E’ stato attribuito il secondo Leoni d’Oro alla carriera all’attore Tony Leung Chiu-wai  alla 80. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia.

Tony Leung Chiu-wai – che ha interpretato tre film Leoni d’Oro a Venezia, Città dolente (1989) di Hou Hsiao-hsien, Cyclo (1995) di Tran Anh Hung e Lust, Caution (2007) di Ang Lee –  nell’accettare la proposta ha dichiarato: “Sono colpito e onorato dalla notizia della Biennale di Venezia. Condivido idealmente questo premio con tutti i cineasti con cui ho lavorato. Questo riconoscimento è anche un omaggio a tutti loro”.

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Terzo film in concorso e terzo red carpet Made in Italy per 80esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, arriva Adagio diretto da Stefano Sollima e con protagonisti un cast d’eccezione italiano composto da  Pierfrancesco Favino, Adriano Giannini, Toni Servillo, Valerio Mastandrea,  Gianmarco Franchini, Francesco Di Leva, Lorenzo Adorni, Silvia Salvatori. Ecco tutte le foto dei protagonisti a supporto del film:

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Manuel ha sedici anni e cerca di godersi la vita come può, mentre si prende cura dell’anziano padre. Vittima di un ricatto, va a una festa per scattare alcune foto a un misterioso individuo ma, sentendosi raggirato, decide di scappare, ritrovandosi invischiato in questioni ben oltre la sua portata. Infatti i ricattatori che lo inseguono si rivelano essere estremamente pericolosi e determinati a eliminare quello che ritengono uno scomodo testimone e il ragazzo dovrà chiedere protezione a due ex-criminali, vecchie conoscenze del padre.

“Dopo le esperienze all’estero, finalmente sono tornato a raccontare la mia città. Roma è cambiata e anch’io. L’ho osservata con occhi diversi percorrendo le sue strade con un altro passo. Un adagio. Questo è il racconto del declino inesorabile, struggente, di tre vecchie leggende della Roma criminale alla ricerca di una redenzione impossibile in un mondo ancora più cinico, caotico e feroce di quello che avevano governato negli anni d’oro. Un mondo che schiaccia relazioni familiari, amichevoli e fraterne senza lasciare altri legami tra gli uomini al di fuori del denaro. Una città governata dal caos, dalla corruzione, dal cinismo e asfissiata dal caldo torrido, devastata dagli incendi e dal buio dei blackout… Ma c’è uno spiraglio di luce. La nuova generazione“. Stefano Sollima

Dopo la parentesi statunitense, durante la quale ha realizzato i film Soldato e Senza rimorso, il regista Stefano Sollima torna in Italia per concludere una sua trilogia spirituale sulla criminalità romana. Lo fa con Adagio, presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia, proponendo una storia che ha per protagonista Manuel, un ragazzo di sedici anni che si ritrova suo malgrado invischiato in questioni ben oltre la sua portata. Inseguito da alcuni ricattatori, che si rivelano essere estremamente pericolosi e determinati a eliminare quello che ritengono uno scomodo testimone, i ragazzo dovrà chiedere protezione a due ex-criminali, vecchie conoscenze del padre.

Quello in Adagio è un clima apocalittico, che sembra annunciare la fine di un certo mondo e dei suoi personaggi ma anche l’arrivo di una nuova generazione. “Alcuni elementi drammaturgici, come gli incendi o i blackout, hanno una funzione tutt’altro che distopica all’interno del film. – spiega Sollima aprendo la conferenza stampa – In realtà è parte della città e di come io la vivo. Volevo tornare a raccontare Roma, trasfigurandola certo, ma con situazioni proprie della sua realtà. Adagio, insomma, è un mio modo di vederla e di annotare i suoi cambiamenti nel tempo”.

Adagio, tra lavoro sul corpo e ricerca di redenzione

Nel film ritroviamo un cast composto da alcuni dei più grandi interpreti del cinema italiano: Piefrancesco Favino, Toni Servillo, Valerio Mastandrea, Adriano Giannini e Francesco Di Leva. A raccontare per primo della sua esperienza sul set è stato Toni Servillo, il quale ha raccontato che questo “è il mio primo film con Sollima. Sono rimasto ammaliato dalla sceneggiatura e poi dal lavoro sul set. Daytona, il mio personaggio, recita nella recita, quindi è particolarmente affascinante per un attore. Abbiamo a che fare con personaggi criminali che hanno vissuto entro certe regole e che intendono rispettarle fino alla fine, consapevoli di sbattare così contro un destino inevitabile”.

“È una storia di uomini che fanno i conti con sé stessi e quella libertà che si immagina abbiano avuto cercano di mantenerla fino all’ultimo, rilanciando sui giovani“, conclude Servillo. La parola passa poi a Piefrancesco Favino, che descrive ulteriormente il film e i suoi protagonisti affermando che “lavorare per Stefano vuol dire occupare lo spazio con il corpo in modo diverso dal solito. C’è sempre un senso di invenzione, per cui anche se ci sono elementi storici precisi era possibile aggiungere qualcosa in più. Per questi personaggio io ho sempre pensato a quei cani che quando stanno per morire cercano la solitudine. Poi però può capitare che arrivi la chiamata ad una guerra antica che risveglia l’adrenalina, la voglia di vivere”.

“Stefano è un regista punk, nei suoi film non c’è redenzione. Non sono storie di bene o male, ma storie di uomini che c’hanno delle cose da fare. I personaggi sono falene impazzite che ruotano attorno alla propria ossessione. Il messaggio però è che per fortuna le colpe dei padri non sempre si tramando ai figli“, conclude Favino, lasciando la parola a Valerio Mastandrea che riguardo il suo coinvolgimento afferma “quando Stefano mi ha fatto leggere la sceneggiatura ho pensato ‘che bella storia di vecchi, mi piacerebbe vederla al cinema’, non avevo capito che mi stava offrendo un ruolo”. Sollima spiega allora che “Adagio era un soggetto di poche pagine con tre vecchie leggende della Roma criminale. Alla fine però volevo lavorare con persone che amo e stimo, quindi abbiamo rivisto un po’ l’età dei personaggi”.

Adriano Giannini torna invece sul discorso del corpo nello spazio e spiega che “tutti noi attori abbiamo fatto un lavoro sul corpo, perché il tipo di linguaggio cinematografico scelto ci obbligavano a creare delle grandezze, delle deformità fisiche per entrare meglio in quell’immagine che Stefano aveva in mente. Da attore non sempre hai la percezione di poter lavorare così”. Nel film recita anche il giovanissimo Gianmarco Franchini, nel ruolo di Manuel. L’attore ha ricordato l’esperienza affermando che “per me è stato come essere un bambino al luna park. Sono un fan di Stefano e ho potuto recitare con alcuni dei migliori attori oggi in Italia. E Stefano teneva molto alla mia opinione, voleva sapere cosa ne pensavo, cosa potevo aggiungere. È stato un lavoro in sinergia“.

Adagio chiude la trilogia su Roma di Sollima

Come riportato in apertura, Adagio conclude la trilogia di Sollima che ha come argomento centrale la criminalità romana. Dopo ACAB – All Cops Are Bastards e Suburra, con Adagio si va dunque a rappresentare la decadenza di quel mondo e l’estinzione dei suoi rappresentanti. “Questo genere che tratto, il crime, continuerà a piacermi. Adagio è sì una chiusura della trilogia su Roma vista e traslata in chiave criminale. Ma questo non vuol dire che sicuramente cambierò genere di racconto con il mio prossimo progetto. Magari farò altri film di questo tipo, anche se non necessariamente a Roma“. In attesa di scoprire cosa riserva il futuro per Sollima, Adagio uscirà in sala il 14 dicembre, distribuito da Vision Distribution.

È stato presentato Fuori concorso alla Mostra del Cinema di Venezia il film The Palace, il nuovo lungometraggio del regista premio Oscar Roman Polanski ambientato al Palace Hotel, uno straordinario castello progettato all’inizio del 1900 che si trova nel bel mezzo di una valle svizzera innevata, dove ogni anno convergono da tutto il mondo ospiti ricchi e viziati, in un’atmosfera gotica e fiabesca. La festa di Capodanno 2000 li ha riuniti tutti in un evento irripetibile. Al servizio delle loro stravaganti esigenze c’è uno stuolo di camerieri, facchini, cuochi e receptionist. Hansueli, zelante direttore dell’albergo, passa in rassegna lo staff prima dell’arrivo degli ospiti, ribadendo che, pur essendo l’alba del nuovo millennio, non sarà la fine del mondo.

In effetti quella che si prepara è davvero una guerra combattuta a colpi di stravaganze ed eccentricità degli ospiti dell’hotel. Le varie storie danno vita a una commedia assurda, nera e provocatoria. È la fine del 1999: non solo l’epilogo di un secolo, ma la fine di un intero e controverso millennio, e nell’aria aleggia il Millennium Bug. Polanski torna dunque ad uno dei suoi filoni prediletti, quello della satira, ponendo alla berlina l’umanità e le direzioni da essa intrapresa. Polanski non è però potuto essere a Venezia per presentare il film, lasciando dunque tale onore al suo cast di attori, composto da Luca Barbareschi, Fortunato Cerlino, Fanny Ardant, Mickey Rourke, Oliver Masucci e Milan Peschel.

L’esperienza di produrre Roman Polanski

“Questo è un film per molto importante, come lo sono stati gli altri realizzati con Polanski. – esordisce Barbareschi in conferenza stampa – È un film di attori, corale, in cui Roman ha voluto dar vita ad un affresco straordinario di cosa è diventato questo mondo oggi”. Barbareschi, oltre ad essere tra i protagonisti del film, ne è anche produttore e proprio di questa esperienza ha voluto parlare, affermando che “Lavorare con Roman è meraviglioso, perché produttivamente ha sempre ragione. Produrre un suo film quindi non è facile ma siamo felici di averlo fatto per questo che è ben più che una commedia. Un’opera speciale, che dopo L’ufficiale e la spia propone una storia molto divertente, quasi balzacchiana”.

“Polanski ha compiuto 90 anni quest’anno, ma ha un’energia impressionante. Spero di fare presto un altro film insieme. Penso inoltre che il direttore artistico della Mostra del Cinema sia stato molto coraggioso ad invitarci, perché è giusto che un evento come questo punti a rappresentare ogni sfumature del cinema e dei suoi linguaggi. E penso che non possa e non debba esserci un giudizio morale sull’arte. Ancora non mi spiego perché L’ufficiale e la spia non sia stato distribuito nei paesi anglosassoni, ma poi è anche così che si scatenano le guerre, negando all’arte di circolare e toccare il cuore e la mente delle persone”.

Recitare per Polanski in The Palace

Barbareschi passa poi a parlare del personaggio da lui interpretato, un anziano porno attore di nome Bongo. “È un personaggio emblematico di questo secolo, dove il nuovo Dio è il selfie, ovvero l’egocentrismo. Bongo è un egoriferito, pensa solo al proprio bagaglio di vita. Ma la cosa divertente di una pornostar è che invecchiando lo riconoscono solo i vecchi e quindi si deve confrontare con questo declino. È quindi anche una metafora di un mondo sessualizzato, dove tutto è pornografia”. Nel film recita anche l’attrice francese Fanny Ardant, che ha racconto di aver ritrovato con The Palace “la gioia di lavorare con un uomo appassionato, che ricerca l’assoluto in ogni particolare”.

Barbareschi non è stato però l’unico italiano a recitare nel film, dove possiamo ritrovare anche Fortunato Cerlino, nel ruolo di Tonino, receptionist dell’albergo. “È stato un grande privilegio aver lavorato con un simile maestro. – ha dichiarato l’attore –  Mi piace associare questo film ad una commedia dell’arte. Ogni personaggio porta sostanzialmente una maschera e così nel corso del racconto ci ritroviamo davanti agli occhi qualcosa di molto buffo ma anche profondamente tragico. Perché come diceva Cechov, quando sei davanti a qualcosa di estremamente tragico allora non puoi che ridere”.

La parola passa poi a Oliver Masucci, interprete del diretto del The Palace: “volevo lavorare con Roman e cercavo di farlo da tempo. Inizialmente per il personaggio che interpreto in The Palace aveva pensato a Christoph Waltz, il quale però non ha potuto partecipare. Così sono arrivato io e lavorare con Roman è stato come trovarsi in teatro, dove puoi provare più volte le scene, trovare il giusto punto di vista.” Anche Milan Peschel si unisce alle lodi nei confronti di Polanski, affermando di aver trovato in lui un regista aperto all’improvvisazione e capace di comunicare molto con poco.

Nella sua lunga carriera, Tony Leung Chiu-wai ha recitato in tre film che hanno vinto il Leone d’Oro al Festival del Cinema di Venezia, e oggi riceve finalmente il suo Leone d’Oro alla carriera, che, come dice lui stesso, non deve dividere con nessuno, questa volta.

L’attore e cantante di Hong Kong è una delle star asiatiche di maggior successo e riconosciute a livello internazionale. Tra i suoi film più importanti a livello mondiale ricordiamo il capolavoro di Wong Kar-wai del 2000, In the Mood for Love, per il quale ha vinto il premio come miglior attore a Cannes. Le sue altre collaborazioni con Wong includono Chungking Express, Happy Together e The Grandmaster.

Leung ha anche recitato in Hero, film candidato all’Oscar di Zhang Yimou, e nei successi al botteghino Hard Boiled di John Woo e Infernal Affairs di Andrew Lau e AlanMak. Quest’ultimo film, in particolare, è stata l’ispirazione originale per The Departed, con cui Martin Scorsese ha vinto un Oscar.

“Finalmente posso averlo per me, non devo condividerlo con nessuno” ha detto oggi in conferenza stampa Tony Leung, parlando del riconoscimento alla carriera al Festival di Venezia, dove è stato ospite diverse volte con i suoi film (i tre vincitori del Leone d’Oro in cui ha recitato sono A City of Sadness di Hsiao-Hsien Hou, Cyclo di Tran Anh-hung e Lust, Caution di Ang Lee).

L’attore ha ripercorso la sua carriera, raccontando di come la recitazione lo abbia aiutato a superare la sua timidezza. Attraverso questo mezzo espressivo, Leung “ha trovato il modo di esprimersi di fronte ad altre persone senza essere timido perché non sanno che sono io, pensano che sto interpretando un personaggio”.

Alla domanda sulle sue collaborazioni con Wong Kar-wai, Tony Leung ha osservato: “È così diverso rispetto agli altri registi. Non abbiamo mai una sceneggiatura completa quando si lavora con lui, quindi non so cosa preparare prima delle riprese. Ricevo la sceneggiatura solo quel giorno: è molto sperimentale”. A volte, ha spiegato, una scena viene girata otto volte in vari costumi e ambientazioni, “È il motivo per cui i film di Wong Kar-wai a volte richiedono alcuni anni…”.

Proprio in merito a In The Mood For Love, forse la sua collaborazione più importante con Wong Kar-wai, Leung commenta la citazione di quel film in Everything Everywhere All At Once: “Ho visto il film su un volo, non ricordo dove. È stato interessante, una specie di tributo ad alcuni film degli anni ’80 e ’90. È stato un film molto interessante, un film molto speciale”. Per quello che riguarda il suo percorso in carriera e i suoi obbiettivi da attore, Leung ha affermato di non aver mai seguito un percorso professionale specifico: “Nella mia carriera di attore non pianifico mai cosa voglio fare dopo, perché penso che il destino unisca le persone. Quando succede qualcosa, succede. Non calcolo mai se voglio fare film o no… uso il cuore”.

Di recente il suo cuore si è posato su The Goldfinger di Felix Chong, un film poliziesco d’azione ambientato negli anni ’80 basato su eventi reali che uscirà nelle sale di Hong Kong il 30 dicembre. Leung lo ha definito una sorta di American Hustle che incontra The Wolf of Wall Street. Nel film, Leung avrà “finalmente” la possibilità di interpretare un cattivo. Inoltre, lo farà al fianco di Andy Lau che in Infernal Affairs era il cattivo. “Per me è molto impegnativo interpretare il cattivo, e questa volta Andy interpreta il buono. Vent’anni dopo Infernal Affairs, ci scambiamo i ruoli”.

Nel corso della serata, Tony Leung sarà il protagonista della cerimonia di consegna del Leone d’Oro alla carriera nella Sala Grande.

Grande amico della Mostra di Venezia, Harmony Korine arriva al Lido mascherato e sereno, a presentare Fuori Concorso il suo nuovo film Aggro Dr1ft, quello che sembra l’inizio di un nuovo capitolo nella sua filmografia, sempre molto concreta e legata al reale e ai personaggi.

In merito a questo nuovo lavoro, un tuffo nella sperimentazione, Korine spiega: “Non ero soddisfatto nel fare o guardare i film tradizionali, e ho cominciato a pensare che ci fosse qualcosa oltre la loro realizzazione. Volevo sperimentare l’idea di cosa venisse per me dopo che un film è finito, per me è stata una specie di esperienza sensoriale, una vibrazione, l’essere dentro un gioco.” 

E proprio i videogiochi sono stati la sua principale ispirazione per la realizzazione del film, in particolare gli open world, come Legend of Zelda. “L’ingegneria del giochi mette in campo una vera e propria creazione di un mondo, oggi, molto più che un film, l’estetica di un gioco per me è una delle forme espressive più interessanti in circolazione.”

Ma più che cinema sperimentale, quello di Harmony Korine è un gioco, un tentativo di riconnettersi con l’arte del cinema: “Non volevamo realizzare un esperimento tecnico, ma volevo divertirmi con il medium. Non c’era più senso di divertimento e di gioco nel processo della realizzazione dei film, e quindi ho voluto tornare a quello che mi faceva divertire, un tentativo di innamorarmi di nuovo del processo.”

Per farlo, Harmony Korine ha utilizzato una serie di strumenti precisi, come le termocamere, che gli hanno consentito un modo diverso di girare, utilizzando anche un vocabolario differente e specifico. “È stato divertente anche solo provare cose nuove. Provare un misto di tecnologia e creatività, spingere la tecnica per vedere creativamente dove si poteva arrivare. Stiamo lavorando adesso una dream box, che permette di creare immagini solo pensandole. È questo il tipo di cose che mi piace fare, è un continuo esperimento.”

Si è tenuto nella sera il red carpet per il film italiano Finalmente l’Alba in concorso a Venezia 80, l’80esima Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia, diretto da Saverio Costanzo, accompagnato dai protagonisti.

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L’attrice Micaela Ramazzotti arriva al lido per presentare in Orizzonti Extra Felicità, il suo debutto alla regia che la vede anche protagonista al fianco di Max Tortora, Anna Galiena, Matteo Olivetti e Sergio Rubini. Ecco tutte le foto:

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Il film

Si è tenuto questo pomeriggio il red carpet di Bastarden (The Promised Land, recensione), presentato in concorso a Venezia 80, 80esima edizione della Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia. A sfilare gli interpreti accompagnati dalla star Mads Mikkelsen, protagonista del film. 

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Il film

Un dramma storico dalla forte intensità, Bastarden – The Promised Land arriva a Venezia 80. Un film fortemente voluto dal Arcel, anche un progetto intimo per lui che porta al Lido e che ottiene i suoi primi consensi. Come racconta il regista la paternità ha avuto un ruolo chiave nella sua realizzazione.

“È una cosa banale da dire ma avere un figlio ti cambia la vita e non immagini quanto. Quando ho letto il romanzo stavo diventando padre e leggerlo mi ha fatto scoprire questa storia di ambizione che contrasta con la famiglia. Prima ragionavo sempre in termini di ambizione, ma ora mi rendo conto che la famiglia è il mio nuovo obiettivo. Ecco perché è un film così personale per me”.

Il film presenta anche molte scene violente e crude. Il regista e lo sceneggiatore hanno spiegato che per queste parti è stata fatta una ricerca su fatti realmente esistiti: “È realmente esistito un tale Schinkel, ma di lui abbiamo solo una citazione tramandata nel tempo e a partire da quella abbiamo costruito il personaggio che vedete nel film”, racconta Jensen.

Nonostante sia ambientato nel 1755 il film presenta alcuni elementi contemporanei e moderni che non sono assolutamente frutto dell’epoca passata anzi come dice Arcel si tratta di temi universali “il come bilanci e controlli la tua vita o come la lasci in balia del caos. Per me emotivamente questo risuona ancora oggi nel nostro contemporaneo”. Alla conferenza stampa, presenti anche gli attori che hanno raccontato il loro personaggio. Sono tutti diversi ed emotivamente a pezzi.

“Sono stata affascinata dal personaggio ma c’è un momento in cui ho capito di dover dare tutto al regista per poter davvero trovare la strada e il carattere di Ann Barbara. Mi sono arresa al personaggio ed è stato un viaggio stupendo”, ha detto Amanda Collin. “È interessante interpretare un uomo così focalizzato su un unico obiettivo. L’ho trovato complesso e per questo stimolante. Ogni giorno era una nuova sfida”, racconta Mikkelsen che già aveva collaborato con Arcel per Royal Affair: “Non abbiamo lavorato più insieme per circa 10 anni, quindi prima ci siamo rincontrati per capire come lavorare di nuovo insieme e abbiamo concordato di immergerci il più possibile nella storia. Sarò sincero, speravo che (Arcel) non facesse passare così tanto per una nuova collaborazione insieme (ride)”, conclude l’attore

Bastarden – The Promised Land è un film di genere che ha avuto tante ispirazioni: “Penso sia ovvio vedendo questo film che io sia un film dei grandi film epici, sin da quando ero bambino. I film di David Lean ad esempio. Nel tempo ci ho sempre ripensato e l’obiettivo è stato quello di ambire a realizzare qualcosa di simile. Non considero Bastarden un Western, anche se naturalmente ci sono elementi di quel genere, ma c’è anche tutta una descrizione delle corti danesi di quel tempo”.

Con un mediometraggio a sorpresa, Wes Anderson ha partecipato a Venezia 80, dopo aver portato a Cannes 2023 il suo Asteroid City. Una iperattività che il regista di Huston racconta con grande serenità, dal momento che se il film cannense è stato un progetto che ha avuto un classico decorso, dall’idea alla realizzazione, The Wonderful Story of Henry Sugar, dal racconto di Roald Dahl, è un progetto che il regista aveva nel cassetto da oltre vent’anni.

“Ho incontrato la famiglia Dahl venti anni fa, quando volevo realizzare Fantastic Mr. Fox. Ho incontrato la vedova di Dahl quando ero sul set di I Tenenbaum, forse era il 2000. Sono cresciuto amando i suoi libri e Henry Sugar era uno dei miei preferiti, ma non riuscivo a vedere un modo per poterlo adattare, e così loro lo hanno tenuto da parte per me, mettendo da parte i diritti di sfruttamento. E poi un giorno ho capito che la chiave poteva essere quella di basarsi sul linguaggio di dhal e quindi realizzare un adattamento basato proprio sul linguaggio e sugli attori.”

Come tutti i film diretti da Anderson, il cast è all-stars, guidato da Benedict Cumberbatch nel ruolo da protagonista, e con Ralph Fiennes, Dev Patel, Ben Kingsley, Rupert Friend e Richard Ayoade. Sulle motivazioni che lo hanno spinto a realizzare un mediometraggio e non un film da 90 minuti, Wes Anderson è stato molto chiaro, spiegando che la storia aveva quel tipo di lunghezza e quindi andava raccontata con quel ritmo:

“Volevo adattare proprio questa storia. Per molti film si comincia da zero, per esempio adesso sto lavorando con Roman Coppola a un’idea originale, e in partenza non avevamo nulla. Ma quando adatti una cosa che già esiste, ce l’hai già davanti agli occhi, e quindi volevo trovare la forma più efficiente per raccontarla. Più che un film, Henry Sugar è stato una presentazione teatrale, l’abbiamo realizzato in due settimane circa.”

“Io non so quanta gente ha voglia di andare al cinema per un film che dura solo 40 minuti, ma a me piace andare al cinema e a cena, e così le due cose si possono combinare!” Ha concluso scherzando.

The Wonderful Story of Henry Sugar fa parte della selezione ufficiale Fuori Concorso della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia, edizione 80, che si svolge al Lido dal 30 agosto al 9 settembre.