Diretto nel 2023 da Ivano De Matteo, Mia (qui la recensione) è un film che affonda nelle pieghe più oscure della società contemporanea, affrontando con crudo realismo il tema della manipolazione affettiva e della violenza psicologica. Al centro della narrazione c’è la giovane protagonista, Mia, adolescente come tante, catapultata in un vortice emotivo da un amore malato e oppressivo. Il regista costruisce attorno a lei un racconto che non cerca scorciatoie drammatiche o colpi di scena compiacenti, ma si concentra sulla quotidianità della sofferenza, sull’invisibilità del controllo, sulla fragilità delle dinamiche familiari.

Prende così vita un film che parla non solo della vittima, ma anche di un intero ecosistema sociale incapace di riconoscere i segnali d’allarme. Un film che fa seguito a titoli come La belle gente e I nostri ragazzi, precedenti lavori di De Matteo, che da sempre con i suoi lavori si muove tra le pieghe delle tensioni familiari, dell’educazione sentimentale e del degrado morale della società italiana. Dinamiche affrontate anche con il suo più recente Una figlia. Con Mia, dunque, il regista prosegue dunque nel suo intento di portare al cinema storie intime e al contempo universali, spesso ispirate a eventi realmente accaduti.

In questo articolo, sarà interessante esplorare la vicenda reale che ha ispirato il film e che ha spinto De Matteo a raccontare questa storia. Un fatto di cronaca che, seppur lontano nello spazio e nel tempo, ha rivelato inquietanti analogie con dinamiche ancora oggi tristemente attuali. Analizzare il legame tra realtà e finzione, tra narrazione cinematografica e responsabilità civile, permette di cogliere appieno la portata e l’urgenza del messaggio veicolato dal film.

La trama di Mia

La storia di Mia ha per protagonista una famiglia semplice e felice, composta da Sergio (Edoardo Leo) conducente di ambulanze, Valeria (Milena Mancini) e la figlia adolescente, Mia (Greta Gasbarri). Quando però nella vita di Mia entra Marco (Riccardo Mandolini), un possessivo manipolatore che stravolge la vita della quindicenne, l’intera esistenza della famiglia diventa un incubo. Quando poi la ragazza, aiutata dal padre, riesce ad allontanarsi e ricominciare a vivere, il ragazzo decide di distruggerla. A quel punto, al padre rimane solo una cosa: la vendetta.

La storia vera che ha ispirato il film

Nonostante Mia non sia basato su una singola storia reale, Ivano De Matteo ha comunque voluto costruire un racconto che rispecchiasse fedelmente la realtà. Il regista ha infatti confermato di aver tratto ispirazione da una pluralità di esperienze reali, raccolte attraverso testimonianze dirette e osservazioni personali. In un’intervista a Vanity Fair, De Matteo ha poi raccontato che l’idea del film è nata insieme alla sua compagna, Valentina Ferlan, con l’obiettivo di mostrare una realtà che colpisce molti giovani e le loro famiglie. Ha affermato: “È un’opera scritta da genitori, prima che da sceneggiatori”.

De Matteo ha dunque attinto dalle confidenze di amici e conoscenti, in particolare di genitori le cui figlie adolescenti hanno vissuto situazioni di manipolazione emotiva e isolamento sociale. Una di queste storie riguarda una ragazza che, a causa di una relazione tossica, aveva smesso di uscire di casa, di truccarsi e di frequentare le amiche, mostrando segni evidenti di disagio psicologico. Per comprendere meglio le dinamiche adolescenziali, De Matteo e Ferlan hanno coinvolto la loro figlia sedicenne e le sue amiche nella stesura dei dialoghi, cercando di rappresentare fedelmente il linguaggio e le esperienze dei giovani.

Il regista ha inoltre consultato psichiatri infantili per approfondire il fenomeno del gaslighting e della violenza psicologica, elementi centrali nella narrazione del film. Lo stesso Marco non è rappresentato come il classico “cattivo” della narrativa cinematografica: non è un violento fisico né un criminale stereotipato. È invece un manipolatore psicologico, un aspetto che il regista ha voluto enfatizzare per evidenziare una forma di abuso meno visibile ma altrettanto devastante.

Durante la promozione del film, De Matteo ha inoltre organizzato proiezioni nelle scuole, seguite da dibattiti tra studenti, genitori e psicologi. Questi incontri hanno rivelato numerose storie simili a quella raccontata in Mia, confermando la diffusione di relazioni tossiche tra gli adolescenti e l’importanza di affrontare apertamente questi temi. Pur non essendo una ricostruzione diretta di eventi reali, Mia offre quindi una rappresentazione accurata dei fenomeni di manipolazione, revenge porn e del sentimento di impotenza che spesso accompagnano tali situazioni.

Il finale di May December di Todd Haynes rivela quanto siano state efficaci le strane tecniche di recitazione di Elizabeth Berry (Natalie Portman) nello studio di Gracie Atherton (Julianne Moore). Il nuovo dramma Netflix vede le straordinarie interpretazioni di Portman e Moore, che recitano insieme per la prima volta sul grande schermo, affiancate dalla performance rivelazione di Charles Melton nel ruolo di Joe Yoo. Il complesso melodramma affronta temi come la vergogna, la negazione e l’imitazione attraverso varie lenti, maschere e simbolismi riflessivi, dando vita a un prodotto finale meravigliosamente strutturato ma accessibile.

Il cast di May December (la nostra recensione) vede anche la partecipazione di Cory Michael Smith e Piper Curda, che interpretano due dei figli di Gracie, avuti da padri diversi. Sia Georgie di Smith che Honor di Piper offrono prospettive interessanti sul mondo chiuso di Gracie e Joe, trovando divertente l’interesse di Elizabeth per la storia “incasinata” della madre. Elizabeth si presenta con un’aria maestosa mentre osserva silenziosamente e analizza ogni dettaglio del carattere di Gracie, sperando che alla fine della sua visita avrà scoperto la “verità” su Gracie. Elizabeth, che si rivela piuttosto subdola e manipolatrice in May December, scopre che forse ha sottovalutato Gracie fin dall’inizio.

Cosa succede alla fine di May December

Il finale di May December inizia il giorno del diploma di Charlie e Mary Atherton-Yoo. Essendo gli ultimi due figli a lasciare la casa prima che Gracie e Joe diventino una coppia senza figli, ci sono già molte emozioni che turbinano intorno a questo importante evento della vita, intensificate dalla presenza persistente di Elizabeth. Elizabeth si presenta alla cerimonia di diploma, dove non conosce nessuno tranne Gracie e la sua famiglia, sembrando aver imparato alla perfezione l’aspetto di Gracie e averne incarnato la personalità. La vera Gracie, tuttavia, ha un ultimo messaggio per Elizabeth prima che questa torni a Hollywood con la sua immagine in un quaderno.

Gracie chiede a Elizabeth se crede di capirla, e Elizabeth risponde di sì. Gracie ha un ultimo asso nella manica: dice a Elizabeth che il suo eccentrico ma talentuoso figlio Georgie non avrebbe mai dovuto raccontare quella bugia sui suoi fratelli che l’avrebbero molestata da bambina. Elizabeth rimane sbalordita, pensando che Gracie non fosse a conoscenza della sua conversazione privata con Georgie quando lui le ha rivelato quell’informazione. Gracie conferma che Georgie ha inventato quella storia “disgustosa”, il che fa infuriare Elizabeth, che si rende conto di essere stata manipolata e ingannata da entrambi, mettendo in discussione la sua “comprensione” di Gracie.

La spiegazione della scena di Gracie con la volpe nel bosco 

La mattina della laurea di Charlie e Mary, Gracie salta la colazione con la sua famiglia e porta il fucile nel bosco con i suoi cani. Sembra essere a caccia, alla ricerca di predatori indesiderati nella zona, quando si imbatte in una volpe che la fissa direttamente negli occhi. Gracie tiene l’arma senza forza, fissando la volpe con occhi velati e luccicanti che brillano su un’anima vuota. I due predatori si osservano immobili mentre Gracie sembra riconoscere qualcosa di sé stessa e della sua vita. La scena potrebbe anche rappresentare Gracie che capisce che Elizabeth è una predatrice intellettuale e che rappresenta una minaccia per la sua reputazione con il suo film hollywoodiano.

Perché Joe piange da solo alla cerimonia di laurea di Charlie e Mary

Da quando Elizabeth è entrata nella sua vita, Joe ha intrapreso un percorso di riflessione su se stesso e sui suoi desideri per il futuro, fatto di sfumature e valutazioni. La scelta di Joe di non sedersi con Gracie alla cerimonia di diploma di Charlie e Mary indica che potrebbe aver bisogno di più spazio lontano da lei dopo che i ragazzi saranno andati al college. Dovendo crescere così in fretta in May December, Joe si è sicuramente perso molte esperienze tipiche della vita che gli hanno impedito di condurre una vita normale. In questa immagine finale di Joe in May December, sia il bambino che il genitore in Joe piangono per motivi diversi.

Guardare Charlie e Mary diplomarsi al liceo, cosa che il vero Vili Fualaau e presumibilmente Joe non hanno mai fatto, probabilmente fa provare a Joe un’ondata di rimpianto e delusione. Piange per la fine di questo capitolo intimo della paternità, ma anche per la confusione su quale direzione prenderà la sua vita da quel momento in poi. Alcune delle sue lacrime sono probabilmente il risultato della gioia di essersi liberato da una responsabilità enorme. Joe ha finalmente l’opportunità di perseguire i suoi interessi personali ora che i suoi obblighi genitoriali sono finiti, con o senza Gracie.

Georgie ha mentito sui fratelli di Gracie?

È difficile determinare se sia stato Georgie o Gracie a mentire a Elizabeth sui fratelli di Gracie in May December. Da un lato, Georgie aveva chiaramente un secondo fine nel fornire quell’informazione a Elizabeth, chiedendole subito dopo un lavoro come supervisore musicale per il suo film. Georgie potrebbe aver inventato quell’informazione su sua madre per far sembrare che avesse fatto un favore a Elizabeth, sperando che lei ricambiasse con un favore. D’altra parte, Gracie parla spesso dei suoi fratelli in May December e l’informazione di Georgie spiegherebbe molto del vero carattere di Gracie, che è essenzialmente tutto ciò che interessa a Elizabeth nel film.

Elizabeth vuole più riprese per trovare la “verità” di Gracie

La scena finale di May December mostra Elizabeth in costume da Gracie sul set del film hollywoodiano in cui la interpreta. La scena imita la ripresa di una telecamera che gira più take di una scena del “film di Gracie”, mostrando la rappresentazione discontinua del personaggio da parte di Elizabeth. Dopo alcune riprese, il regista è pronto a proseguire, ma Elizabeth chiede un’altra ripresa, sostenendo che sta avvicinandosi alla “verità” di Gracie ad ogni ripresa.

In realtà, Elizabeth sembra completamente persa sul set, segno che le sue bizzarre tecniche di recitazione non l’hanno affatto avvicinata alla vera Gracie. La produzione del film sembra più quella di un film televisivo a basso budget che di una grande produzione hollywoodiana, il che implica che Elizabeth era completamente sopraffatta dal suo approccio “metodico”, che ha finito per sconvolgere in modo permanente la vita sia di Joe che di Gracie.

Il vero significato del finale di May December

Lo sguardo confuso e distante di Elizabeth alla fine di May December indica che, anche dopo il suo studio approfondito di Gracie, non la capisce ancora completamente. I dettagli di Georgie sui fratelli di Gracie le hanno fatto capire che Gracie era vittima di abusi. Tuttavia, alla cerimonia di laurea di Charlie e Mary, Gracie getta un’ultima ombra sull’interpretazione che Elizabeth ha dato di lei, ribaltando completamente la situazione e affermando che Georgie aveva mentito. Elizabeth si sente tradita dal fatto che Gracie e Georgie abbiano parlato in privato della loro conversazione, il che è un segno della sua ingenuità e della sua esagerata presunzione nei confronti del suo film di serie B.

Se Georgie diceva la verità, Gracie sembra negare ciò che è successo con i suoi fratelli, proprio come fa con la sua relazione “sana” con Joe. Gracie aveva già rivelato a Elizabeth di essere ingenua, cosa che è stata uno scudo protettivo e un “dono” nella sua vita dagli orrori della realtà. In questo modo, le cose con cui Gracie non è d’accordo non appartengono alla sua visione del mondo o alla sua autovalutazione, rendendola in qualche modo delirante. Ironia della sorte, l’ultima richiesta di Gracie a Elizabeth è stata quella di assicurarsi che apparisse “stabile” nel suo film. Elizabeth si rende conto di aver attinto da una fonte inaffidabile in Gracie, spiegando la sua difficoltà a trovare la “verità” del suo personaggio nei momenti finali di May December. Elizabeth potrebbe anche essere instabile in qualche modo, il che la costringe a confrontarsi con la verità su se stessa all’interno del suo personaggio di attrice metodica.

Il finale di The Father – Nulla è come sembra è un viaggio contorto ed emozionante che lascia il film con una nota straziante. Il film è stato il debutto alla regia di Florian Zeller ed è improvvisamente apparso sul radar della maggior parte degli spettatori quando Anthony Hopkins ha battuto Chadwick Boseman per il premio come miglior attore alla cerimonia degli Oscar 2021. Controversie a parte, The Father (la nostra recensione) di Zeller è caratterizzato da una performance straordinaria di Hopkins e da una sceneggiatura sapientemente costruita dallo stesso Zeller, la cui regia conferisce al film una prospettiva che ricorda le opere enigmatiche di M.C. Escher. Ma la storia dell’acclamato film del 2020 inizia nel 2012 con la prima di Le Père.

Zeller ha scritto l’opera teatrale Le Père, che gli è valsa un ampio consenso dalla critica teatrale a partire dal 2012. Aveva scritto il ruolo principale di Anthony in The Father appositamente per Hopkins, ritenendolo il “più grande attore vivente” (via Deadline).

La figlia di Anthony, Anne (Olivia Colman), sta cercando una soluzione di assistenza a lungo termine per il padre testardo ma spesso confuso. The Father è raccontato dal punto di vista soggettivo di Anthony, affetto da demenza, che fa sembrare che alcuni fatti cambino nel corso della narrazione. Tali frustrazioni culminano nella scena finale di The Father.

Cosa succede nella scena finale di The Father?

Anthony viene lasciato in una realtà straziante ma inevitabile

Alla fine di The Father, l’appartamento di Anthony ha raggiunto la fine delle sue numerose trasformazioni ed è diventato una struttura di assistenza, dove viene accudito dall’infermiera Catherine (Olivia Williams) e dal suo assistente Bill (Mark Gatiss). The Father ha attori che interpretano più personaggi come rappresentazione tematica della demenza; questi assistenti sono volti che Anthony ha già visto, avendo percepito sua figlia e suo genero come simili a Catherine e Bill in un momento o nell’altro.

La presa di Anthony sulla realtà è scivolata al punto che non riesce più a trovare la forza di determinare quali dei suoi ricordi siano reali

Nella scena finale, è chiaro che la presa di Anthony sulla realtà è scivolata al punto che non riesce più a trovare la forza di determinare quali dei suoi ricordi siano reali e quali siano compositi disgiunti delle sue esperienze.

In una scena emotivamente straziante che costituisce il culmine del film, Anthony ricorda sua madre a Catherine e improvvisamente desidera tornare a casa, sopraffatto dalle lacrime. Confida a Catherine che sente di stare “perdendo tutte le sue foglie” nel crepuscolo della sua vita e di essersi distaccato dalle cose che gli davano valore. Mentre piange tra le braccia di Catherine, lei lo calma e gli dice che presto non ricorderà più questo momento spiacevole, che più tardi andranno a fare una passeggiata e che tutto andrà bene.

Alla fine, la telecamera di The Father – Nulla è come sembra si sporge dalla finestra, osservando gli alberi le cui foglie frusciano al vento. È un momento straziante e personale del film che esalta gli aspetti emotivi della storia del suo personaggio, spesso piena di confusione, ricordi confusi e incertezza su ciò che è reale e ciò che non lo è. Come se il monologo emotivo di Anthony non bastasse a commuovere il pubblico, la canzone finale di The Father – Nulla è come sembra è la gelida “My Journey”, una colonna sonora perfetta per la storia del film.

Cosa era reale e cosa era nella testa di Anthony Hopkins in The Father – Nulla è come sembra

È difficile dire cosa sia successo solo nella sua testa

A causa della natura soggettiva e labirintica di The Father – Nulla è come sembra, è facile chiedersi cosa sia realmente successo ad Anthony e cosa abbia immaginato o erroneamente ricostruito nella sua mente. Il film mette il patriarca in primo piano, invitando il pubblico a empatizzare con lui in un modo che rispecchia la sensazione del personaggio di essere vittima del suo ambiente. Spesso confonde i volti, in particolare Anne con Catherine e Paul con Bill.

In una scena, viene soffocato da Anne mentre dorme. In un’altra scena, Paul lo aggredisce fisicamente. In un’altra ancora, Anthony scopre sua figlia e suo genero che parlano male di lui, ma poi si unisce a loro, se ne va e torna alla stessa situazione in cui si trovava all’inizio. Certamente, come minimo, lo soffocamento è stato immaginato, dato che lui sopravvive fino alla fine di The Father – Nulla è come sembra. Questo enfatizza il senso di vulnerabilità che Anthony prova nei confronti di Paul, che molto probabilmente lo ha schiaffeggiato e ha parlato con lui in modo sfacciato.

The Father – Nulla è come sembra è basato su Le Père, un’opera teatrale francese che ha vinto il Premio Molière per la migliore opera teatrale nel 2014.

Poi c’è la questione della sua visita notturna alla figlia minore, Lucy. Si deduce che abbia avuto un grave incidente e che probabilmente sia morta. Anthony, non riuscendo a ricordarlo, continua a tirare fuori l’argomento, soprattutto per quanto la sua ultima badante le assomigli. In una delle scene finali di The Father – Nulla è come sembra, esplora l’appartamento e lo trova trasformato in un ospedale, dove trova Lucy, insanguinata e ingessata, distesa in un letto circondata da ogni tipo di apparecchiature mediche.

Si sveglia improvvisamente da quello che era un sogno o un ricordo e si ritrova nella struttura di assistenza dove trascorrerà il resto del film.

Il suo trattamento nei confronti della figlia vivente, Anne, è duro, come se fosse arrabbiato con lei per essere sopravvissuta

La morte di Lucy ha senso, considerando quanto Anthony si commuove quando la ricorda. Inoltre, il suo trattamento nei confronti della figlia vivente, Anne, è duro, come se fosse arrabbiato con lei per essere sopravvissuta mentre la figlia che preferiva non c’è più. C’è una certa gravità in questi momenti, anche se ciò che si può dedurre è che anche Anne è allo stremo delle forze nel prendersi cura di suo padre, che spesso è crudele con lei a causa della sua demenza, ma anche per il risentimento che prova nei suoi confronti e per ciò che è successo a Lucy.

Anthony muore alla fine di The Father – Nulla è come sembra?

Il finale suggerisce che la straziante scena finale si è già verificata in passato

Quando viene affidato a una struttura di assistenza, la comprensione del mondo che lo circonda da parte di Anthony in “The Father” è deteriorata al punto da richiedere un monitoraggio costante. Il film si conclude con la promessa che lui e Catherine continueranno una routine che è chiaramente in atto da tempo, anche se il pubblico e Anthony non sarebbero in grado di dirlo.

Nonostante la destinazione ovvia di un film incentrato su un genitore affetto da demenza, l’ultima scena di “The Father” non si conclude con un’immagine di Anthony che se ne va serenamente nell’aldilà, ma con gli alberi fuori dalla sua stanza. Anche se il suo destino è ormai segnato, l’ultima scena di “The Father” dice molto di più sulla sua situazione finale che sul semplice fatto che sia vivo o morto.

Il vero significato del finale di The Father – Nulla è come sembra

Potrebbe non esserci speranza nella straziante scena finale

È difficile trovare un messaggio positivo in una storia il cui tema è così fondamentalmente terminale come quello di The Father, ma Zeller riesce a sostenere il significato di The Father come film con l’aiuto di una metafora visiva. Mentre Catherine consola Anthony, sconvolto e distaccato, identifica il conforto della sua condizione: anche se al momento sta soffrendo sotto il peso della sua fine, fortunatamente la sua demenza gli impedisce di ricordare la sua sofferenza.

Invece di lottare contro la vecchiaia o di trovare un finale ovvio e rassicurante in cui sua figlia rimane con lui fino alla fine, Zeller affronta la demenza momento per momento, con Catherine che incoraggia Anthony a concentrarsi su ciò che è immediato per lui.

Il significato di The Father è profondo per il modo in cui esplora la demenza come un viaggio labirintico attraverso la mente di chi ne è affetto.

Alla fine, le persone invecchiano e i figli devono vivere la loro vita. È interessante anche il modo in cui The Father affronta i ricordi, con Anthony che si perde soprattutto nei momenti che gli hanno causato dolore emotivo: è spesso terrorizzato, affranto, spaventato di essere aggredito a causa della sua confusione o di sentirsi fuori posto. A tal fine, il significato di The Father è profondo per il modo in cui esplora la demenza come un viaggio labirintico nella mente di chi ne è affetto.

Alla fine di The Father, l’albero ha ancora le foglie, e forse questa è l’affermazione più ottimistica sulla condizione di Anthony. Ha vissuto una vita indipendentemente dal fatto che potesse essere considerata buona o cattiva (o entrambe le cose), e le foglie dell’albero indicano la crescita e la fioritura della vita, che continua il suo ciclo indipendentemente da tutto.

Perché Anthony Hopkins ha vinto il premio come miglior attore per The Father

In tutto e per tutto, The Father non avrebbe funzionato senza una performance avvincente come quella di Sir Anthony Hopkins. Se The Father avrebbe dovuto vincere il premio per il miglior film è un altro discorso, ma è innegabile che l’interpretazione irritante, terrificante e straziante di Hopkins di un uomo alle prese con la demenza sia stata il fattore determinante del successo del film. D’altra parte, lo stesso non si può dire dei concorrenti di Hopkins per l’Oscar 2021 come miglior attore. Gli altri candidati nella categoria erano Riz Ahmed per The Sound of Metal, Steven Yeun per Minari, Gary Oldman per Mank e Chadwick Boseman per Ma Rainey’s Black Bottom.

Sebbene questi attori siano stati fenomenali nei rispettivi film, il successo delle loro pellicole non è dipeso principalmente dalle loro interpretazioni, come invece è stato il caso di Hopkins. Nonostante la controversia sul fatto che Chadwick Boseman avrebbe dovuto vincere, Hopkins meritava senza dubbio il premio come miglior attore per la sua potente interpretazione in The Father, in particolare per la commovente scena finale che può far piangere anche gli spettatori più cinici.

La scena finale di The Father spiegata dal regista

Zeller ha parlato anche della memorabile battuta finale di Anthony

Zeller ha collaborato nuovamente con Anthony Hopkins, protagonista di The Father, per il film The Son, che funge da complemento a quest’ultimo. La loro nuova collaborazione non sorprende, vista la riuscita di The Father. Zeller (via: Esquire) ha parlato in particolare del lavoro con Hopkins e Olivia Colman nella scena finale e della sua importanza. Con l’intera storia che ruota attorno a questo finale, Zeller spiega:

“Abbiamo girato quella scena con un po’ di nervosismo, anche perché sapevamo che le emozioni che dovevamo raggiungere erano crude, brutali, vere e difficili da ottenere. È stato un momento molto intenso per noi.”

Zeller ha anche chiesto agli attori di non provare, in modo da poter arrivare alle emozioni giuste davanti alla telecamera. Una volta che Colman esce dal film e Anthony ha il suo crollo finale, la battuta che pronuncia su “perdere tutte le mie foglie” è stata anche una parte fondamentale della scena per Zeller.

Proprio come l’infermiera non capisce cosa intende Anthony con questa battuta, Zeller ammette di averla scritta come una frase che in realtà non significa nulla, ma allo stesso tempo il pubblico capisce esattamente cosa sta cercando di comunicare Anthony. Ha spiegato che la battuta voleva riassumere ciò che l’intera esperienza del film avrebbe dovuto essere per il pubblico:

“Non capisci cosa sta succedendo, ma allo stesso tempo, a un altro livello, emotivamente, capisci tutto.”

Come è stato accolto il finale di The Father – Nulla è come sembra

Sia i fan che i critici hanno elogiato The Father per la sua storia, le interpretazioni degli attori e il finale potente e straziante. Il punteggio dei critici su Rotten Tomatoes è stato del 98%, quasi perfetto. La maggior parte delle recensioni negative ha respinto l’idea che la demenza e la perdita di memoria si manifestino in questo modo nella mente delle persone affette. Tuttavia, il punteggio del pubblico è stato anch’esso molto alto, pari al 92%, uno dei rari casi in cui critici e spettatori paganti concordano sulla qualità del film.

Un thread su Reddit è stato aperto quando il film ha iniziato a fare parlare di sé per gli Oscar, e molti fan hanno sottolineato l’alta qualità del finale. Un utente di Reddit ha scritto: “Il finale ha fatto piangere me e mia moglie. Ho perso mia nonna a causa dell’Alzheimer alcuni anni fa, e questo film mi ha fatto riflettere su come fosse nella sua testa mentre soccombeva alla malattia”. Il tema ricorrente tra i fan era che la performance di Anthony Hopkins era straziante e che il montaggio e i trucchi utilizzati rendevano il finale ancora più d’impatto.

Per i critici, il finale ha legato insieme tutti i fili in The Father, mostrando come la confusione che pervade il film sia simile a quella provata da Anthony durante tutto il film (e nelle ultime fasi della sua vita). Nella sua recensione per il Boston Globe, il critico Ty Burr ha scritto: “È un film che ti fa rimanere seduto al buio a lungo dopo i titoli di coda e ti fa guardare in profondità in cose da cui di solito distogliamo lo sguardo”.

TIME La critica cinematografica Stephanie Zacharek ha elogiato il finale aperto e straziante che non risponde facilmente alle domande:“The Father può solo riflettere su queste domande, non rispondere… In The Father, Anthony ci invita ad accompagnarlo, a capire come si sente, ma possiamo seguirlo solo fino a un certo punto. Lasciarlo indietro è allo stesso tempo un sollievo e una sofferenza”.

Infine, Peter Travers di ABC News sottolinea perché Anthony Hopkins ha meritato l’Oscar e perché The Father ha ricevuto tutti gli elogi che gli sono stati tributati. “Anthony Hopkins offre una lezione magistrale di recitazione nei panni di un uomo un tempo brillante che perde le facoltà mentali a causa della demenza. Il regista esordiente Florian Zeller trasforma la sua moderna versione teatrale del ”Re Lear“ in un film essenziale.”

xXx – Il ritorno di Xander Cage rappresenta il terzo capitolo della saga action inaugurata nel 2002 con xXx, film che aveva introdotto al pubblico l’atipico eroe interpretato da Vin Diesel: un amante degli sport estremi trasformato in agente segreto al servizio del governo. Dopo l’assenza dell’attore nel secondo capitolo (xXx 2: The Next Level, 2005), questa pellicola segna dunque un ritorno alle origini, riportando Diesel nei panni di Xander Cage e rilanciando l’intera saga con un tono ancora più esagerato, dinamico e dichiaratamente sopra le righe.

Diretto da D. J. Caruso, il film si propone come una vera e propria esplosione di adrenalina, pensata per intrattenere il pubblico attraverso acrobazie spettacolari, ironia, e una narrazione tutta centrata sull’azione. Il tono del film è infatti spudoratamente esagerato, con sequenze che sfidano le leggi della fisica, combattimenti coreografati con stile quasi fumettistico e un ritmo che non rallenta mai. Il tutto è accompagnato da un’ironia costante, che permette al film di non prendersi mai troppo sul serio, puntando tutto sul carisma dei suoi protagonisti e sull’intrattenimento puro.

Nel corso dell’articolo che segue, analizzeremo nel dettaglio il finale del film, andando a chiarire i principali snodi narrativi che portano alla conclusione dell’intreccio. Cercheremo di capire cosa accade realmente nell’ultimo atto, quali rivelazioni vengono alla luce e in che modo xXx – Il ritorno di Xander Cage si ricollega al passato della saga e apre le porte a un eventuale sequel. Con una narrazione costruita per soddisfare i fan del genere action più sfrenato, il finale del film contiene infatti alcuni colpi di scena che meritano di essere esaminati con attenzione.

La trama di xXx – Il ritorno di Xander Cage

L’agente Augustus Gibbons si trova in Brasile per reclutare il celebre calciatore Neymar Jr. tra le file dei suoi agenti xXx. Nel corso delle trattative, un satellite si schianta improvvisamente al suolo uccidendo entrambi. A provocare il catastrofico incidente è stata un’arma potentissima, chiamata ‘Vaso di Pandora’, in grado di controllare i satelliti che gravitano attorno all’orbita terrestre. Dal momento che il dispositivo è nelle mani dell’ex xXx Xiang e del suo braccio destro Serena Unger, l’agente della CIA Jane Marke è costretta a chiedere l’aiuto del suo miglior agente: Xander Cage. Venuto a conoscenza della morte di Gibbons, Cage esce dal suo isolamento forzato nella Repubblica Domenicana e forma una squadra per catturare Xiang.

La spiegazione del finale del film

Nel finale di xXx – Il ritorno di Xander Cage, la tensione raggiunge l’apice quando Xander e il suo team devono impedire che il Vaso di Pandora venga usato nuovamente per distruggere satelliti e provocare il caos su scala globale. Nel corso del film la squadra individua Xiang e i suoi alleati Serena, Talon e Hawk in un nightclub sotterraneo su un’isola remota, dove Xiang rivela però che anche la sua squadra è formata da agenti xXx, reclutati da Gibbons. Afferma inoltre di aver rubato il Vaso di Pandora per impedirne l’uso improprio, anche se Serena crede che andrebbe distrutto. Poco dopo, soldati russi assaltano l’isola.

Nel corso dello scontro, Serena tradisce Xiang, distrugge il Vaso e si unisce al team di Xander, mentre Xiang riesce a fuggire e si ricongiunge con gli altri suoi due alleati. Dopo un altro incidente satellitare allo Stadio Olimpico di Mosca, Marke scopre però che il dispositivo distrutto da Serena era solo un prototipo. Xander scopre invece che il direttore della CIA Anderson è coinvolto e possiede il vero Vaso di Pandora. A quel punto i team di Xander e Xiang si dirigono a Detroit per intercettare Anderson, seguendo il segnale unico emesso dal dispositivo. Xander e Xiang si trovano dunque a collaborarare con riluttanza per combattere gli uomini di Anderson.

Xander affronta Anderson, che ammette di essere responsabile dell’incidente che ha ucciso Gibbons, prima che Wolff lo uccida. Xander, a quel punto, accetta con riluttanza che la CIA arresti Xiang per incastrarlo riguardo all’attacco di Mosca, mentre il dispositivo viene messo in sicurezza. Sulla via del ritorno, però, Marke annuncia che il programma è stato chiuso e spara a Xander per tenere il dispositivo per sé. Poi manda un gruppo di assassini a eliminare gli altri membri del suo team, che aspettano di essere evacuati in un magazzino dell’NSA. I gruppi si alleano quindi per difendersi, con l’aiuto dell’ex xXx Darius Stone.

Xander, sopravvissuto grazie a un giubbotto antiproiettile fornitogli da Becky, si allea con Xiang per affrontare i nemici. Al termine dello scontro, Xiang fa cadere Marke nel vuoto, poi si lancia con il paracadute portando con sé il dispositivo. Dopo che Serena avvisa che Becky non è riuscita a fermare il segnale, Xander, nel tentativo estremo di proteggere tutti, manovra l’aereo verso il satellite in arrivo e salta fuori poco prima dell’impatto, atterrando sano e salvo con il carico. Una volta a terra, Xiang gli consegna il dispositivo, che Xander decide di distruggere definitivamente schiacciandolo.

Dopo un bacio con Serena, arriva Darius a bordo della vecchia auto di Xander, e i due si presentano a vicenda. Una volta salvata la situazione, il team partecipa al funerale di Gibbons, dove Xander viene però avvicinato dallo stesso Gibbons, in realtà vivo e vegeto, che aveva inscenato la propria morte e ora sta ricostruendo il programma da zero, cominciando con Neymar come nuovo reclutato. Gibbons fa quindi i complimenti a Xander, che decide di continuare a servire nella squadra. L’ultima scena è quindi una vera dichiarazione d’intenti: Gibbons, riapparso in carne e ossa, afferma di voler rendere la squadra xXx un’unità operativa indipendente, lasciando intuire nuove missioni future.

Con toni autoironici e una chiara volontà di espandere l’universo narrativo, il finale del film chiude quindi il cerchio delle vicende ma apre chiaramente alla possibilità di un quarto capitolo. Dato il grandissimo successo del film, Diesel ha espresso l’intenzione di dar vita ad un quarto capitolo della serie. La stessa Paramount Pictures, casa produttrice del film ha dichiarato di aver avviato la fase di sviluppo per un nuovo film. Ad oggi tuttavia, non vi sono state novità a riguardo, nonostante l’acquisizione dei diritti del franchise da parte di Diesel nel 2018.

Quando Bob Dylan arrivò a New York City il 24 gennaio 1961, «era pieno inverno», ricordò in seguito. «Il freddo era pungente e ogni arteria della città era ricoperta di neve. … Non erano né i soldi né l’amore che cercavo. Avevo una consapevolezza acuta, ero determinato, poco pratico e, per giunta, visionario. La mia mente era forte come una trappola e non avevo bisogno di alcuna garanzia di validità. Non conoscevo anima viva in questa metropoli buia e gelida, ma tutto stava per cambiare, e in fretta”.

Quello che ora è un evento storico, raccontato da Dylan nel suo libro di memorie del 2004, Chronicles, era solo l’inizio di un viaggio alla scoperta di sé stesso. L’artista che sarebbe poi diventato la voce di una generazione era allora un diciannovenne che aveva abbandonato l’università, annoiato dal Midwest e affascinato dalla musica folk che proveniva dal Greenwich Village, nella parte sud di Manhattan.

Dylan fece il suo debutto a New York la sua prima sera in città, suonando l’armonica al Café Wha?, un club che descrisse come “una caverna sotterranea, senza alcolici, mal illuminata, con soffitti bassi, simile a un’ampia sala da pranzo con sedie e tavoli”. Pochi giorni dopo, andò a trovare il suo idolo, la leggenda del folk Woody Guthrie, che era costretto a letto da un morbo di Huntington in un ospedale del New Jersey. Dylan cantò alcune canzoni di Guthrie per l’artista più anziano. Da lì, tracciò il proprio percorso nel mondo della musica.

Questi primi anni della carriera di Dylan sono al centro di A Complete Unknown, il nuovo film del regista James Mangold. Con Timothée Chalamet nel ruolo di Dylan, il film riporta gli spettatori agli inizi degli anni ’60, un’epoca in cui Dylan non era ancora il veterano del rock ottantatreenne che conosciamo oggi, ma semplicemente un giovane che cercava di trovare il suo posto nel mondo. Come dice Chalamet nel trailer del film: “Le persone si inventano il proprio passato. … Ricordano ciò che vogliono. Il resto lo dimenticano”.

Ecco cosa c’è da sapere sulla vera storia dietro A Complete Unknown, nonché sulla vita e la leggenda di Dylan.

L’ispirazione dietro A Complete Unknown

Basato sul libro del 2015 dello storico culturale Elijah Wald, Dylan Goes Electric! Newport, Seeger, Dylan and the Night That Split the Sixties, il film di 141 minuti segue il cantautore dal suo arrivo a New York City nel 1961 alla sua controversa esibizione al Newport Folk Festival del 1965. Chalamet è il protagonista di un cast corale che interpreta i personaggi più importanti degli anni ’60, tra cui Edward Norton nel ruolo di Pete Seeger, Monica Barbaro in quello di Joan Baez e Boyd Holbrook in quello di Johnny Cash. Elle Fanning interpreta Sylvie Russo, la controfigura della fidanzata di Dylan nella vita reale, Suze Rotolo.

Mangold ha basato il suo film sulla storia, ma era principalmente interessato a catturare l’essenza dell’epoca. “Non è proprio un film biografico su Bob Dylan”, ha detto il regista al podcast “Happy Sad Confused” lo scorso anno. “È una sorta di opera corale su questo momento storico dei primi anni ’60 a New York… e su questo vagabondo che arriva dal Minnesota con un nome nuovo e una nuova visione della vita [e] diventa una star”.

In netto contrasto con il film del 2007 I’m Not There, che vedeva sei attori diversi interpretare i vari personaggi pubblici di Dylan, A Complete Unknown ritrae Dylan esclusivamente come il nuovo arrivato a cui fa riferimento il titolo. Sebbene Chalamet si sia preparato per il ruolo per anni, condivide il pensiero di Mangold sulla precisione storica. “È un’interpretazione”, ha detto della sua performance in un’intervista ad Apple Music. “Non è la realtà. Non è quello che è successo. È una favola”.

È interessante notare che Dylan, che ha lavorato come produttore esecutivo del film, ha contribuito direttamente alla sua romanzizzazione della sua vita, insistendo per aggiungere almeno un momento inesatto alla sceneggiatura. Non è la prima volta che l’artista offusca i racconti del suo passato: sia la sua autobiografia che un documentario del 2019 diretto da Martin Scorsese confondono il confine tra realtà e fantasia.

Gli anni giovanili di Bob Dylan

Sebbene l’arrivo di Dylan a New York segni l’inizio della sua leggenda, la sua vita è iniziata in Minnesota. Nato Robert Allen Zimmerman il 24 maggio 1941, è cresciuto in una famiglia ebrea della classe media nella piccola città di Hibbing.

Cresciuto nel dopoguerra, Dylan ha goduto di un’infanzia tranquilla che gli ha permesso di esplorare i suoi interessi creativi. Affascinato dal rock ‘n’ roll, dal country e dall’R&B che ascoltava alla radio, ha iniziato la sua carriera come musicista suonando il pianoforte e la chitarra in una serie di band rock del liceo. La dedica sulla foto dell’annuario del 1959 rivelava le sue ambizioni artistiche: “entrare a far parte dei Little Richard”.

Dylan si trasferì a Minneapolis nel settembre 1959 per studiare all’Università del Minnesota. Cominciò a farsi chiamare “Bob Dylan” e passò alla musica folk suonando nei caffè delle Twin Cities. Come Dylan stesso affermò in seguito: “Sapevo che quando mi avvicinai alla musica folk, era qualcosa di più serio. Le canzoni sono piene di più disperazione, più tristezza, più trionfo, più fede nel soprannaturale, sentimenti molto più profondi”.

Sebbene Dylan non rimase a Minneapolis a lungo, abbandonando l’università dopo il primo anno, sfruttò quel periodo per ampliare i suoi orizzonti musicali – era particolarmente affascinato dallo stile folk di Guthrie e Ramblin’ Jack Elliott – e per coltivare le sue doti di performer. Come scrive Wald in Dylan Goes Electric, “Ascoltò centinaia di cantanti e canzoni, prese tutto ciò che lo interessava, conservò ciò che poteva usare e andò avanti. … Era più veloce della maggior parte delle persone, particolarmente abile e insistente nel mettersi di fronte al pubblico, e aveva un talento insolito nel riconoscere gli stili e i materiali che si adattavano al suo talento”.

Dylan in studio di registrazione nel 1962 Bettmann via Getty Images

Sentendo di aver superato il Midwest, Dylan fece l’autostop verso est per incontrare Guthrie e continuare a farsi strada come artista. “Sta inseguendo il mito di qualcuno che pensava di poter fare musica che non fosse solo folk tradizionale”, dice Sean Latham, studioso di letteratura e direttore dell’Institute for Bob Dylan Studies dell’Università di Tulsa. “[Non sta] solo cercando di ricreare i suoni degli Appalachi, ma [piuttosto] di utilizzare gli elementi mitici e musicali della musica folk americana per renderla immediatamente e significativamente reverenziale”.

Come si è sviluppato Bob Dylan come artista

“La musica folk sta lasciando l’impronta dei suoi grandi stivali country sulla vita notturna di New York in modo senza precedenti”, scriveva il critico Robert Shelton sul New York Times nel novembre 1960. “C’è un miscuglio senza regole di stili di esecuzione e di intenti degli artisti. … Ma sotto tutto questo c’è un profondo nucleo di creatività che rappresenta uno dei più grandi boom contemporanei in una forma d’arte popolare”.

Quando Dylan si trasferì a New York nel 1961, era nel posto giusto al momento giusto. Era arrivato all’apice del revival della musica folk americana, un movimento risalente agli anni ’40 che vedeva artisti di ogni genere emulare, adattare e innovare le canzoni tradizionali. Greenwich Village era emerso come il suo epicentro.

Questo era un ambiente musicale ricco per Dylan, che si circondò di persone che lo ispiravano e che a loro volta traevano ispirazione da lui. Dave Van Ronk, un pilastro del Village noto come il “sindaco di MacDougal Street”, prese Dylan sotto la sua ala protettrice. Anche Seeger fu suo mentore, mettendolo in contatto con una generazione più anziana di cantanti folk che apprezzavano le radici tradizionali della musica e i suoi legami con la politica di sinistra. Baez, la cui fama inizialmente eclissò quella di Dylan, era una cara amica, collaboratrice musicale e compagna sentimentale. E la fidanzata di Dylan, Rotolo, era molto più che la semplice ragazza copertina del suo secondo album in studio, The Freewheelin’ Bob Dylan. Artista e attivista del Congress of Racial Equality (CORE), Rotolo incoraggiò Dylan a sostenere il nascente movimento per i diritti civili.

Insieme, i suoni, gli artisti e i locali del Village lo rendevano molto più della somma delle sue parti. Il quartiere faceva parte di una più ampia tradizione di comunità controculturali che favorivano la creazione artistica, ma per Dylan era come se fosse il centro del mondo. “Questi sono spazi creati da persone che si sentono diverse dagli altri o che vogliono essere diverse dagli altri”, afferma John Troutman, storico della cultura e curatore musicale presso lo Smithsonian’s National Museum of American History. “Sono davvero gli spazi che hanno suggerito che le canzoni e la musica potevano diventare davvero trasformative nella società, che le cose non dovevano rimanere come erano e che gli artisti potevano svolgere un ruolo importante nel plasmare le condizioni del mondo in evoluzione”.

A soli 20 anni, Dylan era già “uno degli stilisti più distintivi ad esibirsi in un cabaret di Manhattan negli ultimi mesi”, scrisse Shelton per il Times il 29 settembre 1961. “Quando suona la chitarra, l’armonica o il pianoforte e compone nuove canzoni più velocemente di quanto riesca a ricordarle, non c’è dubbio che stia esplodendo di talento”.

L’ascesa di Dylan fu fulminea. Il citatissimo articolo del Times portò John Hammond, talent scout e produttore, a scoprire il giovane cantante e a metterlo sotto contratto con la Columbia Records. Dylan pubblicò il suo primo album omonimo nel marzo 1962. Altri tre seguirono nei due anni e mezzo successivi.

“Quante strade deve percorrere un uomo / prima che tu lo chiami uomo?” cantava Dylan in “Blowin’ in the Wind”, un singolo tratto da The Freewheelin’ Bob Dylan. Aveva iniziato la sua carriera interpretando musica folk rurale, come molti musicisti folk dell’epoca, ma eccelleva come cantautore man mano che si dedicava sempre più alla composizione di brani propri. “Credo che sia un processo graduale”, ha scritto in Chronicles. “Non è che vedi le canzoni avvicinarsi e le inviti a entrare. Non è così facile. … Devi conoscere e capire qualcosa e poi andare oltre il vernacolo”.

Secondo Latham, “Tutto ciò che si può provare negli anni ’60 alimenta l’immaginazione [di Dylan]. Non sta seduto a studiare [le tradizioni folk] in modo ristretto. … È quella capacità di unire le cose che distingue Dylan come cantautore“. Troutman è d’accordo, dicendo: ”È la sua capacità di assimilare così tanto e di essere ispirato e trasformato da ciò che lo circonda che funge da vero catalizzatore per produrre qualcosa di nuovo”.

Sebbene Dylan sia ricordato soprattutto per le sue canzoni, lui si considerava innanzitutto un performer e un musicista. “Dylan scriveva sempre canzoni per sé stesso, non per altri”, ha dichiarato Wald alla rivista Smithsonian. “Direi che la scrittura era sempre secondaria rispetto all’esibizione. La scrittura era al servizio dell’esibizione e non viceversa”.

Nei suoi primi anni, “Dylan faceva del suo meglio per cantare come [Guthrie], o almeno come qualcuno dell’Oklahoma o del sud rurale, ed era sempre molto grezzo e autentico”, ha scritto Van Ronk nelle sue memorie. Ma è impossibile attribuire a Dylan uno stile unico, dato che lo ha cambiato frequentemente nel corso della sua carriera. Come disse Dylan in un’intervista del 1984, “In un concerto dal vivo, non è tutto nelle parole. È nel fraseggio, nella dinamica e nel ritmo”.

Gli anni formativi della carriera di Dylan furono gli anni ‘60, un decennio che l’artista raccontò e affrontò attraverso le sue canzoni di attualità. Era solidale con le cause che sarebbero diventate le preoccupazioni centrali della controcultura e della Nuova Sinistra: “Masters of War” evocava gli orrori del militarismo della Guerra Fredda. “Talkin’ John Birch Paranoid Blues” ridicolizzava l’anticomunismo. “The Times They Are A-Changin’” parlava da sé. Dylan si esibì in concerti di beneficenza per il CORE, cantò con Seeger a una manifestazione per la registrazione degli elettori sponsorizzata dallo Student Nonviolent Coordinating Committee e si esibì con Baez alla Marcia su Washington del 1963.

Tuttavia, Dylan rimase profondamente ambivalente riguardo all’idea di essere assorbito in qualsiasi tipo di movimento. Sebbene le sue canzoni di attualità siano oggi spesso ricordate, esse costituivano una parte relativamente piccola della sua produzione complessiva, e con il passare degli anni ’60 Dylan divenne meno coinvolto nelle cause attiviste. “È un artista. Non è un politico”, afferma Latham. “Non sta cercando di assicurarsi che la sua musica produca un particolare risultato politico. Piuttosto, ragiona come un artista. Chi sono queste persone? Come funzionano? Come funzionano le loro menti? E lui vuole entrare in quelle menti“.

Quando Bob Dylan passò all’elettrico

L’esibizione di Dylan al Newport Folk Festival il 25 luglio 1965 fu, e continua ad essere, molte cose: un mito che contrappone la musica folk ‘tradizionale’ al rock ”progressista”, una controversia basata su preoccupazioni più ampie sullo spirito della musica folk e un altro passo nell’evoluzione artistica di Dylan. Ma il set, in cui Dylan suonò la chitarra elettrica e abbracciò pubblicamente il rock ‘n’ roll, era più complicato di una rappresentazione morale che contrapponeva i puristi del folk arretrato ai rocker lungimiranti.

Il festival, che si tiene ogni anno a Newport, nel Rhode Island, dal 1959, aveva lo scopo principale di promuovere gli stili tradizionali, rurali e regionali. Ha anche fatto da ponte tra questa musica e quella più commerciale. Artisti come il Kingston Trio e Peter, Paul and Mary hanno condiviso il palco con musicisti rurali sconosciuti provenienti da tutti gli Stati Uniti, nello spirito comunitarista dell’evento.

Dylan aveva già suonato a Newport. Nel 1963, aveva chiuso il suo set con un’esibizione corale di “We Shall Overcome”. Chiamando sul palco artisti più famosi come Seeger e Peter, Paul and Mary, Dylan cantò e si unì ai suoi colleghi in un gesto di solidarietà folk. Questa dimostrazione di unità mirava a promuovere artisti come Dylan e i Freedom Singers come nuove luci del revival folk. Nel 1965 le cose erano diverse. La popolarità della musica rock era salita alle stelle sulla scia della British Invasion, e molti appassionati di folk consideravano il suo commercialismo una minaccia ai loro valori comunitari. I nuovi frequentatori del festival che affollavano Newport erano meno interessati agli stili rurali che alle celebrità come Dylan.

In realtà, molti erano venuti solo per Dylan, il cui ultimo album, con una band elettrica di accompagnamento e solo due canzoni di protesta, suonava decisamente rock. Quando Dylan si esibì in un set di 35 minuti poco provato e sostituì la chitarra acustica con una elettrica, le reazioni furono decisamente contrastanti. Sebbene gli strumenti elettrici non fossero necessariamente tabù a Newport, per alcuni rappresentavano il progressivo commercialismo del rock. Non aiutò il fatto che la chitarra di Dylan e gli strumenti della sua band fossero amplificati a un volume molto più alto di quello a cui erano abituati la maggior parte degli ascoltatori. Tuttavia, anche se alcuni spettatori lo fischiarono, sia per essere passato all’elettrico che per la brevità del suo set, molti altri lo acclamarono.

In ogni caso, Dylan e il mondo in cui viveva erano certamente cambiati. Il rock era in ascesa e i primi anni ’60 stavano volgendo al termine. Come Dylan chiese al suo pubblico disorientato a Newport durante “Like a Rolling Stone”: “Come ci si sente / Ad essere soli / Senza una direzione verso casa?”

Mentre la maggior parte dei resoconti del concerto di Newport del 1965 descrivono Dylan come un simbolo della “gioventù e del futuro” che lascia i suoi contestatori “in un passato moribondo”, secondo Dylan Goes Electric di Wald, quel momento segnò anche il punto in cui il cantante voltò le spalle a una comunità che credeva veramente nella sua arte.

“In questa versione”, scrive Wald, “i festival di Newport erano raduni idealistici e comunitari, che alimentavano la crescente controcultura… e i pellegrini che fischiavano non stavano rifiutando quel futuro, stavano cercando di proteggerlo”. I significati multivalenti del “passaggio all’elettrico” di Dylan variavano a seconda delle lealtà culturali di ciascuno. Per quanto importante fosse il concerto di Newport, era solo una performance, e ce ne sarebbero state molte altre.

“Come artista, Dylan pensava che gli artisti dovessero suscitare reazioni forti, in un modo o nell’altro”, dice Troutman. “E se lo fai, allora stai facendo qualcosa… Un applauso gentile alla fine di un’esibizione va bene. Va bene. Ma è arte? Non lo so”.

Bob Dylan, Peter, Paul and Mary, Joan Baez, Pete Seeger, Theodore Bikel e i Freedom Singers si abbracciano al Newport Folk Festival il 28 luglio 1963. Dylan è il quinto da sinistra. John Byrne Cooke Estate / Getty Images

Dopo Newport, Dylan continuò a esibirsi e a scrivere nuova musica, pubblicando due album in un anno e proseguendo il suo passaggio dal folk al rock. Nel luglio 1966, secondo quanto riferito, rimase ferito in un incidente motociclistico, che lo portò a ritirarsi in gran parte dalla vita pubblica per il resto del decennio. Sebbene continuò a pubblicare album e tornò a esibirsi dal vivo negli anni ’70, gli anni ’60 erano finiti.

L’eredità di Bob Dylan

Allora, perché dovremmo ancora interessarci a Dylan? Sebbene Dylan abbia avuto il suo maggiore impatto sulla cultura americana negli anni ’60, ha continuato a pubblicare nuova musica nei decenni successivi. I fan possono ancora vederlo esibirsi durante il suo Never Ending Tour, iniziato nel 1988 e tuttora in corso. Nel 2016, Dylan è stato (in modo controverso) insignito del Premio Nobel per la letteratura “per aver creato nuove espressioni poetiche all’interno della grande tradizione della canzone americana”.

“Rimane una figura straordinariamente stimolante”, afferma Troutman. “Oggi abbiamo a portata di mano così tanta arte… e quindi abbiamo molte scelte per cercare ispirazione per immaginare un mondo migliore del nostro o per capire come possiamo diventare parte di qualcosa di più grande. Dylan ha gettato le basi per trovare un modo per diventare anche lui parte di qualcosa di più grande e per consentire ad altri che lo hanno seguito di fare lo stesso”.

Latham, dal canto suo, sostiene che Dylan dovrebbe essere considerato il “fondatore di una tradizione che ci ha fatto vedere la musica pop, in particolare quella americana, come una forma d’arte fondamentale, importante quanto il cinema, la narrativa o la poesia. Ecco perché Dylan è importante. È perché a lui dobbiamo gran parte della nostra comprensione della musica pop”.

Forse è stato lo stesso Dylan a esprimerlo al meglio. Come ha scritto l’artista su un foglio di carta trovato nel Bob Dylan Archive: “Non mi piace pensare di parlare a nome di una generazione. Mi piace pensare di parlare anche a nome mio”.