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Patrick Dempsey: il suo ritorno in Scream 7 è ufficialmente morto

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Giovedì scorso, il fandom di Scream è stato colpito da una notizia particolarmente dura dopo che è stato rivelato che Joel McHale, ex membro di Community, avrebbe recitato Scream 7, il prossimo settimo film come marito di Neve Campbell, Sidney Prescott. Non è che ci sia un litigio segreto tra l’attore comico e il seguito del franchise horror, ma si tratta di una scelta di casting che colpisce nel profondo quelli di noi che erano certi che il marito di Sidney sarebbe stato il detective Mark Kincaid di Patrick Dempsey. Tuttavia, c’era ancora chi sperava che il detective Kincaid, introdotto per la prima volta in Scream 3 del 2000, sarebbe apparso nel prossimo film in un modo diverso. Oggi quel sogno si è spento, poiché Entertainment Weekly ha confermato che Dempsey non sarà in alcun modo coinvolto in Scream 7.

Sappiamo che non possiamo sempre ottenere ciò che vogliamo e cercheremo di accettare McHale come nostro nuovo Mark, ma sarà davvero difficile. Per chi avesse bisogno di un ripasso, il detective Mark Kincaid, interpretato da Dempsey, è entrato a far parte della famiglia nel film Scream 3, diretto da Wes Craven. Il personaggio aveva il compito di tenere Sidney al sicuro, con una tensione romantica che cresceva mentre davano la caccia al nuovo Ghostface. Anche se non lo vedremo sullo schermo in nessuno dei film successivi, il personaggio di “Mark” è stato menzionato sia nel quinto che nel sesto titolo, come marito di Sidney. Naturalmente, il fandom ha creduto che il “Mark” in questione fosse il detective Mark Kincaid, ma il team creativo dietro Scream 7 ha fatto il vecchio bait and switch con l’annuncio di ieri.

Per essere chiari, noi – come comunità di fan di Scream – non stavamo semplicemente facendo un fan-casting di Dempsey per il film in uscita, visto che l’attore stesso aveva ventilato un suo possibile ritorno lo scorso autunno. A ottobre, l’attore di Grey’s Anatomy è apparso al Today Show, rivelando di essere stato in effetti in trattative per Scream 7, condividendo:

“Sto aspettando il copione. C’è stata una conversazione a riguardo. Non ho ancora visto nulla. Quindi, vedremo cosa succederà”.

Chiaramente, le trattative non si sono concluse nel modo in cui tutti speravamo, e il sostituto di Dempsey è stato ufficialmente presentato ieri. Al momento non è chiaro come le discussioni si siano interrotte, portando la produzione a muoversi in una direzione diversa.

L’altra famiglia slasher di Patrick Dempsey

Patrick Dempsey
Patrick Dempsey sul red carpet di Venezia 80 – Foto di Luigi De Pompeis © Cinefilos.it

Ok, ora che Scream è uscito, non ci resta che rimanere estremamente pazienti e vigili in attesa del ritorno di Dempsey nell’attesissimo Thanksgiving 2 di Eli Roth. Il film originale, uscito nelle sale nel 2023, è stato subito un successo di pubblico e un sequel è già in lavorazione. Il film ha permesso a Dempsey di calarsi in un ruolo completamente diverso da quello in cui siamo abituati a vederlo e gli ha dato anche la possibilità di usare l’accento del New England che era stato costretto a tenere nascosto per la maggior parte della sua carriera. Sebbene non siano stati annunciati la trama e il cast del sequel dello slasher, speriamo sicuramente che Dempsey torni a ripulire gli avanzi.

Captain America: Brave New World, Anthony Mackie indossa la tuta nella nuova anteprima

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Un nuovo sguardo a Captain America: Brave New World è stato pubblicato e i biglietti per il sequel sono ora disponibili per l’acquisto negli USA. L’attesissima storia ambientata nel Marvel Cinematic Universe debutterà il 12 febbraio. I Marvel Studios hanno condiviso un nuovo filmato del film, che mostra Sam Wilson (Anthony Mackie) alle prese con diverse sfide come nuovo Capitan America. Julius Onah ha diretto Captain America: Brave New World. Il regista è stato precedentemente coinvolto nello sviluppo di The Cloverfield Paradox e Luce. Il sequel permetterà a Onah di giocare nella sandbox del MCU, mentre il franchise si prepara a chiudere la saga del Multiverso nei prossimi due anni.

Captain America: Brave New World seguirà Sam Wilson dopo aver abbracciato il ruolo dell’eroe titolare durante gli eventi di The Falcon e The Winter Soldier. Steve Rogers (Chris Evans) è stato orgoglioso di dare il suo scudo a Sam in Avengers: Endgame. Ma con Rogers in pensione, Wilson deve affrontare l’ascesa del Presidente Thaddeus Ross (Harrison Ford). Il personaggio, precedentemente interpretato da William Hurt, non ha mai amato gli Avengers. Come leader degli Stati Uniti d’America, Ross avrà l’opportunità unica di usare la sua posizione per scopi egoistici.

La sceneggiatura di Captain America: Brave New World è stata scritta da Julius Onah, Peter Glanz e Matthew Orton. La sceneggiatura è basata su una storia di Rob Edwards, Malcom Spellman e Dalan Musson. Spellman ha lavorato con i Marvel Studios durante lo sviluppo di The Falcon e The Winter Soldier. Il suo coinvolgimento nel sequel teatrale potrebbe garantire una transizione graduale dalla serie televisiva ai personaggi coinvolti.

 

Quello che sappiamo sul film Captain America: Brave New World

Captain America: Brave New World riprenderà da dove si è conclusa la serie Disney+ The Falcon and the Winter Soldier, seguendo l’ex Falcon Sam Wilson (Anthony Mackie) dopo aver formalmente assunto il ruolo di Capitan America. Il regista Julius Onah (Luce, The Cloverfield Paradox) ha descritto il film come un “thriller paranoico” e ha confermato che vedrà il ritorno del Leader (Tim Blake Nelson), che ha iniziato la sua trasformazione radioattiva alla fine de L’incredibile Hulk del 2008.

Secondo quanto riferito, la star di Alita: Angelo della Battaglia Rosa Salazar interpreterà la cattiva Diamondback, mentre Giancarlo Esposito sarà Sidewinder. Harrison Ford, invece, assume qui il ruolo di Thaddeus “Thunderbolt” Ross, che a quanto rivelato dal primo trailer si trasformerà ad un certo punto nel Hulk Rosso. Nonostante dunque avrà degli elementi al di fuori della natura umana, il film riporterà il Marvel Cinematic Universe su una dimensione più terrestre e realista, come già fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America.

Spider-Man: Beyond the Spider-Verse, i doppiatori del film non sono ancora stati contattati

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Il 17 dicembre  la Sony Pictures ha annunciato che Spider-Man: Beyond the Spider-Verse ha trovato i suoi registi in Bob Persichetti e Justin K. Thompson. Una notizia arrivata ben nove mesi dopo quella che doveva inizialmente essere la data d’uscita dell’atteso terzo film d’animazione dedicato a Miles Morales. Persichetti ha già fatto parte del team di regia di Spider-Man: Into the Spider-Verse e ha prodotto esecutivamente Spider-Man: Across the Spider-Verse. Thompson, invece, era un designer di produzione del primo film ed è entrato a far parte del team di regia del sequel insieme a Joaquim Dos Santos e Kemp Powers.

Il produttore esecutivo e sceneggiatore Chris Miller ha poi spiegato che il duo era legato al film fin dall’inizio, anche se l’annuncio tardivo ha fatto poco per tranquillizzare i fan preoccupati di quanto tempo ancora ci vorrà per portare questo terzo film nelle sale. Purtroppo, arriva ora un altro deludente aggiornamento da parte del doppiatore di Miles G. Morales, Jharrel Jerome, visto ora come protagonista di Inarrestabile (qui la recensione). Parlando con Decider, all’attore è stato chiesto se avesse iniziato la produzione del threequel e ha risposto: “No, mi piacerebbe. Non abbiamo ancora iniziato. Ci sono molte cose in fase di definizione, ma buone”.

I piani originali prevedevano l’uscita di Spider-Man: Beyond the Spider-Verse l’anno scorso, ma il film non ha ancora una data. Il 2025 è sicuramente fuori discussione e, in base a questo e ad altri aggiornamenti, anche il 2026 potrebbe non essere garantito. Gli scioperi hollywoodiani del 2023 hanno naturalmente rallentato il tutto, per cui ad ora sembra più probabile che il film possa essere pronto tra la seconda metà del 2026 e il 2027. Non resta dunque che attendere, sperando di avere aggiornamenti più favorevoli riguardo a questo progetto.

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Di cosa parla Spider-Man: Beyond the Spider-Verse?

Il film affronterà le conseguenze del finale cliffhanger di Spider-Man: Across the Spider-Verse, con Miles Morales (Shameik Moore) bloccato in un universo alternativo con una versione più cattiva di se stesso (Jharrel Jerome). “Ecco cosa posso promettere, e l’ho detto a proposito del secondo quando eravamo nel mezzo: Phil Lord, Chris Miller, tutti, i produttori di questo film, i registi che porteranno… Quello che hanno fatto nel primo è che tutti i registi sono diventati produttori esecutivi. Quindi continuano ad aggiungersi. Quello che posso promettere è che non si fermeranno finché non sarà eccellente”, ha confermato a ComicBook.com l’attore di Peter B. Parker, Jake Johnson.

 “E se questo significa che ci vuole un po’ più di tempo, se questo significa che è ancora più grande, se questo significa che è più lungo – non giocano secondo le regole di nessuno. Lavorano molto duramente. Come attori, siamo sempre scioccati quando ci chiamano per registrare l’ultimo film. Credo che sia stato un mese prima della proiezione, quando non riuscivamo a credere che stessimo ancora registrando. Quindi non hanno intenzione di mollare fino a quando non sarà grandioso e non ho altro che fiducia in loro. Ma per quanto riguarda la possibilità di svelare qualcosa [sulla storia], non posso farlo”.

Spider-Man: Beyond the Spider-Verse non ha al momento una data di uscita.

The Mandalorian & Grogu: il ruolo di Sigourney Weaver potrebbe essere stato svelato

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La tre volte candidata all’Oscar Sigourney Weaver è una vera e propria leggenda del genere fantascientifico, essendo apparsa in film del calibro di Ghostbusters, Avatar e nei primi quattro film di Alien, dove ha interpretato l’iconica Ellen Ripley. La Weaver ha anche interpretato il cattivo nella serie Netflix The Defenders, ma il suo periodo nel Marvel Cinematic Universe è durato poco quando il suo personaggio è stato prematuramente ucciso. I fan si sono dunque spesso chiesti se la Weaver avrebbe mai potuto fare un viaggio nella Galassia lontana, lontana ed ecco che qualche mese fa è stato riportato che era in trattative per un ruolo chiave in The Mandalorian & Grogu della Lucasfilm.

In una recente intervista con Deadline, la Weaver ha poi confermato di aver firmato per il film. “Avrò un ruolo in The Mandalorian & Grogu [che sarà diretto da Jon Favreau]. Ho incontrato Grogu per la prima volta l’altro giorno. Lo sto girando prima di andare a Londra per The Tempest alla fine dell’anno”. In quell’occasione, la Weaver non ha rivelato alcun dettaglio sul suo personaggio, ma Jeff Sneider di The Hot Mic sostiene di sapere chi interpreterà nel film. Secondo lui, la Weaver avrà un ruolo in realtà piuttosto secondario nel ruolo di un colonnello della Nuova Repubblica di nome Bishop.

Come ogni fan di Aliens – Scontro finale degno di nota saprà, questo è quasi certamente un cenno diretto all’androide sintetico di Lance Henriksen nel sequel di James Cameron. Altri rumor negli scorsi mesi avevano suggerito che la Weaver interpreterà un cattivo nel film, quindi forse questo Colonnello Bishop si rivelerà un traditore della causa. Sneider ha poi anche confermato le voci precedenti secondo cui Jon Favreau avrebbe diretto alcune scene d’azione a distanza per circa tre settimane dopo aver contratto la COVID l’anno scorso.

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Sigourney Weaver è Ellen Ripley in Aliens – Scontro finale.

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The Mandalorian & Grogu, tutto quello che sappiamo sul film

Jon Favreau sta producendo e dirigendo il film insieme alla presidente della Lucasfilm Kathleen KennedyDave Filoni, CCO della Lucasfilm ed ex direttore supervisore dell’amata serie animata Star Wars: The Clone Wars. “Ho amato raccontare storie ambientate nel ricco mondo creato da George Lucas”, ha detto in precedenza Favreau. “La prospettiva di portare il mandaloriano e il suo apprendista Grogu sul grande schermo è estremamente emozionante”.

La serie di tre stagioni The Mandalorian è stata generalmente ben accolta da fan e critici. Una quarta stagione è già in fase di sviluppo presso Lucasfilm, con l’obiettivo di riallacciarsi agli eventi di Ahsoka e di altri show Disney+ di Star Wars.

Si sa molto poco del film, incluso il suo posizionamento nella cronologia di The Mandalorian e chi altro dovrebbe recitare oltre a Pascal. Sappiamo che star di Alien Sigourney Weaver sarà nel film, anche se i dettagli sul suo personaggio sono ancora segreti, mentre Jeremy Allen White di The Bear è stato recentemente scritturato per interpretare il “buffo” Rotta the Hutt.

I dettagli sulla trama di The Mandalorian & Grogu sono stati difficili da ottenere, quindi il casting di Jeremy Allen White come figlio di Jabba fornisce il primo vero assaggio di ciò che potrebbe essere in serbo per il cacciatore di taglie titolare e il suo adorabile figlio adottivo.

La serie Disney+ The Mandalorian è ambientata negli anni successivi agli eventi di Star Wars: Il ritorno dello Jedi del 1983, in cui la Principessa Leia (Carrie Fisher) strangola a morte Jabba. La recente serie spin-off The Book of Boba Fett ha rivelato che l’assenza di Jabba ha lasciato un vuoto di potere tra i boss del crimine organizzato su Tatooine; due cugini di Jabba si giocano il suo territorio, ma vengono sconfitti da Boba Fett (Temuera Morrison), che prende il sopravvento. Sembra probabile che, con il figlio di Jabba in qualche modo coinvolto nel nuovo film, anche Boba Fett e il suo vice Fennec Shand (Ming-Na Wen) saranno coinvolti.

The Mandalorian & Grogu uscirà nelle sale il 22 maggio 2026.

Il vostro amichevole Spider-Man di quartiere vanterà un’uscita su Disney+ molto particolare

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Disney+ ha iniziato a promuovere la serie della Marvel Animation Il Vostro Amichevole Spider-Man di quartiere solo un mese prima del lancio (qui il trailer diffuso a dicembre) e ora – stando a quanto riportato da Comicbookmovie – il suo programma di uscita rappresenterà altrettanto un unicum. Il 29 gennaio ci sarà infatti una première di due episodi. La settimana successiva, il 5 febbraio, verranno rilasciati tre episodi nello stesso giorno. Lo stesso vale per il 12 febbraio, prima che la serie si concluda il 19 febbraio con gli ultimi due episodi.

In sostanza, i Marvel Animation hanno in programma di distribuire l’intera serie di 10 episodi in sole quattro settimane. Da un lato, questo sarà sicuramente accolto con favore dai fan che potranno godersi Il Vostro Amichevole Spider-Man di quartiere nell’arco di un solo mese piuttosto che in nove o dieci settimane. Dall’altro, potrebbe sembrare un modo per far concludere quanto prima l’esperienza legata a questa serie per farla subito dimenticare. Per ora si tratta solo di speculazioni, ma lo stesso approccio è stato adottato con Echo, una serie che è stata rilasciata sulla piattaforma nella sua interezza e di cui non si è poi più parlato.

Data l’importanza del supereroe protagonista, ci si augura naturalmente che non sia così, anche se va sottolineato che l’embargo sulle recensioni non cesserà fino alla prima della serie, che normalmente è un modo per impedire che giudizi negativi possa influenzare con largo anticipo i possibili spettatori. Ad ogni modo, le aspettative nei confronti della serie sono già piuttosto alte, dovendo anche andare a competere con titoli molto amati come Spider-Man: The Animated Series e The Spectacular Spider-Man. Resta da vedere come si confronterà con queste serie.

La trama e il cast vocale di Il Vostro Amichevole Spider-Man di quartiere

Il Vostro Amichevole Spider-Man di quartiere segue Peter Parker nel suo percorso per diventare un eroe, con un viaggio mai visto prima e uno stile che celebra le radici del personaggio nei fumetti. Nella versione originale, il ricco cast vocale comprende Hudson Thames, Colman Domingo, Eugene Byrd, Grace Song, Zeno Robinson, Hugh Dancy e Charlie Cox. Head writer è Jeff Trammell e Mel Zwyer è il supervising director. Brad Winderbaum, Kevin Feige, Louis D’Esposito, Dana Vasquez-Eberhardt e Trammell sono gli executive producer.

Le Cronache di Narnia: il film di Greta Gerwig per Netflix verrà distribuito al cinema

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Sembra che Greta Gerwig abbia sfruttato il suo potere di regista di Barbie per convincere Netflix a concederle l’ampia distribuzione nelle sale cinematografiche che desiderava per Le Cronache di Narnia, il suo adattamento della serie di libri fantasy di C.S. Lewis. Come riportato da Variety, dopo mesi di trattative, Imax ha annunciato che il film sarà distribuito esclusivamente sui suoi schermi in tutto il mondo per due settimane prima del debutto del film su Netflix. L’uscita è attualmente prevista per il 26 novembre del 2026. Il film debutterà dunque su Netflix a metà dicembre.

Il lancio in Imax è una rarità per lo streamer, che concede uscite limitate nelle sale cinematografiche solo in vista di possibili candidature durante la stagione dei premi, proprio come avvenuto per come Emilia Perez e Maria, ma preferisce soprattutto che i suoi film, in particolare quelli più ampiamente commerciali, debuttino direttamente sulla sua piattaforma. Ci sono state però delle eccezioni. Nel 2022, ad esempio, Netflix ha permesso a Glass Onion: A Knives Out Mystery di avere un’esclusiva di una settimana in più di 600 sale, la sua uscita in sala più ampia di sempre.

Altri operatori di streaming hanno adottato un approccio meno rigido alla distribuzione nelle sale, con Amazon e Apple che hanno fatto debuttare i film nei cinema e hanno permesso che venissero proiettati per settimane, o addirittura mesi, prima di apparire sui loro servizi di streaming. Questo ha fatto sì che Netflix non riuscisse ad accaparrarsi alcuni progetti che volevano essere proiettati prima nelle sale cinematografiche. Per soddisfare ora le forti richieste, sembra dunque che il colosso dello streaming permetterà ai fan della saga di poter vedere il nuovo adattamento di Le Cronache di Narnia sul grande schermo.

Cosa sappiamo dell’adattamento di Le Cronache di Narnia di Greta Gerwig

Nel 2018, Netflix ha annunciato che avrebbe sviluppato nuove serie e progetti cinematografici basati sulla serie Le cronache di Narnia di Lewis. Nel 2020 ha arruolato Greta Gerwig, che è stata candidata all’Oscar per la regia di Lady Bird e ha curato anche un acclamato adattamento di Piccole donne. La sua stella ha continuato a crescere negli anni successivi. Nel 2023, la Gerwig ha infatti diretto Barbie , che è stato il film di maggior incasso del 2023, guadagnando quasi 1,5 miliardi di dollari in tutto il mondo e diventando un fenomeno rosa acceso. Non resta ora che attendere che vengano diffuse maggiori notizie riguardo questo suo nuovo atteso progetto.

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Warcraft – L’inizio: dal cast al sequel, tutto quello che c’è da sapere sul film

Negli ultimi trent’anni l’industria videoludica ha raggiunto traguardi artistici estremamente importanti, influenzando spesso e volentieri le altre forme d’arte esistenti. In particolare, molti videogiochi di successo hanno poi trovato nuova vita anche al cinema, con film basati sulle loro storie e i loro personaggi. Così è stato anche per Warcraft: Orcs & Humans (anche noto come Warcraft I), il videogioco sviluppato dalla Blizzard Entertainment nel 1994. Questo titolo è infatti stato adattato per il cinema con il film intitolato Warcraft – L’inizio (qui la recensione), diretto nel 2016 da Duncan Jones, già regista di Source Code, un film con dinamiche da videogioco.

Da tempo circolava ad Hollywood l’intenzione di dar vita ad un adattamento di Warcraft, gioco fantasy incentrato sugli scontri tra umani, orchi e altre specie di creature. Adattare tale universo narrativo ha però richiesto molto tempo e in un primo momento ad occuparsi della regia doveva essere il celebre Sam Raimi. Con l’uscita dal progetto di questi e l’ingresso di Jones, il film venne ricostruito affinché ci fosse più equilibrio tra i personaggi umani e quelli appartenenti alla specie degli orchi. Per Jones, infatti, questi ultimi non potevano essere i soli cattivi, poiché la cosa avrebbe reso il film troppo banale.

Warcraft venne però poi poco apprezzato dalla critica e dai fan del gioco, che lamentarono in particolare troppe semplificazioni dell’universo raccontato dai videogiochi. Al di là di ciò, il film è però un buon blockbuster per chi è in cerca di una visione spensierata. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà utile approfondire alcune curiosità relative ad esso. Proseguendo nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e ai sequel inizialmente previsti. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Warcraft - L'inizio cast
Robert Kazinsky in Warcraft: L’inizio © 2015 – Universal Pictures

La trama di Warcraft – L’inizio

Il pacifico regno di Azeroth è sul piede di guerra e la sua civiltà è costretta ad affrontare una terribile stirpe di invasori: i guerrieri Orchi in fuga dalla loro terra agonizzante sono pronti, sotto la guida di Gul’dan, a colonizzarne un’altra. Quando il portale che collega i due mondi si apre, un esercito va incontro alla distruzione, mentre l’altro rischia l’estinzione. Da fronti opposti, un gruppo di eroi affronterà un conflitto che deciderà il destino delle loro famiglie, dei loro popoli e della loro terra. Anduin Lothar, comandante militare del regno di Azaroth, si troverà dunque a dover affrontare la guerra più pericolosa di tutta la sua vita.

Il cast e i personaggi del film

Protagonista del film è l’attore Travis Fimmel, che interpreta Anduin Lothar, carismatico cavaliere che ha sacrificato tutto per proteggere il suo regno. L’attore accettò con interesse il ruolo, che prevedeva il dover recitare attraverso la tecnologia della motion capture. Fimmel ha però dichiarato di non aver mai sentito parlare di Warcraft prima di essere scelto per il film. L’attore Ben Foster interpreta invece Mdivh, Guardiano di Tirisfal, un protettore misterioso dotato di un enorme potere magico. Dominic Cooper, invece, recita nel ruolo di re Llane Wrynn, sovrano del regno umano di Azeroth.

Sono poi presenti gli attori Toby Kebbell nei panni di Durotan, nobile capoclan dei Lupi Bianchi, e Daniel Wu in quelli di Gul’dan, sinistro stregone Orco guidato da un bramoso desiderio di potere. La candidata all’Oscar Ruth Negga è lady Taria Wrynn, regina di Azeroth e sorella di Anduina. Paula Patton, invece, interpreta Garona la Mezz’Orchessa, un’ibrida Orco/Draenei nonché collegamento tra l’Alleanza e l’Orda. Robert Kazinsky, infine, è Orgrim Martelfato, secondo in comando e amico di Durotan, un Orco dalla straordinaria astuzia e tatticamente brillante, Orgrim è anche un guerriero coraggioso, destinato a brandire il leggendario Martelfato.

Toby Kebbell in Warcraft L'inizio
Toby Kebbell in Warcraft L’inizio © 2015 – Universal Pictures

Il sequel di Warcraft – L’inizio

Con un finale aperto, Warcraft – L’inizio lascia altrettanto aperte le porte ad un sequel, per il quale Jones ha espresso interesse a tornare come regista. Nel giugno del 2018, Jones ha però twittato che le possibilità che Warcraft ottenga un sequel “non sembrano buone“, per via del fatto che il film non è riuscito a raggiungere il pareggio al botteghino ed è stato anche afflitto da recensioni negative. Nel settembre 2020, è stato riferito che Legendary stava sviluppando un nuovo film, ma da quel momento non sono più state diffuse notizie a riguardo, portando i più a ritenere che il progetto potrebbe essere stato abbandonato.

Sappiamo però che con un sequel Jones aveva previsto di esplorare ulteriormente il conflitto tra l’Orda e l’Alleanza, con l’Orda che avrà la meglio quando imparerà a forgiare le armature. Ha anche accennato agli archi narrativi di Khadgar e Lothar. La forza trainante dei sequel di Warcraft sarebbe poi stata l’ascesa dell’orco Go’el, figlio di Durotan. Nei giochi di Warcraft, Go’el si ribattezza “Thrall” e alla fine diventa il leader dell’Orda. Jones aveva infatti dichiarato dopo una proiezione di Warcraft nel 2017: “Per me l’idea nel corso dei tre film sarebbe che Thrall realizzi quella visione di Durotan per creare una nuova patria per gli Orchi”.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Warcraft – L’inizio grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 17 gennaio alle ore 21:20 sul canale 20 Mediaset.

Fonte: IMDb

Running with the Devil – La legge del cartello: la spiegazione del finale del film

Negli ultimi anni l’attore Nicolas Cage ha partecipato ad alcuni film che gli hanno permesso di guadagnare nuova popolarità dopo un periodo ricco di opere poco riuscite. Titoli come USS Indianapolis, 211 – Rapina in corso e 2030 – Fuga per il futuro hanno infatti rappresentato il fondo della carriera del premio Oscar. Oltre a questi, un altro film molto poco apprezzato ma imperdibile per i fan di questo tipo a cui l’attore ha partecipato è Running with the Devil – La legge del cartello, scritto e diretto nel 2019 da Jason Cabell, qui al suo primo film come regista unico del progetto (nel 2016 aveva infatti co-diretto Smoke Filled Lungs).

Si tratta dunque di un film ambientato nel contesto del narcotraffico, nel quale si muovono personalità complesse che sfuggono alle definizioni di bene e male. Tra corruzione e illeciti, il confine tra questi due poli viene spesso e volentieri oltrepassato più volte nel corso del film, portando lo spettatore a doversi dunque confrontare con una realtà sfuggente e difficile da comprendere. Di certo, il film offre però un preciso svolgimento di tutti i personaggi coinvolti, offrendo inoltre numerosi colpi di scena ed elementi che non mancheranno di entusiasmare i fan di questo genere. 

Running with the Devil – La legge del cartello è dunque un titolo da non perdere, specialmente se si è affascinati da questi racconti ambientati in vere e proprie terre di nessuno, dove si decidono le sorti di intere comunità. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Nicolas Cage in Running with the Devil - La legge del cartello
Nicolas Cage in Running with the Devil – La legge del cartello

La trama di Running with the Devil – La legge del cartello

Il film è ambientato tra la Colombia e il confine tra Messico e Stati Uniti, sulla rotta di uno dei principali traffici di cocaina a livello mondiale. In questo contesto, Il Capo, boss di un potente cartello della droga, viene a sapere del sabotaggio delle sue spedizioni verso gli Stati Uniti e manda ad indagare due dei suoi uomini più fidati, Il Cuoco e L’Uomo. I due partono così per un viaggio a ritroso, seguendo la catena di approvvigionamento della droga per identificare la fonte del problema. Lungo la strada, però, si devono confrontare con la dura realtà di quel mondo, segnato dal tradimento, dall’avidità e da pericoli estremi.

Nello stesso tempo, due agenti della DEA, l’agenzia federale americana anti-droga, guidata dall’Agente Responsabile, sta conducendo un’operazione per smantellare il cartello della droga, mettendosi pertanto in rotta di collisione con i due malviventi. Uno scontro tra le due parti sarà presto inevitabile. Mentre dunque la rete si stringe intorno ai vari attori coinvolti nel traffico di droga, si dipana una storia di sopravvivenza, dove tutti cercano di proteggere i propri interessi. In un mondo in cui i confini tra il bene e il male sono spesso confusi, si scatena quindi una corsa contro il tempo, in cui tutti cercano di salvare il possibile prima dell’inevitabile resa dei conti. 

Il cast di attori

Nel film, nessun personaggio ci viene presentato con il suo vero nome, bensì con dei soprannomi che in un certo senso ne descrivono le qualità o l’attività svolta. Protagonista di Running with the Devil – La legge del cartello è dunque il già citato Nicolas Cage, nei panni di Il Cuoco, mentre Laurence Fishburne ricopre il ruolo di L’Uomo. I due sono qui tornati a condividere lo schermo a quasi 40 anni da Rusty il selvaggio (1983) e Cotton Club (1984), entrambi diretti dallo zio di Cage, Francis Ford Coppola. L’attrice Leslie Bibb – recentemente vista anche in La babysitter – Killer Queen –, invece, interpreta l’Agente Responsabile. 

Completano poi il cast gli attori Barry Pepper nei panni di Il Capo e Adam Goldberg in quelli di Lo Spione. Entrambi sono divenuti noto dopo aver recitato in Salvate il soldato Ryan. In Running with the Devil vi sono poi Clifton Collins Jr. (Westworld) nel ruolo di Il Contadino, Cole Hauser (Will Hunting – Genio ribelle) in quello di Il Boia e Peter Facinelli (Carlisle Cullen nella saga di Twilight) nel ruolo di Numero Uno. Infine, Natalia Reyes è La Donna e Marie Wagenman ricopre il ruolo di La Bambina.

Running with the Devil - La legge del cartello Nicolas Cage
Nicolas Cage in Running with the Devil – La legge del cartello

Il finale del film

Il film è tutto incentrato sulla cocaina, dal raccolto all’approvvigionamento fino alla diffusione tra le strade. Mentre le autorità cercano costantemente di interrompere il percorso, il cartello della droga si assicura che tutto vada secondo i propri piani. Entrambe le parti sono talmente investite in questo gioco del gatto e del topo che la domanda diventa prevalente: Dove finisce? Alla fine del film, vediamo che Il Cuoco uccide L’Uomo. Da qui, siamo sicuri che non ci saranno più morti per la nuova droga che L’Uomo ha creato. In questo modo, si risolve il problema delle uccisioni indesiderate di persone che acquistano droga.

Ma nel quadro generale, c’è qualcosa che si risolve? Certo, un pezzo dell’intero racconto si risolve proprio con la morte dell’Uomo. Ma il cartello è ancora attivo. E Il Cuoco ne è una parte importante. Quindi, su questa base, nulla viene realmente interrotto con l’uccisione dell’Uomo. Era solo una pedina in questo gioco e la sua morte non ha alcuna importanza. Ma nell’inquadratura finale del film, Il Cuoco viene a sua volta ucciso dall’“Agente incaricato”. Quindi, dal punto di vista delle figure autoritarie, si può dire che gli agenti della DEA sono riusciti a interrompere la pista della droga uccidendo uno dei principali gestori.

Quindi, in parole povere, la pista della droga finisce qui. Oppure no? Nella scena a metà dei titoli di coda, si vede di nuovo l’agricoltore che trasporta più volte sacchetti pieni di cocaina grezza. Da questa sola immagine, il regista afferma ci comunica che la pista della droga è ancora in corso, e forse non finirà mai. Quello di Running with the Devil – La legge del cartello è dunque un finale piuttosto cupo, che ci ricorda dell’ampiezza di questi giri criminali e della loro apparente capacità di riorganizzarsi con sempre nuove figure al loro vertice.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Running with the Devil – La legge del cartello grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 17 gennaio alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

Changeling: la storia vera dietro il film con Angelina Jolie

Changeling: la storia vera dietro il film con Angelina Jolie

L’instancabile Clint Eastwood ha nel 2008 consegnato al cinema e ad i suoi spettatori due tra i più apprezzati film della sua filmografia recente. Si tratta di Gran Torino e Changeling (qui la nostra recensione). Quest’ultimo, presentato in concorso al Festival di Cannes di quell’anno, è basato su una vicenda realmente accaduta nella Los Angeles del 1928, che ha per protagonista una madre a cui, dopo la scomparsa del figlio, ne viene riportato uno che lei riconoscere non essere il suo. Una storia che permette al regista di affrontare tematiche e questioni sempre attuali, con risvolti che danno ulteriormente prova delle grandi emozioni che Eastwood sa confezionare in modo mai furbo o scontato.

Autore della sceneggiatura è J. Michael Straczynski, che per anni si documentò circa gli eventi narrati nel film, arrivando infine a dar vita ad una storia che nessuno sembrava voler produrre. Fu l’interesse di Eastwood e del premio Oscar Ron Howard a consentirgli infine di trovare i finanziamenti necessari. Originariamente, inoltre, sarebbe dovuto essere proprio Howard a dirigere il film, ma essendo impegnato su altri set decise di lasciare tale ruolo a Eastwood. Noto per la sua celerità nel girare i film, questi terminò le riprese in soli 43 giorni, durante i quali si concentrò in particolare nel ricreare fedelmente la Los Angeles degli anni Trenta.

Al momento dell’arrivo in sala, il film venne accolto in maniera particolarmente positiva dalla critica, che elogiò in particolare la sceneggiatura e le interpretazioni dei protagonisti. Anche al box office il film si affermò come un buon successo, incassando a livello globale circa 113 milioni di dollari a fronte di un budget di 55. Di Changeling si è parlato a lungo nel corso della stagione, essendo poi divenuto anche uno dei principali protagonisti per la corsa ai premi cinematografici. Ancora oggi viene ricordato come un ottimo esempio della classicità di Eastwood, il quale riesce allo stesso tempo ad essere profondamente innovativo nelle sue scelte e nel modo di trattare i temi della storia.

Changeling cast
Angelina Jolie in Changeling

La trama di Changeling

Nella Los Angeles del 1928, Christine Collins è una madre nubile che vive insieme al figlio Walter, di nove anni. I due possiedono una vita modesta, con un appartamento in un quartiere popolare della periferia e il lavoro di lei come centralinista in una società telefonica. Per la donna questa tranquillità viene sconvolta nel momento in cui rientrando in casa dopo una giornata di lavoro non trova più l’amato figlio. Denunciata subito la scomparsa alla polizia, questa inizia a condurre delle indagini a riguardo. Dopo diversi mesi, però, nulla è stato scoperto circa le sorti del bambino, e l’opinione pubblica inizia ad accusare le forze dell’ordine di incompetenza. Christine, nel frattempo, non perde la speranza di poter riabbracciare un giorno suo figlio.

Ciò sembra finalmente divenire realtà nel momento in cui la polizia contatta la donna affermando di aver ritrovato Walter. Al momento della riconsegna alla madre, tramite un incontro pubblico a cui partecipa anche la stampa, Christine si rende però conto che il bambino che ha davanti non è il suo. Da qui ha per lei inizio una feroce battaglia tra prove e ricerche, con la quale tenta di dimostrare che quanto dice è vero, che il suo vero figlio è ancora lì fuori da qualche parte. Scontrandosi contro le autorità, la donna arriverà a comprendere come l’opinione pubblica possa essere facilmente manipolata, e come purtroppo non sia l’unica donna a denunciare un simile evento.

Il cast del film

Molto del successo del film si basa anche sull’interpretazione della sua protagonista. Diverse attrici si proposero per il ruolo, ma il regista insistette affinché fosse Angelina Jolie ad ottenere la parte. Secondo Eastwood, infatti, l’attrice possiede un volto che si sposa perfettamente con il canone dell’epoca in cui è ambientata la storia. La Jolie, tuttavia, era inizialmente riluttante ad accettare la parte, poiché essendo lei stessa madre avvertiva un certo turbamento nei confronti della storia narrata. La presenza di Eastwood la convinse infine ad accettare, nonostante dichiarerà poi di aver avuto molta difficoltà a relazionarsi con il personaggio. Per la sua struggente interpretazione, infine, la Jolie ottenne una nomination al premio Oscar come miglior attrice protagonista.

Accanto a lei, nel film, si ritrova l’attore Jeffrey Donovan nei panni del capitano di polizia J. J. Jones. Per l’importante ruolo del reverendo Gustav, invece, Eastwood richiese fortemente la partecipazione di John Malkovich. Il regista era convinto che questi avrebbe apportato nuove sfumature ad un personaggio per lui insolito. Nel ruolo dell’assassino Gordon Stewart Northcott vi è invece Jason Butler Harner, qui al suo primo ruolo cinematografico. Questi ottenne il ruolo dopo numerosi provini, durante i quali riuscì a dimostrare di poter dar vita ad una follia che non risultasse già vista sul grande schermo. Amy Ryan, divenuta celebre grazie a Gone Baby Gone, ha invece ricoperto il ruolo di Carol Dexter, ottenendo tale parte con un video provino.

Angelina Jolie in Changeling
Angelina Jolie in Changeling

La storia vera dietro al film Changeling

Prima di riportare in forma di sceneggiatura la storia raccontata nel film, Straczynski si imbatté nella storia di Christine Collins e del suo figlio scomparso già nel 1983, mentre lavorava come corrispondente per un telegiornale. Dopo numerose ricerche egli arrivò così ad ottenere una panoramica più ampia su un caso finito per anni nel dimenticatoio. La storia della Collins ha infatti inizio il 10 marzo del 1928, quando denuncia la scomparsa di suo figlio Walter. Come viene poi narrato anche nel film, la donna inizia una disperata ricerca che non sembra però portare a nessun risultato concreto. Dopo cinque mesi, la polizia consegna così alla donna un bambino che però lei non riconosce come Walter.

Per la sua insistenza nel chiedere che venga ritrovato il suo vero figlio, Christine si ritrova infine ricoverata in un ospedale psichiatrico, giudicata priva di salute mentale. Dopo dieci giorni, viene però liberata nel momento in cui il bambino consegnatole confessa di non essere il vero Walter. La Collins denuncia allora la polizia, ottenendo l’allontanamento del capitano. Nel frattempo, emerge la personalità di Gordon Northcott, immigrato canadese accusato di aver torturato e ucciso diversi bambini. La madre di Northcott, Sarah Louise Northcott, confessò alla fine del 1928 la sua partecipazione all’omicidio di Walter Collins, tra le vittime del figlio.

Tuttavia, al momento della sua impiccagione, avvenuta nel 1930, Gordon chiese di incontrare la Collins e a lei dichiarò di non avere nulla a che fare con suo figlio. La stessa Sarah Northcott ha poi tentato di revocare la sua confessione e ha fornito altre dichiarazioni frammentarie e incoerenti. Nel 1935 viene infine ritrovato David Clay, uno dei bambini rapiti. Questi racconta della sua fuga insieme ad altri bambini, tra cui vi sarebbe stato anche Walter. Le speranze di Christine si riaccendono, e la donna continuerà per anni a cercare il figlio. Tuttavia, nel 1964 la donna muore senza aver scoperto nulla e senza aver potuto riabbracciare il suo piccolo.

Changeling significato titolo
Angelina Jolie in Changeling

 

Il significato del titolo

Il titolo Changeling si deve all’omonima creatura fantastica tipica del folklore europeo. Di essa si narra che sia un essere molto simile alle fate e sia attratto dai bambini tanto da rapirli sostituendoli con i propri perché al contrario dei loro neonati (deformi e spesso malati) sono belli e sani. Secondo altre fonti invece li rapirebbero solo per “succhiarne” l’energia vitale o per nutrirsene. Il sostituto si può riconoscere perché è estremamente intelligente, molto più di un bambino umano normale, ma impacciato nei movimenti e con un comportamento molto diverso da quello umano. Lo sceneggiatore J. Michael Straczynski si è dunque basato su tale leggenda per dare il titolo al racconto.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

Per gli appassionati del film, o per chi dovesse ancora vederlo, è possibile fruire di Changeling grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Prime Video e Now. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 17 gennaio alle ore 21:00 sul canale Iris.

Scissione – Stagione 2: la spiegazione del finale dell’episodio 1

Dopo le conseguenze dello scioccante finale della prima stagione, il finale dell’episodio 1 della stagione 2 di Scissione fornisce un indizio intrigante sul collegamento tra il lavoro di Mark alla MDR e la signora Casey. Come ricordiamo in questo recap, la stagione 1 è iniziata lentamente, ma ha costruito gradualmente la sua storia fino a un finale da brivido. Nei momenti finali, la stagione 1 dello show fantascientifico di Apple TV+ ha poi mostrato come gli interni siano riusciti a eseguire il protocollo Overtime Contingency per dare un’occhiata alla vita degli esterni.

Invece di esplorare appieno l’impatto delle azioni degli interni sul mondo esterno, l’episodio di apertura della seconda stagione di Scissione si limita però ad accennare al fatto che tutti loro sono stati celebrati come eroi per aver spifferato tutto a Lumon. L’episodio si concentra principalmente sul modo in cui Lumon sta cambiando il suo approccio nei confronti degli interni, dando loro più libertà e autonomia sul posto di lavoro. Tuttavia, un’analisi più approfondita di molti dettagli del finale di questo episodio della seconda stagione suggerisce che lo scopo di Lumon è più particolare di quanto sembri.

Cosa rivela il finale dell’episodio 2×01 di Scissione su Mark e Gemma/Casey

Nel finale dell’episodio 2×01 di Scissione, Mark e gli altri dipendenti della MDR ricominciano a lavorare. Non appena Mark ordina i numeri sul suo schermo in cestini, la puntata passa a un altro schermo del computer in cui compare Gemma con gli stessi cestini in basso. Anche la barra di avanzamento, con il nome del file “Cold Harbor”, mostra lo stesso numero su entrambi gli schermi. Questa breve scena lascia intendere che Mark potrebbe lavorare sul file di Gemma.

Dopo la prima stagione, molti spettatori hanno teorizzato che il dipartimento MDR potrebbe aiutare Lumon a perfezionare i chip della buonuscita classificando le emozioni umane nei quattro “temperamenti” di Kier Eagan: “Guai, divertimento, paura e cattiveria”. In parole povere, i lavoratori stanno eseguendo l’apprendimento automatico per garantire che i chip rendano gli esseri umani più malleabili o compiacenti. Mark sta lavorando specificamente sul file di Gemma perché la conosce meglio di chiunque altro. Se questo è vero, Gemma è stata rimandata nella sala prove nel finale della prima stagione di Scissione perché ha mostrato una parvenza di emozioni umane, rendendola un’impiegata non ideale.

Sarah Bock in Scissione
Sarah Bock in Scissione

Il significato di “Cold Harbor” sullo schermo di Mark

Anche se i dettagli e lo scopo di “Cold Harbor” saranno probabilmente rivelati più avanti nella seconda stagione di Scissione, Mark e Gemma stanno inconsapevolmente lavorando insieme per aiutare Lumon. Lo schermo nei momenti finali dell’episodio suggerisce anche che Mark sta lavorando alla 25esima iterazione di Gemma, suggerendo che l’ha perfezionata fin dall’inizio. Questo spiegherebbe perché Mark ha avuto il suo “colpo di fortuna da matricola” dopo essersi unito alla Lumon: stava sempre lavorando sul file di una persona familiare all’MDR.

Il significato di “Cold Harbor” rimane sconosciuto, ma potrebbe avere a che fare con la tecnologia criogenica. Dopo l’incidente, Gemma deve essere stata tenuta in uno stato di sospensione, forse in conservazione criogenica. Per questo motivo, non ha un’uscita e si ritiene che sia morta. Oppure, “Cold Harbor” potrebbe semplicemente significare che, attraverso il processo di perfezionamento, Lumon intende trasformarla in un individuo più “freddo”, incapace di provare emozioni umane complesse, ma in grado di servire come dipendente ideale.

Perché Irving decide di tornare alla MDR nel finale dell’episodio

L’episodio 2×01 di Scissione lascia inoltre intendere che l’interno di Helly potrebbe non essere tornato. Al contrario, l’esterno, Helena, potrebbe essere entrato volontariamente nell’ufficio per tenere d’occhio tutti gli altri dipendenti della Lumon. Anche se questo non è confermato, potrebbe spiegare perché si sia inventata di parlare con un giardiniere durante il suo periodo di lavoro straordinario. Mentre parla con Mark, fa anche notare che l’MDR non ha più telecamere.

La sua fiducia cieca in Lumon suggerisce quindi che non può essere lei l’interno, Helly. Irving è l’unico lavoratore dell’MDR a notare che qualcosa in lei sembra strano. Quando lei parla del tempo trascorso all’aperto, lui si chiede cosa ci facesse un giardiniere fuori casa sua di notte durante l’inverno. Sembra aver capito che Lumon non sta tramando nulla di buono e decide di rimanere per andare a fondo di quanto sta accadendo.

Tramell Tillman in Scissione
Tramell Tillman in Scissione

Milchick permette agli interni di andarsene a piacimento

Dopo gli eventi della stagione 1 di Scissione, Lumon sembra aver capito di poter sfruttare il cameratismo che i lavoratori dell’MDR hanno sviluppato. Sebbene la “Rivolta di Macrodat” abbia minacciato la privacy di Lumon, l’azienda capisce che può trarre vantaggio dal senso di lealtà e fiducia che si è creato tra i lavoratori dell’MDR. Se gli interni costruiscono la propria identità e la propria vita all’interno dell’ufficio Lumon, saranno meno costretti a comprendere la vita degli esterni. Questo, a sua volta, li renderebbe più facili da controllare e manipolare.

Pertanto, crea nuove regole che danno ai dipendenti un falso senso di libertà, facendo leva sui loro legami emotivi e sulla loro autonomia percepita. L’azienda sa anche che i lavoratori come Mark non se ne andranno tanto presto, perché hanno un motivo solido per restare all’interno. Inoltre, poiché gli interni iniziano a vedersi come individui separati dagli esterni, l’azienda sa che esiterebbero a “uccidersi” andandosene. Il permesso di andarsene è quindi solo un’illusione progettata per far sentire ai lavoratori che hanno il controllo sul loro destino.

Il consiglio di amministrazione accetta le condizioni di Mark

La “Rivolta di Marcodat” potrebbe aver danneggiato la reputazione di Lumon. Allo stesso tempo, però, potrebbe aver dato all’azienda un nuovo mezzo per controllare gli interni. Gli innies hanno sviluppato un senso di appartenenza e di unione tra loro dopo aver lavorato insieme durante il processo di Contingenza degli straordinari.

Quando Mark è tornato e si è rifiutato di lavorare con i nuovi dipendenti della MDR e ha chiesto al consiglio di amministrazione di far rientrare i suoi ex compagni di squadra, è probabile che il consiglio di amministrazione l’abbia interpretato come un’opportunità per tenerlo in riga e sotto controllo. Questa, tuttavia, è solo una teoria basata sugli sviluppi della storia fino ad ora. Le vere motivazioni del consiglio diventeranno probabilmente più chiare nei prossimi episodi.

Hans Zimmer sceglie una colonna sonora per Christopher Nolan come la sua composizione più innovativa dal punto di vista tecnico

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Hans Zimmer definisce Inception la sua colonna sonora più innovativa dal punto di vista tecnico. Diretto dal frequente collaboratore di Zimmer Christopher Nolan, Inception è uscito nel 2010 e ha guadagnato oltre 839 milioni di dollari in tutto il mondo. Il film, interpretato da Leonardo DiCaprio e da un cast corale, segue un gruppo di persone con la capacità di infiltrarsi nei sogni degli altri e di influenzarli. Ha ottenuto recensioni positive ed è stato candidato a otto premi Oscar, vincendone quattro.

In una recente intervista con Vulture, Zimmer ha riflettuto sul processo creativo che ha portato alla realizzazione della colonna sonora di Inception, spiegando come abbia manipolato il tessuto stesso del tempo attraverso la musica. Ha descritto Inception come un esempio perfetto di questa tecnica, in cui diversi elementi musicali a vari tempi si intersecavano in armonia, creando una colonna sonora che era parte integrante della narrazione tanto quanto le immagini. Zimmer ha anche parlato del suo lavoro per Interstellar di Nolan. Ecco i suoi commenti qui di seguito:

Inception perché sono riuscito a scardinare il tessuto del tempo. C’è un punto in cui stanno accadendo tre cose. È come se i treni si incrociassero, tutti a velocità diverse, ma poi si incontrano, si armonizzano l’uno con l’altro e poi tornano a fluttuare nei loro piccoli mondi. Interstellar è interessante anche perché abbiamo usato un organo a canne. Nessuno, a parte un film horror, ha usato un organo a canne.

Cosa significa questo per la colonna sonora di Inception

I commenti di Zimmer riflettono il ruolo crescente della musica nell’accentuare la manipolazione del tempo nel cinema moderno. In Inception, l’intreccio di elementi musicali a tempi diversi rispecchia la struttura composita della storia, in cui si intersecano realtà diverse. Questo approccio alla colonna sonora riecheggia il lavoro di Zimmer in altri film come Dunkirk e la trilogia del Cavaliere Oscuro, dove l’uso di ritmi che aumentano la tensione e di suoni non convenzionali amplifica l’urgenza. Il risultato di Inception è una colonna sonora che non solo accompagna le immagini, ma partecipa attivamente alla narrazione.

Inoltre, l’uso della manipolazione del tempo sia in Inception che in Interstellar dimostra l’abilità di Zimmer nell’utilizzare la musica come strumento narrativo. La colonna sonora di Inception, con i suoi ritmi e le sue armonie mutevoli, completa l’esplorazione del mondo dei sogni e della malleabilità del tempo. Allo stesso modo, l’inclusione dell’organo a canne in Interstellar contribuisce a trasmettere la vastità e la gravità dello spazio, aggiungendo un riverbero che collega i temi dell’amore, del sacrificio e della longevità della storia.

Inoltre, la disponibilità di Zimmer a sperimentare strumenti e tecniche non convenzionali definisce il suo approccio geniale alla colonna sonora dei film. In Interstellar, il raro uso dell’organo a canne nel contesto di un’epopea fantascientifica sfida la tradizionale partitura orchestrale, creando un suono distintivo che si distingue dalla musica cinematografica più convenzionale. Il suo spirito innovativo, visto non solo in Inception e Interstellar, ma in tutti e sette i film di Nolan per i quali ha composto le musiche, continua a influenzare l’evoluzione delle colonne sonore dei film.

Inarrestabile: la storia vera dietro al film su Anthony Robles

Inarrestabile: la storia vera dietro al film su Anthony Robles

Il film biografico sportivo Inarrestabile (Unstoppable) racconta la straordinaria storia vera di Anthony Robles, che ha affrontato ostacoli e sfide sia dentro che fuori dal campo di wrestling, diventando campione NCAA di wrestling nel 2011. Diretto dal montatore William Goldenberg, vincitore di un premio Oscar e al suo debutto come regista, Unstoppable è basato sul libro del 2012 di Robles , Unstoppable: From Underdog to Undefeated: Come sono diventato un campione.

Il vincitore dell’Emmy Jharrel Jerome guida un cast eccezionale di Inarrestabile (Unstoppable) che comprende Jennifer Lopez, Michael Peña, Don Cheadle e Bobby Cannavale. Inarrestabile (Unstoppable)  ha ricevuto recensioni per lo più positive, ottenendo un punteggio di critica su Rotten Tomatoes del 74%. Ben Affleck, Matt Damon e il vero Anthony Robles hanno prodotto il film. Robles appare anche nel film come suo doppio in alcune scene. Unstoppable è stato reso disponibile in streaming esclusivamente su Prime Video il 16 gennaio 2025.

Come dimostrato alla fine di Inarrestabile (Unstoppable), Robles rimane l’unico lottatore NCAA con una gamba sola a vincere un campionato nazionale e il primo atleta a essere ingaggiato da Nike dopo il ritiro da uno sport. Dato che Robles ha partecipato direttamente alla creazione e alla produzione del film, Unstoppable descrive accuratamente la sua ispirante storia vera. Ci sono tuttavia alcune piccole modifiche, come il nome del patrigno violento e l’apparizione fittizia di Robles nel campionato di wrestling NCAA del 2010.

Anthony Robles ha preferito l’Arizona State all’Università di Drexel

Michael Peña in Inarrestabile (Unstoppable)

Dopo aver ottenuto 96-0 nei suoi anni da junior e senior alla Mesa High School di Mesa, Arizona, Anthony Robles è rimasto sorpreso dal fatto che nessuno dei suoi migliori college lo abbia reclutato. Tra questi, Iowa, Oklahoma State e Columbia. Dopo aver rifiutato una borsa di studio completa per lottare alla Drexel University di Philadelphia, Pennsylvania – che avrebbe fatto parte della NCAA Division I Coastal Athletic Association – Robles si è iscritto come matricola e ha iniziato a gareggiare per la ASU nel 2007-2008 con un record di 25-11. Nell’anno da secondo anno Robles è salito a 29-8. È stato nominato All-American. È stato nominato All-American, ha vinto il campionato Pac-10 e si è classificato quarto al campionato NCAA nella divisione 125 libbre.

Anthony Robles ha vinto il Campionato NCAA di wrestling 2011 con un record imbattuto di 36-0

La storica stagione 2010-2011 di Robles è stato il suo ultimo anno di eleggibilità ad Arizona State. Come si legge in Unstoppable, Robles ha ottenuto un perfetto 36-0 e si è laureato campione nazionale NCAA di lotta libera nel 2011. Inoltre, Robles ha ottenuto numerosi altri risultati ad Arizona State, tra cui quattro partecipazioni al campionato Pac-10 e tre vittorie consecutive nella divisione 125 libbre. In carriera ha totalizzato 122 vittorie all’ASU, l’ottavo posto nella storia della scuola, e ha stabilito i record stagionali di vittorie con punti bonus (31) e cadute tecniche (24). Robles è entrato a far parte dei più grandi lottatori dell’Arizona State di tutti i tempi, che comprendono anche Dan St. John, Zahid Valencia e Markus Mollica, tutti due volte campioni NCAA.

Il 2 volte campione NCAA Matt McDonough non ha sconfitto Anthony Robles nel 2010

Inarrestabile (Unstoppable)

Robles ha vinto il campionato NCAA di wrestling 2011 nella divisione 125 libbre contro Matt McDonough dell’Università dell’Iowa, che ha vinto il titolo NCAA nel 2010 e nel 2012. Il filmato afferma che McDonough ha sconfitto Robles nel campionato nazionale del 2010, ma non è esatto. Quell’anno McDonough ha sconfitto la matricola Andrew Long di Iowa State. Il filmato afferma anche che McDonough ha vinto due campionati nazionali consecutivi, il che è falso. Tuttavia, ha vinto due titoli NCAA nel 2010 e nel 2012 e ha perso contro Robles nel 2011. Nel 2010 Robles è stato nominato All-American dopo aver ottenuto un punteggio di 32-4. Alla fine si è classificato settimo nella categoria di peso NCAA 125 libbre dopo aver vinto il campionato Pac-10.

Anthony Robles aveva un patrigno violento di nome Ron, non Rich, Robles

Il più grande conflitto fuori dal campo di Robles in Unstoppable e nella realtà era il suo patrigno violento. Chiamato Ron, non Rich, nella vita reale, il patrigno di Robles era verbalmente violento con Robles e fisicamente violento con sua madre Judy. Ron alla fine lasciò Judy per un’altra donna, come si vede nel film. Secondo Deadspin, “Ron criticava il figliastro senza pietà e a volte abusava fisicamente di Judy in sua presenza”. Nella vita reale, l’astio di Ron nei confronti di Anthony era più razziale di quanto suggerisca Unstoppable. “Judy ha detto che Ron non poteva perdonare a suo figlio il colore della sua pelle – il padre biologico di Anthony è nero – né perdonarle l’amore che prova per Anthony.

Robles è in contatto con loro ancora oggi

Don Cheadle in Inarrestabile (Unstoppable)

Sia l’allenatore del liceo di Anthony Robles, Bobby Williams (Michael Peña), che Shawn Charles (Don Cheadle), continuano a essere dei grandi sostenitori. In un’intervista a TODAY, Robles ha rivelato: “Bobby Williams è sempre stato una figura paterna per me. Quando sono entrato nella stanza del wrestling per la prima volta, mi ha trattato come se fossi già un campione nazionale”. Robles attribuisce a Williams il merito di averlo aiutato a trovare il suo stile di lotta unico che ha contribuito a renderlo un campione nazionale. Per quanto riguarda l’allenatore Shawn Charles, Robles apprezza la sua costante fonte di motivazione. “Mi ha costretto a uscire regolarmente dalla mia zona di comfort. Mi ha sfidato a pensare a un livello diverso e a migliorarmi”.

Judy Robles è davvero fieramente protettiva nei confronti del figlio e della famiglia+

Jennifer Lopez e Jharrel Jerome in Inarrestabile (Unstoppable)
Jennifer Lopez e Jharrel Jerome in Inarrestabile (Unstoppable)

Judy Robles è una vittima di abusi domestici che fa di tutto per mantenere l’equilibrio e un senso di pace e normalità nella sua casa distruttiva. Si spinge fino a donare troppo sangue per mettere in tavola il cibo per i suoi figli, sostenendo in ogni modo l’impegno di Anthony nel wrestling. La scena all’inizio di Unstoppable in cui rimprovera i disturbatori di Anthony è basata su eventi reali ed esemplifica perfettamente la sua feroce lealtà verso il figlio e la famiglia. Jennifer Lopez, che interpreta Judy nel film, ha invitato la vera Judy e Anthony Robles a casa sua per saperne di più sulla sua storia nel 2021 (via ESPN).

I messaggi dei fan dei bambini hanno motivato Anthony Robles dopo la sconfitta nei quarti di finale del 2010

Sebbene Robles non abbia effettivamente gareggiato e perso la finale del campionato NCAA 2010 nella sua categoria di peso, si è scoraggiato dopo la sconfitta nei quarti di finale, passando dal quarto posto del 2009 al settimo. Robles ha ricevuto un mucchio di lettere di fan da parte di bambini dopo la straziante sconfitta che lo hanno ispirato non solo a vincere per se stesso, ma anche a ispirare quei bambini a seguire i loro sogni. Secondo USA Today, le lettere dei fan, che ancora oggi conserva in una teca per i trofei, “hannocambiato completamente la traiettoria della mia vita”. Robles ha rivelato che diventare campione nazionale “non era importante per me. In realtà, ciò che mi importava ora è che volevo mostrare a questi ragazzi che tutto è possibile”.

La squadra di wrestling dell’Arizona State è stata tagliata nel 2008 ma è stata reintegrata da donatori privati

Come illustra Unstoppable, l’Arizona State University intendeva tagliare il suo programma di lotta libera NCAA Division I, così come il nuoto e il tennis, per motivi finanziari (via The Daily). Ciò è avvenuto nel 2008 ed è durato solo poco più di una settimana, dopo che una serie di donatori privati ha permesso all’ASU di continuare con tutti e tre i programmi. In Unstoppable, sembra che il taglio e il ripristino del programma di wrestling dell’ASU sia avvenuto poco prima del terzo anno di Robles, il che significa che sarebbe avvenuto prima della sua stagione 2009-2010. Unstoppable modifica leggermente la tempistica del taglio del programma di wrestling dell’ASU per ottenere un effetto drammatico.

Inarrestabile (Unstoppable), la spiegazione del finale: Anthony Robles vince il campionato nazionale?

Il finale del film biografico sportivo Inarrestabile (Unstoppable) racconta la straordinaria storia vera di Anthony Robles, che ha affrontato ostacoli e sfide sia dentro che fuori dal campo di lotta prima di diventare campione di wrestling NCAA nel 2011. Diretto dal montatore William Goldenberg, vincitore di un premio Oscar e al suo debutto come regista, Inarrestabile (Unstoppable) è basato sul libro Unstoppable di Robles del 2012 : From Underdog to Undefeated: Come sono diventato un campione.

Il vincitore dell’Emmy Jharrel Jerome guida un cast eccezionale di Inarrestabile (Unstoppable) che comprende Jennifer Lopez, Michael Peña, Don Cheadle e Bobby Cannavale. Inarrestabile (Unstoppable) ha ricevuto recensioni per lo più positive, ottenendo un punteggio di critica su Rotten Tomatoes del 74%. Ben Affleck, Matt Damon e il vero Anthony Robles hanno prodotto il film. Robles appare anche nel film come suo doppio in alcune scene. Inarrestabile (Unstoppable) è stato reso disponibile in streaming esclusivamente su  Prime Video il 16 gennaio 2025.

Come dimostrato alla fine di Unstoppable, Robles rimane l’unico lottatore NCAA con una gamba sola a vincere un campionato nazionale e il primo atleta a essere ingaggiato da Nike dopo il ritiro da uno sport. Dato che Robles ha partecipato direttamente alla creazione e alla produzione del film, Unstoppable descrive accuratamente la sua ispirante storia vera. La fine di Inarrestabile (Unstoppable) mette in evidenza la vittoria ispiratrice di Robles e la fine di un percorso difficile pieno di sacrifici, sostegno e determinazione che hanno giocato un ruolo fondamentale nel portarlo a destinazione.

Anthony Robles ha sconfitto Matt McDonough per diventare campione NCAA 2011

Il finale di Inarrestabile (Unstoppable) si concentra sulla meritata vittoria di Robles contro il campione nazionale in carica di 125 libbre Matt McDonough dell’Università dell’Iowa. La storica stagione 2010-2011 di Robles è stato il suo ultimo anno di eleggibilità all’Arizona State. Come si vede in Inarrestabile (Unstoppable), Robles ha ottenuto un perfetto 36-0 e si è laureato campione nazionale di wrestling NCAA 2011, sconfiggendo McDonough e impedendogli di diventare un tre volte campione NCAA.

All’inizio del film, Robles guarda scioccato dopo essere stato ignorato dal capo allenatore dell’Iowa, Tom Brands, dopo aver vinto il campionato liceale. L’Iowa era una delle scelte migliori di Robles per l’università e probabilmente credeva che arrivare primo gli avrebbe procurato l’attenzione che meritava da parte di uno storico programma di wrestling universitario come l’Università dell’Iowa. Anche se in Inarrestabile (Unstoppable) Robles non si mostra vendicativo, è probabile che la vittoria del titolo NCAA 2011 sia stata ancora più bella di quella del campione in carica dell’università che non lo aveva scelto. Nonostante questo, Robles è un campione onorevole e festeggia la sua vittoria con la madre Judy, che per molti versi è la sua campionessa personale.

Anthony Robles ha perso contro McDonough nelle finali NCAA del 2010?

Michael Peña in Inarrestabile (Unstoppable)

Anthony Robles non ha affrontato McDonough nella finale del campionato NCAA di wrestling del 2010 nella divisione 125 libbre, e questo è probabilmente il più grande errore di fatto del film. Sebbene McDonough abbia vinto il titolo NCAA nel 2010 e nel 2012, non si è trattato di un campione ininterrotto come affermato nel film. Al contrario, quell’anno McDonough ha sconfitto la matricola Andrew Long di Iowa State, mentre Robles si è classificato settimo dopo aver perso ai quarti di finale. Si trattò di un calo per Robles, che l’anno precedente si era classificato quarto al secondo anno. Inarrestabile (Unstoppable) ha probabilmente esagerato lo slancio di McDonough per renderlo un avversario più temibile per Robles nel 2011, anche se il suo record nella vita reale e i suoi riconoscimenti erano certamente abbastanza impressionanti.

La spiegazione della storia del wrestling dell’Università dello Iowa e di Tom Brands

L’allenatore di wrestling dell’Università dell’Iowa Tom Brands viene dipinto come un antagonista in Inarrestabile (Unstoppable). In realtà, Brands è un lottatore e una persona piuttosto impressionante, avendo vinto una medaglia d’oro olimpica nel 1996 dopo essere diventato campione del mondo nel 1993. Brands ha anche avuto una stagione da imbattuto nel 1991, quando è arrivato a 45-0, aggiungendo un record di 158-7-2 nella sua carriera di lottatore collegiale all’Università dell’Iowa. Inoltre, Brands è stato 4 volte All-American e 3 volte campione NCAA. È stato assistente allenatore dell’Iowa per 12 stagioni, dal 1993 al 2004, prima di diventare allenatore capo a Virginia Tech e poi all’Iowa nel 2006. È stato il capo allenatore di wrestling dell’Iowa per 19 anni.

Perché Anthony Robles è tornato sui gradini del Rocky Steps prima del suo incontro di campionato

Quando Robles ha partecipato al campionato liceale all’inizio di Inarrestabile (Unstoppable), ha fatto in modo di salire in cima alla famosa Rocky Steps di Philadelphia, cosa che il vero Robles ha fatto davvero. Prima del suo incontro di campionato del 2011, Robles è tornato nel luogo storico e ha messo un piede sopra le impronte incise di Rocky, creando così un’immagine duratura in Inarrestabile (Unstoppable) che dimostra le caratteristiche fisiche uniche di Robles e il suo desiderio di essere un campione. Robles porta questa energia da “occhio della tigre” nella sua battaglia per il campionato, riallacciandosi al periodo in cui ha vinto l’ultimo grande campionato al liceo.

Cosa è successo ad Anthony Robles dopo la vittoria del titolo nazionale 2011

Come viene mostrato prima dei titoli di coda di Inarrestabile (Unstoppable), la storia di Anthony Robles ha ispirato milioni di persone, tra cui il fondatore e CEO di Nike Phil Knight, che ha dichiarato: “Dopo quello che ha realizzato, Anthony Robles sarà un atleta Nike per tutta la vita”. Robles si è ritirato dal wrestling dopo aver vinto il titolo NCAA nel 2011 ed è diventato un oratore motivazionale, attualmente in collaborazione con Keppler Speakers e Washington Speakers Bureau. Nel 2011 Robles ha vinto il prestigioso Jimmy Valvano ESPY Award per la sua perseveranza. Nel 2012 è diventato analista di wrestling NCAA per ESPN, prima che il Presidente Obama lo nominasse membro del President’s Council on Fitness, Sports & Nutrition nel 2013.

Robles ha scritto il suo libro Unstoppable subito dopo la vittoria del titolo NCAA 2011. Il libro è stato pubblicato nel 2012 e ha ispirato l’omonimo film. Negli ultimi anni, Robles ha assunto il ruolo di allenatore di wrestling presso la Mesa High School, dove è rimasto imbattuto e ha ottenuto un impressionante record di 96-0 durante il suo anno da junior e da senior sotto la guida dell’allenatore Bobby Williams. Sua madre, Judy Robles, si è laureata all’Arizona State University nel 2014 e ha conseguito il dottorato in Educazione nel 2022. Attualmente è assistente del decano degli studenti dell’ASU. In questo modo, Unstoppable è diventato una storia di successo non solo per Anthony Robles, ma anche per sua madre Judy.

Il vero significato del finale di Inarrestabile (Unstoppable)

Don Cheadle in Inarrestabile (Unstoppable)

Inarrestabile (Unstoppable) è una storia di speranza, resa ancora più palpabile perché in gran parte vera. In Unstoppable e nella vita reale di Robles ci sono molti momenti in cui avrebbe potuto perdere la concentrazione sul suo sogno di wrestler e crollare sotto il peso della pressione e delle aspettative. Se Robles stesso è un incredibile faro di ispirazione, Inarrestabile (Unstoppable) dimostra che non avrebbe potuto farcela da solo, soprattutto senza l’incrollabile sostegno di sua madre Judy, la fiducia iniziale in lui da parte dell’allenatore del liceo Bobby Williams e le sfide che l’allenatore dell’ASU Shawn Charles presentava a Robles ogni giorno. Inarrestabile (Unstoppable) è un promemoria di come un campione si costruisca attraverso l’abilità e la determinazione, ma anche attraverso la forza del proprio carattere.

Station 19 – stagione 7: la spiegazione del gran finale

Station 19 – stagione 7: la spiegazione del gran finale

La seconda parte del finale di serie di Station 19 ha dato il giusto commiato ai vigili del fuoco di Seattle e alle loro famiglie, concludendo le loro storie e offrendo uno sguardo al loro futuro immediato e lontano. L’episodio 10 della stagione 7 di Station 19 ha mostrato l’equipaggio lottare per la propria sopravvivenza e per la protezione di Seattle, dividendosi tra la lotta contro uno dei più grandi disastri che abbiano mai dovuto affrontare e le visioni di un possibile futuro che hanno motivato la squadra a resistere. Concentrare l’attenzione sull’incendio ha portato in primo piano il dramma e lo sviluppo del carattere dei protagonisti di Station 19.

Oltre alle tensioni che hanno messo in pericolo diversi personaggi, rendendo incerta la loro sopravvivenza fino alla fine, il finale di Station 19 ha anche concluso con decisione le storie accennate nel corso della settima stagione. Concentrandosi meno sui personaggi i cui finali erano già stati approfonditi nella stagione 7 di Station 19, il finale di serie è riuscito a dare conclusioni parzialmente inaspettate alle storie di alcuni personaggi, tra cui la decisione di Ben Warren di lasciare la Stazione 19 per tornare al Grey Sloan. Concentrandosi sui protagonisti e sull’eredità della caserma, il finale della stagione 7 di Station 19 ha mantenuto intatti i temi centrali del dramma sui pompieri.

Il significato delle visioni dei pompieri nel finale di Station 19

Tutti i personaggi centrali hanno avuto delle visioni nei momenti critici del finale della stagione 7 di Station 19, sia che la loro salute fosse a rischio, come nel caso di Theo al Grey Sloan Memorial, sia che avessero vissuto un’esperienza di quasi morte, come nel caso di Travis e Dominic che hanno evitato per un soffio il tornado di fuoco. Le visioni potrebbero essere facilmente scambiate per una finestra sul futuro dei personaggi di Station 19. Tuttavia, in base ai momenti in cui si sono verificate, queste visioni sono state considerate come una finestra sul futuro dei personaggi. Tuttavia, in base ai momenti in cui tali visioni si sono presentate, avevano più a che fare con le ragioni che i protagonisti diStation 19 dovevano ricordare a se stessi per superare la sfida momentanea che in quel momento sembrava insormontabile.

Il discorso di Andy all’inizio dell’episodio ha inquadrato perfettamente il significato delle visioni quando ha chiesto a Maya di concentrarsi su ciò che l’aspettava dopo la sua difficile situazione. Ogni visione seguiva una situazione a cui i personaggi di Station 19 temevano di non poter sopravvivere, e iniziava con primi piani dei personaggi che lasciavano intendere la natura intima di ciò che stavano evocando, concentrandosi intensamente sulle loro ragioni per cui vivere. Che sia più probabile, come la visione della famiglia di Maya che conferma il lieto fine della stagione 7 di Station 19, o più inverosimile, come la fine di Andy con Jack, era ciò che avevano bisogno di vedere per concentrarsi sulla sopravvivenza.

Come la guida di Andy ha salvato Maya dall’incendio selvaggio

Maya, trovandosi tagliata fuori dal resto della sua squadra a causa dell’imperversare dell’incendio, si era convinta di essere sul punto di incontrare la sua fine, e il suo continuo chiamare Andy e ammetterlo mostrava il luogo oscuro in cui si trovava la sua mente. Sebbene la goccia d’acqua abbia fisicamente salvato Maya pochi istanti dopo, è stato il suggerimento di Andy di “concentrarsi su tutto ciò che ti aspetta quando uscirai da lì, su tutto ciò per cui hai da vivere” a costringere Maya a concentrarsi su ciò che aveva davanti, sulle sue speranze e sui suoi sogni.

Le parole di Andy hanno ispirato Maya a non disperare, facendole vedere cosa l’aspettava dopo l’insormontabile sfida dell’incendio, ricordando efficacemente a Maya le ragioni per cui sopravvivere a quella minaccia.

Il momento successivo alla goccia d’acqua ha chiarito quanto Andy sia stato utile a Maya come leader di Station 19. Andy ha persino offerto a Maya di sedersi a quel tavolo. Andy aveva persino proposto a Maya di assistere a quella chiamata, ma lei aveva rifiutato perché le parole di Andy avevano spostato l’attenzione di Maya dalle sue preoccupazioni alla questione in corso, facendole migliorare la concentrazione e rendendola una risorsa indispensabile per l’ultima resistenza contro la potenziale diffusione dell’incendio verso Seattle e per il recupero del paziente con il fischietto.

Il significato del cameo finale di Station 19 di Okieriete Onaodowan per Vic’s Vision

Il ritorno di Onaodowan nei panni di Dean Miller nella visione di Vic è stato particolarmente significativo in Station 19, stagione 7, episodio 10, perché ciò che ha aiutato Vic a superare un tronco in fiamme che ha fatto breccia nel suo contenimento è stata la certezza che sostenere Crisis One fosse la strada giusta per lei. Lasciare Station 19 sarebbe stato sempre impegnativo, ma vedere la visione di Dean per Crisis One ha reso la decisione di Vic di trasformarla in un’iniziativa nazionale più importante del semplice rendere un programma essenziale disponibile per tutti nel Paese.

La quinta stagione di Station 19 ha istituito Crisis One come programma di Dean per addestrare gli SFD a offrire aiuto e a de-escalare situazioni che prima di allora sarebbero state affrontate solo dalla polizia, danneggiando più che aiutando. Tuttavia, dopo la sua morte inaspettata, Crisis One è diventato effettivamente l’eredità di Dean. Vedere un futuro potenziale in cui Vic avrebbe potuto esportare il bene fatto da Crisis One all’interno dell’SFD di Seattle in tutto il Paese, rendendo Dean orgoglioso di lei, significava che la sua scelta di trasferirsi a Washington era quella giusta, perché aveva fatto del bene e reso l’eredità di Dean ancora più importante.

Perché Travis ha lasciato Station 19 e ha seguito Vic a Washington

Nel corso di Station 19, Travis aveva la tendenza a scappare quando era minacciato dal cambiamento. Tutte le sue relazioni sentimentali dopo la morte di Michael erano fallite, sia perché Travis non era pronto per i passi successivi come i suoi partner, sia perché aveva scelto persone emotivamente non disponibili. Nella stagione 7 di Station 19 Travis è riuscito persino a far fallire la sua relazione con Eli, che sulla carta era buona, perché lo ha ripetutamente tradito con Emmett, nonostante non abbia avuto rispetto per suo padre per anni dopo che questi aveva tradito la madre di Travis.

Il trasferimento di Travis dall’altra parte del paese con Vic ha sfidato efficacemente la sua paura del cambiamento, dimostrando che era la cosa che poteva finalmente fargli superare il suo limbo, dopo che aveva usato la scusa di Station 19 come una comoda coperta di conforto che gli permetteva di evitare il cambiamento. Nonostante la distanza, il trasferimento di Travis potrebbe addirittura far funzionare la sua relazione con Dominic proprio perché ha finalmente costretto Travis a gestire il cambiamento, rendendogli più facile intraprendere una relazione con l’intento di farla funzionare a prescindere dalle sfide che lo attendono.

Il ritorno di Ben a Grey Sloan fa chiudere il cerchio alla Station 19

Station 19 è nato come spinoff di Grey’s Anatomy perché Ben Warren non si sentiva motivato da un intervento chirurgico quanto da un potenziale aiuto sulla scena del crimine dopo aver visto i pompieri in azione. La sua scelta di correre verso il fuoco era stata un arco narrativo centrale sia in Station 19 che in Grey’s Anatomy, perché aveva influenzato molto Miranda e la loro relazione, visto quanto la preoccupava, ma lui continuava a dedicarsi alla lotta antincendio perché si sentiva più utile.

Tuttavia, le cose sono evidentemente cambiate nella stagione 7 di Station 19. Mentre Ben si era concentrato sulla medicina per tutta la durata del dramma antincendio, facendo addirittura del PRT, all’interno del quale poteva operare, una realtà per Station 19, Station 19 stagione 7 ha mostrato Ben più desideroso di fornire aiuto come medico sul campo che come vigile del fuoco. La sua scelta di tornare alla chirurgia non solo non sorprende, ma è anche il finale perfetto per Station 19, in quanto chiude il cerchio della serie, facendo riscoprire a Ben la sua passione per la medicina dopo che lo spinoff era iniziato solo perché l’aveva persa.

Come le scene di flashforward mantengono intatto il messaggio centrale di Station 19

Il finale diStation 19garantisce che la maggior parte della squadra si sia smantellata per seguire la propria vera vocazione o ciò che doveva fare per crescere, sia in un futuro prossimo che in uno lontano. Tuttavia, quello che Beckett descriveva nella stagione 7, episodio 3 diStation 19 come l’approccio “pace nel mondo, l’amore vince, Care Bear” era sempre stato parte di ciò che rendeva speciale quella caserma. In effetti, nel corso delle sue sette stagioni, Station 19 ha sempre avuto al centro la comunità e l’aiuto alle persone in modo solidale, ma fino a quel momento era sempre stato lo stesso gruppo di personaggi a sostenerlo.

Mostrando Andy nei panni del capo dei pompieri che fa il discorso ricordando alle nuove reclute che “la Stazione 19 è un costrutto”, si è garantito ciò che è sempre stato al centro della caserma dei pompieri e Station 19 come show televisivo ha continuato a vivere, anche se i pompieri che hanno introdotto quell’approccio sono passati da tempo ad altri lidi. Il discorso di Andy aveva un duplice obiettivo: dire ai nuovi membri dell’equipaggio che cosa rappresentavano entrando a far parte di quella caserma, ma anche ricordare agli spettatori di Station 19 il messaggio al centro di sette stagioni della fiction sui pompieri.

Station 19 ha offerto una fine adeguata ai suoi protagonisti

La stagione 7 diStation 19 ha preparato il lieto fine dei suoi protagonisti fin dalla prima stagione, ma l’episodio 10 della stagione 7 è stato particolarmente adatto a completare il lavoro. In effetti, mostrandoli in crisi,il finale di serie di Station 19si è concentrato sul dramma stressante che ha sempre caratterizzato la serie, ma ha anche dato la possibilità di vedere come i personaggi volevano che fosse il loro futuro, a cosa stavano lavorando e come vedevano il resto della loro famiglia di Station 19 sempre presente per loro, qualunque fosse la pietra miliare che celebravano.

Vic, Travis e Ben che lasciano la Station 19 relativamente presto è triste, ma significa anche che hanno trovato la loro vera vocazione o che hanno finalmente affrontato ciò che li tratteneva dal crescere. Il presente di Maya comprendeva già la famiglia, ma il suo futuro la vedeva tornare come capitano della Stazione 19, proprio come il flashforward alla fine dimostrava che il commento di Ben sul fatto che Andy fosse “il sogno più sfrenato di suo padre” era giusto, poiché l’ascesa di Andy tra i ranghi dell’SFD era ciò per cui la Station 19 aveva sempre costruito, rendendo il finale di Station 19 il più appropriato perché la conclusione delle storie dei suoi personaggi corrispondeva pienamente ai loro viaggi nella serie.

Grey’s Anatomy: una star di Station 19 commenta un possibile ritorno alla serie, “Mai dire mai”

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Danielle Savre, interprete di Maya in Station 19, ha commentato un potenziale ritorno in Grey’s Anatomy, spiegando la possibilità di tornare. Il finale della serie Station 19 ha offerto una conclusione a molti archi narrativi di personaggi, tra cui Maya Bishop, un capitano della squadra la cui moglie è la dottoressa Carina DeLuca (Stefania Spampinato). Carina è una ginecologa in servizio al Grey Sloan Memorial Hospital, uno dei tanti elementi di collegamento tra le due serie. Sebbene nessuno dei due personaggi sia apparso dopo la fine dello spinoff, rimane aperta la possibilità che uno dei due compaia nella serie medica in corso.

Parlando con ScreenRant del suo ruolo nel dramma procedurale Found della NBC, Savre ha detto che non escluderebbe mai di tornare nel ruolo di Maya nonostante Station 19 sia finita. L’attore ha parlato di come il finale della serie lasci spazio al ritorno del suo personaggio, che continua a fare il suo lavoro e che potrebbe interagire con i personaggi di Grey’s Anatomy . Scoprite cosa ha detto Savre qui sotto:

ScreenRant: Anche con i flashforward che mostrano il futuro felice del tuo personaggio, pensi che ci sia spazio per un tuo ritorno in Grey’s Anatomy? O hai chiuso con Maya?

Danielle Savre: Non chiuderò mai la storia di Maya Bishop o di Station 19. Ha significato così tanto per me che non ho mai smesso di pensare a lei. Ha significato così tanto per me che dirò volentieri di sì a Grey’s Anatomy se vorranno un piccolo frammento di Maya Bishop. L’altro giorno stavamo scherzando, tipo: “E se arrivasse in ambulanza per lasciare un paziente?”. Mi sono detta: “Sarei felice di apparire per una parola, una scena, o anche solo per fare da sfondo a Grace Anatomy, se questo significasse far rivivere Maya per il mondo, per l’intero universo”.

ScreenRant: Questo è il senso del finale, giusto? Lei è lì, è il capo, e lo farà finché le ruote non cadranno.

Già. E lo farei. Ci sono così tante cose che mi piacerebbe. Ma voglio dire, hanno 17 series regular, quindi portare Maya in un ruolo significativo in Grey’s sarebbe altamente improbabile, ma non dico mai. Mi piacerebbe molto venire lì, solo per dire “ciao” e per giocare con tutta la famiglia Shondaland.

Cosa significa la dichiarazione di Savre per il futuro di Maya in Grey’s Anatomy

Durante la messa in onda di Station 19 , vari personaggi sono passati alla serie madre, e la Savre ha ripreso il suo ruolo di Maya nella serie con un ruolo ricorrente a partire dal 2020. Potrebbeancora apparire al Grey Sloan Memorial, con un possibile cameo in un episodio incentrato sul suo futuro dopo la serie originale. Anche Carina potrebbe comparire, visto che lavora ancora lì, anche se non compare da tempo. Questo apre la porta ad altri membri del cast di Station 19 , ma non è l’unico precedente per il ritorno del Capitano.

Ma il potenziale più forte per il ritorno di Maya viene dal dottor Ben Warren (Jason George), che è stato un personaggio principale dall’inizio di Station 19 fino alla settima stagione. Alla fine della serie, è tornato a lavorare al Grey Sloan Memorial, come si vede nella stagione 21 di Grey’s Anatomy, dove ora è un personaggio principale. Anche se questo non significa che il ritorno di Savre la renderebbe un personaggio principale, il suo interesse, unito alla volontà dello show di riportare in vita i personaggi, rende altamente possibile il suo ritorno.

Squid Game 2: una star spiega come il vero nome della guardia rosa 011 abbia influito sulla sua performance

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L’attore di Squid Game Park Gyu-young, che interpreta la Guardia 011 nella seconda stagione della serie di successo di Netflix, ha spiegato come il vero nome del suo personaggio abbia influenzato la sua performance. La storia della seconda stagione di Squid Game segue Gi-hun, che torna ai giochi per aiutare un nuovo gruppo di giocatori. Il cast della seconda stagione di Squid Game comprende Lee Jung-jae, Lee Byung-hun e Wi Ha-joon, che riprendono tutti i loro ruoli dalla prima stagione. Tuttavia, la stagione 2 di Squid Game introduce anche molti nuovi personaggi. Mentre la maggior parte di questi personaggi sono giocatori, il personaggio di Park Gyu-young è una guardia.

In un’intervista rilasciata a Deadline, Park riflette sul vero nome della guardia 011, che è No-eul, e spiega come questo abbia influito sulla sua performance. Park sostiene che l’aver appreso che il nome del suo personaggio significa “tramonto” in coreano ha dato maggior peso al personaggio, poiché i tramonti indicano l’arrivo dell’oscurità. Dato che No-eul entra nei giochi come soldato, Park si concentra sulle emozioni pesanti associate all’uccisione di vite innocenti. Leggete la sua dichiarazione completa qui sotto:

Ricordo che il regista mi disse che il nome del personaggio significa letteralmente tramonto in coreano, quindi si riferisce a un momento in cui l’oscurità inizia a penetrare e ci si sente più pesanti. Al di là della mimica facciale e della voce più bassa, il regista mi ha detto che il significato era molto più ampio e che dovevo trasmettere un senso di emozione molto pesante, soprattutto quando entravo nei giochi come soldato.

Che cosa significano per Squid Game i commenti di Park sulla Guardia 011?

L’introduzione di No-eul nella seconda stagione di Squid Game ha fatto pensare che sarebbe entrata nei giochi come giocatrice, proprio come la maggior parte dei personaggi dello show. Pertanto, il fatto che No-eul sia una guardia è stato uno dei più grandi colpi di scena della seconda stagione di Squid Game. Jun-ho si era travestito da guardia nella prima stagione di Squid Game, ma seguire No-eul nella seconda stagione è la prima volta che gli spettatori dello show hanno potuto vedere la prospettiva di una guardia.

Anche se No-eul non ha avuto molto tempo sullo schermo nella seconda stagione di Squid Game, è stata comunque uno dei personaggi più interessanti della stagione. Sa dell’operazione di prelievo di organi gestita dal manager temporaneo e riconosce anche uno dei giocatori del mondo esterno, Gyeong-seok. Anche se Gyeong-seok è stato ucciso alla fine della seconda stagione di Squid Game, è stato teorizzato che No-eul finirà per salvarlo. Pertanto, No-eul potrebbe unirsi alla ribellione di Gi-hun nella terza stagione di Squid Game.

Alice nel Paese delle Meraviglie diventerà nuovo film in versione anime

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L’amato romanzo per bambini di Lewis Carroll, Alice nel Paese delle Meraviglie, sta per entrare nel mondo degli anime giapponesi. Per la gioia dei fan di tutto il mondo, è stato annunciato ufficialmente il primo adattamento anime del racconto classico, intitolato Alice nel Paese delle Meraviglie -Dive in Wonderland-. L’ambizioso progetto, il cui debutto è previsto per il 29 agosto 2025, è diretto dall’acclamato regista Toshiya Shinohara, mentre la sceneggiatura è firmata dalla famosa scrittrice Yuko Kakihara. Lo Studio P.A. Works, noto per la sua splendida animazione, darà vita a questa rivisitazione del Paese delle Meraviglie con dettagli mozzafiato.

Secondo @SugoiLITE su X, questo adattamento anime di Alice nel Paese delle Meraviglie promette di combinare il mondo stravagante e surreale di Lewis Carroll con la narrazione unica e l’estro artistico per cui gli anime sono famosi. Pur mantenendo il cuore della storia originale, Dive in Wonderland mira a portare una nuova prospettiva sulle avventure di Alice. I fan attendono con impazienza di vedere come il medium anime reinterpreterà personaggi iconici come lo Stregatto, il Cappellaio Matto e la Regina di Cuori, e come fonderà la fantasia dell’epoca vittoriana di Carroll con i tropi moderni dell’anime giapponese.

Una visione audace per una storia senza tempo

Con Alice nel Paese delle Meraviglie -Dive in Wonderland- Toshiya Shinohara e Yuko Kakihara affrontano la sfida di reimmaginare una storia che ha affascinato il pubblico per generazioni. Invece di Alice come personaggio principale, la storia seguirà una ragazza dei giorni nostri di nome Rise, che vaga nel Paese delle Meraviglie e incontra Alice. La regia di Shinohara dovrebbe offrire un’interpretazione vibrante e dinamica del Paese delle Meraviglie, catturando il fascino caotico e l’atmosfera onirica del romanzo originale. Nel frattempo, la sceneggiatura di Kakihara si immergerà nel lato psicologico di Alice nel Paese delle Meraviglie.

Il coinvolgimento di P.A. Works assicura che l’aspetto visivo di questo adattamento sarà a dir poco straordinario. Conosciuto per la sua meticolosa attenzione ai dettagli e per l’animazione lussureggiante, lo studio è ben attrezzato per rendere i paesaggi fantastici e i personaggi eccentrici del Paese delle Meraviglie. La combinazione tra la regia visionaria di Shinohara e la maestria di P.A. Works fa sì che i fan siano in fibrillazione e si aspettino un capolavoro che renda onore al materiale di partenza, pur essendo una creazione unica nel suo genere.

Cosa rende l’anime il mezzo perfetto

L’anime è particolarmente adatto a ricreare il mondo surreale e immaginifico di Alice nel Paese delle Meraviglie. A differenza dei tradizionali adattamenti live-action o di animazione occidentale, l’anime ha una libertà senza pari, che consente espressioni esagerate, immagini esplosive e una narrazione sperimentale. Questa flessibilità è così importante per catturare l’essenza del Paese delle Meraviglie, un luogo dove la logica si piega e l’impossibile diventa possibile.

Alice nel Paese delle Meraviglie -Dive in Wonderland- promette di essere un adattamento innovativo, che fonde il fascino senza tempo della storia di Lewis Carroll con lo spirito innovativo degli anime giapponesi. Con l’avvicinarsi della data della prima di agosto 2025, continua a crescere l’attesa per quello che potrebbe diventare un momento decisivo nella storia degli adattamenti di anime.

Paradise: nuovo avvincente trailer della serie in arrivo su Disney+

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Disney+ ha diffuso il nuovo avvincente trailer di Paradise, la serie drama di Dan Fogelman interpretata da Sterling K. Brown, James Marsden e Julianne Nicholson, che debutterà il 28 gennaio sulla piattaforma streaming con 3 episodi disponibili al lancio, seguiti da uno a settimana.

La trama e il cast di Paradise

Paradise è ambientata in una tranquilla comunità abitata da alcune delle persone più importanti del mondo. Ma questa serenità va in frantumi quando si verifica uno scioccante omicidio e si apre un’indagine ad alto rischio.

La serie è interpretata da Sterling K. Brown, James Marsden, Julianne Nicholson, Sarah Shahi, Nicole Brydon Bloom, Aliyah Mastin e Percy Daggs IV. Gli executive producer sono Dan Fogelman, Sterling K. Brown, John Requa, Glenn Ficarra, John Hoberg, Jess Rosenthal e Steve Beers. La serie è una produzione 20th Television.

Back in Action: recensione del film con Cameron Diaz e Jamie Foxx

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Con il debutto su Netflix il 17 gennaio 2025, Back in Action segna un attesissimo ritorno per due amatissimi attori di Hollywood: Jamie Foxx e Cameron Diaz. Diretto da Seth Gordon (Come ammazzare il capo… e vivere felici) e scritto in collaborazione con Brendan O’Brien (Cattivi vicini), il film si presenta come una classica action-comedy che rievoca le dinamiche familiari e le atmosfere spionistiche tipiche del genere.

La trama di Back in Action

La trama segue Emily (Cameron Diaz) e Matt (Jamie Foxx), due ex spie della CIA che hanno abbandonato la vita pericolosa per costruire una famiglia. Tuttavia, quando la loro copertura salta, si trovano costretti a tornare in azione, con tutto il carico di tensioni e situazioni rocambolesche che ciò comporta. Pur trattandosi di un concept ampiamente esplorato, la presenza dei due protagonisti conferisce al film un’energia particolare, rendendolo un momento significativo per entrambi.

Per Jamie Foxx, il progetto rappresenta il primo film dopo il suo ricovero d’urgenza a causa di un ictus che aveva messo in dubbio il proseguimento della sua carriera (per non parlare della sua vita!). L’attore Premio Oscar si dimostra ancora una volta un talento straordinario, capace di mescolare azione e commedia con grande naturalezza, tratteggiando un personaggio che sembra timido e impacciato quando si tratta di confrontarsi con la volitiva compagna ma che poi diventa una vera e propria inarrestabile super spy. Dall’altra parte, Back in Action riporta Cameron Diaz sul set a dieci anni dal suo ultimo film. La “fidanzatina d’America” dimostra di essere ancora la regina delle commedie brillanti, regalando una performance carismatica, piena di verve e irresistibilmente divertente.

Back In Action. Glenn Close as Ginny in Back In Action. Cr. John Wilson/Netflix © 2024.

Un cast stellare e performance brillanti

Oltre alla coppia protagonista, il film si avvale di un cast di supporto efficace, con nomi come Glenn Close, Kyle Chandler, Andrew Scott e Jamie Demetriou. Close, in particolare, si distingue in un piccolo ma brillante ruolo, aggiungendo ulteriore classe a un ensemble già di alto livello. La regia di Seth Gordon punta su un ritmo serrato e situazioni spassose, anche se non riesce sempre a innovare in termini narrativi.

Il film non brilla per originalità: il tema delle spie in pensione che ritornano in servizio è già stato ampiamente esplorato, e la sceneggiatura, pur funzionale, non introduce elementi particolarmente innovativi. Tuttavia, il vero cuore di Back in Action sta nei suoi protagonisti. Diaz e Foxx portano sullo schermo una chimica irresistibile, dimostrando che, nonostante le convenzioni del genere, il carisma degli attori può fare la differenza.

Back in Action è un film che punta tutto su due star amatissime, riuscendo a trasformare un format già visto in un’esperienza piacevole e ricca di emozioni. Non è un capolavoro del genere, ma è un tributo al talento e alla resilienza di Jamie Foxx e Cameron Diaz. Per i fan dei due attori, è una visione imperdibile; per tutti gli altri, un’opportunità di godere di un’action-comedy leggera ma divertente.

Back In Action. (L to R) Glenn Close as Ginny, Jamie Demetriou as Nigel, Cameron Diaz as Emily and Jamie Foxx as Matt in Back In Action. Cr. John Wilson/Netflix © 2024.

Scream 7: Jasmin Savoy Brown riprenderà il ruolo di Mindy

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Scream 7: Jasmin Savoy Brown riprenderà il ruolo di Mindy

Jasmin Savoy Brown sta per tornare a Woodsboro. Variety riferisce in esclusiva che l’attrice tornerà a interpretare Mindy Meeks-Martin – il primo personaggio queer del franchise – in Scream 7, riunendosi così a Mason Gooding, che interpreta suo fratello Chad. I due hanno già interpretato questi personaggi in Scream V e Scream VI, ma resta da scoprire in che modo la loro storia verrà spostata dal rapporto con le sorelle Sam e Tara Carpenter (Melissa Barrera e Jenna Ortega) a quello con la Sidney Prescott di Neve Campbell. Con le riprese in corso, a breve potrebbero arrivare ulteriori aggiornamenti.

Tutto quello che sappiamo su Scream 7

Dopo mesi di attesa, è stato confermato che Scream 7 è ufficialmente in fase di sviluppo. Nel 2022, il franchise slasher preferito dai fan è stato ripreso sotto la guida del duo di registi Tyler Gillett e Matt Bettinelli-Olpin, che fanno parte del collettivo di cineasti noto come Radio Silence. I due hanno diretto sia Scream del 2022 che Scream VI di quest’anno, che è diventato il capitolo di maggior incasso del franchise a livello nazionale. Christopher Landon, il regista di successi horror come i film Auguri per la tua morte, era stato chiamato ad occuparsi della regia, ma ha in seguito abbandonato il ruolo, ora passato a Kevin Williamson.

Neve Campbell e Courteney Cox sono pronte a riprendere i rispettivi ruoli di Sidney Prescott e Gale Weathers, insieme al ritorno di Mason Gooding nei panni di Chad Meeks-Martin. I nuovi membri del cast includono Isabel May, Celeste O’Connor, Asa Germann, Mckenna Grace e Sam Rechner. Come confermato, anche Jasmin Savoy Brown tornerà nei panni della sorella del personaggio di Gooding, Mindy.

A causa del licenziamento di Melissa Barrera (Sam Carpenter nei precedenti due film) per i post sui social media che lo studio ha ritenuto “antisemiti”, molti fan si sono rivoltati contro Campbell e hanno pensato che avrebbe dovuto mostrare solidarietà alla sua ex co-protagonista e rifiutare l’offerta dello studio di tornare dopo aver saltato il film precedente a causa di una disputa salariale. Mentre Jenna Ortega (interprete di Tara Carpenter) ha invece abbandonato il progetto a causa di conflitti di programmazione con la seconda stagione di Mercoledì di Netflix.

A Barrera è stata chiesta della situazione in una recente intervista: “Non ne abbiamo parlato molto. Penso che ognuno faccia le proprie scelte e ciò che ritiene sia meglio per sé. Rispetto pienamente ciò che le persone pensano di dover fare per continuare in questa vita”.

Non è ancora stata resa nota la trama del nuovo slasher, ma sappiamo che Kevin Williamson, architetto del franchise di Scream che ha sceneggiato il film originale di Wes Craven, dirigerà da una sceneggiatura di Guy Busick. Dopo aver collaborato con lo sceneggiatore per il reboot di Scream del 2022 e per il già citato Scream VI, sono presenti anche James Vanderbilt, William Sherak e Paul Neinstein, che producono per Project X Entertainment. Prodotto da Spyglass Media Group, Scream 7 uscirà nelle sale di tutto il mondo tramite Paramount Pictures il 27 febbraio 2026.

Spider-Man 4: il film mostrerà il Peter Parker con la tuta nera dei fumetti [RUMOR]

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Nonostante il susseguirsi di rumor apparentemente infiniti, non sappiamo davvero ancora nulla di concreto su Spider-Man 4. Peter Parker combatterà Knull con Venom al suo fianco? Scorpion e Shocker potrebbero tornare dopo essere apparsi in Spider-Man: Homecoming? E che dire di un team-up con Daredevil? Al momento tutte queste ipotesi sono solo rumor senza conferma, anche se tutto lascia pensare che l’Uomo Ragno di Tom Holland indosserà la sua tuta nera dei fumetti.

Sebbene non sia la prima volta che sentiamo questa voce, lo scooper @MyTimeToShineH ha condiviso su X alcune fan art di Holland con quel costume, con la didascalia che prometteva: “Peter avrà il nuovo costume in Spider-Man 4”. Spider-Man: No Way Home si conclude con Peter che indossa un classico costume rosso e blu ispirato ai suoi costumi precedenti e a quelli indossati dalle varianti degli Spider-Man di Tobey Maguire e Andrew Garfield. Naturalmente, anche in questo caso si parla di indiscrezioni senza conferma, anche se la teoria sulla presenza del costume nero continua a farsi sempre più insistente.

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Cosa sappiamo su Spider-Man 4?

Precedenti indiscrezioni hanno affermato che Tom Rothman della Sony e Kevin Feige, capo dei Marvel Studios, hanno avuto dei disaccordi per quanto riguarda la storia di Spider-Man 4, con quest’ultimo che sperava di ridimensionare il Multiverso per un’avventura più piccola. Rothman, invece, si dice che voglia capitalizzare il successo di No Way Home riportando Tobey Maguire e Andrew Garfield nei rispettivi ruoli di Peter Parker.

Più di recente, abbiamo sentito che entrambi gli studios si sono accordati su una storia prevalentemente terrestre con alcuni elementi multiversali, anche se il film viene ancora descritto come un “evento di livello Avengers”. Oltre a Tom HollandZendaya dovrebbe riprendere il suo ruolo di MJ. Si dice inoltre che Sydney Sweeney potrebbe interpretare Black Cat, mentre è stato ampiamente riportato – ma non confermato – che Charlie CoxVincent D’Onofrio e Paul Rudd potrebbero a loro volta apparire come Daredevil, The Kingpin e Ant-Man.

Si ritiene però che Holland sia “sempre più diffidente” nei confronti del ruolo dell’iconico eroe, per cui questa potrebbe essere la sua ultima uscita da solista nei panni del wall-crawler – anche se quasi certamente avrà un ruolo in uno o entrambi i prossimi film degli Avengers. Gli sceneggiatori di No Way Home, Chris McKenna e Erik Sommers, stanno scrivendo la sceneggiatura. Mentre a dirigere il progetto vi sarà Destin Daniel Cretton, già regista di Shang-Chi e la leggenda dei dieci anelli.

Spider-Man 4 uscirà al cinema il 26 luglio 2026.

Daredevil: Rinascita, svelato quando inizieranno le riprese della stagione 2

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Daredevil: Rinascita debutterà finalmente a marzo su Disney+ dopo una serie di contrattempi, revisioni e ritardi di produzione, e sembra che la Marvel Television stia perdendo pochissimo tempo per tornare nelle strade malfamate di Hell’s Kitchen e dare il via alla seconda stagione. Secondo alcune voci, la produzione della seconda stagione della serie revival della Marvel dovrebbe iniziare a fine febbraio e la star Charlie Cox – durante una recente apparizione al Fan Expo – ha confermato che in ogni caso le telecamere inizieranno a girare prima che la prima stagione arrivi su Disney+.

A Cox è stato anche chiesto di parlare del suo attuale ruolo di Uomo senza Paura e se i fan possono aspettarsi di vederlo interpretare il personaggio per gli anni a venire. L’attore si è naturalmente detto felice se potesse continuare a vestire i panni di Daredvil il più a lungo possibile. “Si stanno preparando a pubblicare un fumetto in cui Matt Murdock ha sessant’anni, quindi ho pensato: ‘Oh, ok, fantastico, quindi abbiamo un po’ di tempo’”, ha affermato a riguardo. Si è poi parlato dei primi piani per una terza stagione dello show, ma sembra che lo studio stia aspettando di vedere come va la prima serie di episodi prima di dare il via libera.

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Il cast di Daredevil: Rinascita

In Daredevil: Rinascita, Matt Murdock (Charlie Cox), un avvocato non vedente con abilità potenziate, combatte per la giustizia attraverso il suo frenetico studio legale, mentre l’ex boss della mafia Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio) persegue i suoi impegni politici a New York. Quando le loro identità passate iniziano a emergere, i due uomini si trovano in un’inevitabile rotta di collisione.

La serie è interpretata da Charlie Cox, Vincent D’Onofrio, Margarita Levieva, Deborah Ann Woll, Elden Henson, Wilson Bethel, Zabryna Guevara, Nikki M. James, Genneya Walton, Arty Froushan, Clark Johnson, Michael Gandolfini, con Ayelet Zurer e Jon Bernthal. Dario Scardapane è lo showrunner. Gli episodi sono diretti da Justin Benson & Aaron Moorhead, Michael Cuesta, Jeffrey Nachmanoff e David Boyd; gli executive producers sono Kevin Feige, Louis D’Esposito, Brad Winderbaum, Sana Amanat, Chris Gary, Dario Scardapane, Matt Corman & Chris Ord e Justin Benson & Aaron Moorhead.

Matt Murdock e Wilson Fisk si affrontano ancora una volta nella nuova serie Marvel Television Daredevil: Rinascita, che in Italia debutterà il 5 marzo alle ore 3:00 del mattino (ora italiana) su Disney+.

Kyle Maclachlan saluta il suo amico David Lynch: “Devo tutta la mia carriera, e la mia vita in realtà, alla sua visione”

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Kyle Maclachlan, che ha recitato nei panni di Paul Atreides in Dune, ha interpretato Jeffrey Beaumont in Velluto Blu ed è stato l’indimenticabile Agente Cooper di Twin Peaks, ha porto i suoi omaggi al regista e caro amico David Lynch, nel giorno della sua dipartita.

Queste le parole che ha affidato a un carosello di belle immagini che lo ritraggono al fianco di Lynch: “Quarantadue anni fa, per ragioni che vanno oltre la mia comprensione, David Lynch mi ha tirato fuori dall’oscurità per recitare nel suo primo e ultimo film ad alto budget. Ha visto chiaramente qualcosa in me che nemmeno io avevo riconosciuto. Devo tutta la mia carriera, e la mia vita in realtà, alla sua visione.

Ciò che ho visto in lui era un uomo enigmatico e intuitivo con un oceano creativo che esplodeva dentro di lui. Era in contatto con qualcosa che il resto di noi vorrebbe poter raggiungere.

La nostra amicizia è sbocciata in Velluto blu e poi in Twin Peaks e l’ho sempre trovato la persona più autenticamente viva che avessi mai incontrato.

David era in sintonia con l’universo e la sua immaginazione a un livello che sembrava essere la versione migliore dell’essere umano. Non era interessato alle risposte perché capiva che le domande sono la spinta che ci rende ciò che siamo. Sono il nostro respiro.

Mentre il mondo ha perso un artista straordinario, io ho perso un caro amico che immaginava un futuro per me e mi ha permesso di viaggiare in mondi che non avrei mai potuto concepire da solo.

Lo vedo ora, in piedi per salutarmi nel suo cortile, con un caldo sorriso e un grande abbraccio e quella voce da Great Plains. Parlavamo di caffè, della gioia dell’inaspettato, della bellezza del mondo e ridevamo.

Il suo amore per me e il mio per lui nascevano dal destino cosmico di due persone che vedevano le cose migliori di sé l’una nell’altra.

Mi mancherà più di quanto i limiti del mio linguaggio possano dire e il mio cuore possa sopportare. Il mio mondo è tanto più pieno perché lo conoscevo e tanto più vuoto ora che se n’è andato.

David, resto cambiato per sempre e per sempre il tuo Kale. Grazie per tutto.

I segni del male: la spiegazione del finale del film horror

I segni del male: la spiegazione del finale del film horror

Sono molti i film di genere thriller ed horror che utilizzano l’intervento soprannaturale come base per le loro storie. Questo viene naturalmente riletto in chiavi tutt’altro che positive, con gli eventi e i personaggi guidati da manifestazioni demoniache. L’intera saga di The Conjuring si basa su questi elementi, mentre un altro titolo di questo filone, divenuto negli anni piuttosto ricercato, è I segni del male. A dirigerlo vi è l’esperto del genere Stephen Hopkins, affermatosi grazie a Nightmare 5 e Lost in Space, mentre alla sceneggiatura vi sono Chad e Carey Hayes, autori di numerosi film horror, tra cui alcuni proprio della saga poc’anzi citata.

Uscito in sala nel 2007, al centro del film vi sono le dieci piaghe bibliche, le quali iniziano a manifestarsi in uno sperduto paese della Louisiana. Benché la storia sia ambientata in tale Stato, le riprese dovevano inizialmente svolgersi nel New England. Fu la protagonista Hilary Swank a convincere i produttori a girare proprio dove la storia si svolgeva. Qui, però, il set andò incontro a diversi problemi, il maggiore dei quali rappresentato dall’arrivo dell’uragano Katrina. Questo costrinse infatti la produzione a fermarsi per una settimana. Arrivato infine al suo completamento, I segni del male vantava un budget di circa 40 milioni di dollari.

Pur non guadagnando particolari lodi dalla critica, il film riuscì comunque a far presa sugli appassionati del genere. Al box office arrivò dunque a guadagnare circa 63 milioni, affermandosi come un discreto successo. In questo articolo approfondiamo alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Idris Elba in I segni del male
Idris Elba in I segni del male. Foto di Gene Page – © 2007 Warner Bros. Entertainment Inc.

La trama di I segni del male

Protagonista del film è Katherine Winter, ex ministro di culto e missionaria, la quale ha abbandonato del tutto la fede religiosa dopo aver perso tragicamente il marito e la figlia in Sudan. Da quel momento, la donna si è legata in modo ferreo alla scienza e tramite l’insegnamento Universitario aspira a smantellare tutto ciò che sembra avere connotazioni soprannaturali o divine. Le sue ferme convinzioni dovranno però scontrarsi con un caso particolarmente complesso nel momento in cui viene contattata da Doug, insegnante nel piccolo paese di Haven, in Louisiana. L’uomo afferma che una serie di inspiegabili eventi si sta verificano lì e l’intera comunità necessità quanto prima l’intervento di un’esperta.

Recatasi sul luogo insieme al suo collega Ben, Katherine inizia così a scontrarsi con le anomalie fino a quel momento solo accennate. Il paese, infatti, è infestato da una serie di eventi paranormali che ricalcano le dieci piaghe bibliche. La popolazione non sembra avere dubbi nell’indicare la causa di ciò in una piccola ma inquietante bambina di nome Loren. Katherine inizia così la sua indagine, accorgendosi però ben presto di alcuni cambiamenti in lei. Il luogo sembra infatti avere una certa influenza, riportandole alla mente la morte dei suoi cari e ponendola dinanzi a verità che la scienza sembra non aver modo di spiegare.

Il cast del film

Ad interpretare il ruolo della protagonista Katherine Winter vi è la due volte premio Oscar Hilary Swank, nota in particolare per il film Million Dollar Baby. Affascinata dai discorsi su fede e scienza, l’attrice ha raccontato di essersi dedicata molto al suo personaggio, cercando di immedesimarsi quanto più possibile nel suo dramma. Per poter risultare ulteriormente credibile in tali panni, la Swank ha avuto l’occasione di essere affiancata da Joe Nickell, celebre investigatore del paranormale. Con lui ha avuto modo di approfondire il mestiere e proprio ad alcuni dei casi da lui svolti si è poi ispirata l’attrice per la sua interpretazione.

Accanto a lei, nei panni dell’assistente Ben, vi è il noto attore Idris Elba. Qui alle prese con uno dei suoi primi ruoli per il cinema, l’attore sarebbe poi divenuto celebre grazie a film come Thor e Beast of No Nation. Il controverso insegnante Doug ha invece il volto di David Morrissey, celebre presso il grande pubblico per aver interpretato il ruolo del Governatore nella serie televisiva The Walking Dead. Di particolare rilievo è la presenza dell’attrice AnnaSophia Robb, celebre per essere stata Violetta in La fabbrica di cioccolato, che interpreta qui la minacciosa Loren McConnell. Per l’attrice si è trattata di una performance che l’ha coinvolta principalmente da un punto di vista fisico, poiché il suo personaggio non pronuncia alcuna battuta per più di un’ora di film.

I segni del male cast
Hilary Swank e Idris Elba in I segni del male

La spiegazione del finale del film

Nel finale del film, mentre i cittadini arrivano e si preparano a uccidere Loren, le locuste attaccano e uccidono il gruppo. Doug scappa e cade nel fiume, mentre Katherine si chiude in casa e Ben si nasconde in una cripta, dove scopre scheletri e corpi di bambini sacrificati. Successivamente, Katherine trova Ben morto. Affronta a quel punto Loren mentre cala il buio e dal cielo piovono grandine e tuoni infuocati. Katherine sta per uccidere la donna quando improvvisamente dice qualcosa che lei ha detto a sua figlia in Sudan. Katherine le chiede allora come fa a riconoscere cosa è reale. Loren risponde “la fede” e le mostra una visione della verità.

Il culto, che comprende l’intera città e Doug, viene mostrato mentre cerca di uccidere Loren da quando ha raggiunto la pubertà. Loren scappa e suo fratello Brody la pugnala, ma la sua ferita guarisce miracolosamente e Brody muore. Katherine capisce dunque che Loren è l’angelo mandato da Dio e vede anche che Doug ha ucciso Ben. A quel punto, gli abitanti della città li circondano mentre Doug le dice che solo un servo di Dio può uccidere Loren. Egli rivela che la sua famiglia ha reclutato l’intera città nel culto satanico, poiché gli uragani che hanno distrutto la vecchia chiesa li hanno portati a credere che Dio li avesse abbandonati.

Invita quindi Katherine a indagare sulle piaghe perché spera che si unisca a loro, visto che ha voltato le spalle a Dio, ma Katherine si rifiuta. All’improvviso, un incendio improvviso si abbatte sulla città, uccidendo i satanisti che erano tutti primogeniti. Doug afferra Katherine mentre viene sollevato da terra e ucciso, mentre Katherine viene risparmiata. Mentre Katherine porta via Loren, lei rivela che Katherine è incinta. Poiché si tratta del suo secondo figlio, Katherine si rende conto che il figlio non ancora nato, generato da Doug, è dunque il bambino demoniaco profetizzato.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di I segni del male grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Prime Video, Tim Vision e Apple iTunes. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 16 gennaio alle ore 21:15 sul canale Italia 2.

Wolfkin: tutto quello che c’è da sapere sul film

Wolfkin: tutto quello che c’è da sapere sul film

Il cinema horror ha negli anni regalato innumerevoli iconici personaggi, molti dei quali entrati ormai nell’immaginario collettivo. Tra i più amati di sempre vi sono però quelli classici come Dracula, Frankenstein, la mummia, l’uomo invisibile e l’uomo lupo. Quest’ultimo, più volte riproposto nel corso dei decenni con rifacimenti e modernizzazioni, è di recente stato al centro film come Licantropous, Viking Wolf – Il lupo vichingo Wolfkin. Quest’ultimo, diretto nel 2022 da , è un titolo meno noto ma molto più calato nel genere horror rispetto agli altri due citati.

Il processo di trasformazione che da esseri umani porta a diventare lupi feroci dotati di una forza straordinaria ha infatti sempre avuto un forte fascino, dando forma a quegli istinti primordiali che albergano in ognuno di noi. In questo caso, però, si parla di una vera e propria iniziazione, con un giovanissimo protagonista in procinto di dar vita alla sua prima trasformazione in lupo mannaro. Una sorta di coming of age, dunque, dove però scena dopo scena si scende dentro l’orrore e la paura più puri.

Per gli appassionati del genere, o di questa particolare creatura, è dunque questo un film da non perdere. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Wolfkin. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama e il cast di Wolfikin

Elaine è una madre single che combatte giornalmente per conciliare un programma di lavoro intenso e la crescita del proprio figlio Martin. Al ragazzo manca il padre, che ha abbandonato entrambi ancor prima della sua nascita e un giorno, improvvisamente, Martin inizia a mostrare atteggiamenti strani e incontrollabili, incomprensibili anche per mamma Elaine, con cui ha un legame fortissimo. La situazione precipita quando il ragazzo morde selvaggiamente uno dei suoi compagni di classe ed Elaine, disperata e alla ricerca di aiuto e spiegazioni, decide di recarsi dai nonni paterni, importanti viticoltori della regione della Mosella.

Elaine e Martin vengono accolti calorosamente nella lussuosa magione ed entrambi rimangono inizialmente affascinati dall’aura di sontuoso mistero che aleggia nella tenuta. Ma la vera natura della famiglia non tarderà a rivelarsi ed Elaine diventerà consapevole che del destino di questa elegante ma oscura famiglia fa parte anche suo figlio. Fino a che punto potrà spingersi per il bene di Martin, sarà disposta ad accettare una sua sofferente “normalità” o ad accogliere la sua natura?

Wolfkin cast

Il cast del film

Ad interpretare Elaine vi è l’attrice Louise Manteau, mentre nel ruolo di Martin vi è il giiovane Victor Dieu, qui al suo esordio in un lungometraggio. Fanno poi parte del cast gli attori Marja-Leena Junker nel ruolo di Adrienne, Jules Werner in quello di Jean, Marco Lorenzini nel ruolo di Joseph e Myriam Muller in quello di Carla. Vi sono infine Yulia Chernyshkova nel ruolo di Tatiana, Jean-Jacques Rausin nel ruolo di Arnaud e Charles Muller in quello del dottor Wilmes.

La storia che ha ispirato il film

Parlando di Wolfkin, il regista ha affermato che: “Ho sempre desiderato realizzare un film horror, che per me rappresenta il genere per eccellenza attraverso cui esprimere idee personali o politiche. In effetti, le origini di Wolfkin risalgono a una situazione che mi ha toccato personalmente. Anni fa, ho scoperto che gran parte della storia della mia famiglia e della mia identità erano una bugia bianca. Uno shock che mi ha portato a confrontarmi e a pormi domande difficili sulla condizione umana“.

Il trailer di Wolfin e dove vedere il film in streaming e in TV

Sfortunatamente il film non è presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di giovedì 16 gennaio alle ore 21:20 sul canale Rai 4. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma Rai Play, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far partire la visione.

Nicolas Cage: “Non mi sono mai divertito così tanto sul set di un film come quando ho lavorato con David Lynch”

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Nicolas Cage, protagonista del film Cuore Selvaggio, vincitore della Palma d’oro del 1990 di David Lynch, ha raccontato a Deadline che il defunto regista scomparso oggi, “era un genio unico del cinema, uno dei più grandi artisti di questo e di ogni altro tempo”.

“Era coraggioso, brillante e un anticonformista con un gioioso senso dell’umorismo”, continua Cage, “Non mi sono mai divertito così tanto sul set di un film come quando ho lavorato con David Lynch. Sarà sempre oro massiccio”.

Nel film, girato a New Orleans e in Louisiana, Cage interpreta un personaggio simile a Elvis, Sailor, un ex detenuto, appena uscito di prigione che si riunisce con l’amore della sua vita, Lula, interpretata da Laura Dern, evasa in Blue Velvet di Lynch. Il problema nelle loro vite rimane la famigerata madre di Lula (interpretata dalla vera madre di Dern, Diane Ladd) che invia sicari e detective sulla striscia stradale di Sailor e Lula per riportarli indietro. Il film ha visto la partecipazione anche di Willem Dafoe, Crispin Glover, Harry Dean Stanton, l’attrice di Blue Velvet ed ex partner di Lynch Isabella Rossellini e le attrici di Twin Peaks Sherilyn Fenn e Gracie Zabriskie.

Cuore Selvaggio ha anche lanciato il cantante rockabilly Chris Isaak fuori dai canoni con il singolo di successo “Wicked Game”, di cui Lynch ha anche diretto il video musicale. “Wicked Game” raggiunse il n. 6 nella Billboard Hot 100 nel marzo 1991.

Il film uscì in un momento di grande zeitgeist per Lynch, dopo la vittoria della Palma d’oro e durante l’estate immediatamente successiva alla messa in onda primaverile della prima stagione di Twin Peaks su ABC. Wild at Heart incassò 14,5 milioni di dollari al botteghino nazionale.

David Lynch, Hollywood onora l’artista. Steven Spielberg: “Al mondo mancherà una voce così unica e originale”

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Steven SpielbergRon Howard e altri hanno reso omaggio a David Lynch, il visionario regista dietro “Twin Peaks” e “Velluto blu“, scomparso oggi all’età di 78 anni.

“Ho amato i film di David. ‘Velluto blu’, ‘Mulholland Drive’ e ‘Elephant Man’ lo hanno definito come un sognatore visionario e singolare che ha diretto film che sembravano fatti a mano”, ha detto Spielberg in una dichiarazione. “Ho conosciuto David quando ha interpretato John Ford in ‘The Fabelmans’. Ecco uno dei miei eroi: David Lynch che interpretava uno dei miei eroi. È stato surreale e sembrava una scena di uno dei film di David. Il mondo sentirà la mancanza di una voce così originale e unica. I suoi film hanno già superato la prova del tempo e lo faranno sempre”.

È morto David Lynch

Ron Howard ha definito Lynch “un uomo cortese e un artista senza paura che ha seguito il suo cuore e la sua anima e ha dimostrato che la sperimentazione radicale può produrre un cinema indimenticabile” in un post su X.

James Gunn ha detto “hai ispirato così tanti di noi“, mentre Patton Oswalt ha annuito allo stile surrealista di Lynch dicendo: “RIP. Almeno questo è ciò che il cavallo che indossa un fez mi ha appena detto* in un sogno. (*Al contrario e in svedese).

La regista di “I Saw the TV Glow” Jane Schoenbrun ha pubblicato un tributo su X: “Come Kafka, come Bacon, ha dedicato la sua vita ad aprire un portale. È stato il primo a mostrarmi un altro mondo, uno splendido mondo di amore e pericolo che ho percepito ma che non avevo mai visto al di fuori del sonno. Grazie David, il tuo dono riecheggerà per il resto della mia vita“.

L’American Film Institute, dove Lynch si è laureato nel 1970, lo ha definito “un originale americano” in una dichiarazione.“E le storie sono vere: in qualità di membro fondatore dell’American Film Institute, ha vissuto nelle scuderie di Greystone durante le riprese del suo film di tesi AFI, ERASERHEAD. Nel corso dei decenni, l’impatto di David sul cinema si è rivelato indelebile nei suoi film e nella sua arte, e ha sempre ricambiato l’AFI, sostenendo i narratori che hanno scritto le proprie regole e hanno cercato qualcosa di diverso”, continua la dichiarazione. “Durante un seminario nel campus, ha condiviso questo consiglio senza tempo con i membri: ‘Racconta le storie che hai dentro. Ogni persona ha queste storie che ti accompagnano. Rimani fedele a quelle idee e goditi il ​​fatto di farle’. Continuerà a vivere nei nostri sogni”.

Oltre ai suoi hobby, la pittura e la fotografia, Lynch è stato anche una figura di spicco nel mondo della meditazione trascendentale, avendo introdotto altre celebrità alla pratica e fondato nel 2005 la David Lynch Foundation per promuoverla.

Mud: la spiegazione del finale del film con Matthew McConaughey

Mud: la spiegazione del finale del film con Matthew McConaughey

Scritto e diretto da Jeff Nichols (regista anche di Loving, Midnight Special e The Bikeriders), il suo terzo lungometraggio Mud (qui la nostra recensione) è un film drammatico che evoca il fascino e la nostalgia di una storia come quelle dello scrittore Mark Twain. Ambientato nell’Arkansas rurale sulle rive del Mississippi, il film segue infatti la toccante storia di due quattordicenni che trovano e fanno amicizia con un fuggitivo della legge, imparando lezioni importanti sull’amicizia, la famiglia e l’amore lungo la strada. Matthew McConaughey è l’eccezionale protagonista del film, mentre Tye Sheridan e Jacob Lofland sono altrettanto i due ragazzi in cerca di avventure.

Proprio grazie a questi protagonisti, prende vita un racconto di formazione e d’avventura molto emozionante. Mud è dunque il tipo di film che lascia un segno indelebile e che rimane impresso per molto tempo dopo la sua conclusione, la quale però spinge a porsi alcune domande. Se volete saperne di più sul finale del film e sul suo significato per i personaggi, in questo articolo si approfondirà tutto ciò. Prima di entrare però nel dettaglio del finale pieno di speranza che sembra un nuovo inizio per i protagonisti, proponiamo qui un breve riassunto della trama del film.

La trama di Mud

Ellis e Neckbone sono due amici che vivono in una piccola città fluviale dell’Arkansas rurale. Un giorno, si recano in barca su un’isola remota del Mississippi dove trovano un piccolo cabinato miracolosamente incastrato in alto su un albero. Pensando che la barca sia stata trasportata sull’albero da un’alluvione, i ragazzi decidono di rivendicarne la proprietà, per usarla come casa sull’albero, prima di scoprire che qualcun altro vive già lì. Un uomo – sporco, robusto e apparentemente pericoloso – ha infatti occupato quella barca. Si chiama Mud e sembra che stia aspettando che l’amore della sua vita lo raggiunga per poter fuggire insieme.

Più i ragazzi parlano con Mud e ascoltano le sue storie accattivanti, più si scoprono conquistati dal suo fascino e dal suo carattere romantico. Ellis e Neckbone iniziano dunque a portare a Mud scatolette di cibo per la fame, ma ben presto lui gli fa svolgere compiti e commissioni più pesanti. Ellis, i cui genitori sono sull’orlo del divorzio, si lega più profondamente all’uomo, prendendolo per buono e attirato dalla devozione di Mud verso il suo vero amore, molto diversa da quella dei genitori di Ellis. Apprendendo però che Mud è in fuga perché ha ucciso un uomo che ha ingravidato e poi picchiato Juniper, l’amore d’infanzia di Mud, i ragazzi decidono di aiutarlo a ricongiungersi con la donna e a fuggire insieme.

Matthew McConaughey, Tye Sheridan, and Jacob Lofland in Mud
Matthew McConaughey, Tye Sheridan, and Jacob Lofland in Mud. © 2012 – FilmNation Entertainment

La spiegazione del finale: Mud viene ucciso nella sparatoria?

Nel finale del film, dopo aver portato Ellis all’ospedale e aver dato un’ultima occhiata a Juniper, Mud torna sull’isola e porta la barca in acqua con successo. Neckbone lo porta poi a trovare Ellis a casa sua per dirgli addio prima di partire per sempre. In quel momento, Carver e la sua banda di cacciatori di taglie entrano però in casa di Ellis e iniziano a sparare all’impazzata. I genitori lui sono bloccati in un armadio, impossibilitati a raggiungerlo, ma Mud si assicura che Ellis rimanga nascosto e fuori pericolo. Tom Blankenship, invece, aiuta eliminando diversi aggressori con il suo fucile da cecchino dall’altra parte del fiume.

Mud salva Ellis e cerca di scappare, ma Carver gli spara e Mud cade nel fiume, colpito dal proiettile. Quando la polizia arriva, trova tutti gli aggressori morti. Uno degli agenti riconosce il corpo di Carver e chiama King per informarlo della morte del figlio. Qualche giorno dopo, Ellis assiste da lontano alla demolizione della sua vecchia casa da parte della River Authority. Neckbone gli dice che la polizia non ha mai trovato il corpo di Mud nel fiume, il che significa che c’è la possibilità che sia fuggito. Il padre di Ellis lo accompagna quindi nella nuova casa, un complesso di appartamenti di lusso in città, e gli chiede di prendersi cura della madre.

A quel punto, Mud viene mostrato vivo e in via di guarigione, sulla via della libertà con Tom. Sono sul cabinato, alla foce del fiume Mississippi, e si stanno dirigendo verso il Golfo del Messico. Il film si conclude dunque su note positive, che sembrano offrire ai protagonisti un nuovo inizio. Anche se Ellis non è sicuro del destino di Mud, vive con la speranza che il suo amico sia sopravvissuto. Con il trasferimento nel nuovo quartiere, il ragazzo ha poi altro a cui pensare, dal momento che vede un gruppo di belle ragazze più grandi che vivono nello stesso edificio. Per Mud, invece, la fine è agrodolce perché, anche se riesce a fuggire, ha rotto la sua relazione con Juniper.

Reese Witherspoon in Mud
Reese Witherspoon in Mud. Foto di Jim Bridges – © 2013 – Roadside Attractions

Cosa succede a Juniper?

Juniper ama Mud, è certo, ma il suo amore non ha la stessa intensità di quello di Mud. Lui non si fa scrupoli a uccidere un uomo che ha fatto del male alla sua amata, mentre lei non riesce a fuggire con lui e a passare il resto della sua vita nascondendosi dalla legge. Sa di aver sbagliato a prendere in giro Mud e per questo dice a Ellis di fargli sapere che capisce il motivo per cui lui la sta lasciando. Il personaggio di Juniper ricorda un po’ Jenny Curran di Forrest Gump. Ma la scelta finale che compie è diversa: Juniper sceglie di lasciare andare Mud invece di tenerlo stretto a sé. È visibilmente triste per la sua decisione, ma il finale del film non mostra cosa le accade. L’ultima volta che la vediamo è quando vede Mud da lontano e gli fa un ultimo saluto, prima della sparatoria.

Mud è come un figlio per Tom

Nei primi 10 minuti del film, viene stabilito che Tom Blankenship, il vicino di Ellis dall’altra parte del fiume, è un solitario. Mud conferma che Tom è rimasto da solo da quando sua moglie è morta anni prima. Anche se preferisce la sua esistenza solitaria, Tom sacrifica questa e le comodità della sua casa per salvare Mud e fuggire con lui. Racconta anche di aver trovato Mud nella foresta da bambino, completamente solo, e di averlo accolto. Anche se non viene detto esplicitamente, si può supporre che Tom abbia cresciuto Mud e che quindi lo consideri un figlio. È allora logico che Tom scelga di fare ciò che Juniper non ha potuto fare e di lasciarsi tutto alle spalle per vivere una vita da fuggitivo con Mud.

Ellis è alla ricerca del significato di amore

Per quanto riguarda Ellis, si trova a un punto di svolta nella sua vita quando incontra Mud. Tutto sta cambiando intorno a lui: sta cercando di definire l’amore e di trovare il suo posto nel mondo. Quando viene pubblicamente scaricato dalla ragazza che presume essere la sua fidanzata, è ferito e arrabbiato e punta il dito contro Mud, che considera una fonte d’ispirazione, affascinato dall’amore incrollabile e apparentemente imperituro di lui per Juniper. Quando Ellis scopre però che anche l’amore di Mud ha dei limiti, la disillusione lo fa sentire come se fosse stato tradito dal suo amico. Nel finale, tuttavia, comprende che tutto questo è normale e smette dunque di ricercare la perfezione, avendo appreso questa come lezione da Mud.

Win or Lose: ecco il trailer della nuova serie Pixar

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Win or Lose: ecco il trailer della nuova serie Pixar

Win or Lose, la prima serie originale Pixar Animation Studios che debutterà su Disney+ il 19 febbraio, segue le storie intrecciate di otto diversi personaggi che si preparano alla loro più importante partita di softball: dei ragazzi insicuri, i loro genitori iperprotettivi, persino un arbitro innamorato. Sono disponibili il trailer, le key art e le immagini della nuova serie.

Da dove nasce l’idea di Win or Lose?

Da piccola ho giocato a softball”, ha dichiarato Carrie Hobson, sceneggiatrice, regista ed executive producer della serie insieme a Michael Yates. “Ispirati da questa esperienza, abbiamo pensato che il softball fastpitch fosse lo sfondo perfetto per la serie. Ci sono così tante sfaccettature che amo dello sport: può tirar fuori il meglio e il peggio di una persona, e anche quella più calma può perdere le staffeQuando si tratta di vincere o perdere, le conseguenze non sono nulla, eppure sono tutto. Ci sembrava davvero l’arena migliore per i temi che amavamo”.

Secondo Yates, l’idea di mettere in luce prospettive diverse è nata dalla vita quotidiana all’interno di Pixar. “Io e Carrie lavoravamo insieme a Toy Story 4”, ha detto. “Eravamo entrambi story artist e parlavamo di molte cose che accadevano nel film, così come di quelle che succedevano nel mondo, come attualità e notizie. Avevamo sempre reazioni o interpretazioni diverse della stessa riunione. Uno di noi diceva: ‘È andata benissimo!’ e l’altro diceva: ‘No! È stato terribile, di cosa stai parlando?’. Ci siamo resi conto che le esperienze che viviamo cambiano la nostra percezione di un evento. Volevamo raccontare una storia che illustrasse tutto questo”.

Nella versione originale, il cast vocale di Win or Lose è composto da Will Forte, Rosie Foss, Josh Thomson, Milan Elizabeth Ray, Rosa Salazar, Dorien Watson, Izaac Wang, Chanel Stewart, Lil Rel Howery, Melissa Villaseñor, Jo Firestone, Flula Borg, Kyleigh Curran, Jaylin Fletcher, Erin Keif, Tom Law, Beck Nolan, Orion Tran e Rhea Seehorn. La serie, che presenta prospettive incredibilmente divertenti, molto emozionanti e animate in modo unico, è prodotta da David Lally, con le musiche del compositore Ramin Djawadi e le canzoni originali di CAMPFIRE e Djawadi.

È morto David Lynch

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È morto David Lynch

Arriva dalla pagina ufficiale di Facebook la notizia che David Lynch si è spento, alla vigilia del suo 79° compleanno (era nato il 20 gennaio 1946).

“È con grande dispiacere che noi, la sua famiglia, annunciamo la scomparsa dell’uomo e dell’artista, David Lynch. Apprezzeremmo un po’ di privacy in questo momento. C’è un grande buco nel mondo ora che lui non è più con noi. Ma, come avrebbe detto lui, ‘tenete gli occhi sulla ciambella e non sul buco’.

È una bella giornata con un sole dorato e un cielo azzurro.”

Con la sua visione artistica oscura e surrealista in film come “Velluto Blu” e “Mulholland Drive” e la serie tv che ha cambiato per sempre la storia della televisione “Twin Peaks” ha segnato il cinema americano e mondiale.

Nel 2024, David Lynch aveva comunicato di aver ricevuto una diagnosi di enfisema dopo una vita passata a fumare e che probabilmente non sarebbe più stato in grado di uscire di casa per dirigere altri film.

La serie TV “Twin Peaks” e film come “Velluto blu“, “Strade perdute” e “Mulholland Drive” fondevano elementi di horror, film noir, giallo e surrealismo classico europeo. Lynch tesseva storie, non diverse da quelle del suo predecessore spagnolo Luis Bunuel, che procedevano con una loro logica impenetrabile.

Palma d’Oro nel 1990 (Cuore Selvaggio), Leone d’Oro alla Carriera nel 2006, Oscar onorario nel 2020, un contributo inestimabile al mondo del cinema, dell’arte, della musica, un esempio che non lascia eredi ma una eredità oscura e splendente, proprio come quella Laura che alla fine ha provato a salvare. Il suo epitaffio ideale, lo ha affidato a Steven Spielberg, in quella scena meravigliosa che chiude The Fabelmans e in cui Lynch si presta a interpretare John Ford.

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