Il celebre regista Paco Plaza – seguendo l’enorme successo delle saghe di The Conjuring e The Nun – realizza Sorella Morte (titolo originale: Hermana Muerte), il nuovo inquietante catholic horror disponibile dal 27 ottobre su Netflix. Prequel del suo Veronica del 2017, il film approfondisce l’ambigua e angosciante storia che si cela dietro lo strano personaggio di Sorella Narcisa, o meglio conosciuta come Sorella Morte.

Sorella Morte è scritto da Jorge Guerricaechevarria (Il giorno della bestia, Hasta el cielo) e interpretato dalla talentuosa giovane attrice e modella spagnola Aria Bedmar (In Silenzio).

Trama Sorella Morte

Nella Spagna postbellica degli anni Quaranta, una speciale bambina – dotata di poteri extrasensoriali – diviene famosa in tutto il Paese come la “niña santa” dopo aver visto la Vergine Madre. Dieci anni dopo, la bambina diventata una giovane novizia dal nome Sorella Narcisa, raggiunge un ex convento, trasformato dopo la guerra in un collegio femminile, in cui si accinge a prendere i voti perpetui mentre insegna lingue e scienze al posto della scomparsa Sorella Inès. Ma orribili e oscuri segreti circondano la scuola e si manifestano alla giovane come fenomeni inquietanti: sedie che cadono, strani disegni sui muri e incubi indicibili. Giorno dopo giorno, gli speciali poteri di Narcisa riemergono mostrandole l’orribile e atroce verità nascosta tra quelle mura.

L’inquietudine di una religione oscura

Poche cose al mondo fanno terrore tanto quanto la storia e l’iconografia della religione cattolica declinata in chiave horror e demoniaca. E questo Plaza – co-regista di uno dei più grandi franchising horror soprannaturali sugli zombi, la saga REC – lo sa bene e sceglie questa volta di sperimentarlo. Senza troppa fatica, Sorella Morte trascina sullo schermo gran parte delle contraddizioni e delle ipocrisie religiose, dando vita a circa 90 minuti di ansia, angoscia, disagio e paranoia.

Per rendere più semplice e lineare la narrazione, Plaza si avvale di una struttura episodica e suddivide il film in tre capitoli intitolati “La bambina santa”, “Se scrive il tuo nome, sei maledetta” e “La Sorella Soccorro”. Nonostante i continui jumpscare e la profonda tensione psicologica, la storia procede per gran parte del film con un ritmo lento e teso che incalza con violenza solo nell’ultima parte.

Regia e fotografia cooperano nel costruire una tetra e inquietante atmosfera retta da un intenso simbolismo, religioso e non: riti, preghiere e agiografie miscelate, come se non bastasse, anche a un agghiacciante e suggestivo gioco di mani e sguardi. Gli occhi, in particolar modo, sono elevati da Plaza a elemento chiave per la comprensione della misteriosa Sorella Morte in Veronica: quegli stessi occhi che all’inizio del film sono in grado di ammirare l’impossibile finiscono poi per diventar ciechi, forse peccatori di aver visto fin troppo. Inoltre, tanti sono i punti di riflessione che Plaza e Guerricaechevarria seminano in questa pellicola, come per esempio: il complesso e doloroso momento storico della guerra civile spagnola, la dolorosa omertà di cui spesso sono intrise le mura dei luoghi di culto, le tremende antinomie che affliggono la religione.

Una favola orrorifica di vendetta e (probabile) redenzione

Paco Plaza è, senz’altro per molti, un grande maestro dell’horror spagnolo. E ciò lo riconferma Sorella Morte, un prequel esaustivo, incisivo e solido che non mira tanto a spaventare, quanto piuttosto ad agitare e turbare fortemente. Rappresentando una favola orrorifica di sanguinosa e “sacra” vendetta, il cineasta valenziano gioca con i sentimenti più bui del pubblico che, in alcuni momenti, finisce anche per immedesimarsi nella protagonista. Il pubblico cade vorticosamente, così, nel riflesso di Narcisa, sprofondando in un drammatico mare di dolore, dubbi e collera.

Al di là dell’eccessiva lentezza iniziale e di qualche stonatura narrativa, la pellicola di Plaza colpisce nel segno, catturando lo sguardo attento dello spettatore e regalandogli un’ora e mezza di tormentata irrequietezza.

 

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Beffarda, divertente, pungente, elementare e prevedibile. Approdata lo scorso 20 ottobre su Netflix, Old Dads segna l’esordio alla regia del celebre comico e attore statunitense Bill Burr, conosciuto al pubblico tudum soprattutto per i suoi stand-up comedy. Burr – che ha lavorato alla sceneggiatura per circa due anni insieme all’amico Ben Tishler – ha raccontato di essersi ispirato ad un momento cruciale della sua vita: quando nel 2017, all’età di cinquant’anni circa, è diventato padre per la prima volta.

Trama Old Dads

Jack Kelly (Bill Burr), Connor Brody (Bobby Cannavale) e Mike Richards (Bokeem Woodbine) sono tre migliori amici che hanno in comune gli affari e il fatto di essere dei “neopapà” alla soglia dei cinquant’anni. Jack ha problemi a gestire la sua profonda collera; Connor è succube e spaventato dalla sua fredda e severa moglie; e Mike – che non aspettava altro che godersi i frutti del suo duro lavoro – si sente perso quando scopre che la giovane compagna è incinta. Ma le loro vite iniziano ancor più a complicarsi quando, dopo aver venduto a malincuore l’azienda di abbigliamento vintage che hanno fondato, si ritrovano a dover affrontare un’improvvisa crisi lavorativa e familiare. Una serie di sfortunati eventi li porterà una sera in un casinò di Palm Desert in cui – tra glitter, strippers e alcol – recupereranno il coraggio e la determinazione per rimettere le cose a posto.

Tra politically incorrect e realtà da capogiro

Burr traduce tanto di sé in questa commedia che, con una gran bella dose di sarcasmo e cliché, cerca di raccontare le profonde difficoltà e contraddizioni di una società che cambia troppo velocemente. Old Dads dà, dunque, voce alla generazione X e ai suoi maldestri tentativi di sopravvivere in un mondo che non riescono più a comprendere e accettare. Un mondo ipersensibile e contraddittorio dove il confine tra ciò che è giusto e sbagliato diviene sempre più labile e incoerente. È così che la scomoda e brutale comicità di Burr diviene espressione di un “politically incorrect” che – senza alcuna reale intenzione di ferire – tenta di testarne i limiti e sollecitare alla riflessione.

«Jack Kelly è fondamentalmente una versione potenziata di tutto il buono, il brutto e il cattivo che c’è in me. Guardando il film ci sarà una parte di pubblico a cui piacerà il mio personaggio, mentre un’altra penserà che Jack sia un idiota che ha bisogno di aiuto. Ma nonostante tutto, Jack è semplicemente un essere umano. Rappresenta quella parte di me che ogni giorno, in modo testardo e stupido, cerca di essere la miglior persona possibile» – ha spiegato Burr della sua interpretazione.

In questa lotta generazionale e al politicamente corretto predomina il tema della genitorialità, declinato in particolar modo nell’esperienza della paternità. Old Dads racconta con ironia e comicità le sfide di crescere ed educare un figlio al giorno d’oggi. Genitori cresciuti negli anni ’60-’70, in un’epoca più semplice, temperata e lenta, si ritrovano ora a dover preparare i figli per un mondo in continua e delirante evoluzione che persino loro stessi non hanno ancora compreso del tutto. Jack, Connor e Mike incarnano, in modo tenero e bizzarro, quel “principio della paternità” per cui ogni padre fa del suo meglio per preparare i propri figli al mondo.

Tanto odiata dalla critica quanto amata dal pubblico

Pur essendo arrivata in testa alla classifica della Top10 Netflix, conquistando anche il pubblico oltreoceano, l’opera prima di Bill Burr non ha riscosso lo stesso successo tra la critica americana, raggiungendo ad oggi su Rotten Tomatoes un infelice 26% di voto positivo.

Senza troppe pretese né aspettative, Old Dads intrattiene e diverte il pubblico a tal punto da far scivolare in secondo luogo le evidenti pecche, come: la poca caratterizzazione dei personaggi secondari, una trama priva di acme e grande emozione, una sceneggiatura confusa che osa troppo poco per essere memorabile.

Sì, Old Dads è l’ennesima commedia irriverente sulla genitorialità che poteva essere molto più emblematica e incisiva. Ma, se la si valuta come il “primo esperimento cinematografico” di Bill Burr, risulta semplice accettarla e apprezzarla, pregi e difetti annessi.

 

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Aggirarsi per le strade di una dormiente e ricca Parigi; saltare da un tetto all’altro come un felino; trovare il giusto ingranaggio per irrompere in uno dei musei più importanti d’Europa rimanendo invisibili. Una descrizione che nella storia della criminalità riconduce a Vjeran Tomic, non un ladro gentiluomo come Lupin, ma di certo uno di quelli astuti e intelligenti, che verrà per sempre ricordato come colui che ha messo a punto il “furto del secolo”. Qualcuno lo ha soprannominato Spider-Man e il nuovo documentario targato Netflix diretto da Jamie Roberts, Vjeran Tomic – Lo Spider-Man di Parigi ci dimostra subito il perché: un uomo che riesce a scalare gli alti palazzi della città francese con agilità – e soprattutto facilità – senza accusare la minima fatica non può che lasciare perplessi, increduli e pure piacevolmente meravigliati.

Quasi come se fosse davvero un ragno, una creatura bizzarra, quasi chimerica. Questo ladro è riuscito nel 2010 a rubare ben cinque quadri di valore nel Museo d’Arte Moderna di Parigi, fra cui un Picasso e un Modigliani, ad oggi ancora dispersi. Come ha fatto lo spiega lui stesso nel docufilm, una storia di strategia e ingegno, che lascia tanto basiti quanto colpiti da un personaggio che, nel sentirlo parlare, si ammanta di quel fascino malandrino ma al tempo stesso quasi buono che diventa difficile non simpatizzare per lui. Pur, attenzione, condannando tutte le sue azioni illecite. Dalla prima all’ultima.

Vjeran Tomic – Lo Spider-Man di Parigi: dentro la storia del ladro

È il 2010 quando al Museo d’Arte Moderna di Parigi la Polizia scopre essere stati rubati cinque quadri dal valore inestimabile. Un vero atto di violenza, una violazione del patrimonio artistico di tutta l’Europa. Le telecamere interne del Museo hanno rilevato la presenza di qualcuno, incappucciato e mascherato, per cui è impossibile capire chi sia. Addirittura è complicato distinguerne il sesso. Quell’uomo non è altro che Vjeran Tomic, soprannonimanto Spider-Man per la sua capacità di arrampicarsi sui palazzi di Parigi e saltare da un tetto all’altro. Sono acrobazie, le sue. Abilità che non si incontrano molto spesso. Da quel furto, considerato un vero e proprio colpo grosso, si ripercorre tutta la vita dell’uomo: la sua vita in Bosnia, il suo periodo con i nonni, la malattia della madre e le prime rapine quando era piccolo. Un’esistenza passata a rubare, in particolare ai ricchi, diventata come lui stesso ammette un’ossessione. Una dipendenza. La storia di Tomic è fatta di difficoltà ad adattarsi, di famiglia disfunzionale, passato burrascoso, ma anche di compiacimento verso le sue azioni che lui stesso spettacolarizza, e che nel profondo però nascondono solo il bisogno di essere apprezzato e considerato.

Dal punto di vista di Tomic

Il racconto dell’accaduto in Vjeran Tomic – Lo Spider-Man di Parigi è dei più peculiari: a narrare, come fosse uno dei più grandi Maestri dell’imbroglio, è lo stesso Tomic. Che davanti alla macchina da presa, la quale cattura ogni sua percettibile sfumatura espressiva, si sente a proprio agio, soddisfatto dello spettacolare furto commesso mentre rivela i suoi “trucchi del mestiere”. Non è la prima volta che in un documentario sia lo stesso protagonista a dialogare con lo spettatore di sé, ma quando si tratta di un criminale è inevitabile provare all’inizio un po’ di straniamento. Eppure Tomic, pur riavvolgendo il nastro dei suoi reati ma anche della sua stessa vita, appare come una persona dietro la cui forza apparente giace una certa fragilità esistenziale.

Inoltre, pur invadendo la loro privacy e non pentendosene, si dimostra attento alla sue vittime. Esordisce con un disprezzo nei confronti dei ricchi, gli stessi che all’inizio della sua “carriera da ladro” colpisce, infiltrandosi nelle dimore dei quartieri d’elité parigini. Ma comunque sottolinea di non aver mai avuto intenzione di fare del male a qualcuno e mai ne ha fatto. Tutto questo non lo rinfranca dalle violazioni perpetrate sia nelle case che al Museo, ma ci fornisce un quadro generale di una persona che, pur ossessionata dalle rapine, sa che le sue azioni sono condannabili. È lucida e presente a se stessa. Tanto da ammettere le sue colpe una volta che la Polizia – anch’essa stupita dalla sua trasparenza e dignità – lo arresta per i furti dei quadri.

Un abile Spider-Man

Vjeran Tomic – Lo Spider-Man di Parigi, per farci entrare ancora di più in quel che è stato il grande colpo al Museo, ripercorre con una ricostruzione accurata e ricca di dettagli ogni momento che ha scandito la dinamica. In un avvincente montaggio a incastro vengono mostrate le scene recitate e ben ricostruite, la voce di Tomic che le segue e avvolge per spiegare il suo piano d’irruzione e gli inserti testimoniali della Polizia che ha svolto indagini e inchiesta. Il docufilm non scade mai nel ripetitivo, ma lì dove è necessario riempire, la scelta ricade – oltre che sul passato di Tomic e la sua complessa situazione familiare – sul mostrarci come l’uomo ha fatto nel tempo a entrare furtivamente nelle case delle persone.

Con una action cam, Vjeran Tomic – Lo Spider-Man di Parigi ci porta sui tetti della città insieme al ladro, ci fa vivere le sue spericolate acrobazie, mentre lui stesso ci racconta quanti anni ha impiegato per affinarne la tecnica. Entrare nel folle mondo di Tomic e conoscerlo dal suo punto di vista risulta perciò essere interessante, in primis per comprendere meglio cosa si cela dentro menti criminali simili. L’unica nota sprecata di tutto il documentario è la testimonianza dei derubati, un contraltare perfetto per restituirci una doppia visione della stessa realtà, i quali però non hanno avuto il giusto spazio all’interno della storia come in realtà avrebbero meritato.

 

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L’impronta mancata di David Yates, la chimica tiepida tra Chris Evans ed Emily Blunt si fondono il Pain Hustlers – Il business del dolore, su Netflix dal 27 ottobre. Tratto da una storia vera il film pone al centro lo scandalo farmaceutico con protagonista una piccola società che abusa delle prescrizioni di fentanil anche a pazienti che non ne hanno bisogno. La società in questione era la Insys, una società fondata dal miliardario John Kapoor, come si vede anche durante i titoli di coda del film. Kapoor promuoveva il prodotto oppioide Subsys, un farmaco antidolorifico molto forte, originariamente usato per la terapia del dolore. In realtà si basava su un farmaco generico, ma Insys gli ha applicato un sistema di somministrazione spray che gli ha permesso di promuoverlo come un prodotto di qualità superiore. Nel film, il farmaco oppioide venduto si chiama Lonafin e la società si chiama Zanna.

Pain Hustlers – Il business del dolore, la trama

Liza Drake (Emily Blunt) è una madre single che ha appena perso il lavoro e tutte le speranze. L’incontro casuale con il rappresentante farmaceutico Pete Brenner (Chris Evans) la convince a intraprendere un percorso allettante dal punto di vista economico, ma dubbioso dal punto di vista etico quando scopre di essere coinvolta in pericolose attività illegali. Alle prese con un capo sempre più incontrollabile Andy Garcia, la salute sempre più in declino della figlia, interpretata da Chloe Coleman e una crescente consapevolezza dei danni causati dall’azienda per cui lavora, Liza è obbligata a valutare le proprie scelte.

Pain Hustlers – Il business del dolore tra tempi comici poco azzeccati e chimica tiepida tra i due protagonisti racconta dell’industria farmaceutica, un modo descritto come Wall Street all’ora di punta. Sesso, droghe, party e raggiri: tutti alla Zanna sono pronti a svendersi al migliore offerente pur di guadagnare. Chris Evans smaliziato nei panni di un maschio alfa truffatore ed Emily Blunt, mamma single intraprendente che riesce a farsi largo in questo mondo con astuzia e intelligenza.

In modo meno solido rispetto ai film precedenti, David Yates cerca di lasciare la sua traccia in Pain Hustlers – Il business del dolore. Il risultato è un film che cerca di porre l’attenzione sul tema della speculazione, utilizzando l’espediente del mockumentary e di voci fuori campo, e che si concentra poco sull’importanza e sulle persone che sono morte per overdose causata dal farmaco e più sul mondo patinato dell’industria.

Al sicuro

Il successo e il denaro arrivano praticamente subito: le persone da manipolare sono malleabili perché deboli dalla malattia e lucrare sul dolore sembra davvero facile. Ma quando hai successo e potere ne vuoi ancora e ancora, così Pete cambia strategia e decide di far vendere il farmaco anche in casi di patologie diverse. La conseguenza è una overdose generale: pazienti come zombie fuori dalla sala d’aspetto del medico in cerca di una prescrizione. Qui il film dopo averci portato sul tetto del mondo insieme ai suoi protagonisti, inizia a farci vedere il lento declino di quest’ultimi e l’ambivalenza dei temi trattati viene descritta da Liza. Scissa tra la sua attività di rappresentante farmaceutica e la sua famiglia, sua figlia che soffre di attacchi epilettici e ha bisogno di cure.

Da un lato un sistema sanitario che si venderebbe agli sciacalli pronti a prescrivere ricette per farmaci scelti durante un party in piscina, dall’altra il vero sistema sanitario che ti prosciuga – se non hai l’assicurazione – ma che lavora per il bene del paziente. Sarà infatti da Liza che partirà la mobilitazione per smantellare questa specie di associazione a delinquere. Nonostante la collaborazione con la polizia per aiutare le indagini, Liza sarà comunque costretta a scontare una pena, meno salata rispetto a Pete. E se lei ne uscirà realmente pentita da tutta l’orribile situazione, in prigione Pete continuerà a vendere il suo motto e sé stesso.

 

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