Prima di Stranger Things, i fratelli Duffer hanno realizzato il loro primo lungometraggio Hidden – Senza via di scampo nel 2015. In parte dramma incentrato sui personaggi e in parte thriller apocalittico, questo film è un avvincente esercizio di suspense e regia a basso costo. Il film si svolge per lo più in un rifugio antiatomico dove una coppia, Ray e Claire (Alexander Skarsgård e Andrea Riseborough), e la loro giovane figlia, Zoe (Emily Alyn Lind), vagano nell’oscurità e scroccano prodotti in scatola. Si nascondono da una sinistra presenza esterna chiamata Respirosi. Per questo racconto, i fratelli Duffer utilizzano inquadrature strette e luci soffuse per immergere il pubblico nella claustrofobia e nella paura dei personaggi.

Nonostante l’incredibile uso di tecniche cinematografiche minimaliste e la costruzione di una conclusione sorprendente, la Warner Bros. non ha però sostenuto Hidden – Senza via di scampo. Lo studio non ha infatti gradito la cupa ambientazione sotterranea del film, anche se è proprio questa a creare una tensione da brivido. Ciò ha portato il film a passare più in sordina del dovuto. L’insuccesso non ha però frenato i fratelli Duffer dal realizzare questo progetto così come lo immaginavano. Con il tempo, il film ha poi ottenuto maggiore popolarità, divenendo oggetto di dibattito anche per il suo ambiguo e tutt’altro che risolutivo finale.

Cosa ricordare di Hidden – Senza via di scampo

All’inizio del film Ray, Claire e Zoe sono al loro 301° giorno di permanenza sottoterra. Zoe è frustrata dal loro stile di vita clandestino, ma Ray le risolleva il morale con un gioco fantasioso per cui si chiudono gli occhi e si rivisitano i ricordi della vita passata. Questi sono anche legati ad una rigida serie di regole da seguire per mantenere la stabilità emotiva. La famiglia si ricorda costantemente di non diventare troppo ansiosa, paurosa, arrabbiata o di provare altre emozioni angoscianti. Questo concetto di pace interiore ha un’importanza significativa nel finale. A Zoe viene anche proibito di lasciare il rifugio attraverso la botola superiore, tenuta saldamente al suo posto da catene. Tuttavia, la botola non è così resistente come credono.

I fratelli Duffer costruiscono abilmente l’apprensione e l’intrigo intrecciando gradualmente i flashback alle scene del presente. Scopriamo che nel bel mezzo di un’epidemia mortale nella loro città natale, la famiglia ha tentato di fuggire attraverso l’autostrada, ma ha incontrato una quarantena imposta dal CDC. Quando tentano di tornare a casa, assistono all’incenerimento di Kingsville da parte dei caccia militari, che di fatto spazzano via tutto ciò che conoscono e amano. Claire si ricorda del rifugio antiatomico vicino alla scuola di Zoe e vi conduce la sua famiglia, diventando quelli che credono di essere gli unici sopravvissuti a un attacco feroce e intenzionale.

La “tranquillità” della loro permanenza clandestina sottoterra viene però compromessa quando un piccolo ratto si infiltra in ciò che resta del loro cibo in scatola. Da questa intrusione apparentemente innocua si scatenerà la tragedia. Claire, nel tentativo di uccidere violentemente la povera creatura, urta una lampada, che si rovescia e prende fuoco. Attraverso il piccolo condotto d’aria che il ratto ha usato come ingresso, il fumo che sale espone a quel punto la presenza della famiglia ai temuti Respirosi, che inizieranno da quel momento a dare la caccia ai tre.

Dopo che i Respirosi hanno aperto la botola, Claire e Zoe fuggono attraverso il condotto d’aria, ma Ray non riesce a entrare. A quel punto si vedono degli schizzi di sangue, il che implica che i temibili Respirosi lo hanno ferocemente ucciso. Claire e Zoe corrono oltre la scuola elementare e raggiungono l’autostrada affollata di auto. All’improvviso, i Respirosi si avvicinano all’inquadratura, con in mano degli aghi che infilano nel collo delle due per prelevare il loro sangue e praticare l’eutanasia. Questa inquadratura rivela che i Respirosi sono in realtà soldati militari che indossano maschere antigas (da cui il respiro pesante) per proteggersi dall’infezione di cui sono affetti Ray, Claire e Zoe.

Quando Ray, che si svela essere sopravvissuto, torna per scacciare i Respirosi da Claire e Zoe, ci rendiamo conto che l’infezione trasforma la vittima in un mostro dalle vene nere e dagli occhi rossi e sporgenti, dotato di una forza sorprendente e di una rabbia incontrollabile. Dopo che i Respirosi sparano a Ray, Claire e Zoe scappano dalla loro rete e uccidono tutti i soldati, infettandone anche uno togliendogli la maschera. Nella sua furia selvaggia, Zoe blocca accidentalmente la madre. Claire mantiene un contatto visivo costante, ricordando alla figlia la regola di mantenere la calma.

Si comprende a questo punto che ciò non era solo per il loro benessere nel bunker, ma anche per tenere sotto controllo l’infezione, che viene scatenata da emozioni intense. Claire e Zoe scappano poi da un elicottero in arrivo e, con grande sorpresa, si imbattono in Joey, l’amico di Zoe. Il ragazzo li conduce a un gruppo di sopravvissuti infetti che vivono sottoterra. Prima di entrare nella loro nuova casa, Zoe osserva che è il giorno 302. “Non sono giorni”, risponde Claire. “Non sono giorni”, risponde Claire, sottintendendo che ogni mattina è un piccolo miracolo – l’affermazione speranzosa di Ray all’inizio del film.

La spiegazione del finale del film

L’avvincente colpo di scena di Hidden – Senza via di scampo sovverte dunque le aspettative di cattivi ed eroi del genere zombie. Rivelando che la famiglia per cui abbiamo fatto il tifo è in realtà quella di cui i Respirosi hanno paura, i fratelli Duffer suggeriscono che il bene e il male sono concetti relativi. Il pubblico spesso trascura il fatto che gli zombie un tempo erano esseri umani e che hanno subito una profonda perdita, non solo della loro famiglia e dei loro amici, ma anche di sé stessi. Osservando entrambe le parti, siamo in grado di capire come un’epidemia virale colpisca tutti, non solo coloro che cercano di non ammalarsi.

Attraverso i Respirosi e la lotta per la sopravvivenza della famiglia, Hidden – Senza via di scampo mostra come l’autoconservazione possa far emergere il lato più oscuro della natura umana. I temi della paura, della sfiducia e della rabbia verso gli altri durante una pandemia risuonano in modo particolare sulla scia del COVID-19. La pandemia ha messo in luce un diffuso egoismo. La pandemia ha messo in luce l’egoismo diffuso, in particolare negli Stati Uniti, dove gli individui hanno dato priorità ai propri interessi e si sono preoccupati poco del sostentamento degli altri.

I Respirosi mirano a proteggersi distruggendo Kingsville, ma questo solleva la questione morale se distruggere alcuni individui per preservare il tutto. Il sacrificio di innumerevoli famiglie è necessario per un bene superiore – proteggere il virus dalla diffusione negli Stati Uniti – o gli infetti avrebbero potuto imparare, come la famiglia di Zoe, a temperare il virus con un po’ di autocontrollo? L’ambiguità morale del finale suggerisce che queste idee sono complesse e non esiste un’unica risposta corretta. Hidden – Senza via di scampo rifiuta l’idea di ciò che è giusto o sbagliato, anche nelle emergenze di vita o di morte.

Ritraendo personaggi eticamente grigi, i fratelli Duffer sfidano dunque la struttura horror della luce contro l’oscurità. Sia i Respirosi che la famiglia di Zoe stanno lottando per rimanere in vita e l’empatia reciproca potrebbe aiutarli a gestire meglio la crisi virale. Con il finale, dunque, si ha questo colpo di scena ma il film si conclude senza fornire risposta a tutte le domande sollevate. Come si è originato questo virus? Quanto si è esteso? Cosa ne sarà di questa popolazione sotterranea? Sfortunatamente i fratelli Duffer non hanno mai accennato ad un possibile sequel, per cui Hidden – Senza via di scampo è da prendere come una riflessione sulle tematiche poc’anzi esposte senza la pretesa di ulteriori risvolti della storia proposta.

Divenuta una delle saghe cinematografiche d’azione più celebri di sempre, Die Hard comprende oggi cinque titoli usciti in sala in un arco temporale che va dal 1988 al 2013. Protagonista assoluto è l’attore Bruce Willis, che ricopre il ruolo del poliziotto John McClane. Nel corso degli anni, questi si è trovato coinvolto in avventure sempre più estreme e rischiose, in missioni adatte soltanto ad un uomo “duro a morire”. Anche per merito di ciò, il personaggio è stato indicato come uno dei più iconici del cinema, nonché uno dei più importanti nella carriera di Willis. Dopo il grande successo del primo film, nel 1990 arriva al cinema il sequel intitolato 58 minuti per morire – Die Harder, diretto da Renny Harlin.

Alla base della storia vi è l’omonimo romanzo pubblicato nel 1987 da Walter Wager. Protagonista del libro è in realtà un personaggio chiama Frank Malone, ma per il film tale dettaglio viene modificato al fine di permettere a John McClane di essere nuovamente il protagonista. Per cercare similitudini con il precedente film, anche i nemici vengono trasformati da un misterioso individuo ad un gruppo di terroristi. Così facendo i produttori speravano di andare incontro ad un nuovo successo sulla scia del precedente capitolo.

Tale speranza diventò reale nel momento in cui al box office il film incassò un totale di circa 240 milioni di dollari a fronte di un budget di circa 70. Tale risultato superò di molto quello raggiunto dal precedente film, e spinse i produttori ad investire in ulteriori film della saga. In questo articolo, però, approfondiamo alcune delle principali curiosità relative a questo secondo capitolo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alle location. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di 58 minuti per morire – Die Harder

È di nuovo la Vigilia di Natale. All’aeroporto di Washington John McClane attende l’arrivo dell’aereo su cui viaggia la moglie Holly. I due hanno in mente di trascorrere finalmente insieme e in totale tranquillità quel periodo di festa. Tale desiderio viene tuttavia stravolto nel momento in cui un gruppo di terroristi assale l’aeroporto e ne blocca il traffico aereo. Il colonello Stuart è a capo dell’operazione. Ex membro dell’esercito espulso per via di azioni illecite, questi punta a liberare l’ex generale corrotto, Ramon Esperanza, il quale sta anch’egli arrivando all’aeroporto per essere poi condotto a processo. I terroristi prendono possesso della torre di controllo, impedendo l’atterraggio dei voli in arrivo e lanciando la loro richiesta di liberazione.

Ancora una volta McClane riesce ad eludere la sorveglianza, iniziando a concepire un piano per salvare la situazione. Si troverà però a dover agire in fretta, poiché gli aerei in volo possiedono un’autonomia limitata. Quello su cui si trova sua moglie, in particolare, ha solo 58 minuti a disposizione prima di precipitare al suolo. A peggiorare l’azione ci pensa anche l’arrivo della polizia, che si dimostra impreparata a gestire la crisi. Tutto è nelle mani di McClane, e riprendere il controllo della torre è l’unico modo per lui di salvare la situazione. Passo dopo passo, il poliziotto dovrò così avvicinarsi a tale ambiente, evitando di essere ucciso dai terroristi che pattugliano l’intero aeroporto.

Il cast del film

Elemento indispensabile per dar vita al film era ovviamente il ritorno di Bruce Willis nei panni del poliziotto John McClane. Rimasto particolarmente entusiasta dell’esperienza con il precedente film, l’attore si dichiarò ben lieto di riprendere il personaggio. Nel farlo, egli ebbe inoltre la possibilità di dar vita a maggiori improvvisazioni nelle battute. Poiché quelle da lui inserite nel primo Die Hard ebbero un grande successo, i produttori spinsero Willis a inserire più gag, conferendo ulteriore carisma al personaggio. Tuttavia, al termine delle riprese l’attore dichiarò di non aver particolarmente apprezzato tale sequel, infastidito dalle eccessive somiglianze con il precedente. Per tale motivo si dichiarò disponibile a riprendere il personaggio solo se i successivi film fossero stati più diversi tra loro.

Nel film è nuovamente presente anche l’attrice Bonnie Bedelia, che riprende il personaggio di Holly McClane, moglie di John. L’attore William Atherton torna nei panni del giornalista senza scrupoli Richard Thornberg, che ancora una volta mette in pericolo la vita dei protagonisti. Ad interpretare il villain di turno vi è William Sadler, che dà vita allo spietato colonnello Stuart. Per interpretare tale personaggio, l’attore ha dovuto allenarsi per diversi mesi nelle arti marziali, in preparazione della scena di combattimento alla fine del film. Il noto Franco Nero, invece, è presente nel film con il ruolo del generale Ramon Esperanza, l’uomo che Stuart tenta di liberare dall’arresto. Infine, l’attore John Amos interpreta il maggiore Grant, mentre John Leguizamo è Burke.

Le location del film

Quasi del tutto ambientato nell’aeroporto di Washington, il film ha avuto in realtà come location principale il Los Angeles International Airport. Molte delle riprese interne sono infatti state svolte in esso, mentre le riprese esterne sono state realizzate all’aeroporto internazionale Stapleton di Denver. Molte delle scene del film presentano però una gran varietà di location, cosa che ha permesso alla produzione di poter camuffare le differenze con i luoghi in cui dovrebbe essere realmente ambientato il film. L’effetto finale permette di non avvertire differenze, ma riesce a trasmettere la sensazione che tutto sia effettivamente stato girato nello stesso luogo.

Il finale di 58 minuti per morire – Die Harder

Nel finale del film, John  riesce a saltare sull’ala dell’aereo con cui il generale, i terroristi e la squadra speciale cercano di fuggire. Dopo uno scontro, riesce ad aprire un bocchettone di rifornimento sull’ala e una volta a terra dà fuoco alla scia di carburante che ne fuoriesce, facendo sì che l’aereo, proprio nell’attimo in cui si stacca dal suolo e decolla, esploda a mezz’aria. Così facendo, John, oltre ad eliminare in un sol colpo tutti i terroristi, riesce anche ad illuminare la pista grazie alle fiamme sprigionate dall’incendio del velivolo esploso e consentendo così a tutti gli aerei in attesa in quota di atterrare agevolmente senza danni. John riuscirà, così, a riabbracciare la moglie sana e salva.

Il trailer e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di 58 minuti per morire – Die Harder grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Disney+, Tim Vision e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale, avendo così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film verrà inoltre trasmesso in televisione giovedì 13 marzo, alle ore 21:00 sul canale Iris.

Zack Snyder è noto al pubblico mondiale soprattutto per il suo lavoro sul DC Extended Universe come regista dei blockbuster L’uomo d’acciaio, Batman v Superman: Dawn of Justice e Justice League. Prima di portare sul grande schermo l’universo condiviso della DC Comics, però, ha intrecciato mondi su mondi con un’opera originale: Sucker Punch. Diretto e co-scritto da Snyder, questo film è stato deriso dalla critica alla sua uscita in sala nel 2011, in parte perché la sua trama – compreso l’atto finale un po’ tortuoso – è stata ritenuta incomprensibile da molti.

Ancora oggi, a distanza di anni dall’uscita nelle sale, la vera storia del film rimane aperta all’interpretazione, il che significa che per spiegarne il finale bisogna guardare a più di un punto di vista. Quindi, con la consapevolezza che è ancora possibile trarre le proprie conclusioni su questa fantasia d’azione che ha suscitato molte polemiche, in questo articolo proponiamo una spiegazione dell’atto finale di Sucker Punch, andando alla scoperta dei vari personaggi e di tutti gli elementi utili per la comprensione della storia.

Di chi è questa storia?

Partiamo proprio dalla storia. Uno dei punti chiave della comprensione di Sucker Punch è determinare da quale punto di vista questa viene effettivamente raccontata. Come per molti altri film, si potrebbero evocare diverse teorie con almeno un briciolo di prove a sostegno, ma nel caso di Sucker Punch ce ne sono tre in particolare che spiccano. La prima e più semplice è che si tratta della storia di Babydoll (Emily Browning), che viene rinchiusa in un manicomio e si allea con quattro amiche per fuggire. Nel processo, immagina che il manicomio sia un club/bordello e immagina i suoi “balli” all’interno della fantasia del club come elaborate sequenze di battaglia.

Alla fine Babydoll non riesce a fuggire, ma la sua fantasia aiuta a raccontare la storia di come ha invece fatto uscirne la sua amica Sweet Pea (Abbie Cornish) al suo posto. La seconda interpretazione prevede che tutto questo sia accaduto, ma che la fantasia sia nella testa di Sweet Pea, che immagina i suoi amici che l’hanno salvata come grandi guerrieri in una storia epica. La terza, la più complessa, è che quasi nulla del film sia “realmente” accaduto e che sia tutta una fantasia che si svolge nella testa di Sweet Pea mentre sta per essere lobotomizzata. Durante la visione del film, è un esercizio interessante tenere a mente tutte e tre le possibilità.

Tutto il mondo è un palcoscenico

Sebbene molte delle immagini di fantasia presenti in Sucker Punch siano semplicemente belle da vedere, alcuni dettagli visivi hanno un significato più profondo, tra cui la prima cosa che ci viene mostrata nel film. Snyder apre mostrandoci la cameretta di un bambino su un palcoscenico, per poi dissolverla nella camera da letto di Babydoll mentre si svolge la morte di sua madre. Quando Babydoll arriva al manicomio, vediamo un altro palcoscenico nel “teatro”, la stanza dove la dottoressa Gorski (Carla Gugino) incoraggia i suoi pazienti a recitare e ad elaborare i loro traumi. È lì, seduto sul palcoscenico su un letto che assomiglia a una versione logora di quello di Babydoll, che vediamo per la prima volta Sweet Pea. È anche lì che il dottor Gorski dice a Sweet Pea che ha il controllo.

La volta successiva in cui vediamo un palcoscenico è nella fantasia del club, e Sweet Pea si lamenta con Gorski del fatto che il ballo in cui dovrebbe interpretare una donna lobotomizzata ha bisogno di un intervento e dovrebbe essere sostituito con qualcosa di più “commerciale”. Il motivo ricorrente del palcoscenico gioca molto sul tema della performance come salvezza, in particolare quando Babydoll “balla” per ottenere ciò che le serve per fuggire. Ma se ci segnalasse anche che tutto questo fa parte del controllo di Sweet Pea sul suo piccolo mondo, compresa la sequenza di apertura nella camera da letto di Babydoll? E se fosse Sweet Pea a rivivere il proprio trauma, mentre la fantasia del club è Sweet Pea che sta elaborando lo stesso trauma?

Il “mondo reale” di Sucker Punch sembra mostrarci una sola lobotomia: quella di Babydoll, con il preludio nei minuti iniziali del film e le conseguenze nei minuti finali. C’è però una seconda sequenza di lobotomia all’inizio della fantasia del club, che Sweet Pea interrompe per sostenere che una finta lobotomia sul palco non è adatta alla “star dello spettacolo”. Anche in questo caso, il film ci offre essenzialmente due versioni della stessa storia. Possiamo scegliere di credere che questa sia la storia di Babydoll, che sia stata lei a creare il mondo fantastico e che la sua lobotomia vi ponga fine sacrificandosi per permettere a Sweet Pea di fuggire dal manicomio, e questa è una risposta abbastanza semplice. Ma non è l’unica.

Mostrandoci Sweet Pea che interrompe la propria lobotomia, il film offre l’idea che lei, almeno nella sua mente, stia cambiando il modo in cui la sua storia viene raccontata. Invece di essere una malata di mente che va sotto i ferri, è una guerriera che combatte per essere libera attraverso le sequenze di battaglia, e la parrucca è un’allusione al fatto che Babydoll in realtà non è una persona a sé stante, ma un personaggio ribelle che Sweet Pea ha creato come meccanismo di coping psicologico. Anche se alla fine viene comunque lobotomizzata, Sweet Pea è “libera” perché il malvagio Blue (Oscar Isaac) non può più raggiungere la vera lei.

La storia di due sorelle

Il parallelismo tra le storie di Babydoll e Sweet Pea in Sucker Punch continua con la rivelazione che Rocket (Jena Malone) è la sorella di Sweet Pea, e che Sweet Pea si trova nel club (e per estensione nel manicomio) perché ha inseguito Rocket quando è scappata di casa. Babydoll è stata ricoverata in manicomio dal patrigno violento e avido di denaro (Gerard Plunkett) perché ha accidentalmente ucciso la sua sorellina nel tentativo di salvarla, cosa che lui ha usato come pretesto per la sua instabilità mentale. Quindi, sia Babydoll che Sweet Pea sono arrivate al punto in cui si trovano perché hanno avuto problemi con le loro sorelle.

Sorelle che finiscono entrambe per perdere, dato che Rocket si sacrifica lanciandosi contro il coltello del cuoco nel locale, salvando la vita di Sweet Pea. Nella sequenza di apertura del film, Sweet Pea parla nella narrazione di trovare “angeli custodi” in luoghi improbabili. In particolare, in quella sequenza vengono tutti fuori e sono tutti diretti ad aiutarla. Babydoll è il catalizzatore che ha scatenato tutto, Amber (Jamie Chung) è sia l’abile pilota nelle sequenze di fantasia che quella che la salva dal coltello, mentre Rocket è il corpo sacrificale tra Sweet Pea e la morte. In quel momento, diversi temi del film si scontrano e il particolare parallelismo tra le sorelle morenti suggerisce sia che Sweet Pea e Babydoll si capiscono a vicenda e sono destinate a combattere insieme, sia che forse sono la stessa cosa.

Rocket, Amber e Blondie

Sucker Punch è un film incentrato principalmente sulle personalità di Sweet Pea e Babydoll, sia che vengano viste come due individui o come due parti di un’unica mente. Ma che dire delle altre tre donne: Rocket, Amber e Blondie (Vanessa Hudgens)? Di ognuna di loro sappiamo ben poco e alla fine del film non abbiamo ancora imparato molto su di loro. Forse perché sono tutte sfaccettature della personalità di Sweet Pea. Quando recita il suo mondo su quel palcoscenico, prende i volti familiari del manicomio e li inserisce in nuovi ruoli, compreso quello della sorella perduta. Questo spiegherebbe anche perché la morte di queste donne non viene menzionata dal dottor Gorski alla fine del film: Quelle “morti” sono immaginarie.

La caduta di Blue

In un modo o nell’altro, Sweet Pea è quindi libera alla fine di Sucker Punch. A seconda della teoria a cui si crede, o è una persona reale che è scappata dal manicomio ed è salita su un autobus diretto a ovest, oppure si immagina così da qualche parte nel profondo del suo cervello dopo essere stata lobotomizzata. In ogni caso, l’intero sforzo di fuga ha portato alla caduta di Blue, l’inserviente corrotto. Dopo una settimana di caos, la sua operazione clandestina ha iniziato a perdere colpi. Da quel momento, a Gorksi è bastato dare un’occhiata a una cartellina per smascherarlo. Così, che a farlo fosse stata Babydoll stessa o il personaggio di Babydoll all’interno di Sweet Pea, Blue è stato portato alla rovina.

Possiamo leggere la reazione di Blue alla lobotomia di Babydoll in due modi: o questa nuova ragazza è arrivata nel suo manicomio ed era così affascinante che non è riuscito a sopportare la sua lobotomizzazione, oppure il personaggio di Babydoll era all’interno di Sweet Pea e lui se ne è innamorato, solo per vederselo portare via dalla lobotomia. A Gorski urla “Queste sono le mie ragazze!”, quindi potrebbe riferirsi a cinque ragazze nel manicomio o a cinque personalità all’interno di un’unica ragazza. In qualsiasi modo si interpreti il suo delirio alla fine del film, è stato così intenso che, quando è andato a fondo, ha deciso di portare con sé qualcun altro.

In particolare, ha quasi subito coinvolto il patrigno di Babydoll, che lo aveva corrotto in cambio di una lobotomia all’inizio del film. Sucker Punch non ci mostra quanto Blue sia disposto a raccontare alla polizia, né quanto sappia realmente di ciò che è accaduto a casa di Babydoll, ma il suo appello “Vi dirò tutto!”, unito alla reazione nervosa che gli altri inservienti iniziano ad avere nei suoi confronti, suggerisce che la vera vittoria delle ragazze potrebbe essere quella di portare alla luce e porre fine a un vasto giro di corruzione e abusi.

La spiegazione del finale di Sucker Punch

In Sucker Punch ci sono dunque numerosi indizi a sostegno sia dell’interpretazione che tutto stia accadendo nella testa di una ragazza, sia dell’interpretazione che Sweet Pea sia davvero riuscita a fuggire fisicamente dal manicomio e sia sulla via della libertà. Anche dopo che la ragazza è salita sull’autobus e si è allontanata nel finale, però, Snyder stuzzica il pubblico con un ultimo indizio: mentre l’autobus si allontana nell’inquadratura finale, passa davanti a un cartellone pubblicitario con la scritta “Paradise Diner”. Quando Babydoll arriva al manicomio, Blue assicura al patrigno che dopo la lobotomia “sarà in paradiso”. Potrebbe essere una coincidenza, ma data la famosa attenzione di Snyder per i dettagli, sembra molto improbabile.

Se tutto questo sta accadendo nella testa di Sweet Pea, significa che lei stessa si trova da qualche parte nella sua mente dove è finalmente libera, diretta in Paradiso dopo che il personaggio di Babydoll che ha creato si è sacrificato attraverso la lobotomia. Ciò è potenzialmente rafforzato anche dalla voce fuori campo finale, in cui Sweet Pea dichiara “hai tutte le armi che ti servono”, suggerendo che la sua volontà di essere libera è sempre stata dentro di lei e non il prodotto delle altre quattro ragazze. O, forse, Sweet Pea si sta solo ricordando della sua amica e si sta dirigendo verso il tramonto per vivere una vita piena di paradiso in sua vece. Come detto dal dottor Gorski, siete voi a controllare questo mondo e dunque il suo significato.

What’s Love Got to Do With It?, il cui titolo italiano è stato abbreviato in What’s Love? (qui la nostra recensione) è una commedia romantica che segue la storia di Zoe, una regista che decide di trasformare il matrimonio del suo migliore amico Kaz nel tema del suo prossimo documentario quando scopre che lui sta per sposarsi in modo combinato. Essendo cresciuta con un’idea specifica della ricerca dell’amore, Zoe non riesce a capire come si possa sposare qualcuno che non ha mai incontrato prima nella sua vita. Seguendo il viaggio di Kaz e della sua famiglia alla ricerca di una sposa, Zoe inizia però a scoprire che esiste un modo diverso di considerare l’amore e il matrimonio.

Diretto da Shekhar Kapur, il film vede la partecipazione di Lily James, Shazad Latif, Shabana Azmi, Emma Thompson, Sajal Aly, Jeff Mirza e Asim Chaudhry. Con un cast appartenente alla cultura mediorientale, la tradizionale pakistana e la vita di una famiglia britannico-pakistana sono dunque state rappresentate in modo autentico nel film. Ma c’è una vera ispirazione dietro questa autenticità? In questo articolo andiamo alla scoperta delle origini della vicenda di What’s Love?, per stabilire se si tratta di una storia vera o di pura invenzione.

What’s Love? è una sceneggiatura originale

La risposta più diretta è che no, What’s Love? non è basato su una storia vera. È basato sulla sceneggiatura originale scritta dalla sceneggiatrice-produttrice del film, Jemina Khan, che ha però avuto l’ispirazione per questa storia quando ha visto quante persone nella sua vita erano coinvolte in matrimoni combinati di successo e amorevoli. “Ho incontrato tutti i personaggi di questo film in un modo o nell’altro, ed è la mia visione di alcuni matrimoni combinati di successo, avendo idee preconcette su come potrebbero essere; vederli da vicino, vederne alcuni incredibilmente felici, anche tra i più giovani”, ha dichiarato Jemina a The Hollywood Reporter.

What’s Love? porta alla ribalta la cultura musulmana tradizionale, soprattutto quella prevalente nel Sud-Est asiatico, e sfida i preconcetti sui matrimoni combinati che esistono nei Paesi occidentali. A questo proposito, Shabana Azmi ha dichiarato: “Credo che ora che il mondo si sta restringendo e sta diventando un “villaggio globale”, dobbiamo riconoscere che le culture devono essere comprese nei loro termini anziché con i riflettori dell’Occidente puntati addosso… e questo [il film] lo fa non schierandosi, non dicendo che una è migliore dell’altra. Te le mostra entrambe e tu puoi scegliere”.

Ciò che fa funzionare il film è poi la chimica tra i due protagonisti, Lily James e Shazad Latif. I due sono stati amici nella vita reale per quasi un decennio e questo traspare anche dalla loro sintonia in scena e sullo schermo. L’interazione tra gli altri attori è poi altrettanto naturale, grazie all’approccio molto aperto e comunicativo del regista Shekhar Kapur. In un’intervista rilasciata a Deadline Hollywood, Shekhar Kapur ha rivelato che molto prima dell’inizio delle riprese, lui e i membri del cast hanno discusso a lungo della trama e di come volevano interpretare i loro personaggi.

“Ho permesso loro [al cast] di cambiare tutto ciò che volevano e poi si crea una cosa sul set per cui il film si evolve – si evolve nell’amore, si evolve in tutti i tipi di emozioni umane che tutti noi proviamo continuamente. Altrimenti non ci sarebbero emozioni umane”, ha detto il regista. Pur essendo una storia di fantasia, dunque, What’s Love? è molto legato alla realtà. È un’esplorazione della famiglia e dell’identità, sia individuale che culturale. Scritto in modo brillante, il film presenta una Gran Bretagna molto multiculturale attraverso i suoi personaggi accattivanti. Mentre il film inizia come una commedia romantica con le giuste note umoristiche, la regia sfumata di Shekhar Kapur trasforma poi il film in qualcosa di molto più emotivo e sentito.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di What’s Love? grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di mercoledì 12 marzo alle ore 21:30 sul canale Rai 1.