Il regista russo Kiril Serébrennikov (Leto, La moglie di Tchaikovsky) approda nel concorso di Cannes 77 con Limonov: The Ballad, adattamento del romanzo di Emmanuel Carrère sulla vita del dissidente, scrittore e poeta russo Ėduard Limonov, qui interpretato da un istrionico Ben Whishaw.

Limonov, la ballata punk di Kiril Serébrennikov

Eduard Limonov aveva la stoffa dell’eroe: una persone capace di essere un poeta sovietico radicale, un vagabondo e una prostituta a New York, un intellettuale in Francia e un oppositore politico nella Russia contemporanea. Tutte queste vite e tutte queste sfaccettature si ritrovano in un personaggio la cui storia permette di comprendere e testimoniare tutti i cambiamenti radicali del mondo dopo la Seconda guerra mondiale fino all’attuale crisi geopolitica globale, compresa l’invasione dell’Ucraina. Questo plurimo e affascinantissimo potenziale è stato colto e raccontato in maniera eccellente dallo scrittore francese Emmanuel Carrère.

Limonov era una rockstar, pur non essendo un musicista, e come tale è interpretato dall’attore britannico, capace anche di essere repellente nella maggior parte delle scene in cui compare quest’uomo, ossessionato dall’essere un eroe, dalla fama, dalla gloria e dal riconoscimento. La colonna sonora di Limonov: The Ballad, i movimenti di macchina, le grafiche colorate, le immagini di repertorio, le scenografie articolate, tutto serve a distinguere questa personalità incasellabile.

Più Limonov che decidono come raccontarsi

In Limonov: The Ballad, il regista ha la capacità di portarci visivamente attraverso il grigiore dell’URSS e la luminosità della New York degli anni ’70, con la musica dei Velvet Underground ad accompagnare il viaggio di questo Barry Lindon sovietico, e insistendo sull’ossessione per gli Stati Uniti di un personaggio che si definiva ammiratore di Stalin, mettendo uno di fronte all’altro questi due mondi separati dalla cortina di ferro, i loro successi e le loro contraddizioni. Se Carrère era riuscito a raccontare, attraverso la figura di Limonov, come Putin fosse emerso nella Russia contemporanea, il regista preferisce lasciare fuori quell’episodio dalla storia, che si conclude quando Limonov viene rilasciato dal carcere in Siberia, dopo essere stato accusato di terrorismo e traffico d’armi, alla guida del Partito Nazionale Bolscevico.

All’inizio del film, Limonov si definisce un comunista indipendente. Ha vissuto in tantissimi luoghi, ha scritto e lavorato in più Paesi. Aggiunge anche che non è mai stato un vero dissidente, ma nemmeno uno scrittore sovietico: una carta d’identità che prende forma con toni decisamente punk. Nel corso del racconto, che non è mai lineare, l’accento è posto sui periodi in cui Limonov ha sperimentato l’intensità della vita, la passione sessuale e la vocazione per una poesia disobbediente.

Limonov va a New York (e si annoia)

Nella madrepatria o ti fai ammazzare o ti ubriachi dalla noia, sentenzia Limonov, ma cosa succede se si inizia ad annoiarsi anche negli altri Paesi? Arriva a New York, dove constata che la letteratura è ormai stata declassata rispetto ad altre forme d’arte e che non c’è di certo bisogno di un altro poeta in una città in cui i Wahrol girano per strada. Ma Limonov vuole movimento, azione, ed è per questo che sposta la narrazione, apre e chiude le scene, su e giù per il proscenio, sapendo che l’attenzione dello spettatore è tutta su di lui: Ben Whishaw/Limonov, che punta già alla Palma d’oro al miglior attore protagonista in questa edizione del Festival.

Emerge come Limonov sia un uomo sfiduciato, vuole solo qualcuno che si curi di lui, ricerca protezione in diverse forme di vita e sempre pronto a sperimentare per sentirsi vivo. Quando non ci riesce, deve sputare fuori tutta la rabbia e la violenza, reinventarsi, alla ricerca instancabile della glorificazione e non si fermerà neanche quando avrà dalla sua parte “un esercito di 300 spartani”.

Farsi strada tra le contraddizioni

Pur raccontando di una personalità dinamica e irreprensibile come quella di Limonov, la grammatica del film di Serébrennikov è piuttosto pulita e si apre sicuramente a tratti più mainstream rispetto allo stile del regista russo. Anche se avrebbe potuto sporcarsi di più nel ritrarre la sfacciataggine del personaggio – soprattutto con un attore così metodico – forse Limonov vuole simboleggiare proprio la tensione tra le due parti del suo animo, quella legata alla storia della madrepatria, e quella figlia delle libertà occidentali.

Limonov apre da solo le porte della Storia e del mondo, affermando che sono gli Stati ad adattarsi a lui, mai il contrario! L’Unione Sovietica è stata “un eterno casino”, ma “il casino è sempre divertentissimo”. Sei nato da eroe Eddie, gli dirà la compagna Elena e Limonov, che corregge sempre gli altri sulla pronuncia del suo nome, ne è più che consapevole, in tutte le forme e i substrati che assume la sua identità, incontrovertibilmente indirizzata verso due coordinate: “o divento famoso, o verrò assassinato”. Non c’è altra storia per vivere, e morire, da eroe.

Capitan Harlock – L’Arcadia della mia giovinezza, opera del 1982 prodotta da Toei Animation e diretta da Tomoharu Katsumata, torna in sala il 20, 21 e 22 maggio in occasione dei 45 anni dell’arrivo della serie tv animata sulla tv italiana – diretta da Rintarō e trasmessa su Rai 2 a partire dal 1979.

Musicato da Toshiyuki Kimori e uscito pochi mesi prima del pilota di Capitan Harlock SSX – Rotta verso l’infinito, secondo prodotto seriale dedicato al brand, il film di Katsumata fa infatti da apripista alle avventure narrate su piccolo schermo, risalendo agli albori della leggenda del pirata spaziale più celebre dell’animazione giapponese e raccontandone l’inizio della carriera da “esule”. Un personaggio creato dalla mano di Leiji Matsumoto nel 1977 e caratterizzato da un outfit diventato iconico – benda nera, mantello, stivali e cicatrice ad attraversare il volto; l’incarnazione umana dei valori di incorruttibilità morale, idealismo e coraggio, tornata in questi giorni sul grande schermo per una nuova (vecchia) avventura.

Capitan Harlock – L’Arcadia della mia giovinezza: la trama

Capitan Harlock – L’Arcadia della mia giovinezza si apre con una sconfitta. La lotta per la libertà condotta dalla Terra contro gli invasori Illumidiani è infatti stata persa; e le città del pianeta, governate da corrotti, hanno piegato la testa di fronte all’invasore straniero. Accolto da questo sconfortante scenario, il valoroso Harlock, rincasato con il suo equipaggio a bordo della propria nave spaziale, è determinato a fare giustizia e liberare la Terra dai suoi occupanti.

E, insieme a lui, altri uomini e donne coraggiosi si uniscono alla Resistenza mettendo a rischio le loro stesse vite. Tra loro vi è Maya, la “voce” degli oppressi, Tochiro, costruttore dell’astronave Arcadia, Emeraldas, piratessa galattica e Zoll, soldato del pianeta Tokarga unitosi ai ribelli per vendicare il suo popolo. Legati da amicizia, amore e lealtà, i compagni affonteranno lunghi viaggi spaziali, sparatorie, lutti e gloriose battaglie. Fino all’inevitabile resa dei conti che deciderà le sorti della Terra e degli intrepidi eroi che hanno provato a difenderla.

Capitan Harlock – L’Arcadia della mia giovinezza: tasselli

È il 1982. L’anno di E.T, l’anno di Blade Runner. È più in generale un periodo di grande messa in discussione dei confini di creatività e immaginazione; un periodo che ci trasporta verso galassie lontane lontane, mostri alien-i, dimensioni futuristiche e alternative, pianeti distanti e costantemente ir-raggiungibili. Insomma un grande puzzle dalle tinte sci-fi e intergalattiche del quale Capitan Harlock – L’Arcadia della mia giovinezza non è che un altro fondamentale tassello.

L’opera di Katsumata è infatti un’opera spaziale gigantesca, una epopea costruita su un ricco immaginario fatto di enormi navicelle, pianeti dalle distinte conformazioni, immense e inattraversabili nebulose e avventure ai limiti della sopravvivenza. Oltre che su di un impianto epico fondato tanto sulla potenza visiva di alcuni scorci interplanetari, quanto su una calibrazione attenta degli scambi dialogici presenti – tutti volti ad accrescere il carico emotivo del film e la sua (pur sempre apprezzabile) “seriosità”.

Capitan Harlock – L’Arcadia della mia giovinezza: memoria e archivio

Ma Capitan Harlock – L’Arcadia della mia giovinezza, a partire da un titolo già abbastanza esplicativo, è innanzitutto una pellicola che ragiona di memoria. Che sfrutta il ricordo come base portante della sua narrazione e ne sfrutta la potenza immaginifica nell’ottica di un continuo intersecarsi di piani narrativi. Non a caso il film si apre con un flashback che getta le basi per una risoluzione finale ancora di là da venire. E non a caso, all’interno del racconto, Harlock e Tochiro scoprono una sorta di “archivio comune” che – al di là dei limiti spazio-temporali – sancisce l’amicizia tra i due e ne lega destini e traiettorie future.

L’archivio è però comunque una dimensione che il regista lega strettamente all’esperienza umana, all’analogico. Che dunque sfugge a qualsivoglia perversione tecnologica della nostra epoca (la sola telecamera visibile è asservita al potere e malignamente utilizzata per riprendere le esecuzioni dei ribelli) per rifugiarsi tra le inafferrabili frequenze radiofoniche di Maya e il mirino manuale appartenuto all’avo del protagonista – nonché tra le polverose pagine di un vecchio libro guida.

Dopotutto anche nella serie tv di fine anni ’70 si immaginava un futuro ipnotizzato dal proliferare di schermi; e l’opera di Katsumata ad essa si riallaccia, riprendendone di fatto anche le atmosfere pessimistiche qui raccontate dall’esilio a cui la Terra condanna i propri eroi. In un mondo afflitto da lutti, concrete possibilità di estinzione ed empietà. Un mondo fragile e perennemente in guerra con se stesso. Un mondo dove la Resistenza alle forze del Male non può che essere affidata ad un manipolo di uomini e donne valorosi, destinati a solcare a lungo per il mare di stelle a bordo di navi battenti bandiera pirata.

“Un istante ripetuto nel tempo diventa eterno, è questa la libertà…”

Tokyo, 2021. Un fiocco blu tra i bei capelli neri e ricci. Due giovani braccia alzate reggono 145 chili. Le urla di commozione, i sorrisi e le lacrime di gioia. Tutta la forza e il dolore di una giovane atleta. Questa è l’avvincente ed entusiasmante storia di Neisi Patricia Dajomes Barrera, la prima donna dell’Ecuador a vincere una medaglia d’oro olimpica nel sollevamento pesi.

Vincitore del Premio IILA – Cinema 2024 (dell’Organizzazione Internazionale Italo-Latino Americana) come Miglior Documentario, Neisi: La fuerza de un sueño è il toccante docufilm del regista Daniel Yépez Brito (7 Muros, Ovejas, La rebelión de la memoria) dedicato alla coraggiosa e straordinaria atleta ecuadoriana Neisi Barrera, divenuta in pochi anni orgoglio per la sua nazione e grande esempio per tutte le giovani atlete. La pellicola, prodotta da Irina López Eldredge e Retrogusto Films, è stato presentata in anteprima italiana lo scorso 16 maggio 2024 al Cinema Barberini di Roma in occasione della 17ª edizione de La Nueva Ola – Festival del Cinema Spagnolo e Latinoamericano.

Neisi: la forza inarrestabile di una combattente

In Neisi: La fuerza de un sueño, tra continui flashback, testimonianze, interviste e filmati privati, il regista guida il pubblico in un viaggio coinvolgente che esplora e celebra la straordinaria storia di Neisi Dajomes. Il film offre uno sguardo attento e delicato sulla vita di questa giovane atleta, figlia di rifugiati colombiani, partendo dalle sue umili origini nella povera cittadina ecuadoriana di Shell. Qui, insieme ai suoi fratelli, Neisi ha mosso i primi passi nel mondo del sollevamento pesi, coltivando il suo talento e affrontando le sfide della vita con notevole determinazione e passione.

Daniel Yépez e Irina López riescono, in soli 90 minuti, a portare sullo schermo i momenti che più hanno segnato la vita di Neisi. Non solo i ricordi gioiosi in famiglia, le prime conquiste e la passione per questo sport, ma anche il dolore, le sconfitte e i sacrifici. Il documentario si sofferma in particolare su due tragici eventi che hanno stravolto la sua vita: la perdita prematura del fratello maggiore Javier e, poco dopo, quella della madre. Questi lutti familiari, nonostante la grande sofferenza e il vuoto lasciato, hanno plasmato la sua forza interiore e dato nuova linfa alla sua tenacia e perseveranza.

Neisi ha combattuto con tutta se stessa per poter dedicare una medaglia d’oro alle persone che ha amato, soprattutto a quelle che non erano più con lei. Questo profondo atto d’amore l’ha resa un vero e proprio esempio di resilienza e di forza femminile, non solo per il suo Paese ma per tutto il mondo sportivo.

“Grazie guerriera, grazie donna d’oro!”

Neisi: La fuerza de un sueño va ben oltre il semplice testimoniare la formazione sportiva e la scalata al successo di una giovane atleta. Il documentario di Daniel Yépez e Irina López – nonostante tratti uno sport ancora poco conosciuto e apprezzato – riesce, con estrema autenticità, delicatezza e rispetto, a far ripercorrere allo spettatore il climax di emozioni vissuto dalla protagonista: dal dramma della competizione ai Giochi Panamericani di Toronto 2015, dove Neisi ha subito uno svenimento e un attacco epilettico, proseguendo per la sua difficile vita familiare, le sfide e le rinunce imposte da questa disciplina, fino all’incoronamento del suo grande sogno.

Al di là del possibile disinteresse per questa disciplina sportiva e del ritmo a tratti troppo lento e riflessivo, il film intrattiene piacevolmente il pubblico narrando una storia tanto drammatica quanto intensa e affascinante, un’ispirazione per tutte le bambine del mondo. Neisi: La fuerza de un sueño è la celebrazione di un sogno, un vero “viaggio eroico” e umano in cui Neisi brilla più di qualsiasi medaglia olimpica.

Memorias de un cuerpo que arde (in inglese Memories of a burning body) è la rappresentazione cinematografica di un percorso di introspezione. La pellicola, scritta e diretta da Antonella Sudasassi Furniss, racconta le vicende di tre donne, ormai tra i sessanta e i settant’anni, in un intreccio di scoperte infantili e momenti di crescita traumatici. Il punto comune a queste storie è la società della Costa Rica, quando tutto ciò che riguardava la sfera sessuale era visto come un taboo. Nel cast ritroviamo Sol Carballo nel ruolo della donna anziana protagonista, insieme a Paulina Bernini e a Juliana Filloy che interpretano la donna durante l’adolescenza e l’infanzia. Memorias de un cuerpo que arde è stato presentato per la prima volta alla 74esima edizione del Festival del cinema di Berlino, vincendo il premio come miglior film nella sezione Panorama.

Memorias de un cuerpo que arde: il fuoco dei ricordi

Arrivati ad una certa età, ciò che sembra restare più saldo nella mente e nel corpo di un essere umano è proprio il ricordo di un passato felice. Storie di vite comuni, ma non per questo prive di passioni, amori, paure. Questo è il punto di partenza della regista: le conversazioni che non ho mai avuto con le mie nonne. Le vicende raccontate riguardano tre donne differenti: Ana, Patricia e Mayela, accomunate dallo stesso contesto socioculturale.

In un unico grande flusso di coscienza corale, il film si struttura in un continuo passaggio dal presente, rappresentato da una sola signora che rappresenta le tre donne che vive la sua vecchiezza, al passato dell’infanzia e della giovinezza.

Un monologo riflessivo

Memorias de un cuerpo que arde riesce ad attrarre l’attenzione  del pubblico grazie alla particolare struttura utilizzata. Il punto di partenza è un appartamento, scenario di pressoché tutto il film, in cui vive l’anziana signora: questa, pur facendosi portavoce delle storie delle tre donne, è una figura terza, una semplice rappresentazione.

Questa pellicola, come mera unione delle tre testimonianze, crea quindi un’unica, singola corrente di pensieri e ricordi, tale da portare il pubblico a identificarsi in tali momenti di riflessione. In questo modo, il film si traspone su un piano quasi filosofico e esistenziale.

Un elemento importante che avvicina lo spettatore alle vicende è la rottura momentanea della quarta parete. Parlando dei casi di abusi, una delle voci narranti sottolinea come talvolta la colpa venga fatta ricadere più sulle donne vittime inascoltate. Qui la donna protagonista si rivolge al pubblico chiedendo: perché non mi hai ascoltato?. Questo è l’unico momento in cui si crea questo dialogo diretto, ma questa unicità in tutto Memorias de un cuerpo que arde gli da ancora più potenza.

Le donne e il sesso in una società patriarcale

Altra tematica focale del Memorias de un cuerpo que arde è proprio il sesso e il modo in cui viene trattato e percepito nella società della Costa Rica di allora. Tutto ciò che riguardava la sfera sessuale era visto come un taboo: le madri avevano quasi paura a trattare il tema con le proprie figlie, come anche nelle scuole femminili non veniva mostrato interamente il corpo maschile per lo studio anatomico. Il risultato, come mostrato nel film, è un aumento della curiosità personale del proprio corpo, oltre a una totale impreparazione nel vivere al meglio la propria vita sessuale.

Il sesso continua ad essere una parte importante della vita delle protagoniste anche nell’età più adulta e nella vecchiaia. Durante la prima parte del film viene infatti mostrata la donna anziana che riflette sui cambiamenti del proprio corpo con l’avanzare degli anni: le macchie che compaiono, le rughe che diventano più profonde. Ma questo non ferma la donna dal godersi il proprio corpo così com’è, accettando l’età che passa e mai negandosi il piacere sessuale.

Questo può probabilmente divenire un interessante spunto di riflessioni per la società attuale, dove certe esperienze sembrano essere limitate nel tempo. Come nella Costa Rica di allora il sesso era un taboo in ogni sua forma, oggi il sesso tra persone più adulte sembra essere percepito in maniera egualmente strana.

Memorias de un cuerpo que arde si dimostra essere quindi un film sulla vita, in tutte le sue forme, una pellicola che inneggia al continuo cambiamento dell’essere umano. Gli spunti di riflessione sono innumerevoli, da una più superficiale tematica del ruolo della donna, alla più profonda analisi dello scorrere incontrollato del tempo e dei ricordi. Comunque lo si guarda, resterà qualcosa dentro lo spettatore.