Vi sono attori divenuti vere e proprie icone del cinema d’azione, che dagli anni Ottanta ad oggi hanno contribuito ad impreziosire il genere con i loro film. Nel 2010, tutti questi hanno avuto modo di riunirsi in I mercenari – The Expendables (qui la recensione), scritto, diretto e interpretato da Sylvester Stallone. Il celebre protagonista di film come Rambo e Rocky ha così dato vita ad un vero e proprio evento cinematografico, capace di attirare generazioni e generazioni di spettatori cresciuti con questo genere cinematografico e i suoi indimenticabili protagonisti. Il cast riunisce infatti attori come Arnold Schwarzenegger, interprete di Terminator, Bruce Willis, interprete di Die Hard, e Jason Statham, noto per più recenti film d’azione.

L’idea per il film nacque dallo sceneggiatore Dave Callaham, che sottopose poi il progetto a Stallone. Questi era intenzionato a realizzare un vero e proprio ensemble d’azione, e decise di curare il titolo sotto più punti di vista, facendolo diventare un vero e proprio omaggio al genere reso grande da lui e i suoi amici e colleghi. Data la grande presenza di azione nel film, Stallone dichiarò che si trattava del progetto più difficile della sua carriera, e che molte situazioni ebbero bisogno di grande preparazione affinché risultassero come previsto. Il film riuscì infine ad arrivare in sala, suscitando critiche contrastanti, dove però si elogiava il grande intrattenimento messo in scena.

Costato 80 milioni di dollari, il film riuscì a guadagnarne oltre 274 in tutto il mondo. Tale grande successo, basato in particolare sull’affetto degli spettatori verso gli attori protagonisti, spinse i produttori e lo stesso Stallone a realizzare dei sequel, ai quali si sono aggiunti nuovi celebri attori e dove è stata garantita l’azione e la violenza che hanno contraddistinto il primo capitolo. Numerose sono le curiosità legate a tale titolo, da quelle relative al cast a dove trovare e vedere il film in streaming. Proseguendo nella lettura sarà possibile scoprire tutto ciò e anche molto altro.

La trama di I mercenari – The Expendables

Protagonisti del film sono il gruppo di mercenari noti come Expendables, i quali svolgendo tale mestiere vivono nell’ombra, agendo lì dove altri falliscono. Come suggerisce anche il loro nome, questi sono coloro che possono essere sacrificati. Si tratta di agenti che uccidono su commissione della CIA e che vengono inviati ad operare in situazioni ad alto rischio di morte. La squadra è capitanata da Barney Ross, e al suo interno vi sono alcuni dei più abili combattenti del mondo. Questi sono Lee Christmas, il reduce Yin Yang, l’esperto d’armi Hale Ceaser e l’appassionato di esplosivi Toll Road. Inviati a salvare un membro della CIA preso in ostaggio, questi offre poi al gruppo una nuova missione.

Si tratta di rovesciare il dittatore dell’isola di Vilena, un piccolo stato nel golfo del Messico, i cui traffici illeciti non fanno che deturpare la vita del luogo. Giunti sul luogo, i mercenari scoprono però che qualcuno ha già tolto il potere dalle mani del dittatore Garza. Si tratta di James Munroe, ex agente federale ora corrotto. La missione sembra dunque saltare, ma una vecchia conoscenza di Ross, il cui nome è Tool, lo convincerà a rimanere sull’isola per cercare di ristabilire l’ordine. Mentre architettano un piano per portare a termine quanto stabilito, il gruppo scopre però che tra di loro vi è un traditore, e che a causa di questo rischiano tutti di andare in contro a morte certa. La missione più difficile per il gruppo di Expendables ha così inizio.

Il cast del film

Ad interpretare il protagonista del film, Barney Ross, è dunque Sylvester Stallone, il quale ebbe non pochi problemi a ricoprire tale parte. Date le numerose scene e acrobazie d’azione, egli arrivò infatti a riportare ben quattordici infortuni, tra cui una grave frattura al collo che lo costrinse ad operarsi. Accanto a lui vi è poi Jason Statham nei panni di Lee Christmas, Jet Li in quelli di Yin Yang e Terry Crews nel ruolo di Hale Caesar. Vi è poi il celebre Dolph Lundgren, noto per aver interpretato Ivan Drago in Rocky IV, che dà qui volto a Gunnar Jensen, mercenario con problemi di droga e poco incline al rispetto dell’autorità. Infine, Mickey Rourke interpreta Tool, membro “in pensione” del gruppo che tornerà a dare una mano ai colleghi. L’attore ha dichiarato di aver accettato di partecipare al film per sdebitarsi di un favore che Stallone gli fece anni prima.

Particolarmente celebre è anche il cameo dell’attore Arnold Schwarzenegger, che compare nei panni del capo di un gruppo di mercenari rivale di quello di Ross. L’attore Bruce Willis è invece l’agente della Cia Church, il quale ingaggia gli Expendables per la rischiosa missione. Questi due attori accettarono di comparire a titolo gratuito nel film, in quanto amici di vecchia data di Stallone. Questo è anche il primo film che li vede recitare tutti e tre insieme. Infine, nel film compaiono anche Eric Roberts nei panni del corrotto James Munroe, il wrestler Stone Cold Steve Austin nel ruolo di Dan Payne e Giselle Itié, la quale interpreta Sandra, donna che il gruppo di mercenari si troverà a dover salvare da morte certa.

I sequel di I mercenari – The Expendables

Dato il grande successo del film, nel 2012 è stato portato al cinema il suo sequel diretto, I mercenari 2. Stallone ha per questo lasciato il posto di regista per dedicarsi esclusivamente a riprendere il ruolo di Barney Ross. Il film ha poi visto l’introduzione di nuovi celebri volti del cinema d’azione, come Jean-Claude Van Damme e Chuck Norris. Due anni dopo esce poi il terzo film della serie, I mercenari 3, a cui si aggiungono ulteriori grandi icone del genere action. Questi sono Antonio Banderas, Kellan Lutz, Wesley Snipes, Harrison Ford e Mel Gibson, il quale interpreta il ruolo dell’antagonista principale. Stallone ha poi annunciato nel 2016 un quarto capitolo della serie, che dovrebbe concludere la storia.

Il film – dal titolo I mercenari 4 – Expendables (qui la recensione) è poi arrivato in sala solo nel 2022, con un cast composto da Sylvester Stallone, Sistine Stallone, Jason Statham, Megan Fox, Dolph Lundgren, Andy Garcia, Tony Jaa, 50 Cent e Randy Couture. In questo quarto capitolo, diretto da Scott Waugh, i mercenari si schierano contro un trafficante d’armi che comanda la potenza di un enorme esercito privato. In questo film, tuttavia, Stallone ha principalmente un ruolo di supporto, mentre il vero protagonista è il personaggio interpretato da Statham.

Il trailer e dove vedere il film in streaming e in TV

Per gli appassionati del film, o per chi desidera vederlo per la prima volta, sarà possibile fruirne grazie alla sua presenza nel catalogo di alcune delle principali piattaforme streaming oggi disponibili. I mercenari – The Expendables è infatti presente su Apple iTunes, Now, Rai Play e Prime Video. Per poter usufruire del film, sarà necessario sottoscrivere un abbonamento generale o noleggiare il singolo film. In questo modo sarà poi possibile vedere il titolo in tutta comodità e al meglio della qualità video, senza limiti di tempo. Il film è inoltre in programma in televisione per sabato 5 aprile alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

Il finale di Zodiac di David Fincher riflette la triste verità di un crimine reale: le prove non sono sufficienti per stabilire che Arthur Leigh Allen è il killer dello Zodiaco. Allen era il principale sospettato in quello che è ancora oggi uno dei casi irrisolti più celebri della storia, ma come mostra il finale del film del 2007, la montagna di prove circostanziali non è stata sufficiente per accusare Allen, poi morto di infarto prima che si potesse giungere ad una verità. Il film, basato sull’omonimo libro di Robert Greysmith (interpretato da Jake Gyllenhaal nel film), racconta dunque  del regno di terrore del misterioso serial killer e di coloro che cercarono di smascherarlo.

Nel film Zodiac, infatti, un agente di polizia e due reporter sono dunque ossessionati dalla scoperta della sua identità. La loro ossessione cresce mentre il killer miete vittime e deride le autorità con lettere indecifrabili. In quello che è indicato come uno dei migliori film di David Fincher, coloro che indagavano sul caso volevano dunque così tanto porre fine all’orrore che l’assassino aveva scatenato nella loro zona, al punto da doversi accontentare della loro migliore ipotesi sull’assassino, invece di trovare qualcuno che corrispondesse alle prove concrete. La paura, il trauma e lo strazio portarono Arthur Leigh Allen a essere frettolosamente identificato come il killer dello Zodiaco.

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Arthur Leigh Allen non era l’assassino dello Zodiaco

Alcuni eventi possono essere stati leggermente esagerati per il bene del film, ma alla fine gli eventi di Zodiac si sono svolti nello stesso modo in cui si sono svolti nella vita reale. Arthur Leigh Allen è stato per anni il principale sospettato, con pesanti prove circostanziali a suo carico. Proprio quando sembrava che la polizia potesse arrivare ad una svolta nel caso, Allen morì inaspettatamente per cause naturali. Sulla carta, sembrava davvero che fosse il famoso serial killer dello Zodiaco. Ma le prove fisiche semplicemente non c’erano, il che significa che non poteva essere lui.

Gli investigatori e i cittadini della California settentrionale arrivarono a credere che si trattasse di Allen semplicemente perché avevano bisogno di riparare i danni che il killer dello Zodiaco aveva causato nella loro comunità. La paura, la rabbia e il dolore nella Bay Area erano tangibili e Zodiac lo dimostrò in modo appropriato attraverso la lente di Graysmith, David Toschi (Mark Ruffalo) e Paul Avery (Robert Downey Jr.). Questi uomini volevano così tanto salvare la loro comunità che hanno rinunciato a tutto per farlo. Essendo Avery un giornalista di cronaca nera del Chronicle, si appassionò al caso Zodiac, al punto che iniziò a ricevere minacce di morte e a ricorrere a droghe e alcool.

L’ossessione di Toschi portò invece all’accusa di aver falsificato una lettera di Zodiac, cosa che spinse il suo dipartimento a degradarlo. Il film descrive anche come, una volta che Greysmith ha reso pubblico il suo libro, la sua famiglia ha iniziato a ricevere telefonate dove si udiva solo un respiro pesante. La moglie era talmente turbata dalla sua ossessione per il killer dello Zodiaco che chiese il divorzio. Questi uomini avevano bisogno che Allen fosse il Killer dello Zodiaco perché avevano bisogno che il dolore della California cessasse. Anche se non ci sono mai state prove fisiche, accettare che fosse lui l’assassino ha tranquillizzato alcuni. Purtroppo, le famiglie delle vittime ritratte in Zodiac non avranno mai lo stesso conforto.

La calligrafia di Arthur Leigh Allen non corrisponde a quella del killer dello Zodiaco

L’assassino dello Zodiaco ha iniziato a farsi un nome grazie alle lettere scritte a mano. All’inizio del film, iniziò a inviare lettere al San Francisco Chronicle, vantandosi e deridendolo. Trovare una corrispondenza con la calligrafia significava che le autorità avevano il loro uomo. L’agente di polizia Dave Toschi iniziò a sospettare di Allen per diverse ragioni circostanziali. Indossava un orologio dello Zodiaco, che portava lo stesso simbolo inciso su tutte le lettere anonime del Killer. Anche la personalità di Allen corrispondeva a quella di un serial killer. Era un tipo taciturno, socialmente impacciato ed era additato come pedofilo.

Toschi fece analizzare la calligrafia di Allen e rimase però sconvolto quando scoprì che non corrispondeva. Anche se la calligrafia di Allen non è risultata compatibile, le prove indiziarie sono state sufficienti a tenere Allen in cima ai suoi pensieri per tutto il resto delle indagini sul caso Zodiac. Nonostante l’esito negativo, infatti, le autorità decisero di non scartare Allen come possibile Zodiac. La possibile associazione del suo nome a quella dell’assassino rappresentò il primo raggio di luce in un periodo buio e spaventoso per gli abitanti dell’area di San Francisco.

La balistica e le impronte della scena del delitto Zodiac non corrispondono ad Arthur Leigh Allen

Come mostra la rappresentazione cinematografica della storia vera di Zodiac, il caso contro Arthur Leigh Allen era dunque privo di prove fisiche, ma Toschi non poteva comunque lasciar perdere. Si rivolse a un secondo parere sulla calligrafia e ricevette notizie incoraggianti. Il secondo analista della calligrafia condivideva una teoria secondo cui un cambiamento di personalità può portare ad altri cambiamenti in una persona, come la sua calligrafia. Ma una teoria basata su congetture non era sufficiente per condannare qualcuno come assassino, così Toschi e la sua squadra ottennero un mandato di perquisizione per setacciare la roulotte di Allen.

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Gli agenti di polizia trovarono abbastanza prove che avrebbero dovuto ipoteticamente inchiodare Arthur Leigh Allen. Aveva la stessa giacca a vento trovata sulla scena del crimine. Le sue misure di scarpe e guanti corrispondevano a quelle dello Zodiaco. Possedeva una pistola. Allen si trovava in zona quando è avvenuto uno degli omicidi dello Zodiaco. Corrispondeva perfettamente al profilo, eppure in qualche modo il secondo campione di calligrafia, la balistica e le impronte nella sua roulotte non corrispondevano a quelle dello Zodiaco.

Toschi, come altri coinvolti nelle indagini, era diventato ossessionato dall’idea che Arthur Leigh Allen fosse il killer dello Zodiaco. Perciò rimase scioccato e sconvolto quando scoprì che non c’era un briciolo di prova fisica che indicasse che Allen era l’assassino. Toschi ammette persino nel film di non essere sicuro se pensasse davvero che Allen fosse lo Zodiaco o se volesse solo che fosse lui. La paura e l’incertezza avevano invaso la sua città natale. Come mostra Robert Graysmith, alcune persone erano troppo spaventate per perdere di vista i propri figli. Toschi voleva solo che la caccia al serial killer finisse.

Che fine ha fatto Arthur Leigh Allen?

Arthur Leigh Allen, californiano, nato nel 1933, aveva già un passato burrascoso quando le indagini sullo Zodiaco presero il via. Aveva avuto problemi con la legge per aver abusato sessualmente di bambini, il che, tra gli altri fattori, faceva sembrare la sua innocenza sempre meno probabile. Si dice anche che sia stato congedato con disonore dalla Marina negli anni Cinquanta. Allen morì poi per insufficienza cardiaca nel 1992 e anni dopo, nel 2007, fu pubblicato un documentario sul killer dello Zodiaco intitolato His Name Was Arthur Leigh Allen. Nonostante ciò, non ci sono mai state prove sufficienti per dimostrare che Allen fosse il famigerato assassino seriale.

Chi erano gli altri sospettati del Killer dello Zodiaco?

Zodiac non è dunque mai stato catturato e, sebbene il film si concentri su Arthur Leigh Allen, in realtà ci sono altri tre principali sospettati su cui la polizia stava indagando. Il primo è Richard Gaikowski, il quale assomiglia in modo inquietante agli identikit della polizia. Gaikowski è nato nel 1936 ed è morto nel 2004 di cancro. Ha fatto un breve periodo nell’esercito come medico e si è trasferito a San Francisco nel 1963. Il primo degli omicidi dello Zodiaco avvenne a meno di cinque miglia da casa sua. Quando gli è stato chiesto un alibi, ha dichiarato di essere fuori dal Paese al momento di alcuni degli omicidi. Tuttavia, i registri dei passaporti hanno dimostrato che si trattava di una bugia.

Un’altra scelta popolare, oltre ad Allen, era un uomo di nome Rick Marshall, il cui vero nome era Joe Don Dickey. Marshall/Dickey ha vissuto per 40 anni nella zona di Bay e dintorni prima di morire per problemi legati al morbo di Parkinson. Durante gli omicidi di Zodiac, lavorava in un cinema muto e aveva anche prestato servizio in Marina. Divenne sospettato nel 1976 dopo aver fatto commenti sospetti sulla sua radio amatoriale. Inoltre, una delle lettere del killer di Zodiac fu scritta il giorno del suo compleanno.

L’ultimo sospettato al di fuori di Allen era Lawrence Klein, che si presentava con lo pseudonimo (uno dei tanti) di Larry Kane. Kane aveva un ampio passato criminale che risaliva agli anni Quaranta. La sorella di una vittima dello Zodiaco, Darlene Ferrin, ha dichiarato che Kane ha seguito la sorella per mesi prima dell’omicidio. Inoltre, Kathleen Johns ha identificato proprio Kane come il suo rapitore dopo essersi imbattuta nel killer dello Zodiaco. Alla fine, Kane è morto nel 2010 a Reno, in Nevada. Quindi, sebbene Zodiac si concentri principalmente su Allen, c’erano altri sospetti che si adattavano al caso.

Il caso Zodiac è ancora aperto

Sono ormai passati più di 50 anni da quando il killer dello Zodiaco ha iniziato il suo regno di terrore in California e il caso rimane irrisolto. Tuttavia, questo non significa che gli investigatori non ci stiano ancora lavorando. Nell’ottobre del 2021 il caso è tornato a far parlare di sé, quando TMZ ha riportato la notizia che un team investigativo composto da giornalisti, forze dell’ordine e ufficiali dell’intelligence militare, noto come “The Case Breakers”, aveva scoperto l’identità del Killer dello Zodiaco e aveva fatto il nome di Gary Francis Poste, smentendo ulteriormente le voci su Arthur Leigh Allen.

Tuttavia, l’FBI si pronunciò quasi subito contro questa notizia. Sia l’FBI che le forze dell’ordine californiane hanno contestato il fatto che l’identità del Killer dello Zodiaco sia stata trovata in seguito alla notizia riportata da TMZ, ma ciò che è più interessante è che entrambe le forze dell’ordine hanno rivelato che il caso è ancora aperto. Ciò significa che, anche a distanza di oltre 50 anni, si sta ancora indagando sull’identità del Killer dello Zodiaco. Non è chiaro a che livello si trovi l’indagine, né quanto grande sia il team incaricato di esaminare le prove. Tuttavia, è possibile che con un nuovo sguardo si possano prima o poi trovare ulteriori risposte sull’identità di Zodiac.

Adaline – L’eterna giovinezza (qui la recensione) ha una premessa unica e un finale affascinante. Nel panorama del cinema moderno, dove spesso dominano gli adattamenti e i sequel, questo film del 2015 emerge come una narrazione originale e rinfrescante, tessendo un racconto che cattura l’immaginazione con la sua miscela di romanticismo, fantasia e dramma. Il film presenta la straordinaria vita di Adaline Bowman (Blake Lively), una donna che cessa di invecchiare dopo un bizzarro incidente. Adaline intraprende così un viaggio emotivo lungo decenni, sollevando profonde domande sul tempo, sull’identità e sull’esperienza umana.

La storia si svolge con Adaline alle prese con le complessità dell’eterna giovinezza, in un contesto di cambiamento delle epoche e delle norme sociali. Adaline – L’eterna giovinezza si distingue non solo per la sua premessa unica, ma anche per il modo in cui approfondisce le implicazioni emotive e filosofiche della sua anomalia centrale. Sfida gli spettatori a riflettere sulla vera natura dell’immortalità, non come un sogno fantastico ma come una realtà ricca di sfumature, di sfide e di introspezione. Il film esplora infatti in modo intricato temi come la natura fugace dell’amore, l’essenza dell’identità personale e l’inevitabile incedere del tempo.

Cosa accade nel finale di Adaline – L’eterna giovinezza

Nel finale di Adaline – L’eterna giovinezza, la narrazione raggiunge un culmine struggente: Adaline Bowman, rimasta ventinovenne per otto decenni, affronta una svolta drammatica. Per tutta la durata del film, Adaline naviga nella vita con cautela, nascondendo il suo aspetto permanente cambiando regolarmente identità. Tuttavia, il suo mondo viene sconvolto durante una visita alla casa di famiglia del suo attuale fidanzato, Ellis Jones (Michiel Huisman). Qui Adaline incontra il padre di Ellis, William (Harrison Ford), che, con suo grande stupore, è un ex amante conosciuto decenni prima. Questo incontro inaspettato porta il suo passato e il suo presente in rotta di collisione.

Nel corso della storia, Adaline si confronta con le complessità dell’amore e dell’identità. Il film raggiunge il suo culmine quando Adaline viene coinvolta in un incidente che ricorda quello che le ha causato l’assenza di invecchiamento. Questo secondo incidente inverte la condizione di Adaline, permettendole di invecchiare di nuovo normalmente. Il film si conclude così con Adaline che abbraccia questo cambiamento, pregustando una vita di invecchiamento naturale e costruendo potenzialmente un futuro con Ellis. Il finale segna dunque un cambiamento significativo per Adaline, che passa da una vita di eterna giovinezza e solitudine a una di normalità e connessione.

Perché Adaline ha smesso di invecchiare?

Come ne Il curioso caso di Benjamin Button, il mistero centrale de Adaline – L’eterna giovinezza ruota attorno alla cessazione dell’invecchiamento della protagonista. Il film presenta una spiegazione scientifica fittizia di questo fenomeno. Adaline Bowman, dopo un incidente d’auto negli anni ’30, diventa immune alle ingiurie del tempo grazie a una rara combinazione di eventi. Durante l’incidente, l’auto di Adaline viene colpita da un fulmine dopo che lei si è tuffata in un fiume gelido. Questa straordinaria sequenza porta a un fenomeno scientifico fittizio in cui i telomeri di Adaline, la parte del cromosoma responsabile dell’invecchiamento, diventano in qualche modo immuni alla degradazione.

Il film mescola elementi di fantasia e pseudoscienza per creare una spiegazione plausibile della condizione di Adaline. Questa scelta aggiunge uno strato di intrigo e mistero alla narrazione, invitando gli spettatori a sospendere l’incredulità e a impegnarsi nella premessa unica del film. L’aspetto scientifico della storia, sebbene non sia basato sulla biologia del mondo reale, serve come espediente narrativo per esplorare temi più profondi del tempo, della perdita e dell’esperienza umana. La condizione di Adaline è una porta d’accesso a discussioni su cosa significhi vivere veramente, invece di limitarsi a esistere, e sull’impatto del tempo sulle relazioni umane e sull’identità.

L’immortalità di Adaline è una maledizione più che una benedizione

Nel corso di Adaline – L’eterna giovinezza, il film ritrae l’immortalità di Adaline Bowman come una maledizione piuttosto che come una benedizione. Sebbene l’idea dell’eterna giovinezza possa inizialmente sembrare desiderabile, il film analizza la solitudine e il peso emotivo di una vita senza fine. La condizione di Adaline la intrappola in un perenne stato di cautela e segretezza, impedendole di stringere relazioni durature o di rivelare il suo vero io. Guarda il mondo cambiare intorno a lei mentre lei rimane la stessa, un’esperienza che le procura più dolore che piacere.

Il film illustra con forza il desiderio umano di connessione e il dolore della perdita perpetua. Adaline è costretta ad assistere all’invecchiamento e alla morte dei suoi cari, compresa la complessità del suo rapporto con la figlia anziana, Flemming (Ellen Burstyn). La sua immortalità diventa un ostacolo per sperimentare la naturale progressione della vita, portando a un profondo senso di isolamento e di insoddisfazione. Questo ritratto sfida la narrazione tradizionale dell’immortalità come fantasia ambita, evidenziando il valore intrinseco dell’invecchiamento e del ciclo della vita umana. Il film utilizza quindi la condizione unica di Adaline come lente per esplorare i temi della mortalità.

Il rapporto di Adaline con la figlia Flemming

Uno dei rapporti più toccanti di Adaline – L’eterna giovinezza è quello tra Adaline e sua figlia Flemming. Con l’avanzare del film, Flemming diventa una donna anziana mentre sua madre, Adaline, rimane fisicamente immutata. Un po’ come avviene in Interstellar, soprattutto nel confronto finale tra il protagonista e la sua ormai anziana figlia. Questa dinamica insolita aggiunge un livello di complessità al loro rapporto, in quanto Flemming si confronta con la realtà dell’invecchiamento, mentre sua madre non lo fa. Alla fine del film, con il ritorno di Adaline al naturale processo di invecchiamento, il loro rapporto trova un nuovo equilibrio.

Flemming, che ha vissuto la maggior parte della sua vita con il segreto della condizione della madre, vede finalmente la possibilità di un rapporto madre-figlia più convenzionale. Questo cambiamento porta un senso di chiusura e di sollievo a entrambi i personaggi. L’arco caratteriale di Flemming si conclude dunque con un senso di accettazione e comprensione, poiché vede la madre abbracciare il corso naturale della vita. Questo cambiamento nella loro dinamica simboleggia un ritorno alla normalità e la guarigione delle ferite emotive causate dall’aspetto innaturale della loro relazione. Il film chiude così la storia di Flemming con un senso di speranza e un legame rinnovato.

Il significato del nome di Adaline

Il nome “Adaline” ha un significato importante ed è parte integrante della narrazione del film. Etimologicamente, Adaline deriva dalla parola germanica “adal”, che significa “nobile”. Questa connotazione di nobiltà e atemporalità si addice a un personaggio che vive attraverso più generazioni mantenendo la sua grazia e dignità. La scelta di questo nome riflette la natura duratura del personaggio di Adaline, che, nonostante le sue sfide, rimane resistente e forte. Inoltre, il nome Adaline può essere visto come una metafora dell’esplorazione del tempo e dell’identità del film.

Così come il suo nome porta con sé un senso di storia e di eredità, il personaggio di Adaline incarna l’accumulo di esperienze e di saggezza che derivano da una lunga vita. Tuttavia, a differenza del suo nome, che rimane costante, la vita di Adaline è segnata da cambiamenti e adattamenti, mentre attraversa epoche diverse. Il nome Adaline funge quindi da simbolo sia della permanenza che della transitorietà della vita, racchiudendo i temi centrali del film e la natura paradossale dell’esistenza di Adaline.

Il vero significato del finale di Age of Adaline

Il finale di Adaline – L’eterna giovinezza è dunque carico di simbolismo e di significati più profondi, che trascendono la narrazione superficiale di una donna che ricomincia a invecchiare. La conclusione del film non riguarda solo la cessazione dell’eterna giovinezza di Adaline, ma è anche un commento sulla natura della vita, dell’amore e del passare del tempo. Permettendo finalmente ad Adaline di invecchiare, il film sottolinea la bellezza e l’importanza della progressione naturale della vita.  Celebra l’idea che la vera realizzazione deriva dall’abbracciare il cambiamento e dal vivere la vita in tutte le sue fasi. Inoltre, il finale rappresenta una liberazione per Adaline.

Per decenni è stata oppressa dal segreto della sua assenza di età, che l’ha isolata dal creare legami autentici. Quando inizia a invecchiare, si libera di questo fardello, permettendole di stringere relazioni autentiche e di vivere senza paura di essere scoperta. Questa trasformazione simboleggia una rinascita per Adaline, offrendole una seconda possibilità di vita in cui può impegnarsi pienamente con il mondo e con coloro che ama. The Age of Adaline si conclude con una nota di speranza, suggerendo che non è mai troppo tardi per ricominciare e che abbracciare la nostra mortalità può portare a un’esistenza più ricca e significativa.

Il film Father Stu (qui la recensione) si apre con un giovane Stuart Long (Tenz McCall) che balla sulle note di Elvis mentre il padre Bill (Mel Gibson), alcolizzato e buono a nulla, lo guarda con disprezzo. Come Bill ammette durante una riunione degli Alcolisti Anonimi più avanti nel film, ha abbattuto tutti gli eroi del ragazzo sperando che un giorno il ragazzo lo ammirasse. Il rapporto problematico con il padre è dunque al centro della storia di questo film. Incontriamo poi Stuart (Mark Wahlberg), ormai adulto, come pugile dilettante che tenta di sfondare a un’età in cui la maggior parte dei pugili sta pensando di appendere i guantoni al chiodo.

Questo con grande disapprovazione di sua madre Kathleen (Jacki Weaver), che lo ha cresciuto da sola dopo la partenza di Bill. Il record di Stu sul ring è buono, ma è costretto a smettere perché le infezioni di cui soffre dopo un combattimento potrebbero portare a complicazioni potenzialmente letali. Stu decide quindi di andare a Hollywood per intraprendere la carriera di attore e lavora al banco della carne in un negozio di alimentari finché non viene notato. La celebrità non lo trova, ma riallaccia i rapporti con Bill e viene colpito da un colpo di fulmine quando vede Carmen (Teresa Ruiz) fare la spesa nel suo negozio.

La rintraccia in una chiesa cattolica locale e la corteggia, ma lei non vuole uscire con lui se non viene battezzato. Nel vero stile di Stu, questo è un piccolo ostacolo e si fa inzuppare. Stu trova la vera fede, tuttavia, solo dopo aver subito un terribile incidente in moto e aver avuto una visione della Vergine Maria. Una volta ristabilitosi completamente, intraprende una nuova carriera nel sacerdozio, con grande stupore di tutti. Tuttavia, riesce a convincere Monsignor Kelly del seminario (Malcolm MacDowell) a dargli una possibilità. Si dimostra all’altezza, ma a quel punto viene colpito da una rara malattia muscolare progressiva.

La vera storia di Stuart Long

Father Stu è abbastanza fedele agli inizi della carriera di Stuart Long, anche se riduce la sua attività sportiva alla sola boxe. Cresciuto a Helena, nel Montana, si è distinto nel wrestling e nel football alla Capital High, venendo eletto “miglior guardalinee offensivo” dopo la sua ultima stagione nella squadra. Ha inoltre partecipato a numerosi campionati, classificandosi secondo al Whitehall JV Tourney. Passato al Carroll College, Long ha trascorso due anni nella linea difensiva della squadra di football. Si trattava di una scuola cattolica, ma lui all’epoca non era cattolico e si divertiva a interrompere i suoi insegnanti con domande ignoranti sulla fede.

Padre Bart Tolleson lo ricorda: “La sua conversione è fenomenale: da agnostico combinaguai è passato a un incontro mistico con Dio… Poi ha deciso di diventare sacerdote”. Mentre era al Carroll College, Long sviluppò una passione per la boxe e si costruì una certa reputazione da combattente. L’assistente allenatore Palmer Hoovestal ricorda che: “Non l’ho conosciuto molto bene finché non abbiamo fatto boxe insieme a Carroll. Stu era un tipo grosso, quindi non era molto veloce, ma sapeva colpire duro. Quello che gli mancava in velocità lo compensava con la potenza. Si allenava e si allenava duramente, ma era più simile a un Clydesdale che a un cavallo di razza o a un purosangue”.

Long intraprese una carriera da professionista, vincendo il titolo dei pesi massimi ai campionati statali dei novizi del 1985 a Billings. Avrebbe dovuto rappresentare il Montana ai Regional Golden Gloves di Salt Lake City, ma fu sottoposto a una restrizione di 30 giorni dopo essere stato messo al tappeto in un altro incontro per il titolo locale il fine settimana precedente. L’anno successivo si è ripreso e si è classificato secondo ai campionati regionali del 1986, prima che un intervento chirurgico alla mascella lo costringesse a ritirarsi.

Father Stu va a Hollywood

Come riportato da History vs. Hollywood, opo essersi ritirato dal pugilato, Stuart Long decide ottimisticamente di andare a Hollywood per provare a recitare, con poco altro a sostegno se non la sua fiducia in se stesso e il suo fascino. Le scene in cui arriva a Los Angeles, alloggia in un motel e inizia a cercare opportunità sono di un certo tipo, come quando uno squallido produttore cerca di fargli fare il casting couch per vedere quanto vuole la parte. Nel film, Kathleen, la madre di Long, è tutt’altro che solidale. Pensa che sia solo un altro dei voli pindarici del figlio e gli dice che il suo posto non è a Los Angeles, perché la gente è un “branco di hippy fascisti comunisti”.

In realtà, la madre di Stu era molto più incoraggiante, suggerendogli di andare a Hollywood e di fare un tentativo. Allo stesso modo, il suo vero padre Bill non era affatto cattivo come il personaggio di Mel Gibson nella vita reale. Il vero Mr. Long lavorava lontano, ma era comunque un padre affettuoso e l’infanzia di Stu è stata piuttosto felice fino alla tragica scomparsa del fratello minore. Nel film, la carriera di attore di Stu si riduce a una pubblicità di spazzoloni. La carriera del vero Stu è però stata un po’ più fortunata; oltre agli spot pubblicitari, ha avuto alcune piccole parti e ha persino interpretato il ruolo in un film per la TV.

Da piantagrane a prete

Proprio come nel film, il vero Padre Stu era un po’ un piantagrane quando era più giovane e veniva regolarmente coinvolto in risse. Lo ha ricordato a lungo egli stesso: “Ho vissuto una vita molto veloce. Ero coinvolto in combattimenti. Facevo spesso risse per strada. Ero molto turbolento, sai, bevevo e avevo molti problemi. Ho avuto diversi incidenti, sia in moto che in auto. Sono caduto. Mi sono fatto male combattendo”. Il brutale incidente motociclistico di Stu viene dipinto come il momento che ha portato l’agnostico rissoso verso la religione.

In realtà, ha avuto una serie di incidenti gravi, ma il film si concentra su quello che lo ha convinto di avere una vocazione a servire Dio. Anche la sua relazione con Carmen viene drammatizzata, facendo credere che Stu si sia inizialmente battezzato solo per poterla frequentare. Il vero Stu si è interessato alla religione dopo l’incidente e si è fatto confermare come cattolico romano per poterla sposare, visto che al momento dell’incidente vivevano già insieme.Il film mostra Stu come un personaggio impulsivo che si butta a capofitto in un’idea, e il vero Stu aveva un atteggiamento simile dopo la cresima.

Non contento di essere un cattolico praticante, decise che il sacerdozio era l’unica strada da percorrere. Gli ci sono voluti 10 anni per diventare sacerdote ed è stato ordinato il 14 dicembre 2007. A quel punto soffriva già di una malattia muscolare debilitante e aveva bisogno di stampelle per camminare. Come mostra il filmato, la sua malattia sembrava inizialmente bloccare il suo cammino verso il sacerdozio, prima che il vescovo George Thomas decidesse di ordinarlo nonostante le preoccupazioni del seminario.

La malattia di Father Stu

In Father Stu, il deterioramento di Stuart Long dopo essere stato colpito dalla Miosite Inclusiva Corporea (IBM) è piuttosto rapido, ma in realtà sono passati 19 anni dalla diagnosi alla sua morte finale. La malattia è una condizione incurabile che è iniziata quando a Stu è stato rimosso un tumore “grande come un pugno” dall’anca e da lì la sua salute è gradualmente peggiorata. Sebbene fosse stato ordinato diacono, il rifiuto di diventare sacerdote fu per lui devastante. Decise di recarsi in pellegrinaggio a Lourdes, in Francia, per vedere se le favolose acque curative del santuario potessero guarirlo.

Secondo il suo buon amico padre Bart Tolleson, Stu “credeva assolutamente al 100%” che sarebbe guarito, ma è quasi caduto in acqua quando ha cercato di alzarsi dalla sedia a rotelle. Sulla via del ritorno a casa, Stu visitò la Cattedrale di Notre Dame ed ebbe una visione mistica quando vide la statua di Giovanna d’Arco, che cambiò la sua intera prospettiva sulla malattia. “Sapeva che gli era stato chiesto se avrebbe portato la malattia per Cristo”, ricorda Tolleson, ed è un peccato che questa movimentata e illuminante escursione non sia stata inserita nel film.

Dopo essere stato finalmente ordinato, Padre Stu ha servito come sacerdote per sei anni prima di morire nel 2014, quattro dei quali dalla sua ultima casa al Big Sky Care Center di Helena, Montana, la città in cui era cresciuto. A detta di tutti, è stato un sacerdote molto semplice e di buon umore che ha avuto un effetto positivo duraturo sulla sua comunità e su coloro che sono entrati in contatto con lui. Nonostante i suoi difetti come film, Father Stu riesce a cogliere almeno questo aspetto, soprattutto grazie all’impegno di Mark Wahlberg nel ruolo.

Il fornaio, un film drammatico d’azione, racconta la storia di un uomo anziano apparentemente normale, il cui momentaneo lavoro di babysitter con la nipote si trasforma in una ricerca letale dopo la misteriosa scomparsa del figlio. Il proprietario della pasticceria Pappi’s Bake Shop, solitamente conosciuto come Pappi stesso, si trova in difficoltà dopo che il figlio lontano, Peter, gli lascia la figlia, Delphi, per occuparsi di alcuni suoi loschi affari. Quando Peter non torna dalla figlia, la strana coppia nonno-nipote si imbarca nell’avventura della vita.

Con una flotta di gangster alle spalle e un pericoloso signore della droga che vuole il sangue di Pappi, il panettiere deve rinfrescare alcune delle sue vecchie abilità per garantire la sicurezza della sua famiglia. Il film, ricco di azione e di dinamiche familiari avvincenti, anche se complicate, è un’avvincente storia sull’improbabile legame tra un vecchio perennemente scontroso e una giovane bambina mite ma spontanea. Per questo motivo, gli spettatori possono ben essere curiosi di vedere dove porterà questa bizzarra avventura.

La trama di Il fornaio

Per Peter, proprietario di una piccola compagnia di limousine, il viaggio verso l’aeroporto doveva essere un semplice pick-up. Tuttavia, dopo che un ritardo rimanda l’uomo al parcheggio sotterraneo, assiste a una scena incredibile. Mentre l’autista si nasconde nell’ombra, nel parcheggio avviene una consegna di droga, interrotta da una banda rivale. Di conseguenza, le due bande si uccidono a vicenda, lasciando incustodito un borsone pieno di droga, di cui Peter può approfittare. In una frazione di secondo, l’uomo prende una decisione. Di conseguenza, dopo aver rubato il borsone, scappa dalla città con la figlia piccola.

Il padre e la figlia arrivano alla pasticceria Pappi (Ron Perlman), di proprietà del padre di Peter. Anche se i due non sono in contatto da anni e Pappi ignora completamente l’esistenza di sua nipote Delphi, Peter lo convince a prendersi cura della ragazza. Con la promessa di un ritorno sicuro dopo una telefonata sospetta sullo spostamento della sua “scorta”, Peter torna a casa sua per un lucroso scambio con il suo spacciatore, Milky. Tuttavia, un destino diverso lo attende a casa sotto forma di uomini armati che lavorano per il Mercante, un temuto signore della droga locale.

Sebbene Peter tenti di restituirgli la droga in cambio della sua vita, ben presto si rende conto che Delphi ha scambiato il contenuto del borsone con il suo zaino scolastico in preda alla rabbia. Quando i gangster se ne accorgono, picchiano Peter. L’uomo riesce a telefonare a Pappi come ultima risorsa per chiedergli di prendersi cura di sua figlia, prima che il panettiere senta degli spari dall’altra linea del telefono. Di conseguenza, dopo un giorno di inizio difficile con la ragazza che ricorda tanto a Pappi il suo bambino, il fornaio arriva alla stazione di polizia con Dephi per sporgere denuncia.

Tuttavia, la stessa non porta a nessuna soluzione, poiché Pappi conosce a malapena la vita di Peter per presentare una denuncia coesa. Di conseguenza, prende in mano la situazione e inizia un’indagine privata. Non avendo nessun altro che si occupi della piccola Delphi, il cui trauma passato l’ha resa selettivamente muta, il fornaio la lascia venire con sé. Il duo compie alcuni viaggi e scopre che le bustine rosa contenute nella borsa di Delfi sono una droga molto ricercata nota come Nova o Rosa. A sua volta, la notizia di un vecchio ma abile combattente alla ricerca del figlio giunge al Mercante, che lo costringe a fare pressione sul suo braccio destro, Victor, affinché risolva il problema di Peter.

Nel frattempo, Pappi e Delphi, che avevano iniziato la loro conoscenza in guardia, cominciano a scaldarsi l’uno con l’altro. Dopo alcuni incontri più violenti con spacciatori e simili, Pappi arriva in un club che ha legami con il famigerato Mercante, responsabile della scomparsa del figlio. Tuttavia, all’interno del locale, la sfortuna lo attende dopo che un alterco con lo scagnozzo del boss lascia a Pappi la consapevolezza della fatale scomparsa del figlio. La notizia è ancora più pesante per Delphi, che è distrutta per aver perso ogni speranza di ricongiungersi al padre. Ciononostante, Pappi conforta la bambina. Il giorno dopo, i due lasciano l’albergo per tornare alle loro vite.

Tuttavia, gli uomini del Mercante, attirati da una redditizia taglia sulla testa di Pappi, tendono loro un’imboscata, dando vita a una lotta che lascia il fornaio gravemente ferito. Sebbene la prontezza di riflessi di Delphi permetta a Pappi di ricevere i soccorsi di cui ha bisogno, i loro inseguitori rintracciano il duo anche in ospedale. Dopo essere scampato a un’altra esperienza di quasi morte, Pappi decide di porre fine ai giochi del Mercante e organizza un incontro con Victor.

Il finale di Il fornaio

Anche se Pappi ha sentito il rumore degli spari durante l’ultima telefonata con Peter, l’anziano si è aggrappato alla speranza che suo figlio potesse essere ancora vivo. Allo stesso modo, disse alla bambina di gestire le sue aspettative senza schiacciare il suo spirito. Tuttavia, la speranza di Pappi si azzera quando riceve la conferma della morte di Peter da qualcuno che sostiene di averlo seppellito. Pappi sperava che il Mercante avesse tenuto in vita il figlio per usarlo come riscatto. Tuttavia, sapeva quanto fosse improbabile un simile scenario. Pertanto, quando gli scagnozzi del gangster confermano la morte di Pietro, il fornaio non ha motivo di mettere in dubbio la sua onestà.

Tuttavia, la stessa cosa non segna l’uscita del nonno-nipote dal mondo criminale. Il Mercante è ancora alla ricerca della droga Nova, deciso a procurarsi i beni perduti. Per lo stesso motivo, Victor si rifiuta di mollare la presa e continua a mandare aggressori contro Pappi. Dopo l’attentato all’ospedale, Pappi compie una scelta difficile e decide di portare a termine la missione. Di conseguenza, usa il telefono di uno degli scagnozzi di Victor per organizzare un incontro con l’uomo e lo prende prontamente in ostaggio. La narrazione mantiene una certa distanza dal passato di Pappi, evitando di rivelare la maggior parte dei dettagli.

Tuttavia, i flashback e i commenti di circostanza rendono evidente che il panettiere nasconde un passato raccapricciante che gli procura ancora incubi di routine. Di conseguenza, Pappi ha anche le capacità per sostenere il suo passato faticoso e misterioso, come testimoniano i suoi precedenti alterchi. Per questo motivo, riesce a rapire facilmente Victor e lo costringe a guidare fino al luogo in cui ha seppellito il figlio del fornaio. Una volta che Victor, Pappi e Delphi arrivano all’ingresso del fitto bosco minaccioso dove il gangster conferma che si trova il corpo di Peter, Pappi lascia il nipote in macchina per risolvere la questione di Victor.

Nella foresta, Pappi scopre e riconosce il corpo semisepolto di Peter. Di conseguenza, decide di uccidere Victor per vendicare il figlio. Sorprendentemente, Victor, la cui coscienza lo tormenta da giorni per aver reso orfano un bambino, accoglie il giudizio finale di Pappi e implora la sua morte. In preda alla rabbia, Pappi lascia che il proiettile lo manchi. Tuttavia, il rumore dello sparo attira Delphi nella foresta, dove assiste all’orribile scena. Al contrario, Pappi vede Peter nella sagoma della figlia, ricordando un tempo prima che Peter crescesse e iniziasse a detestarlo, probabilmente per il suo passato violento. Sceglie quindi di liberarsi del suo passato e di abbracciare un futuro migliore.

Chi uccide il Mercante?

Dopo che Pappi permette a Victor di vivere, lasciandosi alle spalle la sua vita violenta con Delphi al suo fianco, decide di affrontare il loro avversario, il Mercante, in un confronto diretto. Nel corso del film, la narrazione accenna solo alla vecchia vita di Pappi come Donald Gilroy. Così, anche se sappiamo che alcuni incidenti si sono conclusi con l’inscenamento della sua morte decenni fa, la natura della sua professione passata rimane sconosciuta. Per lo stesso motivo, è un po’ uno shock quando il confronto tra Pappi e il Mercante rivela che i due uomini si conoscevano già.

Anche se tra i due si respira un’aria tesa, è chiaro che il signore della droga rispetta, o almeno teme, la presenza di Pappi nonostante la sua scomparsa da anni. Di conseguenza, il Mercante accetta di liberare lui e sua nipote dopo che Pappi gli avrà restituito la droga Nova. Così, alla fine, Pappi si trova in un aeroporto con Delphi, una famiglia di due persone che si prepara a imbarcarsi su un volo. Anche se uccidere il Mercante avrebbe portato una momentanea soddisfazione a Pappi, egli si rende conto del circolo di violenza che un’azione del genere avrebbe scatenato. Pertanto, non vuole commettere gli stessi errori che ha commesso con Peter e perdere Delphi non riuscendo a tenerla al sicuro.

Tuttavia, la scena finale del film, in cui una figura senza volto trova il Mercante e gli spara a bruciapelo, lascia un quadro sconcertante al pubblico. Pappi emerge come l’ovvio sospettato dell’omicidio, data la presenza contrapposta del fornaio e del Mercante nella storia. Tuttavia, Pappi ha permesso a Victor, l’uomo che ha premuto il grilletto contro suo figlio, di sfuggire alla morte. Per lo stesso motivo, non avrebbe senso che l’uomo scegliesse la violenza contro il Mercante mentre Victor vive. Inoltre, a prescindere dalla debolezza personale del Mercante, il suo cartello della droga rappresenterà sicuramente un problema pericoloso per Pappi, che non vorrebbe mettere Delphi in una situazione simile.

Pertanto, sembra probabile che Pappi non uccida il Mercante. Il Mercante, invece, probabilmente incontrerà la sua fine per mano di Victor, il suo fidato dipendente. Per tutto il film, il signore della droga tratta Victor con disgusto e mancanza di rispetto, ricordandogli spesso la sua inferiorità perché non è della famiglia. Così, Victor, che poco prima aveva abbracciato la morte per poi esserne derubato, avrebbe potuto facilmente incanalare le sue frustrazioni verso l’uomo responsabile delle sue azioni immorali. In definitiva, è possibile che sia Victor a sparare al Mercante.

Io vi troverò (Taken) ha dimostrato al mondo una cosa: se un padre arrabbiato ti dice che ha delle abilità molto speciali, è meglio che rilasci sua figlia. Il film d’azione non solo è stato un successo in tutto il mondo, ma ha consacrato Liam Neeson come una vera e propria star dell’azione. Non è passato molto tempo prima che l’attore diventasse l’uomo di riferimento per qualsiasi trama cinematografica che richiedesse un’eccessiva quantità di calci nel sedere, e l’esistenza di film come The Grey, L’uomo sul treno e Non-Stop sono tutti merito di questo film. Non sorprende dunque che sia poi stato realizzato un sequel: Taken – La vendetta (qui la recensione), diretto da Olivier Megaton.

Tornando un attimo al film che ha dato il via a tutto, Io vi troverò  aveva tutto ciò che il pubblico voleva da un thriller d’azione. Bryan Mills (Neeson) vede la figlia Kim (Maggie Grace) venire rapita, quindi si reca in Europa per rintracciarla, uccidendo nel frattempo scagnozzi su scagnozzi. Il tutto ha un lieto fine, con la famiglia di Bryan che si riunisce. La sua ex moglie, Lenore (Famke Janssen), forse sta ancora con un altro uomo, ma almeno ora sono in rapporti più amichevoli. Tutto sembrava essersi concluso bene, ma in ogni film di successo è sempre previsto un sequel. Taken – La vendetta ha dunque rimesso in pericolo la famiglia Mills, ma questa volta sono Bryan e Lenore a essere presi di mira.

La spiegazione del finale di Taken – La vendetta: Bryan Mills offre al cattivo una scelta

Nel film, spetta dunque a Kim salvare la situazione e tutto culmina in una conclusione emozionante. Kim dimostra di essere una valida mercenaria, mentre riceve la guida del padre per la maggior parte del film. Tuttavia, Bryan è ancora lì per fare del male e riesce a salvare se stesso e la sua ex moglie dalla mafia albanese. Una volta messe al riparo le donne della sua vita, si lancia nella vendetta per trovare l’uomo che sta dietro a tutto: Murad Hoxha (Rade Šerbedžija). I due si incontrano faccia a faccia e, come previsto, Bryan ha la meglio.

Tuttavia, non uccide Murad subito. Al contrario, gli offre una scelta: Murad può scegliere di morire qui e ora, oppure di andare a stare con i suoi figli. Murad accetta l’offerta di lasciare Bryan da solo, permettendogli di posare la pistola… ma non sarebbe un thriller senza un doppio gioco. Murad raccoglie quindi la pistola solo per scoprire che non ha proiettili. Bryan si rende quindi conto che sarà sempre braccato, così impala il suo nemico su un gancio per asciugamani.Durante il confronto finale c’è una battuta che riassume tutto, ovvero quando Bryan dice: “Sono stanco di tutto questo”.

Egli è un ufficiale della CIA in pensione, che vuole solo essere presente per la sua famiglia. Non vuole essere un assassino e si rende conto che se dovesse eliminare Murad, i suoi figli verrebbero a cercarlo. Preferirebbe non avere a che fare con tutto questo e sembra sinceramente volere che Murad se ne vada. Purtroppo, ciò non accade e Bryan si rende conto che, per quanto si sforzi, rimarrà sempre intrappolato in questo mondo violento.

Taken – La vendetta getta dei semi che il sequel non raccoglie

Prima di morire, Murad dice quindi a Bryan che ha altri due figli e che se lo uccide, loro lo inseguiranno. È il motivo per cui Bryan vuole lasciarlo andare vivo inizialmente, perché preferirebbe che quei figli non divenissero una minaccia per lui e la sua famiglia. Naturalmente, Murad fa la scelta sbagliata, costringendo Bryan ad eliminarlo una volta per tutte. Alla luce di ciò, sarebbe logico pensare che Taken 3 – L’ora della verità sia incentrato sugli ultimi due figli che vendicano il fratello e il padre. Ma le cose non vanno così per il sequel. Al contrario, il seguito prende una direzione completamente diversa: il nuovo marito di Lenore, Stuart (Dougray Scott), la uccide e poi incastra Bryan per l’omicidio.

La mafia albanese, dunque, non entra affatto in gioco, quindi è un po’ strano guardare Taken – La vendetta, col senno di poi, con una scena che sembra impostare il tema del sequel… solo per scoprire che questa non viene più ripresa. I due figli rimasti potrebbero sempre entrare in gioco con un Taken 4, ma considerando che il terzo capitolo è uscito nel 2014, sembra ormai improbabile che Neeson torni in questo franchise. Naturalmente, quando si tratta di franchise d’azione e sequel che escono con decenni di ritardo, il pubblico non dovrebbe mai dire mai. C’è sempre la possibilità che un altro film di Taken riprenda con Kim che segue le orme del padre e i restanti membri della famiglia Hoxha decidono di vendicarsi di lei.