Marcello Mastroianni è stato uno dei pilastri portanti del cinema italiano. Divo indiscusso di quei tempi, in particolare i Sessanta, che ancora oggi si ricordano con nostalgia; figura di cui si scrivono tutt’ora fitte pagine per i manuali di cinema; attore feticcio e alter ego di Federico Fellini, il cui sodalizio artistico ha donato alla Settima Arte alcuni dei migliori capolavori, consacrandone il mito. Charme, eleganza, ironia, versatilità racchiusi in un uomo che la Storia (cinematografica), in fondo, non ha smesso mai di omaggiare. E un omaggio è anche il seme da cui germoglia la nuova fatica di Christophe Honoré, Marcello mio, in Concorso a Cannes 77, in arrivo per il centenario della sua nascita.

Si sarebbe potuto optare per un canonico documentario, o il più classico dei biopic, eppure il regista ha voluto compiere un lavoro diverso: far diventare la figlia, Chiara Mastroianni, suo padre. Solo così il ritorno di Marcello al cinema sarebbe stato magico e palpabile. Non poteva esserci un modo più toccante, diremmo anche originale, per celebrarlo adeguatamente, se non farlo rivivere attraverso chi custodisce una parte di lui. Chi lo ha vissuto da vicino, intimamente, e ne ha carpito ogni singola sfumatura, gesto, sguardo, persino respiro. Un compito che, forse, se lo avesse affidato a qualcun’altro, a un attore che avrebbe dovuto affrontare ore di studio per rappresentarlo nel migliore dei modi, non avrebbe sortito lo stesso effetto.

Non che questa scelta non costituisse comunque un rischio o un azzardo, e l’operazione se vogliamo è ancor più delicata e complessa, ma il sentimento alla base è chiaro aver avuto radici molto profonde per discostarsene e virare verso acque più sicure. Marcello mio è un’opera di natura molteplice: celebrativa senza dubbio, singolare negli intenti, a tratti fantasiosa nella messa in scena. E funziona bene nei primi due atti, perdendo l’orizzonte solo verso la fine. Scritta dallo stesso Honoré, arriva nelle sale italiane dal 23 maggio, subito dopo il passaggio al Festival, distribuito da Lucky Red.

La trama di Marcello mio

Parigi. Chiara Mastroianni è alle prese con alcuni provini, in particolare uno con la regista Nicole Garcia. Poco prima di incontrarla, l’attrice ha visto la madre, Catherine Deneuve, alla quale ha confidato di aver sognato il padre, Marcello, e di essersi sentita lui per un momento. Ripresasi da quell’esperienza che tanto le sembrava reale, si reca dalla regista per dare inizio alla sua prova che la vede recitare alcune battute con Fabrice Luchini, suo partnern nel film, quando all’improvviso la donna, pur inizialmente esitando, le fa una richiesta specifica per farla entrare di più nel ruolo: deve essere più Mastroianni che Deneuve. In sintesi: più il padre che la madre. Più italiana che francese.

Per lei quello è un segno del destino, che però si traduce in una crisi: chi è? Cosa sta succedendo alla sua vita? Perché gli altri non la vedono semplicemente come Chiara? Poi l’idea, il “colpo di genio”: trasformarsi nel padre, facendosi chiamare come lui da tutti. Un qualcosa che, più avanti, dirà “renderla felice” perché a Chiara Mastroianni quel padre manca molto. La transizione le permetterà di portare in scena non solo alcune scene simbolo dei film del divo italiano, ma proprio alcuni dei più bei suoi personaggi. Cercando sé stessa, l’attrice creerà un nuovo contatto con il padre, suscitando da una parte la perplessità di alcuni membri della sua famiglia, dall’altra la gioia di chi invece non aspettava altro che poter lavorare e incontrare per la prima volta il grande attore.

Marcello… come here!

Christophe Honoré e Chiara Mastroianni, con Marcello mio, tornano a lavorare insieme per la settima volta, cinque anni dopo l’acclamato L’hotel degli amori smarriti, presentato proprio a Cannes nella sezione Un Certain Regard, dove lei vinse come miglior attrice. Un rapporto dunque consolidato, che mai come in questo progetto era fondamentale avere per poter condurre l’attrice dentro alcune delle memorie artistiche e umane del padre, in un percorso fatto anche di suggestioni e immagini vibranti, avvolte da un’atmosfera dolcemente malinconica. Chiara, che ha raccolto la considerevole eredità artistica di Marcello, qui lo riporta in vita, dimostrando plasticamente come quest’arte riesca a rendere immortale chi la attraversa. Mastroianni è ricordo, ma anche presenza concreta, veicolata tramite la figlia. Prova tangibile che nel cinema non si smette mai di esistere, si cambia semplicemente forma.

È impressionante constatare l’estrema somiglianza fra i due, già evidente senza il lavoro di trucco e parrucco svolto sull’attrice, tanto che quando assume ufficialmente la sua identità, sembra di avere realmente di fronte Marcello. Indossando il completo nero con la camicia bianca, il cappello e gli occhiali massicci, Chiara riesce a evocare non solo l’attore ma anche i personaggi iconici di cui ha vestito i panni. Da Guido Anselmi in Otto e mezzo, a Marcello Rubini in La dolce vita, passando per Ferdinando Cefalù in Divorzio all’italiana, arrivando a Giovanni Pontano in La notte. E potremmo continuare.

Un omaggio tanto a Mastroianni quanto ai film che lo hanno reso eterno, in particolare rievocati in alcune memorabili scene. Chiara vaga per le strade di Parigi e richiama la camminata dei protagonisti-simbolo delle opere più famose di Fellini, fa il bagno nella Fontana di Trevi e imita le spallucce del padre nella scena finale de La dolce vita. L’attrice si muove con disinvoltura, portando in scena la gestualità e le espressioni del padre, innate e tramandate, con così tanta naturalezza da risultare convincente. Ed è proprio in quell’istante che, come Chiara fa con la sua famiglia, altrettanto fa Honoré con il suo pubblico: chiede – almeno in parte – di credere in quel surreale viaggio e in ciò che viene mostrato, senza esitare. Dove i confini tra realtà e finzione si dissolvono, e non rimane che lasciarsi condurre nella danza.

Di padri, di figlie…

Fra sogno e realtà, in cui si amalgamano parentesi comiche e altre di commozione, Marcello mio passa dalla dimensione prettamente celebrativa della carriera dell’attore a quella più intima e familiare, più lontana dai riflettori, mettendo in luce la connessione che c’è fra un padre e una figlia e la ritrovata identità di quest’ultima attraverso la figura paterna. La crisi di Chiara, che innesca la ricerca del suo posto nel mondo, non può non passare dal confronto con i genitori, in tal caso con Marcello. Non sono in fondo loro, il nostro riflesso, a indicarci sempre la strada? A guidarci per ritrovare noi stessi, sentendoci in contemporanea ancor più vicini? Chiara cerca il padre perché non riesce a capire più chi è: una condizione che le fa sentire da una parte il peso d’essere figlia d’arte, dall’altra la mancanza di una figura andata via precocemente, creando un cortocircuito che la condurrà alla rinascita.

Nel momento cruciale in cui Chiara si immerge nel ruolo del padre, riesce a percepirlo profondamente, come se Marcello fosse davvero presente accanto a lei. Lo sente, lo commemora, ne rievoca il legame e lo ritrova. Vestendo i panni di Marcello e giocando con l’idea di uno scambio d’identità, Chiara dialoga con lui, riunendosi infine con quella parte di sé che aveva perduto, ma anche con il padre stesso. Questa ritrovata consapevolezza suscita emozione nelle battute finali, anche se non si può fare a meno di notare che l’epilogo, per quanto visivamente bello, arrivi in modo un po’ improvviso, generando un leggero disorientamento. E questa, nell’economia del racconto, non è l’unica incrinatura.

…e di scelte non sempre all’altezza

Nonostante Marcello mio risulti piacevole nel suo complesso, non è infatti esente da difetti. In primo luogo il fim soffre di un’eccessiva lunghezza, specialmente a causa di scene troppo dilatate, che avrebbero potuto essere eliminate per alleggerirlo. Come dicevamo in apertura, i primi due atti funzionano bene, al netto di quelle (per fortuna) poche scene in cui i personaggi cantano, come mostrato anche dal trailer, che spezzano la fluidità della narrazione, non essendo ben integrate con il resto. Tuttavia è il terzo atto a raccogliere i maggiori problemi del film, con dei passaggi – verso il finale – che stridono parecchio. In particolare, a far storcere il naso, è la scena in cui Chiara/Marcello è ospite di un programma televisivo pomeridiano su Rai 1, che risulta essere fuori contesto, oltre a contenere delle recitazioni altamente posticce, persino da Stefania Sandrelli.

Si tratta di un’idea sbagliata alla base, poco coerente con l’atmosfera quasi onirica dell’opera, che smorza la magia fino a quel momento costruita con cura. Se ci si fosse invece limitati a questo aspetto, evitando di tirare troppo la corda con altre incursioni narrative ingiustificate e compiendo magari dei tagli nel montaggio, il film avrebbe guadagnato in coerenza e solidità. Nonostante queste criticità, Marcello mio rimane comunque un lavoro da apprezzare. Pur inciampando in qualche scelta narrativa poco lucida e fuori tono, con non sempre una sceneggiatura equilibrata, ha un cuore grande, che porta il nome di Chiara e Marcello Mastroianni.

Quando si è piccoli, coloro che appartengono alla nostra cerchia di amici sono figure, fatte di volti e sorrisi, che si calcificano per sempre nel nostro cuore. Stringiamo con loro un patto: qualsiasi cosa accada nella vita futura, nessuno potrà sciogliere questo legame. Se sei in un contesto di piccolo borgo, l’amico è la via di fuga dalla statica quotidianità, quel porto sicuro, quella bolla, in cui piace andare a rifugiarsi, oppure fare un po’ di baldoria. Sono rapporti principalmente definiti dal contesto in cui si è calati, in cui più delle volte si crea una subordinazione.

Al suo esordio dietro la macchina da presa, Jean-Baptiste Durand, con Chien de la Casse, porta in scena un’amicizia scolpita dal destino, in cui i protagonisti non hanno instaurato un legame paritario, ma si trovano piuttosto in una strana e ingombrante gerarchia del potere, con uno sottomesso all’altro. Pur volendosi bene. Enormemente bene. Chien de la Casse, grazie alle sue tematiche delicate, evocate e narrate quasi come fossero una dolceamara poesia, si è guadagnato ben 7 nomination ai César 2024, vincendo nella categoria Miglior opera prima e Miglior attore esordiente per Raphaël Quenard, vera rivelazione nel panorama francese, qui ad una interpretazione intensa e forte tanto quanto quella di Yannick. Il film arriva nelle sale dal 23 maggio distribuito, in lingua originale, da No. Mad Entertainment.

Chien de la Casse, la trama

Dog e Mirales sono due amici d’infanzia inseparabili che vivono nel piccolo villaggio del Sud della Francia chiamato Le Pouget. Le loro giornate si svolgono quasi sempre allo stesso modo: si incontrano per passeggiare tra le vie del borgo e, come un rito consolidato, si ritrovano con gli altri amici nella piazza centrale. Il loro legame, tuttavia, si basa su un equilibrio piuttosto particolare: Mirales sembra essere il più forte dei due e spesso si permette di prendere in giro Dog, che è più riservato e sensibile. Nonostante sembri che ci sia un dinamica dominante/dominato, in realtà l’amicizia tra loro è molto più profonda di quanto appaia. Gli sguardi tra di loro rivelano tutto l’affetto che provano, superando le apparenti differenze e i giochi di ruolo esterni.

Legami indissolubili, desideri da realizzare

Dicevamo in apertura che per Chien de la Casse è stata optata una distribuzione in lingua originale sottotitolata. Al netto della considerazione per la quale – a nostro avviso – ogni opera dovrebbe mantenere intatti i suoi suoni e le sue intonazioni vocali, senza essere sovrascritta da un doppiaggio, per quanto eccellente possa essere, l’ascolto e il coinvolgimento con le voci originali degli attori coinvolti conferiscono all’opera una rara autenticità. È attraverso i loro discorsi, rapidi, a tratti interrotti e talvolta incomprensibili, con la loro variazione tonale e il marcato accento del Sud, che infatti si delineano e emergono le sfumature dei personaggi di Mirales e Dog.

Tutto si origina dai dialoghi, dal modo in cui esprimono pensieri, frustrazioni e sogni in questo microcosmo di esistenze ancora in evoluzione, che definisce la loro identità e chiarisce le regole della loro amicizia. Il primo è il gradasso fra i due, ed è quello in posizione imperante; il secondo è colui che, nel suo quasi immobilismo, subisce in silenzio. Un’amicizia che sembra più una relazione che si instaura fra il cane e il suo padrone, con il titolo, che tradotto significa “cane dello sfascio”, che ne disegna in modo cristallino la metafora, dove alla base obbedienza ed esecuzione degli ordini sono il motore principale, ma anche unico, per andare avanti. Poiché ne sono assuefatti. Forse perché, in fin dei conti, non conoscono altri modi per dimostrarsi affetto.

Vivere a Le Pouget

L’ambiente rurale in cui si muovono nella loro ordinarietà è la causa primaria della loro situazione: Le Pouget è un paese sonnolento, in cui il tempo sembra essersi fermato e le giornate sono scandite dalle poche e sole abitudini ripetitive in cui loro sono imprigionati e sospesi. Questo ciclo monotono ha provocato due reazioni opposte: il desiderio di sognare e di vivere di Mirales, che vuole infondere, pur in modo irruento, all’amico, nel tentativo di farlo reagire, e l’accettazione passiva di Dog, che si è adattato al silenzio e all’immobilità, cercando di mantenere integro lo status quo.

Ed è qui, con una regia spesso statica ma a fuoco, che mira al più concreto realismo, che il regista di Chien de la Casse vuole fotografare un vissuto ancora presente anche nei suoi ricordi, essendo stato lui stesso incastonato in un borgo di campagna. Dove molti giovani riempiono un tempo che in realtà dovrebbero mordere, e dove nascono legami ambigui, paradossali, ma che nonostante la loro indecifrabilità nascondono un amore puro e incontaminato, diverso sì, ma buono, perché sono relazioni di una vita, che aiutano comunque a crescere, a formarsi, fatte di fiducia reciproca poiché coltivate negli anni. E che ad oggi, per come stanno le cose, è difficile trovare.