Mentre Doctor Strange 3 è ancora in fase di sviluppo presso i Marvel Studios, Benedict Cumberbatch spiega cosa sta succedendo con il suo eroe del Marvel Cinematic Universe. Mentre la timeline dell’MCU è focalizzata sul completamento della Saga del Multiverso nei prossimi due anni, un film di cui molti attendono con ansia aggiornamenti è Doctor Strange 3.
Poiché Benedict Cumberbatch aveva precedentemente espresso il desiderio di impegnarsi di più in Doctor Strange 3, all’attore è stato chiesto un commento sulle voci secondo cui Sam Mendes potrebbe essere candidato alla regia. La star britannica ha risposto: “Onestamente, non vale la pena di subire le reazioni negative, i problemi e la noia di qualsiasi risposta che mi perseguiti per sempre”. Sebbene apprezzi “la quantità di contributo collaborativo che mi è concesso in quell’universo”, Cumberbatch ha sottolineato che “la collaborazione è collaborazione. Stai lavorando con le persone più straordinarie e nelle IP originali più straordinarie”.
Benedict Cumberbatch ha concluso la sua risposta su Doctor Strange 3 dicendo: “Quindi sì, avanti. Adoro far parte di un processo creativo. Quindi sì, dove posso contribuire, lo faccio. Ed è emozionante vedere dove andrà a parare”.
Sebbene a Benedict Cumberbatch non sia stata rivelata la sedia durante l’annuncio del cast di Avengers: Doomsday a marzo 2025, Doctor Strange dovrebbe effettivamente apparire nel film del 2026. Dopo aver inizialmente rivelato di non esserci, Cumberbatch ha chiarito in un’intervista con Business Insider a fine gennaio 2025 che apparirà nel prossimo film di Avengers: “Mi sono sbagliato, ci sarò”.
Dopo il finale di Doctor Strange in the Multiverse of Madness, il film ha incassato 955,7 milioni di dollari al botteghino mondiale, diventando uno dei maggiori successi della Saga del Multiverso. Non è chiaro se Doctor Strange 3 si svolgerà nella Fase 6 o nella Fase 7.
Cumberbatch ha precedentemente dichiarato di far parte del cast di Avengers: Secret Wars, come ha rivelato a Variety il 22 gennaio 2025, affermando che Doctor Strange è “abbastanza centrale per la direzione che potrebbero prendere le cose“. Al momento, Doctor Strange 3 non ha una data di uscita stabilita.
James Gunn ha descritto Man of Tomorrow non come un sequel diretto di Superman, ma come un secondo film del franchise con protagonisti David Corenswet e Nicholas Hoult. La seconda stagione di Peacemaker, invece, dovrebbe essere considerata un prequel del film in uscita. In ogni caso, si tratta comunque del prossimo capitolo della “Saga di Superman”. Indipendentemente da come lo si voglia intendere, gran parte del film è ancora avvolta nel mistero.
Sappiamo che il piano prevede che Superman e Lex Luthor si alleino contro una minaccia molto più grande (che sembrerebbe essere Brainiac) e che Luthor indosserà la sua tuta da guerra verde e viola dei fumetti. Durante una recente apparizione a una convention, proprio all’interprete di Luthor, Nicholas Hoult, è stato chiesto di rivelare qualcosa sul film in uscita.
“Non posso. Mi metterebbe nei guai”, ha dichiarato. “Ma inizieremo le riprese ad aprile. E sono emozionato”. È già qualcosa. Diversi media hanno riportato in precedenza che le riprese inizieranno ad aprile, quindi la conferma di Hoult consolida ulteriormente questo dato. Ci aspettiamo che il castMan of Tomorrow si rechi a Cleveland e Atlanta per girare le scene ambientate a Metropolis.
Ciò significa che le foto dal set dovrebbero arrivare online abbastanza rapidamente la prossima primavera e con esse qualche prima anticipazione sul film. L’interpretazione di Lex da parte di Nicholas Hoult è stata ben accolta dai fan, e sarà molto interessante scoprire cosa succederà quando lui e Superman saranno costretti a mettere da parte le loro differenze per combattere Brainiac.
Tutto quello che sappiamo su Man of Tomorrow
Le riprese principali di Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio 2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel al fianco di Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.
James Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la sceneggiatura”.
Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro.
Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan. Il co-CEO della DC Studios ha risposto a un fan su Threads all’inizio di settembre 2025 che Lois avrà un “ruolo importante”.
Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.
La regista di Hamnet, Chloé Zhao, risponde al poster virale che afferma che il film è il più grande di tutti i tempi. Basato sul romanzo del 2020 di Maggie O’Farrell, la storia di Hamnet esplora una versione romanzata della vita di William Shakespeare. Si concentra in particolare sulla morte del figlio di William e Agnes, Hamnet, e su come questa tragedia abbia contribuito allo sviluppo dell’opera di Amleto.
Dopo le proiezioni ai festival cinematografici di Telluride e Toronto, le recensioni di Hamnet (qui potete leggere la nostra) sono state stellari, e molti critici che lo hanno definito il miglior film del 2025. Il poster diventato virale porta questo elogio a un livello superiore, definendolo il miglior film di tutti i tempi.
In un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant per Hamnet, Zhao ammette che questo tipo di elogi viene tributato a molti film. Ciononostante, è entusiasta di aver suscitato finora una reazione così forte e positiva negli spettatori e spiega l’impatto inestimabile di un’emozione così autentica. Date un’occhiata ai commenti di Zhao qui sotto:
Beh, vedo che questo sentimento la dice lunga sui film. [Ride] Ma è incredibile! Avere una reazione del genere dalle persone? Il nostro lavoro è aiutare le persone a provare emozioni. Una volta che provano qualcosa, in qualunque modo la esprimano – qualcuno può scrivere un sacco di appunti, può letteralmente non reagire affatto e non parlarne mai più, o qualcuno può dire che è il miglior film mai realizzato – quella è la loro espressione di ciò che hanno provato. Quindi, lo accetto!
Sebbene definire Hamnet il miglior film di tutti i tempi sia ovviamente soggettivo, il film è uno dei favoriti per il premio come miglior film agli Oscar. È un anno molto competitivo, con altri potenziali candidati tra cui Una battaglia dopo l’altra, I Peccatori, Marty Supreme, Sentimental Value, Frankenstein e Wicked: For Good. Nonostante la concorrenza, Hamnet è considerato uno dei favoriti per la vittoria dell’ambito premio.
Oltre a Miglior Film, si prevede che Hamnet riceverà nomination anche in altre categorie degli Oscar. Jessie Buckley, che interpreta la moglie di Shakespeare, Agnes, è ampiamente attesa come Miglior Attrice agli Oscar di quest’anno. Paul Mescal, che interpreta William Shakespeare nel film, sarà probabilmente candidato come Miglior Attore Non Protagonista.
Per quanto riguarda Chloé Zhao, ci sono alte probabilità che riceva una nomination come Miglior Regista. Con altri probabili candidati tra cui Paul Thomas Anderson per Una battaglia dopo l’altra, Ryan Coogler per I Peccatori e Josh Safdie per Marty Supreme, anche questa è una categoria piuttosto competitiva, ma in cui Zhao potrebbe sicuramente vincere. In precedenza aveva vinto il premio come Miglior Regista nel 2021 per Nomadland e il film con Frances McDormand si era aggiudicato anche il premio come Miglior Film nello stesso anno.
L’uscita cinematografica limitata di Hamnet inizierà il 26 novembre negli Stati Uniti, seguita da un’ampia distribuzione il 12 dicembre. In Italia è atteso per febbraio 2026.
Il regista e co-CEO della DC Studios James Gunn sta lavorando intensamente su Man of Tomorrow, il sequel di Superman in uscita che vedrà Clark Kent e Lex Luthor affrontare Brainiac (stando a quanto ad oggi riportato). Su Instagram, Gunn ha ora condiviso una prima immagine di una pila enorme di storyboard del prossimo film DCU (la si può vedere qui). Guardando attentamente, si nota lo schizzo di una persona in cima… potrebbe trattarsi di una prima bozza di Brainiac? Al momento non ci sono certezze.
Gunn ha commentato il post scrivendo: “Nuova pila di storyboard pronti per la troupe lunedì mattina”. Secondo diverse fonti, le riprese di Man of Tomorrow non dovrebbero iniziare prima del prossimo aprile. Tuttavia, il fatto che Gunn abbia detto che lunedì consegnerà questi storyboard alla troupe del sequel conferma che il lavoro di pre-produzione è in pieno svolgimento. Tuttavia, non ci aspettiamo di vedere alcuna anteprima ufficiale di questo film prima del 2026.
È probabile che Man of Tomorrow sarà girato di nuovo in spazi pubblici, il che significa che dovremo aspettare solo qualche mese per vedere le prime foto dal set. Gunn ha ad oggi tenuto segreta la trama, ma il prossimo capitolo della “Saga di Superman” sarà probabilmente cruciale per i suoi piani più ampi per la DCU. Checkmate e Salvation dovrebbero entrambi apparire dopo il loro debutto nella seconda stagione di Peacemaker, ma molte saranno le sorprese da attendersi.
Tutto quello che sappiamo su Man of Tomorrow
Le riprese principali di Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio 2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel al fianco di Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.
James Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la sceneggiatura”.
Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro.
Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan. Il co-CEO della DC Studios ha risposto a un fan su Threads all’inizio di settembre 2025 che Lois avrà un “ruolo importante”.
Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.
Con Oi Vita Mia, Pio e Amedeo firmano il loro esordio alla regia, lasciando da parte la comicità più televisiva per raccontare una storia che parla di amicizia, rispetto, memoria e comunità. Al cinema a partire dal 27 novembre 2025, distribuito da Piper film, il film nasce con un intento dichiarato: dimostrare che la commedia può essere anche uno spazio di riflessione, un terreno dove la leggerezza convive con la sensibilità sociale.
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS
Oi Vita Mia: una comunità che rinasce dall’incontro tra giovani e anziani
La storia prende vita in una piccola città della Puglia, Vieste, dove Pio interpreta un educatore religioso e idealista, impegnato nel recupero dei ragazzi di una comunità. Quando il tetto della struttura crolla e il luogo viene dichiarato inagibile, trova rifugio dall’amico di sempre Amedeo, che gestisce una casa di riposo locale.
Amedeo è un operatore socio-sanitario (Oss) che si prende cura in prima persona degli anziani ospiti, offrendo loro non solo assistenza, ma anche rispetto, affetto e ascolto. Il suo personaggio è costruito con una tenerezza che sorprende e rappresenta l’anima più empatica del film.
Quando Pio chiede ospitalità, Amedeo accetta di accogliere lui e i suoi ragazzi nel piano disabitato della casa di riposo. Ne nasce una convivenza forzata tra generazioni che sembrano distanti, ma che presto scoprono di condividere le stesse fragilità: la solitudine, il bisogno di sentirsi utili, la voglia di essere amati. Giovani “fuori posto” e anziani danno vita a una nuova comunità, in cui ironia e solidarietà si intrecciano in modo autentico.
Il film costruisce su questa base una riflessione semplice ma efficace: quella sull’inclusione e sulla capacità di riconoscersi nell’altro, anche quando le differenze sembrano incolmabili. L’umanità che emerge dai dialoghi e dai piccoli gesti quotidiani – una partita a carte, una sfida a rubabandiera, una canzone cantata insieme – restituisce il senso profondo di un film che vuole celebrare la vita come incontro, come possibilità continua di rinascita.
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS
Tra ironia e quotidianità
Oi Vita Mia alterna momenti di grande leggerezza a passaggi più riflessivi. L’amicizia tra i due protagonisti diventa così la chiave per esplorare il tema del rispetto reciproco e del bisogno di appartenenza, con una naturalezza che in alcuni momenti sfiora l’emozione autentica.
Non mancano, però, alcune ingenuità narrative: certi passaggi risultano prevedibili, e la regia – pur ispirata nelle intenzioni – fatica a mantenere sempre un equilibrio tra toni comici e drammatici. Si percepisce la voglia di costruire un cinema “vero”, vicino alla gente, ma il risultato alterna momenti ispirati a passaggi più convenzionali. Tuttavia, il film non perde mai il suo cuore: la convinzione che la gentilezza e l’empatia possano essere atti rivoluzionari.
Girato interamente in una vera casa di riposo a Vieste, con la partecipazione degli stessi ospiti come comparse, Oi Vita Mia si distingue per un senso di autenticità raro. Ogni sguardo e ogni sorriso hanno un valore reale, e contribuiscono a creare quell’atmosfera di comunità che il film vuole trasmettere.
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS
Lino Banfi, l’anima del film Oi Vita Mia
Il vero centro emotivo del racconto è Lino Banfi, nel ruolo di un uomo affetto da Alzheimer. La sua interpretazione è un piccolo capolavoro di misura e sensibilità: il volto segnato dal tempo, lo sguardo che oscilla tra smarrimento e dolcezza, la fatica di ricordare e il bisogno di essere ricordato.
Banfi – che condivide con i registi le radici pugliesi – è qui più che un attore: è una presenza viva e commovente, capace di incarnare la memoria stessa del film. Attraverso di lui, Oi Vita Mia parla della dignità del vivere e del morire, ma anche del valore di ogni istante condiviso.
Il personaggio di Banfi si muove tra lucidità e assenza, e nella sua fragilità diventa un simbolo universale: la vita che sfugge, ma che nel contatto umano ritrova senso. È impossibile non emozionarsi davanti a certi momenti di silenzio o a quella malinconia leggera che accompagna ogni suo gesto.
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS
Un film sincero e imperfetto
Il merito più grande di Oi Vita Mia sta nella sincerità. Pio e Amedeo non cercano di costruire un film furbo o ruffiano: vogliono raccontare la parte più umana e nascosta del loro mondo, quella che sta dietro la risata. E ci riescono, anche se con qualche incertezza stilistica.
La loro regia è semplice, ma mai superficiale. Si percepisce la cura nel dirigere gli attori e l’intenzione di restituire una verità emotiva che supera la tecnica.
La colonna sonora, varia e accogliente, accompagna bene i passaggi di tono: dai momenti corali di leggerezza alle scene più commoventi. E nella scelta musicale, che spazia dai Pooh fino a una citazione dei Beatles (omaggio alla celebre performance sul tetto), emerge l’idea di un film “per tutti”, costruito per abbracciare pubblici diversi.
Oi Vita Mia è un film imperfetto ma onesto, un piccolo passo di crescita per due artisti che cercano nuove forme di espressione. Un racconto sull’amicizia, sulla cura e sul bisogno di riconoscersi, che non sempre convince ma lascia una traccia sincera.
Brendan Fraserha rivelato di aver fatto un provino per interpretare Superman in un film poi cancellato. L’attore ha infatti raccontato a Josh Horowitz durante un’intervista nel suo podcast Happy Sad Confused che era stato quasi scritturato per interpretare l’Uomo d’Acciaio. Ha ricordato di aver fatto un provino per un potenziale film su Superman di J. J. Abrams e Brett Ratner.
Purtroppo l’adattamento del supereroe non è mai stato prodotto, poiché la Warner Bros. ha deciso invece di portare avanti il film Superman Returns di Bryan Singer del 2006. Tuttavia, Fraser ha ammesso di non essere sicuro che sarebbe stato la persona giusta per il ruolo nel progetto. L’attore de La mummiaha spiegato che sarebbe stata una grande pressione interpretare un ruolo così iconico e che essere il volto di un franchise così importante avrebbe richiesto un grande impegno.
L’attore ha anche espresso l’ansia che molto probabilmente avrebbe provato se avesse interpretato l’Uomo d’Acciaio in un film. Ha aggiunto che una parte di lui temeva che, se avesse ottenuto il ruolo, sarebbe stato conosciuto solo come Superman e nient’altro. Ha chiarito che non sarebbe stato un male essere conosciuto come uno dei supereroi più iconici di tutti i tempi, ma non era sicuro di volere che questo facesse parte del suo marchio.
“Provi comunque una certa ansia quando ti appresti ad affrontare un lavoro importante”, ha detto, “ma ricordo anche di aver pensato: ‘Se ottengo questo lavoro, beh, credo che Superman finirà inciso sulla mia lapide’. C’è un elemento di… tu sei quello per il resto dei tuoi giorni, della tua carriera. E non è una cosa negativa; non sto dicendo che mi ucciderà presto, ma è qualcosa che diventa parte del tuo marchio, di chi sei. E non so se allora fossi pronto ad accettarlo. Cioè, sentivo di esserlo perché era una grande opportunità, ed ero eccitato, eccetera, eccetera”.
Sebbene il film senza titolo non sia mai stato realizzato, Fraser ha detto di essersi sentito molto legato alla sceneggiatura. Gli ricordava stranamente un’opera di Shakespeare. “Ho adorato quella sceneggiatura. Mi hanno permesso di leggerla. Mi hanno chiuso in un ufficio vuoto in uno studio cinematografico, ho firmato un accordo di riservatezza. Era stampata in nero su carta cremisi, quindi non era possibile fotocopiarla o portarla fuori di nascosto. Insomma, era Shakespeare nello spazio. Era una sceneggiatura davvero ottima“, ha spiegato.
Pennywise, interpretato da Bill Skarsgård, si mostra finalmente a metà della prima stagione di It: Welcome to Derry. Ovviamente, si trattava di una trappola. Il terrificante clown ha ingannato i bambini che sta attualmente perseguitando e terrorizzando. Poi, in una scena stranamente familiare, “Matty” li attira nelle fogne. E, in un batter d’occhio, l’adorabile ragazzino si trasforma nell’iconica versione del personaggio di Skarsgård, rivelando quella che, per molti, è la sua forma più terrificante.
In un’intervista con Entertainment Weekly, i creatori e showrunner di It: Welcome to Derry, Andy Muschietti, Barbara Muschietti e Jason Fuchs, parlano dell’attesissima rivelazione e del perché abbiano scelto di aspettare così a lungo. Barbara ha spiegato che hanno rimandato la rivelazione per creare suspense, così sarebbe stata ancora più spaventosa quando sarebbe accaduta davvero. Lo ha paragonato a Lo squalo, dove parte dell’ansia che i personaggi e il pubblico provano deriva dal fatto di non riuscire a vedere la creatura che li sta mettendo in pericolo.
<<Abbiamo deciso che, in questa stagione, Pennywise dovesse essere un po’ come lo squalo de Lo squalo. Bisogna essere molto strategici. In entrambi i film, era molto importante per noi mantenere vivi il mistero e la paura per questo personaggio. Abbiamo scoperto che la familiarità è nemica di tutto questo. Quindi era importante per noi ritardare il piacere, o il terrore, il più possibile.>>
Andy ha detto che per lui era “un gioco di anticipazione“. Voleva tenere gli spettatori sulle spine, voleva che fossero ansiosi di vedere il Pennywise di Skarsgård. Il creatore ha detto che l’obiettivo era “mettere le persone in quello stato di ‘Devo vedere il clown! Dov’è?!’ Questo è ciò che avremmo voluto come pubblico. È un processo un po’ lento.”
Fuchs, che originariamente aveva collaborato con i suoi colleghi come co-produttore e revisore della sceneggiatura di It: Capitolo Due, afferma che la cosa più avvincente della creatura è la sua capacità di assumere forme diverse. Aggiunge che questo approccio influenza anche le aspettative del pubblico. Dopo due film che presentavano la versione cinematografica della creatura, gli spettatori erano naturalmente in attesa di quando o se quella versione sarebbe ricomparsa.
<<Al cinema, c’è solo un certo spazio per vedere quelle manifestazioni non-Pennywise di quella creatura”, dice. “Perché sei in TV… ci sono episodi interi in cui puoi esplorare gli altri modi in cui It tormenterà questi ragazzi.>>
Fuchs ha spiegato come pianificare la rivelazione sia stato molto complicato e ci sia voluto un bel po’ di tempo prima che i tre riuscissero a trovare una soluzione. E, ora che Skarsgård ha mostrato il suo volto, il co-creatore ha detto che i fan possono aspettarsi di vederlo fare un sacco di cose che il clown non ha mai fatto prima in nessun adattamento del romanzo di Stephen King.
<<Abbiamo fatto avanti e indietro. Sapevamo fin dall’inizio che questo non sarebbe stato al centro della prima scena del pilot, come invece accade in It 1 con l’introduzione di Georgie e Pennywise. Ma gran parte del processo creativo è stato: ‘Quando introduciamo questo personaggio nel contesto di questa storia?’. In definitiva, era davvero una questione di storia e dei personaggi che la dettavano.
[Skarsgård] ha delle opportunità con questo personaggio che la trama dei film non ha presentato. Non solo avrete un’attesa davvero, si spera, emozionante per Pennywise, ma vedrete anche Bill fare cose che non gli avete ancora visto fare in questo personaggio.>>
L’episodio 5 di It: Welcome to Derry svela un nuovo, gelido volto di Pennywise e si chiude con un finale enigmatico che sembra richiamare direttamente l’universo di Doctor Sleep. I giovani protagonisti sono ancora confusi su come salvarsi dal mostro, ma la situazione prende una piega inattesa quando Matty ricompare sostenendo che Phil potrebbe essere vivo. Spinta dalla speranza, Lilly convince gli altri a scendere nelle fogne. Parallelamente, anche i militari si preparano a catturare Pennywise per trasformarlo in un’arma.
Nel climax dell’episodio, quasi tutti i personaggi principali finiscono nel covo sotterraneo di Pennywise. Qui ognuno affronta le proprie paure più profonde e le conseguenze di aver incrociato la creatura cosmica. Hallorann, più degli altri, sembra subire un effetto devastante: il suo incontro con Pennywise risveglia qualcosa che aveva tenuto “rinchiuso” per anni.
La “scatola” di Dick Hallorann e il collegamento con Dan Torrance di Doctor Sleep
Pennywise costringe le sue vittime a rivivere i loro incubi peggiori prima di consumarle. Hallorann viene quindi travolto da una visione che fonde il trauma della sua infanzia con la paura di perdere il controllo dei propri poteri di shining. In questa visione affronta il nonno, deciso ad aprire la sua misteriosa “scatola”, mentre la nonna lo implora di resistere. Il contenuto non viene mai mostrato chiaramente, ma l’episodio suggerisce che dentro vi sia un’energia maligna.
Questa scatola rappresenta con ogni probabilità la stessa abilità mentale introdotta in Doctor Sleep, dove Dan Torrance costruisce “bauli” interiori per intrappolare entità oscure. L’episodio fa intuire che Hallorann abbia usato un potere simile fin da bambino, imprigionando spiriti e presenze pericolose dentro questo spazio psichico.
Ma Pennywise manipola la mente di Hallorann e lo convince ad aprire la scatola, liberando tutto ciò che vi era rinchiuso. Questo gesto sembra potenziare Pennywise e allo stesso tempo liberare antichi fantasmi che non avrebbero mai dovuto uscire dal loro confinamento mentale.
Perché Hallorann è turbato dopo aver visto il fantasma di Pauly
Pauly, il migliore amico di Leroy nell’esercito, muore durante gli eventi dell’episodio. Eppure, verso la fine, Hallorann vede il suo fantasma con le pupille bianche e svuotate, segno inequivocabile che l’uomo è morto e che il suo spirito vaga nel mondo dei vivi senza pace.
Questo incontro sconvolge Hallorann, che comprende che l’apertura della sua “scatola” potrebbe aver infranto il confine tra vivi e morti. Una sorta di portale—prima sigillato—potrebbe ora essere spalancato, permettendo a varie entità del Sottosuolo di infiltrarsi nella realtà. Questo scenario favorirebbe Pennywise nel diffondere il terrore a Derry, anche se la creatura è ancora intrappolata fisicamente.
Il piano di Pennywise per attirare Lilly e i suoi amici
Già nell’episodio 1, Pennywise aveva ingannato Phil e gli altri mostrando loro un’illusione malefica di Matty, spingendoli così dritti nella sua tana. L’episodio 5 ripete lo schema: Pennywise induce Lilly a credere che Matty sia sopravvissuto e che Phil sia ancora salvabile. Sapendo che Lilly sarebbe corsa in aiuto, il mostro proietta un’immagine di Matty per intrappolarla.
Quando i ragazzi arrivano nelle fogne, Matty si trasforma improvvisamente in Pennywise: era solo una delle sue molte forme. Lì scoprono anche i corpi delle vittime precedenti, confermando che né Matty né Phil sono mai usciti vivi. Per fortuna Lilly e gli altri riescono a fuggire appena in tempo.
Come Taniel salva Lilly senza volerlo
L’episodio 4 ha mostrato l’origine cosmica di Pennywise e rivelato la sua unica debolezza: la stella caduta da cui è arrivato. I frammenti di questo oggetto erano stati usati dal popolo di Rose per tenere la creatura imprigionata nel bosco. Prima che Taniel scenda nelle fogne con i militari, Rose gli affida uno di questi frammenti.
Durante la fuga, però, Taniel perde accidentalmente il pezzo di stella nel tunnel. Poco dopo, Lilly, rimasta indietro, rischia di essere presa da Pennywise. Proprio in quel momento inciampa accanto al frammento: la creatura tenta di avvicinarsi, ma la presenza del minerale la respinge all’istante. Senza saperlo, Taniel ha salvato la ragazza e le ha consegnato l’unica arma realmente capace di ferire il mostro. È probabile che Lilly la userà negli episodi successivi.
Perché Leroy spara a Pauly
Il generale Shaw ha scelto Leroy per l’Operazione Precept a Derry perché conosceva il suo coraggio e soprattutto la sua incapacità di provare paura, l’unica emozione su cui Pennywise può nutrirsi. Anche nell’episodio 5, nonostante le visioni evocate dal mostro, Leroy mantiene un certo controllo.
Tuttavia, il suo autocontrollo vacilla quando Pennywise gli mostra un’illusione legata a suo figlio. Convinto di trovarsi davanti l’ennesima proiezione del clown, Leroy sta per sparare. Pauly, intuendo il pericolo, si mette in mezzo e prende il colpo destinato al ragazzo. Il suo sacrificio sottolinea la fragilità mentale dei personaggi, anche di quelli apparentemente più forti.
La forma di Uncle Sam e il messaggio dietro la trasformazione di Pennywise
In un breve ma potente momento dell’episodio 5, due militari incontrano Pennywise nelle fogne e lo vedono assumere le sembianze di Uncle Sam del famoso poster “I Want You”, icona del reclutamento americano e simbolo di dovere, sacrificio e disciplina.
Per i due soldati—già terrorizzati e spinti dall’obbligo di restare al loro posto—questa trasformazione colpisce la loro paura più intima: quella dell’autorità e dell’incapacità di rispettare la catena di comando. Pennywise sfrutta la loro vulnerabilità psicologica e i due finiscono inevitabilmente vittime della creatura.
Matt Damon è il protagonista dell’impressionante cast di Odisseanel ruolo di Odisseo, e l’attore rivela ora che Christopher Nolan aveva una richiesta non negoziabile riguardo al suo aspetto. In un’intervista a Empire, Damon ha infatti detto che Nolan era irremovibile sul fatto che dovesse sfoggiare una barba vera per interpretare il protagonista. “Vuole che sia tutto reale”, dice l’attore di Nolan. Damon ricorda però di essere stato un po’ preoccupato riguardo alla sua capacità di farsi crescere una barba adatta al ruolo.
“Non avevo mai provato a farmi crescere una barba così lunga. Insomma, ci sono almeno 100 cose che mi impedirebbero di farmi crescere la barba così lunga, a cominciare dai miei figli”. Damon inizialmente ha suggerito di indossare una barba finta per il ruolo, ma Nolan ha subito posto il veto. Secondo il regista, non c’è nulla che possa sostituire i capelli veri quando si tratta del suo approccio pratico alla realizzazione di un film.
“Non sono un grande fan delle parrucche e delle barbe finte. Vuoi la fisicità dei capelli veri, in modo da poter mettere un tubo antincendio sul ragazzo e fare tutte le cose che gli chiediamo di fare”, ha spiegato il regista. La richiesta di Nolan che i suoi attori non indossino parrucche e barbe finte è in linea con il suo approccio generale alla realizzazione dei film.
Non è un segreto che il regista sia appassionato di effetti pratici e di riprese dal vivo. È famoso per aver fatto schiantare un vero Boeing 747 contro un edificio per Tenet (2020) invece di usare la CGI. Inoltre, Odissea è stato girato interamente in IMAX, una novità assoluta per Nolan e per il cinema in generale. È possibile che le parrucche e le barbe finte risaltino maggiormente nell’immagine di formato più grande creata dall’IMAX.
La barba di Damon per il film è stata rivelata ufficialmente per la prima volta nell’immagine di debutto di Odissea, ma era in gran parte coperta da un casco. È stato nelle numerose immagini dal set trapelate che sono seguite che il suo look è stato svelato più completamente. Un breve teaser è stato proiettato in sala prima di Jurassic World – La rinascita, ma non è ancora stato pubblicato online. Non resta dunque che attendere di vedere nuove immagini del film, oltre quelle recentemente pubblicate.
Quello che sappiamo sul film Odissea di Christopher Nolan
Il film vanta un ricco cast composto da Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Lupita Nyong’o, Robert Pattinson, Charlize Theron, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Elliot Page, Himesh Patel, Mia Goth e Corey Hawkins. Per quanto riguarda la trama, questa segue Odisseo, il leggendario re greco di Itaca, nel suo pericoloso viaggio di ritorno a casa dopo la guerra di Troia. La narrazione descrive i suoi incontri con esseri mitici come il ciclope Polifemo, le sirene e la maga Circe, culminando nel suo tanto atteso ricongiungimento con la moglie Penelope.
Ad oggi sappiamo unicamente che Matt Damon interpreta Odisseo, mentre Tom Holland è suo figlio Telemaco e Charlize Theron è la Maga Circe. L’identità dei personaggi degli altri interpreti è ad oggi segreta. Sappiamo inoltre che Nolan ha girato il film interamente in formato IMAX, avvalendosi di nuove tecnologie realizzate appositamente per Odissea. Il regista ha inoltre limitato quanto più possibile l’uso di CGI, con l’obiettivo di ricreare quanto più possibile in modo pratico l’epico mondo descritto da Omero con il suo poema epico.
Odissea sarà distribuito al cinema da Universal Pictures dal 16 luglio 2026.
Il film concerto di Billie Eilish, diretto da James Cameron, Hit Me Hard and Soft, annunciato dalla vincitrice di 9 Grammy a luglio, sarà distribuito dalla Paramount e la sua uscita è prevista per il 20 marzo 2026.
Deadline ha annunciato proprio questo venerdì che il film con Matt Stone, Trey Parker e Kendrick Lamar, originariamente previsto per il 20 marzo 2026, è stato posticipato a una data da definire per consentire ai due artisti di ultimare il film. La Paramount ha rapidamente colmato il vuoto.
La vincitrice di due premi Oscar, Billie Eilish, ha annunciato la notizia sui suoi social media. Inoltre, ha anche svelato la notizia al pubblico durante l’ultima tappa del suo tour Hit Me Hard and Soft a San Francisco, in California, stasera. Anche Cameron ha utilizzato i suoi social per annunciare l’uscita del film.
Eilish è già stata protagonista di un film concerto per il grande schermo, ad esempio il suo Live at the O2 nel 2023, tuttavia si è trattato di un’uscita limitata tramite Trafalgar Releasing che ha incassato solo 1,29 milioni di dollari al botteghino nazionale. Avere la spinta completa di Paramount da parte di uno studio importante è un’altra storia. A quanto pare, Melrose era uno dei diversi studi che stavano provando il Taylor Swift: Eras Tour prima che la famiglia Swift decidesse di distribuirlo direttamente con AMC Theatres; Quel film ha incassato 180,7 milioni di dollari negli Stati Uniti e 261,6 milioni in tutto il mondo (il distributore newyorkese Variance ha prenotato i cinema nordamericani per conto di AMC).
È passato un po’ di tempo dall’ultima volta che la Paramount ha distribuito un film-concerto nelle sale. Uno dei più importanti del millennio è stato il film-concerto in 3D del 2011 “Justin Bieber: Never Say Never“, che ha incassato 73 milioni di dollari al botteghino nazionale (dopo un’apertura di 29,5 milioni di dollari) e quasi 100 milioni di dollari in tutto il mondo.
La Paramount ha annunciato all’inizio di questo mese che aumenteranno il numero di lungometraggi ad almeno 15 il prossimo anno.
Intanto, James Cameron ha in programma l’uscita di Avatar: Fuoco e Cenere il 17 dicembre. Che momento opportuno per presentare il trailer del suo film-concerto di Eilish davanti a milioni di persone.
Hit Me Hard and Soft è il terzo album in studio di Eilish. Alla 67a edizione dei Grammy Awards all’inizio di quest’anno, l’album e le sue canzoni hanno ricevuto un totale di sette nomination, tra cui Album dell’anno, Miglior album vocale pop, Canzone dell’anno e Disco dell’anno. Alla 68a edizione dei Grammy Awards del 1° febbraio 2026, il singolo “Wildflower” dall’album è stato nominato per Disco dell’anno e Canzone dell’anno.
L’attesa è quasi finita: è ora disponibile il trailer del Volume 1 della quinta e ultima stagione di Stranger Things, in arrivo solo su Netflix dal 27 novembre.
Le immagini inedite sono state svelate in anteprima durante il One Last Bike Ride, evento che si è tenuto ieri, domenica 23 novembre, a Los Angeles, organizzato da Netflix insieme a CicLAvia. L’atteso capitolo conclusivo della serie debutterà su Netflix in tre appuntamenti: il Volume 1 il 27 novembre (episodi 1-4), il Volume 2 il 26 dicembre (episodi 5-7) e il Finale il 1º gennaio 2026. Tutti gli episodi usciranno alle 2 del mattino (ora italiana).
Autunno 1987. Hawkins è rimasta segnata dall’apertura dei portali e i nostri eroi sono uniti da un unico obiettivo: trovare e uccidere Vecna, che è svanito nel nulla: non si sa dove si trovi né quali siano i suoi piani. A complicare la missione, il governo ha messo la città in quarantena militare e ha intensificato la caccia a Undici, costringendola a nascondersi di nuovo. Con l’avvicinarsi dell’anniversario della scomparsa di Will si fa strada una paura pesante e familiare. La battaglia finale è alle porte e con essa un’oscurità più potente e letale di qualsiasi altra situazione mai affrontata prima. Per porre fine a quest’incubo è necessario che il gruppo al completo resti unito, per l’ultima volta.
L’ultima stagione di Stranger Things inizierà con l’uscita del Volume 1 su Netflix il 26 novembre, seguita dal Volume 2 il 25 dicembre, e l’episodio finale debutterà il 31 dicembre sulla piattaforma di streaming, ma anche in alcuni cinema selezionati.
A quasi 25 anni dall’inizio della serie cinematografica di Harry Potter, HBO sta rilanciando il franchise con un nuovo cast per una nuova generazione. Al posto di Daniel Radcliffe, Emma Watson e Rupert Grint, il trio centrale sarà interpretato da Dominic McLaughlin, Arabella Stanton e Alastair Stout. Al momento, solo una star del franchise è prevista per il ritorno, ma molti fan hanno speculato sul fatto che altri protagonisti originali torneranno (o dovrebbero tornare).
Questo interesse è aumentato dopo che Tom Felton, che interpretava l’antagonista Draco Malfoy, è tornato nel mondo magico. Non solo Felton è tornato, ma ha anche ripreso il suo ruolo originale in Harry Potter and the Cursed Child a Broadway. Ciò ha suscitato un rinnovato interesse perché Grint, Radcliffe o Watson facessero lo stesso.
Parlando con la BBC, Grint ha ora dichiarato di non sapere se tornerà nella saga di Harry Potter. “Forse in futuro”, ha aggiunto la star. “Mai dire mai, ma per ora, per quanto l’abbia amato, mi sto godendo l’essere fuori da quel mondo”. Nonostante sia titubante a tornare lui stesso, Grint sostiene la possibilità che i suoi figli possano apparire in un progetto di Harry Potter in futuro: “Non vedo perché no. È stato molto divertente”. Inoltre, ha un rapporto positivo con l’eredità della serie.
“Ha un significato piuttosto profondo per molte persone della mia generazione, e ancora di più per le generazioni che lo stanno scoprendo ora”, ha aggiunto Grint. “È fantastico. Mi rende molto orgoglioso. È stata una cosa enorme. Non credo che riuscirò mai a uscire completamente dalla sua ombra, ma mi sta bene così”.
Cosa sappiamo della serie HBO su Harry Potter
La prima stagione sarà tratta dal romanzo La pietra filosofale e abbiamo già visto alcuni altri momenti chiave del romanzo d’esordio di J.K. Rowling essere trasposti sullo schermo. La prima stagione di Harry Potter dovrebbe essere girata fino alla primavera del 2026, mentre la seconda stagione entrerà in produzione pochi mesi dopo. Ogni libro dovrebbe costituire una singola stagione, il che significa che avremo sette stagioni nell’arco di quasi un decennio.
HBO descrive la serie come un “adattamento fedele” della serie di libri della Rowling. “Esplorando ogni angolo del mondo magico, ogni stagione porterà ‘Harry Potter’ e le sue incredibili avventure a un pubblico nuovo ed esistente”, secondo la descrizione ufficiale. Le riprese dovrebbero avere inizio nel corso dell’estate 2025, per una messa in onda prevista per il 2026.
La serie è scritta e prodotta da Francesca Gardiner, che ricopre anche il ruolo di showrunner. Mark Mylod sarà il produttore esecutivo e dirigerà diversi episodi della serie per HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television. La serie è prodotta da Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films.
Come già annunciato, Dominic McLaughlin interpreterà Harry, Arabella Stanton sarà Hermione e Alastair Stout sarà Ron. Il cast principale include John Lithgow nel ruolo di Albus Silente, Janet McTeer nel ruolo di Minerva McGranitt, Paapa Essiedu nel ruolo di Severus Piton, Nick Frost nel ruolo di Rubeus Hagrid, Katherine Parkinson nel ruolo di Molly Weasley, Lox Pratt nel ruolo di Draco Malfoy, Johnny Flynn nel ruolo di Lucius Malfoy, Leo Earley nel ruolo di Seamus Finnigan, Alessia Leoni nel ruolo di Parvati Patil, Sienna Moosah nel ruolo di Lavender Brown, Bertie Carvel nel ruolo di Cornelius Fudge, Bel Powley nel ruolo di Petunia Dursley e Daniel Rigby nel ruolo di Vernon Dursley.
Si avranno poi Rory Wilmot nel ruolo di Neville Paciock, Amos Kitson nel ruolo di Dudley Dursley, Louise Brealey nel ruolo di Madama Rolanda Hooch e Anton Lesser nel ruolo di Garrick Ollivander. Ci sono poi i fratelli di Ron: Tristan Harland interpreterà Fred Weasley, Gabriel Harland George Weasley, Ruari Spooner Percy Weasley e Gracie Cochrane Ginny Weasley.
La serie debutterà nel 2027 su HBO e HBO Max (ove disponibile) ed è guidata dalla showrunner e sceneggiatrice Francesca Gardiner (“Queste oscure materie”, “Killing Eve”) e dal regista Mark Mylod (“Succession”). Gardiner e Mylod sono produttori esecutivi insieme all’autrice della serie J.K. Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films. La serie di “Harry Potter” è prodotta da HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television.
Nonostante inizialmente avesse ritirato il personaggio, il ritorno di Hugh Jackman nei panni di Logan/Wolverine si è rivelato un successo da record. 24 anni dopo aver interpretato per la prima volta il ruolo in X-Men, ha recitato al fianco di Ryan Reynolds in Deadpool & Wolverine, segnando la sua uscita più redditizia come supereroe fino ad oggi.
Da allora, sono circolate voci su quanto tempo Jackman continuerà a interpretare Wolverine. Lo stesso film ha alimentato queste voci con Deadpool di Reynolds che ha detto che avrebbe ripreso il ruolo “fino a 90 anni”. Le voci sono aumentate dopo che la Marvel ha confermato che diverse star originali di X-Men sarebbero apparse in Avengers: Doomsday.
Recentemente, Jackman ha affrontato la questione del suo ritorno nell’MCU per Doomsday o il suo seguito, Avengers: Secret Wars. Parlando con Digital Spy, l’attore ha dichiarato: “Non dirò mai più ‘mai’”. “Lo pensavo davvero fino al giorno in cui ho cambiato idea”, ha continuato. “L’ho pensato per diversi anni. Ho girato dieci film, quindi penso che abbiano abbastanza materiale per creare una versione AI di me!”.
Questa primavera, ha però fatto il misterioso quando gli è stato chiesto se stesse nascondendo una sua apparizione segreta in Doomsday. “Non posso davvero dire molto, tranne che quando dici ‘apparire’, è più come dominare e distruggere tutti gli altri personaggi… sto scherzando”, ha detto Jackman. “Non ho davvero nulla da aggiungere, e se avessi qualcosa da dire, troverei un modo davvero interessante per non dirlo, ma in realtà non ho nulla da aggiungere”.
Nonostante la vaghezza di Jackman e il fatto che non sia ancora stato confermato per Doomsday o Secret Wars, la probabilità sembra comunque alta. Il presidente della Marvel Studios Kevin Feige ha dichiarato in precedenza: “I piani con Deadpool e Wolverine saranno sempre gli stessi: ci chiediamo sempre dove possiamo inserirli e quanto velocemente”.
Ciononostante, il futuro di Jackman e Reynolds nell’MCU sembra fortemente legato alla saga del multiverso in corso, rendendo Doomsday e Secret Wars i film più probabili in cui potrebbero apparire. A meno che la Marvel non decida di investire in uno spin-off. Allo stesso modo, l’MCU sembra muoversi in una nuova direzione con il franchise degli X-Men, dato che il regista di Thunderbolts*Jake Schreier dirigerà un reboot.
Questo, insieme al fatto che Deadpool e Wolverine esistono in un universo diverso da quello dell’MCU vero e proprio, rende la loro longevità come parte del franchise più ampio di breve durata. Indipendentemente dal ritorno di Jackman nei panni di Wolverine, Avengers: Doomsday uscirà nelle sale il 18 dicembre 2026. A quel punto sapremo se l’attore e il suo personaggio ne saranno parte.
Ammazzare stanca – Autobiografia di un assassino è la storia di un ragazzo che si ribella al proprio destino criminale. Antonio Zagari, figlio di un boss calabrese trapiantato in Lombardia, capisce di non essere adatto alla malavita: uccidere per lui è fisicamente insostenibile. A poco più di vent’anni, dopo aver ammazzato, rapinato, rapito, finisce in galera. Dove decide di fermare tutto: scrivendo.
A metà degli anni ’70, mentre i suoi coetanei si ribellano nelle fabbriche, nelle università, nelle piazze, Antonio lotta contro il padre, e lo farà con una vendetta peggiore della morte.
Liberamente ispirato al libro Ammazzare stanca di Antonio Zagari, edito da Compagnia Editoriale Aliberti, il film è scritto da Andrea Cedrola e Daniele Vicari. Nel cast Gabriel Montesi, Vinicio Marchioni, Selene Caramazza, Andrea Fuorto, Thomas Trabacchi, Pier Giorgio Bellocchio, Francesco La Mantia, Vincenzo Zampa, Aglaia Mora, Cristiana Vaccaro, Enrico Salimbeni, Saverio Malara, Stefano Grillo, Giovanni Galati, con Rocco Papaleo nel ruolo di Don Peppino Pesce.
Prodotto da Pier Giorgio Bellocchio, Manetti bros., è una produzione Mompracem con Rai Cinema con il sostegno della Regione Emilia-Romagna attraverso Emilia-Romagna Film Commission.
In occasione dell’anniversario dell’apertura del Processo di Norimberga, avvenuta il 20 novembre 1945, arriva una clip esclusiva di Norimberga, il nuovo film che debutterà nelle sale italiane dal 18 dicembre. Il lungometraggio riporta sul grande schermo uno dei momenti più decisivi della storia contemporanea: il primo tribunale internazionale mai istituito, creato dalle potenze vincitrici — Stati Uniti, Unione Sovietica, Regno Unito e Francia — per giudicare i crimini del Terzo Reich.
Il Processo di Norimberga segnò una svolta epocale. A pochi mesi dalla fine della Seconda guerra mondiale, furono chiamati a rispondere dei propri atti i principali leader politici, militari ed economici della Germania nazista, accusati di crimini di guerra, crimini contro la pace e, soprattutto, crimini contro l’umanità. Una scelta rivoluzionaria: non la vendetta o le esecuzioni sommarie, ma la via — allora nuova — della giustizia formale e del diritto internazionale.
Il film vede nel cast due premi Oscar: Russell Crowe, nei panni di Hermann Göring, e Rami Malek, che interpreta lo psichiatra dell’esercito americano Douglas Kelley, figura chiave nel dialogo tra psicologia, follia e responsabilità morale all’interno dell’aula del processo. La clip diffusa oggi anticipa il tono del film: una ricostruzione intensa, tesa e rigorosa, capace di riportare al centro dell’attenzione pubblica uno dei capitoli più complessi e cruciali della nostra memoria storica.
Norimberga arriverà al cinema il 18 dicembre. Una visione imprescindibile per comprendere il valore del diritto internazionale e il significato profondo della giustizia dopo l’orrore.
Champagne Problems diNetflix è la storia di Sydney Price, una dirigente aziendale che lavora per il Roth Group. Grazie alle sue straordinarie capacità, viene inviata dal suo capo, Marvin, a Parigi per negoziare un accordo di acquisizione con Château Cassell, un marchio francese di champagne. Entusiasta della nuova opportunità, la protagonista si reca a Parigi, dove incontra un affascinante uomo di nome Henri. Dopo aver instaurato una relazione sentimentale con lui, scopre con stupore che Henri è il vicepresidente e il figlio del proprietario della stessa azienda che la sua società sta cercando di acquisire.
Questo crea tensioni tra lei e Henri, complicando ulteriormente la loro relazione. Divisa tra le esigenze della sua carriera e i sentimenti del suo cuore, Sydney deve imparare a trovare un equilibrio tra le due cose e, forse, a trovare il vero amore. Diretto da Mark Steven Johnson, questo film romantico-comico-drammatico affronta in modo toccante i temi dell’amore, della lealtà, della famiglia e della cultura aziendale.
Champagne Problems descrive lo scontro tra amore e interessi aziendali
Sebbene Champagne Problems sia una storia di fantasia, parla di esperienze umane emotive. Scritto dal regista sopra citato, esplora l’idea che gli interessi aziendali possano ostacolare lo sviluppo di relazioni umane autentiche. Il percorso di Sydney nel film riflette il tipo di sacrifici necessari per mantenere in funzione la macchina aziendale. L’elemento dell’amore è il tema centrale del film. La relazione romantica tra Sydney e Henri porta a complicazioni nella loro vita personale e professionale. Scegliere tra l’amore e le prospettive di carriera è una decisione delicata e difficile. La narrazione sviluppa i personaggi di Sydney e Henri per creare una storia d’amore complessa. Sebbene i personaggi siano fittizi, le loro vicende sono basate sulla realtà delle relazioni romantiche nel mondo moderno.
La narrazione commenta anche il funzionamento interno delle aziende, in particolare per quanto riguarda l’acquisizione di piccole imprese. Lo scontro tra le grandi aziende e le piccole imprese porta al caos e a difficoltà economiche per queste ultime. Henri e Sydney sono due personaggi che non solo portano avanti la narrazione in modo divertente, ma aggiungono anche autenticità alla storia. Entrambi sono ritratti come persone normali con determinate ambizioni nella vita. Il film è anche una riflessione su come l’amore a volte possa essere trovato nei luoghi più inaspettati. Il rapporto di amore-odio tra Henri e Sydney è anche una rappresentazione della volatilità dell’amore nell’era moderna. Il film esamina anche le difficoltà finanziarie affrontate dalle piccole imprese, soprattutto nell’era della globalizzazione.
Château Cassell, lo champagne francese al centro della narrazione, rappresenta le difficoltà delle imprese locali prese di mira da grandi attori stranieri con maggiori risorse finanziarie. Sebbene la narrazione si astenga dal dare giudizi morali sull’amore o sugli affari, cerca di presentare una storia realistica, onorando al contempo il genere delle “rom-com” attraverso il viaggio di Henri e Sydney. Da un lato, presenta somiglianze con serie televisive come “Succession”, mentre dall’altro ricorda film come “Before Sunrise”. In definitiva, “Champagne Problems” è una storia di fantasia sullo scontro tra amore e interessi aziendali, basata su un approccio realistico.
Il film esplora l’economia dello champagne in Francia attraverso Château Cassell
Uno degli elementi centrali di “Champagne Problems” è l’esplorazione dell’economia e della cultura dello champagne in Francia. Château Cassell (CC), sebbene sia un marchio di champagne fittizio, rappresenta le persone e la cultura che stanno dietro a questa bevanda in Francia. L’industria dello champagne è fondamentale per l’economia francese, generando il secondo surplus commerciale internazionale della Francia e il 20% del valore delle esportazioni di vini e liquori. Questo successo deriva da una piccola area di produzione, grazie ai continui investimenti e agli sforzi congiunti dei viticoltori e delle case produttrici di champagne, con queste ultime che guidano la crescita della bevanda. Château Cassell rappresenta tali case produttrici di champagne, che sono culturalmente ed economicamente rilevanti in Francia. Nel film, CC rappresenta più di un semplice champagne o denaro. Simboleggia il legame emotivo che i francesi hanno con la bevanda.
Quando CC viene presa di mira per l’acquisizione da parte del Roth Group, il proprietario, Hugo, si preoccupa più dell’eredità del suo marchio che delle questioni finanziarie. Secondo un rapporto del 2025 del The Guardian, il mercato dello champagne in Francia ha subito un duro colpo a causa del cambiamento delle abitudini e della minore felicità nel mondo. Le spedizioni sono diminuite del 10% nel 2024 e i clienti hanno preferito bevande alternative e più economiche come il prosecco. CC riflette anche queste sfide affrontate dalle persone coinvolte nel mercato dello champagne francese. Il marchio fittizio è preso di mira dal Roth Group a causa della sua vulnerabilità e della mancanza di profitti consistenti. In conclusione, “Champagne Problems” è una visione cinematografica di problemi reali, che ritrae anche una tenera storia d’amore.
Uno dei film più chiacchierati del Sundance Film Festival 2025 è stato Train Dreams, un film suggestivo che racconta la storia di un boscaiolo nel corso di molti decenni del XX secolo. Joel Edgerton interpreta Robert Grainier, un uomo semplice il cui lavoro lo costringe a stare lontano dalla moglie Gladys (Felicity Jones) e dalla loro giovane figlia, cosa che lo mette in difficoltà, soprattutto quando una tragedia colpisce la sua famiglia.
Scritto dai registi di Sing SingClint Bentley e Greg Kwedar e diretto da Bentley, non c’è molto altro da dire sulla trama: il film immerge invece il pubblico nelle sue emozioni. La sua semplicità potrebbe lasciare gli spettatori a chiedersi se sia basato su una storia vera o se sia pura finzione. Acquistato da Netflix e ora disponibile in streaming sulla piattaforma, ecco cosa c’è da sapere su Train Dreams e le sue origini.
Train Dreams è basato su una storia vera?
A differenza del precedente film di Bentley e Kwedar, TrainDreams non è basato su una storia vera e Robert Grainier non è un personaggio storico realmente esistito, anche se la sua storia è chiaramente ispirata a vicende reali dell’epoca dell’espansione ferroviaria nel 1900. Basandosi su un romanzo breve del 2011 di Denis Johnson, Bentley e Kwedar hanno dichiarato a Tudum di essere stati attratti dalla “qualità infinita” del libro, “che sembra così vissuta e così specifica, ma che alla fine sfida il nostro vocabolario umano”, aggiungendo che questa è la prima volta che hanno adattato un’opera di finzione per il grande schermo.
Cosa leggere dopo
Johnson, che non ha rilasciato molte interviste prima della sua morte nel 2017, ha dichiarato al LA Times nel 2014: “Come narratore sono attratto da situazioni realistiche e contemporanee e da personaggi coinvolti in pericoli e caos”. Anche se Robert non è un personaggio contemporaneo, è difficile negare la realtà delle circostanze della sua vita e il pericolo e il caos del mondo in crescita che la sua storia trasmette.
L’espansione delle ferrovie americane conobbe un boom nel 1900, dopo la guerra civile, impiegando migliaia di lavoratori come Robert per costruire binari ferroviari che collegassero le numerose popolazioni rurali delle zone agricole alle grandi città. Secondo l’Università dell’Iowa, “quell’epoca fu anche caratterizzata da una rapida industrializzazione e innovazione tecnologica”, poiché la ferrovia impose il potenziamento di locomotive, vagoni merci, freni e calibri. Portò anche alla “creazione di quattro fusi orari standard in tutto il Paese, consentendo ai treni di circolare in orario, all’aumento dell’uso di binari in acciaio e alla costruzione di ponti sui fiumi principali”.
Train Dreams è un adattamento fedele del romanzo breve?
La sceneggiatura di Bentley e Kwedar segue abbastanza fedelmente l’opera di Johnson, che racchiude molte storie in 116 pagine. “È un libro davvero sottile, eppure copre un’intera vita e un periodo storico molto specifico”, ha detto Bentley a Tudum. “È un libro strutturato attorno ai ricordi, ed è un po’ dispersivo. Cercare di mantenere lo spirito del libro e inserirlo in una struttura che potesse funzionare in un film senza perdere gli aspetti e le qualità che lo rendono davvero affascinante e speciale, come la sua vaghezza e la sua stranezza, è stata una sfida, ma anche una grande emozione”. Seguendo il punto di vista limitato in terza persona del libro, il film utilizza anche la narrazione per dare struttura al viaggio di Robert.
Tuttavia, il film ha apportato alcune piccole modifiche. Nel romanzo, Robert si unisce ai suoi compagni di lavoro bianchi nel tentativo di gettare un lavoratore cinese da un ponte dopo che questi è stato accusato di furto; Robert inizia a vedere l’uomo ovunque, pensando di essere stato maledetto. Nel film, Robert non è coinvolto nel tentato omicidio, ma è tormentato dalla sua inazione, che si manifesta nella visione dell’uomo cinese. Molto tempo dopo che la sua famiglia se n’è andata, il libro descrive le sue allucinazioni di sua figlia come una “ragazza lupo”, mentre il film la rende visivamente plausibile come sua figlia, anche se altrettanto immaginaria.
Bentley ha detto a Tudum che, sebbene lui e Kwedar volessero rimanere fedeli al libro di Johnson, hanno anche lasciato che la sceneggiatura andasse dove doveva andare. “È stata una costante ricerca per trovare quell’equilibrio. Ho letto il libro cinque o sei volte, cercando davvero di interiorizzarlo, e poi l’ho lasciato da parte per lasciare che la sceneggiatura si evolvesse nella storia che volevo raccontare”.
Train Dreams è rappresentativo della vita reale dei boscaioli?
Per gentile concessione di Netflix.
I resoconti storici dei boscaioli reali del XX secolo descrivono il loro lavoro come brutale. “Le squadre di costruzione delle ferrovie non solo erano soggette a condizioni climatiche estreme, ma dovevano anche posare i binari attraverso molte caratteristiche geografiche naturali, tra cui fiumi, canyon, montagne e deserti”, secondo la Library of Congress, che descrive una scena simile a quella di Train Dreams. “Come altre grandi opportunità economiche in una nazione in espansione, i campi di costruzione delle ferrovie attiravano personaggi di ogni tipo, quasi tutti alla ricerca di modi per ottenere un rapido profitto, legale o illegale. La vita nei campi era spesso molto dura e difficile“.
Bentley e Kwedar hanno trascorso del tempo nel Pacifico nord-occidentale per familiarizzare con l’ambientazione del film e rendere omaggio alla storia scritta da Johnson. ”Cerchiamo di approfondire le nostre ricerche per tutto ciò che facciamo, e questo film non ha fatto eccezione, ma è difficile fare ricerche su qualcosa che riguarda un’epoca passata”, ha detto Bentley a Tudum. “Durante la stesura della sceneggiatura siamo andati nella zona in cui viveva Denis Johnson e dove è ambientata la storia, e abbiamo soggiornato in una baita lungo il fiume dove avrebbe vissuto Grainier. Abbiamo incontrato dei boscaioli della zona e persone i cui genitori e nonni erano stati boscaioli. Volevo assicurarmi che fossimo completamente fedeli allo spirito del libro scritto da Denis, ma anche che l’adattamento prendesse la sua strada per diventare il film che doveva essere”.
Il finale di Train Dreams racconta di come Robert (Joel Edgerton) abbia compreso il suo posto nella vita. Robert era orfano o era stato abbandonato dai genitori ed era stato mandato a Fry, nell’Idaho. Da bambino, era stato testimone di molti eventi: un uomo in fin di vita, un vitello a due teste (probabilmente un riferimento alla famosa poesia di Laura Gilpin) e il razzismo nei confronti dei cinesi. Da adolescente, aveva smesso di andare a scuola ed era diventato un boscaiolo. Una volta diventato adulto, incontrò Gladys (Felicity Jones). Si sposarono e ebbero una figlia di nome Kate. Dato che Robert doveva stare lontano durante la stagione del taglio degli alberi, sentiva di perdersi la crescita di Kate.
Quindi, quando era a casa, trascorreva ogni minuto della sua vita chiacchierando con Gladys, aiutandola nelle faccende quotidiane e prendendosi cura di Kate. Entrò in una sorta di ritmo che gli permetteva di trovare un equilibrio tra la sua vita professionale e quella personale. Tuttavia, fu allora che si verificò una tragedia: un incendio boschivo presumibilmente uccise Gladys e Kate. Dico “presumibilmente” perché i loro corpi non furono mai ritrovati. Quell’incidente lasciò Robert completamente alla deriva, che si trasformò in un eremita, incapace di comprendere lo scopo della sua esistenza. Ora cercherò di capire cosa abbia capito esattamente Robert durante gli ultimi anni della sua vita e quale fosse il senso del suo viaggio. Quindi, vi prego, abbiate pazienza.
Punizione karmica
Mentre costruiva una ferrovia, Robert vide un immigrato cinese che veniva gettato nel vuoto e moriva. Cercò di scoprire cosa avesse fatto quell’uomo, ma non ottenne alcuna risposta. Tutti andarono avanti e definirono la ferrovia un grande successo. Ma la morte di quell’individuo continuò a tormentarlo. Alla fine, quando la famiglia di Robert fu apparentemente ridotta in cenere da quell’incendio boschivo, il fantasma di quell’uomo gli apparve e Robert gli disse che ciò che sua moglie e sua figlia avevano dovuto affrontare era troppo e che non se lo meritavano affatto. Cosa significava esattamente? Il narratore non disse nulla. Quindi, dopo essermi scervellato, giunsi alla conclusione che questa fosse l’ammissione di colpa di Robert. Immagino che sentisse che, poiché non aveva fatto nulla per impedire a quei bianchi razzisti di uccidere l’uomo cinese, aveva ricevuto una dose di punizione karmica. Solo che sua moglie e sua figlia avevano avuto la peggio, mentre Robert doveva affrontare la loro perdita. Se lo stato perpetuo di lutto per i propri cari è peggiore della morte, allora è stato Robert a subire le conseguenze.
In ogni caso, questo dimostrava che, idealmente, nessuna cattiva azione rimane impunita e sì, essere uno spettatore silenzioso quando si verificano atti di violenza razzista è grave quanto commettere tali atti. Solo perché non stai gettando le persone alla morte non significa che sei innocente. Il silenzio è complicità, ed è proprio quel silenzio che permette al fascismo e al bigottismo di prosperare. Se pensi di essere un cittadino onesto che si oppone al razzismo, devi farlo sapere a tutti; scuotere silenziosamente la testa e prendere mentalmente nota che sei contrario a tali atrocità non sarà mai abbastanza. Questo significa che meriti di perdere la tua famiglia in un incendio boschivo? No, suppongo che sia troppo. Tuttavia, se pensi che il modo in cui Robert stava vivendo la sua vita, lavorando sodo e occupandosi dei fatti suoi, fosse il modo corretto di vivere, allora ti sbagli. Non importa quanto ti isoli dalle complessità della vita, essa troverà comunque il modo di arrivare alla tua porta. Se scegli di ignorarle, ci saranno delle conseguenze. Se scegli di affrontarle, ci saranno conseguenze anche in quel caso, ma almeno saprai di aver cercato attivamente di cambiare le cose in meglio.
L’esistenza è raramente futile
Dopo la morte di Gladys e Kate, Robert trascorse la maggior parte del suo tempo nel luogo dove un tempo sorgeva la sua casa. Ricevette la visita di Ignatius, un negoziante del paese che era anche suo amico. Una famiglia di cani venne a vivere con lui e lui si prese cura di loro fino a quando non furono pronti a intraprendere il proprio viaggio senza l’aiuto di Robert. Quell’episodio lo motivò a ricostruire la sua casa per onorare la memoria di Gladys e Kate. Cercò di tornare al lavoro di boscaiolo, ma i progressi tecnologici e l’arrivo di boscaioli più giovani di lui lo resero obsoleto. Tuttavia, non si arrese e divenne una sorta di tassista che trasportava le persone da una parte all’altra della città. Fu così che conobbe Claire, una dipendente dei servizi forestali, che gli insegnò che anche se l’esistenza di una persona può sembrare futile, non è sempre così, perché nella vita tutto è collegato. In sostanza, gli disse che anche se una persona può pensare di essere irrilevante nel quadro più ampio dipinto dal fato o dal destino, dovrebbe sapere che è importante. E, sì, questo è vero in una certa misura. Robert ha trascorso la fase peggiore della sua depressione da solo perché pensava di non avere nessuno nella sua vita con cui condividere il suo dolore.
In questo modo, Robert aveva ignorato il fatto che Ignatius lo considerava un amico. Anche se non vediamo Ignatius affrontare alcun tipo di discriminazione, è praticamente impossibile che non abbia incontrato un solo razzista durante il suo periodo di lavoro nel negozio. Nel frattempo, Robert era gentile con lui, trattandolo come un essere umano. Pertanto, quando è arrivato il momento, Ignatius ha ricambiato il favore stando al fianco di Robert quando questi ha toccato il fondo. Questo ha cementato il loro legame e probabilmente ha motivato entrambi a continuare con le loro vite invece di lasciarsi abbattere dalle atrocità che accadevano intorno a loro. Per quanto riguarda i cani, anche se Robert non è riuscito a salvare una madre e il suo cucciolo da un incendio, ha salvato un’altra madre e i suoi cuccioli dalla morte per fame o ipotermia. Infine, per quanto riguarda le donne che ha trasportato attraverso quella foresta, l’atmosfera di conforto e sicurezza che ha creato facendo il minimo indispensabile per non comportarsi da pervertito (come tutti gli altri uomini) ha probabilmente rafforzato la loro fiducia nella vita. Quindi, sì, anche se Robert si considerava solo un fantasma nelle foreste dell’Idaho, la sua presenza silenziosa era importante per molte persone.
Robert non si è riunito con sua figlia
Nel finale di Train Dreams, Robert trova una ragazza gravemente ferita ed esausta nel bosco. Suppone che sia sua figlia Kate, che non vede da tempo, e la porta a casa. Si accorge che ha una gamba rotta. Così, la sistemò come meglio poté e si prese cura di lei. Il giorno seguente, lei era scomparsa. Per il decennio successivo, Robert continuò ad aspettare che la ragazza tornasse, ma lei non tornò mai. Quando capì che la ragazza se n’era andata per sempre, Robert iniziò a visitare la città. Vide Neil Armstrong andare sulla Luna. Guardò uno spettacolo con un ragazzo vestito da lupo mannaro, che lo commosse e lo fece piangere. Fece un giro in aereo. E poi, alla fine, si ritirò nella sua capanna, dove morì serenamente. Ora, non credo che quella ragazza fosse la figlia di Robert. Forse era solo una ragazza che era stata inseguita da qualcuno o che si era persa nella foresta e, per puro caso, si era imbattuta in Robert, che l’aveva aiutata. Detto questo, il fatto che la ragazza sia scomparsa il giorno dopo, con quella gamba fratturata, mi fa pensare che l’incidente fosse frutto dell’immaginazione di Robert. Lui aveva sempre sogni molto vividi. Aveva avuto un’allucinazione nel momento in cui Gladys e Kate erano morte in quell’incendio.
Quindi, è molto probabile che la ragazza salvata da Robert fosse solo un pio desiderio. Ma se ha trascorso gli anni successivi all’incontro con quella ragazza, o pensando di aver incontrato una ragazza, semplicemente aspettando, questo non significa che il messaggio di Claire non lo abbia motivato a continuare ad essere un’influenza positiva nella vita di tutti? Beh, solo perché non lo abbiamo visto guidare silenziosamente le persone attraverso la foresta, venire in aiuto di animali smarriti o trascorrere del tempo con Ignatius, non significa che non abbia fatto nulla di tutto ciò. Probabilmente, ha seguito gli insegnamenti di Claire fuori dallo schermo mentre aspettava sua figlia sullo schermo, e quando ha capito che stava per arrivare alla fine, ha scelto di provare alcuni dei semplici piaceri della vita. Non so perché abbia pianto per il ragazzo lupo; forse il fatto che la gente considerasse un ragazzo con troppi peli sul viso un abominio era troppo crudele per lui da sopportare. Per quanto riguarda lo sbarco sulla luna e il viaggio in aereo, suppongo che questo lo abbia aiutato a capire che in un’epoca in cui gli esseri umani stavano progredendo in modo così aggressivo, almeno lui non ha frenato nessuno con il suo bigottismo. Ha affrontato le avversità, le ha superate e ha vissuto una vita piena senza contribuire alla regressione che stava avvenendo a livello nazionale. Sai una cosa? Considerando quanto vanno male le cose, accetterò persone come Robert che stanno in disparte quando si tratta di questioni politiche, pagano per i propri errori in un modo o nell’altro e non diventano assassini di massa o qualcosa del genere per vendicarsi del mondo. Ma questo è solo il mio parere. Se hai un’altra opinione su quel finale, sentiti libero di condividerla nella sezione commenti qui sotto.
La Universal Pictures e il regista Jon M. Chu hanno diviso l’adattamento cinematografico del musical di successo di Broadway in due film, Wicked e Wicked 2. Entrambi sono ormai usciti, portando un senso di definitività alla storia di Elphaba (Cynthia Erivo) e Glinda (Ariana Grande). Ma è davvero la fine, o potrebbe esserci un Wicked 3?
Non c’è mai stato un seguito alla storia raccontata nel musical, ma i libri di Gregory Maguire, che hanno ispirato lo spettacolo teatrale, vanno oltre il punto in cui Wicked – Parte 3 finisce. Il finale non prepara direttamente Wicked 3, ma non chiude nemmeno la porta a un suo possibile realizzo. Ecco cosa sappiamo sulla possibilità di un terzo film.
Wicked 3 non è stato annunciato ufficialmente
Al momento della stesura di questo articolo, Wicked 3 non è ufficialmente in lavorazione. La Universal non ha segnalato pubblicamente che un terzo film è in lavorazione, coinvolgendo sceneggiatori o produttori per svilupparlo.
Lo studio sa dal 2022 che un adattamento cinematografico del musical avrebbe bisogno di due parti per essere realizzato correttamente. Nonostante abbiano avuto molto tempo per sviluppare i primi due film, la Universal e Chu non hanno messo il carro davanti ai buoi annunciando un terzo film prima che il pubblico lo richiedesse.
Quindi, anche se Wicked 3 non è stato confermato, c’è ancora la possibilità che venga realizzato un altro film. La Universal ha già registrato un incasso record con Wicked, che ha incassato 758 milioni di dollari in tutto il mondo. Le previsioni al botteghino per Wicked – Parte 2 sono ancora più promettenti.
Con l’enorme incasso totale che questo franchise otterrà dopo due film, lo studio vorrà probabilmente trovare il modo di offrire al pubblico altri film in questo universo. Se riusciranno a farlo senza dare l’impressione di voler solo incassare, questo sequel potrebbe diventare realtà. Anche la volontà dei creativi e degli attori principali di tornare potrebbe essere un fattore determinante.
Cosa hanno detto il cast e la troupe di Wicked sulla realizzazione di Wicked 3
Sebbene la popolarità del musical Wicked abbia permesso a innumerevoli artisti di interpretare questi personaggi, questa storia ora appartiene all’Elphaba di Erivo, alla Glinda di Grande e al Fiyero di Jonathan Bailey su scala teatrale globale. Il loro ritorno, insieme al regista Chu e al paroliere/compositore originale Stephen Schwartz, può determinare il successo o il fallimento di un terzo film.
Tra i membri del cast, Grande ha fornito il più grande indizio sul suo ritorno nei panni di Glinda per Wicked 3. Durante una sessione di domande e risposte nel tour promozionale di Wicked: For Good, l’attrice ha detto: “Non credo che nessuno andrà da nessuna parte”.
Quando le è stato chiesto se questa fosse una conferma della realizzazione di un terzo film, ha risposto: “No, no, non lo so”, prima di parlare della ‘pace’ che è arrivata con l’uscita del secondo film. Il suo commento non era inteso come un’anticipazione di Wicked 3, come ha poi chiarito: “Non stiamo dicendo addio a nulla. Questi personaggi rimarranno per sempre nei nostri cuori”.
Tuttavia, aggiungendo: “Mi mancherà questo lavoro in particolare”, Grande ha lasciato intendere che sarebbe più che disposta a tornare per un terzo capitolo.
Erivo e Bailey non hanno commentato la possibilità di realizzare un altro film. L’attore di Pfannee Bowen Yang ha risposto alla domanda sul potenziale di Wicked 3, rendendo chiara la sua posizione: “Penso che ci fermeremo qui”.
È interessante notare che Chu non ha chiuso la porta alla possibilità che Wicked 3 venga realizzato, forse suggerendo addirittura che ci siano già delle discussioni in corso: “Di cosa si tratta? Sapete, al momento ci sono molte idee in ballo… Vedremo. Godiamoci prima questo viaggio”.
Il regista ha lasciato intendere che qualsiasi decisione sullo stato del terzo capitolo potrebbe attendere fino a quando non si saranno calmate le acque dopo l’uscita di Wicked: For Good. Ciò avrebbe senso, in quanto darebbe alla Universal la possibilità di valutare appieno il successo al botteghino del film, concederebbe agli attori un po’ di riposo ed eviterebbe tutta la pressione mediatica sul film che ruota attorno a ciò che potrebbe contenere il prossimo film.
Quale potrebbe essere la trama di Wicked 3
Sebbene ci siano altri materiali di riferimento nei romanzi di Maguire che Wicked 3 potrebbe adattare, un adattamento veramente fedele a uno qualsiasi di essi sarebbe molto difficile. Il musical ha modificato il libro in diversi punti chiave, mentre i film sono rimasti più fedeli alla storia raccontata nel fenomeno di Broadway.
Il sequel del libro di Maguire è Son of a Witch, che ruota attorno a Liir, il figlio di Elphaba e Fiyero, mentre naviga nel mondo di Oz negli anni successivi alla morte di sua madre. Il libro vede anche il ritorno di Glinda, che non è più la sovrana di Oz, e dello Spaventapasseri, che nel romanzo non è Fiyero.
Il finale di Wicked: For Good permette un adattamento libero di Son of a Witch. Elphaba e Fiyero consumano la loro relazione nel sequel, quindi lei potrebbe essere incinta di Liir alla fine. Sarebbe sorprendente che un terzo film avvenisse senza Elphaba, quindi il film avrebbe la libertà di creare una storia completamente nuova per lei.
In questo senso, c’è anche la possibilità che la storia di Wicked 3 possa essere qualcosa di totalmente nuovo. Chu potrebbe collaborare con Schwartz per creare il prossimo capitolo di una storia che non è mai stata raccontata nei più di 20 anni trascorsi dalla prima rappresentazione originale a Broadway. Sicuramente il paroliere originale ha qualche idea su cosa succederà a Elphaba e Glinda in futuro.
Grazie al finale aperto di Wicked: For Good, ci sono molti percorsi diversi che la storia di Wicked 3 potrebbe prendere. Capire quale sia il migliore sarà necessario solo se la Universal deciderà ufficialmente di andare avanti con un altro capitolo.
Wicked: Parte 2 contiene due nuove canzoni, ma come si collocano rispetto al resto della colonna sonora? I due film Wicked portano il musical teatrale Wicked sul grande schermo, adattandolo fedelmente e ampliandolo in alcuni aspetti per giustificare la trasposizione in due film separati.
Una delle prospettive intriganti di Wicked: Parte 2 è l’inclusione di nuove canzoni, pensate per arricchire le emozioni di Elphaba e Glinda in nuovi assoli. Questo getta anche le basi per potenziali nomination agli Oscar per la migliore canzone originale. Ora che il film è uscito, vale la pena confrontare le nuove canzoni con il musical classico e determinare come si collocano rispetto ad esso.
Quali sono le nuove canzoni di Wicked: For Good?
Wicked: Parte 2 presenta due nuove canzoni del compositore Stephen Schwartz, ma nessuna delle due riesce a eguagliare i livelli del resto del musical. “No Place Like Home” e “The Girl in the Bubble” sono entrambe nuovi brani solisti rispettivamente per Elphaba e Glina, che danno a ciascun personaggio un assolo tra gli altri duetti più importanti del musical.
Contribuiscono ad ampliare la trama del secondo atto di Wicked e allungano la durata di Wicked: For Good. “No Place Like Home” viene eseguita abbastanza presto nel film, con Elphaba che fa del suo meglio per convincere gli animali in fuga che non è necessario abbandonare Oz.
“The Girl in the Bubble” arriva più avanti nel film, quando Glinda si rende conto della gravità della sua situazione e riflette su come è diventata una pedina del Mago e di Madame Morrible. Entrambi i brani sono assoli delle due protagoniste femminili del film, dando a Cynthia Erivo e Ariana Grande l’opportunità di mostrare il loro talento in brani unici.
Perché le nuove canzoni di Wicked: For Good sembrano poco brillanti
Sia “No Place Like Home” che “The Girl in the Bubble” godono di un certo prestigio, grazie al ritorno del compositore originale di Wicked, Stephen Schwartz, che ha scritto entrambi i brani. Questo ha senso per il film, poiché permette a Wicked: For Good di essere candidato nella categoria Miglior Canzone Originale agli Academy Awards.
Inoltre, beneficiano delle interpretazioni di Erivo e Grande, poiché le due sono giustamente celebrate per le loro interpretazioni dei leggendari ruoli di Broadway. Nonostante tutti i difetti di Wicked: For Good, nessuno di essi può essere attribuito alle due star. Al contrario, i problemi del film derivano in gran parte dall’approccio gonfiato al materiale originale.
Per giustificare la durata, ci sono molti riempitivi inutili che riducono il film di solo mezz’ora rispetto alla durata totale del musical originale. “No Place Like Home” e “The Girl in the Bubble” non aiutano la durata, poiché entrambe le canzoni hanno lunghe sezioni dedicate nel film. Tuttavia, entrambe le canzoni sembrano anche inutili per la narrazione complessiva.
Sebbene sia bello vedere Elphaba cercare di reclutare il regno animale e Grande offrire una performance emozionante di una giovane donna che si rende conto di quanto fosse sbagliata la sua lealtà, entrambi questi momenti sono già stati consolidati in altre parti del film. Di conseguenza, questi momenti rallentano il ritmo e contribuiscono alla durata eccessiva del film.
Questo non sarebbe un problema se entrambe le canzoni fossero state orecchiabili come “Popular”, potenti come “Defying Gravity” o emozionanti come i grandi momenti musicali di For Good come “As Long As You’re Mine”, “No Good Deed” o “For Good”. Nessuna delle due canzoni ha lo stesso tono pomposo o tocchi memorabili.
Questo perché entrambe le canzoni sono in definitiva riflessioni cupe sul personaggio che le canta, conferendo loro un tono cupo che non si abbina al tenore melodrammatico ma straziante di brani come “I’m Not That Girl”. Nessuna delle due spinge il rispettivo cantante a dare il massimo come in “No Good Deed” o ad avere lo stesso impatto emotivo di “For Good”.
Anche rispetto alle canzoni più deboli del secondo film di Wicked, canzoni come “Wonderful” hanno un brio visivo e una vivacità colorata che le fanno risaltare. Al contrario, “The Girl in the Bubble” segue semplicemente Glinda mentre cammina nel suo appartamento, mentre “No Place Like Home” è Elphaba che parla ad animali in CGI che sembrano senza peso rispetto a lei.
È un peccato, perché la prospettiva di avere nuove canzoni per Wicked era uno degli elementi più entusiasmanti del film prima dell’uscita. Anche se nessuna delle due è decisamente brutta e i rispettivi interpreti le eseguono bene, semplicemente non hanno la stessa energia memorabile o lo stesso potere straziante degli altri grandi momenti musicali di Wicked.
Di conseguenza, né “No Place Like Home” né “The Girl in the Bubble” spiccano davvero, a parte la novità di essere brani inediti. Ripetono elementi del film che sono meglio valorizzati altrove e contribuiscono poco a migliorare la narrazione complessiva.
Sebbene non sarebbe sorprendente vedere Wicked: For Good ottenere una o due nomination agli Oscar per i brani, data la grande popolarità del musical, nessuno dei due brani sembra avere la possibilità di distinguersi tra gli altri probabili candidati o anche solo tra le altre canzoni che compaiono nei due film di Wicked.
Elphaba ha una canzone completamente nuova per Wicked – Parte 2, interpretata da Cynthia Erivo con il titolo “No Place Like Home”. Presente all’inizio del sequel, la prima delle due canzoni originali riassume le motivazioni della Malvagia Strega dell’Ovest di fronte a tanto odio e menzogne.
Prendendo il titolo direttamente dalla frase iconica di Dorothy in Il mago di Oz, l’assolo di Elphaba si svolge sulla strada di mattoni gialli dopo che lei scopre un gruppo di animali in fuga verso il luogo oltre Oz. Circondata dagli animali che ha giurato di aiutare, tra cui Dulcibear, con cui si ricongiunge, la strega dalla pelle verde intona una nuova canzone sul perché sta combattendo per salvare Oz.
Vale la pena conoscere il testo di “No Place Like Home” per comprendere meglio la nuova canzone di Elphaba e per poterla cantare più facilmente insieme alla colonna sonora di Wicked: For Good.
Testo originale di No Place Like Home
Scritta da Stephen Schwartz, “No Place Like Home” è un assolo di Elphaba, poiché è l’unica a cantare, mentre lei e Dulcibear hanno brevi parti parlate nel film che sono state rimosse dalla colonna sonora. Il testo è riportato di seguito:
[ELPHABA]
Why do I love this place
That’s never loved me
A place that seems to be devolving
And even wanting to
But Oz is more than just a place
It’s a promise, an idea
And I want to help make it come true
Why should a land have so much meaning
When dark times befall it?
It’s only land, made of dirt and rock and loam
It’s just a place that’s familiar
And home’s just what we call it
But there’s no place like home
Don’t we all know
There’s no place like home?
When you feel you can’t fight anymore
Just tell yourself
There’s no place like home
When you feel it’s not worth fighting for
Compel yourself because
Because there’s no place like home
When you want to leave
Discouraged and resigned
That’s what they want you to do
But think how you’ll grieve
For all you’ll leave behind
Oz belongs to you too
Those who would take it from you
Spout a lie to sell yourself
You go their way or go
It’s them who you’ll be defeating
If we keep on repeating
There’s no place like home
There’s no place like home
There’s no place like home
If we just keep fighting for it
We will win back and restore it
There’s no place like home
Testo tradotto di No Place Like Home
[ELPHABA]
Perché amo questo posto che non ha mai amato me? Un posto che sembra regredire e persino volerlo fare. Ma Oz è più di un semplice luogo: è una promessa, un’idea, e io voglio aiutare a realizzarla davvero.
Perché una terra dovrebbe avere così tanto significato quando tempi oscuri la colpiscono? È solo terra, fatta di fango, roccia e suolo. È solo un posto familiare, e casa è solo il nome che gli diamo. Ma non c’è posto come casa, lo sappiamo tutti, non c’è posto come casa.
Quando senti di non avere più la forza di lottare, dì a te stessa: non c’è posto come casa. Quando senti che non vale la pena combattere, costringiti a farlo, perché… perché non c’è posto come casa.
Quando vuoi andartene, scoraggiata e rassegnata, è proprio ciò che loro vogliono che tu faccia. Ma pensa a quanto soffrirai per tutto ciò che lascerai indietro. Anche Oz appartiene a te.
Coloro che vogliono portartela via ti vendono bugie per farti cadere, dicendoti che devi seguire la loro strada o andartene. Ma in realtà sono loro ad essere sconfitti se continuiamo a ripetere:
Non c’è posto come casa. Non c’è posto come casa. Non c’è posto come casa.
Se continuiamo a lottare per lei, la riconquisteremo e la risaneremo. Non c’è posto come casa.
Il significato di “No Place Like Home”
A prima vista, “No Place Like Home” è la dichiarazione di Elphaba sul perché vale la pena lottare per Oz. Lei cerca di ottenere il sostegno degli animali attraverso un messaggio di speranza e perseveranza. Questa terra potrebbe non essere più accogliente per la strega e i suoi amici animali, ma è ancora il luogo che hanno sempre chiamato casa.
Elphaba usa la canzone per spiegare che non possono lasciare che Oz continui a trasformarsi in qualcosa che non dovrebbe essere. La terra ha bisogno di essere salvata e lei vuole aiutare, anche se nessuno la capisce durante questo processo. È disposta a opporsi alle forze oppressive che controllano la sua casa per un domani migliore.
Erivo ha parlato del significato della sua canzone, allineandosi a questa interpretazione. Ha spiegato che è qui che inizia davvero il prossimo capitolo della storia di Elphaba, quando scopre il vero scopo che guida le sue azioni.
Deve chiedersi perché vuole continuare a salvare Oz, o a salvare gli animali che vi vivono, anche se questo luogo non la vuole necessariamente. È una scoperta del motivo per cui può continuare. È qui che inizia la storia per lei.
Questa canzone e il tema della ricerca e della lotta per la propria casa sono fondamentali per la storia. L’intero film ruota attorno a Elphaba e Glinda che accettano il loro posto nel mondo e la loro appartenenza a Oz. Questo aiuta a plasmare le decisioni che prendono fino alla fine di Wicked – Parte 2.
Quindi, anche se “No Place Like Home” arriva abbastanza presto nel film, è un’aggiunta fondamentale a Wicked: For Good e un’altra grande dimostrazione del talento di Erivo.
Poltergeist – Demoniache presenze (1982) si colloca in un periodo d’oro per il cinema horror americano, quando il genere stava vivendo una rinascita grazie a film come Shining(1980) e La cosa (1980). Il film, prodotto da Steven Spielberge diretto da Tobe Hooper, mescola elementi soprannaturali con l’horror domestico, portando le paure dell’ordinario a confrontarsi con forze ultraterrene. La sua uscita consolidò la formula della “famiglia minacciata da presenze invisibili”, contribuendo a ridefinire l’horror mainstream degli anni Ottanta.
Per Tobe Hooper, già noto per Non aprite quella porta (1974), Poltergeist – Demoniache presenze rappresenta un momento di svolta nella sua carriera, segnando il passaggio dall’horror splatter più crudo a un approccio più narrativo e spettacolare, caratterizzato da effetti visivi innovativi e da una tensione crescente. Spielberg, in qualità di produttore e co-sceneggiatore, influenzò fortemente il tono del film, introducendo elementi di famiglia americana e di meraviglia cinematografica, fondendo così suspense e sentimenti familiari con l’orrore soprannaturale.
Il genere di Poltergeist – Demoniache presenze combina dunque horror soprannaturale, thriller e dramma familiare, esplorando temi come la fragilità domestica, l’invasione dello spazio privato e la lotta tra bene e male. Rispetto ad altri film dello stesso periodo, come Entity (1982) o Changeling (1980), si distingue per la spettacolarità degli effetti speciali e per la presenza di una sceneggiatura più orientata al grande pubblico. Nel resto dell’articolo, si proporrà un’analisi dettagliata del finale e del modo in cui risolve il conflitto tra i protagonisti e le forze ultraterrene.
Steve Freeling è un agente immobiliare di successo che vive con la moglie Diane e i loro tre figli: l’adolescente Dana e i piccoli Robbie e Carol Anne. Una notte Carol Anne si alza nel sonno e comincia a parlare con la televisione accesa ma priva di segnale. Quando i genitori la trovano, la bambina con aria serena annuncia: “Sono arrivati!“. Da quel momento una serie di strani fenomeni sconvolge la tranquilla esistenza della famiglia Freeling. Inspiegabilmente i mobili si muovono, le posate si piegano, i bicchieri si rompono e al centro della cucina c’è un’area del pavimento che attira qualsiasi cosa.
Una notte, durante l’ennesima manifestazione paranormale, Carol Ann viene risucchiata da un vortice luminoso che si sprigiona dall’armadio della sua camera da letto e scompare nel nulla. Il resto della famiglia la cerca in tutta la casa fino a quando Robbie sente la voce di lei arrivare dal televisore sintonizzato su un canale vuoto. A quel punto, Steve chiederà aiuto a un piccolo gruppo di parapsicologi dell’Università della California, composto dalla dottoressa Lesh e dai suoi assistenti Ryan e Marty. Insieme anche alla medium Tangina Barrons, dovranno capire cosa sta accadendo e come riportare indietro Carol Anne.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Poltergeist – Demoniache presenze, la tensione raggiunge l’apice quando Diane, guidata da Tangina, entra nella dimensione parallela attraverso il portal nel guardaroba dei bambini per salvare Carol Anne. Il piano di salvataggio è complesso: Diane è assicurata a una corda che attraversa il portale, consentendole di raggiungere la figlia intrappolata da presenze ostili e dalla forza demoniaca nota come “the Beast”. Dopo aver recuperato Carol Anne, entrambe emergono attraverso il soffitto del soggiorno, coperte di ectoplasma, mentre Tangina dichiara la casa “pulita” dal punto di vista soprannaturale, segnando la fine del conflitto principale tra famiglia e spiriti.
Subito dopo, la famiglia affronta un’ulteriore escalation: mentre stanno per lasciare la casa, “the Beast” riemerge con violenza, tentando di trascinare Diane e i bambini nella sua dimensione. La sequenza si svolge nel cortile in condizioni estreme, con Diane che cade in una piscina allagata e incontra scheletri che emergono dal terreno, simbolo della presenza storica dei defunti sepolti sotto la comunità di Cuesta Verde. Nonostante il terrore e la minaccia costante, Diane riesce a salvare i figli, mentre Steve e il resto della famiglia arrivano giusto in tempo per completare la fuga, seguita dalla distruzione della casa e della porta dimensionale.
Questo finale mostra la risoluzione della vicenda principale attraverso un atto di coraggio materno e collaborazione familiare. L’intervento di Tangina e il ruolo attivo di Diane evidenziano come la combinazione di coraggio, fiducia e strategia consenta di affrontare forze incomprensibili. La sconfitta di “the Beast” e il recupero di Carol Anne chiudono l’arco narrativo dei figli in pericolo, completando la tensione costruita lungo tutto il film. La dimensione soprannaturale viene così dominata dalla determinazione umana e dall’empatia.
In termini tematici, il finale porta a compimento il tema della vulnerabilità e della protezione familiare, centrale nel film. La casa, simbolo di sicurezza domestica, diventa il luogo della minaccia e del confronto con l’ignoto, mentre Carol Anne rappresenta l’innocenza esposta al male. L’intervento degli adulti, in particolare Diane e Tangina, enfatizza la responsabilità collettiva e l’importanza del coraggio. Il film suggerisce inoltre che la conoscenza e il rispetto per il passato – qui rappresentato dalle tombe e dai defunti – sono necessari per ristabilire l’ordine e superare le minacce soprannaturali.
Il messaggio finale che Poltergeist – Demoniache presenze lascia agli spettatori è duplice: da un lato, l’importanza della coesione familiare e della protezione reciproca; dall’altro, il riconoscimento dei limiti dell’uomo di fronte all’ignoto, ma anche la capacità di affrontarlo con coraggio, intelligenza e solidarietà. La fuga della famiglia e la distruzione della casa simboleggiano la liberazione dalle presenze ostili e la necessità di lasciare alle spalle ciò che è corrotto o pericoloso. La rimozione del televisore finale enfatizza la chiusura di un capitolo traumatico e l’inizio di una nuova fase di sicurezza e normalità.
Unstoppable – Fuori controllo (qui la recensione) segna un capitolo ad alta tensione nella filmografia di Tony Scott, regista noto per il suo stile visivo dinamico e l’abilità nel creare thriller adrenalinici come Man on fire o Dejà vù. Il film mette in scena Denzel Washington nei panni del macchinista veterano Frank Barnes e Chris Pine come il giovane e determinato Will Colson, affiancati da un cast di supporto che contribuisce a rendere palpabile la suspense. La regia di Scott si distingue per le riprese in movimento e la costruzione di sequenze di grande impatto visivo, tipiche del suo approccio alla narrativa action.
Il film appartiene al genere action-thriller con forti elementi drammatici, concentrandosi sulla lotta contro il tempo e sul rischio costante per la vita dei protagonisti e della popolazione circostante. La vicenda ruota infatti attorno a un treno merci fuori controllo, carico di materiali chimici altamente pericolosi, e all’impegno dei macchinisti di fermarlo prima che causi un disastro. Temi come il coraggio, la responsabilità, la collaborazione tra esperti e la gestione di situazioni di crisi sono centrali, rendendo la storia tanto emozionante quanto umana.
Pur essendo una storia adrenalinica e spettacolare, Unstoppable – Fuori controllo si ispira a eventi realmente accaduti negli Stati Uniti, rendendo il racconto ancora più coinvolgente. La vicenda del treno fuori controllo, noto come “runaway train”, ha avuto ripercussioni concrete nella vita di persone e comunità locali, e il film ne rielabora le dinamiche enfatizzando la suspense. Nel resto dell’articolo si approfondirà la storia vera che ha ispirato il film, analizzando come i fatti reali si siano svolti e quali elementi siano stati adattati per la versione cinematografica.
Unstoppable – Fuori controllo segue dunque la corsa contro il tempo di un treno merci fuori controllo lungo le linee ferroviarie della Pennsylvania. Il treno trasporta un carico di materiali chimici altamente pericolosi e, a causa di un errore tecnico, comincia a muoversi senza conducente. La minaccia crescente pone a rischio città, infrastrutture e vite umane, trasformando la situazione in un’emergenza di portata nazionale. La tensione si accumula man mano che la velocità del convoglio aumenta e le possibilità di fermarlo diminuiscono, con ogni decisione dei protagonisti che può avere conseguenze catastrofiche.
Il film si concentra principalmente sui macchinisti Frank Barnes e Will Colson, due uomini con esperienze e approcci diversi, che devono collaborare per affrontare la crisi. Mentre il treno continua la sua corsa incontrollata, i protagonisti valutano strategie e rischiano la loro vita, mettendo alla prova coraggio, abilità e capacità di reagire sotto pressione. Allo stesso tempo, le autorità ferroviarie e locali cercano di coordinarsi per contenere il pericolo e proteggere la popolazione lungo il percorso. La narrazione mantiene alta la suspense, lasciando in sospeso il modo in cui la minaccia verrà neutralizzata e come i personaggi riusciranno a salvare il treno e chiunque si trovi nelle aree a rischio.
La storia vera dietro il film
L’ispirazione per Unstoppable – Fuori controllo deriva dall’incidente CSX 8888, noto anche come “Crazy Eights”, avvenuto il 15 maggio 2001 in Ohio. Quel giorno, una locomotiva CSX numero 8888 (una EMD SD40‑2) era accoppiata a 47 vagoni, di cui due contenenti fenolo fuso, una sostanza altamente tossica. Secondo le ricostruzioni, un macchinista scese per correggere un deviatoio, credendo di aver regolato correttamente il sistema di frenatura dinamica, ma in realtà lasciò il motore in potenza. Il treno, senza controllo, si mise in moto e iniziò a percorrere i binari senza nessuno al comando per circa due ore.
Chris Pine in Unstoppable – Fuori controllo
Durante la fuga, il convoglio raggiunse una velocità di circa 84 km/h (52 mph) e attraversò oltre 100 chilometri (circa 66 miglia) attraverso il nord-ovest dell’Ohio. Nel tentativo di fermarlo, furono messi in atto diversi piani: un locomotore CSX (la #8392) fu schierato in coda al treno in corsa per agganciarlo, ma altri metodi fallirono: un deragliatore portatile non funzionò e persino la polizia sparò al pulsante di emergenza per il taglio del carburante, ma non ebbe effetto. Alla fine, la squadra riuscì a rallentare il treno utilizzando i freni dinamici.
Si riuscì così a portare la velocità a circa 18 km/h (11 mph), e un capotreno – Jon Hosfeld – saltò a bordo proprio per azionare il freno manuale e mettere in sicurezza la locomotiva. L’incidente non provocò vittime gravi, ma fu un evento clamoroso per le ferrovie americane: il treno pericoloso fu fermato, ma le ganasce dei freni della locomotiva #8888 subirono danni importanti per il calore generato durante la folle corsa. Successivamente la locomotiva fu rimessa in servizio, con modifiche tecniche, e in seguito riprogettata come SD40-3, cambiando numero di matricola.
Le conseguenze dell’evento furono molteplici: l’incidente divenne materiale di studio per la sicurezza ferroviaria e, più tardi, ispirò appunto il film Unstoppable – Fuori controllo. Il film, pur mantenendo l’anima della storia reale, apporta modifiche per aumentare il dramma e la suspense, come velocità maggiorate del treno, intensificazione della minaccia chimica e l’aggiunta di personaggi ricreati. Questo mix tra realtà e finzione rende la vicenda più cinematografica, ma rende chiaro che il cuore dell’ansia viene proprio dalla corsa reale che il treno impazzito ha compiuto sulle rotaie dell’Ohio.
Sleepers (qui la recensione), uscito nel 1996 e diretto da Barry Levinson, si basa sull’omonimo libro di Lorenzo Carcaterra, che racconta una storia definita come vera dallo stesso autore, sebbene negli anni sia stata oggetto di accesi dibattiti sulla sua autenticità. Il romanzo, che narra l’infanzia difficile di quattro ragazzi del quartiere Hell’s Kitchen e l’incubo vissuto nel riformatorio di Wilkinson, colpì Hollywood per la forza drammatica dei suoi eventi, spingendo Levinson a trasformarlo in un film corale, cupo e moralmente complesso.
La produzione riuscì a riunire un cast straordinario, composto da Brad Pitt, Jason Patric, Dustin Hoffman, Robert De Niro, Kevin Bacon e Minnie Driver, attori che diedero corpo a personaggi segnati da traumi profondi e scelte irreversibili. La presenza di interpreti così autorevoli contribuì a far emergere l’intensità emotiva della storia, mettendo in risalto sia l’innocenza violata dell’adolescenza sia il peso delle conseguenze che i protagonisti portano nell’età adulta. Il film divenne subito noto per il suo tono cupo e per l’impatto etico delle vicende mostrate.
Sleepers si colloca tra il dramma giudiziario e il crime, ma affronta temi più universali come l’abuso di potere, la perdita dell’innocenza, l’amicizia come unico rifugio e la ricerca di giustizia in un sistema profondamente corrotto. L’opera di Levinson intreccia passato e presente in un racconto di colpa, vendetta e redenzione, senza mai perdere la tensione morale che lo attraversa. Proprio per questi motivi, il finale rappresenta il cuore emotivo e tematico del film, e nel resto dell’articolo ne verrà proposta una spiegazione approfondita.
La storia è dunque quella di quattro ragazzi: Lorenzo Carcaterra, soprannominato Shakes, Michael Sullivan, John Reilly e Tommy Cohen Marcano. Cresciuti ad Hell’s Kitchen, un quartiere malfamato di New York, in situazioni famigliari piuttosto critiche, i quattro giovani minorenni sono legati da una forte amicizia e sognano da grandi di diventare veri gangster. Durante la calda estate del 1967, un giorno per mettersi alla prova, i quattro tentano di rubare un carretto di hot dog, finendo però per ferire gravemente un anziano signore all’uscita della metropolitana. Per questo motivo verranno arrestati e condannati a un anno di riformatorio, da scontare presso il Wilkinson Home, che segnerà per sempre la loro vita.
Durante la detenzione i ragazzi infatti subiscono terribili violenze psichiche e fisiche da parte di alcuni agenti dell’istituto, in particolar modo dal crudele Sean Nokes, che li picchierà e abuserà di loro più e più volte. L’unico a fare visita ai ragazzi durante la loro permanenza in riformatorio è un sacerdote, padre Bobby Carillo, al quale però nessuno dei quattro racconta cosa sia successo loro. Diversi anni dopo essere usciti da quel luogo infernale, i quattro ragazzi hanno ora intrapreso percorsi di vita differenti. Quando però si rincontreranno, e incontreranno di nuovo anche Nokes, il passato tornerà ad essere presente e il tempo della vendettà sembrerà essere arrivato.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Sleepers, il processo per l’omicidio di Sean Nokes diventa il fulcro della storia, trasformandosi nel mezzo attraverso cui i protagonisti cercano giustizia per gli abusi subiti a Wilkinson. Michael, ora procuratore, orchestra un piano complesso per sabotare dall’interno la propria accusa e garantire l’assoluzione di John e Tommy. Con l’aiuto di Shakes e dell’avvocato Snyder, costruisce una contro-narrazione credibile, minando le testimonianze chiave e facendo emergere gradualmente le ombre del passato. Il tribunale diventa così l’arena in cui si prepara la resa dei conti definitiva.
La svolta arriva quando Michael comprende che, per completare il piano, serve una testimonianza inattaccabile che dimostri l’innocenza degli imputati. È allora che entra in gioco Padre Bobby, il loro punto di riferimento d’infanzia. Dopo un confronto doloroso con Shakes, accetta di mentire in aula, fornendo l’alibi decisivo e consegnando i tre biglietti del famoso Knicks game. L’esito è inevitabile: John e Tommy vengono assolti, mentre il castello di segreti e violenze che ha caratterizzato Wilkinson inizia finalmente a crollare, travolgendo i responsabili superstiti.
Il finale mette così in luce come il film ribalti i codici del legal drama tradizionale, mostrando un sistema giudiziario incapace di punire i veri colpevoli se non attraverso deviazioni morali. La scelta di Padre Bobby rappresenta una frattura etica profonda: la menzogna diventa l’unica via per affermare una verità che le istituzioni non hanno mai voluto vedere. Levinson suggerisce che, di fronte a traumi così indicibili, la giustizia ufficiale non è sufficiente, e sono gli individui – con le loro azioni imperfette – a colmare il vuoto.
Al tempo stesso, il finale ribadisce il tema dell’irrecuperabilità dell’innocenza. Anche se i protagonisti ottengono la loro vendetta, il prezzo pagato è altissimo: la scoperta della verità porta a ulteriori violenze, come le esecuzioni dei vecchi guardiani orchestrate da Little Caesar. Nessuno esce davvero vincitore. Michael abbandona il suo lavoro, Shakes rimane segnato per sempre, mentre John e Tommy, pur assolti, sono già destinati a una fine tragica. La giustizia ottenuta non cancella il dolore che li ha deformati.
Infine, Sleepers ci lascia con un messaggio amaro ma profondamente umano: alcune ferite segnano per sempre e l’infanzia sottratta non può essere restituita. Il film non glorifica la vendetta, ma mostra come, in un mondo corrotto, i sopravvissuti cerchino almeno di dare un senso al proprio dolore. L’eredità più luminosa è il gesto di Carol, che dà al figlio un nome che unisce tutti e quattro gli amici, trasformando un passato di orrore in un atto d’amore e memoria.
Divenuto celebre negli anni Novanta per i suoi numerosi ruoli d’azione, Brendan Fraser è in breve tempo diventato uno dei nomi più richiesti da Hollywood. Anche se per alcuni anni le sue apparizioni sono state rare, negli ultimi anni l’attore ha vissuto una vera e propria rinascita professionale, conquistando nuovamente il grande pubblico e critica, soprattutto grazie al film The Whale, che gli è valso un premio Oscar, e al suo ritorno in produzioni iconiche. Rick O’Connell, protagonista della trilogia de La mummia, resta un ruolo simbolo della sua carriera, amatissimo dalle generazioni di spettatori cresciuti con Fraser.
Ecco 10 cose che non sai di Brendan Fraser.
Brendan Fraser: i suoi film e le serie TV
10. Ha recitato in celebri lungometraggi. Fraser debutta al cinema con il film Dogfight – Una storia d’amore (1991), per poi diventare protagonista di film come Scuola d’onore (1992), Il mio amico scongelato (1992), 110 e lode (1994), Scambio di identità (1996), e George re della giungla… ? (1997). Ottenuta la popolarità, recita in Demoni e dei (1998), con Ian McKellene, soprattutto, nel kolossal La mummia (1999), con Rachel Weisz. Divenuto ora una star, l’attore recita poi in Indiavolato (2000), La mummia – Il ritorno (2001), Looney Tunes: Back in Action (2003), Crash – Contatto fisico (2005), con Don Cheadle, La mummia – La tomba dell’Imperatore Dragone (2008), Viaggio al centro della terra 3D (2008), Inkheart (2009), conPaul Bettany, Misure straordinarie (2010), Non lasciarmi sola (2013), con Rosario Dawson, e La rosa velenosa (2019), con John Travolta. Nel 2022 Fraser ha ricevuto grande apprezzamento per The Whale (2022), che ha consolidato il suo ritorno a Hollywood e lo ha reso candidato agli Oscar come Miglior Attore e da allora ha ripreso a lavorare a Hollywood con continuità, infatti nel 2023 appare in un piccolo ruolo in Killers of the Flower Moon di Martin Scorsese. Del 2025 è Rental Family.
9. È noto anche per i suoi ruoli televisivi. Parallelamente all’attività per il cinema, l’attore recita anche in diversi film televisivi nel corso degli anni Novanta. Questi sono My Old School (1991), Figlio delle tenebre (1991), Presumed Guilty (1991) e Nel nome di mio figlio (1997). Torna poi in televisione per recitare nella popolare sit-com Scrubs, dove ricopre il ruolo di Ben Sullivan. Delle tante guest star avvicendatesi nel corso della serie, la sua partecipazione è probabilmente la più nota e apprezzata. Negli ultimi anni Fraser si è poi dedicato principalmente al piccolo schermo, recitando nelle serie Texas Rising (2015), The Affair (2016-2017), Condor (2018) e Trust(2018), con Donald Sutherland. Dal 2019 al 2023 è tra i protagonisti di Doom Patrol, dove recita nel ruolo di Cliff Steel alias Robotman. Nel 2020 ha poi preso parte a Professionals.
8. È anche produttore. Nel corso degli anni, Fraser non si è distinto solo come interprete, ma in diversi casi ha deciso di assumere anche il ruolo di produttore delle opere che lo vedevano come protagonista. Nel 2006 ricopre per la prima volta l’attività per il thriller L’ultima occasione, dove recita accanto a Michael Keaton. Successivamente, produce i film Viaggio al centro della Terra e Puzzole alla riscossa, da lui anche interpretati. Nel 2011 è invece produttore della commedia crime Rapina a Belfast, mentre nel 2013 di Breakout – weekend di paura. Dopo anni in cui non ha più svolto tale ruolo, Fraser torna alla produzione per la serie Professionals, da lui particolarmente voluta e sostenuta.
Brendan Fraser in George re della giungla
7. Si tratta di uno dei suoi progetti che ancora oggi sono molto amati. Brendan Fraser ha consolidato la sua fama internazionale con il ruolo comico e avventuroso di George in George re della giungla (1997). Il film, ispirato al celebre cartone animato, mise in luce la sua capacità di combinare fisicità e comicità, rendendo Fraser perfetto per ruoli leggeri ma memorabili. Il successo della pellicola gli permise di diventare un volto amato dal grande pubblico e di ricevere proposte per film d’azione e avventura. Ancora oggi, George re della giungla resta una delle interpretazioni più iconiche della carriera di Brendan Fraser, simbolo della sua versatilità e del suo carisma unico.
Brendan Fraser in Scrubs
6. Il regista della serie ha fortemente voluto la sua partecipazione. In una recente intervista, Fraser ha raccontato di come arrivò ad essere una delle più amate guest star nella serie Scrubs. Pur comparendo soltanto in tre episodi, il suo personaggio è stato particolarmente amato dagli spettatori e la sua è una delle stoyline ancora oggi più celebri. L’attore disse di non aver mai incontrato Bill Lawrence, ideatore della serie, ma le loro due mogli erano grandi amiche e questo li mise in contatto. Lawrence offrì così una piccola parte a Fraser, allegando al copione anche dei pantaloncini sportivi. Fu proprio tale inaspettato dono che convinse Fraser ad accettare il ruolo.
Brendan Fraser in La mummia
5. Ha rischiato di morire sul set del film. La mummia ha rappresentato una vera e propria svolta nella carriera dell’attore, e ancora oggi è ricordato come il suo ruolo più celebre. Questo ha però rischiato di essere anche l’ultimo per Fraser, il quale è stato coinvolto in un incidente che ha rischiato di ucciderlo. Per una scena era infatti previsto che il suo personaggio si trovasse ad essere impiccato, salvo poi liberarsi giusto in tempo. Qualcosa, tuttavia, andò storto, e l’attore si ritrovò a rischiare realmente il soffocamento. Fortunatamente, fu liberato in tempo e venne aiutato da un equipe di medici a riprendersi.
4. Era la prima scelta del regista. Dopo aver realizzato il film George re della giungla… ?, l’attore era diventato estremamente popolare come interprete di film d’avventura con vene comiche. Fu per questo motivo che il regista di La mummia decise di affidare a Fraser la parte nel film. Egli lo riteneva la giusta combinazione tra personaggio d’avventura e personaggio comico. Quest’ultimo aspetto era particolarmente fondamentale, perché avrebbe permesso agli spettatori di provare empatia nei suoi confronti. Fraser dunque puntò molto sul costruire un personaggio che non si prendesse troppo sul serio.
Brendan Fraser in The Whale
3. Ha segnato il suo ritorno in grande stile. Il ritorno di Brendan Fraser al cinema è stato segnato dal film The Whale (2022), di Darren Aronofski, che ha ricevuto grande attenzione da critica e pubblico. L’attore interpreta Charlie, un insegnante obeso e introverso, riuscendo a trasmettere emozioni profonde con una performance intensa e commovente. Questo ruolo ha segnato la sua rinascita artistica, confermando il talento e la versatilità di Fraser, e gli ha valso candidature ai principali premi cinematografici, tra cui l’Oscar come Miglior Attore. The Whale ha inoltre riportato Brendan Fraser al centro del panorama hollywoodiano, dimostrando quanto il suo carisma e la sua capacità interpretativa siano ancora straordinari.
Brendan Fraser: chi è sua moglie
2. È stato sposato con un’attrice. Nel 1993, arrivato da poco a Los Angeles, l’attore si ritrovò a partecipare ad un party esclusivo per celebrità. Qui ebbe modo di conoscere l’attrice Afton Smith, con la quale strinse subito un certo legame. Dopo qualche anno di frequentazione, i due si sono infine fidanzati ufficialmente e hanno dato vita al loro matrimonio il 27 settembre del 1998. In seguito, hanno avuto tre figli, nati rispettivamente nel 2002, nel 2004 e nel 2006. Da sempre molto riservata, la coppia ha sempre cercato di non rivelare dettagli sulla propria vita privata. Nel dicembre del 2008, tuttavia, hanno reso pubblica la loro volontà di divorziare.
Brendan Fraser: età e altezza
1. Brendan Fraser è nato a Indianapolis, in Indiana, Stati Uniti, il 3 dicembre del 1968. L’attore è alto complessivamente 189 centimetri.
Leonardo DiCaprio è uno di quegli attori che se non esistesse bisognerebbe inventarlo, un attore che dimostra ogni anno, nel 2025 con Una Battaglia dopo l’altra di Paul Thomas Anderson, quanto il cinema ha bisogno delle sue interpretazioni. Dopo aver conquistato il mondo intero con la sua performance in Titanic, non ha smesso di affascinare il mondo con il suo magnetismo e il suo talento. DiCaprio ha sempre preferito la qualità dei film ai quali partecipa, riuscendo ad essere sempre un valore aggiunto e ad essere uno degli attori perfetti con cui lavorare (basta pensare al suo rapporto con Martin Scorsese).
Ecco, allora, dieci cose da sapere su Leonardo DiCaprio.
2. Leonardo DiCaprio è un produttore affermato. Nel corso della sua carriera, Leonardo DiCaprio ha vestito molte volte i panni del produttore. L’attore, infatti, è conosciuto per aver prodotto molti film di successo e anche diversi documentari: tra i vari titoli, si annoverano film come The Aviator, Cappuccetto rosso sangue (2011), Le idi di marzo (2011), Il fuoco della vendetta (2013), The Wolf of Wall Street, La legge della notte(2016), Robin Hood – L’origine della leggenda(2018), Richard Jewell (2019) e documentari come The 11th Hour (2007), Virunga (2014), Cowspiracy (2015), Punto di non ritorno (2016) e Sea of Shadows (2019). Ma non solo: DiCaprio ha prodotto anche le serie TV Greensburg (2008) e le miniserie Digital Wampum (2015), Fire Chasers (2017) e Jonestown: Terror in the Jungle (2018). Ha anche prodotto nel 2019 Richard Jewell, di Clint Eastwood, e Killers of the Flower Moon di Martin Scorsese.
Con la sua Appian Way produce la maggior parte dei film in cui è coinvolto, oltre a una grande attenzione per i prodotti che raccontano la condizione di salute del nostro pianeta, a sostegno del suo grande attivismo ambientalista.
Leonardo DiCaprio: chi è la sua fidanzata
3. Leonardo DiCaprio ha sempre avuto fidanzate con meno di 25 anni. Oltre ai film da lui interpretati, Leonardo DiCaprio è famoso anche per avere avuto uno stuolo di fidanzate giovanissime e biondissime. Di recente è stato realizzato un grafico che mostra come l’attore non abbia mai frequentato una donna che avesse un’età maggiore ai 25 anni e tutte sono durate per poco tempo, salvo quelle con Gisele Bundchen e Bar Rafaeli, durate poco più di cinque anni. Tra le diverse fidanzate, oltre la Bundchen e la Refaeli, sono comparse Blake Lively, Erin Heatherton, Toni Garrn, Klly Rohrbach e Nina Adgal.
4. Leonardo DiCaprio è stato fidanzato con la figliastra di Al Pacino. Dal marzo del 2018, DiCaprio ha iniziato a frequentare la Camila Morrone, famosa più che altro per essere la figliastra di Al Pacino (la giovane, infatti, è la figlia di Lucila Solà, compagna di Pacino). Tra i due la differenza d’età è importante, 44 anni lui e 22 lei, ma questo non gli ha impedito di formare una coppia che per un certo periodo è sembrata piuttosto affiata. Nel 2022, tuttavia, i due si sono lasciati. La fidanzata di Leonardo DiCaprio al momento è Vittoria Ceretti.
Leonardo DiCaprio e Kate Winslet
5. Leonardo DiCaprio ha regalato a Kate Winslet un anello dell’amicizia. Da quando si sono conosciuti sul set di Titanic, DiCaprio a Kate Winslet sono diventati amici inseparabili, tanto da essere sempre presenti agli eventi importanti della vita dell’altro. L’attore, infatti, ha accompagnato all’altare la sua amica durante il matrimonio con il terzo marito Ned Rocknroll ed è il padrino del suo terzo figlio, mentre lei c’è sempre stata per sostenere le sue campagne ambientali durante la sua vittoria agli Oscar. Per celebrare la loro profonda amicizia, DiCaprio ha regalato alla Winslet, dopo essersi ritrovati sul set di Revolutionary Road, un anello dell’amicizia a cui l’attrice è molto affezionata.
Leonardo DiCaprio e Martin Scorsese
6. Leonardo DiCaprio e Martin Scorsese sono pronti a collaborare ancora. Se c’è uno dei sodalizi tra attore e regista più intensi ed edificanti, quello è tra Martin Scorsese e Leonardo DiCaprio. I due, che hanno negli anni dato vita a diversi grandiosi film, sono ora pronti a collaborare per la settima volta per un film dal titoloThe Wager tratto dall’omonimo romanzo di DavidGrann. Per loro questa nuova collaborazione seguirà le esperienze di Gangs of New York, The Aviator, The Departed, Shutter Island,The Wolf of Wall Street e di Killers of the Flower Moon. Sono stati annunciati nuovi progetti per i due, che vedranno la luce dal 2026 in poi.
Leonardo DiCaprio in Titanic
7. Non era certo di voler accettare il ruolo. Considerando che DiCaprio si è consacrato proprio grazie al ruolo di Jack Dawson in Titanic, soprende sapere che egli era inizialmente insicuro sull’accettare o meno la parte. L’attore temeva infatti che il personaggio non fosse dotato di particolarità tali da renderlo interessante. Il regista James Cameron, però, riuscì però a convincerlo sottolineando la complessità del costruire il personaggio come una persona normale. Partendo da tale indicazione, DiCaprio ha dato vita ad una delle sue interpretazioni più celebri.
Leonardo DiCaprio ha vinto un Oscar
8. Leonardo DiCaprio ha vinto l’Oscar dopo 6 candidature. Chiunque è a conoscenza del travagliato rapporto esistente tra DiCaprio e i Premi Oscar: l’attore, infatti, ha ricevuto ben 7 candidature agli Academy – di cui 5 come Miglior Attore Protagonista, 1 come Miglior Attore non Protagonista e una come Miglior Film. Di tutte queste nomination, l’attore è riuscito a vincere l’ambita statuetta nel 2016 grazie al film Revenant – Redivivo, conquistando, finalmente e per la gioia dei suoi fan che avevano aperto anche delle petizioni online, il titolo di Migliore Attore.
Leonardo DiCaprio da giovane
9. È stato un bambino prodigio. Comparso in alcuni spettacoli televisivi già quando aveva tre anni, DiCaprio inizia poi ad interessarsi alla recitazione sin da adolescente. In breve tempo si afferma come un prodigio, recitando in alcune serie e film. Nel frattempo, trovato un agente a Hollywood, rifiuta il consiglio da parte di questi di cambiare il proprio nome in Lenny Williams, considerato più american friendly, e nel 1999 lo protegge divenendone il titolare dal punto di vista commerciale. A soli 18 anni, poi, ottiene la sua prima nomination all’Oscar per Buon compleanno Mr. Grape.
Leonardo DiCaprio ha origini italiane
10. Il suo nome è in onore al celebre artista. Dal lato paterno, DiCaprio vanta origini italiane. I suoi bisnonni, Salvatore Di Caprio e Rosina Casella, erano originari di Napoli, secondo una notizia fatta circolare nel 1998, e la famiglia di Salvatore era originaria di Alife. Come noto, gli è poi stato dato il nome Leonardo perché diede il suo primo calcio mentre la madre incinta stava osservando un dipinto di Leonardo da Vinci nella Galleria degli Uffizi di Firenze. Da parte di madre, invece, ha origini tedesche.
AVVISO SPOILER: Questo articolo contiene importanti spoiler riguardanti la trama, i camei e il finale di Wicked – Parte 2 (qui la nostra recensione), ora nelle sale, così come piccoli spoiler dello spettacolo teatrale “Wicked”.
Il tanto atteso capitolo conclusivo di Wicked è arrivato nei cinema, riunendo il pubblico con Cynthia Erivo nel ruolo di Elphaba e Ariana Grande in quello di Glinda, mentre la storia riprende dopo il loro periodo a Shiz.
E il film contiene una moltitudine di rimandi emozionanti al materiale originale di Broadway, riferimenti a “Part One” e introduce le icone de “Il mago di Oz.” Ecco tutto ciò da cercare mentre ritorni nella Città di Smeraldo.
Logo Universal
In Wicked, il logo della Universal Pictures è stato sostituito da una versione vintage del globo, che richiama quella del 1939 — l’anno in cui uscì “Il mago di Oz.” Questa volta, un tornado è visibile dietro la scritta Universal, un riferimento al ciclone che portò Dorothy a Oz e schiacciò la Strega Cattiva dell’Est.
Scrittura tra le nuvole
In “Il mago di Oz”, la Strega dell’Ovest vola nel cielo sulla sua scopa e utilizza le nuvole per scrivere “Arrenditi Dorothy.” In omaggio a quella scena, Elphaba vola nel cielo scrivendo questa volta “Il nostro mago mente.”
Nuova musica
Parte 2 introduce due nuove canzoni originali — una per ciascuna strega. La nuova canzone di Glinda è “Girl in the Bubble”, mentre Elphaba canta “No Place Like Home.” Il titolo è un chiaro riferimento a Dorothy e a “Il mago di Oz”, dove, nel tentativo di tornare in Kansas, ripeteva “There’s no place like home” mentre batteva tre volte i tacchi delle sue scarpette rosse.
La colonna sonora del compositore John Powell intreccia diversi richiami musicali all’Atto I. C’è una ripresa di “What Is This Feeling?” con testi rivisitati per lodare Glinda e la sua bontà, ed Elphaba interpreta una versione reimmaginata di “The Wizard and I” che riflette la sua delusione verso l’uomo che aveva ammirato. Nel corso del film compaiono ulteriori modifiche musicali, inclusi nuovi versi in “Wonderful” e una versione ampliata della scena che ora include Glinda.
Il vestito di Glinda — che il pubblico vede per la prima volta in “Thank Goodness” — rende omaggio sia al costume di Billie Burke nel “Mago di Oz” sia all’abito finale di Glinda nel musical di Broadway. Il costumista Paul Tazewell ha preso la silhouette di quello del film del 1939, creando un abito ampio in tulle e organza multistrato con cristalli e perline di vetro. Tuttavia, la palette cromatica è ispirata alle tonalità lavanda-blu della Glinda di Broadway. “Era un modo per onorare quell’immagine,” dice Tazewell a Variety.
Vetro infranto
In riferimento a Wicked, il primo segno del ritorno di Elphaba da Glinda è la lieve crepa sul vetro della finestra di quest’ultima — proprio come si frantumò quando litigarono mentre condividevano la stanza al dormitorio. Questa volta, però, la frattura è più controllata, a dimostrazione della maggior padronanza che Elphaba ha acquisito sulla sua magia e del suo imminente arrivo.
Mimetizzazione
In un altro richiamo al primo film, Elphaba evita per un soffio di essere individuata dalle guardie reali mimetizzandosi tra gli alberi. Ricordiamo che — quando incontrò Fiyero per la prima volta — lui scherzò dicendo che quasi non l’aveva notata perché “si confondeva con il fogliame.” In Parte 2, quella battuta ritorna, quando Elphaba elude proprio lui e le sue guardie facendo esattamente questo.
Cavallo blu
Il fidato destriero di Fiyero è un cavallo blu — un evidente rimando al “Cavallo di un Colore Diverso” de “Il mago di Oz.”
Guardando a occidente
Tutti i punti di riferimento di Oz sono stati posizionati strategicamente per guidare il viaggio di Elphaba da est a ovest, secondo il production designer Nathan Crowley. “Deve compiere un viaggio verso ovest, perché deve accettare di diventare la Strega Cattiva dell’Ovest. Deve diventare il villain di cui Oz ha bisogno,” spiega a Variety. Così, il baldacchino dove Elphaba si nasconde guarda a ovest; poi, entro la fine del film, raggiunge il castello di Kiamo Ko, completando il suo arco narrativo verso ovest.
Prefigurazione di Boq
Universal ha suggerito il futuro di Boq già nel materiale promozionale. Il personaggio è incorniciato dal metallo, alludendo alla sua trasformazione nell’Uomo di Latta. E il Munchkin indossa una “M” ricamata sul petto, riempita in modo da formare un cuore — che poi perderà quando un incantesimo andrà storto. Nella sua prima scena in Wicked – Parte 2, vediamo Boq tagliare legna nella stanza di Nessarose, anticipando il suo destino.
Poiché la trasformazione avviene nella residenza di Nessarose, “tutto il metallo nella stanza si attaccò a lui,” spiega Francis Hannon, responsabile del trucco del film. “I manici della brocca diventarono le sue orecchie. Le sue dita erano fatte con le saliere e pepiere.”
Scarpette d’argento
Le iconiche scarpette rosse non appaiono mai nel film. A causa di un problema di copyright con MGM, né il film né il musical di Broadway possono utilizzare i celebri tacchi rossi. I filmmaker sono quindi tornati alle scarpe d’argento descritte originariamente nel libro “Il mago di Oz”, ormai di pubblico dominio. Il trucco adottato: quando Nessarose vola, la direttrice della fotografia Alice Brooks utilizza luci rosse per indicare al pubblico che quelle sono le scarpe amate da tutti. “Diventano sempre più calde, e quel rosso è diventato il nostro rosso più vibrante,” dice Brooks.
Il meraviglioso arcobaleno
Durante il ballo in “Wonderful” (che ora include Glinda), il palazzo del Mago è illuminato da luci arcobaleno come omaggio alla celebre canzone di Judy Garland“Somewhere Over the Rainbow.”
Un volo ispirato a Peter Pan
Mentre il numero “Wonderful” continua, Elphaba e Glinda levitano sopra un diorama di Oz. I filmmaker hanno concepito l’idea del viaggio seduto sulla scopa basandosi su un’idea del regista Jon M. Chu, condivisa poco prima dell’inizio delle riprese a Londra. Chu mostrò foto al team spiegando che voleva che la scena si svolgesse in modo simile alla giostra di Peter Pan a Disneyland.
“Jon voleva costruire un’attrazione, e mancavano tre settimane alle riprese di questa scena. Avevamo Jeff Goldblum solo per quattro settimane per girare entrambi i film,” ricorda Alice Brooks. Chu era irremovibile: voleva un’attrazione che potesse decollare davvero con gli attori a bordo; ma il set era già costruito, quindi il team creò un modello seduto. La scena richiama anche “The Wizard and I”, nota Brooks: “Abbassiamo lentamente la luce rosa mentre prendono il volo e la pelle verde di Elphaba scompare nella luce rosa.”
Richiamo a “Dancing Through Life”
Oltre a volare attorno al palazzo, Glinda ed Elphaba danzano insieme, ricreando il momento emozionante in cui diventarono amiche al ballo dell’Ozdust nel primo film. Ripropongono i loro movimenti caratteristici — un polso sulla fronte e il gesto giocoso “ad ala di pollo” — ricordando al pubblico le origini e la forza del loro legame.
Coperture animali
Nel primo film, i poteri magici di Elphaba esplodono nel cortile dell’Università di Shiz, facendo cadere un ritratto inciso del Mago e rivelando un dipinto di animali, simbolo del passato di Oz. In Wicked – Parte 2, il palazzo del Mago presenta un quadro simile. Spinta dalla scimmia volante Chistery, Elphaba guarda dietro l’opera, scoprendo una stanza segreta con animali veri intrappolati dietro le sbarre.
Diretta dal Mago
In una scena, Elphaba dice a Glinda: “I’m off to see the Wizard,” un riferimento diretto a “Il mago di Oz” e alla Dorothy di Judy Garland, che canta “We’re off to see the wizard.”
Il ritorno di Alice Fearn
All’inizio del film, Glinda ha un flashback di quando era bambina e faceva giochi di magia davanti agli amici. Appaiono i suoi genitori, con Alice Fearn che torna nel ruolo della madre di Glinda. Fearn ha interpretato Elphaba nella produzione londinese di “Wicked.”
Flashback arcobaleno
Abbiamo conosciuto la giovane Elphie in Part One, e ora in Part Two incontriamo la giovane Galinda. La vediamo a una festa, dove prova — senza riuscirci — a eseguire un trucco di magia. Ma quando un arcobaleno (rimando a “Somewhere Over the Rainbow”) appare fuori e i suoi amici le chiedono se lo ha creato lei, risponde con sicurezza di sì.
Scena del matrimonio
Il matrimonio è pieno di Easter egg simbolici. Innanzitutto, il tappeto di farfalle gialle richiama la strada di mattoni gialli. Inoltre, c’è il contrasto tra Elphaba, che si trova sottoterra — rappresentando il suo percorso verso l’oscurità e la malvagità — e Glinda, che è in superficie, celebrata dai suoi pari.
Dopo aver tradito le guardie del Mago e aver permesso a Elphaba di fuggire, Fiyero affronta il suo destino: diventerà lo Spaventapasseri. A uno sguardo attento, gli indizi erano presenti fin dall’inizio — dal poster, che mostra il personaggio circondato da campi di grano, ai dettagli del suo costume.
“Quando lo vedi da dietro, c’è un motivo a tre punte creato con il cordoncino… e quello potrebbe suggerire qualcosa,” dice Tazewell a Variety. Inoltre, il ricamo di paglia sul suo petto anticipa ulteriormente il suo futuro.
Il ritorno dei papaveri rossi
I papaveri giocano un ruolo chiave ne “Il mago di Oz”, con un campo di fiori che fa addormentare Dorothy. I papaveri compaiono anche in Wicked – Parte 2, inclusi sulla veste del Mago e sulla sua scrivania, come omaggio al celebre fiore ipnotico.
Tende a quadretti
Sebbene Dorothy non sia vista direttamente, né abbia dialoghi, appare con il suo iconico vestito blu a quadretti. C’è però un altro sottile riferimento al personaggio: la casa che cade su Nessarose presenta tende a quadretti blu.
Toto al guinzaglio
Quando Dorothy inizia a percorrere la Strada di Mattoni Gialli, Elphaba nota che ha Toto al guinzaglio. Ciò indica che Dorothy sta diventando un agente del Mago e, sebbene non abbia il cane in gabbia, anche lei è un’oppressora.
Scena di combattimento
Durante “What Is This Feeling?” in Wicked, le due streghe si confrontano durante una lezione di combattimento. Le loro abilità tornano utili più avanti, quando si riuniscono per combattere dopo la morte della Strega Cattiva dell’Est.
Dopo che Glinda schiaffeggia Elphaba in seguito al loro scontro, Elphaba emette una risata malvagia — un omaggio alla risata iconica di Margaret Hamilton in “Il mago di Oz.”
Piccole bolle
Così come i futuri di Boq e Fiyero sono cuciti e suggeriti nei loro costumi, anche l’abbigliamento di Glinda riflette il suo percorso. È adornata di cerchi sugli orecchini, sulla corona e sull’abito, tutti a richiamare la bolla che usa per spostarsi.
L’uscita del Mago
Quando il Mago viene finalmente smascherato e lascia Oz per sempre, se ne va nello stesso modo del film originale “Il mago di Oz” — in una mongolfiera.
Finale e arcobaleno
La scena finale a Kiamo Ko richiama la scena iniziale di Wicked, in cui l’acqua versata e il cappello abbandonato segnano le conseguenze dello “scioglimento” della Strega Cattiva. Ma mentre la telecamera si allontana per mostrare la celebrazione della sua morte nella Terra dei Munchkin, compare un ultimo riferimento all’arcobaleno.
Il gran finale
La scena finale di Wicked – Parte 2 differisce da quella del musical di Broadway. Sul palco, Fiyero ed Elphaba se ne vanno insieme. Nel film, invece, si conclude con un flashback a quando Glinda ed Elphaba erano a Shiz; Glinda, con un cappuccio bianco, sussurra qualcosa a Elphaba — un richiamo diretto al poster originale del musical.
Quattro anni dopo l’uscita del primo film nelle sale, Dwayne Johnson ha appena dato una notizia devastante sul sequel di Jungle Cruise (qui la recensione) della Disney. Parlando della possibilità che un sequel venga realizzato, l’attore ha affermato: “Non credo. Penso che quando la Disney è passata sotto una nuova leadership, abbia semplicemente cambiato rotta a causa del COVID. Il COVID ha cambiato il nostro business in molti modi. Penso che abbiano guardato quella proprietà e abbiano pensato: l’abbiamo fatto una volta, non siamo sicuri di doverlo rifare. Nonostante la nostra chimica fosse ottima”.
Johnson si riferisce al fatto che Bob Chapek era l’amministratore delegato al momento dell’uscita di Jungle Cruise nelle sale, ma poi Bob Iger è stato reintegrato per correggere la rotta dell’azienda prima di cederla a un nuovo successore. La pandemia di COVID-19 ha poi giocato un ruolo importante nell’uscita del film. Dopo essere stato programmato per luglio 2020, la pandemia ha costretto la Disney a ritardare il film fino a luglio 2021. L’avvertenza è che il film d’avventura è stato distribuito su Disney+ con Premier Access contemporaneamente all’uscita nelle sale.
La funzione Premiere Access, che comportava un costo aggiuntivo rispetto all’abbonamento a Disney+, è stata aggiunta al servizio di streaming quando la Disney non è stata in grado di distribuire i film nelle sale a causa della pandemia. Emily Blunt – co-protagonista in insieme a Johnson – ha aggiunto che lei e il collega hanno accettato il fatto che la Disney alla fine non voglia realizzare Jungle Cruise 2, nonostante la loro grande intesa sullo schermo. “Va bene così”, ha semplicemente detto.
La notizia è però deludente, perché nonostante gli spettatori avessero la possibilità di guardarlo a casa, Jungle Cruise è comunque riuscito a incassare 220,9 milioni di dollari al botteghino. Il film è stato ben accolto dal pubblico grazie a un punteggio del 92% su Rotten Tomatoes, ma i critici non sono stati altrettanto ricettivi, il che ha portato il film di Johnson e Blunt a ricevere un punteggio del 62%. Nonostante abbia dovuto superare vari ostacoli come la pandemia, sembrava inevitabile che il sequel sarebbe stato approvato.
Johnson, produttore del film, e Blunt avrebbero firmato per Jungle Cruise 2, con Jaume Collet-Serra come regista e Michael Green come sceneggiatore. Non più tardi dell’autunno 2022, era infatti stato rivelato che Green stava già lavorando alla sceneggiatura. Ora, tuttavia, i piani sembrano essere cambiati. È possibile che la Disney non potesse garantire che Jungle Cruise 2 sarebbe stato un successo al botteghino a causa delle circostanze legate alla pandemia del primo film. Indipendentemente da ciò che ha portato alla decisione della Disney, il sequel sembra quindi essere morto.
Ci sono state molte novità questo novembre su Game of Thrones e i suoi spin-off, uno dei quali potrebbe alleviare un dolore persistente che la serie fantasy genera in una buona parte dei suoi spettatori. Negli ultimi due giorni, abbiamo avuto annunci su A Knight of the Seven Kingdoms e House of the Dragon, e gli appassionati di fantasy se la passano bene.
Entrambe le serie prequel sono state rinnovate fino al 2028. È un buon segno per AKOTSK e una ricompensa attesa per HOTD. House of the Dragon è stata determinante nella ricostruzione del marchio Game of Thrones dopo un finale non proprio ideale. Ora, Game of Thrones potrebbe avere la possibilità di riscattarsi con una serie sequel. HBO sta sviluppando sequel di Game of Thrones.
Martin ha detto questo durante un panel, in risposta a una domanda su quali nuove serie siano in fase di sviluppo. L’autore fantasy ha menzionato House of the Dragon, A Knight of the Seven Kingdoms e l’imminente serie prequel “Aegon il Conquistatore“, ma non ha fornito indicazioni su cosa tratterà la serie sequel.
I sequel di Game of Thrones sono l’unico modo per sistemare l’ottava stagione
I problemi con Game of Thrones sono iniziati con la quinta stagione, ma l’ottava è stata un tale calo nella percezione del pubblico che ha oscurato tutte le incongruenze e le difficoltà incontrate dallo show prima di allora.
Uno dei più grandi problemi con l’ottava stagione è stato quanto sembrasse frettolosa. Tuttavia, questo punto potrebbe essere facilmente risolto da una serie sequel. Forse potremmo vedere di più Bran come re, Jon che vive oltre la Barriera, Arya che va a ovest di Westeros o Sansa che guida il Nord come Regina.
Ci siamo precipitati alla fine di Game of Thrones nell’ottava stagione e le trame troncate hanno danneggiato tutti. Perché Bronn era Maestro del Conio? Perché le Isole di Ferro non hanno ottenuto l’indipendenza insieme al Nord? Perché Jon deve essere esiliato quando gli Immacolati hanno comunque lasciato Westeros?
Una serie sequel potrebbe dare a queste trame la possibilità di respirare e spiegarsi. Forse una guerra con le Isole di Ferro è imminente. Forse Jon può mostrare più chiaramente perché voleva tornare al Nord. Forse le dinamiche politiche ad Approdo del Re possono mostrare perché un mercenario dovrebbe avere lo stesso diritto di governare di un principe.
Ci sono molte direzioni che la serie potrebbe prendere e che aiuterebbero a correggere i finali traballanti che l’ottava stagione di Game of Thrones ha dato ai suoi personaggi. Che si tratti di un sequel ambientato subito dopo Game of Thrones o anni nel futuro, contribuiranno notevolmente a togliere l’amaro in bocca alla gente.
HBO non rifarà mai l’ottava stagione di Game of Thrones
Una cosa che probabilmente non accadrà mai è che HBO rifaccia Game of Thrones. Chiunque speri in un remake dell’ottava stagione può mettersi in fila con chi pensa che The Winds of Winter e A Dream of Spring siano dietro l’angolo. Almeno non accadrà per molti anni.
Probabilmente si pensava che Harry Potter non avrebbe avuto una grande possibilità di ricevere un adattamento dopo il successo del franchise cinematografico, ma ora Harry Potter è in arrivo su HBO Max. Quindi mai dire mai.
La star di Harry Potter, Oliver Phelps, ha raccontato come ha presentato la serie fantasy a sua figlia, raccontando anche la reazione della bimba nel vedere suo padre sullo schermo. Phelps e il fratello gemello James Phelps hanno debuttato come attori nel primissimo film di Harry Potter nel 2001.
Sono poi apparsi nel resto della serie nei panni di George e Fred Weasley e sono rimasti coinvolti nel franchise attraverso i parchi a tema e un programma competitivo su Food Network. Oliver Phelps ha due figlie con la moglie Katy Humphage, che ha sposato nel 2015. Autumn ed Emilia hanno ora l’età in cui scoprono Harry Potter per la prima volta, e l’attore ha rivelato a People come ha reagito la figlia più piccola nel vederlo interpretare George.
Lui e la sua famiglia hanno visitato Universal Orlando, dove si trova il parco a tema originale di Harry Potter. I membri del cast hanno girato nuove scene nei panni dei loro personaggi per alcune delle giostre e attrazioni. Quando Phelps e la sua famiglia viaggiavano sull’Hogwarts Express, a un certo punto i personaggi arrivavano a bordo di scope, e la figlia più piccola guardava avanti e indietro verso di lui e lo schermo. Gli faceva domande come: “Papà, perché sei lì?” e “Perché hai i capelli di quel colore?”.
Credit HBO / Everett Collection via Variety
La figlia maggiore di Phelps, che ha 8 anni, conosce molto bene Harry Potter perché i suoi amici sono fan. L’attore non vuole costringerla a diventare anche lei una fan. Piuttosto, “Voglio che lo scopra da sola“.
A dire il vero, la mia figlia maggiore ha 8 anni e, ovviamente, conosce Potter. Sa di cosa si tratta perché molti dei suoi amici a scuola ne sono appassionati. Ma non gliel’ho mai insistito. Voglio che lo scopra da sola.
Siamo saliti sul treno Hogwarts Express e [la mia figlia più piccola] era seduta accanto a me quando siamo arrivati a bordo di scope volanti. È rimasta lì a guardarmi, poi ha guardato lo schermo e ha detto: “Papà, perché sei lì?”. Ci vorrà un po’ prima che capisca. Mi ha detto: “Perché hai i capelli di quel colore?”.
Essere padre significa che Phelps può riscoprire Harry Potter attraverso una nuova prospettiva, cosa che adora, anche se fa fatica a guardare i primi film a causa della sua voce acuta. “Non posso nemmeno fingere di avere una voce profonda da bambino”, ha scherzato, aggiungendo che è difficile sfuggire a Harry Potter e la Pietra Filosofale perché va in onda in TV durante le vacanze ogni anno, “quindi tutti lo sentono sempre”.
Probabilmente sembrerà sciocco, ma la prima volta che vedi i Weasley al Binario Nove e Tre Quarti. Era la prima volta che si conoscevano i personaggi, ed era la prima volta che partecipavo a un film. Odio guardarlo perché ho la voce troppo acuta. Non posso nemmeno fingere di averla avuta da bambino, e poi c’è ogni Natale, quindi tutti la sentono sempre.
Sebbene la maggior parte del cast di Harry Potter non sia più molto coinvolto nel franchise, a parte la reunion per Harry Potter 20th Anniversary: Return to Hogwarts, i gemelli Phelps sono rimasti fedeli alla serie che li ha resi famosi. Appaiono regolarmente alle grandi inaugurazioni, anche per i parchi a tema e la Mostra di Harry Potter.
Sia Oliver che James Phelps attualmente presentano Harry Potter: Wizards of Baking, una serie di gare su Food Network in cui i concorrenti creano elaborati dessert a tema. Le squadre vengono eliminate ogni settimana fino a quando una sola coppia vince, come deciso dai giudici Carla Hall e Jozef Youssef. Ogni tanto, si uniscono a loro altri ex attori di Harry Potter come Bonnie Wright (Ginny Weasley) ed Evanna Lynch (Luna Lovegood).
Fuchs, che originariamente aveva collaborato con i suoi colleghi come co-produttore e revisore della sceneggiatura di 
Pennywise costringe le sue vittime a rivivere i loro incubi peggiori prima di consumarle. Hallorann viene quindi travolto da una visione che fonde il trauma della sua infanzia con la paura di perdere il controllo dei propri poteri di shining. In questa visione affronta il nonno, deciso ad aprire la sua misteriosa “scatola”, mentre la nonna lo implora di resistere. Il contenuto non viene mai mostrato chiaramente, ma l’episodio suggerisce che dentro vi sia un’energia maligna.
Già nell’episodio 1, Pennywise aveva ingannato Phil e gli altri mostrando loro un’illusione malefica di Matty, spingendoli così dritti nella sua tana. L’episodio 5 ripete lo schema: Pennywise induce Lilly a credere che Matty sia sopravvissuto e che Phil sia ancora salvabile. Sapendo che Lilly sarebbe corsa in aiuto, il mostro proietta un’immagine di Matty per intrappolarla.
Il generale Shaw ha scelto Leroy per l’Operazione Precept a Derry perché conosceva il suo coraggio e soprattutto la sua incapacità di provare paura, l’unica emozione su cui Pennywise può nutrirsi. Anche nell’episodio 5, nonostante le visioni evocate dal mostro, Leroy mantiene un certo controllo.
Prefigurazione di Boq
Richiamo a “Dancing Through Life”
Una serie sequel potrebbe dare a queste trame la possibilità di respirare e spiegarsi. Forse una guerra con le Isole di Ferro è imminente. Forse Jon può mostrare più chiaramente perché voleva tornare al Nord. Forse le dinamiche politiche ad Approdo del Re possono mostrare perché un mercenario dovrebbe avere lo stesso diritto di governare di un principe.
