Un matrimonio combinato, una convenienza, quella tra Guiying (Hai-Qing), ormai demoralizzata che viene picchiata dal fratello, e Youtie (Wu Renlin), il più umile dei contadini, che vive e si accontenta della compagnia del suo asino. Vengono da due realtà povere e non conoscono altro che la terra e contro ogni aspettativa, tra i due si sviluppa un tenero legame. Terra e Polvere di Li Ruijun – dopo aver stregato gli spettatori della Berlinale e del Far East Film Festival di Udine, dove ha vinto il Black Dragon Award e il Silver Mulberry Award – arriva in Italia dal 30 marzo. Il film racconta l’amore attraverso i silenzi e i ritmi contadini della Cina rurale.

Un lungometraggio che attraversa il tempo e ne esamina il lento scorrimento. Hai Qing è un’attrice di grande esperienza (Fire on the Plain, Operation Red Sea, Sacrifice), che viene affiancata da Wu Renlin, un vero contadino (nonché zio dello stesso regista). Il suo personaggio, infatti, incarna benissimo l’essenza del film non ha bisogno di fingere perché in Terra e Polvere racchiude le dinamiche proprie di una generazione di lavoratori che si sono fatti in quattro per quel pezzettino di terra, nonostante ci sia sempre qualcuno che tenta di portarglielo via.

Terra e Polvere, un amore viscerale

In Terra e Polvere, Youtie e Guiying hanno due personalità molto vicine tra loro. Amano la terra e con essa instaurano un rapporto viscerale. Le famiglie li hanno costretti a un matrimonio combinato e i due protagonisti hanno fatto di questo legame un sodalizio. Insieme, si guadagnano una vita regolata dai ritmi del mondo naturale, trovando nel loro matrimonio quella cura per sé stessi e per gli altri che il loro passato non gli aveva permesso di fare. Il film ci mostra fin da subito il forte impatto che ha la natura nella vita semplice dei due contadini. Il loro è un matrimonio combinato ma non per fortuna, nessuno dei due ha nulla da offrire all’altro se non un po’ di compagnia.

I beni materiali in Terra e Polvere passano in secondo piano in favore della dolcezza e della semplicità delle piccole cose. Aspettare tuo marito al freddo per offrirgli una bevanda calda, coprire con una giacca lunga tua moglie che ha freddo. La storia si svolge nella regione del Gansu, luogo molto caro al regista in quanto sua città natale. Mentre l’affetto tra i due protagonisti cresce, Youtie e Guiying decidono di crearsi un piccolo angolo di paradiso. I pochi movimenti di macchina e le inquadrature fisse, con i personaggi sempre a margine dell’inquadratura – per rispecchiare il loro essere ai margini della società – aiutano lo spettatore a empatizzare con i protagonisti.

Gioco di contrasti

A poco a poco, le loro lunghe giornate fatte di semina e raccolto vengono intervallate dalla costruzione di un nido d’amore, dove i due silenziosamente progetteranno di vivere. La vita nei bassifondi di questa Cina rurale li ha costretti ad abbandonare la loro casa due volte, come le rondini sono obbligate a cambiare il loro nido e migrare altrove. Terra e Polvere sono i materiali serviti a Youtie e Guiying per costruire la loro capanna, di cui vediamo ogni singolo mattone.

Il sesto lungometraggio di Li Ruiju mette davanti allo spettatore un continuo gioco di contrasti. Gli ambienti sono i protagonisti e rispecchiano allo stesso tempo gli umori dei protagonisti. In un primo momento, infatti, Youtie e Guiying sono distanti e la stessa distanza la percepiamo all’interno di quelle mura domestiche, nell’intimità che i due protagonisti vengono a creare. Il loro legame poi tenderà sempre di più ad avvicinarsi e questo inevitabilmente amplierà anche gli ambienti. Così quelle che prima erano spoglie mura domestiche si trasformano in un campo, aperto, dove i due costruiranno la loro nuova casa.

Centri e periferie

Pier Paolo Pasolini, meglio di chiunque altro, è riuscito a racchiudere in poche parole la contrapposizione tra questi due spazi: Centri e periferie. Nella sua bibliografia e filmografia, Pasolini tiene a specificare l’importanza delle periferie. In Terra e Polvere avviene la stessa cosa: il regista mette in chiaro l’importanza della periferia, con i suoi difetti, ma soprattutto con i suoi pregi. La periferia ti permette di essere te stesso, di non dover fingere, di vagare per un campo sconfinato. La periferia è un luogo aperto, senza palazzi che schiacciano l’uomo, non ha margini, non è circoscritta. Lo stesso Guiying, quando la sua dolce metà viene a mancare, decide di abbandonare quel luogo perché per lui è ormai fonte di dolore e dispiacere. Farà la cosa che non avrebbe mai pensato di fare: si trasferirà in città.

La stessa città dalla quale lui e sua moglie sono fuggiti durante la visita a quell’appartamento “fatto appositamente per loro”. Quando dalla Cina rurale avrebbero dovuto abbracciare l’urbanizzazione e il progresso, Youtie e Guiying decidono di costruirsi una loro casa. La città stessa è alienante, ricca di tentazioni, di auto lussuose. Ma se per Pasolini l’una non poteva vivere senza l’altra, in Terra e Polvere il regista riesce a riportare tutto allo stato naturale delle cose ad eccezione dell’uomo costretto a vivere esiliato per punizione all’interno della città.

Una “commedia sofisticata” la definisce la sua regista, con dentro di tutto un po’, ma soprattutto “una commedia Green dall’andatura Slow” che potrebbe conquistare diversi di tipi di pubblico, soprattutto di quello della Anna Di Francisca di La bruttina stagionata. Dopo un paio di altri film, vari documentari, tanta televisione (da Un medico in famiglia a Le ragioni del cuore) e i monologhi teatrali de Le confidenze del pene (con Neri Marcorè, ricorrente nei suoi cast), la filmmaker milanese arriva in sala con il suo ultimo Evelyne tra le nuvole, prodotto e distribuito – dal 30 marzo – dalla Orange Film.

Protagonista assoluta la Eleonora Giovanardi (Quo vado?, La California) intorno alla quale si intrecciano le sorti – e le mire – dei vari Gilbert Melki (Destini in fiamme), Antonio Catania e Violante Placido, sulla scena moglie di Marco Maccieri e figlia di un ritrovato Andrea Roncato. Tasselli di un mosaico abruzzese, nel quale appaiono anche Lucia Vasini e la francese Claire Nebout.

Nel mondo di Evelyne

L’antico casale dove vivono Sofia e il fratello Claudio (Maccieri) è lontano da tutto, e fuori dal mondo, anche se non abbastanza. Visto che al suo agriturismo approdano turisti in cerca di pace, ma anche un imprevedibile rappresentante sostenitore dei benefici della bava di lumache e uno “straniero”, che punta a strappare un accordo per collocare il ripetitore di una nota compagnia telefonica internazionale che porterà il progresso non solo a Sofia ma a tutta la zona.

Rompendo un equilibrio naturale, nel quale la giornata è scandita dai ritmi della natura e della cura della mucca Evelyne, e familiare. Soprattutto per l’intenzione di Mario – e sua figlia Erika (la cognata di Sofia) – di lucrare sull’accordo e racimolare i soldi necessari a conquistare la Lepre d’Oro per i migliori cacciatori della zona. Interessi diversi, difficilmente conciliabili, come il far convivere natura e silenzi con la tecnologia, forse non sempre indispensabile a migliorare la nostra vita.

In fuga dalla città, l’amore e le mucche

Non sembra esser cambiato molto nei dieci anni buoni trascorsi dal suo precedente Due uomini, quattro donne e una mucca depressa del 2012, una storia dalle molte analogie con l’attuale. Sia per il cast in grado di assemblare volti più o meno noti e qualche apparizione (da Miki Manojlovic e Maribel Verdù, al ‘solito’ Neri Marcorè, Serena Grandi e Marisa Paredes) sia per la scelta di regalare la ribalta a un’altra mucca. Una simpatia evidente della regista, che di nuovo con Evelyne tra le nuvole sembra esser mossa da un desiderio personale di trovare una forma filmica a pensieri e riflessioni proprie.

E che di nuovo pare affidarsi a un contesto umano lontano – e in fuga – dai ritmi cittadini, a scelte musicali non banali al limite del dissonante ed elementi ricorrenti (oltre alle mucche, anche la stessa musica e musicisti devono essere una passione della regista). Una costruzione molto studiata e curata, che a tratti perde di fluidità, con l’inserimento di personaggi e azioni meno naturali dell’ambientazione scelta – all’ombra della splendida Pietra di Bismantova che domina molte inquadrature – e un insistito uso del dialetto, che non migliora la situazione.

Percoco il primo mostro d’Italia è il racconto della prima strage familiare del Novecento avvenuta nel nostro Paese ad aver avuto un enorme impatto mediatico che ha sconvolto l’opinione pubblica. Diretto da Pierluigi Ferrandini, barese come il triste protagonista di questa storia, il film è tratto dal romanzo di Marcello Introna, pubblicato nel 2012, che racconta l’intero percorso di vita di Franco Percoco, partendo dalla preadolescenza fino ad arrivare al drammatico epilogo.

Percoco – Il primo mostro d’Italia, la trama del film

Siamo a Bari, appunto, nel 1956. Il benessere economico insieme alla sensazione di rinascita è in crescente ascesa soprattutto negli ambienti della media borghesia, la classe che più di tutte era certa della solidità del progresso verso il quale si stava andando, poggiandosi su tappe fisse e incontrovertibili che scandivano la struttura sociale, culturale e ovviamente anche domestica. Qui inizia la storia di Franco (Gianluca Vicari), in un contesto particolarmente benestante, nel quale il papà fa mantenere a tutti un buon tenore di vita, tant’è che risiedono in un elegante condominio della zona bene della città.

Ma del loro figlio maggiore Vittorio che è in carcere e del minore, Giulio, affetto dalla sindrome di Down ne sanno in pochi, anzi, quasi nessuno. Un clima, dunque, in cui i bisogni primari sono senza dubbio soddisfatti, ma dove evidentemente c’è poco spazio per la libera espressione di sé. Ma non è certo strano a dirsi per quegli anni. La notte tra il 26 e il 27 maggio di quell’anno, Franco uccide a coltellate la madre, il padre e il fratellino Giulio. E l’aspetto per il quale ha raggiunto un macabro record è l’aver convissuto per dieci giorni a casa con i loro cadaveri chiusi nella stanza da letto dei genitori.

Per molti anni è stato identificato come “il mostro di Bari” e nel periodo immediatamente successivo alla scoperta del massacro, le mamme esitavano a fare uscire i bambini di casa e i quotidiani locali titolavano e descrivevano lui e quel che aveva compiuto come se si fosse trattato di un’entità maligna che aveva covato tutto nell’ombra. Un processo (in tutti i sensi) estremamente comprensibile e naturale, ma che racconta tanto delle impalcature morali di cristallo che di lì a poco più di un decennio si sarebbero miseramente sgretolate e alle cui conseguenze assistiamo tuttora.

Il ritratto di un mostro e della società che lo ha prodotto

Pierluigi Ferrandini si concentra su quei giorni seguenti all’efferato delitto, quando Franco ha dato fondo a dei contanti trovati in casa facendo la bella vita con il suo amico Enzo Bellomo (Giuseppe Scoditti), la fidanzata Tina (Rebecca Metcalf) e la sorella di lei Angela (Federica Pagliaroli). E il ritratto che compone il regista ha una pacatezza e una precisione nel costruire la messa in quadro, da risultare quasi un insieme di fotografie dell’epoca. I colori, la staticità e la simmetria delle immagini rimandano alla contrapposizione psicotica del bravo ragazzo studioso ed elegante che il 26enne Franco sentiva di dover presentare in pubblico, con il grido di dolore che gli era imploso dentro e aveva scagliato contro la sua famiglia, evidentemente imputata d’essere la sorgente di ogni suo ostacolo per la felicità.

È infatti impressionante la progressione fine e raffinata con cui Ferrandini lentamente tira fuori dalle sequenze la mostruosità di Percoco, che in realtà non ha nulla a che vedere con il crimine commesso, quanto del suo desiderio di vivere una vita piena che ha però messo in atto in maniera folle e contraria. Quasi a far vedere che non c’è gesto che abbia davvero come movente la morte, bensì la voglia di essere libero e affrancarsi da una gabbia soffocante. Ed è perfetto il modo in cui il regista rende quel mondo. Ricrea l’atmosfera d’immobilismo composto e perbenista, addirittura comunitario per certi aspetti, facendo incarnare sì all’attore Gianluca Vicari l’incurante crudeltà con cui Percoco ha passato dieci giorni accanto ai corpi dei propri genitori, ma mettendo parallelamente in luce una società nella quale non era concesso sbavare i contorni. E chissà se oggi ne siamo del tutto lontani.

Non so se a voi capita, ma io stavolta ho bisogno di andare a vedere un film sapendo esattamente quello che mi aspetta. Non parlo di quei blockbuster standardizzati capaci di offrire soltanto uno spettacolo roboante quanto privo di qualsiasi profondità, quanto piuttosto di quel tipo di prodotto “medio” che rispetta le regole del genere di appartenenza con la precisione necessaria per allietare. Il nuovo film di Bobby Farrelly, Champions, risponde esattamente a tale requisito, trattandosi di una commedia come ne abbiamo viste a dozzine, eppure vorremmo continuare a vederle magari quando passano alla TV.

Protagonista è un Woody Harrelson in gran forma il quale interpreta un allenatore di basket dal temperamento irrefrenabile e fin troppo dedito alla comprensione del gioco, tanto da tralasciare quella dei giocatori. Quando viene licenziato e immediatamente dopo arrestato per guida in stato di ubriachezza, non gli resta che accettare di compiere il proprio servizio civile allenando una squadra di giocatori con disabilità intellettuali. Alla fine sarà proprio lui a imparare dalla sua squadra molto più di quanto i membri del team impareranno dall’allenatore…

Champions, un film sulla sopravvivenza dell’anima

In Champions non troverete nulla che non avete già visto in altri film di questo genere, meglio ribadirlo immediatamente. Questo però non significa che non ci si possa affezionare al film e ai personaggi che lo popolano. L’idea di ambientare la vicenda a Des Moines, cittadina dell’Iowa che rappresenta al meglio (oppure al peggio, scegliete voi) la provincia americana dove tutto scorre tranquillo e desolato, risulta immediatamente efficace. Champions diventa fin dalle prime scene un lungometraggio che racconta al meglio la quieta desolazione di mille e mille posti come questo sparsi negli Stati Uniti, sepolti dalla neve apparentemente perenne e incapaci di rialzarsi da uno stato economico-sociale non certo edificante.

Il setting di Champions rappresenta così metaforicamente al meglio lo stato del suo protagonista, caduto umanamente in basso e bisognoso dell’aiuto di una comunità coesa per rialzarsi. Perché è soltanto in questo modo che si può, se non prosperare, almeno sopravvivere dignitosamente in posti come questo. E Champions tutto sommato è un film sulla sopravvivenza dell’anima, sulla volontà di continuare ad andare avanti quando si potrebbe tranquillamente mollare e nessuno lo noterebbe. Per farla breve, l’ambientazione è probabilmente la cosa migliore di un film che sa comunque parlare al pubblico in maniera semplice e piuttosto diretta, lavorando sulla retorica di fondo e sul buonismo di situazioni e storia in maniera almeno onesta.

Se poi ovviamente metti un istrione sempre simpatico come Woody Harrelson al centro dell’equazione e aggiungi a supporto due caratteristi che sanno come dar vita a personaggi “metropolitani” quali Ernie Hudson e soprattutto Kaitlin Olson (perché quest’attrice non ha avuto una carriera cinematografica più corpulenta???), ecco che il tono del film ne beneficia. Alla fine è meglio vedersi Champions ed apprezzarlo per quello che può offrire, cercando di dimenticare che Bobby Farrelly, insieme al fratello Peter, in passato ha realizzato commedie di altro spessore come Tutti pazzi per Mary e soprattutto Io, me e Irene con Jim Carrey, che consideriamo indubbiamente il suo “capolavoro”.

Un film di buoni sentimenti sul riscatto umano

Rimane onestamente difficile consigliare a voi lettori di andare al cinema a vedere Champions, e allo stesso tempo possiamo garantirvi che, se lo farete, alla fine della proiezione gli vorrete comunque bene. I buoni sentimenti, le storie di crescita personale, di riscatto umano, sono qualcosa che tutto sommato posseggono sempre un loro motivo di interesse, e questo film non fa accezione. Non aggiungerà quasi sicuramente nulla alla vostra personale storia del cinema, ma un paio d’ore di spensieratezza sono sicure, soprattutto se cercate qualcosa che vi allieti la giornata con ottimismo e gentilezza. Qualche volta può bastare. Anzi, più spesso di quanto non creditate…