Halloween Ends arriva nelle sale cinematografiche 44 anni dopo il primo film di John Carpenter del 1978 e si presenta come il 13° film di una delle saghe horror più longeve in assoluto. La nuova trilogia a cura di David Gordon Green, iniziata nel 2018, è stata concepita come una diretta continuazione della prima, ovviando a tutti i remake che ci sono stati proposti nel corso degli anni e convogliado l’attenzione del pubblico sul ritorno del personaggio di Laurie Strode interpretato nuovamente dall’impavida e magnetica Jamie Lee Curtis.

Halloween Ends: la paranoia del Male

Senza entrare nel territorio degli spoiler, chi ha seguito la saga sa che Laurie è stata affidata alla nipote Allyson dopo il drammatico finale di Halloween Kills. Dopo aver vissuto come una sorta di predatrice con l’unico scopo di uccidere Michael Myers e il massacro che ne è seguito, Laurie opta per una vita più tranquilla, cercando di ricostruire gradualmente la sua vita. Nonostante siano passati quattro anni in cui non si sa nulla di lei, la paranoia sembra essersi insediata a Haddonfield, dove la paura suscitata dal brutale serial killer continua a mietere vittime.

Halloween Ends inizia con una sequenza promettente, organizzata addirittura secondo quella che era la tipica tecnica di ripresa degli oggetti di scena hitchockciani. A Haddonfield, nella notte di Halloween del 2019, Corey Cunningham (Rohan Campbell), personaggio centrale di questo terzo film, viene scelto come babysitter di un ragazzino dispettoso di nome Jeremy. Quando questi viene accusato di aver ucciso il piccolo Jeremy, si scatena un’ondata di violenza e terrore che costringerà Laurie a confrontarsi per l’ultima volta con il male che ha reso la sua vita un inferno.

È uno strano incidente. Corey non ha fatto nulla di male. Ma, anche se è stato assolto dall’accusa di omicidio colposo, rimane emarginato dalla comunità di Haddonfield, che inizia a designarlo come il “babysitter sensitivo” che ha ucciso un bambino. Non sarebbe l’unica persona nella saga ad essere accusata di cose che non ha fatto. Si potrebbe pensare che Laurie Strode, a questo punto, sia una sorta di eroina locale, ma no. La gente ora la ritiene responsabile dell’attentato a un bambino. La gente ora la ritiene responsabile della catena di eventi nefasti che ha avuto inizio con Michael Myers.

Personaggi persi in un vicolo cieco

Dall’interminabile body count di Halloween Kills, si passa in questo terzo e ultimo capitolo a una sorta di simulazione dell’intenzione seminale di John Carpenter di trasformare la sua saga originale di Halloween in capitoli autoconclusivi con il fallimentare Halloween III: Day of the Witch (1982). Volontà che è presente, appunto, in Halloween Ends, dove ci viene presentato lo scontro finale tra Laurie e Michael Myers, ma anche la genesi di un nuovo criminale, diretta conseguenza del precedente. È qui, soprattutto in questa nascita di una nuova forma del male che risiede il “concetto alto” che Gordon Green ha voluto venderci con la sua trilogia: un’indagine su come il Male, la paura, si muova come un virus nell’America contemporanea ma abbia anche bisogno di una radice interiore o di una predisposizione per il suo sviluppo.

Per un po’, il film è all’altezza della sua promessa. Se non ci troviamo esattamente in un terreno di malvagità fuori dagli schemi, Halloween Ends è almeno – in netto contrasto con i suoi predecessori – incentrato sui personaggi, relativamente privo di sangue e meno ammaccatto dall’umorismo pervasivo e spesso incongruo che il co-sceneggiatore Danny McBride ha impresso alla serie.

In Halloween Ends, Green gioca con un’idea a cui la serie ha accennato nel corso dei due precedenti film: che Michael non sia un semplice mortale, ma piuttosto una forza soprannaturale, l’incarnazione fisica del male puro e incancellabile. Ognuno di noi è suscettibile al virus di Michael Myers: bastano umiliazioni, insulti e rifiuti per accendere la miccia della nostra predisposizione interiore alla violenza. Ma dato che, come abbiamo detto, l’attrazione principale del film è il duello Myers/Strode, è sorprendente che gran parte dello sviluppo del film non sia dedicato a loro, personaggi centrali del film, ma ad altri comprimari che vengono presentati come eredi della malvagità del villain, senza mai realmente incrociarsi: in poche parole, troppe deviazioni per raggiungere un vicolo cieco.

Un altro dei temi più importanti degli spin-off di questa nuova trilogia è stato il trattamento e l’evoluzione di Laurie Strode, che deve fare i conti con il suo rancore e la sua furia ma non abbassa mai la guardia. È in questo episodio che la percepiamo più umana, più bisognosa di voltare pagina e di intraprendere un nuovo cammino, lasciandosi alle spalle le sue paure più intime, che le hanno fatto sviluppare un sesto senso per percepire la presenza di Myers o la sua influenza malevola.

Haddonfield – oggi più che mai una brutta città industriale – diventa sfondo per la storia di personaggi secondari in un film che si cristallizza tra la narrazione seriale televisiva, che segue direttamente il dramma dei sopravvissuti, e i bruschi sfalsamenti di un sequel horror anni Ottanta, con nuovi volti che rimangono ben poco impressi.

Halloween Ends è davvero la resa dei conti?

Questo capitolo finale, che si chiude non con un botto, ma piuttosto con un piagnisteo, non è solo superfluo e pieno di cliché, ma rappresenta anche ciò che si prova quando si raschia il fondo di un barile che è stato arido e sterile per decenni. A parte la trama francamente assurda, Halloween Ends non è spaventoso e neanche satirico: in assenza di una premessa coerente, David Gordon Green e i suoi co-sceneggiatori ricorrono ai peggiori tropi slasher e nulla più.

Il film impiega troppo tempo a svelare una storia che vorrebbe portare a un’escalation, con solo gli ultimi 20 minuti che entrano davvero nel vivo della questione. In questo ultimo frangente, tutto è studiato su misura per ottenere effetti piuttosto drastici ed esageratamente sanguinosi: semplicemente, non ci sono abbastanza vittime che possano morire in pochi minuti e la disinvoltura con cui vengono commessi gli omicidi sembra spesso del tutto disumana. Passo dopo passo, il film si trasforma in un groviglio di uccisioni gratuite e cinico fan service, mentre si avvia verso l’inevitabile conclusione: la resa dei conti corpo a corpo tra Laurie e Michael, una distruzione corporea tanto prevedibile quanto insoddisfacente.

Ma si tratta davvero dell’ultimo scontro? Halloween Ends sembra quasi riconoscere la natura condizionale della sua stessa fine in una delle sue battute finali, pronunciata da Laurie: “Il male non muore, cambia forma“. Finchè ci sarà da guadagnare, sembra che Micheal Myers rimarrà sempre in agguato nell’ombra.

Girato in più fasi a partire dall’inizio del lockdown, La Cura di Francesco Patierno è presentato nella sezione in concorso della Festa del Cinema di Roma, oggi che i giorni più diffcili dell’emergenza pandemica possono sembrare un ricordo lontano e ci si sta avviando verso una sorta di normalità.

D’altra parte, un evento drammatico e inaspettato come la pandemia, che ci ha messo di fronte a scenari impensabili, non poteva non finire sotto la lente del cinema italiano. Nel caso di Patierno, con la rilettura del romanzo La Peste di Albert Camus, che fin troppo bene si adatta al recente passato.

La trama de La Cura

Napoli. Una troupe cinematografica gira un film tratto da La Peste di Camus durante i giorni più difficili della pandemia da Covid -19. Le vicende di attori e tecnici si intrecciano con quelle dei personaggi del romanzo. Bernard, Francesco Di Leva, è un medico, la cui moglie gravemente malata, lascia Napoli per curarsi. Intanto, in città si hanno i primi segni del diffondersi di un’epidemia. Mentre il medico, assieme al collega Castel, Giancarlo Cosentino, cerca di convincere le autorità ad avvertire la popolazione del pericolo, l’epidemia si aggrava sempre più e si rende necessario chiudere la città, affinchè il contagio si diffonda il meno possibile. Di fronte all’emergenza, c’è chi, come Tarrou, Alessandro Preziosi, si mette a disposizione per ospitare chi ne ha bisogno e organizza un gruppo di volontari per aiutare ad affrontare la situazione. Tra lui e Bernard nasce una profonda amicizia. Rambert, Francesco Mandelli, invece, è un attore che vuole tornare nella sua città e cerca di farlo con ogni mezzo. C’è chi nega la pericolosità del virus, chi dice di star bene, mentre soffre i primi sintomi del male, come l’infermiere Grand, Antonino Iuorio; c’è chi considera il male un flagello di Dio mandato sulla terra per punire gli uomini, come Padre Paneloux, Peppe Lanzetta. Ci sono vittime innocenti di un male sconosciuto in una Napoli deserta. Su tutte, la piccola figlia del prefetto, Andrea Renzi. La sfida per Bernard e i suoi colleghi, è trovare al più presto un farmaco efficace, una cura contro il virus.

Tra realtà, finzione e metacinema

La Cura può risultare nella prima parte un po’ confuso, vista la labilità del confine tra la vita degli attori durante le riprese e la messinscena de La Peste, tra realtà, finzione e riflessione sul cinema, su se e come farlo in quei momenti drammatici. C’è il rischio che diventi un mix farraginoso e poco chiaro. Invece, man mano si entra nel meccanismo del film, i piani si fondono, diventa più immediato seguire la vicenda e immedesimarsi. Non occorre molto perché lo spettatore torni con la mente alle proprie giornate di lockdown, mentre vede le immagini scorrere sullo schermo, grazie anche a un gruppo di appassionati interpreti, su cui spiccano Alessandro Preziosi e Francesco Di Leva. Ecco, allora, la rappresentazione delle divisioni all’interno della società, dei vari punti di vista che si sono scontrati anche in modo acceso. Qualcuno si crede immune dal contagio, altri si chiedono se “ne usciremo migliori”. Una costruzione d’impronta teatrale, non verbosa, ma piuttosto minimalista, per trasporre il romanzo di Camus e calarlo nel presente.

Napoli protagonista ne La Cura

La vera protagonista del film, tuttavia, è la Napoli deserta del lockdown. È la città partenopea a destare la maggiore impressione nello spettatore. La scelta dell’ambientazione non poteva essere più appropriata. Napoli, sempre così viva, piena di allegria, di schiamazzi e di un vociare di per sé simbolo di vitalità, è invece qui silenziosa e vuota. Rappresenta così, all’ennesima potenza, quello che è accaduto nelle città italiane in quei mesi. Colpiscono le sue strade vuote, in cui si sente solo il suono delle ambulanze o un grido disperato. Quelle atmosfere sono le più efficaci per riportare lo spettatore indietro a momenti che sembrano lontani, sebbene con la pandemia ancora si conviva.  

Umanità empatica e pudore rispettoso del dolore e della morte

Da apprezzare anche il pudore, il tatto, con cui Patierno tratta la malattia e la morte, senza indulgere in esse, senza spettacolarizzarle. Il che, nell’era della spettacolarizzazione eccessiva è una dote rara. L’occhio della macchina da presa resta a distanza, rispetta, ci si muove in punta di piedi. 

La Cura è poi un film con molti abbracci, quelli che sono mancati in quei giorni, entrando a far parte dei “gesti proibiti” a causa del virus. È anche un film senza troppi dispositivi di protezione, neanche in ospedale. Ciò risulta un po’ straniante per lo spettatore, ma sembra che il regista abbia tenuto a non perdere l’umanità, il contatto anche fisico nel suo racconto, come invece lo si è perso nella realtà. In questo modo, egli pone l’accento sull’empatia, sul senso di comunità e dà spazio alla speranza e alla fiducia nell’uomo, nonostante tutto. Sebbene al regista non interessi esprimere un giudizio sui punti di vista e i comportamenti che mostra, il suo sguardo è particolarmente benevolo verso chi fa, chi si spende, aiuta e si sporca le mani, proprio come i due protagonisti.

La Cura è una lettura lucida e garbata dei giorni bui del lockdown, ma non per questo meno appassionata. Invita lo spettatore a salvaguardare i legami umani, l’amicizia, la comprensione, la solidarietà, a riscoprire il senso di comunità. È questo che ha aiutato, assieme alla scienza e al lavoro dei medici, a superare i momenti più difficili.  

Un’operazione encomiabile, che non a caso ha ottenuto il patrocinio del WWF, quella di Brando Quilici (Il mio amico Nanuk), che porta alla Festa del Cinema di Roma il suo nuovo film. Presentato in anteprima ad Alice nella Città – e distribuito in sala da Medusa Film dal 14 ottobre 2022, anno della Tigre secondo il calendario cinese – Il ragazzo e la tigre racconta una storia ricca d’avventura ed emozioni interpretata anche da Claudia Gerini, presenza familiare in un Nepal splendido e ammaliante, vero e proprio protagonista al pari dell’attrice romana e del giovanissimo Sunny Pawar. 

Il ragazzo e la tigre – Due cuccioli in fuga

E’ lui il piccolo Balmani di dodici anni, scappato dall’orfanotrofio per tornare nella sua Kathmandu, che sulla strada si imbatte in un gruppo di bracconieri riuscendo a salvare un cucciolo di tigre del Bengala, Mukti. La strana coppia intraprende così un viaggio pericoloso e rivelatore verso il monastero Taktsang, noto come Tana della Tigre, dove i due dovrebbero finalmente essere al sicuro e sotto la protezione dei monaci buddhisti himalayani. Sulle loro tracce, oltre a cacciatori senza scrupoli e personaggi ambigui, anche la preoccupata Hannah (Claudia Gerini), direttrice della struttura che ospitava il bambino e in apprensione dopo la sua scomparsa

Amore e fratellanza, ma anche tradimento e delusioni si alternano in questa piccola grande Odissea, che il regista ha immaginato a partire dalla leggenda del Guru Rimpoche, l’uomo santo per i Buddisti, che volò nel IX secolo a cavallo di una tigre dal Tibet al Bhutan per fondare il monastero citato nel film. Uno spunto al quale sono seguiti diversi viaggi nel Nepal distrutto dal terremoto del 2015, nei quali Quilici ha potuto documentarsi e approfondire molti degli elementi che oggi irrobustiscono la sua ultima fatica.

Salvate la tigre

Coerentemente con gli obiettivi del programma del WWF “Save the tigers now”, il film racconta dei maestosi felini (dei quali restano solo 3900 esemplari, in libertà) e lo fa nella speranza di sensibilizzare il pubblico, soprattutto – ed espressamente – dei più giovani. Anche se forse potrebbero essere i “giovanissimi” gli spettatori ideali di una vicenda che mette insieme “le emozioni della fanciullezza e della crescita” e i temi della “conservazione della fauna selvatica e la scomparsa delle specie”.

Obiettivi senza dubbio raggiunti, da un prodotto che però oltre al grande lavoro di preparazione e al messaggio non sembra in grado di offrire una pari qualità a livello narrativo. Non è sicuramente facile lavorare con una fiera, e questo giustifica sicuramente le sequenze che le vedono in scena, ma a essere ancora più forzate sono alcuni snodi e caratterizzazioni – tanto tra i villain quanto tra i protagonisti – un po’ troppo ‘per bambini’.

Un limite che il film avrebbe potuto non porsi (ammesso che questo sia l’effetto di una strategia produttiva), consentendosi di raggiungere un pubblico più vario ed esigente di quello della sezione “dedicata alle giovani generazioni”. Che insieme a una generale perdita di spontaneità, delle premesse e uno sviluppo piuttosto canonici e una immagine degli animali quasi da cartoon d’altri tempi, offre qualche lezioncina di troppo, pur mostrando una interessante alternanza tra i diversi piani rappresentati da una Gerini meno sopra le righe di altre volte e dal piccolo ed espressivo  Sunny.

Impossibile non pensare al Due fratelli di Jean-Jacques Annaud e non restare a bocca aperta davanti alle splendide location scelte da Quilici, non a caso produttore e regista di oltre 100 special per reti televisive di tutto il mondo, tra cui National Geographic e Discovery Channel. Panorami difficili da vedere, quelli della giungla del Chitwan (dove riprese sono state possibili solo dall’alto degli elefanti, per non disturbare le tigri) e di Kathmandu, fino alle vette più alte dell’Himalaya, che fanno passare in secondo – o terzo – piano anche la fretta con cui si arriva al rassicurante (e un po’ slegato) finale.

Uscito in anteprima in alcune sale cinematografiche in anteprima il 30 settembre, ed il 7 ottobre sulla piattaforma streaming, La ragazza più fortunata del mondo (Luckiest girl alive) è una pellicola che affronta una delle piaghe silenziose della società contemporanea: gli abusi sessuali. Il film, diretto da Mike Barker (The Hadmaid’s tale) e scritto da Jessica Knoll, è tratto dal romanzo del 2015 di quest’ultima. Nel cast ritroviamo note figure del cinema Hollywoodiano come l’attrice ucraina Mila Kunis nel ruolo della protagonista Tiffani (Ani) Fanelli, e Finn Wittrock (La grande scommessa) come Luke Harrison.

La ragazza più fortunata del mondo: l’oscurità dietro il velo di perfezione

Ani ha 28 anni, lavora in una nota rivista per donne a New York, si sta per sposare con Luke, giovane ricco ed affascinante: la sua vita sembra perfetta, ma non lo è. Dietro ad un’armatura di sorrisi e di frasi di circostanza, Ani ha seppellito un grande trauma della sua adolescenza: uno stupro di gruppo da parte di tre suoi compagni di scuola e poi una sparatoria proprio all’interno del rinomato liceo privato. Il passato sembra voler ribussare alla sua porta quando un giovane regista la contatta per realizzare un documentario della tragedia. Nel rivivere nuovamente il trauma, Ani perde il controllo della se che aveva costruito, di questo suo alter ego, e decide di voler portare dei cambiamenti nella sua vita.

Ani Fanelli e Jessica Knoll in parallelo

“A volte mi sento come una bambola a molle: gira la chiave e ti dirò esattamente quello che vuoi sentire”

Ani è il personaggio attorno al quale ruotano tutte le vicende di La ragazza più fortunata del mondo: tramite questo film (e libro) le è stata data finalmente una voce. Ma ad un qualsiasi spettatore o lettore viene spontanea una semplice domanda: quanto c’è di verità in questa storia? In diverse occasioni, Knoll ha negato qualsiasi esperienza personale di violenza sessuale, affermando che tra i parallelismi tra il suo personaggio e lei stessa (La scrittrice aveva 28 quando scrisse il libro e trascorse parte della sua carriera scrivendo per la rivista Cosmopolitan) non rientra l’intera vicenda. Poi, nel 2017, arriva la rivelazione nel settimanale Lenny: una lettera dettagliata in cui la scrittrice racconta la sua storia.

Ani elabora questo trauma in maniera molto singolare: finisce per ignorarlo; per fare ciò, si distacca il più possibile da quella che era la se adolescente per ricrearsi e realizzarsi a pieno. Già dalle prime scene, risulta essere un personaggio molto ambizioso: lei sa cosa vuole e come ottenerlo. Ma questo suo successo ha una doppia valenza per lei: solo nel momento in cui avrà raggiunto tutti i suoi obbiettivi si sentirà abbastanza forte da affrontare la sua tragedia e l’unico suo aggressore ancora in vita, Dean Barton. Per Ani il suo successo è così importante perché crede di poter essere veramente ascoltata solo nel momento in cui non sarà più una ragazzina povera in una scuola per ricchi, come se la  sua  credibilità dipendesse dalla sua classe sociale. Ma, con l’ansia per il documentario ed il dolore di vecchie ferite che tornano a riaprirsi, per Ani diventa sempre più difficile indossare quella maschera che si era creata con tanta cura negli anni.

La ragazza più  fortunata del mondo: l’empatia dello spettatore

Il grande merito di film come La ragazza più fortunata del mondo è proprio di riuscire, non solo a raccontare una storia, ma a trasmettere così tanto allo spettatore da fargli provare un forte senso di empatia. In questo modo porta il pubblico ad un profondo stato di riflessione, in maniera quasi catartica; nel cinema contemporaneo sono sempre più numerosi gli esempi di pellicole del genere. Basti pensare a Una donna promettente, scritto e diretto da Emerald Fennell, thriller candidato a cinque Oscar e vincitore del premio per la miglior sceneggiatura originale.

Un’altra tematica interessante nel film è la differenza tra l’io nello spazio dell’apparenza e l’io in privato; seguendo le vicende di Ani, è possibile per lo spettatore sapere i suoi pensieri, oltre a ciò che la protagonista dice e fa realmente, e quindi notarne la quasi paradossale differenza.

La violenza sessuale: dal grande schermo alla realtà

La ragazza più fortunata del mondo tende a rappresentare alcune figure, alcune situazioni che sembrano quasi surreali ed irrealistiche, ma così non sono. Molte frasi, molte scusanti per gli stupratori ed affermazioni screditanti la versione della sopravvissuta sono ripetute ogni giorno a tutte le vittime di violenza sessuale.  Tra gli esempi più palesi si pensi al preside della scuola che considera la versione di Tiffani poco veritiera perché lei aveva bevuto (come se l’incoscienza della ragazza potesse in qualche modo dimostrare consenso); la madre, che non dimostra un briciolo di affetto o empatia nei confronti della figlia. E per finire Luke, il fidanzato, che per tutto il film sembra comunque essere una figura di supporto per Ani, alla fine la colpevolizza per voler agire in maniera pubblica contro il suo aggressore.

Per quanto questo possa sembrare solo un film, vicende simili sono la realtà di molte, in Italia e nel mondo.