennero i biglietti per vedere la
scena dal vivo. Proprio come mostrato in Death by
Lightning, Guiteau salì sul patibolo, recitò la poesia
“I Am Going to the Lordy” e fu infine impiccato.
Nel finale di
Death by Lightning, la serie mantiene la promessa
del suo inizio, ma lascia ancora molte domande su cosa accadrà dopo
e sul significato complessivo della storia. La miniserie drammatica
esplora la vita e la presidenza di James Garfield,
il 20º presidente degli Stati Uniti, e la sua morte
prematura, che pose fine al suo mandato dopo meno di un
anno.
A causa del suo breve periodo alla
Casa Bianca, l’eredità di Garfield è stata col tempo
diluita e dimenticata, oscurata dalla tragedia
della sua morte. Tuttavia, Death by Lightning riesce a
ridare vita alla sua storia, approfondendo anche
la mente dell’uomo che lo assassinò: Charles
Guiteau.
Cosa succede alla fine di
Death bey Lightning?
Il primo episodio chiarisce subito
che la serie ruota attorno a James Garfield e al
suo assassino, Charles Guiteau. Nel penultimo
episodio, Guiteau spara due colpi contro il presidente Garfield, e
il finale esplora le conseguenze di questo tragico evento.
Inizialmente, le condizioni del presidente sembrano stabili:
Garfield sopravvive per diverse settimane, ricevendo cure e potendo
salutare la sua famiglia. Tuttavia, a causa della
negligenza di un medico che rifiuta le teorie sui
germi e la contaminazione, la ferita si infetta e Garfield
muore.
Dopo la sua morte, Guiteau
viene impiccato per l’attentato, ma il suo comportamento
in prigione è bizzarro: concede interviste alla stampa e parla di
un libro che vorrebbe pubblicare dopo la sua esecuzione. Quando la
vedova di Garfield lo visita in carcere, gli dice
chiaramente che il suo nome sarà dimenticato e che
il suo libro non verrà mai pubblicato.
Nel frattempo, il vicepresidente
Chester Arthur, inizialmente rivale politico di
Garfield, ne diventa il successore. Dopo aver assistito alla bontà
e all’integrità di Garfield, mostra un sincero cambiamento
di cuore.
Il finale di Death by
Lightning è storicamente accurato?
Come molte serie storiche, anche
Death by Lightning si prende alcune libertà narrative, ma
la maggior parte degli eventi è rappresentata
fedelmente. Garfield fu realmente colpito da Guiteau due
volte in una stazione ferroviaria e morì per un’infezione causata
da cure mediche inadeguate. Chester Arthur divenne presidente dopo
di lui e portò avanti parte del suo programma politico. Alcune
scene, come quella dell’incontro in prigione tra la signora
Garfield e Guiteau, sono invenzioni drammatiche,
create per rendere la storia più emotiva e cinematografica.
Dopo la morte di Garfield,
Chester Arthur divenne presidente in virtù del suo
ruolo di vicepresidente. Era uno dei primi casi di questo tipo, e
non esisteva ancora una procedura chiara per la transizione del
potere o per nominare un nuovo vicepresidente.
Arthur governò quindi senza
un vicepresidente per l’intero mandato. Il suo operato ha
ricevuto giudizi contrastanti: alcuni lo lodano
per le riforme introdotte, altri lo criticano per mancanza di
carisma e direzione. Alla fine del suo mandato, i
Democratici vinsero per la prima volta dalla
Guerra Civile, segno forse che il Paese desiderava un cambiamento
dopo la sua presidenza.
Cortesia di Netflix
Charles Guiteau scrisse davvero un
libro sulla sua vita?
Nella serie si fa riferimento a un
libro intitolato Truth, che in realtà
esiste: si trattava di un articolo scritto da
Guiteau per raccontare la sua versione dei fatti sull’assassinio.
Fu pubblicato, ma non ebbe alcun impatto.
La scena del confronto tra Guiteau
e la vedova Garfield è quindi puramente fiction,
pensata per enfatizzare il tema della futilità del gesto di
Guiteau e del fatto che la sua memoria sarebbe svanita nel
tempo. È una scena emotiva ed efficace, ma non basata su
eventi reali.
Cortesia di Netflix
Il vero significato del finale di
Death by Lightning
La serie mette in evidenza i
parallelismi tra la corruzione politica dell’epoca di
Garfield e quella moderna, ma soprattutto riflette su
eredità e moralità. Entrambi i protagonisti —
Garfield e Guiteau — muoiono, ma i loro destini restano
intrecciati. All’inizio, Guiteau ammira Garfield, ma dopo
essere stato respinto, intraprende un percorso folle nel tentativo
di lasciare un segno nella storia. Garfield, invece, è descritto
come un uomo umile, interessato non alla gloria
personale ma al bene del Paese, desideroso di mostrare
un’alternativa alla politica corrotta.
Il messaggio della serie è chiaro:
un solo uomo può cambiare una nazione, ma allo
stesso tempo un solo uomo può distruggerne
l’eredità. Il finale di Death by Lightning è
dunque riflessivo e provocatorio, invitando gli
spettatori a meditare su quanto il potere, la moralità e la memoria
storica possano essere fragili.
Con i Giovani favolosi sabato 8
novembre prende ufficialmente il via la 30esima edizione di
Linea d’Ombra Festival. Si parte dal futuro,
con lo sguardo rivolto alla nuova generazione del cinema italiano:
un passaggio di testimone ideale che dialoga con la storia e la
memoria di trent’anni di ricerca sull’audiovisivo.
Un’edizione sold out per le giurie,
con oltre 500 iscritti nelle due sezioni in concorso, che segna un
successo già prima di cominciare e che promette di essere, più che
una celebrazione, un nuovo inizio. Per festeggiare questo simbolico
anniversario, Linea d’Ombra Festival, ideato e diretto da Peppe
D’Antonio e Boris Sollazzo, proporrà fino al 15 novembre una densa
otto giorni con oltre settanta eventi tra cinema, musica, libri,
arti visive e formazione.
Ogni appuntamento sarà l’occasione
per interrogarsi sul senso profondo dei Diritti/Rights, in
particolare sul “diritto al sapere”, tema di questo trentennale. Un
diritto che si fa racconto, ma anche visione e indagine. Un filo
rosso che unisce la memoria dei trent’anni trascorsi al desiderio
di conoscenza che anima il presente. Perché sapere è comprensione,
scelta, partecipazione.
I luoghi di questo percorso
simbolico sono proprio i tre concorsi: Passaggi d’Europa_30, con
sei lungometraggi europei di finzione; CortoEuropa_30, con ventuno
cortometraggi europei di finzione, animazione e documentario; e
UniFest, con dieci opere audiovisive prodotte dagli studenti
universitari di tutto il mondo.
IL PROGRAMMA DELLA
GIORNATA. La trentesima edizione si apre con la meglio
gioventù del cinema italiano. L’atteso Ring serale, alle 21.30 e
moderato da Boris Sollazzo, vedrà protagonisti i Giovani favolosi,
la nuova generazione del cinema italiano. L’incontro sarà con
Samuele Carrino, che ha commosso l’Italia con Il ragazzo dai
pantaloni rosa, Carlotta Gamba, titanica e lacerante in Dostoevskij
dei fratelli D’Innocenzo, Aurora Giovinazzo che ha elettrizzato in
Freaks Out e Ludovica Nasti, l’esplosiva Lila nella prima stagione
de L’amica geniale. I 4 giovani favolosi dialogheranno con il
pubblico in un evento simbolico che sarà possibile anche in diretta
streaming sui canali di Linea d’Ombra Festival.
La sezione competitiva del festival, preceduta dall’apertura
istituzionale di Linea d’Ombra Festival, prende il via alle 16.30
in Sala Pasolini con CortoEuropa_30, presentata da Carla Paglioli e
Aldo Galelli. I titoli che verranno proiettati sono: Domenica sera
di Matteo Tortone (Italia, 2024), Your Favourite Film di Claire
Bonnefoy (Francia, 2025), Retirement Plan di John Kelly (Regno
Unito, 2025), I’m glad you’re dead now (Tawfeek Barhom, 2025). Al
termine dell’incontro è previsto un Q&A con gli autori. A
seguire, La parola ai giurati, lo spazio di dibattito dedicato alla
giuria popolare.
Alle 18.30 si prosegue con la
sezione competitiva del festival. In Sala Pasolini, presentato da
Peppe D’Antonio, sarà On the edge di Guérin van de Vorst, Sophie
Muselle (Belgio, 2024), ad aprire il concorso Passaggi d’Europa_30,
racconto con protagonista una giovane tirocinante in un ospedale
psichiatrico che stringerà un forte legame con una giovane paziente
di origine ceca, convinta di essere trattenuta nell’ospedale senza
ragione. Al termine dell’incontro è previsto un Q&A con gli
autori.
GLI OSPITI.
Numerosi, quest’anno, gli ospiti che saranno presenti durante le
otto giornate di Linea d’Ombra Festival. Dopo i Giovani
favolosi, che apriranno la prima giornata di programmazione, il
festival ospiterà, domenica 9 novembre alle ore 21.30 in Sala
Pasolini un Ring con protagonista lo scrittore Donato Carrisi, che
ripercorrerà la sua carriera di autore e regista. La giornata di
martedì 11 novembre si aprirà con la prima delle tre masterclass,
con protagonista Milena Mancini (ore 9.00, Complesso San Michele –
Sala Formazione), attrice, autrice, danzatrice e performer, in un
incontro dal titolo La costruzione del personaggio attraverso il
movimento – dal testo all’azione. Si prosegue mercoledì 12 novembre alle ore 17.00 al Complesso
San Michele – Sala Affreschi con la masterclass del fumettista
Roberto Recchioni, moderata da Roberto Policastro, un incontro
dedicato ai molteplici volti della narrazione. Sempre mercoledì 12
sarà ospite il regista Vincenzo Marra, che presenterà, Fuori
Concorso, il documentario 58%, girato a Gaza nel 2004, e
protagonista del Ring serale al Piccolo Teatro di Porta Catena dal
titolo Marra(dona) è meglio ‘e Pelè, in un dialogo dedicato alla
sua carriera. L’ultima masterclass dell’edizione, venerdì 14 al
Piccolo Teatro di Porta Catena, sarà con il regista Edoardo De
Angelis, produttore, scrittore e sceneggiatore. Una riflessione sul
mestiere del regista oggi, tra creatività, consapevolezza e
adattamento alle nuove pratiche produttive e distributive. Grande
l’attesa per l’ospite internazionale dell’edizione, il regista Eran
Riklis, in arrivo al festival venerdì 14 novembre. Alle 20.30 in
Sala Pasolini Riklis sarà protagonista di un Ring dedicato alla sua
lunga e proficua carriera e riceverà il Premio speciale Linea
d’Ombra Maestri del Cinema. A Riklis, dalle 23.00 in Sala Pasolini,
sarà dedicata l’attesa Maratona Notturna, durante la quale saranno
proiettati cinque titoli cardine della sua filmografia. Uno
speciale fuori programma sarà la presentazione, Sabato 15 alle ore
19:00 al Cinema Fatima, del film 40 secondi in presenza del
regista, Vincenzo Alfieri, e due dei protagonisti, l’attrice
Beatrice Puccilli e l’attore Justin De Vivo.
Saranno inoltre presenti al
festival: lo scrittore e regista Manlio Castagna, per presentare il
documentario I love Lucca Comics & Games, dedicato alla
celebre manifestazione; il regista salernitano Loris G. Nese, per
presentare al pubblico una proiezione speciale del lungometraggio
Una cosa vicina, presentato alle Giornate degli Autori della 82a
Mostra del Cinema di Venezia nel 2025; il regista Loris Lai, per la
proiezione del film da lui realizzato, I bambini di Gaza. Sulle ali
della libertà; Adriana Savarese, nota al grande pubblico come
coprotagonista della fiction Belcanto e qui attrice protagonista
del corto Trotula e il sentiero nel vento di Federica Avagliano. E
ancora, numerosi i registi dei tre concorsi che saranno presenti
durante le giornate di festival, protagonisti di incontri e Q&A
con il pubblico.
Richard Linklater ha attualmente due nuovi film in
procinto di arrivare al cinema, Nouvelle Vague (qui
la recensione) e
Blue Moon, ma resta da definire quale sarà il suo
prossimo progetto. Negli ultimi anni il regista ha mantenuto un
ritmo produttivo costante, rilasciando quattro film in quattro
anni. Da tempo Linklater sta però anche sviluppando un’opera
dedicata al trascendentalismo, movimento letterario che coinvolse
figure come Margaret
Fuller, Ralph
Waldo Emerson e Henry David Thoreau.
Il
regista ha descritto il progetto come un film ambientato nel XIX
secolo, con un taglio vicino alle sue classiche “hangout movies”, e
legato ai temi delle origini del femminismo, dell’ambientalismo e
dell’abolizionismo. In una nuova intervista concessa a Filmmaker Magazine, Linklater ha dichiarato che il
film è in lavorazione da circa vent’anni e potrebbe essere
finalmente vicino alla produzione. Il regista ha inoltre fornito un
aggiornamento sul possibile cast.
Ethan Hawke
sarebbe coinvolto nel ruolo di Emerson, mentre Natalie
Portman e Oscar Isaac
potrebbero interpretare rispettivamente Margaret Fuller e Henry
David Thoreau. Parallelamente, Linklater è al sesto anno di
lavorazione di Merrily We
Go Along, iniziato nel 2019 e caratterizzato dalla scelta
di far invecchiare gli attori in tempo reale, come già avvenuto in
Boyhood. Il film —
che vede tra i protagonisti Paul Mescal,
Beanie Feldstein
e Ben Platt —
dovrebbe arrivare nelle sale intorno al 2040.
Nel corso della sua
carriera, Linklater ha realizzato una filmografia ampia e
diversificata, che include titoli come La vita è un sogno, Before Sunrise, Before Sunset, Boyhood,
Waking Life,
School of Rock,
Tutti vogliono
qualcosa!!, Bernie
e Apollo 10½, oltre ai
recenti Blue Moon e
Nouvelle
Vague. Questo nuovo progetto, ancora senza titolo
ufficiale, andrebbe dunque ad aggiungersi ad una filmografia
estremamente entusiasmante, di quello che è uno dei più grandi
registi attualmente in attività.
In occasione dell’anniversario
della scomparsa di Will Byers a Hawkins nel 1983, il 6 novembre i
fan in tutto il mondo hanno festeggiato lo “Stranger Things Day”. Per celebrare
questa speciale ricorrenza, ieri si è tenuta a Los Angeles la
première globale della quinta e ultima stagione dell’amatissima
serie, che ha visto la presenza dei protagonisti
Millie Bobby Brown,
Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Noah
Schnapp,
Winona Ryder,
David Harbour,
Sadie Sink, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Joe Keery,
Maya Hawke,
Jamie Campbell Bower, dei creatori Matt & Ross
Duffer e del resto del cast.
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Stranger Things. - Stagione
5 Premiere - Cortesia di Netflix
Stranger Things. - Stagione
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5 Premiere - Cortesia di Netflix
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A seguire sono stati poi rivelati
in anteprima esclusiva i primi 5 minuti dell’attesissima quinta
stagione, disponibili a questo link. Il capitolo
conclusivo della serie debutterà su Netflix in tre volumi: il
Volume 1 il 27 novembre (ep.1-4), il Volume 2 (ep.5-7) il 26
dicembre e il Finale il 1º gennaio 2026, tutti alle 2 del mattino
(ora italiana). Le novità non sono finite: la nuova serie animata
Stranger Things: Storie dal 1985 uscirà nel 2026 e sono da ora
disponibili due immagini inedite e un video dietro le quinte. In
questa avventura d’animazione i personaggi originali dovranno
combattere nuovi mostri e svelare un mistero paranormale che
terrorizza la loro cittadina.
Informazioni su Stranger
Things: Storie dal 1985
Data di uscita: nel 2026
Sinossi: Bentornati a Hawkins
nel rigido inverno del 1985, dove i personaggi originali devono
combattere nuovi mostri e svelare un mistero paranormale che
terrorizza la loro cittadina in Stranger Things: Tales from ’85,
un’epica nuova serie animata.
Showrunner e Produttore Esecutivo:
Eric Robles
Produttori Esecutivi: Matt e Ross
Duffer, insieme a Hilary Leavitt, per Upside Down Pictures; Shawn Levy per 21 Laps; Dan
Cohen
Studio di animazione: Flying Bark
Productions
Doppiatori originali: Brooklyn
Davey Norstedt (Undici), Jolie Hoang-Rappaport (Max), Luca Diaz
(Mike), Ej (Elisha) Williams (Lucas), Braxton Quinney (Dustin), Ben
Plessala (Will) e Brett Gipson (Hopper). Con la partecipazione di
Odessa A’zion, Janeane Garofalo e Lou Diamond Phillips.
INFORMAZIONI SU STRANGER
THINGS 5
● Date di uscita: 27 novembre 2025
h. 2:00 (Vol. 1 ep. 1-4), 26 dicembre 2025 h. 2:00 (Vol. 2 ep.
5-7), 1 gennaio 2026 h. 2:00 (Episodio Finale)
● Sinossi: Autunno 1987. Hawkins è
rimasta segnata dall’apertura dei portali e i nostri eroi sono
uniti da un unico obiettivo: trovare e uccidere Vecna,
che è svanito nel nulla: non si sa dove si trovi né quali siano i
suoi piani. A complicare la missione, il governo ha messo la città
in quarantena militare e ha intensificato la caccia a Undici,
costringendola a nascondersi di nuovo. Con l’avvicinarsi
dell’anniversario della scomparsa di Will si fa strada una paura
pesante e familiare. La battaglia finale è alle porte e con essa
un’oscurità più potente e letale di qualsiasi altra situazione mai
affrontata prima. Per porre fine a quest’incubo è necessario che il
gruppo al completo resti unito, per l’ultima volta.
● Creata dai Duffer Brothers,
Stranger Things è prodotta da Upside Down Pictures & 21 Laps
Entertainment con i Duffer Brothers come produttori esecutivi,
insieme a Shawn Levy di 21 Laps Entertainment e Dan Cohen.
● Cast: Winona Ryder (Joyce Byers),
David Harbour (Jim Hopper), Millie Bobby Brown (Undici), Finn Wolfhard (Mike Wheeler), Gaten Matarazzo
(Dustin Henderson), Caleb McLaughlin (Lucas Sinclair), Noah Schnapp
(Will Byers), Sadie
Sink (Max Mayfield), Natalia Dyer (Nancy Wheeler), Charlie
Heaton (Jonathan Byers), Joe Keery (Steve Harrington), Maya Hawke
(Robin Buckley), Priah Ferguson (Erica Sinclair), Brett Gelman
(Murray), Jamie Campbell Bower (Vecna), Cara Buono (Karen Wheeler),
Amybeth McNulty (Vickie), Nell Fisher (Holly Wheeler), Jake
Connelly (Derek Turnbow), Alex Breaux (tenente Akers) e Linda
Hamilton (dottoressa Kay)
Jurassic
World – La rinascita (qui
la recensione) ha superato gli 870 milioni di dollari al
box-office mondiale e, secondo nuove indiscrezioni, Universal
sarebbe al lavoro sul prossimo capitolo della saga. Come riportato
da The InSneider, il regista
Gareth Edwards
sarebbe in trattative finali per tornare dietro la macchina da
presa e dirigere il nuovo film del franchise. Il sequel dovrebbe
vedere nuovamente protagonista Scarlett
Johansson nel ruolo dell’esperta di operazioni sotto
copertura Zoe Bennett. Attesi al ritorno anche Jonathan
Bailey e Mahershala
Ali.
Non
è ancora stato indicato lo sceneggiatore, ma tra i possibili nomi
figura David
Koepp, già autore del nuovo film della saga. In
Jurassic World – La
rinascita, la storia riprendeva cinque anni dopo gli
eventi di Il dominio: i dinosauri esistono ancora in
alcune aree isolate del pianeta e la comunità internazionale
ritiene di aver ristabilito il controllo. Zoe Bennett guida una
missione per ottenere campioni di DNA dai tre esemplari più grandi
di terra, mare e aria, materiali considerati decisivi per
potenziali sviluppi medici. La situazione, però, cambia rapidamente
nel corso dell’operazione.
La regia del film era passata a Gareth Edwards — già autore de
The Creator e
Rogue One: A Star Wars Story — dopo
l’uscita dal progetto del precedente regista David
Leitch, ufficialmente per “divergenze creative”. Non sono
ancora note tempistiche di produzione o data di uscita. Ulteriori
aggiornamenti sul cast, sullo sviluppo e sulla distribuzione
saranno annunciati da Universal nei prossimi mesi.
Predator:
Badlands si conclude con un finale cruento ma
appagante, che lascia aperto quanto basta per permettere al futuro
della saga di svilupparsi in diverse direzioni. Il film di
Dan Trachtenberg, seguito di Prey e Predator: Killer of Killers, si concentra su
Dek, un giovane cacciatore Yautja determinato a
dimostrare il proprio valore, sia a se stesso che alla sua
tribù.
Il finale di Predator:
Badlands prepara le future avventure di Dek e Thia
Il finale di Predator: Badlands getta le basi per
il futuro del franchise, con Dek, Thia e Bud
pronti per nuove avventure insieme. Alla fine del film, tutti e tre
i protagonisti sono stati separati dalle rispettive famiglie, chi
per scelta brutale, chi per perdita dolorosa. Tuttavia, hanno
formato la loro tribù personale, costruita
sull’amicizia e sulla solidarietà.
L’alleanza tra Dek e Thia sembra
sfidare le regole della cultura tradizionale Yautja, dandogli
motivo di restare costantemente in movimento e creando numerose
opportunità per nuove avventure. È un approccio simile a quello di
The Mandalorian, che prende un universo
fantascientifico consolidato e lo espande in molteplici direzioni
narrative.
Dek riesce a sconfiggere il padre,
mentre Thia ferma la sorella; tuttavia, entrambi restano minacciati
da figure materne. L’ultima inquadratura del film lascia intendere
che la madre di Dek potrebbe essere la principale
antagonista di un eventuale seguito, mentre
MU/TH/UR potrebbe rappresentare perfettamente la
minaccia costante della corporazione
Weyland-Yutani.
Accanto a loro c’è
Bud, il simpatico compagno animale — per quanto
letale — che accompagna i protagonisti e porta un tocco di
leggerezza. La conclusione della prima avventura cinematografica di
Dek lascia quindi la porta spalancata per il ritorno dei tre eroi,
con la possibilità di trasformarli nei protagonisti ricorrenti di
un nuovo ciclo narrativo.
Come Predator:
Badlands amplia la mitologia degli Yautja
Per molto tempo, la cultura Yautja
è rimasta in secondo piano nei film della saga Predator.
Le pellicole si erano sempre concentrate sugli esseri umani
costretti ad affrontare i cacciatori alieni, sfruttando il mistero
che li circondava per creare tensione e dramma. Questa volta,
invece, spostando il punto di vista su un Predator,
Badlands ha l’occasione di espandere il mondo e la
cultura di questa specie.
Mentre Predator: Killer of
Killers mostrava un’arena di combattimento e guerrieri
catturati, Badlands si focalizza su una singola
tribù. Le norme culturali Yautja considerano la pietà e il
dolore come segni di debolezza, difetti da estirpare dal
collettivo. È una società brutale, dove il padre di Dek considera
una morte rapida come un vero atto di misericordia.
Ciò che rende interessante il
viaggio di Dek è il modo in cui resiste ad alcuni aspetti
della sua cultura pur rimanendo fedele ad altri. Non
smette mai di combattere e di rispettare i costumi del suo popolo,
fino a guadagnarsi onorevolmente il suo mantello da cacciatore.
Tuttavia, accoglie anche la filosofia di Thia, che gli parla dei
branchi di lupi e del ruolo dell’“Alpha”, concetto che adotta per
fondare il suo stesso clan nel finale del film.
Questa evoluzione rispecchia i temi
centrali del film, che parlano di amore familiare e
abuso, con Dek che onora la memoria del fratello Kwei
diventando per gli altri il protettore che Kwei era stato per lui.
Il film si apre citando il Codice Yautja, che sottolinea
l’importanza per un predatore di stare solo. Ma Dek sceglie
un’altra via: essere un Alpha che protegge, non solo uno
che uccide.
Cortesia Disney
Il futuro di Badlands
potrebbe intrecciarsi con Killer of Killers e l’universo
di Alien
Uno degli aspetti più affascinanti
del finale di Predator: Badlands è il modo in cui
semina spunti per collegarsi non solo a un possibile
sequel, ma anche ai precedenti film e all’universo di Alien. La nave che si dirige verso Dek,
Thia e Bud nelle ultime scene potrebbe appartenere alla madre di
Dek, oppure essere la stessa nave usata da Torres e
Kenji in Killer of Killers.
Questo collegamento permetterebbe
ai due film di intrecciarsi direttamente, portando alla cattura dei
protagonisti da parte di una razza aliena. Se invece la nave
appartenesse alla madre di Dek, potrebbe arrivare per
reclutare il figlio in una nuova caccia,
introducendo così un dilemma morale che metterebbe in conflitto la
natura da cacciatore di Dek con l’umanità ereditata da Thia.
Inoltre, la presenza di Thia nel
film consolida un aspetto importante: sotto il marchio Disney,
gli universi di Alien e Predator
coesistono ufficialmente. Considerando che Alien:
Romulus si conclude con i protagonisti che fuggono nello
spazio profondo, non sarebbe impossibile immaginare un loro
atterraggio nello stesso pianeta di Dek e Thia.
Anche la natura delle creature
aliene presenti su Genna potrebbe servire da ponte
con la serie Alien: Earth, rafforzando il legame tra la
serie televisiva e i film. Le bestie pericolose di quello show FX
si adatterebbero perfettamente all’ecosistema letale del pianeta di
Badlands. Tutto questo potrebbe portare a un nuovo, epico
Alien vs. Predator.
Cortesia Disney
Il vero significato di
Predator: Badlands
Predator: Badlands segue
una linea emotiva semplice ma potente, usando
l’ambientazione fantascientifica e le assurde creature aliene come
superficie d’intrattenimento per raccontare una storia più
profonda: quella del dolore — e della salvezza — che può nascere
dal legame familiare. Dek e Thia iniziano davvero a capirsi e a
empatizzare solo quando scoprono di condividere un rapporto
fraterno.
Dek è ossessionato per tutto il
film dalla perdita di suo fratello Kwei; è questa ferita che lo
spinge a completare la caccia, onorando le ultime parole del
fratello e dimostrando che la sua morte non è stata vana. Allo
stesso modo, Thia ha un rapporto conflittuale con la propria
“sorella” Tessa, che inizia come alleata, quasi sacrificandosi per
salvarla dal Kalisk che dovevano catturare. Tuttavia, Tessa finisce
per incarnare la stessa crudeltà del padre di Dek, interpretando la
morte di Kwei come una “lezione” e abbandonando Thia, considerata
troppo debole.
Sia Dek che Thia si trovano quindi
a dover affrontare un familiare — reale o simbolico — che distrugge
la figura del protettore. Perfino Bud condivide un
destino simile: si scopre che è un cucciolo di Kalisk, separato
dalla madre e costretto ad assistere alla sua morte per mano di
Tessa. Alla fine, però, questi tre “orfani” — Dek, Thia e Bud —
formano una nuova famiglia, più forte e unita di
prima.
C’è un cuore morale dolce e
sorprendente in Predator: Badlands, che
sottolinea l’importanza della comunità attraverso tre emarginati
che si uniscono per affrontare un mondo crudele.
Il film dona a un Predator, a un
androide e a un piccolo alieno una umanità
condivisa, costruita con semplicità e sincerità. Sotto
tutta l’azione, il sangue e i mostri, Predator: Badlands
racconta una verità semplice ma potente: l’onore e la forza
più grandi si trovano nella famiglia.
Russell Crowe ha appena rivelato di aver conosciuto
per la prima volta il suo co-protagonista di Highlander,
Henry Cavill, quando quest’ultimo era ancora
un adolescente. I due attori avevano già lavorato insieme in
Man of Steel, dove Crowe interpretava
Jor-El e Cavill Clark Kent/Superman. Più di dieci
anni dopo, si ritrovano fianco a fianco per il reboot di
Highlander.
Durante la promozione del suo nuovo
film Norimberga,
Crowe è stato ospite del The Joe Rogan Experience,
dove ha raccontato di aver incontrato Cavill molti anni prima delle
riprese di Man of Steel.
All’epoca, Crowe stava lavorando a
un film intitolato Proof of Life (Rapimento e
riscatto), uscito nel 2000. Una delle scene veniva girata alla
Stowe School in Inghilterra, durante una partita
di rugby. Mentre cercava di concentrarsi sulla scena, Crowe non
poteva fare a meno di osservare il gioco, colpito dalle
straordinarie abilità di uno dei ragazzi in campo.
Durante una pausa dalle riprese,
quel ragazzo — che altri non era se non un giovanissimo Henry Cavill — si avvicinò a Crowe, si
presentò e gli chiese come si potesse iniziare una carriera da
attore. I due ebbero così una breve conversazione, prima di essere
circondati dagli altri studenti e separarsi.
Qualche giorno dopo, Crowe tornò
alla Stowe School per partecipare a un evento in onore di
Merlin Hanbury-Tenison, il ragazzo che nel film
interpretava suo figlio in Proof of Life.
Mentre era lì, decise di firmare
una foto per il giovane giocatore di rugby che lo aveva colpito,
scoprendo che il suo nome era Henry. Sulla foto scrisse: “A
Henry, un viaggio di mille miglia inizia con un solo passo.
Russell.”
Crowe ha ricordato quell’incontro
con affetto: “Adoro Henry. Lo conosco da tanto tempo, da quando
era ancora uno scolaro. L’ho incontrato in un posto chiamato Stowe
School, in Inghilterra. Stavo girando una scena per un film
intitolato Proof of Life, in cui parlavo con mio figlio nel film,
mentre sullo sfondo si giocava una partita di rugby. Stavo cercando
di concentrarmi, ma continuavo a guardare il campo: c’era un
ragazzo che aveva un vero talento, un’intelligenza naturale per il
gioco. Quando abbiamo finito la scena e lo sfondo si è svuotato,
quel ragazzo si è avvicinato a me. Era proprio lui, quello che
avevo osservato. Voleva fare due chiacchiere. Si è presentato e mi
ha chiesto come si fa a diventare attore. Abbiamo avuto una
conversazione molto breve, poi siamo stati sommersi dagli altri
studenti.”
“Qualche giorno dopo stavo
preparando un regalo per il ragazzo che interpretava mio figlio,
Merlin Hanbury-Tenison. Mi erano avanzate alcune foto e ho pensato:
come si chiamava quell’altro ragazzo? Henry. Così ho scritto su una
foto di Il gladiatore — che non era ancora uscito all’epoca — ‘A
Henry, un viaggio di mille miglia inizia con un solo passo.
Russell.’ A quanto pare, Henry ha conservato quella foto con sé
ovunque vivesse, continuando a tenere vivo e ardente il suo
sogno.”
Anni dopo,
Russell Crowe e Cavill si ritrovarono nella stessa
palestra, in Illinois, per prepararsi alle riprese di
L’Uomo d’Acciaio. “La volta
successiva in cui ho visto Henry Cavill è stata in una palestra, vicino a
Chicago. Io mi allenavo da una parte, lui dall’altra. E pensavo tra
me e me: beh, io sono il padre di Superman… quindi quello
dev’essere Superman, no? In effetti gli somiglia.Abbiamo
passato una settimana o più ad allenarci nello stesso posto prima
di parlarci. Un giorno si è avvicinato, mi ha stretto la mano e
abbiamo cominciato a parlare. A un certo punto gli ho chiesto: ‘Ti
conosco, vero?’ E lui mi ha risposto: ‘Sì, signore, mi conosce.’
Poi mi ha ricordato dove ci eravamo incontrati. E io: ‘Henry?
Quell’Henry? Sei tu, Henry?’ È stato pazzesco. Davvero incredibile,
no?”
Crowe ha definito quella
coincidenza “assolutamente folle” e “incredibile”. Secondo
l’attore, Cavill ha conservato la foto autografata
indipendentemente da dove vivesse o da che lavoro stesse facendo,
mantenendo sempre viva la passione per la recitazione.
Con i due attori ora pronti per il
reboot di Highlander, si scopre che è stato
proprio Cavill a voler fortemente Crowe nel cast, nel
ruolo di Ramirez, il personaggio interpretato
originariamente da Sean Connery nel film del 1986.
Per Cavill, Crowe era “l’unica opzione possibile”.
Crowe, entusiasta della scelta, ha
dichiarato: “Ora ci troviamo in questa nuova situazione, con
Henry nel ruolo del nuovo Highlander. Gli hanno chiesto chi volesse
come Ramirez, e lui ha risposto: ‘Ho una sola opzione, dovete
prendere lui.’ È fantastico. Sarà molto divertente quando
finalmente potremo girarlo. Questo è il terzo capitolo della nostra
connessione, e quando arriverà il momento, sarà
bellissimo.”
Le riprese di Highlander
sarebbero dovute iniziare già da tempo, ma Cavill ha subito
la rottura del tendine d’Achille, costringendo la
produzione a rinviare il progetto.
Highlander
è una saga fantasy nata nel 1986 con Christopher
Lambert nei panni di Connor MacLeod (lo
stesso personaggio che interpreterà Cavill nel reboot) e
Sean Connery come suo mentore, Ramirez. Il film
originale ha dato vita a quattro sequel, un film
d’animazione e tre serie televisive. La storia
ruota attorno a Connor, che scopre di essere immortale e di dover
combattere contro un guerriero rivale per sopravvivere.
Il reboot di
Highlander è in sviluppo da diversi anni, con
vari attori e registi associati al progetto in momenti diversi.
Oltre a Crowe e Cavill, nel cast figurano anche Marisa
Abela, Karen Gillan, Djimon Hounsou, Max
Zhang, Dave Bautista e Drew
McIntyre. La produzione dovrebbe iniziare nel
2026, una volta che Cavill si sarà completamente
ripreso dal suo infortunio.
È un’immagine potente ed evocativa
quella affidata alla matita di La
Came dal Noir in Festival 2025: l’ombra avvolgente del
maestro Andrea Camilleri scopre una scena
simbolica dell’universo noir, tra Porto Empedocle e la città, una
scena notturna rischiarata appena dai fasci di luce di chi
indaga.
Alla fine delle celebrazioni per il
centenario del grande scrittore (premiato al Noir in Festival nel
2011 con il nostro massimo premio, il Raymond Chandler Award), era
naturale che Noir in Festival lo
salutasse con un omaggio, in accordo con la famiglia e il Fondo
Andrea Camilleri, che la disegnatrice La Came ha reinterpretato con
il suo stile inconfondibile.
Alla vigilia della sua 35°
edizione, Noir in Festival (Milano, 1-6
dicembre) svela la sua immagine dell’anno anticipando
così la sua identità che non muta: raccontare il mondo del mystery,
oggi autentico punto di riferimento della narrazione in tutto il
mondo, tra disagio, inchiesta, ossessioni e paure grazie al cinema,
alla letteratura, alla serialità, fumetto e new media. Sono già
stati svelati i film finalisti del Premio Claudio Caligari per il
miglior film italiano di genere (promosso dal festival insieme
all’Università IULM), mentre nei prossimi giorni saranno note le
anticipazioni della nuova edizione in programma al Cinema
Arlecchino – Cineteca di Milano dal 24 al 30 novembre nel quadro
dell’iniziativa “Uno, due tre…Festival!” con Piccolo Grande Cinema
e Filmmaker Festival. Infine, c’è già grande attesa per la
pre-inaugurazione di domenica 30 novembre con Maurizio
De Giovanni alla Libreria Rizzoli Galleria (ore
18.00).
Il programma completo di Noir in
Festival 2025 verrà invece presentato nel corso della conferenza
stampa in programma il 20 novembre a Palazzo
Marino, sede del Comune di Milano.
L’autrice dell’immagine del Noir in Festival
2025
Laura Camelli (La Came), fumettista, illustratrice,
pittrice e bookbinder ossessionata di autoproduzioni e
microeditoria. Fa parte del collettivo di fumettisti Mammaiuto con
cui pubblica Suomi, I Tre Cani e DVNZN. Per Inuit Bookshop pubblica
in risograph JSB e Versus. Di recente ha disegnato il fumetto
horror Malanottescritto da Marco Taddei, una storia
breve per Lupo Alberto scritta da Lorenzo La Neve e
fa parte del team di che ha realizzato il nuovo progetto a fumetti
di Caparezza. Collabora con storie brevi per varie realtà
editoriali indipendenti e non, come Lok-Zine, Attaccapanni Press,
La Revue, Jacobin, Linus, Quasi rivista.
La Came sarà al Noir in
Festival il 2 dicembre alle ore 15.00 alla IULM per incontrare il
pubblico e gli studenti dell’Università.
Il film horror soprannaturale di
Stan Lee sta finalmente prendendo forma dopo
50 anni di inattività, a conferma che il film si farà. Lee è noto
soprattutto per il suo lavoro nella Marvel Comics, dove ha creato supereroi e
cattivi classici come Spider-Man e Dottor Destino.
Ma nel 1969, concepì un film horror, insieme al regista Lloyd Kaufman, che non fu mai
realizzato.
Ora, secondo Bloody
Disgusting, il film mai realizzato di Lee e Kaufman,
Night of the Witch, è entrato in pre-produzione
tramite Little Spark Films. Il film sarà diretto dal proprietario
della casa di produzione, Joe Manco, che ha
co-scritto la sceneggiatura insieme a Kaufman. Da parte sua,
Kaufman sarà anche produttore esecutivo.
La trama di Night of the
Witch
Il film seguirà la stessa trama che
Lee e Kaufman avevano immaginato nel 1969, sviluppandola poi in una
prima bozza di sceneggiatura nel 1971. Night of the
Witch racconta la storia di una ragazza
messicano-americana accusata di stregoneria durante il 200°
anniversario di un processo alle streghe di importanza storica.
Manko e Kaufman hanno rilasciato dichiarazioni entusiaste per la
realizzazione del film:
Joe Manco: È
una storia molto potente. Una volta capito cosa Lloyd cerca di dire
nelle sue sceneggiature, si capisce il significato nascosto di
tutto; il messaggio. Questo è ciò che mi interessa di più. La notte
della strega è attuale oggi quanto lo era nel 1970, forse anche di
più, e la nostra missione è renderla più incisiva, più brutale e
ricordare alle persone che queste stesse battaglie sono state
combattute per decenni.
Lloyd Kaufman:
Riconosco il talento quando lo vedo – la mia esperienza lo dimostra
– e Joe è il regista giusto per dare finalmente vita a questa
storia. Proprio come ho passato la scopa di Toxie a Macon Blair al
Comic-Con, passo Night of the Witch a Joe Manco. È pronto, più che
pronto, a raccogliere il testimone e finalmente realizzare questo
film.
Quando cominceranno le riprese di
Night of the Witch
Le riprese del film dovrebbero
iniziare a Dallas, in Texas, e nelle aree circostanti, nel 2026. Ci
saranno contatti per finanziare la produzione mentre la
pre-produzione è in corso, con la speranza che gli investitori
contribuiscano a finanziare il film. Inoltre, Little Spark produrrà
un documentario sul prossimo film horror, intitolato Passing the
Torch, sullo sviluppo del film da parte di Manco.
Lee non è riuscito a vedere Night
of the Witch concretizzarsi, essendo morto nel novembre 2018, molto
prima che iniziassero le trattative per la sua realizzazione.
Tuttavia, Passing the Torch è destinato a riconoscere il suo
contributo al film, insieme al modo in cui ha aiutato Kaufman a far
decollare il suo classico del 1984 The Toxic Avenger.
Sebbene i dettagli esatti della
trama rimangano segreti, sembra che Kaufman e Manco intendano
incarnare le idee fondamentali della sceneggiatura originale,
adattandola al XXI secolo. Non è chiaro quante idee di Lee
rimarranno valide per la versione finale. Ma, dato che sarà onorato
durante la produzione, è probabile che il suo contributo
fondamentale rimanga.
Con Night of the
Witch in pieno svolgimento il prossimo anno, l’eredità di
Lee vivrà nel film, anche se non ha avuto la possibilità di
vederlo. La collaborazione tra Manco e Kaufman fornirà al film un
solido punto di partenza per il successo. Con il procedere della
pre-produzione, ulteriori informazioni arriveranno sicuramente a
tempo debito.
Come Predator:
Badlands amplia la mitologia degli Yautja
Anni dopo, 
