Home Blog Pagina 70

The Gentleman, la spiegazione di quello che accade a Mickey e Ray nel finale del film

Chiara Guida
-
0
The Gentleman, la spiegazione di quello che accade a Mickey e Ray nel finale del film

Il finale di The Gentlemen del 2020 (qui la nostra recensione) è pieno di colpi di scena e svolte impreviste, e c’è molto da analizzare in uno dei migliori film mai realizzati da Guy Ritchie. Il film rappresenta in gran parte un ritorno alle origini per il regista, come dimostra la ricezione positiva di The Gentlemen, e lo vede tornare a concentrarsi sulla scena criminale britannica. Tuttavia, nel suo stile abituale, Ritchie propone una trama che a volte può essere difficile da seguire, soprattutto quando vengono rivelati nuovi dettagli.

Il cast di personaggi di The Gentlemen contribuisce al caos con diverse linee narrative talvolta complicate da seguire. Mickey Pearson (Matthew McConaughey) vuole vendere il suo vasto impero della marijuana a Matthew Berger (Jeremy Strong), che in segreto collabora con Dry Eye (Henry Golding), membro della triade criminale asiatica, per sabotare l’accordo attaccando le coltivazioni di Mickey. Nel frattempo, l’investigatore privato Fletcher (Hugh Grant) ricatta Raymond (Charlie Hunnam), il braccio destro di Mickey, minacciando di rivelare informazioni sull’operazione criminale di Mickey. Il finale di The Gentlemen costruisce così un epilogo tortuoso che rivela la verità in modo divertente, anche se un po’ confuso, e che richiede un’analisi più approfondita.

Il film di Guy Ritchie include anche musica old-school che si adatta allo stile collettivo dei protagonisti. Ecco tutte le canzoni principali presenti nella colonna sonora.

Come finisce il film The Gentlemen

Al centro di uno dei migliori film di Guy Ritchie c’è il business della marijuana gestito da Mickey. Dopo i problemi avuti dalla sua attività, Mickey e Berger si incontrano di nuovo per concludere l’accordo. Tuttavia, Berger sostiene che il furto abbia compromesso non solo una delle sedi ma tutte e 12, riducendo così la valutazione dell’azienda da 400 milioni di dollari a 130 milioni.

Alla fine Mickey capisce il piano di Berger e decide di non vendere. Lo rinchiude in una cella frigorifera finché non paga comunque Mickey e finché non gli viene tolta letteralmente “una libbra di carne” dal corpo.

Nel frattempo Ray incontra di nuovo Fletcher, che crede di stare per ricevere i 20 milioni di dollari richiesti. Invece scopre di essere stato ingannato da Ray per tutto il tempo. Ray rivela infatti di aver spiato Fletcher mentre lui spiava loro, perché aveva bisogno che Fletcher rivelasse ciò che sapeva sulla collaborazione tra Dry Eye e Berger.

Con la sua vita in pericolo, Fletcher rivela un’altra informazione importante: dei gangster russi stanno arrivando per assassinare Mickey e Ray, dopo un incidente in cui il figlio di un gangster russo è morto cadendo nel vuoto.

La sorpresa arriva quando Coach (Colin Farrell) uccide i due uomini che stavano venendo a prendere Ray, mentre i ragazzi di Coach eliminano quelli che avevano rapito Mickey.

Il gangster russo aveva pagato Fletcher per sapere quando e dove avrebbe potuto vendicarsi di Mickey e Ray. I russi rapiscono Mickey dopo l’incontro con Berger, mentre altri si dirigono verso la casa di Ray. Tuttavia Coach uccide gli uomini diretti da Ray, e i suoi ragazzi eliminano quelli che stavano portando via Mickey — anche se lo fanno per errore, perché volevano uccidere Mickey stesso.

Nel finale di The Gentlemen, Mickey riesce a fuggire, i piani di Berger falliscono e Ray rintraccia Fletcher, che era scappato dal pericolo.

the gentlemen recensioneIl piano di Dry Eye e Berger

Un aspetto chiave rivelato nel finale riguarda il piano tra Dry Eye e Berger per far cadere Mickey. In sostanza Berger vuole collaborare con Dry Eye per ridurre il valore dell’impero di Mickey, con l’accordo implicito che Dry Eye diventi il suo secondo in comando. Dry Eye riesce a farlo convincendo i ragazzi di Coach a rubare a Mickey, ma le sue azioni non erano state approvate da Lord George (Tom Wu), il capo del sindacato criminale asiatico.

Se tutto fosse andato secondo i piani, Berger avrebbe comprato l’impero della marijuana a un prezzo molto inferiore al suo valore reale, mentre Dry Eye avrebbe ottenuto il potere che desiderava. Invece Dry Eye cambia il piano dopo aver ucciso Lord George e minaccia Berger affinché si faccia da parte mentre lui prende il controllo. Offre quindi di comprare personalmente l’impero di Mickey, ma Mickey rifiuta.

Questo porta Dry Eye ad aggredire Rosalind (Michelle Dockery), la moglie di Mickey. Mickey lo sorprende sul fatto e lo uccide. Il cadavere di Dry Eye viene poi usato per intimidire Berger e costringerlo a fare ciò che Mickey vuole.

Il piano di Fletcher

Per quanto riguarda Fletcher, il suo obiettivo finale è guadagnare molto denaro dalle informazioni raccolte. Era stato inizialmente assunto da Big Dave (Eddie Marsan), interessato a comprare quelle informazioni, ma Fletcher aveva preparato diversi piani alternativi.

Per esempio, trasforma tutto ciò che sa sull’impero di Mickey e sul mondo criminale britannico in una sceneggiatura cinematografica che spera di vendere. Offre la sceneggiatura, insieme a documenti, foto e prove, a Ray per 20 milioni di dollari, dando loro 72 ore per accettare. Big Dave è un piano di riserva per Fletcher, ma Ray fa rapire Big Dave da Coach e lo ricatta con un video compromettente in cui ha rapporti con un maiale.

Senza altri acquirenti, Fletcher rimane costretto a vendere solo a Ray, ma Ray riesce comunque a rubargli tutte le informazioni. In questo modo Fletcher perde la possibilità di fare il “doppio guadagno”, dato che era già stato pagato dai russi per fornire informazioni utili a uccidere Mickey e Ray. Fletcher riesce a fuggire quando arrivano gli assassini a casa di Ray e tenta un ultimo colpo cercando di vendere la sua sceneggiatura a uno studio cinematografico.

The-Gentlemen-serie-tvLa battuta finale su The Man from U.N.C.L.E.

L’ultima gag con Fletcher è un divertente riferimento a The Man from U.N.C.L.E. Fletcher viene mostrato mentre presenta la sua sceneggiatura, intitolata “Bush”, a un dirigente della Miramax, lo studio dietro The Gentlemen. Dietro di lui è ben visibile un poster di The Man from U.N.C.L.E., il film di spionaggio del 2015 diretto da Guy Ritchie con Henry Cavill, Alicia Vikander e Hugh Grant.

Il dirigente mette in dubbio alcuni aspetti della sceneggiatura, tra cui il fatto che non spieghi cosa succede a Mickey. Fletcher risponde dicendo che sta lasciando spazio per un sequel. Ritchie potrebbe aver voluto suggerire che sta lavorando proprio a un seguito di The Man from U.N.C.L.E.

Il sindacato criminale asiatico ha un nuovo leader misterioso

Una delle questioni lasciate aperte dal finale riguarda il destino del sindacato criminale asiatico. Lord George era il capo e controllava una potente rete di distribuzione della droga che includeva anche Dry Eye. Dopo la morte di Lord George, Dry Eye prende il controllo dell’organizzazione, ma il suo dominio dura poco perché Mickey lo uccide verso la fine del film.

Il film non torna più sull’argomento, lasciando gli spettatori senza sapere chi abbia preso il comando dell’organizzazione. Considerando tutti gli eventi collegati a Mickey, la sua tranquillità potrebbe non durare a lungo se il nuovo leader decidesse di vendicarsi. Tuttavia, chiunque sia ora al comando potrebbe preferire lasciarlo in pace.

The-Gentlemen-film-castChi è ancora vivo alla fine del film

Quando The Gentlemen si conclude, molti dei personaggi principali sono ancora vivi. Mickey e Rosalind sono mostrati insieme, anche se non è chiaro se abbiano davvero abbandonato la loro vita criminale. Ray è ancora in piedi e riesce a rintracciare Fletcher, che è vivo quando scorrono i titoli di coda — anche se forse non per molto.

Coach e i suoi ragazzi sopravvivono e fanno pace con Mickey e Ray. Anche Big Dave probabilmente è ancora vivo. Il finale non conferma invece il destino di Berger, ma sembra abbastanza intelligente da fare ciò che serve per sopravvivere, anche se dopo l’episodio è letteralmente “più leggero di una libbra”.

The Gentlemen è continuato con una serie

Il finale di The Gentlemen lasciava spazio per un seguito. Tuttavia, invece di un altro film, la storia è stata trasformata in una serie televisiva ambientata nello stesso universo.

La serie The Gentlemen non è un vero e proprio sequel, ma racconta una nuova storia nello stesso mondo. Nessuno degli attori del film ritorna o fa cameo, quindi alcuni destini dei personaggi restano sconosciuti. Tuttavia, visto il successo della serie, una seconda stagione potrebbe far incrociare i personaggi del film con quelli della serie.

Pete Docter difende le modifiche al film Pixar Elio: “Stiamo realizzando un film, non una terapia”

Gianmaria Cataldo
-
0
Pete Docter difende le modifiche al film Pixar Elio: “Stiamo realizzando un film, non una terapia”

Quando è uscito lo scorso anno, Elio (leggi qui la recensione) della Pixar ha ottenuto un punteggio dell’83% su Rotten Tomatoes e dell’89% sul Popcornmeter generato dai fan. Nonostante ciò, ha comunque registrato un disastroso incasso di 20,8 milioni di dollari nel weekend di apertura. Elemental e Mufasa: Il re leone sono stati anch’essi considerati dei flop, ma il film della Pixar ha chiuso la sua corsa con soli 154 milioni di dollari.

L’estate scorsa è stato riferito che il film che abbiamo visto non era quello che i realizzatori avevano originariamente intenzione di fare. Ad esempio, c’era una scena in cui Elio raccoglieva rifiuti sulla spiaggia e li trasformava in abiti fatti in casa. Tra questi c’era una canottiera rosa che, secondo diverse fonti interne, faceva parte del progetto di ritrarlo come un personaggio queer (per riflettere l’identità del regista originale Adrian Molina, apertamente gay).

LEGGI ANCHE: Elio: la spiegazione delle scene post-credits e di quali film Pixar anticipano

Molina non aveva però intenzione di farne una storia di coming out, dato che il personaggio principale ha solo 11 anni, ma Elio è stato reso più mascolino “in seguito al feedback della dirigenza”. Il suo amore per l’ambientalismo e la moda è stato eliminato, così come ogni accenno al fatto che potesse avere una cotta per un ragazzo. Elio indossava ancora abiti ricavati dai rifiuti, senza alcuna spiegazione.

Si dice che Molina sia rimasto ferito da questo e dal feedback ricevuto dal capo della Pixar Peter Docter, il che ha portato alla sua sostituzione con i nuovi co-registi Madeline Sharafian e Domee Shi poco dopo. A Molina è stata offerta la possibilità di rimanere come co-regista, ma se n’è andato quando sono state apportate una serie di modifiche radicali alla sua visione originale di Elio.

GUARDA ANCHE: Elio: intervista alle filmmaker

Il Wall Street Journal ha poi confermato che la Pixar ha abbandonato l’idea di rappresentare il personaggio principale di Elio come gay. Parlando con il sito, Docter ha attribuito la revisione creativa alla consapevolezza che alcuni genitori non vogliono che film come questo affrontino argomenti che potrebbero non essere pronti a discutere con i propri figli. “Stiamo realizzando un film”, ha affermato, “non una terapia da centinaia di milioni di dollari”. Questo sembra essere un riferimento al desiderio di Molina di esplorare le proprie esperienze infantili con la sessualità attraverso Elio.

L’articolo conferma anche che è stata tagliata una scena in cui Elio cresceva un figlio in futuro con un uomo di cui era innamorato. Secondo quanto riferito, la priorità di Docter è quella di realizzare film universalmente apprezzabili piuttosto che storie semi-autobiografiche guidate dal regista. “Con il passare del tempo, ho capito che il mio lavoro è quello di assicurarmi che i film piacciano a tutti”, ha dichiarato lo sceneggiatore e regista premio Oscar responsabile di Up, Inside Out e Soul. “Se dobbiamo solo sfornare schifezze, chiudiamo i battenti. Preferisco morire cercando di realizzare qualcosa in cui crediamo veramente”.

Per alcuni, il fatto che la visione di Molina sia stata sostanzialmente decimata da dirigenti come Docter suggerisce che lo studio non sia più la forza creativa e favorevole ai registi che era un tempo. Per altri, la speranza è semplicemente che la Pixar eviti argomenti scottanti e racconti storie classiche e ancora di grande impatto come quella di Jampers – Un salto tra gli animali attualmente al cinema. Resta però controverso il parere di Docter, che si oppone ad una società in continuo cambiamento.

Star Wars: Dawn of the Jedi di James Mangold sarebbe stato cancellato dalla nuova dirigenza della Lucasfilm

Gianmaria Cataldo
-
0
Star Wars: Dawn of the Jedi di James Mangold sarebbe stato cancellato dalla nuova dirigenza della Lucasfilm

Nell’aprile 2023, l’allora presidente della Lucasfilm Kathleen Kennedy è salita sul palco dello Star Wars Celebration di Londra. Ha annunciato alcuni nuovi film di Star Wars, tra cui una storia sulla nascita degli Jed del regista di Indiana Jones e il Quadrante del Destino, James Mangold. È poi stato rivelato che il film, che secondo alcune indiscrezioni si intitolerebbe Dawn of the Jedi, è ambientato circa 25.000 anni prima degli eventi di La minaccia fantasma, ma da allora sono state condivise poche informazioni.

Da allora Mangold ha espresso un cauto entusiasmo per il progetto in alcune interviste, ma sembra proprio che si tratti dell’ennesimo film annunciato dalla Kennedy che non vedrà mai la luce. Durante la sua intervista di addio alla Lucasfilm, Kennedy ha dichiarato: “Jim Mangold e Beau Willimon hanno scritto una sceneggiatura incredibile, ma è decisamente fuori dagli schemi ed è stata messa in stand-by. Non è solo una mia decisione, soprattutto ora che sto per lasciare l’azienda. Tutto è possibile se qualcuno è disposto a correre il rischio”.

Ora, Jeff Sneider è però intervenuto su The Hot Mic per condividere le parole di una fonte che afferma che il film è “morto”. Ha aggiunto: “Non posso dirlo con certezza, ma non sembra andare bene. Penso che Mangold sia concentrato sul film di rapine con Timothée Chalamet, almeno credo. Penso che Swamp Thing potrebbe essere il suo prossimo progetto”. Questa settimana ci sono state voci simili anche sui social media, con tutti gli indizi che indicano che il nuovo presidente della Lucasfilm, Dave Filoni, abbia deciso di abbandonare questo prequel potenzialmente controverso.

Sembra invece che Filoni abbia gli occhi puntati sul futuro, con storie che espandono questa galassia oltre il controverso finale della saga di Skywalker del 2019, Star Wars: L’ascesa di Skywalker. Non resta allora che attendere The Mandalorian & Grogu, previsto in sala a fine maggio, e poi Star Wars: Starfighter, in arrivo nel 2027. Nel tempo, verranno poi senz’altro annunciati altri progetti mentre quelli al momento in sospeso verranno confermati o – come nel caso di Dawn of the Jedi – cancellati del tutto.

LEGGI ANCHE: Nuovi film di Star Wars: tutti i film in arrivo e la data di uscita

L’Odissea di Christopher Nolan deve correggere un momento mostruoso sottovalutato

Redazione
-
0
L’Odissea di Christopher Nolan deve correggere un momento mostruoso sottovalutato

Il nuovo ambizioso progetto di Christopher Nolan, L’Odissea (The Odyssey), promette di portare sul grande schermo una delle opere più importanti della letteratura occidentale. L’adattamento del celebre poema epico di Homer è uno dei film più attesi dei prossimi anni, ma proprio la vastità del materiale originale potrebbe costringere Nolan e il suo team creativo a compiere alcune scelte difficili su quali eventi includere nella narrazione.

Il poema originale è infatti un’opera monumentale che, nelle traduzioni moderne, supera facilmente le 500 pagine. Secondo le prime indiscrezioni, il film potrebbe avere una durata superiore alle tre ore, ma anche con un tempo così esteso sarebbe impossibile adattare ogni episodio del viaggio di Odisseo. Per questo motivo è probabile che alcune parti della storia vengano ridotte o eliminate per rendere la trama più fluida dal punto di vista cinematografico.

Tra gli episodi che potrebbero essere sacrificati ci sono momenti meno centrali del viaggio, come l’incontro con i Lotofagi o l’attacco dei Lestrigoni, spesso considerati tra gli eventi più difficili da inserire in un adattamento cinematografico. Tuttavia, secondo molti appassionati dell’opera originale, esiste un episodio che il film non dovrebbe assolutamente tagliare: l’incontro con Scilla e Cariddi.

Lo scontro con Scilla e Cariddi è uno dei momenti più importanti del poema

Nel corso del suo viaggio verso Itaca, Odisseo deve attraversare uno stretto pericoloso sorvegliato da due mostri marini leggendari: Scilla e Cariddi.

Scilla è una creatura terrificante con sei teste e dodici zampe, nascosta in una caverna sulla cima di una roccia. Ognuna delle sue teste è dotata di file di denti affilati e può afferrare un marinaio dalla nave mentre questa passa sotto la scogliera. Cariddi, invece, si trova sul lato opposto dello stretto ed è spesso descritta come un enorme vortice marino che inghiotte e risputa l’acqua del mare più volte al giorno.

L’episodio è fondamentale non solo per la spettacolarità visiva dei mostri, ma soprattutto per il significato narrativo che porta con sé. Odisseo infatti si trova davanti a una scelta impossibile: affrontare Scilla, sapendo che perderà inevitabilmente sei uomini della sua ciurma, oppure tentare di passare accanto a Cariddi, rischiando la distruzione totale della nave.

Secondo il racconto dell’opera originale, la maga Circe avverte Odisseo che Scilla è invincibile e che affrontarla rappresenta la scelta meno disastrosa. L’eroe decide quindi di sacrificare parte dell’equipaggio pur di salvare la nave e il resto dei suoi uomini. La scena, descritta nel poema come uno dei momenti più strazianti del viaggio, rappresenta una delle decisioni morali più difficili della storia.

Questo episodio è anche uno dei passaggi che mostrano con maggiore forza la complessità del personaggio di Odisseo. Non si tratta solo di un eroe astuto e coraggioso, ma di un leader costretto a prendere decisioni tragiche per garantire la sopravvivenza del gruppo.

Per questo motivo molti fan ritengono che la sequenza di Scilla e Cariddi sia essenziale nell’adattamento cinematografico. Non solo offre un momento visivamente spettacolare che potrebbe diventare una delle scene più memorabili del film, ma rappresenta anche un passaggio fondamentale nello sviluppo psicologico del protagonista.

Se Nolan decidesse di includere i due mostri, la scena potrebbe diventare uno dei momenti più impressionanti del film. Alcune indiscrezioni hanno già rivelato che la produzione ha realizzato animatronici a grandezza naturale per rappresentare il ciclope Polifemo, segno che il regista potrebbe puntare su effetti pratici e scenografie spettacolari per dare vita alle creature mitologiche.

Ma al di là dell’aspetto visivo, l’elemento più importante resta il peso emotivo della scelta di Odisseo. La decisione di sacrificare parte dei suoi uomini segna infatti una frattura nel rapporto con l’equipaggio e contribuisce alla progressiva perdita di fiducia nei confronti del loro comandante.

Se il film di Nolan riuscirà a rendere questo momento con la stessa intensità emotiva del poema originale, la sequenza di Scilla e Cariddi potrebbe diventare una delle scene più potenti dell’intero adattamento.

Leo Woodall, star di Vladimir, sarebbe in trattativa per interpretare Aragorn in The Hunt for Gollum

Gianmaria Cataldo
-
0
Leo Woodall, star di Vladimir, sarebbe in trattativa per interpretare Aragorn in The Hunt for Gollum

Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum di Andy Serkis sembra profilarsi più come una reunion del cast e della troupe dell’acclamata trilogia di Peter Jackson di quanto avessimo inizialmente immaginato, ma un attore fondamentale potrebbe non tornare nella Terra di Mezzo. Sebbene Serkis (Smeagol/Gollum) sia l’unico attore che è stato ufficialmente confermato per riprendere il suo ruolo, sembra probabile che Sir Ian McKellen (Gandalf) tornerà, e Orlando Bloom (Legolas) ed Elijah Wood (Frodo) hanno indicato che potrebbero apparire anche loro.

Viggo Mortensen ha espresso interesse a interpretare nuovamente Aragorn se ritenesse che la sceneggiatura fosse all’altezza, ma recenti notizie sostengono che si stia cercando un attore più giovane per interpretare l’eroico personaggio, che avrebbe un ruolo molto importante nel film. Ora, arrivano dei primi rumor su chi potrebbe assumere il ruolo. Secondo lo scoop di Daniel Richtman, “Leo Woodall è in trattativa per il ruolo maschile principale in The Hunt for Gollum. Il personaggio non è stato ancora nominato, ma presumo che si tratti di Aragorn/Strider“. Woodall è un attore inglese che si è fatto conoscere per il suo ruolo nella seconda stagione di The White Lotus e attualmente è protagonista della serie Netflix Vladimir.

Grazie alla sua discendenza Númenóreana, Aragorn invecchia molto più lentamente di un uomo normale (aveva 87 anni durante la Guerra dell’Anello), e The Hunt for Gollum è ambientato solo circa 20 anni prima degli eventi de La compagnia dell’anello. Woodall ha 29 anni e sembra significativamente più giovane. Vale la pena notare che l’età di Aragorn viene menzionata solo nell’edizione estesa de Le due torri, quindi è del tutto possibile che The Hunt for Gollum ignori semplicemente il fatto che in realtà non sarebbe sembrato così giovane durante la linea temporale del prequel.

La sinossi di Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum

Per quanto riguarda la trama, invece, TheOneRing.net ha ora rivelato una potenziale sinossi per Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum, svelando diversi dettagli chiave sul prossimo prequel:

“Prima della Compagnia, l’ossessione di una creatura detiene la chiave per la sopravvivenza della Terra di Mezzo… o la sua rovina. In Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum, incontriamo il giovane Smeagol, un emarginato attratto dai ninnoli e dalle malizie, molto prima che l’Unico Anello lo consumasse e iniziasse la sua tragica discesa verso la creatura torturata e ingannevole che è Gollum. Con l’anello perso e portato via da Bilbo Baggins, Gollum si trova costretto a lasciare la sua caverna per cercarlo.

Gandalf il Grigio chiama Aragorn per rintracciare la sfuggente creatura la cui conoscenza del luogo in cui si trova l’anello potrebbe far pendere la bilancia a favore del Signore Oscuro Sauron. Ambientato nel periodo oscuro tra la scomparsa di Bilbo nel giorno del suo compleanno e la formazione della Compagnia, questo pericoloso viaggio attraverso gli angoli più oscuri della Terra di Mezzo rivela verità inconfessabili, mette alla prova la determinazione del suo futuro re ed esplora l’anima frammentata e il passato di Gollum, uno dei personaggi più enigmatici di Tolkien.

Diretto dal membro del cast originale Andy Serkis, prodotto da Peter Jackson e scritto e prodotto da Fran Walsh e Phillipa Boyens, il team creativo dietro la trilogia vincitrice di Oscar, questo film live-action fa da ponte tra gli amati film con nuovi personaggi, eroi che ritornano e una storia delle origini profondamente coinvolgente che resetta il palcoscenico e cambia tutto ciò che sapete sulla leggendaria trilogia de Il Signore degli Anelli”.

Moulin Rouge! torna al cinema: guida al cast e ai personaggi

Chiara Guida
-
0
Moulin Rouge! torna al cinema: guida al cast e ai personaggi

Dal 9 all’11 marzo Moulin Rouge! torna nelle sale per celebrare il suo 25° anniversario. Uscito nel 2001 e diretto da Baz Luhrmann, il film è diventato nel tempo uno dei titoli più riconoscibili del cinema musicale contemporaneo: un’esplosione visiva e sonora che mescola melodramma, pop e citazioni in un racconto d’amore tragico ambientato nella Parigi bohémien di fine Ottocento.

Con il suo stile iperbolico, il montaggio frenetico e l’uso innovativo di canzoni pop reinterpretate, Moulin Rouge! ha ridefinito il musical per il pubblico del nuovo millennio. Il ritorno sul grande schermo è l’occasione per riscoprire non solo la spettacolarità della messa in scena, ma anche i personaggi che popolano questo universo romantico e disperato: artisti, sognatori e opportunisti che ruotano attorno al celebre cabaret parigino. Ognuno di loro incarna una diversa idea di amore, arte e libertà, contribuendo a costruire la dimensione emotiva e teatrale del film.

Nicole Kidman è Satine

Satine è il cuore luminoso e tragico del Moulin Rouge. Conosciuta come “il diamante scintillante”, è la stella più brillante del cabaret, una performer capace di ipnotizzare il pubblico con la sua presenza scenica e la sua sensualità. Dietro l’immagine scintillante si nasconde però una donna intrappolata in un sistema che la costringe a trasformare il fascino e l’amore in merce di scambio. Satine sogna una vita diversa: vorrebbe diventare una vera attrice e conquistare l’indipendenza, lasciandosi alle spalle il ruolo di cortigiana di lusso. L’incontro con Christian rappresenta per lei la possibilità di credere a un amore autentico, non mediato dal denaro o dal potere.

A interpretarla è Nicole Kidman, che con questo ruolo ha consolidato la propria immagine di diva capace di unire spettacolarità e intensità emotiva. Per il film ha affrontato numeri musicali complessi e un impegnativo lavoro vocale, ottenendo una candidatura all’Oscar come miglior attrice. La sua interpretazione contribuisce in modo decisivo alla dimensione melodrammatica del film.

Ewan McGregor è Christian

Christian è il punto di ingresso dello spettatore nell’universo del Moulin Rouge. Giovane scrittore inglese arrivato a Parigi per vivere la vita bohémien, incarna l’ideale romantico dell’artista che crede nella forza assoluta dell’amore e della creatività. Fin dall’inizio appare ingenuo e appassionato: è convinto che l’arte possa cambiare il mondo e che l’amore sia un valore puro, non contaminato da interessi materiali. Questa visione lo distingue dal cinismo e dalle logiche economiche che governano il cabaret e il mondo dello spettacolo. Quando incontra Satine vede in lei la realizzazione del sogno romantico che aveva sempre immaginato. Il loro amore diventa il motore emotivo della storia ma anche il nucleo drammatico del film.

Il personaggio è interpretato da Ewan McGregor, attore scozzese già noto al grande pubblico per film come Trainspotting e la saga di Star Wars. In Moulin Rouge! McGregor mette in mostra anche le proprie capacità vocali, contribuendo con energia e sensibilità alla dimensione musicale del film.Moulin Rouge!

Jim Broadbent è Harold Zidler

Harold Zidler è il carismatico e instancabile impresario del Moulin Rouge, l’uomo che tiene insieme il caos creativo del cabaret e ne dirige lo spettacolo permanente. Energico, teatrale e pragmatico, rappresenta la dimensione imprenditoriale del mondo dello spettacolo. Per lui il Moulin Rouge non è soltanto un luogo di divertimento ma una macchina complessa che deve continuare a funzionare, attirare pubblico e generare profitto. La sua personalità è fatta di entusiasmo, esagerazione e una costante capacità di improvvisazione: canta, organizza, persuade e manipola con la stessa naturalezza. Nonostante questo lato opportunista, Zidler non è semplicemente un cinico. Nutre un affetto autentico per le artiste del locale, in particolare per Satine, che considera quasi una figlia oltre che la sua attrazione principale. Proprio questa ambivalenza lo rende un personaggio interessante, costretto a bilanciare il sogno artistico con le necessità economiche.

A interpretarlo è Jim Broadbent, uno dei più versatili caratteristi britannici. La sua interpretazione combina comicità, energia teatrale e momenti di autentica partecipazione emotiva. Poco dopo l’uscita del film, Broadbent avrebbe vinto l’Oscar come miglior attore non protagonista per Iris, confermando la statura internazionale di un interprete capace di muoversi con naturalezza tra cinema d’autore e produzioni spettacolari.

John Leguizamo è Henri de Toulouse-Lautrec

Nella vita reale, Henri de Toulouse-Lautrec era uno dei membri più eccentrici e brillanti della comunità bohémien che frequenta il Moulin Rouge. Pittore e autore teatrale, rappresenta l’artista che vive ai margini della società borghese e che trova nella notte parigina il proprio habitat creativo. Nel film è il leader informale del gruppo di bohémien che include musicisti, attori e performer impegnati a realizzare uno spettacolo rivoluzionario. Toulouse-Lautrec incarna lo spirito dell’avanguardia artistica: è ironico, provocatorio e profondamente convinto che l’arte debba celebrare la libertà, la verità e soprattutto l’amore. È lui a formulare il motto che guida il gruppo: “Libertà, bellezza, verità e amore”. Nonostante il tono spesso comico e la sua personalità sopra le righe, possiede anche una dimensione malinconica. Consapevole della propria marginalità, osserva il mondo con uno sguardo disincantato ma appassionato. Nel rapporto tra Christian e Satine svolge quasi il ruolo di mentore artistico.

A interpretarlo è John Leguizamo, attore e performer noto per la sua grande versatilità tra teatro, cinema e televisione. Per il ruolo Leguizamo ha affrontato un lavoro fisico e vocale molto specifico, contribuendo a rendere il personaggio uno dei più memorabili dell’universo bohémien immaginato da Luhrmann.

Richard Roxburgh è Il Duca di Monroth

Il Duca di Monroth è l’antagonista principale della storia e rappresenta il potere economico che incombe sul mondo bohémien del Moulin Rouge. Ricco, aristocratico e abituato a ottenere tutto ciò che desidera, vede il cabaret e le persone che lo frequentano come oggetti da possedere. Il suo interesse per Satine nasce inizialmente come una forma di attrazione esclusiva: vuole farne la propria amante e, in cambio, promette di finanziare la trasformazione del Moulin Rouge in un grande teatro. Questo accordo mette immediatamente Satine in una posizione impossibile, costringendola a fingere sentimenti che non prova. Il duca è guidato da un’ossessione per il controllo. A differenza di Christian, che crede nell’amore libero, lui interpreta il sentimento come una forma di proprietà. Questa visione lo rende sempre più geloso e minaccioso quando percepisce la relazione segreta tra Satine e il poeta.

Il personaggio è interpretato da Richard Roxburgh, attore australiano noto per la sua capacità di incarnare figure ambigue e autoritarie. In Moulin Rouge! Roxburgh costruisce un antagonista elegante ma inquietante e a tratti farsesco, contribuendo a definire il tono particolare del film diventato culto.

Ghostbusters 6 riceve un aggiornamento, due anni dopo il deludente incasso di Minaccia Glaciale

Gianmaria Cataldo
-
0
Ghostbusters 6 riceve un aggiornamento, due anni dopo il deludente incasso di Minaccia Glaciale

Dopo due anni di incertezze, Mckenna Grace fornisce un aggiornamento su Ghostbusters 6. Grace è entrata a far parte del franchise in Ghostbusters: Legacy, sequel che riprende la saga 30 anni dopo gli eventi di Ghostbusters II. Ha poi ripreso il ruolo di Phoebe Spengler nel sequel del 2024 Ghostbusters: Minaccia Glaciale (leggi qui la recensione), che ha avuto un rendimento deludente al botteghino, incassando solo 200 milioni di dollari in tutto il mondo a fronte di un budget di 100 milioni. Da allora, il destino di un Ghostbusters 6 è rimasto incerto.

LEGGI ANCHE: Ghostbusters – Minaccia glaciale: la spiegazione del finale del film di Gil Kenan

Durante un’intervista con The Hollywood Reporter per il suo ruolo in Scream 7, a Grace è però stato chiesto dello stato del franchise di Ghostbusters. L’attrice ha allora dichiarato: “Penso che ci sia sempre speranza. Personalmente, non ho sentito nulla di recente. Se avessi saputo qualcosa, sarei stata più riservata, ma mi piacerebbe molto interpretare di nuovo Phoebe. Ha avuto un ruolo così importante nella mia carriera, ma anche nella mia infanzia e adolescenza. Sono cresciuta interpretandola. È stato un grande onore per me far parte di Ghostbusters e contribuire a farlo conoscere alle generazioni più giovani”.

Ha poi aggiunto: “Quindi sarei sempre onorata di interpretare di nuovo Phoebe, e se fosse per il prossimo anno, credo che a questo punto ne avrei già sentito parlare. Al giorno d’oggi, qualsiasi franchise o film ha la possibilità di tornare in qualsiasi momento, quindi mi chiedo quando potrebbe succedere. Spero davvero di poterlo fare, e so che si parla sempre di realizzare altri film quando qualcosa ha avuto successo o un grande seguito. Quindi incrocio sempre le dita. Al momento non ne ho idea, ma penso sicuramente che potrebbe essere una possibilità in futuro”.

Nel dicembre 2024 è stato riferito che Sony Animation e Netflix hanno in cantiere un film d’animazione sui Ghostbusters, anche se i dettagli della trama sono rimasti segreti. Se questo progetto dovesse concretizzarsi per primo, finirebbe per essere il sesto film invece del sequel di Minaccia Glaciale con Phoebe e altri personaggi dei film più recenti. Tuttavia, se il sequel live action dovesse vedere la luce, Dan Aykroyd ha chiarito nel 2024 che non crede che lui o le altre star originali saranno coinvolti questa volta, spiegando: “Non vedo perché avrebbero bisogno di noi per portarlo avanti. Hanno un cast completamente nuovo e idee completamente nuove. Penso che probabilmente andranno avanti, superando gli originali, come dovrebbero“.

Five Nights At Freddy’s 3 riceve un importante aggiornamento da parte di Skeet Ulrich

Gianmaria Cataldo
-
0
Five Nights At Freddy’s 3 riceve un importante aggiornamento da parte di Skeet Ulrich

Skeet Ulrich, protagonista di Five Nights at Freddy’s, sembra aver rivelato un importante aggiornamento riguardante l’attesissimo terzo capitolo della serie, Five Nights at Freddy’s 3. Da quando il finale sospeso di Five Nights at Freddy’s 2 ha fatto infuriare diversi spettatori, i fan della serie ispirata al videogioco sono alla disperata ricerca di qualsiasi aggiornamento sul terzo film. Alcuni temevano addirittura che non ci sarebbe stato un altro capitolo a causa degli scarsi risultati ottenuti dal sequel. Tuttavia, il pubblico potrebbe essere in grado di mettere da parte queste paure.

LEGGI ANCHE: Five Nights At Freddy’s 2, spiegazione del finale e delle scene post credits: come preparano il terreno per FNAF3

Durante un panel al Monster-Mania Con, Ulrich, che ha recitato nel secondo capitolo della serie nel ruolo di Henry Emily, ha rivelato che il terzo capitolo della serie è in fase di sviluppo iniziale. L’attore ha spiegato che, pur non potendo rivelare troppi dettagli su Five Nights at Freddy’s 3, ritiene che sia attualmente in fase di scrittura, affermando che, secondo quanto riferito, sono stati appena assunti nuovi sceneggiatori.

“Da quanto ho capito, il terzo film è, beh, chi può dirlo? Ma, sapete, a quanto pare ci saranno molti Henry Emily e William Afton, ma ad essere sinceri, lo stanno scrivendo adesso. Hanno appena assunto gli sceneggiatori, quindi sono… è troppo presto per me per dirlo”, sono le parole dell’attore.

Sebbene i commenti di Ulrich siano ottimistici, è importante ricordare che al momento della pubblicazione di questo articolo non c’è stata alcuna conferma ufficiale. La riluttanza dell’attore a confermare davvero qualcosa significa che Five Nights at Freddy’s 3 potrebbe non vedere ancora la luce. Tuttavia, la regista dei primi due film, Emma Tammi, ha dichiarato a ScreenRant a dicembre che stanno discutendo la possibilità di realizzare un altro film, ma ha chiarito che si tratta solo di una conversazione.

LEGGI ANCHE: Five Nights at Freddy’s 2: la regista spiega come il finale anticipa un terzo film

Five Nights at Freddy’s, come noto, è basato su una popolare serie di videogiochi con lo stesso nome. I film seguono Mike Schmidt (Josh Hutcherson), una guardia di sicurezza che incontra degli animatronici infestati dalle anime dei bambini uccisi dal serial killer William Afton (Matthew Lillard). I film vedono anche la partecipazione di Elizabeth Lail nel ruolo di Vanessa e Piper Rubio nel ruolo della sorella minore di Mike, Abby.

Writers Guild Awards 2026: I Peccatori e Una Battaglia dopo l’altra sono i vincitori

Chiara Guida
-
0
Writers Guild Awards 2026: I Peccatori e Una Battaglia dopo l’altra sono i vincitori

I Peccatori di Ryan Coogler è stato tra i vincitori dei Writers Guild Awards 2026. Il film horror soprannaturale ha vinto il premio per la migliore sceneggiatura originale alla cerimonia di premiazione, presentata dal comico Roy Wood, Jr. Nel frattempo, Una Battaglia dopo l’Altra di Paul Thomas Anderson si è aggiudicato il premio dell’organizzazione per la migliore sceneggiatura non originale.

Per quanto riguarda la televisione, The Pitt ha ricevuto sia il premio per la migliore serie drammatica che quello per la migliore nuova serie, mentre The Studio si è aggiudicato il premio per la migliore serie comica.

Sebbene solitamente si tengano due cerimonie contemporaneamente, una a New York e l’altra a Los Angeles, la WGA West ha annullato il suo spettacolo annuale all’inizio di questo mese, poiché il suo staff è ancora in sciopero. Il sindacato del personale della Writers Guild, in sciopero il 17 febbraio, chiede salari più alti e tutele per “giusta causa” nel processo disciplinare dei dipendenti.

Alla cerimonia di New York, Stephen Colbert ha ricevuto il Walter Bernstein Award, che viene assegnato a “un membro della Writers Guild che ha dimostrato con creatività, grazia e coraggio la volontà di affrontare l’ingiustizia sociale di fronte alle avversità”, si legge in una descrizione della WGA.

Il “Late Show” di Colbert è stato cancellato dalla CBS per quelle che la rete ha definito ragioni finanziarie, in un contesto di mutevole panorama dell’industria televisiva. Ma la decisione è arrivata anche nel mezzo del vortice della fusione tra l’ex società madre della CBS, Paramount Global, e Skydance Media di David Ellison. La politica e il ruolo di Colbert come critico di lunga data e di spicco dell’amministrazione Trump sono considerati fattori importanti nella decisione della CBS di chiudere “The Late Show” a partire dal 21 maggio, dopo 11 stagioni. Almeno per ora, la rete abbandonerà i contenuti originali in seconda serata.

Colbert ha anche ringraziato il suo team di sceneggiatori in seconda serata, dicendo dopo la serie di battute tagliate: “Se vi piace qualcuna di queste idee, per favore assumete queste persone adorabili dopo il 21 maggio”.

In seguito ha aggiunto: “Ho adorato il tempo trascorso insieme, che non è stato tanto quanto avrei voluto… Se avete mai avuto la fortuna di essere in quella stanza [degli autori], vorrete sempre essere in quel sound. E la cosa davvero difficile sarà sentire la mancanza di queste persone che, nonostante l’inferno che ci trasmettono le notizie, rendono possibile ogni giorno un sound meraviglioso”.

Ecco tutti i vincitori dei Writers Guild Awards 2026

SCREENPLAY

ORIGINAL SCREENPLAY

Sinners, Written by Ryan Coogler; Warner Bros. Pictures

ADAPTED SCREENPLAY

One Battle After Another, Screenplay by Paul Thomas Anderson, Screen Story by Paul Thomas Anderson, Inspired by the novel Vineland by Thomas Pynchon; Warner Bros. Pictures

DOCUMENTARY SCREENPLAY

2,000 Meters to Andriivka, Written by Mstyslav Chernov; Frontline Features

TELEVISION, STREAMING, AND NEWS

DRAMA SERIES

The Pitt, Written by Cynthia Adarkwa, Simran Baidwan, Valerie Chu, R. Scott Gemmill, Elyssa Gershman, Joe Sachs, Noah Wyle; HBO | Max

COMEDY SERIES

The Studio, Written by Evan Goldberg, Alex Gregory, Peter Huyck, Frida Perez, Seth Rogen; Apple TV 

NEW SERIES

The Pitt, Written by Cynthia Adarkwa, Simran Baidwan, Valerie Chu, R. Scott Gemmill, Elyssa Gershman, Joe Sachs, Noah Wyle; HBO | Max

LIMITED SERIES

Dying for Sex, Written by Sheila Callaghan, Harris Danow, Madeleine George, Elizabeth Meriwether, Kim Rosenstock, Sasha Stewart, Sabrina Wu, Keisha Zollar; FX/Hulu

TV & STREAMING MOTION PICTURES

Deep Cover, Written by Derek Connolly & Colin Trevorrow; Prime Video

ANIMATION

“Shira Can’t Cook” (Long Story Short) Written by Mehar Sethi; Netflix

EPISODIC DRAMA

“7:00 A.M.” (The Pitt), Written by R. Scott Gemmill; HBO | Max

EPISODIC COMEDY

“Prelude” (The Righteous Gemstones), Written by John Carcieri, Jeff Fradley, Danny R. McBride; HBO | Max

COMEDY/VARIETY SERIES – TALK OR SKETCH 

Last Week Tonight with John Oliver, Senior Writers: Daniel O’Brien, Owen Parsons, Charlie Redd, Joanna Rothkopf, Seena Vali; Writers: Johnathan Appel, Ali Barthwell, Tim Carvell, Liz Hynes, Ryan Ken, Sofía Manfredi, John Oliver, Taylor Kay Phillips, Chrissy Shackelford; HBO | Max

COMEDY/VARIETY SPECIALS

Marc Maron: Panicked, Written by Marc Maron; HBO | Max 

QUIZ AND AUDIENCE PARTICIPATION

Celebrity Jeopardy!, Head Writer: Robert Patton Writers: Kyle Beakley, Michael Davies, Terence Gray, Amy Ozols, Tim Siedell, David Levinson-Wilk; ABC

DAYTIME DRAMA

The Young and the Restless, Associate Head Writers: Jeff Beldner, Marla Kanelos, Dave Ryan; Writers: Susan Banks, Amanda L. Beall, Marin Gazzaniga, Rebecca McCarty, Madeleine Phillips; CBS/Paramount +

CHILDREN’S EPISODIC, LONG FORM AND SPECIALS 

“When We Lose Someone” (Tab Time), Written by Sean Presant; YouTube 

SHORT FORM STREAMING

The Rabbit Hole with Jimmy Kimmel, Writers: Jimmy Kimmel & Jesse Joyce; YouTube

DOCUMENTARY SCRIPT – CURRENT EVENTS

“Trump’s Power & the Rule of Law” (Frontline), Written by Michael Kirk & Mike Wiser; PBS

DOCUMENTARY SCRIPT – OTHER THAN CURRENT EVENTS

“Forgotten Hero: Walter White and the NAACP” (American Experience), Written by Rob Rapley; PBS

NEWS SCRIPT – REGULARLY SCHEDULED, BULLETIN, OR BREAKING REPORT  

“Devastating Flooding in Texas” (World News Tonight with David Muir), Written by David Muir, Karen Mooney, and Dave Bloch; ABC News

NEWS SCRIPT – ANALYSIS, FEATURE, OR COMMENTARY

Remembering Palestinian Journalists Killed by Israeli Forces, Written by Lisa Salinas; MSNBC

DIGITAL NEWS

“An Isolated Boarding School Promised to Help Troubled Girls. Former Students Say They Were Abused.”, Written by Sebastian Murdock and Taiyler Mitchell; HuffPost

RADIO/AUDIO

RADIO/AUDIO DOCUMENTARY

“Jerry Lewis’ Lost Holocaust Clown Movie” (Decoder Ring), Written by Max Freedman; Slate

RADIO/AUDIO NEWS SCRIPT – REGULARLY SCHEDULED, BULLETIN, OR BREAKING REPORT 

“ABC News Radio Top of the Hour News”, Written by Robert Hawley; ABC News Radio

RADIO/AUDIO NEWS SCRIPT – ANALYSIS, FEATURE, OR COMMENTARY 

“The Life and Legacy of Jimmy Carter”, Written by Gail Lee; CBS News Radio

PROMOTIONAL WRITING

ON-AIR PROMOTION 

“CBS Comedy”, Written by Dan Greenberger; CBS

Avengers: Doomsday, il merchandising ufficiale svela il minaccioso Dottor Destino di Robert Downey Jr.

Gianmaria Cataldo
-
0
Avengers: Doomsday, il merchandising ufficiale svela il minaccioso Dottor Destino di Robert Downey Jr.

Il Dottor Destino interpretato da Robert Downey Jr. appare minaccioso nei nuovi prodotti di Avengers: Doomsday. Le attività promozionali per il prossimo film culminante della Marvel Cinematic Universe continuano anche dopo l’uscita dei suoi intriganti teaser. Il marketing per Avengers: Doomsday è iniziato a dicembre con la conferma del ritorno di Chris Evans nei panni di Steve Rogers. Da allora, la Marvel Studios ha offerto diversi primi sguardi per gli eroi confermati nel film, ma nulla ancora per il suo cattivo principale.

Segnando il ritorno di Downey nell’MCU dopo il record battuto da Avengers: Endgame, che ha concluso la sua carriera come Tony Stark/Iron Man, il film di Joe e Anthony Russo è pronto a dare inizio alla fine della saga del Multiverso. Diretto dai fratelli Russo, il film vedrà dunque la partecipazione di alcuni dei personaggi più importanti sia dell’MCU che degli universi Marvel adiacenti per l’ultima configurazione di Avengers: Secret Wars.

Mentre l’attesa per il debutto del trailer del cattivo interpretato da Downey continua nel nuovo anno, un nuovo prodotto di Avengers: Doomsday (tramite @RealJoseObregon) offre un nuovo sguardo al Dottor Destino, che appare davvero spaventoso. A differenza delle versioni precedenti, in cui il personaggio sembrava essere stato illustrato, questa sembra essere stata presa da un filmato live-action e stampata sul portachiavi.

Nonostante la scarsa qualità dell’immagine di Dottor Destino sul portachiavi, è impressionante che la Marvel Studios e la Disney siano riuscite a renderlo imponente, soprattutto perché non include nemmeno il corpo intero del personaggio. Mentre Downey ha interpretato un eroe mascherato per 11 anni nell’MCU nei panni di Iron Man, Kevin Feige e il suo team hanno trovato il modo di mostrare il suo volto il più spesso possibile. È curioso come siano riusciti a farlo con Doctor Doom in Avengers: Doomsday, se stanno cercando di replicare quel trucco narrativo.

Comprensibilmente, ci sono dei paragoni tra questo particolare aspetto di Dottor Destino e quello di Ebony Maw, membro del Black Order, principalmente a causa del colore del suo viso e della sua struttura complessiva. Si spera che questo venga corretto in Avengers: Doomsday, o quando verrà finalmente rivelata un’immagine migliore del cattivo interpretato da Downey. In ogni caso, è anche possibile che il paragone sia dovuto principalmente all’emozione trasmessa dalla foto sopra citata. Come già accennato, probabilmente ci saranno altre varianti di Dottor Destino nel film.

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

La sinossi ufficiale conferma il ritorno di Robert Downey Jr. all’interno dell’universo Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al momento sotto riserbo. Stephen McFeely e Michael Waldron risultano accreditati come sceneggiatori.

Il cast di Avengers: Doomsday è stato rivelato per la prima volta durante una diretta streaming a sorpresa della Marvel Studios, in cui diverse sedie hanno svelato il ritorno di numerosi attori. Una delle grandi novità è il ritorno di diversi attori degli X-Men dell’era Fox-Marvel.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd (Ant-Man), Simu Liu (Shang-Chi), Tom Hiddleston (Loki), Lewis Pullman (Bob/Sentry), Florence Pugh (Yelena), Danny Ramirez (Falcon), Ian McKellen (Magneto), Sebastian Stan (Bucky), Winston Duke (M’Baku), Chris Hemsworth (Thor), Kelsey Grammer Bestia), James Marsden (Ciclope), Channing Tatum (Gambit), Wyatt Russell (U.S. Agent), Vanessa Kirby (Sue Storm), Rebecca Romijn (Mystica), Patrick Stewart (Professor X), Alan Cumming (Nightcrawler), Letitia Wright (Black Panther), Tenoch Huerta Mejia (Namor), Pedro Pascal (Reed Richards), Hannah John-Kamen (Ghost), Joseph Quinn (Johnny Storm), David Harbour (Red Guardian), Robert Downey Jr. (Dottor Destino), Ebon Moss-Bachrach (La Cosa), Anthony Mackie (Captain America) e Chris Evans (Captain America).

Material Love: la storia vera che ha ispirato il nuovo film di Celine Song

Redazione
-
0
Material Love: la storia vera che ha ispirato il nuovo film di Celine Song

Dopo il successo internazionale di Past Lives, la regista e sceneggiatrice Celine Song torna a esplorare i temi delle relazioni e delle scelte sentimentali con Material Love (Materialists). Il film, interpretato da Dakota Johnson, Pedro Pascal e Chris Evans, racconta un triangolo amoroso ambientato nel mondo esclusivo dei matchmaker di New York.

Come già accaduto con Past Lives, anche questa nuova opera nasce da un’esperienza personale della regista. Prima di affermarsi nel cinema, infatti, Song lavorò realmente come matchmaker per alcuni mesi a New York. Un’esperienza breve ma intensa che le permise di osservare da vicino le dinamiche delle relazioni contemporanee, soprattutto in un contesto in cui l’amore viene spesso trattato come una questione di compatibilità sociale, economica e persino matematica.

In Materialists questa esperienza reale diventa il punto di partenza per una riflessione più ampia su come l’amore venga influenzato da aspettative sociali, successo professionale e parametri apparentemente oggettivi come l’età, l’altezza o il reddito. Ma soprattutto, il film cerca di rispondere a una domanda molto semplice e allo stesso tempo complessa: è possibile ridurre l’amore a una formula?

Dall’esperienza personale di Celine Song alla nascita del film

Prima di diventare una regista affermata, Celine Song si trasferì a New York per lavorare come drammaturga. Come molti giovani artisti nella città, aveva bisogno di un lavoro per mantenersi mentre cercava di costruire la propria carriera creativa.

Non avendo esperienza nei classici lavori di servizio della città – come barista o commessa – Song finì per scoprire una professione piuttosto insolita. Durante una festa conobbe una matchmaker professionista e rimase affascinata da quel mondo. Quasi per curiosità decise di candidarsi per lo stesso lavoro.

Per circa sei mesi lavorò mettendo in contatto single benestanti alla ricerca del partner ideale. Il suo compito consisteva nel raccogliere informazioni dettagliate sui clienti e trovare la persona più compatibile con loro. In teoria si trattava di una professione molto pragmatica, basata su criteri misurabili come età, altezza, carriera e situazione economica.

Tuttavia, proprio quell’esperienza rivelò alla regista quanto l’amore e le relazioni siano difficili da ridurre a numeri. Song ha raccontato più volte che quei mesi le insegnarono moltissimo sulla natura umana. Osservando i suoi clienti capì quanto spesso le persone costruiscano un’idea astratta del partner perfetto, basata su aspettative sociali o culturali più che su un vero legame emotivo.

Da questa osservazione nasce il cuore narrativo di Materialists.

Il personaggio di Lucy e il mondo dei matchmaker di New York

Nel film, Dakota Johnson interpreta Lucy, una matchmaker di alto livello che lavora per una prestigiosa agenzia di New York. Lucy è estremamente competente nel suo lavoro e ha già aiutato numerosi clienti a trovare il partner ideale, portando a diversi matrimoni di successo.

Il suo metodo è però estremamente razionale. Lucy affronta le relazioni come se fossero un problema da risolvere con dati e statistiche. Quando incontra i clienti, li spinge a ragionare su parametri concreti: reddito, altezza, età, livello di istruzione. In sostanza, la compatibilità sentimentale viene trasformata in una sorta di algoritmo sociale.

Questo approccio riflette una realtà sempre più diffusa nella cultura contemporanea. Le app di incontri e i servizi di matchmaking spesso funzionano proprio così: le persone vengono abbinate in base a criteri che cercano di prevedere la compatibilità tra due individui.

Nel film, però, Lucy si trova presto a mettere in discussione il suo stesso metodo.

Il triangolo amoroso tra sicurezza economica e sentimento autentico

Il conflitto centrale della storia nasce quando Lucy si ritrova coinvolta in un triangolo sentimentale che mette alla prova tutte le sue convinzioni.

Da una parte c’è Harry, interpretato da Pedro Pascal. È un uomo ricco, affascinante e di grande successo. In termini di “mercato degli appuntamenti”, rappresenta praticamente il candidato perfetto: bello, alto, sicuro economicamente e socialmente rispettato.

Dall’altra parte c’è John, interpretato da Chris Evans. È l’ex fidanzato di Lucy, un aspirante attore che lavora come cameriere. Il loro rapporto era sincero e profondo, ma la relazione era finita proprio a causa delle difficoltà economiche e delle differenze di ambizione.

Lucy si trova quindi davanti a una scelta che rappresenta uno dei dilemmi più universali nelle relazioni umane: seguire la logica o seguire il cuore.

Attraverso questo triangolo, Celine Song mette in scena un conflitto molto contemporaneo. In un mondo in cui il successo economico e lo status sociale sembrano avere sempre più peso nelle relazioni, quanto spazio rimane per i sentimenti autentici?

Il tema del “mercato degli appuntamenti” e la pressione sociale

Chris Evans e Dakota Johnson in Material Love
Chris Evans e Dakota Johnson in Material Love

Uno degli aspetti più interessanti di Material Love riguarda la riflessione sul cosiddetto “dating market”, cioè il modo in cui le relazioni romantiche vengono influenzate da logiche di mercato.

Nel film, ad esempio, viene affrontato il tema degli standard fisici e sociali che determinano il valore percepito di una persona nel mondo degli appuntamenti. In una scena particolarmente significativa, Lucy e una collega discutono di un intervento chirurgico che permette agli uomini di aumentare la propria altezza.

Nel corso della storia si scopre che Harry ha effettivamente affrontato questo intervento, aggiungendo diversi centimetri alla sua statura. Dopo l’operazione, racconta, la sua vita sentimentale è cambiata radicalmente: improvvisamente molte più donne hanno iniziato a mostrarsi interessate a lui.

La scena può sembrare ironica o persino comica, ma per Celine Song rappresenta qualcosa di profondamente triste. Mostra infatti quanto le persone possano sentirsi costrette ad adattarsi a standard sociali per essere considerate desiderabili.

Un film che cerca di raccontare anche la vulnerabilità maschile

Un aspetto che la regista ha voluto sottolineare riguarda il modo in cui il sistema degli appuntamenti moderni colpisce anche gli uomini. Spesso le storie romantiche tendono a raccontare il punto di vista femminile, ma Song ha spiegato di voler mostrare come anche gli uomini possano essere schiacciati dalle aspettative sociali.

Nel film, il personaggio di Harry rappresenta proprio questo tipo di pressione. Nonostante il successo economico e la sicurezza apparente, anche lui ha dovuto trasformarsi per adattarsi agli standard richiesti dal mondo delle relazioni.

Secondo Song, questo dimostra che il problema non riguarda solo un genere. L’intero sistema delle relazioni contemporanee può diventare una forma di competizione in cui le persone si valutano reciprocamente come se fossero prodotti.

Il vero messaggio di Materialists: l’amore non è un algoritmo

Alla fine, però, il film non vuole essere un semplice ritratto cinico del mondo degli appuntamenti moderni. Al contrario, Celine Song cerca di ricordare che l’amore autentico non segue logiche razionali.

Nel corso della storia Lucy capisce progressivamente che nessuna formula matematica può prevedere la nascita di un vero legame emotivo. Le caratteristiche materiali che sembrano così importanti nella teoria – ricchezza, successo, aspetto fisico – perdono valore quando entrano in gioco i sentimenti.

Per questo motivo il film torna alla domanda centrale che attraversa tutta la filmografia della regista: quanto controllo abbiamo davvero sull’amore?

Secondo Song, la risposta è sorprendentemente semplice. Nonostante tutte le complicazioni della vita moderna, l’amore resta qualcosa che non può essere programmato o pianificato.

Quando accade davvero, semplicemente succede.

Un solo Targaryen apparirà in Game of Thrones, House of the Dragon e A Knight of the Seven Kingdoms

Redazione
-
0
Un solo Targaryen apparirà in Game of Thrones, House of the Dragon e A Knight of the Seven Kingdoms

L’universo televisivo di Game of Thrones continua ad espandersi con nuovi progetti ambientati nel mondo creato da George R.R. Martin. Dopo il successo della serie originale e del prequel House of the Dragon, HBO sta preparando anche A Knight of the Seven Kingdoms, una nuova serie ambientata circa novant’anni prima degli eventi di Game of Thrones. Nonostante la presenza diffusa della dinastia Targaryen nella storia di Westeros, solo un personaggio della famiglia apparirà in tutte e tre le serie: Brynden Rivers, conosciuto anche come Bloodraven.

Dal debutto della serie originale nel 2011, il franchise televisivo ha conosciuto una crescita enorme. Oggi Game of Thrones rappresenta uno dei mondi narrativi fantasy più vasti della televisione, con diversi spin-off in sviluppo. Il primo prequel, House of the Dragon, ha raccontato l’epoca d’oro e la caduta della Casa Targaryen, concentrandosi sulla guerra civile nota come Danza dei Draghi.

Il secondo prequel, A Knight of the Seven Kingdoms, invece seguirà una strada molto diversa. Basato sulle novelle di George R.R. Martin dedicate a Dunk ed Egg, la serie racconterà le avventure di Ser Duncan l’Alto e del giovane Aegon Targaryen, futuro re di Westeros. A differenza delle altre serie del franchise, questa storia si concentra su personaggi più vicini al popolo e meno sui giochi di potere della nobiltà.

Brynden Rivers sarà il collegamento tra le tre serie di Westeros

Il personaggio che fungerà da ponte tra tutte le serie è Brynden Rivers, uno dei cosiddetti “Grandi Bastardi” di re Aegon IV Targaryen. Nella cronologia della saga, Rivers è conosciuto anche con il nome di Bloodraven e in seguito diventerà il misterioso Corvo con Tre Occhi che guida Bran Stark nel mondo della magia e delle visioni.

Il Corvo con Tre Occhi appare per la prima volta in Game of Thrones nei sogni di Bran Stark, prima sotto forma di corvo e poi come figura umana nella quarta stagione. In questa fase della storia il personaggio è ormai un’entità quasi mistica, che vive da secoli tra le radici degli alberi di weirwood e addestra Bran a diventare il suo successore.

Per molto tempo i fan hanno ipotizzato che il Corvo con Tre Occhi fosse proprio Brynden Rivers, ma questa teoria è stata confermata solo successivamente nel franchise televisivo. In House of the Dragon stagione 2, durante una visione di Daemon Targaryen, compare infatti una figura con il caratteristico marchio rosso di Rivers mentre si fonde con un albero di weirwood, collegando definitivamente i due personaggi.

La futura serie A Knight of the Seven Kingdoms offrirà però l’occasione di vedere Brynden Rivers in una fase completamente diversa della sua vita. Prima di diventare il Corvo con Tre Occhi, Bloodraven fu una figura politica e militare estremamente influente a Westeros. Partecipò alle ribellioni Blackfyre e fu nominato Mano del Re, distinguendosi per le sue capacità strategiche e la sua lealtà alla corona.

Se la serie verrà rinnovata per più stagioni, Brynden Rivers dovrebbe apparire negli eventi legati alla Seconda Ribellione Blackfyre, raccontata nella novella The Mystery Knight. Questo momento della storia segna anche l’incontro tra Rivers e i protagonisti Dunk ed Egg, creando un importante collegamento tra la politica di Westeros e le avventure dei due eroi.

La sua presenza in A Knight of the Seven Kingdoms potrebbe quindi essere molto più significativa rispetto alle apparizioni viste finora nelle altre serie. Per la prima volta il pubblico potrà conoscere Brynden Rivers non solo come figura mistica o leggenda del passato, ma come un uomo immerso nei giochi di potere e nelle battaglie che hanno plasmato la storia dei Targaryen.

La Sposa delude al box office: il film con Christian Bale rischia di perdere decine di milioni

Redazione
-
0
La Sposa delude al box office: il film con Christian Bale rischia di perdere decine di milioni

Il debutto al cinema di La Sposa (The Bride!) non sta andando come sperato. Il film diretto da Maggie Gyllenhaal e interpretato da Christian Bale e Jessie Buckley ha aperto il suo primo weekend al botteghino con risultati molto inferiori alle aspettative, mettendo seriamente a rischio la redditività del progetto. La pellicola rappresenta anche una delle prime uscite importanti di Warner Bros. dopo il recente annuncio dell’accordo che porterà Paramount Global e Skydance Media ad acquisire lo studio.

Secondo le prime stime pubblicate da Variety, il film dovrebbe chiudere il suo weekend d’esordio con circa 13,6 milioni di dollari a livello globale. Di questi, 7,3 milioni arrivano dal mercato domestico statunitense, mentre altri 6,3 milioni provengono dai mercati internazionali. Negli Stati Uniti il film ha debuttato al terzo posto della classifica, dietro al nuovo capitolo della saga horror Scream 7 e al film d’animazione Pixar Hoppers, che ha invece aperto con circa 45 milioni di dollari.

Il risultato è particolarmente significativo perché interrompe una lunga serie positiva per Warner Bros., che negli ultimi mesi aveva ottenuto nove film consecutivi al primo posto del box office americano nel weekend di apertura. Il debutto del film è stato inoltre inferiore alle previsioni iniziali degli analisti, che stimavano un incasso tra i 10 e i 15 milioni di dollari nel primo fine settimana negli Stati Uniti.

I costi di produzione rendono difficile recuperare al botteghino

Christian Bale e Jessie Buckley in La sposa! (2026)
Cortesia © Warner Bros Discovery

Il problema principale per La Sposa (The Bride!) riguarda i costi complessivi del progetto. Secondo le stime riportate dalla stampa americana, il film sarebbe costato circa 90 milioni di dollari per la produzione, ai quali si aggiungono circa 50 milioni per la campagna marketing e promozionale.

Considerando che le sale trattengono circa metà degli incassi dei biglietti, il film dovrebbe raggiungere circa 280 milioni di dollari al botteghino globale per arrivare al punto di pareggio. Un obiettivo che appare estremamente difficile alla luce del debutto registrato nel primo weekend.

Anche la risposta di pubblico e critica non sembra favorire un recupero nel lungo periodo. Su Rotten Tomatoes il film ha ottenuto un punteggio del 59% da parte della critica, appena sotto la soglia della valutazione positiva. Inoltre il CinemaScore assegnato dal pubblico statunitense è C+, un risultato che in genere indica un passaparola limitato tra gli spettatori.

Il calendario delle prossime uscite Warner Bros. potrebbe comunque offrire allo studio nuove opportunità di successo. Tra i titoli più attesi del 2026 figurano Supergirl, il nuovo The Mummy diretto da Lee Cronin e il discusso progetto Coyote vs. Acme. Lo studio potrebbe inoltre chiudere l’anno con uno dei blockbuster più attesi degli ultimi anni, Dune: Parte Tre, che ha il potenziale per riportare Warner Bros. ai vertici del box office internazionale.

Robin Hood: il remake live action non va avanti

Chiara Guida
-
0
Robin Hood: il remake live action non va avanti

I fan del film d’animazione Disney degli anni ’70, Robin Hood, non saranno particolarmente entusiasti dopo le ultime notizie su un possibile remake live-action.

Durante un recente AMA su Reddit, il regista Carlos López Estrada ha dichiarato che lo studio non avrebbe portato avanti il ​​suo musical fotorealistico in programma. L’Hollywood Reporter ha riportato in esclusiva nell’aprile 2020 che Estrada era nelle prime fasi di sviluppo del film per il servizio di streaming Disney+, dopo che gli accordi erano stati finalizzati prima della chiusura del settore a causa della pandemia di COVID-19.

“Purtroppo è morto”, ha scritto Estrada in risposta a una domanda sullo stato del progetto. “Dico ‘purtroppo’ perché in realtà pensavo che ci fosse qualcosa di veramente speciale (e originale!). Avevamo ideato delle musiche davvero straordinarie per il film.” Il regista di Blindspotting ha aggiunto: “Continuo a fantasticare di farlo in modo indipendente con personaggi diversi”.

THR aveva precedentemente riferito che Kari Granlund stava scrivendo la sceneggiatura per un remake che sarebbe stato un ibrido tra live action e computer grafica. Granlund ha lavorato alla sceneggiatura della versione Disney del 2019 di Lilli e il Vagabondo, che è diventato il primo remake dello studio a debuttare su una piattaforma di streaming.

La Disney ha continuato a dare priorità ai remake cinematografici di classici d’animazione. Tra questi, una versione live action di Rapunzel – L’intreccio della torre, che è tornata in fase di sviluppo dopo che THR aveva riferito l’anno scorso che i lavori del film erano stati sospesi a causa del deludente successo al botteghino del live action Biancaneve di Rachel Zegler e Gal Gadot. Da allora, la Disney ha avuto un enorme successo con il remake live-action di Lilo & Stitch, mentre il prequel di Barry Jenkins, Mufasa: Il Re Leone, ha avuto un ottimo riscontro.

Il remake live-action di Oceania del regista Thomas Kail uscirà nei cinema quest’estate. Inoltre, lo studio sta sviluppando uno spin-off live-action di Gaston, il cattivo de La Bella e la Bestia, e un remake di Hercules del regista Guy Ritchie.

Robin Hood uscì nei cinema nel 1973 e utilizzò animali antropomorfi animati per raccontare la classica storia dell’eroico fuorilegge. Robin Hood e Lady Marian erano raffigurati come volpi rosse, mentre Little John era un orso bruno e il Principe Giovanni era un leone. Il film ha superato i 32 milioni di dollari al botteghino nazionale (234 milioni di dollari oggi) e ha ottenuto una nomination all’Oscar per la canzone “Love”.

Ghost Cat Anzu: recensione dell’anime di Yôko Kuno e Nobuhiro Yamashita

Valeria Maiolino
-
0
Ghost Cat Anzu: recensione dell’anime di Yôko Kuno e Nobuhiro Yamashita

Se c’è una cosa che il cinema sa fare da sempre è essere uno specchio in cui riflettersi per poterne trarre giovamento. Che si tratti di un film con attori in carne e ossa o di un’opera d’animazione, affrontare temi delicati è sempre stato un modo per aiutare chi guarda a sentirsi meno solo, o semplicemente a comprendere qualcosa di più di sé. È esattamente ciò che hanno cercato di fare Yôko Kuno e Nobuhiro Yamashita alla regia, insieme allo sceneggiatore Shinji Imaoka, con Ghost Cat Anzu, nuovo anime prodotto dallo studio giapponese Shin-Ei Animation.

Il tema centrale è l’elaborazione del lutto, che qui diventa una riflessione più ampia su come gestire l’assenza di chi amiamo: un’assenza che può farci perdere la strada se ci impantaniamo nel suo ricordo, oppure restituirci una forma di pace se impariamo a conviverci senza tradirne la memoria. Dopo aver avuto una buona accoglienza e aver attraversato il Festival di Cannes e Annecy, Ghost Cat Anzu arriva nelle sale come evento il 9, 10 e 11 marzo.

Ghost Cat Anzu, la trama

La piccola Karin ha un grande dolore che le pesa sul cuore: la perdita della madre. A darle conforto dovrebbe esserci il padre, che però decide di lasciarla per un periodo dal nonno, monaco di un tempio buddhista in una cittadina di campagna vicino a Tokyo, per tentare di rimettere in ordine alcune questioni lasciate in sospeso con i suoi creditori. Karin lo lascia andare con una promessa: che torni per l’anniversario della morte della madre. Promessa che il padre infrange, lasciando la ragazzina sola nella sua sofferenza. A doversi prendere cura di lei è Anzu, un gatto fuori dal comune che vive proprio con suo nonno: si regge su due zampe come un umano, è irriverente e ama i piccoli vizi quotidiani, come il gioco d’azzardo. Ma Anzu non è un gatto qualsiasi: è un bakeneko, una creatura del folklore giapponese che nasce quando un felino vive abbastanza a lungo da trasformarsi in uno spirito dotato di poteri soprannaturali. Anzu si trova così a fare i conti con Karin, con lui inizialmente scontrosa, che ha come unico obiettivo quello di tornare a Tokyo per visitare la tomba della madre. Quando decide di accompagnarla, però, il viaggio prende una piega inaspettata: i due finiscono nell’oltretomba, dando inizio a un’avventura destinata a cambiare la vita di entrambi.

Ghost Cat Anzu

Dal lutto alla consapevolezza: un viaggio verso la vita

Costruire un racconto — soprattutto d’animazione — che cerchi di comprendere cosa accade nella nostra mente quando perdiamo qualcuno non è affatto semplice. Ancora di più se, a un tema così delicato, si affianca come contrappunto un personaggio scanzonato, leggero e irriverente come Anzu. Dinanzi a Karin, malinconica, spesso triste e disincantata, il gatto fantasma sembrerebbe quasi stridere, perché in apparenza poco contribuisce alla crescita della ragazzina. Ma è proprio in quella faglia che si crea tra loro — destinata inizialmente allo scontro — che prende forma il senso più profondo del film. Se in un primo momento Anzu sembra non comprendere Karin e il suo ostinato desiderio di tornare a Tokyo, capiamo solo alla fine, dopo la sua discesa nel mondo dei morti, quanto lui rappresenti ciò che lei stessa deve imparare a fare: vivere per sé e non restare prigioniera del passato, di quando la madre era ancora in vita.

Anzu diventa così una sorta di Virgilio burlone che la accompagna nel suo coming of age, diventando guida imprevedibile ma necessaria. È lui la chiave per aprire quella porta che Karin ancora teme di varcare: vivere la propria età, la spensieratezza e il bello della vita, celebrando la madre senza spegnersi insieme al suo ricordo. L’ironia di Anzu accarezza la fragilità di Karin, ferita da un lutto insopportabile, e diventa il baricentro emotivo da cui ripartire per poter finalmente pronunciare quell’addio tanto temuto, che in fondo suona più come un arrivederci.

Ghost Cat Anzu filmUn film in dialogo con tutti

Tra realtà e fantasia, Ghost Cat Anzu permette allo spettatore di imbarcarsi in un viaggio quasi catartico, al pari dei protagonisti che lo stanno affrontando. Merito soprattutto di una resa visiva particolarmente ficcante, capace di restituire paesaggi e atmosfere morbide, quasi carezzevoli, che accompagnano con delicatezza la storia e il percorso interiore della sua protagonista. I fondali pittorici, tipici degli anime, sono ben caratterizzati: i colori, che sembrano stesi come acquerelli, riflettono sin da subito lo stato d’animo che Karin raggiungerà solo alla fine, ossia quello di una serenità riconquistata.

Anche il character design, costruito attorno alla tecnica del rotoscopio — in cui le scene vengono prima girate in live action e successivamente rielaborate in animazione — risulta ben definito e piacevole da osservare nei suoi tratti essenziali. Nella sua complessità, dunque, Ghost Cat Anzu si configura come un film di buona fattura che, nella sua apparente semplicità — mai però superficiale — riesce a parlare a pubblici diversi. Bambini e adulti possono attraversarlo seguendo livelli di lettura differenti: un racconto che si apre a più interpretazioni e che, a seconda dell’età e dell’esperienza di chi guarda, permette di cogliere sfumature diverse.

Il capolavoro fantascientifico in cinque parti di Jonathan Nolan torna finalmente alla ribalta come fenomeno globale su Netflix

Redazione
-
0
Il capolavoro fantascientifico in cinque parti di Jonathan Nolan torna finalmente alla ribalta come fenomeno globale su Netflix

Questa serie fantascientifica di Jonathan Nolan è tornata ad essere di grande interesse, ora su Netflix. Nolan, fratello del regista di L’Odissea di Christopher Nolan, ha partecipato a diversi progetti entusiasmanti nel corso degli anni. Per quanto riguarda il genere fantascientifico, questo genio creativo ha dimostrato il suo valore con diverse produzioni. Una di queste è stata Westworld della HBO, che ha conquistato il mondo per quattro stagioni prima di essere cancellata prima della quinta e ultima stagione.

Per quanto riguarda Netflix, il servizio di streaming è noto anche per il successo delle sue produzioni di genere. Alcune delle migliori serie TV di Netflix sono progetti di fantascienza, con Stranger Things e Black Mirror che sono diventate serie intrinsecamente legate a Netflix per il pubblico globale. Unendo l’esperienza di Jonathan Nolan nel genere e l’interesse degli abbonati Netflix per le storie di fantascienza, Person of Interest sta vivendo una rinascita in streaming.

Secondo FlixPatrol, Person of Interest è attualmente la settima serie TV più vista su Netflix a livello globale. La serie di fantascienza si colloca al di sopra della serie prequel di Superman, Smallville, molto amata dai fan di Tom Welling. Person of Interest è arrivata sulla piattaforma di streaming in alcuni paesi il 4 marzo. La serie trova compagnia anche di serie popolari come Bridgerton, The Night Agent, The Mentalist e altre nella classifica di Netflix.

Al momento della stesura di questo articolo, la serie fantascientifica in cinque stagioni di Jonathan Nolan non è la più vista su Netflix in nessun Paese. Tuttavia, ciò non sminuisce il successo dello show in streaming. Person of Interest è di tendenza in 28 Paesi sulla piattaforma. La serie è al secondo posto tra le più viste su Netflix alle Bahamas, in Giamaica e a Trinidad e Tobago.

Person of Interest ha debuttato sulla CBS il 22 settembre 2011. La serie fantascientifica è durata cinque stagioni, concludendosi il 21 giugno 2016. Il capolavoro di Jonathan Nolan ha fuso diversi generi, utilizzando elementi del thriller poliziesco e della fantascienza per diventare una serie intrigante. Person of Interest seguiva Harold Finch (Michael Emerson), un programmatore miliardario che ha creato “la Macchina”, un’entità che utilizzava tutte le informazioni disponibili per prevedere i crimini.

Poiché il governo era interessato solo a fermare le minacce alla sicurezza nazionale, Finch assume John Reese (Jim Caviezel), un ex membro dell’esercito statunitense e della CIA, per occuparsi dei crimini quotidiani che sfuggono al controllo delle autorità. Su Rotten Tomatoes, Person of Interest ha ottenuto un punteggio quasi perfetto del 92% da parte della critica. La serie fantascientifica vanta anche un punteggio elevato dell’80% da parte del pubblico.

Sebbene Person of Interest sia di tendenza in tutto il mondo su Netflix, la serie fantascientifica di Jonathan Nolan non è disponibile sul servizio di streaming negli Stati Uniti. Chi desidera guardare la serie negli Stati Uniti deve invece rivolgersi a Prime Video. In molti paesi, tutte e cinque le stagioni di Person of Interest sono ora disponibili su Netflix, dove la serie è diventata un successo.

Christian Bale spiega il vero significato del finale di La Sposa!

Redazione
-
0
Christian Bale spiega il vero significato del finale di La Sposa!

Christian Bale ha condiviso la sua interpretazione del finale di La Sposa! (The Bride!), il nuovo film diretto e scritto da Maggie Gyllenhaal, offrendo uno sguardo più profondo sul significato dell’ultima scena della pellicola. Il film, che propone una rivisitazione audace e moderna del mito di Frankenstein, vede Bale nei panni di Frank, il mostro creato in passato dal dottor Frankenstein, e accanto a lui un cast che include Jessie Buckley, Annette Bening e Penélope Cruz.

Christian Bale racconta il significato dell’ultima scena di La Sposa! (The Bride!)

Christian Bale, Maggie Gyllenhaal e Jessie Buckley in La sposa! (2026)
Cortesia © Warner Bros Discovery

Nel film, ambientato nella Chicago degli anni Trenta, Frank decide di rivolgersi alla brillante scienziata Dr. Euphronius (Bening) per chiedere di creare una compagna che possa porre fine alla sua solitudine. L’esperimento riesce e una giovane donna morta viene riportata in vita, diventando la “Sposa”, interpretata da Buckley.

Il finale della storia, tuttavia, prende una piega tragica: sia Frank sia la Sposa perdono la vita. Nell’ultima scena del film, però, l’energia elettrica torna a illuminare il laboratorio della scienziata, suggerendo la possibilità che i due amanti possano essere riportati nuovamente in vita. L’ultimo piano mostra le loro mani che si stringono, lasciando aperta la porta a una nuova esistenza.

In un’intervista concessa a CinemaBlend, Bale ha spiegato che quella scena non rappresenta semplicemente un espediente narrativo, ma il cuore tematico del film:

“La reinvenzione è essenziale. È qualcosa che la Sposa fa ogni giorno. Qualunque cosa ti sia accaduta, non lasciare che gli altri ti dicano chi sei o che la tua storia sia finita. Puoi reinventarti e ricominciare.”

Secondo l’attore, la scena finale rappresenta quindi la possibilità di ricominciare da capo, un messaggio che vale non solo per i protagonisti ma per tutti i personaggi del film.

Il tema della ribellione e della reinvenzione nel film di Maggie Gyllenhaal

Maggie Gyllenhaal
Maggie Gyllenhaal sul red carpet di Venezia 80 – Foto di Luigi De Pompeis © Cinefilos.it

L’interpretazione di Bale si inserisce perfettamente nel discorso tematico più ampio costruito da Maggie Gyllenhaal nel suo secondo lungometraggio da regista. Nel corso della storia, diversi personaggi sfidano le regole sociali che cercano di limitarli.

Il personaggio di Myrna Malloy, interpretato da Penélope Cruz, sceglie ad esempio di diventare detective nonostante la resistenza della società nei confronti di una donna in quel ruolo. Allo stesso modo, la Dr. Euphronius sfida i limiti della scienza riportando in vita i morti, mentre una versione romanzata di Mary Shelley decide di ribellarsi persino alla morte stessa.

Anche la critica ha sottolineato questo aspetto del film. In una recensione pubblicata da ScreenRant, il film è stato descritto come una rappresentazione esplosiva della rottura delle convenzioni sociali, capace di affrontare temi come il patriarcato, la violenza contro le donne e la complicità delle istituzioni.

Nel finale, durante i titoli di coda, diverse donne ispirate dalla ribellione della Sposa prendono vendetta contro il boss criminale Lupino, mostrando come l’eredità del personaggio continui a vivere anche dopo la sua morte.

In questo senso, l’ultima immagine di La Sposa! (The Bride!) non è soltanto un momento romantico o gotico, ma il simbolo della possibilità di cambiare destino. Proprio come suggerisce Bale, la storia di Frank e della Sposa dimostra che nessuno dovrebbe lasciare che siano gli altri a definire chi siamo o chi possiamo diventare.

Ghost Elephants: intervista a Steve Boyes

Chiara Guida
-
0
Ghost Elephants: intervista a Steve Boyes

In occasione dell’uscita su Disney+ di Ghost Elephants, il nuovo documentario diretto e narrato da Werner Herzog, e disponibile in piattaforma dall’8 marzo, abbiamo intervistato Steve Boyes, National Geographic Explorer, che guida la spedizione sulle tracce degli animali mitologici.

La nostra recensione di Ghost Elephants

Nelle alture dell’Angola avvolte dalla nebbia, nel cuore delle sue foreste, persiste un mistero: gli sfuggenti elefanti fantasma di Lisima, potenziali discendenti viventi del più grande mammifero terrestre mai documentato. Steve Boyes, biologo della conservazione e leader del National Geographic Okavango Wilderness Project, è determinato a provarne l’esistenza.

Per trovare questi elusivi elefanti, Boyes e il collega Kerllen Costa, National Geographic Explorer, hanno collaborato con tre maestri tracciatori KhoiSan – Xui, Xui Dawid e Kobus – per avere successo dove la tecnologia aveva fallito.

Ghost Elephants è diretto e narrato da Werner Herzog

Diretto, narrato e scritto dal leggendario regista Werner Herzog, GHOST ELEPHANTS è un racconto sulla sopravvivenza, il ricongiungimento e il potere duraturo della conoscenza antica rispetto alla modernità fugace. Il film è stato presentato in anteprima al Festival del Cinema di Venezia, dove Herzog ha ricevuto il Leone d’oro alla carriera.

A corredo del film, il 3 marzo uscirà il coffee table book “Okavango and the Source of Life” di Steve Boyes. Il libro amplia il viaggio oltre lo schermo, con oltre 100 fotografie suggestive, mappe dettagliate e le riflessioni personali di Boyes raccolte in anni di estenuanti spedizioni alle sorgenti angolane dell’Okavango. Il libro documenta gli stessi corsi d’acqua restanti, le comunità e i fragili ecosistemi esplorati nel film, trasmettendo il peso fisico ed emotivo della navigazione in una regione selvaggia a lungo isolata dalla guerra. Con una prefazione del principe Harry, duca di Sussex, e ritratti dei custodi della tradizione locale, il libro offre un accompagnamento intimo e visivamente ricco all’esperienza cinematografica. “Okavango and the Source of Life” è già disponibile per il preordine su Disney Books.

Ghost Elephants è diretto, narrato e scritto da Herzog. È prodotto dallo stesso Herzog per Skellig Rock, Inc. e Ariel León Isacovitch per The Roots Production Service. Sobey Road Entertainment è il partner di produzione con Brian Nugent, Andrew Trapani, Emerson G. Farrel, David Sze, David B. Kirk, Terrence Battle, Richard Sneider, Christopher White e Casey Graf come executive producer. Per National Geographic Documentary Films, Carolyn Bernstein, executive vice president of Documentary Films, e Tim Horsburgh, vice president of Documentary Films, sono gli executive producer.

Ghost Cat Anzu: continua la collaborazione tra Adler Entertainment e Dynit

Simona Tavola
-
0
Ghost Cat Anzu: continua la collaborazione tra Adler Entertainment e Dynit

Continua la collaborazione tra Adler Entertainment e Dynit per portare sul grande schermo, con la collana Animagine, film d’animazione giapponesi mai arrivati nei nostri cinema. Ghost Cat Anzu è tratto dal manga Bakeneko Anzu-chan di Takashi Imashiro, ancora inedito in Italia, che si ispira alla mitologia tradizionale giapponese per creare un racconto di formazione arricchito di realismo magico.

Ghost Cat Anzu

La trama di Ghost Cat Anzu

Uno dei temi più ricorrenti nell’animazione giapponese è il lutto infantile, l’accettazione della perdita di una persona cara fin dall’infanzia. Lo abbiamo visto più volte, ad esempio, nelle opere dello Studio Ghibli, che sembra essere la principale ispirazione anche di questo film. La protagonista è Karin, una bambina di undici anni che ha perso la mamma, vive quindi con suo papà Tetsuya, non un genitore modello visto che è indebitato con degli strozzini. Quando suo padre, che vive in un tempio buddhista di una cittadina di campagna vicino a Tokyo, si rifiuta d’aiutare con un prestito di soldi suo figlio Tetsuya, il giovane uomo lascia Karin al tempio, promettendo di tornare per l’anniversario della morte della madre. La figlia si ritroverà quindi a trascorrere l’estate dal nonno paterno accompagnata da un gatto rosso enorme di 37 anni che parla e si comporta come un umano.

Questa misteriosa creatura si chiama Anzu, in origine era il gatto del nonno monaco, ma ora è troppo vecchio, troppo grosso e troppo simile ad un uomo. Cammina su due zampe, usa il cellulare, guida un motorino senza patente, lavora come massaggiatore e gioca anche d’azzardo. Anzu è amico di due ragazzi preadolescenti del posto e ma anche di alcuni yōkai come un enorme rana e un fungo umanoide. Karin è inizialmente triste della situazione, ma alla fine parte con Anzu per Tokyo quando suo padre non torna nel giorno stabilito. Nella capitale giapponese la protagonista inizialmente spera solo di visitare la tomba di sua madre, ma aiutata dal Dio della Povertà, lei e il gatto rosso andranno nella terra dei morti, attraverso un water, e scateneranno un uragano di conseguenze imprevedibili.

Ghost Cat Anzu film

La sceneggiatura di Shinji Imaoka è episodica ma con un tema generale che è quello di una bambina che arriva a vivere in un posto nuovo e accetta la compagnia di un yōkai. Il nome preciso è bakeneko, che non è un fantasma, ma un tipo di spirito a forma di gatto che si solito è in possesso di abilità metamorfiche simili a quelle di kitsune e tanuki. Ancora una volta, troviamo quindi creature fantastiche del folklore giapponese, con un’ambientazione rurale e la stagione estiva come periodo di transizione per una preadolescente che sta crescendo. In questo film d’animazione non si vedono solo gli yōkai ma anche tanti demoni tutti colorati, che Karin, mentre ritroverà la madre defunta che cercherà di riportare sulla terra dei vivi, farà scappare dall’oltretomba creando diversi casini ma che alla fine si risolveranno grazie anche all’aiuto di Anzu e dei suoi amici spiriti.  

Un omaggio a Doraemon e non solo

Ghost Cat Anzu è realizzato dallo studio Shin-Ei Animation, conosciuto come uno dei principali studi di animazione del Giappone. Questo studio in passato ha collaborato alla realizzazione di serie famose come Doraemon e Crayon Shin-chan, questa società ha anche prodotto un gran numero di film d’animazione, tra cui quelli del giovane Hayao Miyazaki e di Isao Takahata. Il film è un’esperienza piacevole, con animazioni in rotoscopio, una tecnica non così comune negli anime, che crea movimenti ben eseguiti e intriganti. Ci sono molti tocchi comici basilari ma efficaci, c’è solo un problema principale è che la trama perde profondità a causa della sua natura aneddotica. Per concludere questo non è un grave se l’obiettivo è semplicemente quello di divertirsi guardando un film con per protagonisti una bambina e il suo insolito e strano enorme gatto parlante. 

Rooster, recensione: una serie che non mantiene la promessa narrativa del pilota

Chiara Guida
-
0
Rooster, recensione: una serie che non mantiene la promessa narrativa del pilota

La nuova serie HBO Rooster, creata da Bill Lawrence insieme a Matt Tarses, arriva con un pedigree televisivo di tutto rispetto e con un protagonista amatissimo come Steve Carell. La premessa, almeno sulla carta, sembra promettere una comedy agrodolce capace di riflettere sui rapporti familiari, sull’identità e sulle seconde possibilità. Al centro della storia c’è Greg Russo, autore di bestseller estivi – romanzi leggeri e un po’ trash pensati per la lettura sotto l’ombrellone – che, nonostante il successo commerciale, attraversa una fase personale complicata.

Greg è ancora scosso dalla fine del suo matrimonio, distrutto dalla sua stessa infedeltà. Per provare a cambiare aria e uscire da una routine che ormai gli pesa, accetta con riluttanza un incarico come Writer in Residence presso il prestigioso e immaginario Ludlow College, nel Nord-Est degli Stati Uniti. In realtà la sua decisione è guidata anche da un altro motivo: avvicinarsi alla figlia Katie, docente di storia dell’arte nella stessa università.

Katie sta vivendo una crisi personale molto simile a quella del padre. Il marito Archie, storico specializzato in Russia, l’ha lasciata per una sua studentessa, Sunny, gettandola in uno stato di smarrimento emotivo. Greg, preoccupato per lei e consapevole di non essere stato sempre il genitore più presente, cerca di starle vicino senza risultare invadente.

Questa premessa lascia intravedere la possibilità di una serie intelligente e sensibile, capace di esplorare il legame tra padre e figlia in età adulta. Tuttavia, con il passare degli episodi, Rooster fatica a sviluppare davvero questa promessa narrativa e si rifugia invece in una struttura comica sorprendentemente prevedibile.

Rooster HBOSteve Carell tra ironia e malinconia: il protagonista che prova a salvare Rooster

Steve Carell costruisce Greg Russo come una figura familiare per chi conosce la sua carriera: un uomo brillante ma emotivamente goffo, capace di oscillare tra sarcasmo e vulnerabilità. È una caratterizzazione che ricorda, in parte, alcune sue interpretazioni più riuscite, dove la comicità nasce dalla fragilità del personaggio più che da gag esplicite.

Greg è infatti un autore che ha costruito la propria fama scrivendo le avventure di “Rooster”, protagonista dei suoi romanzi popolari. Il personaggio letterario incarna una versione più audace e sicura di sé, quasi l’opposto dello stesso Greg. Quando arriva a Ludlow College, lo scrittore decide di provare a imitare il suo alter ego narrativo: uscire dalla propria zona di comfort, vivere nuove esperienze e affrontare la vita con più coraggio.

Durante la prima stagione – composta da dieci episodi, anche se per la critica ne sono stati resi disponibili soltanto sei – Greg sperimenta una sorta di tardivo percorso universitario. Stringe un rapporto di amicizia con la professoressa Dylan Shepard, esplora una nuova relazione sentimentale e tenta di trovare un equilibrio con Katie.

Il problema è che gran parte di queste dinamiche rimane solo accennata. Le situazioni si susseguono senza mai evolvere davvero e molti momenti che dovrebbero avere un peso emotivo vengono liquidati con battute rapide o sviluppi narrativi frettolosi. Carell fa il possibile per dare profondità al personaggio, ma spesso sembra lavorare contro un materiale che non gli offre abbastanza spazio.

Il rapporto padre-figlia che Rooster avrebbe dovuto raccontare

L’aspetto più promettente della serie era probabilmente proprio il rapporto tra Greg e Katie. Il tema delle relazioni tra padri e figlie adulte è ancora relativamente poco esplorato nella televisione comica contemporanea, e Rooster sembrava avere tutte le carte in regola per affrontarlo con sensibilità.

Nel corso della stagione emerge un dettaglio interessante: Greg, nonostante i suoi errori, è il genitore più emotivamente disponibile, mentre l’ex moglie Elizabeth rappresenta la figura più distaccata e pragmatica. Questo ribaltamento dei ruoli familiari tradizionali avrebbe potuto offrire spunti narrativi originali.

Invece la serie dedica sorprendentemente poco tempo a questo rapporto. Ci sono momenti in cui Greg e Katie mostrano una vera complicità – conversazioni imbarazzate, tentativi di supporto reciproco, piccoli gesti di affetto – ma queste scene restano frammentarie e spesso vengono interrotte da sottotrame meno interessanti.

Una di queste riguarda proprio Archie, l’ex marito di Katie, la cui presenza ricorrente nella storia trasforma la crisi matrimoniale in una dinamica ripetitiva. Il continuo botta e risposta tra lui e Katie diventa presto estenuante e finisce per occupare uno spazio narrativo che avrebbe potuto essere dedicato all’evoluzione del rapporto padre-figlia.

A questo si aggiungono personaggi secondari poco incisivi: un poliziotto che sembra avere un’irritante ossessione per Greg, oppure varie figure accademiche coinvolte nelle politiche interne dell’università. Le questioni legate ai bilanci, alle assunzioni e alla burocrazia universitaria risultano però sorprendentemente poco coinvolgenti.

Rooster HBOUna comedy che si rifugia in gag prevedibili

Il problema più evidente di Rooster emerge nel tono della comicità. Nonostante l’esperienza dei suoi creatori, la serie ricorre spesso a gag datate e a situazioni che sembrano appartenere a un’altra epoca della televisione.

Alcuni momenti lo dimostrano chiaramente. In una scena Greg, citando Moby Dick, definisce una studentessa una “balena bianca”, venendo subito convocato nell’ufficio del preside con l’accusa di body shaming. L’episodio cerca di ironizzare sulle tensioni culturali contemporanee nei campus universitari, ma la battuta risulta prevedibile e poco incisiva.

Il punto più basso arriva però nel terzo episodio, quando Greg inciampa durante una lezione e usa accidentalmente il seno di una studentessa per evitare di cadere. La gag punta su un umorismo da commedia universitaria piuttosto grossolana, che appare fuori luogo rispetto al tono più malinconico che la serie sembrava voler adottare.

Questo tipo di comicità non sarebbe necessariamente un problema se fosse inserito in un contesto narrativo più solido. Tuttavia, in Rooster le battute sembrano spesso riciclate o semplicemente poco ispirate. L’impressione è che la serie non riesca a trovare una voce autentica, oscillando tra satira accademica, commedia familiare e humor da campus movie senza mai scegliere davvero una direzione.

Il risultato finale è una stagione che, nonostante la presenza di un cast di talento e di autori con una lunga esperienza televisiva, finisce per sembrare una variazione di storie già raccontate altrove. Le dinamiche ricordano vagamente altre narrazioni sul rapporto tra genitori e figli adulti, mentre lo stesso Carell riprende sfumature di personaggi che ha interpretato in passato.

Alla fine, ciò che resta è la sensazione di un’occasione mancata. Rooster possedeva tutti gli elementi per diventare una comedy intelligente sulle seconde possibilità e sui legami familiari, ma si perde in una serie di situazioni prevedibili e personaggi poco memorabili. Anche con il talento di Steve Carell al centro della scena, la serie non riesce davvero a “cantare”.

Keeper – L’Eletta: clip esclusiva dal nuovo film di Osgood Perkins

Chiara Guida
-
0
Keeper – L’Eletta: clip esclusiva dal nuovo film di Osgood Perkins

Ecco una clip in esclusiva di Keeper – L’Eletta, nuovo film di Osgood Perkins, con Tatiana Maslany e Rossif Sutherland, dal 12 marzo al cinema distribuito da Be Water in collaborazione con Medusa Film.

In una baita isolata, Liz e Malcolm si godono il loro weekend fuori porta. Ma presenze inquietanti e un legame oscuro con la foresta iniziano a emergere. Le visioni si moltiplicano, la realtà vacilla e il rifugio si trasforma in un incubo di manipolazione, destino e mostruosa eredità.

‘’Keeper è stata l’occasione per esplorare il mostro che può nascondersi dentro una relazione.’’ – Oz Perkins

Dopo il successo mondiale di Longlegs e l’acclamato adattamento di The Monkey, il nuovo viaggio nel male di Osgood Perkins con Tatiana Maslany e Rossif Sutherland.

Perché il volto di Pedro Pascal non sarà sempre nascosto The Mandalorian & Grogu

Chiara Guida
-
0
Perché il volto di Pedro Pascal non sarà sempre nascosto The Mandalorian & Grogu

Il volto di Pedro Pascal non sarà sempre nascosto dietro la sua iconica maschera nel prossimo film di Star Wars, The Mandalorian & Grogu, e a ragione, secondo il regista e protagonista del film.

Ora, tuttavia, i trailer di The Mandalorian & Grogu mostrano il volto di Pedro Pascal numerose volte, un cambiamento radicale rispetto allo scopo del suo personaggio nella terza stagione di The Mandalorian. Il passaggio del franchise al grande schermo ha comportato cambiamenti più radicali, ma mostrare il volto di Din non è una decisione presa alla leggera dal team di The Mandalorian and Grogu. “Come possiamo trovare un modo per farlo senza compromettere tutto ciò che abbiamo sviluppato sul Credo Mandaloriano?”, ha detto il regista Jon Favreau a Empire.

Secondo Pascal, lui e Favreau avevano immaginato solo una ragione narrativa per cui Din avrebbe dovuto togliersi di nuovo il casco dopo essersi immerso (e quasi morto) nelle Acque Viventi su Mandalore. Pascal ha raccontato una conversazione avuta con Favreau sulla trama del film: “Quando siamo arrivati ​​a quella parte, tutto quello che posso dire è che aveva perfettamente senso, ed era quello che speravo fosse il motivo”, ha detto.

Sebbene l’attore sia rimasto a bocca cucita sulla vera ragione narrativa dietro la decisione di Din di rinunciare al casco, ha sostenuto con tutto il cuore la direzione della sceneggiatura. “Se dovessi proporre qualcosa, direi: ‘L’unica cosa che ha senso è…’. Ed è esattamente così. Lui ha riempito quel vuoto. Ho detto subito: ‘Jon, è esattamente quello che speravo di sentire!'”

Essendo la prima storia di Star Wars ad approdare sul grande schermo in sette anni, dopo l’uscita controversa ma finanziariamente redditizia di Star Wars: L’Ascesa di Skywalker, Lucasfilm punta molto sul successo di The Mandalorian & Grogu. Ambientato nell’era sempre più turbolenta della Nuova Repubblica, con i Resti dell’Impero in attesa nell’ombra per scatenare il caos nella galassia, Din e Grogu affronteranno alcune delle sfide più difficili come coppia di cacciatori di taglie.

Questo ha significato anche un ruolo più fisico per Pascal in The Mandalorian e Grogu, che condivide l’armatura mandaloriana con gli stuntman Lateef Crowder e Brendan Wayne. Fortunatamente per Pascal, il suo ruolo in Il Gladiatore II lo ha aiutato a prepararsi all’azione. “È un attore piuttosto fisico”, ha detto Favreau a Empire, “quindi ci siamo spinti un po’ più in là rispetto al passato, per quanto riguarda quello che fa, senza casco.”

Rivelare il volto di Din Djarin significa molto per la narrazione di The Mandalorian. Se è ancora una volta disposto ad assumersi questo rischio morale – presumibilmente per la sicurezza di Grogu – allora il pubblico si troverà probabilmente di fronte a un’esperienza emozionante e ricca di azione in The Mandalorian & Grogu.

The Mandalorian & Grogu usciranno esclusivamente nei cinema il 20 maggio 2026.

Jumpers – Un salto tra gli animali è ambientato nello stesso universo di UP!

Chiara Guida
-
0
Jumpers – Un salto tra gli animali è ambientato nello stesso universo di UP!

Non solo ci sono Easter egg di Toy Story 5 in Jumpers – Un salto tra gli animali, ma ci sono anche legami più profondi con l’universo Pixar nell’ultimo film dello studio, in particolare per quanto riguarda Up. La commedia animata, con Piper Curda, Bobby Moynihan, Jon Hamm, Kathy Najimy e Dave Franco, offre al pubblico uno sguardo su un mondo in cui la tecnologia permette agli umani di trasferire la propria coscienza in animali robotici. Mentre in prima linea c’è una ragazzina di nome Mabel [Curda], che usa questa capacità per infiltrarsi nel regno animale, è il Dr. Sam [Najimy], che condivide un legame molto importante con il classico del 2009.

Ash Crossan di ScreenRant ha parlato con il regista Daniel Chong e la produttrice Nicole Paradis Grindle, che hanno parlato delle principali teorie Pixar su Jumpers, incluso il richiamo a Up, rivelando che in realtà è stato la Dr. Sam a inventare il collare parlante che Dug, l’adorabile Golden Retriever, indossa nel film.

Daniel Chong: Forse?

Nicole Paradis Grindle: Forse.

Daniel Chong: Voglio dire, il film lo suggerisce sicuramente.

Nicole Paradis Grindle: Ha fatto le ricerche di base necessarie. Possiamo dirlo.

LEGGI ANCHE:

Sebbene il collare sia stato creato dal suo padrone, Charles Muntz, per tradurre i suoi pensieri in linguaggio umano, permettendo a Dug di comunicare e persino di pronunciare le famose parole “Ti amo” e “scoiattolo”, i commenti di Chong e Grindle alludono al fatto che il Dr. Sam sia la vera mente dietro questo pezzo di tecnologia unico. Il collare ha assunto una vita propria anche nel mondo reale, ispirando progetti di elettronica fai da te, accessori per animali Loungefly e ricerche sulla traduzione dei latrati basata sull’intelligenza artificiale.

Per quanto riguarda eventuali legami con altre proprietà Pixar, tra cui Alla ricerca di Nemo, pur non avendo chiuso la conversazione, non hanno nemmeno confermato alcuna teoria, limitandosi a rispondere con un esitante “certo”, quando gli è stato chiesto se il film esiste nell’universo di Hoppers.

Nicole Paradis Grindle: Quindi dobbiamo dire “certo”.

Daniel Chong: Sì a tutte? Non so molto sulle teorie. Voglio dire, il nostro film riconosce Avatar come un film del nostro universo… Penso che il nostro film, tra tutti i film Pixar, sia probabilmente il più vicino al nostro universo, suppongo.

E sebbene Jumpers sia di per sé un’impresa unica della Pixar, debuttando con il miglior punteggio Rotten Tomatoes dello studio in sette anni, il 96%, questi commenti dei creatori del film confermano che il resto dell’universo Pixar è strettamente interconnesso con quest’ultima uscita.

Parlando altrove degli Easter egg di Toy Story 5 nel film, Grindle ha che fanno parte di un’inquadratura “veloce” ma “consistente”, piena di indizi sull’attesissimo film, la cui uscita nelle sale è prevista per giugno.

Nicole Paradis Grindle: È la camera da letto di Maple quando è al computer, sopra le finestre.

Daniel Chong: È un’inquadratura veloce. Quindi molto probabilmente la gente non la noterà a prima vista, perché l’occhio non dovrebbe essere lì.

Nicole Paradis Grindle: Penso che sia una specie di fermo immagine, ma è sicuramente lì. E ci sono anche altre cose in quella stanza, sul davanzale e appese al muro.

Daniel Chong: È un fotogramma caricato. Abbiamo un paio di scatti che sono solo fotogrammi caricati di Easter egg.

Monsters & Co. 3 è in fase di sviluppo alla Pixar!

Chiara Guida
-
0
Monsters & Co. 3 è in fase di sviluppo alla Pixar!

Secondo quanto riportato, il tanto chiacchierato Monsters & Co. 3 della Pixar è stato confermato in fase di sviluppo. Secondo il Wall Street Journal, diverse fonti attendibili hanno confermato che il terzo capitolo dell’amata serie Monsters & Co. diventerà realtà entro i prossimi due anni. Tuttavia, lo studio stesso non ha confermato alcun dettaglio sullo stato di avanzamento di Monsters & Co. 3 al momento della pubblicazione di questo articolo.

La serie è iniziata con il successo del 2001 Monsters & Co., diretto da Pete Docter. Il film ha introdotto il pubblico a Mostropoli, dove delle creature generano energia attraverso le urla, intrufolandosi di notte nelle stanze dei bambini e spaventandoli. Il film racconta il viaggio di James P. “Sulley” Sullivan (John Goodman) e del suo amico Mike Wazowski (Billy Crystal) dopo che un bambino, che chiamavano Boo (Mary Gibbs), è entrato accidentalmente nel loro mondo.

Il film è stato un enorme successo al botteghino e una delle produzioni più riconoscibili della Pixar. Il successo commerciale ha portato alla realizzazione di un prequel nel 2013, Monsters University. Il film raccontava le origini dell’amicizia tra Mike e Sulley, quando si incontrarono per la prima volta al college e si stavano preparando per le loro future carriere.

Più recentemente, il franchise Monsters & Co. si è esteso alla TV. Disney+ ha pubblicato una serie intitolata Monsters at Work nel 2021. La serie segue un nuovo gruppo di dipendenti, Tylor Tuskmon (Ben Feldman), Val Little (Mindy Kaling), Fritz (Henry Winkler) e Duncan P. Anderson (Lucas Neff), mentre affrontano il passaggio dell’azienda dallo spaventare i bambini al farli ridere (che genera anche potere). La serie vede anche il ritorno di Crystal e Goodman.

Sebbene la Pixar non abbia ancora confermato ufficialmente queste indiscrezioni, non sarebbe affatto sorprendente se ci fosse un altro film di Monsters & Co. in fase di sviluppo. Lo studio ha creato diversi sequel per i suoi franchise consolidati, come Toy Story e Cars. Queste affermazioni provengono anche da una pubblicazione molto autorevole, il che aumenta la validità di Monsters & Co. 3.

The Mandalorian & Grogu: ecco il muscoloso figlio di Jabba, interpretato da Jeremy Allen White

Chiara Guida
-
0
The Mandalorian & Grogu: ecco il muscoloso figlio di Jabba, interpretato da Jeremy Allen White

Il personaggio più sorprendente (e muscoloso) di The Mandalorian & Grogu, Rotta the Hutt, fa il suo debutto da adulto in una nuovissima immagine per il prossimo film di Star Wars.

Sebbene il franchise di The Mandalorian sia fortemente ispirato alla tradizione mandaloriana sviluppata nella serie animata Star Wars: The Clone Wars, pochi avrebbero potuto prevedere che avrebbe riportato in auge anche un personaggio introdotto nel film The Clone Wars del 2008. Il piccolo indifeso Huttlet Rotta, salvato da Anakin Skywalker e dalla sua Padawan, Ahsoka Tano, è il figlio del temibile Jabba de Il Ritorno dello Jedi, e non è più indifeso.

Rotta, affettuosamente conosciuto come “Stinky”, sarà doppiato nientemeno che da Jeremy Allen White di The Bear, mentre Din Djarin e Grogu si uniscono al pericoloso clan criminale Hutt in The Mandalorian & Grogu. “[Rotta] è in ottima forma, combatte nelle fosse, una specie di gladiatore”, ha detto il regista Jon Favreau a Empire, che ha presentato l’ultima immagine del Rotta di Allen White, come si vede a questo link.

Rotta sembra certamente essere l’Hutt più in forma fisica che questo franchise abbia mai visto, brandendo enormi asce da battaglia con le sue braccia sorprendentemente massicce nell’immagine esclusiva di Empire. Sembra persino che il gigantesco lumacone spaziale sfoggi un impressionante paio di addominali. Se Din si troverà faccia a faccia con Rotta nelle fosse, è difficile dire chi ne uscirà vincitore.

La straordinaria trasformazione fisica di Rotta fa parte della storia del suo personaggio, sostiene Favreau. “Quando cerchi di affermarti e il tuo nome è famoso, quando sei il figlio di Jabba the Hutt, cosa succede?”, ha filosofato il regista di The Mandalorian & Grogu. “Come ha influenzato la sua traiettoria? Mi fa ridere”, ha continuato.

The Mandalorian & GroguÈ noto che il padre di Rotta morì in modo non proprio eroico per mano della Principessa Leia (Carrie Fisher) ne Il ritorno dello Jedi, strangolato a morte con la stessa catena che aveva usato per tenerla prigioniera. The Mandalorian & Grogu è ambientato circa cinque anni dopo Il ritorno dello Jedi, quindi Rotta avrà avuto tutto il tempo per accettare, o forse persino celebrare, la scomparsa del padre.

Per Allen White, la forma di combattimento di Rotta non era importante quanto la voce perfetta del personaggio. Sebbene abbia rivelato a Empire che era coinvolto un certo Huttese gutturale, la maggior parte dei suoi dialoghi è nella lingua “Basic” della galassia. “La mia voce cambia [nei panni di Rotta]”, ha spiegato l’attore. “È stato utile, ovviamente, ascoltare Jabba.”

The Mandalorian & Grogu rappresenta una nuova era per Star Wars sul grande schermo, con il ritorno del franchise al cinema per la prima volta in sette anni dalla controversa première di Star Wars: L’Ascesa di Skywalker. Tra gli Hutt e l’incombente Residuo Imperiale, Din Djarin e Grogu hanno il loro bel da fare. Il film debutterà esclusivamente nei cinema il 22 maggio 2026.

La trama di The Mandalorian & Grogu

L’Impero è caduto e i signori della guerra imperiali sono ancora sparsi per la galassia. Mentre la nascente Nuova Repubblica cerca di proteggere tutto ciò per cui l’Alleanza Ribelle ha combattuto, ha arruolato l’aiuto del leggendario cacciatore di taglie mandaloriano Din Djarin (Pedro Pascal) e del suo giovane apprendista Grogu. Diretto da Jon Favreau, Star Wars: The Mandalorian and Grogu vede anche la partecipazione di Sigourney Weaver e Jeremy Allen White ed è prodotto da Jon Favreau, Kathleen Kennedy, Dave Filoni e Ian Bryce, con musiche composte da Ludwig Göransson.

Il serial killer di Tik Tok è basato su una storia vera?

Chiara Guida
-
0
Il serial killer di Tik Tok è basato su una storia vera?

È la più grande paura di ogni viaggiatore solitario: sparire mentre si è all’estero senza che nessuno si accorga subito della tua assenza. Per Esther Estepa, una donna single di 42 anni e grande amante dell’avventura, un incontro apparentemente casuale con un influencer dei social media durante un viaggio in Spagna le è costato la vita — e solo la sua famiglia è riuscita a far luce sul caso.

Tutto è iniziato quando Esther, residente a Siviglia, ha fatto amicizia con il creatore di contenuti José “Dynamite” Jurado Montilla nella hall del suo ostello ad Alicante. La mattina del 22 agosto 2023, Esther e il suo nuovo compagno di viaggio Montilla hanno percorso 37 chilometri a piedi da Denia a Gandía, un’escursione che si è conclusa con Montilla che ha chiamato i servizi di emergenza per far trasportare Esther in ospedale a causa di una gamba gonfia e di un forte mal di testa. Secondo quanto riferito, Esther ha lasciato l’escursione in ambulanza, da sola. È stata dimessa dall’ospedale alle 4:30 del mattino del giorno seguente.

E poi sono iniziati ad arrivare strani messaggi su WhatsApp: appena tredici ore dopo essere uscita dall’ospedale, Esther ha scritto a sua madre, Josefa “Pepa” Pérez, dicendo di essere al verde e di stare per lasciare la Spagna per iniziare una “nuova vita a Buenos Aires”. Certo, Esther viveva da anni in modo nomade e non aveva un indirizzo fisso, ma non avrebbe mai abbandonato i suoi due amatissimi cani in quel modo. A Josefa sembrò quasi che Esther stesse dicendo addio. Ma era davvero Esther ad aver scritto quelle parole, poi diventate le sue ultime?

La nuova docuserie Netflix in due parti, Il serial killer di Tik Tok, ripercorre la ricerca della famiglia Estepa e Pérez per ritrovare Esther dopo che è scomparsa nell’agosto 2023. Diretta da Héctor Muniente (The Ecuadorian Candidate, American Greyhounds, Gustavo Bueno, La Vuelta A La Caverna) e prodotta da iZen Documentaries per Netflix Spagna, la serie ricostruisce la traccia digitale lasciata da Esther — inclusi video, post sui social, messaggi, geolocalizzazioni e le apparizioni nei numerosi contenuti pubblicati da Montilla — che hanno portato al suo presunto assassino.

“Quando Esther svanisce nel nulla, la sua famiglia riesce a ricostruire i suoi ultimi movimenti grazie a José Jurado Montilla, un viaggiatore che attraversa la Spagna condividendo video emozionanti dei suoi viaggi su TikTok”, anticipa la descrizione della serie. “Ma ‘Dynamite’ Montilla — l’ultima persona ad aver visto Esther — nasconde un oscuro passato.”

La serie riflette su come i social media possano mostrare vite irreali, accuratamente costruite, e su come, in questo caso, questo fenomeno assuma una dimensione terrificante, afferma Muniente.

La ricerca di Esther

Quasi un anno dopo, la famiglia Estepa e Pérez non era ancora più vicina a ottenere risposte su dove fosse finita Esther. Josefa ha raccontato ad Artículo 14 che di solito parlava con la figlia ogni giorno, soprattutto quando Esther viaggiava.

“Mia figlia viveva da sola da anni, ma parlavamo ogni giorno su WhatsApp, al telefono o in videochiamata”, ha detto Josefa, sottolineando quanto fosse fuori dal suo carattere smettere improvvisamente di dare notizie. “Aveva così tanti progetti che abbiamo sempre escluso la possibilità che la sua scomparsa fosse volontaria. Inoltre ci aspettavamo che tornasse a casa per Natale [2023].”

Ancora più inquietante era il contenuto del messaggio: Esther parlava di trasferirsi con degli amici, ma sua madre sapeva che non aveva amici ad Alicante. Esther era nota per viaggiare da sola, e quella affermazione non convinceva Josefa. “Mi ha fatto dubitare che fosse davvero lei a scriverlo”, ha dichiarato Josefa in un servizio citato da La Sexta.

La famiglia ha denunciato la scomparsa di Esther alla polizia di Alicante il 26 agosto 2023, tre giorni dopo i messaggi sospetti. Quella denuncia portò a una pista inaspettata.

Possibili sospetti

Naturalmente, Esther avrebbe potuto semplicemente decidere di interrompere ogni contatto con i suoi cari senza spiegazioni. Gli investigatori di Alicante inizialmente ritenevano questa l’ipotesi più probabile.

La famiglia, però, conosceva un’altra persona che avrebbe potuto farle del male: il suo ex compagno, che Esther aveva accusato di abusi nel 2022. Aveva presentato una denuncia contro di lui a Siviglia. Tuttavia l’uomo fu escluso dalle indagini dopo aver dimostrato che i due erano in buoni rapporti pochi mesi prima della scomparsa.

Poi, l’8 settembre 2023, Josefa ricevette una telefonata che cambiò completamente il corso del caso. “Avevamo denunciato la sua scomparsa poche settimane prima, e all’improvviso un uomo mi chiamò dicendo di aver incontrato mia figlia in un ostello ad Alicante”, racconta Josefa. “Mi disse che voleva informarmi di ciò che aveva già detto alla polizia: che l’ultima volta che aveva visto Esther era quando l’aveva accompagnata in un centro sanitario a Gandía perché le facevano molto male le gambe.”

Le autorità sospesero le ricerche nel giugno 2024, ma a quel punto Josefa e la sorella di Esther, Raquel, avevano iniziato a indagare sull’unico sospetto che avevano: l’uomo che le aveva contattate per dire di aver incontrato Esther — e che aveva persino documentato il tempo passato con lei ai suoi 6.000 follower su TikTok.

“La vera sorpresa è arrivata dopo, quando abbiamo cercato su internet il nome che mi aveva dato: José Jurado Montilla”, racconta Josefa. Quando lo cercarono, scoprirono che Montilla era un assassino condannato.

Motivazioni oscure

Il passato criminale di Montilla riaprì completamente il caso. Nonostante online si presentasse come una sorta di guida turistica amichevole, il nato a Málaga aveva già scontato 28 anni di carcere per l’omicidio di quattro persone, due delle quali turisti.

Montilla ha ammesso pubblicamente solo l’uccisione del suo vicino nel 1985; le altre tre vittime erano visitatori provenienti da Germania e Inghilterra e un ex autista del cantante flamenco Juanito Valderrama. Tutti gli omicidi risalgono agli anni ’80, e tutte le vittime erano uomini.

Josefa e Raquel dovevano davvero credere che fosse solo una coincidenza che Esther avesse trascorso le sue ultime ore con un serial killer?

“È un individuo spregevole che ci ha perfino inviato i video che aveva pubblicato su TikTok commentando la scomparsa di mia sorella”, ha raccontato Raquel ad Artículo 14. Montilla infatti pubblicava meticolosamente le sue posizioni online.

Quella eccessiva condivisione si è però ritorta contro di lui: dopo aver contattato la famiglia di Esther, è finito nel mirino delle autorità, che hanno iniziato a confrontare i suoi spostamenti con altri omicidi recenti nella zona.

Montilla è stato successivamente indagato per l’omicidio nell’agosto 2022 di uno studente di 21 anni, David, avvenuto nell’area dei Los Montes di Málaga, ed è stato arrestato nel 2024 per quel caso.

I suoi contenuti online hanno fornito un “archivio ricchissimo” sia per le indagini sia per il documentario. “All’inizio, quando analizzi i suoi contenuti, ti concentri su ciò che dice, cercando contraddizioni e bugie,” spiega Muniente. “Ma dopo ore di filmati grezzi, dopo aver selezionato decine di video, averli rivisti più volte e montati, inizi a sviluppare piccole ossessioni. Noti dettagli minuscoli, schemi ripetuti, i suoi gesti, e quasi senza accorgertene diventi un po’ uno psicologo forense. Non dimenticherò mai la sua capacità di cambiare emozione con un clic, da un secondo all’altro: tristezza e gioia, rabbia e fascino nello stesso video, senza transizione. Sembra di assistere in tempo reale alla rappresentazione di quella che molti chiamerebbero psicopatia.”

Che cosa è successo a Esther?

Il caso di Esther non è mai stato formalmente chiuso. La polizia trovò un teschio nel febbraio 2024, ma confermò che apparteneva a Esther solo il 21 giugno 2024.

Nello stesso mese, il resto del corpo di Esther fu recuperato quando alcuni escursionisti trovarono i suoi resti in un canneto a Gandía, nascosti tra la vegetazione. A quel punto i resti erano scheletrizzati a causa dell’esposizione agli agenti atmosferici. Le autorità tornarono poi nell’area del cañar dove era stato trovato il teschio e scoprirono ulteriori resti.

Secondo Muniente, Josefa aveva scoperto la vera identità di Montilla prima del ritrovamento del teschio, probabilmente intorno a gennaio 2024. “Quella scoperta è in realtà il cliffhanger finale del primo episodio”, dice il regista. Montilla, già detenuto per il presunto omicidio dello studente, ha negato di aver ucciso Esther.

“La polizia continua a dirci che non sa con certezza come l’abbia uccisa”, ha dichiarato la sorella Raquel ad Artículo 14. “Le ha dato un colpo alla testa, perché il suo cranio presenta quella frattura, ma dato che non hanno trovato tutto il corpo…”

Montilla si trova attualmente in custodia cautelare in carcere ed è stato formalmente accusato di due omicidi, uno dei quali è quello di Esther Estepa. I processi non hanno ancora una data fissata, ma si prevede che si svolgeranno nel corso di quest’anno. Anche il regista di The TikTok Killer, Muniente, ha detto che la cronologia del caso è “piuttosto complessa”, anche perché la polizia non ha collaborato al progetto dato che il processo è ancora pendente.

Fonte

Tanti Piccoli Fuochi: dal 9 marzo su Sky e NOW

Chiara Guida
-
0
Tanti Piccoli Fuochi: dal 9 marzo su Sky e NOW

Su Sky e in streaming su NOW da lunedì 9 marzo TANTI PICCOLI FUOCHI, acclamata serie, candidata a 5 Emmy®, con Reese Witherspoon (La rivincita delle bionde, Big Little Lies) e Kerry Washington (Scandal) nei panni di due madri agli antipodi, Mia Warren (Washington) ed Elena Richardson (Witherspoon), le cui vite e scelte si scontreranno drammaticamente.

Dal best seller del 2017 di Celeste Ng “Little Fires Everywhere”, la serie in 8 episodi racconta di una famiglia apparentemente perfetta che vede la propria vita sconvolta dall’arrivo di una madre e sua figlia, il cui passato e i segreti nascosti mettono in discussione ogni certezza. Tra tensioni sociali, conflitti familiari e scelte morali complesse, le vite dei protagonisti si intrecciano in un turbinio di mistero e dramma emotivo.

Prodotta da Lynn Shelton (anche regista e sceneggiatrice della serie), Liz Tigelaar, Kerry Washington, Pilar Savone, Reese Witherspoon e Lauren Neustadter, la serie vede nel cast, accanto alle due protagoniste, anche Joshua Jackson nei panni del marito di Elena, Bill Richardson, Rosemarie DeWitt (Linda McCullough) e Jade Pettyjohn (Lexie Richardson).

TANTI PICCOLI FUOCHI | Dal 9 marzo su Sky e in streaming su NOW

Sudestival 2026: Riccardo Scamarcio ospite del gran finale

Chiara Guida
-
0
Sudestival 2026: Riccardo Scamarcio ospite del gran finale

Si avvia verso la sua conclusione la 26esima edizione del Sudestival, il festival lungo un inverno della Città di Monopoli, progetto dell’Associazione Culturale Sguardi, fondato e diretto da Michele Suma, con un weekend finale ricco di appuntamenti speciali e grandi ospiti.

Sabato 14 marzo a chiudere il festival sarà la consueta serata delle premiazioni che vedrà i Presidenti delle Giurie, tra cui Silvio Soldini e Marco Spoletini consegnare i Premi ai vincitori della 26esima edizione. In apertura della serata, l’esibizione dell’Orchestra del Conservatorio “Nino Rota” di Monopoli, che eseguirà un arrangiamento sulle musiche tratte dai film di Bernardo Bertolucci, a cui è stata dedicata la retrospettiva Gli Imprescindibili di questa edizione. Ospite d’onore della serata finale sarà Riccardo Scamarcio a cui il festival consegnerà il Premio Speciale Sudestival 2026 “Eccellenze del Cinema” per l’intensa e prestigiosa carriera. Per l’occasione verrà proiettato Modì – Tre giorni sulle ali della follia, film diretto da Johnny Depp in cui l’attore interpreta l’artista Amedeo Modigliani al fianco di Al Pacino e Stephen Graham: la proiezione sarà preceduta da un’intervista con l’attore e regista pugliese.

Prima della serata conclusiva, un ricco e lungo weekend che parte giovedì 12 marzo con una nuova proiezione della sezione Young, dedicata ai ragazzi della scuola media inferiore: il regista Davide Gentile accompagnerà gli studenti nella visione del suo film Denti da squalo, pronto a dialogare con loro per domande e curiosità. In serata, si terrà invece la proiezione musicata dal vivo in collaborazione con Cineritratti intitolata Risate in partitura: Buster Keaton Live, in cui l’Ensemble del Ritratti Festival realizzerà l’accompagnamento musicale di due perle del cinema muto firmate dal celebre regista: Sherlock Jr. (1924) e Seven Chances (1925). Le musiche originali di Stephen Prutsman verranno eseguite da Anna Habruk (pianoforte), Lorenzo Rovati (violino), Moira Cauzzo (violino), Anna Serova (viola) e Federica Del Gaudio (violoncello).

Nel suo ultimo venerdì di programmazione, il festival vivrà nuovamente la propria dimensione internazionale con la Giornata dedicata alla Cultura Albanese, in collaborazione con la Fondazione Gramsci di Puglia e con il patrocinio di AQSHF: il 13 marzo torna il focus sull’Albania, novità della scorsa edizione e quest’anno intitolato Sguardi d’Albania: memoria, identità, futuro, figlio di un legame storico, sociale e culturale sedimentato con lo sbarco del 1991. Il focus si apre con Più forte dei ciclopi di Stefano Grossi, presente in sala con il protagonista Fatos Lubonja, documentario che arriva in Italia dopo essere stato presentato in anteprima internazionale durante l’ultimo Tirana International Film Festival. A seguire, dopo la proiezione del cortometraggio Vegla bën ustain di Fabrizio Bellomo, Vito Saracino, ricercatore della Fondazione Gramsci di Puglia, presenterà il suo libro Abbiamo bisogno di Scuole e Maestri, in dialogo con Mimmo Mazza (Gazzetta del Mezzogiorno) e la prof.ssa Patrizia Cefalato (UniBa). A chiudere il focus sarà l’anteprima della versione restaurata in 4K del film Gunat Përmbi Tela di Muharrem Fejzo: presenta la serata il giornalista Arbër Agalliu, insieme agli interventi di Eriona Vyshka (AQSHF), Nicola Barbuti (Dabimus srl – Università di Bari), Resmie Hallulli (Università di Bari, Fondazione Gramsci Puglia), Eva Meksi (Le Aquile di Seta).

Gran finale anche della sezione Masterclass: sabato 14 marzo il protagonista sarà Michele Braga, autore della colonna sonora di Mixed by Erry di Sydney Sibilia, pronto ad incantare gli studenti nell’incontro dal titolo “La magia della colonna sonora nel racconto cinematografico”. In mattinata verrà inoltre proiettato Finché morte non ci separi, cortometraggio intenso e poetico di OffiCine-IED che affronta con sguardo inedito il tema della violenza psicologica e domestica. Il corto è diretto da Alice Gnech e Edoardo Maione, con la direzione artistica di Silvio Soldini e le interpretazioni di Amanda Sandrelli, Carla Signoris e Filippo Scicchitano, affiancati dai giovani talenti Francesca Blasutig e Davide Gaudiosi.

Giunto alla sua 26esima edizione, il Sudestival afferisce all’AFIC e si conferma il punto di riferimento del cinema italiano di qualità in Puglia, grande schermo delle opere prime del cinema italiano, della recente produzione di DOC e di cortometraggi italiani, nella splendida cornice della città di Monopoli.

David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars 2026: ecco i vincitori!

Chiara Guida
-
0
David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars 2026: ecco i vincitori!

I vincitori della terza edizione dei “David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars” sono Giulia Maenza, Vincenzo Crea, Ludovica Nasti, Emanuele Maria Di Stefano, Alma Noce, Gianmarco Franchini: nelle loro mani sono stati consegnati gli speciali “Davidini”, riproduzioni in scala dell’originale statuetta del Premio David di Donatello.

Firenze torna ad essere la capitale del cinema italiano, con la terza edizione dei “David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars”, riconoscimento ideato e proposto da Fondazione Sistema Toscana con l’Accademia del Cinema Italiano – Premi David di Donatello, la cui cerimonia di consegna si è svolta, venerdì 6 marzo, a Palazzo Medici Riccardi.

Il riconoscimento cinematografico è volto alla valorizzazione di sei giovani attori, under 28, selezionati per diventare i nuovi ambasciatori – in ambito nazionale e internazionale – del cinema italiano.

La cerimonia di premiazione si è tenuta alla presenza del presidente della Regione Toscana, Eugenio Giani, dell’assessora alla Cultura della Regione Toscana, Cristina Manetti, della sindaca del Comune di Firenze, Sara Funaro, dell’assessore alla Cultura del Comune di Firenze, Giovanni Bettarini e della presidente e direttrice artistica dell’Accademia del Cinema Italiano – Premi David di Donatello, Piera Detassis.

David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars 2026
Giulia Maenza, Vincenzo Crea, Ludovica Nasti, Emanuele Maria Di Stefano, Alma Noce, Gianmarco Franchini con Piera Detassis – Ph. Francesco Tarantino

I vincitori dell’edizione 2026 dei “David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars”, sono stati scelti per la qualità del loro lavoro  da Piera Detassis, Presidente e Direttrice Artistica dell’Accademia del Cinema Italiano – Premi David di Donatello, con il Consiglio Direttivo composto da Giorgio Carlo Brugnoni, Francesca Cima, Edoardo De Angelis, Giuliana Fantoni, Francesco Giambrone, Valeria Golino, Giancarlo Leone, Luigi Lonigro, Mario Lorini, Francesco Ranieri Martinotti e Alessandro Usai.

La  preselezione è stata realizzata dall’Unione Italiana Casting Director U.I.C.D. in dialogo con le associazioni di agenti A.S.A. e L.A.R.A. “David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars” è pertanto frutto della collaborazione tra le varie e importanti professioni dell’industria del cinema.

Il premio è organizzato da Fondazione Sistema Toscana con l’Accademia del Cinema Italiano Premi David di Donatello, sotto l’egida del Ministero della Cultura e con il sostegno di Regione Toscana, Comune di Firenze, Fondazione CR Firenze e Camera di Commercio di Firenze.

Le tre attrici e i tre attori vincitori stanno partecipando in questi giorni alla residency a loro riservata, a Firenze, seguendo un percorso di alta formazione accompagnati da una serie di mentori che hanno messo loro a disposizione l’esperienza e la professionalità maturate in diversi ambiti professionali e artistici: fra questi, la nota attrice Paola Minaccioni; Paolo Mereghetti, critico del Corriere della Sera e autore del celebre “Dizionario dei film”; Nicoletta Maraschio, presidente onoraria dell’Accademia della Crusca; Francesca Medolago Albani, segretaria generale di Anica Academy; Virgilio Sieni, coreografo e danzatore, creatore del Centro Nazionale di Produzione a lui intitolato.

«L’Accademia del Cinema Italiano – Premi David di Donatello è particolarmente onorata della prestigiosa collaborazione con la Fondazione Sistema Toscana, la Regione Toscana e  tutte le istituzioni», dichiara Piera Detassis, Presidente e Direttrice Artistica dell’Accademia del Cinema Italiano – Premi David di Donatello. «È da sempre un nostro sogno quello di poter consegnare i premi nei luoghi originali del capolavoro di Donatello, ed è particolarmente significativo che questa possibilità si realizzi con il riconoscimento “David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars” dedicato ai nuovi talenti del cinema italiano. L’Accademia sposta così, sempre di più,  il proprio focus sui talenti futuri e sui nuovi pubblici e questo riconoscimento, simboleggiato dagli ormai celebri “Davidini”, riproduzioni in scala del premio principale, ne è il segno tangibile.  Un grazie particolare, infine, al Ministero della Cultura per il costante sostegno e a tutto il Consiglio Direttivo del David».

«Sono orgoglioso che proprio qui in Toscana questi giovani talenti del cinema nazionale ricevano, magari per la prima volta, un riconoscimento del loro valore artistico e del loro lavoro», ha detto il presidente della Regione Eugenio Giani. «La Regione Toscana infatti crede fortemente nel potenziale dei giovani e nella necessità di incoraggiarli, con strumenti concreti, a coltivare le loro capacità. Così come crede nel cinema come veicolo di cultura e settore strategico, in grado di esprimere sul nostro territorio realtà e professionalità di alto livello, da valorizzare con risorse ed interventi, come dimostrano l’impegno in progetti come Manifatture Digitali Cinema e le sovvenzioni alle produzioni. Ecco perché sosteniamo con entusiasmo il premio “David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars”, che mette insieme l’attenzione per il settore audiovisivo e quella per i giovani. Con l’augurio ai nuovi talenti premiati oggi che la Toscana rappresenti per loro un trampolino di lancio per una carriera ricca di successi in Italia e oltre».

«La Toscana», ha detto l’assessora alla cultura della Regione Toscana Cristina Manetti, «continua a investire con convinzione sui giovani talenti e sulla valorizzazione del cinema italiano. Il premio David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars giunto quest’anno alla terza edizione, rappresenta un’occasione preziosa per sostenere nuove generazioni di attori e attrici e per rafforzare il ruolo di Firenze e della Toscana come luoghi di produzione culturale, creatività e formazione. Iniziative come questa dimostrano quanto sia importante fare sistema tra istituzioni e realtà del settore per promuovere il nostro cinema anche a livello internazionale- La Toscana ancora una volta è protagonista e vuole giocare un suo ruolo nel cinema».

«Con questa iniziativa, che sosteniamo con convinzione, Firenze si conferma una città che crede nei giovani talenti e nella cultura come leva di crescita collettiva», ha detto la sindaca di Firenze, Sara Funaro. «La terza edizione dei ‘David Rivelazioni Italiane – Italian Rising Stars’, organizzata da Fondazione Sistema Toscana e Accademia del Cinema Italiano, è un’occasione unica per valorizzare le nuove generazioni del cinema e rafforzare il legame tra la nostra città e il mondo dell’audiovisivo. Firenze grazie alla sua storia, ai grandi festival, alla sua tradizione dimostra ancora di essere un punto di riferimento per il cinema italiano ma anche un luogo dove creatività e formazione possono incontrarsi e crescere insieme».

«Firenze torna a essere, con orgoglio, la capitale italiana del cinema. Come Amministrazione comunale abbiamo voluto dare seguito a una tradizione che da tre anni ha ritrovato la sua casa naturale nella nostra città, grazie a un progetto dedicato alle nuove generazioni», ha detto l’assessore alla cultura del Comune di Firenze, Giovanni Bettarini. «Il legame tra Firenze e i Premi David di Donatello ha radici profonde e, attraverso l’iniziativa ‘Italian Rising Stars’, si rinnova: il nostro sostegno a questo riconoscimento, promosso insieme alla Fondazione Sistema Toscana e all’Accademia del Cinema Italiano, testimonia la volontà di Firenze di essere custode di una grande storia cinematografica e contemporaneamente laboratorio attivo per i nuovi talenti. Ai sei giovani vincitori va il nostro augurio affinché questa tappa fiorentina sia il trampolino di lancio per una carriera straordinaria»

Paradise – Stagione 2: recensione della serie con Sterling K. Brown

Adriano Ercolani
-
0
Paradise – Stagione 2: recensione della serie con Sterling K. Brown

Visto come si era conclusa una prima stagione a  tratti davvero esaltante, era piuttosto scontato che con i nuovi episodi Paradise – Stagione 2 avrebbe dovuto in qualche modo cambiare pelle.

Lo show che vede creator il Dan Fogelman di This Is Us proietta dunque nel mondo esterno il viaggio del suo protagonista Xavier Collins (Sterling K. Brown), uscito dal bunker in Colorado per mettersi alla ricerca di sua moglie Teri (Enuka Okuma), apparentemente sopravvissuta ad Atlanta al cataclisma che ha messo in pericolo l’intero Pianeta. Nel suo percorso Xavier incontra Annie (Shailene Woodley), giovane donna rimasta isolata niente meno che a Graceland, la magione di Elvis Presley. E intanto nel bunker Sinatra (Julianne Nicholson) è sopravvissuta alla pallottola e appena rimessasi in senso comincia nuovamente a tessere le sue trame…

Paradise – Stagione 2 punta sull’umanità

Se nella stagione precedente siamo stati catturati dalla tensione della messa in scena e dai colpi di scena che la storia ci ha proposto, il punto forte di Paradise – Stagione 2 è invece l’umanità, che poi è il punto forte del lavoro di Fogelman negli anni. I personaggi protagonisti dei primi episodi sono ottimamente caratterizzati, e riescono ad esprimere le loro sfaccettature nelle situazioni contingenti in cui vengono a trovarsi. Annie è senza dubbio una figura femminile tragica ed emozionante,  a cui la Woodley riesce a dare allo stesso tempo forza e fragilità.

Paradise - Stagione 2
Cortesia Disney+

Sono senza dubbio questo personaggio e la sua vibrante interprete il centro emozionale e la qualità migliore delle prime puntate della serie. A contatto con Annie, anche Xavier acquista delle sfumature emotive che aveva un po’ perso nelle ultime puntate della prima stagione, lievemente soffocato dai colpi di scena e dai twist narrativi. Nel suo rapporto con Annie invece l’uomo riacquista la sua dimensione dolente, espressa con una compostezza esemplare da Brown, che sfrutta la sua indubbia presenza scenica senza mai approfittarne.

Se Paradise continua a convincere anche in questi nuovi episodi si deve in particolar modo allo scivolamento dentro il dramma umano, che sfrutta un genere come la fantascienza post-apocalittica per sottolineare la necessità di connessione empatica, di comunità. Unico punto a sfavore dello show è in più di una sequenza l’ambientazione: il mondo esterno come lo ritroviamo nella seconda stagione è stato di certo scosso dal disastro naturale occorso alla fine della prima, non è poi conciato così male da giustificare in qualche modo la precedente fuga dentro il bunker dei personaggi principali. Siamo certamente in un setting post-apocalittico, ma non si ha mai la netta sensazione che l’umanità sopravvissuta al disastro sia sull’orlo dell’estinzione, che le regole sociali siano state spazzate via per far posto all’anarchia. Era proprio necessario isolarsi sottoterra e lasciare tutto il resto alle spalle per così tanti anni, senza cercare di scoprire cosa fosse realmente accaduto in superficie? Vista la condizione in cui Xavier, Annie e gli altri si trovano nei primi episodi della Stagione 2, appare lecito chiederselo.

Paradise - Stagione 2
Cortesia Disney+

Quando tutto sembra perduto, quando le basi fondanti del tessuto sociale sembrano essere messe in discussione, questo è il momento in cui i rapporti umani diventano ancor più fondamentali. Tale è il messaggio che Paradise – Stagione 2 vuole portare al pubblico seriale. E lo fa attraverso una serie di momenti in cui il lato umano conta molto più dello spettacolo, dell’azione o dell’intrattenimento stesso. Dan Fogelman ha cambiato le carte in tavola ed è tornato a raccontare quello che conosce meglio, ovvero quanto siano complessi l’animo umano e le relazioni interpersonali. La cornice distopica continua a essere certamente presente, ma forse un po’ meno importante. Quello che arriva al cuore della seconda stagione di Paradise sono i silenzi, gli sguardi carichi di significato, le promesse fatte e i sacrifici compiuti per mantenerle. Uno show di spessore, con una Stagione 2 arrivata a confermarlo.

1...697071...3.346Pagina 70 di 3.346