Diretto da Michael Apted, Via dall’incubo (il cui titolo originale è Enough) è un film thriller d’azione uscito nel 2002. Scritto da Nicholas Kazan, questo è basato sul romanzo del 1998 “Black and Blue” di Anna Quindlen. Protagonista è Jennifer Lopez nei panni di Slim, una donna sposata che vive una relazione violenta con il marito Mitch. Tuttavia, quando Slim si rende conto fino a che punto è disposto ad arrivare il marito, decide di fuggire dalla sua morsa insieme alla figlia piccola. Ne consegue un gioco al gatto e al topo tra marito e moglie. Se vi state chiedendo come andrà a finire la lotta di Slim per liberarsi dagli abusi di Mitch, ecco tutto quello che c’è da sapere sul finale del film.

La trama di Via dall’incubo

Via dall’incubo segue dunque le vicende di Slim, una cameriera in una tavola calda di Los Angeles. Un giorno, Slim viene molestata da un cliente che cerca di sedurla. Tuttavia, Mitch Hiller, un altro cliente della tavola calda, interviene e la salva. Da quel momento, Slim e Mitch iniziano a frequentarsi, per poi sposarsi e avere una figlia piccola di nome Gracie. La famiglia vive poi felicemente insieme fino a quando Slim scopre il segreto di Mitch, ovvero che la tradisce.

Quando lei lo affronta riguardo alla sua infedeltà e minaccia di lasciarlo, Mitch esclama che è lui il capofamiglia, giustificando le sue azioni. Slim è devastata dalla reazione del marito, che diventa anche fisicamente e verbalmente violento nei confronti della donna e si rifiuta di porre fine alla sua relazione. Mitch minaccia anche Slim di intraprendere un’azione legale se lei cercherà di lasciarlo. Lei cade dunque in depressione e confida le sue difficoltà alla madre di Mitch. Tuttavia, la signora Hiller insinua che la colpa degli abusi sia di Slim.

Dopo aver capito che non riceverà alcun aiuto dalla signora Hiller, Slim si confida con la sua migliore amica Ginny. Lei la incoraggia a sporgere denuncia contro Mitch. Di conseguenza, Slim va alla polizia e spiega di essere vittima di violenza domestica. Tuttavia, l’agente di polizia non riesce a garantire a Slim che sarà protetta legalmente dal marito se sporge denuncia. Slim, dunque, si scoraggia e torna a casa, dove Mitch la maltratta nuovamente.

L’uomo rivela inoltre di essere a conoscenza delle conversazioni di Slim con sua madre e picchia ulteriormente la moglie per aver agito alle sue spalle. Slim capisce che ormai non può più vivere con Mitch perché mette a repentaglio la sicurezza di sua figlia. Quindi, con l’aiuto delle sue amiche, pianifica di fuggire con Gracie. Tuttavia, Mitch scopre il loro piano e intrappola Slim e Gracie in casa. Alla fine, le due escogitano un piano e riescono a fuggire, recandosi a Seattle, dove trovano rifugio presso un vecchio amico di Slim, Joe.

Joe aiuta dunque Slim e la figlia a nascondersi da Mitch. Tuttavia, l’FBI si presenta a casa di lui e le cerca. I due agenti si rivelano degli impostori, che iniziano a maltrattare Joe. Slim e Gracie fuggono quindi dall’appartamento di Joe, ma non hanno un posto dove andare. Di conseguenza, Slim rintraccia Jupiter, il padre da cui si era allontanata, che sostiene di non essere a conoscenza della sua esistenza. Tuttavia, quando Jupiter viene a sapere della minaccia alla vita di Slim e Gracie, usa la sua ricchezza per aiutarle a scomparire. Mentre Mitch cerca freneticamente Slim e Gracie, loro iniziano una nuova vita lontano dal suo comportamento distruttivo con nuove identità.

La spiegazione del finale: Mitch trova Slim e Gracie?

Per gran parte del film, Slim è dunque costretta a fuggire con sua figlia Gracie. Le situazioni in cui Slim si trova si aggravano sempre più e diventano pericolose man mano che Mitch la insegue. Alla fine, Slim trova un po’ di tregua quando incontra Jupiter. Anche se Jupiter rifiuta di riconoscere Slim come sua figlia, capisce che la sua vita è in pericolo. Pertanto, aiuta Slim a proteggere se stessa e sua figlia. Con l’aiuto del padre, Slim ottiene abbastanza soldi e risorse per iniziare una nuova vita sotto l’identità di Erin Ann Shleeter. Tuttavia, un giorno Slim incontra Joe, permettendo a Mitch di rintracciarla.

Alla fine, Mitch e Slim si ritrovano così faccia a faccia e la nuova identità di quest’ultima viene smascherata. Tuttavia, Slim riesce a fuggire ancora una volta. L’interazione di Slim con Mitch le fa capire che non può più fuggire dal marito violento. Pertanto, decide finalmente di prendere in mano la situazione. Sebbene Mitch riesca a rintracciare Slim e sua figlia, lei decide di reagire. Quindi, manda Gracie in un luogo sicuro e, con l’aiuto di Jupiter, elabora un piano per vendicarsi del marito.

Slim capisce infatti che deve affrontare il suo aggressore invece di nascondersi dal problema. Inoltre, è motivata dal desiderio di proteggere sua figlia. Sa che non può proteggere legalmente Gracie se la questione finisce in tribunale. Alla fine, non ha altra scelta che vendicarsi di Mitch, che continua a perseguire lei e Gracie senza pietà. D’altra parte, l’uomo è motivato dal suo comportamento egoistico, poiché si rifiuta di permettere a Slim di portargli via sua figlia. Ben presto, la donna inizia ad allenarsi nelle arti marziali per proteggere se stessa e sua figlia dal comportamento violento e dal tormento costante di Mitch.

Slim uccide Mitch?

Slim, dunque, inizia ad allenarsi nella forma di arte marziale conosciuta come Krav Maga, utilizzata principalmente per l’autodifesa. Mentre si allena per aumentare la sua abilità fisica nel combattimento, lavora anche tatticamente per superare in astuzia Mitch. Con l’aiuto di Jupiter, assume una donna che le assomiglia. Slim usa quindi la sua sosia per ingannare Mitch e fargli credere di sapere dove si trova. Tuttavia, sta segretamente complottando per eliminare il marito violento. Durante il climax, Slim usa quindi le sue nuove abilità per introdursi nella casa di Mitch e aspetta l’occasione giusta per disarmarlo.

Nel frattempo, blocca anche il suo telefono e gli lascia una lettera. Nella lettera, afferma di essere disposta a negoziare con lui e a discutere della custodia condivisa della loro figlia. Nel frattempo, Mitch continua la sua relazione extraconiugale e non mostra alcun segno di rimorso per aver abusato fisicamente e verbalmente di sua moglie. Quando torna a casa, Slim lo affronta ma si rifiuta di attaccarlo apertamente. Tuttavia, Mitch insulta Slim per il fatto di essere una donna e si rifiuta di credere che lei possa batterlo in un combattimento leale.

Ha quindi luogo il tanto atteso scontro tra Mitch e Slim. Slim picchia Mitch e lo punisce per averla maltrattata e sottovalutata. Tuttavia, nonostante tutto il dolore e le sofferenze che Mitch le ha causato, Slim non riesce a ucciderlo. Di conseguenza, Slim diventa emotivamente vulnerabile e contempla l’idea di risparmiare Mitch. In quel momento, però, Mitch approfitta della situazione e attacca Slim. Di conseguenza, Slim è costretta a calciare Mitch dal secondo piano, causandone la morte.

Alla fine, Slim uccide dunque Mitch e la sua morte viene giudicata come legittima difesa. La donna si ricongiunge con Gracie e finalmente sono libere dal tormento dell’uomo. Il finale dà forza a Slim, che da semplice donna incapace di opporsi al marito diventa una donna disposta ad affrontare il proprio trauma e a superarlo. Le azioni di Slim sono giustificate dal fatto che i suoi innumerevoli tentativi di fuggire da Mitch falliscono uno dopo l’altro. Pertanto, non ha altra scelta che combattere Mitch. Alla fine, ottiene il suo lieto fine con Gracie e il film si conclude con la madre e la figlia che guardano con speranza al futuro.

Cosa ci lascia il film Via dall’incubo?

Via dall’incubo non è solo un thriller d’azione, ma una riflessione sulla resilienza e sul potere trasformativo della consapevolezza. Il film ci lascia con una domanda cruciale: fino a che punto può spingersi una donna per proteggere sé stessa e sua figlia? Slim rappresenta tutte quelle persone che, soffocate dalla violenza domestica e dall’indifferenza istituzionale, scelgono di non essere più vittime. Il suo percorso da preda a combattente ci ricorda che il coraggio non è l’assenza di paura, ma la decisione di affrontarla. Il film ci parla di autodeterminazione, giustizia personale e della forza dell’amore materno come ultima risorsa per sopravvivere.

Doomsday – Il giorno del giudizio, diretto da Neil Marshall e uscito nel 2008, è un film d’azione e fantascienza che mescola i toni cupi del post-apocalittico con il ritmo serrato del survival thriller. Ambientato in un Regno Unito devastato da un letale virus noto come “Reaper” (Mietitore), il film segue le vicende di un’agente speciale, Eden Sinclair (Rhona Mitra), inviata con una squadra oltre un muro che isola la Scozia infetta dal resto del Paese. Lì, il gruppo si imbatte in fazioni selvagge e scenari degni di un incubo, in una corsa contro il tempo per trovare una possibile cura e salvare Londra da un nuovo contagio.

Marshall, già noto per The Descent, firma un’opera che omaggia apertamente i grandi classici del cinema distopico e di genere. In Doomsday – Il giorno del giudizio si ritrovano echi evidenti di 1997: Fuga da New York di John Carpenter, Mad Max di George Miller e persino suggestioni medievali alla Excalibur. Ma il film si distingue anche per la sua identità visiva audace, la combinazione anarchica di stili – dal cyberpunk al gotico – e l’uso massiccio di effetti pratici e sequenze d’azione dal forte impatto. È un prodotto che non teme l’eccesso, né l’assurdo, e proprio per questo è diventato nel tempo un piccolo cult per gli amanti del genere.

Nel prosieguo dell’articolo, esploreremo il significato del finale del film e come esso si ricolleghi ai temi principali: la fiducia nelle istituzioni, il caos sociale, la sopravvivenza in condizioni estreme. Analizzeremo inoltre come Doomsday – Il giorno del giudizio si collochi all’interno della tradizione dei film catastrofici e post-pandemici, anticipando elementi oggi diventati quasi profetici. Infine, vedremo come il personaggio di Eden si evolva nel corso del film, diventando un simbolo di resistenza e trasformazione in un mondo sull’orlo del collasso.

La trama di Doomsday – Il giorno del giudizio

Tutto ha inizio quando nel 2008, in Scozia, si propaga un virus letale, che miete moltissime vittime tra la popolazione: data l’assenza di vaccini e cure efficaci, il governo inglese decide di isolare le zone colpite dal morbo, innalzando un muro sorvegliato da forze armate lungo il Vallo di Adriano. La drastica decisione di mettere l’intera Scozia sotto quarantena forzata risulta efficace nel contenere la pandemia, ma al contempo provoca lo sdegno del resto del mondo, che taglia i contatti politici ed economici con il Regno Unito. Dopo ventisette anni dal primo focolaio accertato di Reaper – così viene chiamato il pericoloso virus – si verificano alcuni casi del morbo a Londra.

Sperando di trovare finalmente una cura, il primo ministro John Hatcher (Alexander Siddig) chiede al capitano Bill Nelson (Bob Hoskins) di inviare un team di agenti in Scozia – ancora sotto quarantena – con il compito di trovare il Dottor Marcus Kane (Malcolm McDowell), il quale sta conducendo esperimenti su Reaper. Nelson mette a guida della squadra il maggiore Eden Sinclair (Rhona Mitra), coraggiosa soldatessa di origini scozzesi. Superato il muro del Vallo di Adriano, per il commando di agenti ha inizio la lotta per la sopravvivenza.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Doomsday – Il giorno del giudizio, la missione della squadra si trasforma in un incubo. Dopo aver attraversato il muro ed essere giunti a Glasgow, Eden Sinclair e i suoi compagni vengono attaccati da un gruppo di selvaggi cannibali guidati da Sol, un leader brutale e carismatico. La squadra subisce pesanti perdite: Talbot viene arrostito vivo e mangiato, mentre Sinclair e Cally riescono a fuggire, con Sinclair che uccide Viper, il braccio destro di Sol. La situazione peggiora ulteriormente quando si scopre che Sol e Cally sono i figli del dottor Kane, un tempo leader della quarantena scozzese ora divenuto un tiranno medievaleggiante che ha abbandonato la scienza per il culto della violenza e del controllo.

Intanto a Londra, il virus Reaper continua a diffondersi. Il Primo Ministro Hatcher viene infettato da un attentatore e, per evitare di trasformarsi in veicolo del contagio, si suicida. Il suo consigliere Michael Canaris approfitta della situazione per prendere il potere, mascherando le sue ambizioni dietro provvedimenti di sicurezza pubblica. Il conflitto tra umanità e autoritarismo prende così corpo su due fronti: quello politico e quello fisico, con Sinclair costretta a sopravvivere in una Scozia dove la civiltà si è dissolta nel caos.

Dopo essere stati catturati dai soldati di Kane, Sinclair e i suoi vengono condannati a morte. La donna affronta Telamon, l’esecutore di Kane, in un combattimento all’ultimo sangue, riuscendo a prevalere. In fuga, scoprono un centro di comando sotterraneo con veicoli e risorse, ma vengono nuovamente attaccati: Norton muore, mentre Sinclair, Cally e Stirling riescono a scappare solo per incappare di nuovo in Sol e nei suoi uomini. Dopo un inseguimento a tutta velocità, Sinclair elimina Sol e i suoi seguaci. In un ultimo colpo di scena, Sinclair registra di nascosto la confessione di Canaris, che intende trattenere il vaccino per eliminare le classi più povere. Il video viene poi diffuso pubblicamente, distruggendo la carriera politica del consigliere.

Il finale, denso di tensione e ambiguità morale, segna il trionfo personale di Sinclair ma lascia aperti interrogativi etici importanti. La protagonista decide di non tornare a Londra e di rimanere in Scozia, assumendo simbolicamente il comando dei sopravvissuti con il macabro gesto di mostrare la testa di Sol. È un momento che sancisce la sua trasformazione: da agente del governo a nuova figura di potere, plasmata dalla violenza, dalla perdita e dal tradimento. Il film sottolinea anche come, in assenza di una vera giustizia, il potere può nascere anche dalla vendetta.

Cosa ci lascia il film Doomsday – Il giorno del giudizio

Tematicamente, Doomsday – Il giorno del giudizio esplora quindi la fragilità delle strutture sociali e il potenziale regressivo della civiltà quando si confronta con crisi estreme. Sinclair non solo affronta la disgregazione del mondo che conosceva, ma scopre che i veri nemici non sono i virus o i barbari, ma le istituzioni corrotte e le scelte morali dei potenti. Il finale suggerisce che la salvezza non arriva da chi comanda, ma da chi è disposto a sacrificare tutto per verità e giustizia, anche se ciò significa abbracciare il caos per riprendere il controllo.

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Il trailer italiano di Doomsday – Il giorno del giudizio

L’attimo fuggente (il cui titolo originale è Dead Poets Society) è uno dei pochi film definiti quasi interamente dal suo finale. L’iconica scena conclusiva non è facile da dimenticare, anche per coloro che hanno visto il film per la prima volta. L’immagine dei ragazzi della scuola superiore, un tempo timidi, in piedi sui loro banchi per rendere omaggio al loro insegnante di inglese appena licenziato, il signor John Keating (Robin Williams), è destinata a rimanere nel cuore degli spettatori. Senza quel momento “O, Capitano, mio Capitano“, L’attimo fuggente sarebbe stato un film molto diverso.

Ma non è l’unico che ha trasformato il film nel classico che è diventato. Come in tutte le buone storie, il finale è infatti solo un momento culminante. Per quanto gli eventi possano apparire pedestri – almeno fino allo scioccante suicidio dell’atto finale -, accadono davvero molte cose, anche se solo sotto la superficie. Questo fa sì che L’attimo fuggente sia molto di più di un film liceale per antonomasia, e che sia anche un commento su un importante cambiamento della società e sul ciclo di abusi perpetuato da una cultura di mascolinità tossica.

La trama di L’attimo fuggente

La storia si svolge a Welton, un prestigioso collegio maschile con tradizioni rigide e personale ancora più severo. La storia inizia quando la classe del 1959 arriva al campus per il semestre autunnale. Con il nuovo anno accademico arriva anche un nuovo insegnante, Keating (Robin Williams). Egli ha frequentato quella stessa scuola, quindi conosce fin troppo bene gli strascichi del suo programma di studi soffocante. Vuole dunque che i suoi studenti trovino la loro voce finché sono giovani. Inizia così ad impartire loro una serie di lezioni di vita che scuoteranno profondamente le coscienze di alcuni e daranno vita ad eventi straordinari.

La Setta dei Poeti Estinti

 

La riformatasi Setta dei Poeti Estinti (Dead Poets Society), composta da alcuni studenti di Keating, adotta quindi il mantra del professore, “carpe diem“, come solo gli adolescenti sanno fare. Charlie è probabilmente il discepolo più appassionato di Keating, organizza elaborate campagne per portare le studentesse a Welton e adotta persino un nuovo soprannome, Nuwanda. Knox usa il noto potere della poesia per conquistare una ragazza di una scuola vicina. E poi c’è Neil, che sembra l’ultima persona ad aver bisogno dell’aiuto di Keating, almeno in apparenza.

In fondo, però, è vero l’esatto contrario: pur essendo uno studente di talento e un leader nato, deve spesso mettere da parte le sue aspirazioni personali e fare quello che gli dice il padre prepotente. In circostanze normali, Neil si concederebbe a suo padre senza fare domande. Finché non si diploma a Welton, poi all’università e (infine) alla facoltà di medicina, la sua vita non è sua. Solo dopo che le lezioni di Keating cominciano ad essere recepite, Neil capisce che può vivere in modo diverso, senza sottomettersi al padre. Fa quindi un’audizione per una produzione locale di “Sogno di una notte di mezza estate” nel tentativo di riprendere il controllo della sua vita.

L’unico problema è che lo fa all’insaputa del padre, e la cosa gli si ritorce contro in modo terribile quando questi scopre la verità e chiede a Neil di abbandonare la produzione. È questo conflitto che dimostra l’approccio semi-formale di Neil alla filosofia di Keating. Come altri membri della Setta dei Poeti Estinti, non riesce ad assorbire la vera essenza del “carpe diem”. Onorare la propria verità interiore e scrollarsi di dosso lo status quo sono entrambi fondamentali per cogliere l’attimo, ma non senza una comprensione delle conseguenze. Keating dice alla sua classe: “C’è un tempo per osare e c’è un tempo per la cautela. Un uomo saggio capisce qual è il momento giusto“.

Il peso delle aspettative

 

Keating cerca di incoraggiare la temperanza e la pazienza nei suoi studenti, soprattutto quando Neil si rivolge a lui con il suo dilemma. Per far sì che Neil trovi davvero la libertà che sta cercando, Keating dice che deve affrontare suo padre. Anche se il signor Perry non riesce a immedesimarsi nel figlio, non è la fine del mondo. La sua “servitù” non durerà per sempre e presto sarà libero di recitare in qualsiasi opera teatrale gli piaccia. È un bel sentimento, ma un concetto totalmente estraneo a Neil, che non riesce a vedere oltre la sua soffocante realtà.

Si sente in trappola qualunque cosa faccia, e questa sensazione non fa che aumentare la sua disperata volontà di liberarsi. Questo è, ironicamente, ciò che rende il ruolo di Todd nella storia così importante. È l’anello di congiunzione di Neil in tutto e per tutto, poiché entrambi i personaggi rappresentano i diversi modi in cui la vergogna può manifestarsi all’interno di una persona. La vergogna di Todd gli impedisce di esternare le proprie idee ed emozioni al mondo. “Il signor Anderson pensa che tutto ciò che è dentro di lui sia inutile e imbarazzante“, osserva astutamente Keating. E Neil, con tutto il suo fuoco interiore, viene fatto sentire dal padre.

Nonostante la sua sicurezza proiettata, Neil lotta anche per dimostrare il suo valore, ma è molto più bravo a nasconderlo. Come Keating sottolinea in seguito, è un attore di grande talento. Ha recitato per tutta la vita, interpretando la parte del figlio doveroso, il signor futuro dottore dei sogni di suo padre. Ma dopo aver assaggiato la libertà, si rende conto che non può più continuare a recitare, soprattutto con la minaccia della scuola militare – e di altri 10 anni al “servizio” del padre – che incombe sulla sua testa.

O Capitano, mio Capitano!

Dopo il suo scontro finale con il signor Perry, Neil vede solo un modo per fuggire, per essere finalmente libero secondo i propri termini. Il suo suicidio provoca però comprensibilmente uno shock a Welton, e il preside Nolan (Norman Lloyd) si affretta a ripristinare l’ordine sulla scia della tragedia. Egli coinvolge Keating nella morte di Neil e minaccia i restanti membri della Setta di espulsione se non confermano la sua versione dei fatti. Con Charlie espulso, Keating licenziato e Nolan pronto a sostituirlo come insegnante di inglese, lo status quo è praticamente ripristinato, ed è qui che l’attenzione si sposta quasi interamente su Todd.

Tra tutti i membri della Setta dei Poeti Estinti, era inizialmente lui il più restio agli insegnamenti di Keating. Tra tutti i suoi amici, era il più propenso a tirarsi indietro di fronte a una sfida. È solo quando gli viene presentata la sfida più difficile di tutte, quella di onorare la verità a prescindere dalle conseguenze, che è in grado di dimostrare una completa comprensione del “carpe diem”. Keating vede la sua classe per l’ultima volta quando torna a prendere le sue ultime cose e lì Todd trova il coraggio di confessare il piano di Nolan.

Quello che succede dopo, il già citato momento “O Capitano, mio Capitano”, è un simbolo dell’effetto che Keating ha avuto sui suoi studenti, in particolare su Todd. Il ragazzo non può tornare indietro su ciò che ha fatto (e potrebbe benissimo essere espulso per ciò che fa dopo), ma i principi che ha imparato hanno acceso un fuoco dentro di lui, e non sarà facile spegnerlo. Come lui, anche altri ragazzi si ergono in piedi sui propri banchi, ignorando le urla del preside Nolan e spiccando così su quanti scelgono di rimanere seduti, a capo chino. Questi ragazzi, toccati dalla luce di Keating, potranno aspirare ad una vita degna di essere vissuta.

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Indubbiamente tra i più celebri film di formazione di sempre, L’attimo fuggente (il titolo originale è Dead Poet Society), racconta la storia di un gruppo di studenti della Welton Academy, una scuola preparatoria maschile del Vermont, nel 1959. Nel film, questi giovani sono ispirati a far rivivere una società segreta ormai defunta dal loro entusiasta insegnante di inglese, John Keating, interpretato dallo straordinario Robin Williams. Keating stesso era uno dei membri fondatori della Dead Poets Society quando era studente alla Welton.

L’insegnante ispira però questi ragazzi anche a pensare con la propria testa e a “succhiare il midollo dalla vita”, trovando la loro passione per la vita, la poesia e le arti. Sebbene questo film sia generalmente un’opera di finzione, si ispira in realtà alla vita dello sceneggiatore Tom Schulman, che ha poi vinto l’Oscar per la Miglior sceneggiatura originale proprio per questa sua storia. In questo approfondimento, però, esploriamo nel dettaglio cosa del film è basato su elementi reali e cosa invece no.

La Welton Academy è fittizia

La fittizia Welton Academy si troverebbe nel Vermont, ed è ispirata all’esperienza dello sceneggiatore Tom Schulman presso la Montgomery Bell Academy a Nashville, nel Tennessee. Il film, come anticipato, è vagamente ispirato alla vita di Schulman e i personaggi sono basati più o meno vagamente su persone della sua vita. In un’intervista con la University of California Television, Schulman ha ad esempio detto che Knox Overstreet (Josh Charles) è basato su un amico del college che era follemente innamorato di una ragazza di nome Chris.

In un’intervista tra Schulman e il preside della Montgomery Bell Academy, Schulman ha parlato di come stava lavorando a una sceneggiatura ispirata al suo corso di recitazione e scrittura a Los Angeles, spiegando come, dopo aver cambiato l’ambientazione in una scuola maschile, la sua storia abbia preso forma. Schulman si è reso conto che la storia non riguardava solo un insegnante stimolante, ma anche il modo in cui questo insegnante aveva contribuito a trasformare la vita dei suoi studenti.

L’alma mater di Schulman, la Montgomery Bell Academy, è stata fondata nel 1867 ed è l’unica scuola maschile nella zona di Nashville. Anche oggi, nel XXI secolo, possiamo vedere l’enfasi sulla storia e la tradizione della fittizia Welton Academy riecheggiare nella missione della MBA di formare i propri studenti come “gentiluomini, studiosi, atleti”. Sebbene la MBA sia una scuola diurna piuttosto che un collegio, l’ispirazione che Schulman ha tratto dalla sua alma mater è dunque evidente.

John Keating è basato sui professori di Schulman

Come ha rivelato Tom Schulman in un’intervista alla Montgomery Bell Academy, ha iniziato a lavorare alla sceneggiatura che è poi diventata L’attimo fuggente mentre frequentava l’Actors and Directors Lab di Los Angeles. Il mentore del suo insegnante, Harold Clurman, che veniva a trovare gli studenti per dare loro consigli prima di lanciarsi in discorsi appassionati, ha ispirato Schulman. Schulman sentiva però che alla sua sceneggiatura mancava qualcosa di essenziale e dunque la mise da parte.

Nella stessa intervista, Schulman ha spiegato come, dopo aver messo in pausa la sceneggiatura, abbia ricordato con una sua amica Samuel F. Pickering Jr., che insegnava inglese a Schulman al secondo anno alla Montgomery Bell Academy. Lei disse a Schulman che Pickering era l’insegnante stimolante di cui Schulman avrebbe dovuto scrivere, e lui iniziò quindi a rielaborare la sceneggiatura, ambientandola in una scuola maschile. Con questo cambiamento di ambientazione, il progetto prese forma e emersero i personaggi che conosciamo. Pickering ispirò lo stile di insegnamento insolito di John Keating, mentre Harold Clurman influenzò i discorsi motivazionali di Keating.

Pickering disse al Times Daily: “Qualunque cosa di me ci sia in quel personaggio deve essere minima. Io ero un ragazzo e lui era un bambino. Ventitré anni fa. Quanto di me potrebbe esserci nel film?” Pickering ha però riconosciuto il suo stile di insegnamento non ortodosso, ammettendo di tenere lezioni in piedi sulla cattedra o su un cestino della spazzatura per mantenere viva l’attenzione dei suoi studenti. Più o meno verificato che sia, il suo contributo alla definizione del personaggio è dunque presente e ha permesso di dar vita ad uno dei personaggi del cinema più amati di sempre.

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L’attimo fuggente (il cui titolo originale è Dead Poets Society) è uno dei film più celebri e amati di sempre. Affronta le difficoltà degli studenti di una scuola maschile che devono scontrarsi con le rigide regole imposte della società pur di perseguire le loro passioni, e ci sono diverse citazioni che esaltano quesi temi. Protagonista è dunque Robin Williams nei panni di un insegnante di inglese che diffonde l’amore per la poesia alla sua classe, molti dei quali stanno affogando sotto le aspettative dei loro genitori. Il film è un dramma forte, scritto e diretto magistralmente, che è valso a Williams una nomination all’Oscar come miglior attore.

Il film ha anche ottenuto una nomination all’Oscar come miglior film e miglior regista (per Peter Weir), ma è stata la sceneggiatura di Tom Schulman a distinguersi, con lo sceneggiatore che ha vinto lui stesso l’Oscar per la migliore sceneggiatura originale. Nel film si trovano infatti diverse battute ispiratrici che ancora oggi emozionano e fanno sognare gli spettatori. Da battute spiritose a consigli motivazionali, il John Keating di Williams ha una lunga lista di citazioni che si applicano a ogni dilemma della vita. Scopriamole in questo approfondimento.

“O Capitano! Mio Capitano!”, la Setta dei Poeti Estinti Al signor Keating

Sebbene l’intero film sia una storia bella e profonda, il finale di L’attimo fuggente è considerato una delle migliori e più emozionanti conclusioni della storia del cinema. Sembra che la storia stia andando verso una fine tragica, poiché l’insegnamento non ortodosso di Keating viene ritenuto responsabile del suicidio di uno studente, il che porta al suo licenziamento. Gli studenti rimasti sono costernati nel vedere che sono costretti a seguire lezioni di poesia più rigide sotto la supervisione del signor Nolan.

Tuttavia, quando Keating sta per andarsene, gli studenti lo salutano in modo commovente, alzandosi in piedi sui banchi e salutandolo con questa frase tratta dalla poesia di Walt Whitman. È un gesto d’addio che mostra a Keating quanto gli studenti abbiano imparato da lui, il loro modo di protestare contro il suo licenziamento e la promessa che continueranno a esprimersi come lui ha insegnato loro.

“Signor Anderson! Non pensi che io non sappia che questo compito la spaventa a morte“, John Keating a Todd Anderson

Il ruolo che ha lanciato Ethan Hawke è stato quello di Todd Anderson in L’attimo fuggente. Todd è uno degli studenti più timidi della scuola, inizialmente molto riservato, ma come gli altri, gli insegnamenti del signor Keating fanno emergere qualcosa in lui. Ciò che è ancora più speciale è il modo in cui Keating riconosce in Todd qualcosa che il giovane sembra non riuscire a concepire di sé stesso.

Dopo aver assegnato alla classe il compito di scrivere una poesia originale, Keating comunica loro che dovranno leggere la propria poesia ad alta voce in classe. Poi si prende un momento per riconoscere quanto questa idea spaventi Todd. Keating non è tipo da mettere in imbarazzo uno studente con malizia, né da fare favoritismi. Nel richiamare Todd, sta semplicemente facendo capire al giovane che non permetterà che la paura sia una scusa nella sua classe.

“Non dimenticarlo”, John Keating a Todd Anderson

Quando arriva dunque il momento di leggere le poesie ad alta voce in classe, Todd è pieno di paura e dice al signor Keating che non ne ha scritta una. Keating non ha intenzione di lasciar passare così facilmente uno dei suoi studenti, ma invece di dargli un voto negativo, fa alzare Todd in piedi davanti alla classe e recitare una poesia originale sul momento. Anche in questo caso, non si tratta di un tentativo di umiliare il ragazzo, ma di costringerlo a uscire dalla sua zona di comfort.

Keating fa chiudere gli occhi a Todd e gli dice di iniziare a parlare con il cuore. Anche se nervoso, Keating aiuta Todd a bloccare tutto il resto. Quando recita una poesia davvero impressionante, la classe lo applaude e Todd è pieno di orgoglio. Keating lo prende da parte e gli ricorda di conservare questo ricordo dentro di sé, assicurandosi che la paura di mostrarsi vulnerabile davanti agli altri non ostacoli mai la soddisfazione di esprimersi.

“Che il potente spettacolo continui e che tu possa contribuire con un verso. Quale sarà il tuo verso?”, John Keating alla sua classe

Quando spiega ai suoi studenti il vero motivo per cui la poesia e la letteratura dovrebbero essere apprezzate, il signor Keating ne approfitta anche per ispirare i suoi studenti a lasciare un segno nel mondo. Insiste sul fatto che tali forme d’arte aiutano le persone a sentirsi vive e a vivere la vita con più passione e sentimento, riuscendo così a dare un contributo maggiore. Celebra l’idea che ci sia ancora qualcosa che tutti loro possono dare al mondo.

Questa semplice domanda, rivolta ai giovani: “Quale sarà il vostro verso?”, mostra quanto Keating possa essere fonte di ispirazione per questi ragazzi. Li costringe a riflettere su come vogliono contribuire al “gioco” dell’umanità. In questo contesto, diventa difficile per loro ignorare le loro vere passioni e li costringe a confrontarsi con i loro veri sentimenti su ciò che sono chiamati a fare.

“Non importa quello che ti dicono gli altri, le parole e le idee possono cambiare il mondo”, John Keating alla sua classe

Ci sono molti film che parlano dell’importanza dell’arte, ma pochi lo fanno in modo così efficace come L’attimo fuggente. In questo caso, l’idea di abbracciare l’arte e la poesia è ribelle, dato che la natura soffocante del collegio è più focalizzata sull’apprendimento “pratico” piuttosto che sulla frivolezza apparente delle storie e delle poesie. Tuttavia, in diretta contraddizione con ciò che pensano alcuni degli altri insegnanti, Keating insiste sul fatto che queste cose hanno un’importanza nel mondo.

Dire ai giovani che le parole e le idee possono cambiare il mondo è il modo in cui Keating dà loro il permesso di abbracciare questi aspetti della loro mente e condividerli con il mondo. Non è un caso che inizi dicendo “non quello che vi dicono gli altri”, poiché Keating è consapevole di come la loro società cercherà di soffocare questo tipo di pensiero e insiste sul fatto che quelle persone dovrebbero essere ignorate.

“Carpe Diem. Cogliete l’attimo, ragazzi. Rendete straordinarie le vostre vite”, John Keating alla sua classe

Uno dei motivi principali per cui così tante citazioni da L’attimo fuggente sono entrate a far parte della cultura popolare è che il personaggio di Robin Williams, John Keating, è il modello perfetto di un educatore dedicato. Ciò è evidente nel momento in cui Keating insiste affinché i suoi studenti escano e sfruttino al massimo la loro vita, non solo dal punto di vista accademico o professionale.

Questa citazione da L’attimo fuggente arriva quando John Keating mostra ai ragazzi alcune foto di studenti del passato esposte lungo il corridoio della scuola. Egli dice loro che non sono diversi. Hanno lo stesso livello di testosterone e lo stesso taglio di capelli. I ragazzi in foto, però, sono ora tutti morti. Vuole instillare in queste menti curiose l’idea che finché sono giovani e capaci, devono vivere la loro vita al massimo. “Carpe diem, cogli l’attimo”, dice Keating, intendendo che vuole che i ragazzi si godano il momento finché dura.

“Poesia, bellezza, romanticismo, amore… Queste sono le cose per cui viviamo”, John Keating alla sua classe

John Keating è un insegnante di inglese alla Welton Academy in Dead Poets Society, un collegio d’élite dove l’obiettivo dell’istruzione per la maggior parte dei suoi studenti è quello di garantire loro il successo professionale nella vita adulta. Questo è il motivo per cui Keating diventa così amato dai suoi studenti, poiché il suo obiettivo non è il loro successo, ma la loro realizzazione personale, e la citazione da L’attimo fuggente che illustra perfettamente questo concetto è quando egli sostiene i valori delle arti (e alcuni degli aspetti più profondi dell’esperienza umana in generale).

“Medicina, economia, diritto, ingegneria… sono tutte attività nobili e necessarie per sostenere la vita. Ma la poesia, la bellezza, il romanticismo, l’amore… sono ciò per cui viviamo”. Pur riconoscendo che le persone hanno bisogno della scienza e della tecnologia per sopravvivere, John fa capire ai suoi studenti che hanno anche bisogno di un canale per esprimere se stessi. Crede nell’equilibrio tra bisogni e desideri, tra cuore e mente. Ricorda loro che le persone scrivono poesie perché sono membri della razza umana, non solo perché è “carino”. Gli esseri umani sono pieni di passione e alimentati da essa, e questo può avvenire solo risvegliando quella parte di loro.

“Mi alzo in piedi sulla cattedra per ricordare a me stesso che dobbiamo guardare le cose in modo diverso”, John Keating alla sua classe

Una parola che non può assolutamente essere usata per descrivere i metodi di insegnamento di John Keating in L’attimo fuggente è “ortodosso”, come dimostra questa citazione. In una lezione, gli studenti di John lo trovano in piedi sulla sua cattedra invece che seduto dietro di essa. Nel tentativo di approfondire ulteriormente le sue lezioni, John spiega che il motivo per cui è in piedi sulla cattedra è per vedere le cose in modo diverso.

Spesso le persone guardano solo l’immagine che hanno davanti e dimenticano che bisogna tenere conto anche degli altri aspetti. Chiede ai suoi studenti di salire sulla sua cattedra, in modo che possano provare cosa significa guardare le cose da una nuova prospettiva. Questi studenti sono normalmente confinati nelle loro routine e tradizioni, e intraprendere la strada meno battuta a volte può fare bene alla loro anima.

“Devi sforzarti di trovare la tua voce”, John Keating alla sua classe

“… perché più aspetti a iniziare, meno probabilità avrai di trovarla”. Ci sono molte citazioni ispiratrici di John Keating tratte da L’attimo fuggente che provengono dai numerosi momenti in cui incoraggia i suoi studenti a non sottovalutare mai il valore dell’introspezione e dell’autonomia intellettuale. Continua a motivare i suoi studenti a pensare liberamente e con la propria testa, a trovare ciò che funziona meglio per loro e a scoprire come rendersi soddisfatti della propria vita.

È un tema ricorrente in molte delle lezioni di John nel film, ma questa citazione da L’attimo fuggente in particolare cattura l’idea in modo più succinto rispetto a quasi tutte le altre. John dice che non bisogna mai rassegnarsi a vivere una vita insoddisfacente, perché porta alla disperazione. Bisogna uscire dagli schemi per trovare nuovi orizzonti ed esplorare nuove idee, luoghi e credenze. Mentre John convince i suoi studenti a credere in se stessi, sa anche che c’è sempre qualcosa là fuori che cercherà di rovinare la loro individualità.

“Il linguaggio è stato sviluppato per un unico scopo, e cioè… corteggiare le donne”, John Keating alla sua classe

Sebbene L’attimo fuggente sia uno dei pochi film di Robin Williams celebrati per ragioni diverse dalle impareggiabili doti comiche del defunto attore, ci sono comunque diversi momenti in cui la star riesce a strappare una risata agli spettatori. Non tutto ciò che John Keating diceva era profondo, e a volte nelle sue lezioni parlava con umorismo. Una delle citazioni chiave che lo dimostrano è quando John spiega ai suoi studenti che, a suo avviso, le complessità del linguaggio umano sono state perfezionate per un unico motivo: migliorare il romanticismo.

Neil Perry ha ragione: il linguaggio è stato sviluppato per comunicare. Tuttavia, nella speranza di raggiungere aspirazioni più elevate e conquistare nuovi territori, il linguaggio è diventato lo strumento principale dell’uomo per esprimere i propri desideri. L’uso del linguaggio si è evoluto nel corso dei secoli. John chiede alla classe quali altre parole potrebbero sostituire “stanco” e “molto triste”, e Knox Overstreet risponde ‘cupo’. In questo senso, “corteggiare le donne” significa semplicemente trovare affetto usando le parole.

“C’è un tempo per osare e uno per essere cauti, e l’uomo saggio comprende a quale è chiamato”, John Keating a Charlie Dalton

Essere espulsi per uno scherzo non è audace, e John ha avvertito Charlie Dalton di non mettersi più nei guai dopo che questi ha fatto uno scherzo davanti a tutta la scuola. Pensava che il signor Keating ne sarebbe stato felice, ma chiaramente non aveva capito il punto. Questa citazione da L’attimo fuggente trasmette una serie di significati che non si possono cogliere facilmente a meno che una situazione specifica non richieda un’azione immediata. Charlie era un idiota, pensava solo a se stesso quando ha messo la loro società segreta sotto il pubblico scrutinio. John si rende conto che deve insegnare la responsabilità oltre alla libertà di esprimersi.

“Ma solo nei loro sogni gli uomini possono essere veramente liberi”, John Keating a un altro insegnante

“È sempre stato così e sempre così sarà”. Come si è potuto notare, la maggior parte delle migliori citazioni di L’attimo fuggente proviene dalle lezioni di John e dai consigli che dà ai suoi studenti. Tuttavia, non è sempre così, poiché ci sono diverse frasi memorabili che derivano dalle varie discussioni (e dibattiti) di John con altri membri della facoltà della Welton Academy. Un esempio lampante è quando John Keating spiega a uno dei suoi colleghi quale sia, secondo lui, il vero scopo dell’istruzione, dopo essere stato interrogato sul suo modo diverso di insegnare.

La scuola sostiene da anni il valore della tradizione e della disciplina. Per John, è giusto scuotere un po’ le cose. Crede nei liberi pensatori, proprio come ha detto al signor Nolan quando lo ha affrontato sui suoi metodi “non ortodossi” di insegnamento agli studenti. Solo vivendo i propri sogni un uomo può essere veramente libero. Purtroppo per John, anche se le sue affermazioni sono vere, nei confini di questa particolare scuola c’è poco spazio per realizzare i propri sogni.

“Vi ho portati qui per illustrare il concetto di conformità”, John Keating ai suoi studenti

“… la difficoltà di mantenere le proprie convinzioni di fronte agli altri”. John Keating rappresenta l’antitesi di tutto ciò che la sua classe si aspetta dalle figure autoritarie, e questo è uno dei motivi principali per cui diventa una presenza così stimolante nelle loro vite. Tuttavia, questo non è l’unico motivo per cui si distingue agli occhi dei suoi studenti, poiché i suoi metodi rappresentano per loro un cambiamento di ritmo tanto rinfrescante quanto i suoi valori. In L’attimo fuggente, gli studenti della Welton Academy rimangono affascinati dal modo vivace ed energico di insegnare del signor Keating.

Li fa camminare, correre e arrampicare per trasmettere il suo messaggio. Dice a tre ragazzi della classe di fare una passeggiata e, centimetro dopo centimetro, iniziano a marciare all’unisono. Questo è il punto che vuole dimostrare, che gli esseri umani sono destinati a conformarsi agli standard della società e a perdere le proprie convinzioni solo per essere accettati. Ricorda loro che, per quanto strano o diverso sia il proprio sogno, bisogna esserne orgogliosi. Questo è, ancora una volta, il desiderio del signor Keating di vedere i ragazzi realizzare i propri sogni.

“Ho sempre pensato che lo scopo dell’istruzione fosse imparare a pensare con la propria testa”, John Keating al signor Nolan

Sebbene non manchino battute profonde e filosofiche in questo film dai molteplici livelli tematici, il messaggio centrale di L’attimo fuggente è racchiuso in questa singola citazione meglio di qualsiasi altra. Riassume tutto ciò che guida John Keating come educatore e, per estensione, la linfa vitale tematica del film stesso. La citazione arriva quando John ha un confronto con il signor Nolan, uno degli altri membri della facoltà della Welton Academy.

È ciò che John Keating vuole dire ai suoi studenti: usare l’istruzione come mezzo per conoscere meglio se stessi e gli altri. Usarla per prendere posizione e lottare per ciò in cui si crede, non solo per rimanere neutrali o scendere a compromessi. Poiché il signor Nolan lo rimprovera, ponendo fine a questo modo di insegnare, il signor Keating si trova di fronte a un dilemma. I suoi studenti sono profondamente colpiti dalle sue parole e iniziano a pensare fuori dagli schemi. Tuttavia, la scuola li costringe a tacere e a conformarsi.

“Amo insegnare. Non vorrei essere in nessun altro posto”, John Keating a Neil Perry

John Keating rappresenta l’idea di un educatore perfetto, che non solo è motivato dal desiderio di garantire ai suoi studenti le migliori possibilità di una vita appagante, ma che comprende e apprezza anche la sua importanza nella loro vita. Tuttavia, per John, questo comporta anche un notevole sacrificio personale. Quando Neil Perry (Robert Sean Leonard) chiede a John Keating perché ha scelto di rimanere a scuola invece di andare a Londra per stare con sua moglie, John risponde che ama così tanto insegnare che preferisce stare da solo piuttosto che non vivere i suoi sogni.

La sua passione per l’istruzione ha plasmato profondamente molte vite, specialmente quelle dei suoi studenti. Un insegnante come il signor Keating è un buon mentore e confidente, ed è questo che rende sia lui che L’attimo fuggente sono così accattivanti per il pubblico. Ispira sempre tutti quelli che incontra e irradia un’energia vibrante che li porta a riflettere su come vivono la loro vita. Anche se la sua permanenza in questa scuola si è conclusa in tragedia, John ha sicuramente aiutato più di uno studente a cambiare il proprio modo di pensare per diventare una persona migliore.

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Hellboy – L’uomo deforme è l’ultimo tentativo di portare sul grande schermo l’investigatore dell’occulto creato da Mike Mignola. Si potrebbe inoltre dire che è l’adattamento più fedele: The Crooked Man (questo il titolo originale) è infatti basato su una miniserie di Mignola – che ha anche collaborato alla sceneggiatura – e del compianto Richard Corben, che segue da vicino gli eventi dell’omonimo fumetto. Il racconto si svolge nel 1958, Hellboy (Jack Kesy) e la novellina Bobbie Jo Song (Adeline Rudolph) finiscono intrappolati nelle montagne Appalachi.

Lì incontrano il veterano di guerra Tom Ferrell (Jefferson White), tornato nella sua casa d’infanzia per affrontare i demoni del suo passato. In questo caso, l’espressione è da prendere nel senso letterale, dato che l’Uomo Deforme (Martin Bassendale) ha stretto un patto con Tom per la sua anima. Hellboy, Bobbie Jo e Tom si trovano dunque ben presto a combattere contro quest’entità e altre forze soprannaturali mentre cercano di emergere in quei luoghi. Come finirà questa battaglia: con Hellboy vittorioso o sconfitto?

Hellboy e il suo “team” salvano la situazione

Nei film di Hellboy di Guillermo del Toro e Neil Marshall, Hellboy è solitamente la persona che riesce a salvare la situazione, sia che si tratti di colpire il male in faccia con la sua caratteristica Mano Destra del Destino o di usare la sua fidata pistola, il Buon Samaritano, per farlo fuori. Nel caso di Hellboy – L’Uomo deforme, anche Tom e Bobbie Jo giocano un ruolo chiave nella sconfitta dell’antagonista. Hellboy accompagna Tom in una villa in rovina dove risiede l’Uomo Deforme, mentre Bobbie Joe si addentra nelle catacombe della città con il predicatore locale Watts (Joseph Marcell).

Entrambe le parti si trovano poi in difficoltà: Hellboy è tormentato da visioni che includono sua madre, che cerca di convincerlo a uccidersi – e che allude al ruolo che lui avrà nel provocare l’Apocalisse – mentre Bobbie Jo e Watts incontrano un enorme ragno che lei e Hellboy erano venuti a cercare sulle montagne. Durante tutto il film, Bobbie Jo ha cercato di attingere alle sue innate capacità magiche – e affrontare il ragno le dà la spinta di cui ha bisogno. Lancia un incantesimo che espelle la magia oscura dal ragno e diminuisce il potere dell’Uomo Deforme.

Tom poi costringe l’Uomo Deforme a ingoiare una “palla delle streghe”, un oggetto mistico creato dalle streghe della sua comunità, che lo indebolisce ulteriormente. A quel punto, Hellboy picchia selvaggiamente il demone e gli fa saltare la testa con il Buon Samaritano. Questo fa sì che dalla testa dell’Uomo Deforme piovano monete d’oro, che rappresentano le anime che ha rubato nel corso degli anni. Hellboy dà a Tom una di quelle monete, liberandolo così dalla maledizione. Lui e Bobbie Jo vengono poi trasportati in elicottero dal BPRD, con Bobbie Jo che trova conforto tra le braccia del suo compagno demoniaco.

Hellboy – L’uomo deforme ha in serbo un destino poetico per uno dei suoi cattivi

Come anticipato, l’Uomo Deforme non è l’unica forza malvagia che Hellboy e i suoi amici incontrano sulle montagne. Tom rivela che la sua maledizione è nata quando ha incontrato la strega Effie Kolb (Leah McNamara), che gli ha detto che stringere un patto con l’Uomo Deforme lo avrebbe reso uno stregone. Per mantenere la sua parte dell’accordo, Tom ha dunque ucciso un gatto nero e lo ha bollito fino a ridurlo in ossa, offrendone una al demone. Sebbene alla fine abbia cambiato idea, il destino di Tom era ormai segnato: l’osso lo ha protetto dai pericoli durante la seconda guerra mondiale e, per quanto abbia cercato di sbarazzarsene, è sempre tornato da lui.

Effie ha anche preso il controllo dell’anima del padre di Tom, trasformandolo in un cavallo con una briglia maledetta. Alla fine, Effie subisce un destino piuttosto poetico. Dopo che Hellboy uccide l’Uomo Deforme, lui e Tom trovano la strega che sta invecchiando rapidamente nel bosco. Tom aveva precedentemente menzionato che, nonostante il passare degli anni, lei sembrava non essere invecchiata, il che significa che probabilmente aveva venduto la propria anima all’Uomo Deforme in cambio dell’eterna giovinezza. In un momento tratto direttamente dai fumetti, Tom si avvicina a Effie con la briglia che lei aveva messo a suo padre, che la trasforma nel cavallo bianco che vediamo nel finale, con le parole “Attenzione! Sono una strega!” dipinte sul fianco.

Hellboy – L’uomo deforme avrà un sequel?

Durante un panel dedicato a Hellboy – L’uomo deforme al San Diego Comic-Con di quest’anno, al regista Brian Taylor è stato chiesto se volesse realizzare altri film su Hellboy. Taylor ha risposto che, pur essendo aperto all’idea di esplorare altre storie di Hellboy, L’uomo deforme è stato concepito come un film a sé stante. “Odio quando la gente cerca di fare un film e poi ti vende un intero franchise… se il primo è buono, ci tornerò”, ha detto. Questo è abbastanza fedele al fumetto L’uomo deforme e alle storie di Hellboy in generale: la maggior parte di esse sono racconti autonomi che si possono leggere per farsi un’idea della storia di Hellboy.

In un’epoca in cui quasi tutti i franchise cinematografici sono in forte espansione o i film vengono realizzati con lo scopo di lanciarne uno proprio, il fatto che Hellboy – L’uomo deforme sia una storia singola è sorprendentemente rinfrescante. Purtroppo, l’accoglienza riservata al film è stata piuttosto tiepida. Il fatto che abbia poi sofferto di una distribuzione limitata (negli Stati Uniti è uscito direttamente in streaming e home-video), rende incerta la possibilità di altri film dedicati al personaggio. D’altronde, anche i precedenti lungometraggi, Hellboy del 2019 ed Hellboy – The Golden Army non avevano goduto di risultati economici tali da giustificare ulteriori capitoli.

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Gold Run – L’oro di Hitler, diretto da Hallvard Bræin e distribuito nel 2022, è un film norvegese che mescola con efficacia elementi del thriller bellico e del film storico, rievocando un evento realmente accaduto durante la Seconda guerra mondiale. Ambientato nei primi mesi del 1940, il film racconta con ritmo serrato l’audace tentativo di mettere in salvo l’intero tesoro aureo della Norvegia prima che le truppe naziste riuscissero a impadronirsene. Il risultato è un’opera dal respiro epico, tesa e coinvolgente, che alterna sequenze d’azione ben orchestrate a momenti più intimi e riflessivi, rivelando una sorprendente attenzione per i dettagli storici.

Nella cinematografia norvegese contemporanea, Gold Run – L’oro di Hitler  rappresenta un notevole esempio di film storico ad alto budget, capace di competere con le produzioni internazionali per ambizione e qualità visiva. A differenza di molti altri war movie scandinavi più intimisti o legati alla resistenza clandestina, come Max Manus o The 12th Man, il film di Bræin si concentra su un’impresa logistica straordinaria, un’avventura collettiva che coinvolge civili, ufficiali e operatori ferroviari. L’elemento distintivo è proprio il tono avventuroso, a tratti perfino ironico, che rende la visione più accessibile anche a un pubblico non specialista, pur senza rinunciare alla drammaticità del contesto storico.

Nel corso dell’articolo analizzeremo nel dettaglio la storia vera che ha ispirato il film, evidenziando i punti in cui realtà e finzione cinematografica si incontrano o si distanziano. La vicenda dell’oro norvegese trafugato sotto gli occhi dell’invasore tedesco è uno degli episodi meno noti ma più incredibili della Seconda guerra mondiale. Gold Run – L’oro di Hitler lo porta finalmente alla ribalta con uno stile spettacolare e appassionante, offrendo anche un’occasione per riflettere sul valore della libertà, del coraggio e della cooperazione in tempi di crisi.

La trama e il cast di Gold Run – L’oro di Hitler

Il film si svolge in Norvegia, il 9 aprile 1940. Le truppe della Germania nazista invadono il Paese con un duplice obiettivo: prenderne il controllo politico e impossessarsi del suo tesoro più prezioso, 50 tonnellate d’oro custodite nella Banca Centrale. Oslo è sotto attacco, le bombe piovono dal cielo e la priorità del governo norvegese è una sola, quella di impedire che quell’oro finisca nelle mani del nemico. Senza un piano e con pochissimo tempo, il direttore della banca centrale, Nicolai Rygg (Terje Strømdahl), dà ordine di evacuare i caveau.

A capo dell’operazione viene posto Fredrik Haslund (Jon Øigarden), funzionario del Parlamento e membro del Partito Laburista, un uomo senza esperienza militare ma con un’inflessibile determinazione. Inizia così una corsa disperata contro l’avanzata tedesca. Haslund mette insieme un gruppo eterogeneo e improvvisato: la sorella Nini (Ida Elise Broch), ex volontaria della guerra civile spagnola, Nordahl Grieg (Morten Svartveit), poeta e patriota, alcuni impiegati di banca, operai, autisti come il riluttante Odd Henry (Sven Nordin) e il giovane impiegato Ingvar Berge (Axel Bøyum).

Tra strade innevate, ferrovie interrotte e traghetti assediati, il convoglio si muove verso nord, cercando di raggiungere le navi alleate ad Åndalsnes. Ma il tempo stringe. I nazisti, guidati dallo spietato ufficiale Otto Stoltmann (Anatole Taubman), mettono in campo ogni mezzo: paracadutisti, bombardamenti aerei e veicoli corazzati.  E mentre la Norvegia crolla sotto l’occupazione, questa improbabile squadra di civili si fa carico non solo di un tesoro nazionale, ma anche della speranza di un intero popolo.

La storia vera dietro il film

Come anticipato, durante l’invasione tedesca della Norvegia, iniziata il 9 aprile 1940, le autorità norvegesi decisero di mettere in salvo le riserve auree della Banca di Norvegia per impedirne la cattura da parte nazista. In gran parte custodite nella sede centrale ad Oslo, tenevano circa 48,8 tonnellate di lingotti distribuiti in 818 casse da 40 kg, 685 da 25 kg e 39 barili da 80 kg ciascuno. Per guadagnare tempo prezioso, l’affondamento della nave tedesca Blücher da parte della fortezza di Oscarsborg rallentò l’avanzata sul fiordo di Oslo, consentendo l’evacuazione del governo, del re Haakon VII e delle riserve auree verso nord.

Il percorso verso la salvezza fu un’odissea logistica: il tesoro venne trasferito su camion civili da Oslo a Lillehammer, poi su treno fino ad Åndalsnes, sfidando bombardamenti e tentativi di blocco da parte dei paracadutisti tedeschi. A Åndalsnes le truppe britanniche erano già sbarcate e, sotto continue incursioni aeree, circa un terzo dell’oro fu imbarcato sulla HMS Galatea il 25 aprile; parte fu trasferita sulla HMS Glasgow, che prese a bordo anche il re, il governo e 18 tonnellate d’oro, dirigendosi verso Tromsø dove il resto del carico venne imbarcato su piccole imbarcazioni da pesca per eludere l’attenzione tedesca.

Giunto a Tromsø all’inizio di maggio, l’oro fu caricato sulla croiser HMS Enterprise, che sfidò due attacchi aerei e raggiunse la Scozia, per poi sbarcare il carico a Greenock. Da lì fu trasportato in treno alla Bank of England di Londra. Nei mesi successivi, la maggior parte del tesoro fu trasferita in più tappe verso Canada e Stati Uniti, depositato nelle sedi della Bank of Canada a Ottawa e della Federal Reserve di New York; solo una piccola porzione restò in Gran Bretagna. Le riserve servirono a finanziare il governo norvegese in esilio e sostenere la resistenza interna per tutta la guerra; decine di migliaia di monete furono restituite nel 1987, mentre i lingotti rimasero all’estero per garantirne protezione e liquidità finanziaria postbellica.

Gold Run – L’oro di Hitler trae dunque esplicitamente spunto da questa straordinaria operazione storica, ma introduce ovviamente licenze narrative per aumentare la suspense e il coinvolgimento emotivo. Pur rispettando il contesto reale – l’evacuazione dell’oro via terra, ferrovia e mare – il film presenta anche personaggi inventati, intrecci drammatici e sequenze d’azione più movimentate rispetto alla cronologia documentata. Sebbene il salvataggio dell’oro sia ampiamente documentato, il racconto viene qui restituito come un war movie ad alto impatto narrativo, bilanciando una volontà di verosimiglianza storica con un tono più avventuroso e cinematografico.

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