È il primo giorno dell’anno, una
nuova serie di Harlan Coben è sbarcata su Netflix
e sapete cosa significa: è il momento perfetto per guardare
Missing You.
Non abbiamo dubbi che entro il
primo giorno dall’uscita, i fan si saranno fatti strada attraverso
i cinque episodi del nuovo thriller, anche grazie alla sua
intrigante premessa centrale.
Quando Kat (Rosalind Eleazar) si è
tuffata nel mondo degli appuntamenti online, l’ultima cosa che si
aspettava di vedere era un profilo del suo ex fidanzato Josh
(Ashley Walters).
Lui l’ha lasciata senza una parola
solo pochi mesi dopo l’omicidio del padre Clint (Lenny Henry),
avvenuto 11 anni prima – ma dov’è stato? Non appena Kat si è resa
conto della ricomparsa di Josh, lui l’ha rimossa dall’app e ha
scatenato in Kat la voglia di saperne di più.
Allo stesso tempo, l’uomo che ha
confessato l’omicidio di Clint, Monte Leburne (Marc Warren), ha
lasciato Kat con più domande che risposte quando lo ha affrontato
per sapere chi ha ordinato l’omicidio di suo padre. Con l’avanzare
degli episodi, molte delle persone più vicine a Kat nascondevano
evidentemente dei segreti e nessuno era del tutto contento che lei
stesse rivangando il passato.
Parlando della sua reazione al
finale della serie,
Richard Armitage ha dichiarato in esclusiva a RadioTimes.com: “È
letteralmente come una porta che si apre alla fine, dove scoprirai
la verità e quella verità ti colpirà in faccia”.
Ma come sono andate a finire le
cose per Kat in Missing You? Continuate a leggere per un resoconto
completo dell’ultimo episodio della serie di Harlan Coben.
Il finale di Missing
You spiegato:Perché Josh se n’è
andato?
Rosalind Eleazar e Ashley Walters in Missing You.Netflix
Il penultimo episodio di Missing
You si è concluso con un bel cliffhanger quando Kat è andata alla
ricerca di Josh attraverso una casella postale che lui era solito
utilizzare. L’aver visto un altro uomo ritirare un pacco dalla
stessa casella postale ha spinto Kat a seguirlo in una casa in
campagna.
Sebbene all’inizio l’uomo sembrasse
un po’ ostile e dicesse di non sapere chi fosse Josh, Kat rimase
nei paraggi e vide una bambina che giocava sulla spiaggia.
Quando si è avvicinata, ha avuto la sorpresa di vedere
Josh stesso che camminava verso di loro.
L’episodio finale si apre con la
bambina, Sadie, che riconosce Josh come “papà”. Quando rimangono
soli, Kat interroga Josh per sapere se conosce Dana Fells (Lisa
Faulkner) e lui dice di non aver mai sentito parlare di quella
persona. L’uomo racconta a Kat che la madre di Sadie è morta
qualche anno fa e che l’uomo che Kat ha incontrato è in realtà il
padre della sua ex, che ora vive con Josh e Sadie.
Josh dice di non essersi
mai iscritto a un’app di incontri e spiega di aver dovuto lasciare
Kat 11 anni fa.Josh ammette di essere
andato a trovare Monte Leburne in prigione e di aver scoperto che
Clint era corrotto, ma all’epoca non poteva dirlo a
Kat. Kat alla fine se ne va e torna al suo
appartamento dove vede Brendan (Oscar Kennedy) che viene caricato
sul retro di un furgone.
Brendan è andato a parlare con Kat
ma è stato spiato da Titus (Steve Pemberton), che chiama Brendan
dicendogli che sua madre Dana è nel retro del furgone e che deve
venire immediatamente. Cadendo nella trappola, l’operaio di Titus,
Reynaldo, picchia Brendan e i due si allontanano velocemente, con
Kat che li insegue ma non riesce a raggiungerli.
Nello stesso momento, alla fattoria
di Titus, Dana viene sorpresa da uno degli operai di Titus mentre
telefona frettolosamente a Brendan e si difende, pugnalandolo con
un’ascia.
Tornati alla centrale, Kat e la sua
squadra rintracciano il furgone presso alcuni allevatori di cani in
una zona specifica e si mettono in viaggio per cercarlo. Alla
fattoria, Titus e Reynaldo trovano il corpo dell’altro operaio in
cucina e si rendono conto che Dana non solo è fuggita, ma è anche
tornata. Titus dice che l’unico modo per risolvere il problema è
bruciare l’intera tenuta.
Kat e Nia si recano all’indirizzo
di Titus e vedono che l’incendio è già in corso. Sebbene Reynaldo
dichiari che “lasceranno morire i beni”, Dana si intrufola nelle
scuderie per liberare gli altri prigionieri, anch’essi adescati su
app di incontri e tenuti in ostaggio mentre Titus rubava i loro
soldi. Nelle stalle attaccano Reynaldo e, sentendo le urla, Kat si
dirige da sola verso la proprietà di Titus.
Titus urla a Dana di uscire e
mostrarsi, sparando a Brendan alla gamba come leva. Kat sente le
sue urla e accorre anche lei, ne nasce una lotta e Titus punta la
pistola contro Kat e sta per spararle, ma lei gli spara appena in
tempo.
Quali segreti
nascondeva Clint?
Stagger ammette a Kat di
aver organizzato un trattamento speciale per Monte Leburne mentre
era in prigione, ma non solo, conferma anche di aver pagato Leburne
perché dicesse di aver ucciso Clint.
Stagger ammette di sapere che Clint
tradiva Odette, ma che stava solo cercando di chiudere l’indagine
per tenere Kat al sicuro.
Mentre Kat ha terminato il dramma
dalla fattoria di Titus, Calligan (James Nesbitt) la chiama con
alcune informazioni sulla persona misteriosa con cui Clint aveva
una relazione. Kat dice di volerlo sapere e si reca all’indirizzo
il giorno seguente.
Lì incontra Parker (Cyril Nri), che
è sorpreso di vederla ma ammette che Kat assomiglia a Clint. Dice
di aver sempre pensato che sarebbe stata Odette a bussare e di aver
pensato per anni a cosa dirle.
Parker racconta a Kat
che lui e Clint sono stati insieme per 14 anni e che
lui ha affrontato con distacco il fatto che Clint avesse una moglie
e una figlia. Parker racconta di aver cercato di lasciare Clint e
di costruirsi una vita lontano da lui, ma di essere sempre tornato
da lui.
Parker dice che Calligan sapeva
della relazione segreta di Clint con lui e lo ricattava per farlo
lavorare per lui.
Ma alla fine Clint si è stancato di
essere usato da Calligan e ha rotto anche con Parker. Parker
racconta a Kat che l’ultima volta che ha visto Clint è stata la
notte in cui è morto, dicendo che era un “disastro”, ma anche che
non lo aveva mai visto così spaventato e che era scappato in preda
al panico.
Angelina Jolie interpreta il personaggio
eponimo di Maria Callas, celebre cantante lirica
della metà del XX secolo. Il film biografico e psicologico del 2024
Maria,
diretto da Pablo Larraín e scritto da Steven Knight, segue gli
ultimi anni della vita della Callas, trascorsi per lo più a Parigi,
in Francia, lontano dagli occhi del pubblico. La Callas ha vissuto
molte turbolenze nel corso dei suoi 53 anni di vita. Tuttavia, il
registadi MariaLarraín
ha voluto concentrarsi sul finale della storia della cantante
lirica piuttosto che raccontare ogni singolo dettaglio
della sua vita e della sua carriera.
Maria (la
nostra recensione) è l’ultimo capitolo della trilogia di
Pablo Larraín che racconta le donne importanti del
XX secolo, seguendo le orme di Jackie
(Jackie Kennedy) e Spencer (Principessa Diana). Maria è
il primo film della Jolie dopo tre anni, dato che il suo ruolo sul
grande schermo è stato quello di Thena nel film del 2021 del
Marvel Cinematic Universe,
Eternals.
Maria Callas nacque a New York
e si trasferì in Grecia nel 1937
Foto Credits Pablo Larraín
Secondo la biografia,
Maria Callas nacque il 2 dicembre 1923 a
New York da genitori greci immigrati, Georgios
Kalogeropoulos ed Evangelia “Litsa” Dimitriadis. Il nome della
Callas sul certificato di nascita era Sophie Cecilia Kalos, ma in
seguito fu battezzata Maria Cecilia Sophia Anna Kalogeropoulos.
Essendo un immigrato greco che viveva negli Stati Uniti, il padre
della Callas voleva abbreviare il cognome della famiglia e renderlo
più facile da pronunciare. Lo cambiò dapprima in Kalos prima di
scegliere Callas, da cui la famosa cantante lirica ha preso il
nome.
La Callas iniziò a dilettarsi con
la musica (cantando, suonando il pianoforte, ecc.) quando era molto
giovane, e fu allora che nacque la sua passione per il canto.
Purtroppo, però, i genitori della Callas si separarono quando lei
era ancora adolescente. Dopo il divorzio, la Callas, che all’epoca
aveva 13 anni, si trasferì con la madre e la sorella maggiore,
Jackie, in Grecia nel 1937. È lì che la Callas inizia a
sviluppare la sua voce e a studiare l’opera al Conservatorio di
Atene sotto la guida della cantante lirica Elvira de
Hidalgo. Pochi anni dopo, la Callas iniziò ufficialmente la sua
carriera di cantante lirica professionista.
La Callas iniziò la sua
carriera di cantante lirica professionista nel 1941
Angelina Jolie
La carriera di Maria Callas decollò
negli anni Quaranta, quando era ancora un’adolescente/giovane
adulta. Il suo debutto professionale avvenne nel 1941, quando
interpretò Beatrice (un ruolo piuttosto piccolo)
nelBoccacciodi Franz
von Suppé alla Royal Opera di Atene. Meno di un anno dopo,
la Callas ottenne il suo primo ruolo importante in una produzione.
La seconda guerra mondiale mise rapidamente in pausa la carriera
operistica della Callas. Di conseguenza, si trasferì nuovamente
negli Stati Uniti a metà degli anni Quaranta.
Nonostante i grandi sforzi, la
Callas fatica a trovare lavoro a New York. Così, impacchettò tutte
le sue cose e tornò in Europa. Questa volta, però, tentò la fortuna
a Verona, in Italia. Il successo della Callas iniziò veramente
quando fece il suo debutto in Italia in una
rappresentazione deLa Giocondaall’Arena di Verona nel 1947. In seguito, la
Callas continuò a esibirsi in numerose opere in Italia e nel mondo,
facendo crescere rapidamente il suo status di cantante lirica
famosa e influente.
Il matrimonio della Callas con
Giovanni Battista Meneghini e la sua relazione con Aristotele
Onassis spiegati
Dopo il suo trasferimento in
Italia, Maria Callas fu presentata al ricco industriale Giovanni
Battista Meneghini nel 1947. Due anni dopo il loro incontro, la
Callas e Meneghini si sposarono e lui divenne il suo manager.
Tuttavia, il loro matrimonio si rivelò difficile nel corso dei
dieci anni successivi – la Callas accusò addirittura Meneghini di
averle rubato del denaro (secondo Forbes). I due si separarono nel 1959, ma due anni
prima la Callas aveva iniziato una relazione con Aristotele
Onassis, un magnate greco delle spedizioni. La Callas
continuò a frequentare Onassis anche dopo aver lasciato Meneghini,
ma la loro relazione non era destinata a durare per sempre.
Cosa causò il declino vocale di
Maria Callas negli anni ’50
Uno dei momenti più importanti e
discussi della vita di Maria Callas fu quando perse quasi 80 chili
nei mesi tra il 1953 e il 1954. Che sia legato alla perdita di peso
o meno, la voce della Callas avrebbe iniziato a declinare a
metà degli anni Cinquanta. Alcuni hanno attribuito il
problema ai primi anni di carriera della cantante lirica e al modo
in cui si approcciava al canto, mentre altri hanno dato la colpa
all’estrema perdita di peso. Comunque sia, la Callas continuò a
cantare pubblicamente per molti anni, nonostante le polemiche sulla
sua voce.
Onassis avrebbe lasciato Maria
Callas per Jackie Kennedy nel 1968
Aristotele Onassis sposò l’ex first
lady statunitense Jackie Kennedy (il soggetto del primo biopic di
Pablo Larraín su una donna influente) nel 1968, quasi dieci anni
dopo la separazione di Maria Callas dal marito. La Callas fu
ovviamente devastata quando lui la lasciò. Tuttavia, alcune
voci sostengono che la Callas e Onassis abbiano continuato la loro
relazione anche dopo il matrimonio di lui con l’ex First
Lady. Né la Callas né Onassis hanno però confermato questa voce in
vita.
L’ultima esibizione pubblica
della Callas risale al 1974
Come già detto, Maria Callas
continuò a cantare, anche se la sua voce declinò verso la metà e la
fine degli anni Cinquanta. Tecnicamente si ritirò dal palcoscenico
negli anni Sessanta. Tuttavia, la Callas fece ritorno
all’inizio degli anni Settanta quando decise di andare in
tournée con Giuseppe Di Stefano. L’ultima esibizione pubblica della
Callas avvenne l’11 novembre 1974 a Sapporo, in Giappone, durante
la tournée. In seguito, la Callas cercò di sparire
nell’oscurità.
La Callas si trasferì a Parigi
nel 1974 e morì nel 1977
Maria Callas si trasferì a Parigi,
in Francia (dove si svolge la maggior parte di Maria ), lo
stesso anno in cui tenne la sua ultima esibizione. La
celebre cantante lirica trascorse la metà degli anni ’70
nascondendosi dal pubblico , mentre la sua salute
continuava a declinare. Secondo quanto riferito, la Callas ebbe un
attacco cardiaco fatale il 16 settembre 1977, all’età di 53 anni,
nella sua casa parigina. Alcuni contestano la causa del decesso, ma
la maggior parte degli intervistati ritiene che si sia trattato di
un attacco di cuore. Decenni dopo la sua morte, la Callas rimane
una delle cantanti liriche più influenti di tutti i tempi, e il
film Maria di Angelina Jolie continuerà certamente
a rendere attuale la figura della Callas.
Il regista di NosferatuRobert Eggers spiega perché l’horror merita più
rispetto. Il nuovo film horror gotico segue l’inquietante viaggio
del Conte Orlok (Bill Skarsgård), il sinistro vampiro apparso per
la prima volta nel film muto di F.W. Murnau del 1922. Mentre il
Conte si accanisce sugli abitanti di un remoto villaggio di mare,
la tormentata Ellen Hutter (Lily-Rose
Depp) e suo marito Thomas (Nicholas
Hoult) si avvicinano alle ombre del loro imminente destino.
Prodotto da Focus Features, Nosferatu è stato un successo
da quando è uscito il giorno di Natale.
In un’intervista a SlashFilm, Robert
Eggers sottolinea la diffusa antipatia nei
confronti dei film di genere, in particolare dell’horror.
Come regista che ha dedicato gran parte della sua carriera
all’esplorazione degli angoli più oscuri della natura umana
attraverso l’occulto, il gore e il folklore, Eggers ha potuto
constatare di persona come i film horror siano spesso respinti
dalla critica e dagli spettatori. Ecco cosa ha detto il
regista:
Credo che a causa della storia dei film di genere, spesso
relegati a film di serie B, la gente non si sia ancora resa conto
che si tratta di qualcosa di importante.
Sappiamo che è importante esplorare l’oscurità dell’umanità,
quindi c’è un grande valore nell’esprimere cosa significhi
essere umani con altri esseri umani guardando le cose che
non vogliamo necessariamente guardare, ma può essere
difficile.
Cosa significa la difesa di
Eggers del film di genere
Nosferatu di Robert Eggers arriva
dopo un periodo di reinvenzione del genere horror, che ha superato
i cliché degli slasher pieni di sangue e dei personaggi
monodimensionali dei primi anni ’80 e ’90, anche se film come A
Nightmare on Elm Street, La cosa,It e Il
silenzio degli innocenti sono stati sicuramente la base per
l’horror ricco di stratificazioni di oggi. Film come Get
Out di Jordan Peele hanno ridefinito l’horror come
mezzo per un commento sociale complesso, e l’emozionante
ritratto di Peele della razza e dello sfruttamento è valso al
regista un Oscar per la migliore sceneggiatura originale.
L’ascesa dell’“horror elevato”, un
sottogenere sostenuto da registi contemporanei come Peele, Ari
Aster (Hereditary)
e lo stesso Eggers, riflette la crescente raffinatezza di queste
narrazioni. Questi registi usano l’horror come veicolo per
decostruire gli impulsi più oscuri dell’umanità, con una
profondità emotiva e intellettuale che potrebbe rivaleggiare con
qualsiasi dramma. Tuttavia, nonostante l’evoluzione del genere,
l’horror rimane largamente trascurato dalle istituzioni
prestigiose. L’Academy spesso non riconosce le brillanti
performance e i risultati tecnici del genere, con grande disappunto
di fan e critici.
Il finale sorprendentemente emotivo
di Sonic
3 (la
nostra recensione) mette in luce l’arco dei
cattivi del film in modo convincente. Sebbene il film rimanga
incentrato sul personaggio blu e i suoi amici, l’ultimo film della
serie cinematografica di Sonic si concentra in modo
particolare sugli archi emotivi di personaggi come Shadow the
Hedgehog e il Dr. Ivo Robotnik. Sebbene il film non cerchi mai di
nascondere il fatto che i due commettano atti malvagi per motivi
egoistici, il cast di personaggi di Sonic 3
(Sonic the Hedgehog 3) riceve più
profondità ed evoluzione di quanto ci si aspetterebbe.
Questo vale anche per l’altro
cattivo principale del film, Gerald Robotnik. Nonostante abbia un
piano di base da cattivo di superficie, le motivazioni emotive di
Gerald si inseriscono nei temi generali del film, come il dolore,
l’amore e la crescita. È un modo molto efficace di giocare con gli
archi emotivi del film e contribuisce a dare alla storia un senso
di naturale conclusione, anche se il finale lascia aperta la porta
a ulteriori sequel di Sonic the
Hedgehog e all’espansione del franchise.
Shadow e Robotnik muoiono nel
finale di Sonic 3?
Il finale di Sonic 3 è
ingannevolmente significativo, con Shadow e il Dr. Ivo
Robotnik che apparentemente sacrificano le loro vite per salvare il
mondo. Per gran parte del film, Shadow e Robotnik seguono
gli obiettivi di Gerald Robotnik per vendicarsi di GUN per le loro
precedenti azioni di cinquant’anni fa. Questo porta al lancio
dell’Eclipse Cannon, una stazione spaziale in grado di scatenare
un’esplosione laser che potrebbe spazzare via ogni forma di vita
sulla Terra. Sia Shadow che Robotnik decidono infine di proteggere
il mondo, anche se ciò significa che non possono fuggire dalla
stazione spaziale prima che esploda.
Sebbene la scena post-credits lasci
presagire la sopravvivenza di Shadow, non c’è alcuna indicazione
che Robotnik possa essere sfuggito all’esplosione che ha consumato
la stazione. Infatti, la scena finale di Robotnik lo vede
trasmettere un messaggio alla Terra in cui si scusa con l’agente
Stone e lo chiama amico. Ciò conferisce alla scena un senso
di definitività e sottolinea i temi del film sui legami
che si formano tra le persone, dando al contempo al cattivo
imbranato un momento eroico sorprendentemente accattivante per
uscire di scena. Anche se Shadow probabilmente tornerà in futuro
nel franchise, questo sembra un punto di arrivo naturale per
Robotnik.
Spiegato il piano e la morte di
Gerald Robotnik in Sonic 3
Gerald Robotnik è il nonno di Ivo e
lo scienziato capo che stava facendo ricerche su Shadow quando è
arrivato sulla Terra mezzo secolo prima degli eventi del film.
Anche se la portata delle intenzioni di Geralds all’epoca non è
stata chiarita, la sua rabbia per la morte della nipote Maria lo ha
spinto a passare cinquant’anni a pianificare la sua vendetta. Dopo
aver fornito al GUN i progetti del Cannone a Eclissi, Gerald è
riuscito a fuggire dalla loro prigione. La sua missione è
quella di spazzare via l’umanità per vendicare la morte di
Maria, con il Cannone a Eclissi pronto a spazzare via la
Terra e lui stesso.
La rabbia di Gerald nei
confronti del mondo riflette il tema centrale del film, ovvero il
dolore. Mentre Sonic riesce a superare il dolore e Shadow
finisce per seguirlo, Gerald è troppo consumato dalla rabbia e
dalla perdita per la morte di Maria. Questo lo porta a commettere
atti atroci, persino a cercare attivamente di uccidere l’altro
nipote. Questo rende la sua morte improvvisa, dopo essere stato
gettato nell’Energia del Caos generata da Shadow, molto meno
tragica di quanto avrebbe potuto essere altrimenti. Il piano di
Gerald è malvagio e distruttivo, ma nasce da una vera e propria
svolta emotiva, che conferisce maggiore profondità al
personaggio.
Perché il Dr. Robotnik si
rivolta contro Gerald nel finale di Sonic 3
Jim Carrey interpreta Ivo e Gerald Robotnik in Sonic 3 – Il
Film
Il Dr. Ivo Robotnik è stato il
cattivo principale dei film di Sonic the Hedgehog, e
questo si riflette in parte anche in Sonic 3. Nonostante
la breve collaborazione con Sonic, Ivo si schiera subito dalla
parte di Gerald quando si rende conto del loro legame familiare. Il
film punta molto su Ivo come personaggio isolato e tragico.
Nonostante il suo aspetto buffo e i suoi impulsi malvagi,
Ivo si mostra come un uomo solo, cresciuto senza amici né
famiglia. A un certo punto persino Sonic ammette di
provare pietà per lui, chiedendosi come sarebbe stato Ivo se avesse
avuto delle conoscenze.
La decisione di Ivo di rivolgersi a
Gerald nel finale di Sonic 3 deriva da un mix di questi
due aspetti del personaggio. Se da un lato si accontenta di
conquistare il mondo con il laser spaziale, dall’altro si oppone
all’idea di spazzare via l’umanità. Gerald insulta suo nipote,
dicendo che la sua unica vera famiglia è morta con Maria. Ivo
tradisce Gerald per rabbia nei confronti del trattamento
riservatogli dal nonno, ma questo momento mette in luce
anche un inaspettato elemento di nobiltà del personaggio
che ribalta le sorti del climax.
La morte di Maria prima
degli eventi diSonic 3è la causa della rabbia di Gerald e Shadow e getta
le basi per il conflitto centrale del film. Maria viene introdotta
nel film e consolidata attraverso i numerosi flashback di Shadow,
rivelando il legame che la coppia ha formato mentre lui era sotto
osservazione e sperimentazione da parte della GUN. Tuttavia, dopo
che Gerald ha avvertito i due che la GUN intendeva portare via
Shadow, i loro tentativi di fuga sono stati ostacolati dai soldati
della GUN. Un colpo errato fece esplodere un contenitore di Energia
del Caos e Maria rimase uccisa nell’esplosione che ne derivò.
La morte di Maria è il
momento drammatico più importante di Sonic
3 ed è il motivo per cui sia Gerald che Shadow
vogliono vendicarsi del mondo intero. È anche in gran parte simile
al suo destino nei giochi originali, come descritto in Sonic
Adventure 2. In entrambe le versioni della storia, un soldato
della GUN le spara mentre lei cerca di aiutare Shadow a fuggire
dalla prigionia. Tuttavia, Sonic 3 aggiunge l’esplosione
dell’Energia del Caos, mentre nel videogioco è stata lei stessa
colpita da un soldato GUN.
Come il finale e i post-credits
di Sonic 3 preparano un sequel
Il finale di Sonic 3 e le
due scene post-credits lasciano intendere la direzione del futuro
della serie. Il film si conclude con il successo di Sonic, Tails e
Knuckles nel loro tentativo di salvare il mondo. Tuttavia, nella
prima scena post-credits, si scopre che qualcuno ha costruito
un’orda di Metal Sonic, che potrebbe rappresentare un serio
pericolo per il mondo. Metal Sonic è uno dei nemici più
costanti e pericolosi dell’ universo diSonic, il che pone le premesse perché
l’amato cattivo abbia un ruolo importante in un eventuale seguito
cinematografico.
Un eventuale sequel
conterrà probabilmente altri ricci. Mentre la seconda
scena dei titoli di coda rivela che Shadow è sopravvissuto alla
conclusione del film e potrebbe avere un suo spin-off, l’attacco di
Metal Sonic serve anche a introdurre Amy Rose nel film. Introdotta
in Sonic CD, Amy Rose è uno dei personaggi di supporto più
importanti del franchise. Nei giochi, è una giovane riccio
benintenzionata con una cotta per Sonic. Nella sua incarnazione
cinematografica, Amy sembra aver acquisito più potere e capacità di
combattimento e potrebbe essere la chiave per stabilire il resto
dei ricci in questo universo.
Il vero significato di Sonic
3
Sonic 3
si concentra sul superamento del lutto e sull’amore nella
propria vita. Si scopre che Sonic piange ancora la madre
adottiva Longclaw, ma ha trovato conforto nel suo ricordo. Questo
aspetto risuona con Shadow, che è costretto a riflettere
sull’impatto che Maria ha avuto su di lui anziché sulla sua rabbia
per averla persa. Gerald rappresenta lo scenario peggiore per
quanto riguarda il lutto, una persona talmente consumata dalla
perdita di un nipote da non essere in grado di amare sinceramente
l’altro. Anche Robotnik rispecchia questo arco narrativo, soffrendo
apertamente per la sua mancanza di legami con gli altri.
Il grande momento eroico di Ivo
arriva quando Gerald lo rimprovera di non avere nessuno a cui
tenere sulla Terra, e Robotnik si rende conto in silenzio di dare
valore a Stone. Questa consapevolezza spinge Robotnik a
salvare il mondo e a diventare finalmente un eroe. Sonic
quasi cede al dolore quando Tom viene ferito da Shadow, ma ricorda
l’amore che Tom condivideva con lui e cede, salvando il mondo nel
frattempo. Sonic 3 è una storia
sorprendentemente emozionante sul superamento del lutto, che dà
maggiore profondità al film del videogioco.
Il film horror gotico Nosferatu
di Robert Eggers adatta una storia di vampiri già nota, ma infonde
un nuovo livello di terrore da far accapponare la pelle nella sua
narrazione, che si conclude con un singolare momento di violenza e
desiderio simultanei. L’originale Nosferatu è
un’interpretazione del romanzo horror gotico Dracula di
Bram Stoker, e le somiglianze tra le trame principali sono molto
evidenti per chi conosce il romanzo. Tuttavia, il regista Robert
Eggers ha scelto di adattare Nosferatu (la
nostra recensione) per la semplicità della sua narrazione
e per l’enfasi posta su un personaggio femminile come eroina.
Nosferatu vede
protagonista Lily-Rose Depp nel ruolo di Ellen Hutter, una
giovane donna appena sposata nella Wisborg, nella Germania del
1830. Il marito di Ellen, Thomas (Nicholas
Hoult), viene convocato in Transilvania per eseguire
un contratto per conto della società immobiliare per cui lavora e
si ritrova nelle grinfie dell’eccentrico conte Orlok
(Bill
Skasgård). Orlok si rivela essere un vampiro che
tormenta Thomas confondendo i confini tra incubi e realtà,
nutrendosi di lui prima che Thomas fugga disperatamente dal
castello di Orlok arrampicandosi dalla finestra e cadendo in un
fiume che lo trasporta via.
Mentre Orlok si nutre di Thomas,
Ellen inizia a ricadere in una patologia di cui soffriva da
ragazza, che comporta sogni tortuosi, sonnambulismo e violente
convulsioni che nascono sia dal dolore che dal piacere. La sua
condizione confonde Friedrich e Anna Harding (Aaron
Taylor-Johnson e
Emma Corrin), amici intimi degli Hutter, presso i
quali Ellen è ospite mentre Thomas è via. Friedrich e il medico di
Ellen, Wilhelm Sievers (Ralph Ineson), alla fine diventano così
disperati da chiedere l’assistenza del professor Von Franz (Willem
Dafoe), uno scienziato screditato ed esperto di occulto.
Con l’aiuto di Von Franz, iniziano
a svelare la vera natura della condizione di Ellen, proprio mentre
Thomas, ancora vivo, fa ritorno a Wisborg e Orlok arriva in città
poco dopo. Orlok porta con sé una vera e propria piaga di ratti e
malattie, terrorizzando la città mentre insegue Ellen, il cui
sangue è il suo ultimo desiderio. La devastazione aumenta fino a
quando Thomas, Sievers e Von Franz decidono di uccidere Orlok nella
sua bara mentre dorme, ma mentre invadono il suo castello, Ellen
invita Orlok nella sua camera da letto per un ultimo confronto che
deciderà il destino della città.
Perché il Conte Orlok voleva
nutrirsi di Ellen
Lily-Rose Depp è Ellen Hutter in ‘Nosferatu’. Crediti foto: FOCUS
FEATURES
Quando Orlok arriva per la prima
volta a Wisborg, affronta Ellen nella sua casa, rivelando alla fine
che è stata lei a evocare il suo male. Da giovane donna,
Ellen, sola e maltrattata, si rivolgeva in preghiera a
qualsiasi entità che le fornisse un po’ di compagnia o di
conforto. Dato che aveva una sorta di capacità psichica
extrasensoriale, riuscì a entrare in contatto con il vampiro
demoniaco Orlok, al quale si legò e con il quale iniziò un’empia
relazione psichica.
La scoperta e il matrimonio con
Thomas hanno tenuto a bada le sue visioni di Orlok, ma hanno anche
violato la sua promessa a Orlok, mettendo in moto gli eventi di
Nosferatu. Il legame di Orlok con Ellen era
fisicamente ed emotivamente significativo, anche se
definirlo amore non sarebbe corretto; piuttosto, il suo desiderio e
la sua brama per lei si sono intensificati fino a raggiungere un
altro livello, al limite del bisogno. Questo lo spinse a contattare
Herr Knock, il datore di lavoro di Thomas, per inviare il giovane a
Orlok.
Con l’inganno, Thomas firmò un
accordo (scritto in una lingua straniera, che Orlok ignorò come una
formalità delle sue usanze) che credeva fosse legato all’impresa
immobiliare del conte Orlok a Wisborg, mentre in realtà stava
formalmente accettando di sciogliere il proprio matrimonio con
Ellen. Con lo scioglimento del patto coniugale da parte di Thomas,
Orlok aveva bisogno che Ellen accettasse formalmente di
ri-promettersi a lui, motivo per cui si recò personalmente
a Wisborg. Solo allora avrebbe potuto soddisfare il suo desiderio
di sangue di Ellen, che aveva accettato di legarsi a Orlok di sua
spontanea volontà.
Come Ellen ha ucciso il Conte
Orlok
Ellen era in abito da sposa quando
invitò Orlok nella sua camera da letto per il loro incontro finale,
in un atto di accettazione formale della proposta di Orlok
di impegnarsi con lui per liberare la città, i suoi cari e
forse il mondo intero. Pronuncia letteralmente le parole “lo
voglio”, sposandosi ancora una volta con Orlok come aveva fatto
anni prima. Come da tradizione, i due si spogliano per consumare il
matrimonio, ma al posto del rapporto sessuale Orlok inizia a
nutrirsi del suo petto, soddisfacendo il suo bisogno psichico e
carnale del suo sangue.
Tuttavia, Ellen usava
essenzialmente il suo corpo come esca per distrarre e
intrappolare il Conte Orlok. Permettendogli di nutrirsi di lei,
sapeva che lui sarebbe stato impotente a fare qualsiasi altra cosa,
dato il forte desiderio e la lussuria che provava per lei. Proprio
quando lui si allontana da lei con il sorgere del sole, lei lo
attira di nuovo a sé per nutrirsi ancora di più, intrappolandolo
finché il sole non sorge completamente e lo uccide una volta per
tutte. In questo atto finale, Ellen riprende il controllo della
loro relazione, diventando la morte di Orlok dopo aver trascorso la
sua vita come bersaglio del suo tormento.
Che cos’è in realtà il Conte
Orlok
Le sue origini sono spiegate
brevemente attraverso una traduzione
La vera natura di Orlok viene
rapidamente rivelata mentre Thomas si riprende nel convento della
Transilvania. Mentre è a letto, una delle sorelle più anziane del
convento spiega cosa sia in realtà Orlok attraverso un traduttore.
Secondo lei, il Conte Orlok era un mago nero o uno stregone
in vita, ed era così malvagio che, alla sua morte, il
Diavolo stesso salvò la sua anima e la restituì al suo corpo in
modo che il suo cadavere potesse continuare a camminare anche da
morto.
Questa origine spiega tutte le sue
capacità soprannaturali, che includono il teletrasporto, la
comunicazione psichica, il controllo della mente e del corpo, la
manipolazione degli animali, l’influenza sul tempo e la capacità di
manifestare malattie. Questo spiega anche perché il suo corpo ha un
aspetto così marcio e miserabile: è letteralmente un cadavere
rianimato dalle forze del male. Orlok è una creatura così
ripugnante da essere al di là del male ed è una
manifestazione della Morte stessa; è più una forza della natura che
un essere singolare.
Gli Harding sono amici intimi degli
Hutter, ed è implicito che Friedrich Harding e Thomas fossero amici
in gioventù durante la scuola. Purtroppo vengono coinvolti nella
malvagia trama del Conte Orlok, in quanto sono le persone
care che Orlok minaccia se Ellen non si impegna con lui
quando arriva a Wisborg. Anna finisce morsa dai topi di Orlok dopo
aver subito il suo stesso incantesimo mentre dormiva nel letto
accanto a Ellen, mentre Friedrich soffre di mancanza di sonno per
gran parte dell’intera vicenda.
Orlok lo mette finalmente in un
sonno profondo quando invade la loro casa; attacca e si nutre delle
loro due bambine, uccidendole immediatamente. Anna corre nella
stanza delle bambine e si trova faccia a faccia con Orlok, che
viene prontamente ucciso insieme al bambino che porta in grembo.
Friedrich si dispera nel suo dolore, contraendo anche la
peste sanguinaria che sta devastando Wisborg, e si reca al
mausoleo della sua famiglia, morendo infine nell’abbraccio
dell’amata moglie dopo averla tolta dalla bara.
Cosa è successo a Herr
Knock
Knock era semplicemente un mezzo
per raggiungere un fine per Orlok, nient’altro che un ingranaggio
del suo piano per arrivare finalmente a Ellen. È stato reso
folle dall’influenza di Orlok su di lui, che si è
manifestata attraverso la sua personale sperimentazione con
l’occulto. Von Franz trova nell’ufficio di Knock il tomo mistico
(insieme al suo rituale) che lo mette in contatto con Orlok, nel
quale il professore trova informazioni sulla soluzione finale del
sacrificio di Ellen.
Prima di essere ucciso nella bara
di Orlok, Knock rivela di aver venduto la sua anima a Orlok
per diventare un principe di Francia. Naturalmente è stato
ingannato, perché in realtà è diventato un servo psichicamente
prigioniero del malvagio Conte. In qualità di servo di Orlok,
trasporta la bara nel decrepito maniero che ha acquistato a Wisborg
e funge da principale diversivo per Thomas, Von Franz e Sievers
mentre Orlok torna a Ellen per l’ultima volta.
Cosa ha detto il regista sul
finale di Nosferatu
In un’intervista a
SYFY, Eggers ha fatto notare che la scena finale tra Ellen e
Orlok è stata pensata appositamente per emulare un motivo
comune visto nell’arte dell’epoca rinascimentale, denominato “La
morte e la fanciulla”. L’immagine, spesso ripetuta, vede
una giovane donna impigliata nella manifestazione fisica della
Morte, tipicamente uno scheletro, anche se non c’è un’immagine
definitiva da indicare come origine.
Non c’è un dipinto o
un’incisione specifica di “La morte e la fanciulla” su cui si basa…
Ma è un motivo che è stato fatto così bene, così tante volte nella
nostra storia che è stato divertente cimentarsi con esso.
L’uso che Eggers fa di questa
immagine racchiude in modo specifico l’estremo contrasto tra la
giovane donna bellissima e il mostruoso vampiro cadavere.
Questo contrasto è una potente metafora del contrasto tra
la vita e la morte, che è il fulcro di Nosferatu:
la lotta tra il bene e il male, sia all’interno di se stessi che
nell’universo in generale.
Il Conte Orlok è forse il
personaggio più famoso di Nosferatu, ma la protagonista
dell’interpretazione di Robert Eggers è senza dubbio la Ellen
Hutter di Lily-Rose Depp, e per una buona ragione. Il film è
incentrato sulla sua relazione con Orlok e sulla sua
evoluzione nel tempo. Nella scena iniziale del film, Ellen
cerca un compagno anni prima che Thomas Hutter si rechi in
Transilvania e scateni involontariamente tutte le morti e le
sofferenze a causa dell’inganno di Orlok che si approfitta di
lei.
Ellen viene respinta in ogni
occasione: la maggior parte delle persone della sua vita (in
particolare gli uomini) crede che i suoi sogni contaminati siano le
fantasie isteriche di una donna, da non prendere sul serio.
Friedrich li definisce “sogni fatati”, mettendo a nudo
l’assoluta mancanza di considerazione o di rispetto che le donne
avevano durante l’epoca vittoriana, una condizione che
purtroppo si verifica ancora in epoca contemporanea. A un certo
punto, durante le sue convulsioni, viene anche letteralmente
trattenuta, il che evidenzia la repressione sessuale che le donne
hanno subito nel corso della storia, ma soprattutto in quel
periodo.
Tuttavia, la scena finale del film
vede Ellen riprendere il controllo in diversi modi. Nella scena
finale del film Ellen ha il controllo, usa il suo corpo come
un’arma contro il vampiro e per la prima volta diventa la
metà dominante della loro relazione, tenendolo
letteralmente fermo e ponendo fine al suo rapporto una volta per
tutte. Ellen rimedia al senso di colpa che provava per aver
scatenato Orlok sui suoi cari, cancellando in un colpo solo la
presa che aveva sulla sua coscienza.
Il confronto finale di
Ellen con Orlok riguarda la scelta e può essere applicato
in modo molto più ampio di quanto non avvenga in
Nosferatu. Orlok non può sopraffarla senza il suo
consenso, e lei sceglie di permettergli di entrare nella sua camera
da letto per potersi sacrificare. Sceglie il bene che c’è in lei al
posto del male sfruttato dal Conte Orlok tanti anni fa, e così
facendo decide il destino di tutti con il suo sacrificio. Riflette
una scelta che le persone fanno ogni giorno: soccombere a ciò che è
facile e forse malvagio, o prendere la strada più difficile per il
bene finale.
Squid
Game di Netflix
è finalmente tornato per la sua seconda
stagione alla fine del 2024, e ora il popolare dramma coreano è
stato rinnovato per la sua terza e ultima stagione. Debuttato nel
2021, il thriller distopico coinvolge un game show che arruola
giocatori disperati per partecipare a giochi familiari per bambini
e vincere denaro. Sfortunatamente, questi giochi comportano
conseguenze mortali che si svolgono per il divertimento della ricca
élite nazionale. La
stagione 1 ha fatto il giro del mondo quando ha debuttato a
livello internazionale ed è diventata uno dei programmi di streamer
più importanti di tutti i tempi.
Nonostante la sua popolarità, la
seconda stagione di Squid
Game non è stata prodotta in fretta e furia e ci sono
voluti più di tre anni prima che il seguito arrivasse. Seguendo
ancora una volta il sopravvissuto Gi-hun, la seconda stagione
cambia un po’ tono e cerca di distruggere i giochi distopici
dall’interno. Senza rinunciare ai
giochi deliziosamente mortali di Squid Game, la
seconda stagione alza la posta in gioco: l’obiettivo non è solo
sopravvivere e vincere, ma anche distruggere l’istituzione malvagia
che organizza i giochi. La terza stagione è già confermata, ma sarà
anche l’ultima.
Squid Game – Stagione 3 Ultime
notizie
Il creatore della serie spiega
perché lo show sta per finire
Mentre molti si stanno ancora
riprendendo dagli eventi scioccanti della seconda stagione, le
ultime notizie riguardano il creatore della serie che spiega perché
la terza stagione terminerà Squid Game. Quando è stato
annunciato il ritorno di Squid Game per una terza
stagione, è stato anche rivelato che sarebbe stata la sua
conclusione. La notizia non è stata particolarmente sorprendente,
ma il creatore Hwang Dong-hyuk ha finalmente chiarito il motivo per
cui ha optato per un piano di tre stagioni. “Penso che
mi sia venuto spontaneo pensare che questo fosse il
finale”, ha detto Dong-hyuk.
La struttura in tre atti è comune a
tutte le forme di narrazione, e un chiaro inizio, una parte
centrale e una fine è qualcosa che servirà particolarmente bene a
Squid Game . Mentre parlava della sua decisione di
strutturare lo show in questo modo, Hwang Dong-hyuk si è anche
lasciato sfuggire che “haquasi finito
la parte di montaggio della terza
stagione”. Questa è una rivelazione
se si considera la lunga attesa tra le stagioni 1 e 2, e serve come
ulteriore prova che la finestra di uscita del 2025 è più che
fattibile.
“Quando stavo pensando all’idea
per il finale della terza stagione, credo che mi sia venuto
spontaneo pensare che questo fosse il finale.Ho pensato che
con quella storia ero riuscito a raccontare tutto quello che volevo
raccontare attraverso la storia di Squid Game e anche
nella prospettiva di Gi-hun come personaggio, e ho pensato che non
c’era bisogno di altre storie da qui in poi”.
Essendo una delle serie più grandi
della storia di Netflix, non è stata una sorpresa che la seconda
stagione di Squid Game sia stata rapidamente autorizzata.
Tuttavia, l’attesa prolungata tra una stagione e l’altra avrebbe
potuto compromettere l’eventuale ritorno della serie nel 2024 e
rovinare la possibilità di una terza stagione. Questi timori erano
però infondati, poiché Netflix ha scelto dirinnovare
la terza stagione diSquid Gamepochi mesi prima
dell’arrivo del secondo episodio. L’annuncio
dell’agosto 2024 è stato accompagnato da una lettera ai fan del
creatore Hwang Dong-hyuk, che ringrazia il mondo per la calorosa
accoglienza riservata a Squid Game.
L’annuncio è stato accompagnato da
una triste notizia: è stato confermato che l’imminente
terza stagione diSquid Gamesarà anche l’ultima. D’altra parte, Hwang
Dong-hyuk ha promesso che Squid Gamearriverà nel 2025, un’uscita molto più rapida
rispetto alla seconda stagione. Dopo l’annuncio, Dong-hyuk ha
rivelato che la stagione finale sta per terminare la fase di
editing, mentre la produzione delle stagioni 2 e 3 avverrà in
contemporanea per accelerare il processo. È stata annunciata anche
una finestra di uscita per la terza stagione: Squid
Gametornerà nell’estate o nell’autunno del
2025.
Dettagli sul cast della
stagione 3 di Squid Game
Sebbene molti personaggi siano
morti durante gli eventi della seconda stagione di Squid
Game , ci sono stati anche molti sopravvissuti che torneranno
sicuramente nella terza stagione. Ancora intrappolato nei giochi da
incubo, Gi-hun di Lee Jung-jae sarà probabilmente il
protagonista principale della terza stagione, soprattutto
dopo il suo fallito tentativo di rivolta. Non è l’unico
partecipante alla rivolta che ha superato la seconda stagione,
poiché Dae-ho (Kang Ha-neul) e Hyun-ju (Park Sung-hoon) sono
presumibilmente sopravvissuti, dato che erano tornati nei dormitori
quando gli Uomini Mascherati hanno ristabilito l’ordine.
I concorrenti meno combattivi, come
la coppia madre-figlio Geum-ja (Kang Ae-sim) e Yong-sik (Yang
Dong-geun), ce l’hanno fatta e non c’è motivo di pensare che la
rosa cambierà molto tra una stagione e l’altra. Jun-hee (Jo Yu-ri),
Myung-gi (Im Si-wan), Nam-gyu (Roh Jae-won) e Seon-nyeo (Chae
Kook-hee) contribuiranno a completare il roster mentre i giochi
continueranno presumibilmente nella terza e ultima stagione. Lo
scellerato Front Man (Lee Byung-hun) è una necessità nella terza
stagione e l ‘avvincente trama B che coinvolge il traditore
Capitano Park (Oh Dal-su) significa che la squadra di Jun-ho (Wi
Ha-jun) dovrà riprendere i propri ruoli anche nella terza
stagione.
Il cast della terza stagione di
Squid Game comprenderà probabilmente:
Attore
Ruolo
Lee Jung-jae
Gi-hun
Kang Ha-neul
Dae-ho
Park Sung-hoon
Hyun-ju
Kang Ae-sim
Geum-ja
Yang Dong-geun
Yong-sik
Jo Yu-ri
Jun-hee
Im Si-wan
Myung-gi
Roh Jae-won
Nam-gyu
Chae Kook-hee
Seon-nyeo
Lee Byung-hun
The Front Man
Wi Ha-jun
Jun-ho
Oh Dal-su
Captain Park
Jeon Seok-ho
Woo-seok
Gong Yoo
The Salesma
Dettagli sulla storia della terza stagione di Squid
Game
Dopo una conclusione caotica e
sorprendentemente violenta della seconda stagione di Squid
Game , le cose sono chiaramente impostate per una conclusione
epica nella terza e ultima stagione. Il piano di Gi-hun di
distruggere i giochi dall’interno non solo è fallito in modo
spettacolare, ma gli è costato un caro amico e forse anche
la sua sanità mentale. Dimostrando di poter spezzare il suo spirito
a piacimento, le menti dietro i giochi hanno deciso di lasciare in
vita Gi-hun, anche se era il capofila della ribellione. Ora, Gi-hun
deve decidere se vuole continuare la sua missione donchisciottesca
o se vuole solo cercare di sopravvivere all’ultimo gioco.
Altrove, la missione di Jun-ho di
infiltrarsi nei giochi dall’esterno ha avuto un intoppo quando è
stato rivelato che il bruno capitano della nave, Park, era in
realtà un agente doppiogiochista. Questo non solo mette in pericolo
le vite di Jun-ho e Woo-seok, ma probabilmente significa che Gi-hun
non avrà alcun aiuto esterno nell’ultima tappa del suo viaggio
attraverso lo Squid Game. Anche se ci si
aspetta una serie di colpi di scena scioccanti, la stagione finale
probabilmente continuerà il gioco mortale fino alla sua
conclusione. La sequenza a metà dei titoli di coda dà una nuova
veste al classico gioco di luci rosse e verdi, suggerendo che ogni
compito diventa sempre più letale.
Il creatore di Squid
Game, Hwang Dong-hyuk, spiega il finale a rischio della
seconda stagione (recensione)
e come si prepara la terza stagione. Pubblicata per la prima volta
su Netflix nel 2021, la serie thriller sudcoreana di
successo è tornata per la sua seconda uscita a fine dicembre,
continuando la storia di Seong Gi-hun (Lee Jung-jae) che cerca di
distruggere i giochi del titolo.
La seconda stagione di Squid Game si conclude con la
missione di Gi-hun apparentemente a pezzi, mentre la sua
rivoluzione viene soppressa e The Front Man (Lee Byung-hun) uccide
Jung-bae (Lee Seo-hwan) davanti a lui.
In una recente intervista con
Variety, Hwang Dong-hyuk ha spiegato la
decisione di concludere la seconda stagione di Squid
Game con questo momento devastante per Gi-hun. Secondo il
creatore, questo momento di fallimento generale per Gi-hun e per
tutto ciò per cui ha lavorato era il luogo perfetto per concludere
questa serie di episodi, in quanto fornisce anche un forte
trampolino di lancio per la terza stagione, che vedrà protagonista
un Gi-hun più tormentato dai sensi di colpa. Guardate la
spiegazione di Hwang qui sotto:
Quando ho scritto la storia
delle stagioni 2 e 3, si trattava di un unico lungo arco
narrativo.Inizialmente avevo intenzione di scrivere questa
storia in un arco di circa otto o nove episodi, ma una volta
terminata la storia, è arrivata a più di 10 episodi, che ho
ritenuto troppo lunghi da contenere in una sola stagione.Volevo quindi avere un punto adeguato in cui poter dare una
chiusura come seconda stagione e poi proseguire con la
terza.
E quando si guarda alla storia
di Gi-hun, tutti i suoi tentativi di fermare il gioco: il primo,
quello di prendere questi mercenari e cercare di piazzare un
dispositivo di localizzazione, fallisce; il secondo, quello di
convincere le persone a votare per lasciare il gioco, fallisce
anche quello; e poi il terzo e ultimo tentativo di riunire le
persone e provocare la ribellione, fallisce anche questo.
Tutti i suoi fallimenti portano
alla pesante crisi di dover perdere il suo migliore amico,
Jung-bae, per mano di The Front Man.Se si pensa al viaggio
di Gi-hun, ho pensato che quello fosse un momento adeguato per
porre fine e dare un po’ di chiusura a quel lungo arco
narrativo.E poi da quel momento in poi, nella terza
stagione, il senso di colpa e di fallimento che pesa su di lui –
come farà Gi-hun a portare avanti la sua missione?Questa è
la storia che si svilupperà ulteriormente.
Che cosa significa il finale della
stagione 2 di Squid Game per la stagione 3?
Sebbene Squid Game non
fosse stato originariamente concepito come uno show multi-stagione,
il grande successo della prima stagione ha cambiato le cose e Hwang
e Netflix hanno deciso di continuare la storia di Gi-hun. Ora è
stato confermato che la terza stagione di Squid Game sarà
l’ultima, e Hwang ha rivelato nella stessa intervista di
Variety che uscirà
“nell’estate o
nell’autunno” del 2025.
Per quanto riguarda Gi-hun, la
terza stagione lo vedrà sicuramente in una situazione di grande
debolezza. Non solo si sentirà in colpa per tutti i giocatori morti
durante la sua fallita ribellione, ma un’altra rivolta
armata sembra ormai del tutto fuori discussione. L’Uomo
del Fronte e le sue forze si avvicineranno sicuramente ai giocatori
rimasti con ancora più cautela. Sebbene la scena mid-credits della
seconda stagione diS quid Game non riveli molto, lascia
intendere che un’altra versione di Red Light Green Light, ancora
più letale, potrebbe essere all’orizzonte come forma di
punizione.
Ci sono alcuni scatti eccezionali,
tra cui il volo di Sam Wilson nei cieli sopra il Celestiale Tiamut.
I resti dell’alieno saranno la fonte di adamantio nel MCU e probabilmente ciò che finirà
per ricoprire le ossa del Wolverine di Terra-616 dopo
Avengers:Secret
Wars.
Negli ultimi secondi, viene
mostrata un’ulteriore trasformazione del Presidente “Thunderbolt”
Ross in Hulk Rosso, prima che una sequenza mai vista prima mostri
il cattivo che salta in aria all’inseguimento di Capitan
America.
Da sottolineare anche l’inserimento
della canzone “N95” di Kendrick Lamar per accompagnare l’azione
sullo schermo.
“C’è un’incredibile
dinamica tra fratello maggiore e fratello minore”, spiega
il regista di Captain America:Brave New
World”, ha detto il regista Julius Onah a proposito della
nuova dinamica Capitan America/Falcon. “Sarà uno dei centri
emotivi chiave del film”.
“Questi ragazzi sono
combattenti incredibili ”, ha continuato il regista.
“E Sam è stato lì e indietro.Ha qualche
asso nella manica, e nel corso del film ci sono cose che impara e
che diventano altri strumenti del suo arsenale, quando si trova ad
affrontare anche la più impossibile delle minacce”.
Potete vedere questo nuovo sguardo
ricco di azione su Captain America:Brave New
World nei player sottostanti.
Quello che sappiamo sul
film Captain America: Brave New World
Captain America: Brave New
World riprenderà da dove si è conclusa la
serie Disney+The
Falcon and the Winter Soldier, seguendo l’ex Falcon
Sam Wilson (Anthony
Mackie) dopo aver formalmente assunto il ruolo di
Capitan America. Il regista Julius
Onah (Luce, The Cloverfield Paradox) ha
descritto il film come un “thriller paranoico” e ha
confermato che vedrà il ritorno del Leader (Tim Blake
Nelson), che ha iniziato la sua trasformazione radioattiva
alla fine de L’incredibile Hulk del 2008.
Secondo quanto riferito, la star di
Alita: Angelo della BattagliaRosa
Salazar interpreterà la cattiva
Diamondback, mentre Giancarlo Esposito sarà Sidewinder. Harrison Ford, invece, assume qui il ruolo di
Thaddeus “Thunderbolt” Ross, che a quanto rivelato dal primo
trailer si trasformerà ad un certo punto nel Hulk Rosso. Nonostante
dunque avrà degli elementi al di fuori della natura umana, il film
riporterà il Marvel Cinematic
Universe su una dimensione più terrestre e realista, come già
fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America.
Ad ora, Captain America: Brave New World è indicato
come uno dei titoli più importanti della Fase
5. Anthony Mackie ha recentemente dichiarato
che questo film è “10 volte più grande” della sua
serie Disney+ e ha parlato
della dinamica tra Cap e il nuovo Falcon, Joaquin Torres. “Sono
in coppia alla pari“, ha scherzato. “Sono entrambi
militari. Io ero il suo ufficiale comandante. Tra noi c’è più
amicizia rispetto al modo in cui ammiravo Steve o al modo in cui
non mi piaceva Bucky“.
“Questo film è un chiaro reset.
Ristabilisce davvero l’idea di cosa sia e cosa sarà questo
universo“, ha aggiunto Mackie. “Penso che con questo film,
si stia ottenendo un chiaro, nuovo marchio di ciò che
la Marvel vuoole
essere nello stesso modo in cui hanno fatto con Captain America: The Winter
Soldier“.
L’episodio 6 della serie thriller
politica di Paramount+The Agency “Spy for Sale” rivela
finalmente cosa è successo – e chi è in possesso – dell’agente
della CIA scomparso Coyote. Creata per la televisione americana da
Jez e John-Henry Butterworth (Edge of Tomorrow, Ford v
Ferrari), The Agencyè un
adattamento della serie thriller franceseThe
Bureaudel 2015, acclamata dalla critica
e creata da Eric Rochant. Michael Fassbender guida il cast
di The Agency insieme a Jeffrey Wright, Richard Gere,
Katherine Waterson, John Magaro, Saura Lightfoot-Leon e Jodie
Turner-Smith.
Nell’episodio 1 “The Bends” e
nell’episodio 2 “Wooden Duck” di The Agency, il
personaggio di Fassbender “Paul Lewis” viene tirato fuori da una
missione sotto copertura durata sei anni per aiutare a trovare un
agente bielorusso della CIA scomparso di nome Coyote.
L’episodio 3 di The Agency, “Hawk from a Handsaw”, segue tre
agenti ’Felix” sotto copertura che cercano di fuggire dall’Ucraina
occupata dai russi. Martian incontra un agente del KGB di nome
Mikhail nell’episodio 4 di The Agency “Quarterback Blitz
‘, che aiuta la CIA a trovare la sua ’moto” scomparsa nell’episodio
5 diThe Agency “Rat Trap”. L‘episodio 6
approfondisce la caccia all’agente Coyote da parte della
CIA, mentre Martian rischia di veder saltare la copertura
di Paul Lewis da parte di Osman.
Come Coyote è stato catturato
dai mercenari russi del Valhalla
L’episodio 6 diThe
Agency rivela che Coyote è attualmente nelle mani di un gruppo
di mercenari russi noti come Valhalla. Coyote ha fatto
saltare la sua copertura quando ha cercato di reclutare nella CIA
una persona in Bielorussia che era segretamente collegata
ai mercenari russi. La recluta lo disse subito ai mercenari, che
poi fecero in modo che lo psichiatra di Coyote – di cui la CIA non
era a conoscenza – modificasse le pillole che gli erano state
prescritte. Coyote si beccò una denuncia per guida in stato di
ebbrezza non perché non avesse rispettato il limite di alcol, ma
piuttosto perché era drogato. Un agente corrotto del KGB di nome
Bogdan Antuyk lo ha portato fuori dalla stazione di polizia
bielorussa attraverso tunnel sotterranei collegati a edifici
governativi.
Bogdan Antuyk lo ha poi ceduto a
mercenari russi per soli 20.000 euro. I pericolosi mercenari
lavorano per il generale Volchok, che è il comandante del Valhalla.
L’episodio 6dell’Agenzia spiega che Volchok
consegnerà Coyote a Mosca per farsi amici al Cremlino. Volchock
spera di svelare Coyote davanti a un VIP in visita la prossima
settimana e potrebbe addirittura consegnare l’“agente della CIA su
un piatto d’argento” al Presidente russo. Coyote è
attualmente dietro le linee nemiche in Ucraina, dove sarà
consegnato all’FSB, il Servizio di Sicurezza Federale
Russo, e all’SVR, il Servizio di Intelligence Estero della Russia,
in soli quattro giorni.
Chi è il generale Novikov e cosa
vuole
Il Generale Novikov è un membro di
alto rango del KGB, considerato un agente segreto della “vecchia
scuola”. Dopo che Martain ha chiesto informazioni su una moto
scomparsa a Mikhail Bortnik in un episodio precedente, la CIA è
stata contattata in merito a un’asta online per la “moto” da parte
di un venditore che la CIA definisce cosacco, termine russo
per “uomo libero” o “avventuriero”. Dopo che Martian ha
identificato Novikov prima che l’asta online si concludesse, la CIA
ha inviato un pagamento forfettario sul suo conto bancario per un
importo di 1,4 milioni di dollari. Novikov ha rimandato indietro il
denaro, il che indica che l’asta era solo uno stratagemma e un test
per vedere se la CIA era seriamente intenzionata a trovare la sua
“moto”.
Dopo aver identificato Novikov come
cosacco, Martian scopre ciò che vuole: un nastro d’archivio della
CIA proveniente dalla caserma Vogelsang, a nord di Berlino,
datato 11 febbraio 1989. Il nastro rivela ciò che è
accaduto alla moglie di Novikov, di cui sembra non fosse a
conoscenza prima di ascoltare il nastro. Nokikov era un membro
orgoglioso del KGB fino a quando un nuovo leader, Volchock, lo fece
sentire diverso nei confronti del suo Paese.
Il nastro rivela che Volchick, che
parla con Reiner Meilke, il capo della Stasi a Berlino Est dal 1957
al 1989, ha ucciso la moglie di Novikov per
distruggerlo. Sembra che altri membri del KGB abbiano
complottato per distruggere Novikov insieme a Volchick, che è stato
tradito dal suo Paese per ragioni sconosciute. È plausibile che
Novikov sia stato fatto fuori perché rappresentava una minaccia per
il governo scismatico di Volchock.
Come Martian ha scoperto che il
generale Novikov aveva informazioni su Coyote
Martian ha stabilito come primo
contatto Mikhail Bortnik, l’uomo che Martian ha incontrato in un
nightclub. Mikhail ha contattato Cossack, che si è rivelato
essere Novikov. All’inizio dell’episodio 6 di The Agency,
Martian stabilisce che chiunque sia Cossack, non ha nulla da
perdere e deve far parte della cerchia di Mikhail. L’esperto di
tecnologia Simon viene inviato a recuperare il contenuto
dell’armadietto, che è stato trovato sul telefono usa e getta di
una delle precedenti postazioni di Coyote in Bielorussia, un
negozio di kebab. L’armadietto conteneva la fotografia di una
bicicletta con un numero di telefono sul retro. Martian chiamò e
gli fu detto di fare un’offerta. Con l’assistenza di Simon, Martian
scopre subito l’annuncio online della “bicicletta” in vendita.
Martian accerta che ,
chiunque sia Cossack, è un agente della vecchia scuola in base alla
sua abilità di spionaggio. Dice a Henry: “Tutto era
vecchio.L’analogico, le gocce morte, gli incontri con le
briciole di pane”. Indovina che Novikov corrisponde alla
descrizione di Cossack e poi spara il suo colpo travestendosi da
medico di Novikov per inviargli un messaggio diretto. Il marziano
dice a Novikov di essere interessato a comprare la sua moto, il che
induce Novikov a fare una pausa prima di riagganciare senza fare
domande. Questo, insieme al pagamento di 1,4 milioni di dollari
rifiutato a Novikov, è sufficiente a Martian e Henry per concludere
che hanno trovato il loro cosacco.
Oltre agli sviluppi di Martian nel
rintracciare Coyote, Osman e il suo socio Ahmed, oltre ad alcuni
agenti cinesi, sono all’inseguimento di “Paul Lewis”. Osman si
insospettisce dopo che Paul non ha denunciato alla polizia di
essere stato rapinato da Ahmed, cosa che lo ha spinto a chiedere
assistenza ai cinesi per “far fuori qualcuno”. “Paul” si accorge di
essere seguito e si perde una volta dopo essere entrato
nell’ufficio di un editore. La seconda volta, tuttavia, si
trasforma in una corsa a piedi, poiché Paul si cambia
rapidamente e abbandona la chiave della sua stanza d’albergo, che
viene in qualche modo utilizzata per tracciare i suoi
spostamenti in tutta Londra, potenzialmente attraverso il
tracciamento RFID.
Perché Martian ha alzato la
posta in gioco per trovare Coyote al direttore della CIA
Martian alza le sopracciglia quando
dice al direttore della CIA e a un rappresentante della Casa Bianca
che in sostanza promette di trovare Coyote prima che venga
consegnato a Mosca. L’ambiziosa affermazione mette in
difficoltà Henry e Bosko, che sono entrambi pienamente
consapevoli di quanto sia improbabile salvare Coyote a questo
punto. Martian pensa che la CIA possa trovare una soluzione con
Valhalla, che potrebbe essere convinto a non consegnare Coyote ai
russi.
La voce fuori campo finale di
Martian, tuttavia, rivela che sta mentendo e “sta giocando la
partita più importante della sua vita”, poiché sente che la sua
fine è vicina. Secondo il ragionamento di Martian, è già stato
smascherato da Osman, quindi perché non puntare ancora più in alto,
soprattutto se sa che la sua copertura sarà completamente saltata
entro la fine di The Agency.
In Nosferatu
di Robert Eggers, Bill Skarsgård veste i panni dell’antico
vampiro Conte Orlok, e non è certo la prima volta che l’attore si
sottopone a una contorta trasformazione per interpretare un
mostruoso cattivo.
Skarsgård è noto soprattutto per
aver interpretato Pennywise il Clown nei film di
IT e tornerà a vestire i panni
dell’entità demoniaca nella serie spin-off Welcome
To Derry della HBO/Max, di cui il regista Andy
Muschietti è co-sceneggiatore e produttore.
Durante un’apparizione al podcast
Happy Sad Confused, a Skarsgård è stato chiesto se avesse parlato
con Muschietti del previsto film su Batman del DCU,
The Brave and the Bold. Skarsgård ha risposto di
sì, ma di non essere “sicuro della sua posizione” e di non aver
parlato di una potenziale parte.
Il conduttore Josh Horowitz ha poi
chiesto al suo ospite se avesse mai preso in considerazione l’idea
di interpretare un ruolo in un film tratto da un fumetto, e sembra
che Skarsgård sarebbe interessato a interpretare Batman o Joker (o
entrambi!) se gli si presentasse l’occasione. “C’è un Joker
piuttosto forte in me, e sarebbe molto malato”.
Bill Skarsgard says “there’s a pretty cool
Joker in me and it would be very sick” pic.twitter.com/abEAHb5lTF
Horowitz ha poi chiesto a Skarsgård
delle voci secondo cui sia lui che suo fratello Alexander (The
Northman) erano in lizza per interpretare Lex
Luthor nel film Superman di James
Gunn, prima che
Nicholas Hoult ottenesse il ruolo. L’attore ha detto di aver
letto le voci online e di aver chiesto ad Alexander di parlarne, ma
nessuno dei due ha ricevuto una telefonata.
Skarsgård è spesso scelto dai fan
come Joker, ma alcuni ritengono che potrebbe essere una scelta un
po’ troppo ovvia per interpretare quel particolare personaggio.
Batman sarebbe sicuramente un’idea fuori dagli schemi e non
sappiamo quanti fan del Cavaliere Oscuro sarebbero d’accordo.
FOTO DI COPERTINA: Bill Skarsgard alla prima di “IT Chapter
Two”. Foto di Featureflash via Depositphotos.com
Il mese scorso, i DC Studios hanno
annunciato i piani per un film su Clayface
che arriverà nelle sale l’11 settembre 2026. Mike Flanagan d
iMidnight Mass e Doctor Sleep ha scritto la
sceneggiatura, anche se non sono stati annunciati né il regista né
la star.
Secondo lo scooper @MyTimeToShineH, il regista
dovrebbe essere scelto all’inizio del mese e le riprese potrebbero
iniziare alla fine di questo mese o a febbraio.
Si tratta di un tempo molto breve,
anche se il co-CEO dei DC Studios e regista di Superman,
James
Gunn, ha recentemente dichiarato: “Oggi i [DC] Studios
hanno dato una notizia entusiasmante: [Clayface], una storia del
DCU tratta da una sceneggiatura di Mike Flanagan,
è stata ufficialmente autorizzata.Clayface
debutterà nel 2026”.
Con la sceneggiatura pronta per
essere girata e un progetto che si prevede a budget relativamente
basso, probabilmente non ci vorrà molto per trovare un regista e un
cast (che potrebbero essere già in trattativa).
Perché le riprese di
Clayface sono così vicine? Beh, la maggior parte della
produzione del film è destinata agli effetti visivi per dare vita
al cattivo di Batman sullo schermo. In rete si è ipotizzato che
Andy Muschietti potrebbe dirigere il film per introdurre il
Cavaliere Oscuro nel DCU prima di
The Brave and the Bold.
Lo scooper ha anche commentato la
notizia che la star di AquamanJason Momoa
interpreterà Lobo in Supergirl:Woman of
Tomorrow. Vi abbiamo già detto che avrà più di un
cameo e il leaker ha aggiunto che “Jason Momoa [sta]
girando Supergirl solo per poche settimane.Quindi
non è un cameo, ma nemmeno un ruolo importante”.
Nel corso degli anni sono stati
fatti diversi tentativi di portare Lobo sul grande schermo. Guy
Ritchie e Brad Peyton si sono cimentati entrambi, con Dwayne
Johnson che si è messo in gioco per il film di quest’ultimo. Nel
2018, Michael Bay sembrava intenzionato a occuparsi del film, ma
anche questo non si è mai concretizzato.
Per Momoa, Lobo è un personaggio
che sogna di portare in vita sullo schermo da oltre un decennio.
Non si sa cosa Gunn abbia in mente per Aquaman nel DCU, anche se i commenti su Arthur Curry nella
prima stagione di Peacemaker
suggeriscono che potrebbe non essere il più grande fan
dell’atlantideo.
Cosa sappiamo su
Supergirl:Woman of
Tomorrow
Supergirl:Woman of Tomorrow è
attualmente previsto come secondo titolo DCU dei DC Studios e sarà diretto dal regista di
Crudelia Craig Gillespie. Ana Nogueira (The Vampire
Diaries) ha scritto la sceneggiatura dopo essere stata
inizialmente ingaggiata per scrivere il film di Supergirl
con Sasha Calle.
Nel film dei DC Studios, Supergirl
viaggia attraverso la galassia per festeggiare il suo 21°
compleanno con Krypto il supercane. Lungo la strada, incontra una
giovane donna di nome Ruthye e si ritrova in una ricerca omicida di
vendetta. Supergirl:Woman of Tomorrow arriverà
nelle sale il 26 giugno 2026.
Sonic 3
(Sonic the Hedgehog 3) include due scene
post-credits che sono fondamentali per il futuro del franchise,
poiché introducono nuovi personaggi importanti e confermano il
destino di un altro. L’atto finale del terzo film live-action di
Sonic the
Hedgehog è il più grande della serie: Sonic, Knuckles e
Tails cercano di impedire a Shadow, al Dr. Robotnik e a Gerald
Robotnik di distruggere la Terra. Le parti si invertono quando
Shadow e il Dr. Robotnik si rivoltano contro Gerald e si adoperano
per salvare l’umanità, anche se questo mette a rischio le loro
stesse vite. Questo rende il finale di Sonic the Hedgehog 3
molto ricco di azione prima del lieto fine del Team Sonic.
Sonic 3 si conclude in un
punto familiare per il franchise, con Sonic circondato dai suoi
amici e dalla famiglia Wachowski, ma non è qui che la storia si
conclude completamente. Seguendo la tradizione del franchise,
Sonic the Hedgehog 3ha due scene
post-credits. Così come i primi due film avevano scene
post-credits per preparare i sequel e introdurre nuovi personaggi
importanti (Tails nella scena dei titoli di coda di Sonic
1 e Shadow nella scena dei titoli di coda di Sonic
2), il terzo film alza la posta in gioco includendo altri
personaggi della storia videoludica della Macchia Blu che preparano
Sonic 4 (Sonic the Hedgehog 4).
La prima scena post-credits di
Sonic The Hedgehog 3 presenta Amy Rose e Metal Sonic
Altri due personaggi dei
videogiochi entrano nel franchise di Sonic
La prima scena post-credits di
Sonic the Hedgehog 3 è enorme, in quanto introduce
ufficialmente Amy Rose e Metal Sonic nel franchise cinematografico.
La scena mostra Sonic che va troppo veloce durante una gara e
finisce a New York. Apparentemente solo nella foresta di notte,
Sonic si trova faccia a faccia con un robot che condivide il suo
stesso design. Si tratta di Metal Sonic e Sonic si prepara a
combattere il singolare robot. Tuttavia, si rende conto che
decine di robot lo circondano ed entrano in azione
per abbatterlo.
Sebbene le probabilità siano contro
Sonic, viene salvato dai robot di Metal Sonic da una figura
incappucciata che brandisce un enorme maglio. Chi ha
familiarità con i giochi riconoscerà sicuramente il martello Piko
Piko giallo e rosso prima che la figura incappucciata
riveli la sua identità. Si tratta di Amy Rose, un riccio rosa, che
salva Sonic dal suo imminente destino. Anche se i due non si
scambiano alcuna parola dopo il loro primo incontro, Amy Rose si
rivela subito un’alleata di Sonic.
Storia del videogioco Sonic The
Hedgehog di Amy Rose
Amy Rose è un personaggio
importante dei videogiochi di Sonic the Hedgehog. Fa parte
del franchise dal 1993, quando fa la sua prima apparizione in
Sonic CD. Amy è un personaggio brillante e positivo che
spesso ha una cotta per Sonic. Nella sua prima apparizione è stata
rapita da Metal Sonic e salvata da Sonic più avanti nel gioco, il
che l’ha resa un personaggio ricorrente accanto al Team Sonic nelle
avventure future. Da allora Amy Rose è stata presente in
quasi tutti i videogiochidi
Sonic, compresi quelli precedenti al suo cameo in
Sonic the Hedgehog 3.
Amy Rose ha poteri di supervelocità
come Sonic e molti altri personaggi della serie, anche se in genere
non è veloce come Sonic. In questo caso, il suo martello Piko Piko
le è utile per avere un’arma potente da usare in combattimento.
Alcuni dei suoi altri poteri includono variazioni di un attacco di
rotazione, mentre i giochi hanno anche dimostrato la sua capacità
di avere maggiori capacità fisiche quando deve fare qualcosa per
salvare Sonic. C’è stata anche una volta in cui il solo pensiero
della sua cotta è stato abbastanza potente da guarirla.
La storia di Metal Sonic nei
videogiochi di Sonic The Hedgehog
Metal Sonic è un classico cattivo
di Sonic the Hedgehog che ha fatto la sua prima
apparizione in Sonic CD. Anche se la scena post-credits di
Sonic the Hedgehog 3 non lo spiega, Metal Sonic è
tradizionalmente una creazione del Dr. Robotnik. Il robot ha un
aspetto simile a Sonic e può replicare i suoi poteri di velocità.
Metal Sonic è generalmente visto come la più grande creazione del
Dr. Robotnik ed è una minaccia ricorrente per il Team Sonic.
L’introduzione del legame con Amy Rose nel film si basa sulla
storia del videogioco, dove Metal Sonic ha rapito il riccio rosa
nella loro prima apparizione.
Grazie al lavoro del Dr. Robotnik
nel creare una replica robotica di Sonic, Metal Sonic è uno
dei cattivi più potenti del franchise. Le sue capacità di
supervelocità non derivano dalla stessa fonte di Sonic, poiché
Metal Sonic utilizza potenti jet per raggiungere le sue incredibili
velocità di spostamento. In effetti, i giochi hanno dimostrato che
Metal Sonic, a volte, può persino essere più veloce della velocità
massima di Sonic. I poteri di Metal Sonic vanno ben oltre la
velocità, poiché il robot può imitare altre abilità dopo aver
scansionato un individuo e può rilevare i Chaos Emerald di
Sonic the Hedgehog.
La seconda scena post-credits
di Sonic The Hedgehog 3 conferma che Shadow è vivo
La morte di Shadow nel finale
era una messinscena
La seconda scena post-credits di
Sonic the Hedgehog 3 riporta l’attenzione su Shadow the
Hedgehog. Il riccio nero di Keanu Reeves è apparentemente morto nel
momento culminante del film, poiché si trovava a bordo della
stazione spaziale quando questa è esplosa. Il tentativo di far
credere al pubblico che Sonic the Hedgehog 3 avrebbe
ucciso Shadow alla sua prima apparizione sarebbe stato difficile da
realizzare. Per questo motivo, il film include una scena
dei titoli di coda che conferma che Shadow è vivo.
La scena after-credits mostra
Shadow che raccoglie l’anello da polso che aveva perso nel finale.
L’anello, noto come Limiter Rings o Inhibitor Rings nei giochi,
riporta il riccio nero agli stessi livelli di potenza che aveva in
precedenza. Confermando che Shadow è vivo, Sonic the Hedgehog
3 lascia al pubblico il dubbio che possa essere un fattore
nelle puntate future. Resta da vedere se ciò avverrà in Sonic
the Hedgehog 4 o in un potenziale spinoff di Shadow.
Come le scene post-credits di
Sonic The Hedgehog 3 preparano Sonic 4
Sonic The Hedgehog 4 sarà
ancora più grande adesso
I film di Sonic the
Hedgehog hanno una solida tradizione nel preparare
direttamente il capitolo successivo nelle scene post-credits, e non
è diverso in questo caso. Le scene dei titoli di coda di Sonic
3 forniscono i primi veri accenni a quella che sarà la storia
di Sonic the Hedgehog 4. Il finale vero e proprio del film
mantiene le premesse del film. Il finale vero e proprio
del film tiene insieme i Wachowski, Sonic, Knuckles e Tails,
permettendo a tutti loro di partecipare al quarto capitolo.
Tuttavia, è ormai chiaro che Amy Rose e Metal Sonic si uniranno
all’ensemble in crescita. Amy Rose sarà la nuova alleata e
l’interesse amoroso di Sonic, mentre Metal Sonic è
destinato a essere il cattivo diSonic
4.
La domanda è come Sonic the
Hedgehog 4 utilizzerà Metal Sonic. Nella scena dei titoli di
coda è già stato stabilito che esistono più versioni robotiche di
Sonic. Il quarto film deve rivelare chi li controlla – Ivo o Gerald
Robotnik sono ancora vivi? – e se esiste un Metal Sonic principale
più potente di quelli che Amy Rose distrugge rapidamente, perché
potrebbero essere dei droni. In ogni caso, con Amy Rose e Metal
Sonic nel mix, la storia diSonic
4potrebbe rispecchiareSonic CDe mettere Sonic in
missione per salvare Amy dopo il suo rapimento.
Sembra inoltre probabile il
ritorno di Shadow the Hedgehog inSonic
4. Ora che ha già tradito i Robotnik per lavorare con
Sonic e salvare l’umanità, sembrerebbe che possa essere un alleato
in futuro. Forse Shadow saprà anche qualcosa di più sull’origine di
Metal Sonic, se i Robotnik o la GUN sono coinvolti. In ogni caso,
le scene dei titoli di coda di Sonic the Hedgehog
3 fanno sì che Sonic the Hedgehog 4 sia il
gioco più grande fino ad oggi se Amy Rose, Metal Sonic e Shadow the
Hedgehog saranno tutti presenti.
Sembra inoltre probabile il
ritorno di Shadow the Hedgehog inSonic
4. Ora che ha già tradito i Robotnik per lavorare con
Sonic e salvare l’umanità, sembrerebbe che possa essere un alleato
in futuro. Forse Shadow saprà anche qualcosa di più sull’origine di
Metal Sonic, se i Robotnik o la GUN sono coinvolti. In ogni caso,
le scene dei titoli di coda di Sonic the Hedgehog
3 fanno sì che Sonic the Hedgehog 4 sia il
gioco più grande fino ad oggi se Amy Rose, Metal Sonic e Shadow the
Hedgehog saranno tutti presenti.
La versione a fumetti e quella
cinematografica di Watchmen si concludono in modi
drasticamente diversi, ma entrambe sono efficaci nel loro contesto.
Ideato da Alan Moore e
Dave Gibbons, Watchmen ha
cambiato il panorama dei fumetti quando è stato pubblicato il primo
numero nel 1986, offrendo un racconto maturo e politicamente
consapevole di supereroi corrotti e di un vigilantismo corrottosi
nel tempo. Dopo aver trascorso oltre 20 anni come un classico di
culto nel canone DC, Zack Snyder (regista di
300 e Rebel
Moon) è stato incaricato di portare questa grande storia
sul grande schermo. Un’impresa che molti ritenevano
impossibile.
Ma Snyder ci è riuscito e il film
del 2009 (qui
la recensione) è oggi considerato un precursore in termini di
film di supereroi non adatti alle famiglie, stabilendo lo stile
grintoso e oscuro di Snyder che avrebbe poi dato vita a L’uomo d’acciaio e al DCEU. Come spesso accade nella
carriera di Snyder, però, anche Watchmen si è
rivelato un adattamento molto divisivo, che ha riscosso ampi
consensi ma ha contemporaneamente irritato i puristi del fumetto.
Ciononostante, il film è diventato un cult a tutti gli effetti,
servendo da ispirazione anche per film come Logan
– The Wolverine e la serie The Boys.
Nonostante la presenza di supereroi
stupratori e peni blu incandescenti, l’elemento di gran lunga più
controverso di Watchmen di Snyder è certamente il
finale. In quello che era più o meno un adattamento fedele del
materiale di partenza, il film ha preso una direzione completamente
diversa per il suo atto finale e questo è stato un punto di contesa
tra i fan da allora. Sebbene la forza del finale di Snyder sia
spesso discussa, tuttavia, entrambe le versioni funzionano bene a
modo loro. In questo articolo analizziamo il perché.
Ambientata in un 1985 alternativo,
in cui la comparsa di vigilanti mascherati e dell’onnipotente
Dr. Manhattan ha alterato il corso della storia,
la storia originale di Watchmen si colloca sullo
sfondo della Guerra Fredda, con le tensioni tra Unione Sovietica e
Stati Uniti che hanno lasciato il mondo sull’orlo della
devastazione nucleare. Gli eventi principali, però, sono innescati
dalla comparsa di un assassino che sembra prendere di mira gli ex
vigilanti mascherati. Il caso viene raccolto da
Rorschach, uno di questi eroi ancora in attività,
che riunisce il suo gruppo di colleghi per indagare sulla
cospirazione.
Il finale a fumetti di
Watchmen
Alla fine,
Rorschach, Gufo Notturno,
Spettro di Seta e il Dr.
Manhattan risalgono all’identità dell’omicida: il loro ex
collega, Adrian Veidt, anche noto come
Ozymandias. Ora amministratore delegato della sua
società, Veidt ha deciso di intraprendere un’azione decisiva contro
l’incombente Terza Guerra Mondiale e spera di unire il mondo in
pace e armonia inscenando un attacco alieno che costringa le
superpotenze globali della Terra a risolvere le loro divergenze e a
riunirsi. Sebbene questo piano possa sembrare promettente sulla
carta, il principale punto dolente è che Veidt insiste sul fatto
che milioni di persone debbano morire durante l’attacco affinché la
finta minaccia venga presa sul serio.
Alla fine, i Watchmen non riescono,
o in alcuni casi decidono semplicemente di non fermare il piano di
Veidt e l’atto finale del fumetto vede un calamaro gigante creato
dai laboratori segreti dell’uomo d’affari scatenarsi su New York
sotto forma di invasione aliena. Dinanzi a questa minaccia globale,
le due superpotenze cessano di farsi la guerra e iniziano a
cooperare in nome della difesa del pianeta terra. La pace
architettata da Veidt, però, si regge su fondamenta incerte. Il
fumetto – come anche il film – si conclude infatti con la possibile
scoperta del diario di Rorschach, che il vigilante
ha inviato alla redazione di un giornale prima di andare ad
affrontare Veidt e all’interno del quale svela il suo piano, che
potrebbe così essere smascherato con una pubblicazione.
Il film di Zack
Snyder segue essenzialmente la stessa struttura descritta
sopra, ma si discosta quando si tratta dei dettagli del piano di
Ozymandias. Invece di progettare biologicamente un calamaro gigante
da far passare per un invasore alieno, l’Ozymandias del film
live-action scatena una serie di esplosioni nucleari nelle
principali città del mondo e incastra il Dr. Manhattan come
colpevole imitando la firma delle sue radiazioni naturali.
L’effetto è per lo più identico a quello dei fumetti: gli Stati
Uniti e l’Unione Sovietica allontanano le loro ostilità l’uno
dall’altro e si alleano contro il Dr. Manhattan, anche se a spese
di molte vite. Come nei fumetti, alla fine Manhattan capisce la
logica del piano di Veidt e accetta il suo nuovo ruolo, lasciando
la Terra, presumibilmente, per sempre.
Per alcuni, l’alterazione
dell’origine della distruzione di Ozymandias era solo un
cambiamento superficiale che non influiva sul tono generale e sulla
direzione del finale originale di Watchmen e,
considerando quanto gli studi cinematografici amino i lieto fine, è
un piccolo miracolo che la cupa conclusione concepita da Moore e
Gibbons sia stata mantenuta. Tuttavia, questo non ha impedito un
diluvio di critiche da parte dei fan del fumetto che ritenevano che
il calamaro alieno fosse un elemento fondamentale del finale di
Watchmen. Negli ultimi anni, invece, i critici
hanno iniziato a orientarsi nella direzione opposta, sostenendo che
il finale del calamaro è sempre stato un po’ ridicolo e che le
modifiche apportate da Snyder migliorano effettivamente il progetto
originale di Moore.
La spiegazione del finale: perché
entrambe le versioni sono fantastiche
Piuttosto che un finale di
Watchmen migliore dell’altro, è forse più corretto
dire che sia la versione a fumetti che quella cinematografica sono
ideali per i rispettivi medium. Il calamaro psichico di
Alan Moore può sembrare involontariamente
esilarante per chi non ha familiarità con i fumetti di
Watchmen, ma come minaccia che conquista il mondo
creata da un ex supereroe, è un’aggiunta quasi perfetta. I fumetti
contengono molto più umorismo nero rispetto al film di Snyder e
questo gioca a favore del piano di Ozymandias. In modo
gloriosamente autoreferenziale, il cattivo assume un team di
artisti per progettare l’alieno simile a un calamaro e poi usa le
sue ricchezze per trasformarlo in realtà.
In termini di ammonimento sui
supereroi (e i fumetti erano molto meno lusinghieri del film a
questo proposito), questo finale permette a
Watchmen di commentare sia l’ego gonfiato degli
eroi, sia la natura volubile dei potenti politici del mondo.
Inoltre, una creatura aliena è visivamente molto più efficace sulla
pagina di quanto lo sarebbe una serie di esplosioni. Dopo aver
costruito gradualmente nel corso di 12 numeri, Watchmen meritava un
climax adeguatamente drammatico, e una serie di esplosioni non
avrebbero avuto lo stesso peso sulla carta stampata che sul grande
schermo, dove sono disponibili le dimensioni aggiuntive del suono e
del movimento.
Una creatura luminosa e stravagante,
invece, rappresenta una minaccia molto più impattante, in grado di
suscitare sorpresa e disgusto nel lettore. Per quanto il finale di
Watchmen sia fantastico nei fumetti, semplicemente
non avrebbe funzionato sul grande schermo. La rappresentazione
grintosa del mondo concepito da Zack Snyder sarebbe stata
irrimediabilmente danneggiata dall’apparizione di un mostro
ultraterreno nell’atto finale e avrebbe causato uno stridente
cambiamento di tono, soprattutto per chi non sapeva cosa
aspettarsi. Il calamaro, inoltre, avrebbe dovuto essere una
creazione in CGI e, anche a distanza di un decennio, i film di
supereroi faticano ancora a trovare il successo con cattivi nati da
una massa di effetti speciali.
Spostando la colpa sul Dottor
Manhattan, invece, il film di Watchmen adotta il tipo di approccio
basato sul personaggio a cui i lungometraggi sono più adatti e si
rifà alle insicurezze e al venir meno dell’umanità di Manhattan, un
tema esplorato in entrambe le versioni della storia. Incastrare il
supereroe blu elettrico per un crimine che non ha commesso non solo
aggiunge un’ulteriore sfumatura al suo già tragico arco narrativo,
ma assicura anche che il piano di Ozymandias sia di natura più
personale, in particolare sfruttando le capacità di un ex amico e
la paura che circonda la sua stessa esistenza.
Si potrebbe forse sostenere che la
versione live-action della cospirazione di Ozymandias abbia più
senso logico che nei fumetti. Nel formato del fumetto, è molto più
facile testare i confini del realismo e della logica e i lettori
sono disposti a sospendere più facilmente la loro incredulità.
Tuttavia, le trame devono essere strutturate in modo più rigoroso
sullo schermo e c’è un senso naturale nel fatto che Veidt usi il
potere di Manhattan per creare una minaccia globale, che richiede
meno spiegazioni rispetto al finale dei fumetti. Chi desiderava
vedere il calamaro alieno sullo schermo, però, è stato soddisfatto
dalla
miniserie del 2019, dove si ha un flashback che propone proprio
questo iconico momento del fumetto.
Il finale della
stagione 7, episodio 14 di Outlander
ha lasciato William in pericolo e solo Lord John ha la possibilità
di salvarlo. Naturalmente, questo non è l’unico aspetto
interessante di questa puntata della serie fantasy sui viaggi nel
tempo. L’episodio 14, “Ye Dinna Get Used to It”, inizia con un
flashback dell’anno 1775, quando Lord John Grey promise a suo
fratello Hal che non avrebbe mai accettato l’indipendenza
americana. A questo segue una scena ambientata due anni dopo,
durante la quale John è costretto a giurare fedeltà all’esercito
continentale per salvarsi la vita. Naturalmente, la cosa non durò a
lungo, dato che si ricongiunse con Jamie e Claire.
A proposito di Jamie e Claire, la
stagione 7, episodio 14 di Outlander ha visto questa
coppia diventare ancora più importante per la Rivoluzione, dato che
hanno ospitato una cena con George Washington e alcuni dei suoi più
importanti colleghi. Poi, negli anni Settanta, la loro figlia
Brianna ha lottato per tenere la sua famiglia al sicuro da Rob
Cameron e ha dovuto prendere alcune decisioni difficili. Tutti
questi eventi attraverso il tempo e lo spazio stanno lavorando per
una grande battaglia, che probabilmente si rivelerà cruciale nel
finale della settima stagione di Outlander. Tuttavia,
prima di questo, il destino di William sarà in primo piano nella
mente del pubblico.
William è in pericolo nel
finale di Outlander – Stagione 7, Episodio 14
Il Capitano Richardson – che si è
rivelato un ribelle segreto durante il suo ballo con Claire
all’inizio di Outlander– ha mandato William Ransom in
un’altra missione nella stagione 7, episodio 14 di
Outlander. Gli ordina di consegnare una lettera a un
gruppo di Assediani e William non ha problemi a svolgere questo
compito. Tuttavia, Percy Beauchamp comunicò con urgenza a Lord John
Grey che l ‘intenzione di Richardson era che William fosse
tenuto prigioniero dagli Assiani e torturato per garantire
la collaborazione di Lord John e Hal Grey. Naturalmente, William
non sapeva nulla di questo piano e cadde nella trappola.
Alla fine di Outlander,
stagione 7, episodio 14, William consegna la sua lettera, che
istruisce segretamente il destinatario dell’Assia a catturare il
ragazzo. Purtroppo, ciò che accadrà in seguito sarà lasciato
all’episodio 15. Si spera che Percy Beauchamp abbia avvisato in
tempo Lord John del pericolo in cui si era trovato William. Jamie,
ora generale di brigata dell’Esercito Continentale, è obbligato a
controllare i suoi 300 uomini in vista dell’imminente battaglia.
Tuttavia, Lord John è figurativamente libero di trovare e liberare
William. Le cose sono ancora tese tra Jamie e John, ma la
battuta “Salva nostro
figlio” ricorda ciò che questi uomini ancora
condividono.
Il legame tra Percy Wainwright
(Beauchamp) e Lord John Grey spiegato
Un altro aspetto intrigante del
finale di Outlander è il momento condiviso tra Percy
Beauchamp e Lord John Grey. John dice a Claire che Percy era il suo
fratellastro, ma è subito evidente che c’è molto di più tra questi
due uomini. Alla fine si scopre che il cognome di Percy è in realtà
Wainwright, ma che ha scelto di prendere il nome della famiglia
della moglie. Sebbene non sia chiaro se la serie televisiva
Outlander approfondirà la storia di questo personaggio,
la serie di libri spin-offsu Lord
Johnrivela che Percy e Lord John erano
amantiin passato.
Dalla loro interazione in
Outlander emerge chiaramente che qualcosa si è inasprito
tra Lord John e Percy. Quest’ultimo ha cercato di accarezzare il
viso di Lord John, ma è stato allontanato e gli è stato detto che
non meritava di toccarlo. Ciò ha a che fare con il fatto che Percy
fu arrestato una volta dopo essere stato sorpreso a fare sesso con
un soldato tedesco. Lord John aiutò il suo amante a
fuggire, garantendo così la sua sicurezza. Tuttavia, è
chiaro che non correva buon sangue da quella situazione. Forse ora
che Percy ha avvertito Lord John del complotto che circonda
William, le cose andranno diversamente.
Brianna progetta di andare nel
passato nel finale di Outlander Stagione 7, Episodio 14
Tornata nel XX secolo, Brianna ha
continuato a incontrare difficoltà per quanto riguarda la sicurezza
della sua famiglia. Roger e Buck sono ancora nel 1739 (anche se
Bree pensa di essere decenni dopo, nel 1770) e non hanno ancora
saputo che Jemmy è stato ritrovato. Naturalmente, non è del tutto
al sicuro, poiché Rob Cameron ha le chiavi di Lallybroch e potrebbe
potenzialmente rapire nuovamente Jem in qualsiasi momento. Per
questo motivo, Brianna ha chiesto a Fiona di portare Jemmy e Mandy
a casa sua per tenerli al sicuro mentre lei rimane a Lallybroch da
sola. Come previsto, Rob ha fatto ritorno all’antico
castello dei Fraser, questa volta con una manciata di
amici ad aiutarlo.
Brianna è riuscita a tenere a bada
Rob Cameron e la sua banda con un fucile e un pugno ben assestato
in Outlander, stagione 7, episodio 14. Tuttavia, sta
iniziando a esaurire le sue forze. Tuttavia, sta iniziando a
esaurire le sue opzioni. La polizia non ha preso Bree troppo sul
serio. Sapevano che nascondeva qualcosa e, invece di pensare che
Bree fosse segreta perché faceva parte di una famiglia di
viaggiatori del tempo, i poliziotti hanno deciso che aveva una
relazione con Rob. Alla fine di questo episodio di
Outlander, Brianna decide che l’unica cosa che
resta da fare a lei e ai suoi figli è viaggiare attraverso le
pietre per sfuggire a questo pericolo persistente.
Il crimine di Jane Pocock e la
sorella Franny spiegati
Mentre la fine della stagione 7 di
Outlander, episodio 14, ha visto William sul punto di
essere fatto prigioniero e torturato, in questo episodio c’è stato
molto di più sulla sua storia. In precedenza, William si era
riunito con Jane Pocock, che si era presentata al campo britannico
con la sorellina Franny. Sperava che, così come William l’aveva
aiutata in passato, lo avrebbe fatto di nuovo. Inizialmente
Jane intendeva servire come scorta personale di William in
cambio della sua protezione e del passaggio a New York. William,
però, non volle. Le propose invece di lavorare come lavandaia.
A William apparve subito chiaro che
Jane non era del tutto onesta. Quando si sedettero a parlare, Jane
rivelò che il capitano Harkness era tornato al bordello e aveva
pagato una fortuna per la testa di Franny. Jane convinse la signora
a permetterle di salire nella stanza con Franny e Harkness,
affermando che avrebbe evitato che la sorellina facesse storie.
Tuttavia, Jane uccise il capitano inglese e scappò con
Franny.
William capisce perché Jane ha
fatto ciò che ha fatto e promette di continuare a prendersi cura di
loro. Naturalmente, questo dipenderà dalla sua liberazione dopo
Outlander stagione 7, episodio 14.
Come Outlander Stagione 7,
Episodio 14 prepara il prosieguo della storia
La stagione 7 di
Outlander si sta avvicinando al finale e l’episodio 14 ha
iniziato a preparare seriamente la storia. La battaglia in cui
Jamie sta per condurre 300 uomini è la Battaglia di Monmouth, che
sarà devastante per entrambe le parti, anche se garantisce a George
Washington un vantaggio strategico per il futuro. Questo sarà
sicuramente un punto focale dei prossimi due episodi della stagione
7, ma il destino di William è ciò che il pubblico vorrà davvero
esplorare nell’episodio 15. Questa è l’occasione per Lord
John di essere finalmente un eroe tradizionale, cosa che
si aspettava da tempo. Forse salvare William permetterà a John di
guadagnarsi il perdono di Jamie.
Anche le prossime tappe della
storia di Brianna saranno sicuramente interessanti. L’episodio 14
della settima stagione di Outlander si è preso una pausa dalle
avventure di Roger nel 1939, quindi l’episodio 15 potrebbe
finalmente vederlo tornare nel XX secolo, dato che ha deciso che il
suo prossimo passo doveva essere questo dopo aver salvato suo padre
nell’episodio 13. Ora, uno dei prossimi due episodi
dovrebbe vedere Brianna, Roger, Jemmy e Mandy dirigersi verso il
1777, dove potranno riunirsi con Jamie e Claire dopo circa
cinque anni. In definitiva, c’è molto da aspettare quando la
settima stagione di Outlander si avvicina
alla sua conclusione.
Quest’ultimo è stato accolto male e
ha incassato un deludente 439 milioni di dollari in tutto il mondo
rispetto al miliardo di dollari guadagnato dal suo predecessore. Il
sequel che segna la sua ultima apparizione come Aquaman non è un
segreto, ma se avrà una seconda possibilità nel DCU come Lobo è rimasto nell’aria.
Condividendo un estratto di un
articolo di ComicBookMovie.com, Momoa ha annunciato il suo casting
come The Main Man su Instagram. In seguito James Gunn gli ha dato il benvenuto nel
DCU e le testate hanno confermato che
interpreterà Lobo in
Supergirl: Woman of Tomorrow.
Nel corso degli anni sono stati
fatti diversi tentativi di portare Lobo sul grande schermo.
Guy Ritchie e Brad Peyton si sono cimentati
entrambi, con Dwayne Johnson che si è messo in
gioco per il film di quest’ultimo. Nel 2018, Michael Bay sembrava
intenzionato a occuparsi del film, ma anche questo non si è mai
concretizzato.
Ora, il regista di John Wick,
Deadpool 2 e The
Fall Guy, David Leitch, ha lanciato il
suo nome nel ring e ha proposto a Momoa un film su Lobo di cui
sarebbe desideroso di prendere il timone…
Sarebbe un bel team-up, visti i
crediti d’azione di Leitch.
Tornando a
Supergirl: Woman of Tomorrow, Deadline ha confermato
che la produzione del film inizierà il 13 gennaio. Questo
spiegherebbe perché la notizia del casting di Momoa è stata diffusa
ieri.
Che ruolo avrà la star di Aquaman
nel secondo film del DCU? Si dice che sarà più di un cameo e, in
un’intervista a 2023, lo scrittore Tom King ha rivelato che il suo
progetto originale per il fumetto Supergirl: Woman of
Tomorrow prevedeva Lobo come co-protagonista.
“Quel libro è nato come una mia
proposta per un libro su Lobo/Supergirl, e i miei editor, Brittany
Holzherr e Jamie Rich, mi hanno detto ‘No, togli Lobo e fai di
Supergirl il personaggio di Rooster Cogburn’”, ha spiegato King. “E
quindi non esisterebbe senza Jamie e Brittany”.
Supergirl:
Woman of Tomorrow è attualmente previsto come secondo
titolo DCU dei DC Studios e sarà diretto dal regista di
Crudelia Craig Gillespie. Ana Nogueira (The Vampire Diaries) ha
scritto la sceneggiatura dopo essere stata inizialmente ingaggiata
per scrivere il film di Supergirl con Sasha Calle.
Nel film dei DC Studios, Supergirl
viaggia attraverso la galassia per festeggiare il suo 21°
compleanno con Krypto il supercane. Lungo la strada, incontra una
giovane donna di nome Ruthye e si ritrova in una ricerca omicida di
vendetta. Supergirl: Woman of Tomorrow arriverà nelle sale il 26
giugno 2026.
Nonostante abbia perso il primo
posto al botteghino americano a favore di Oceania
2 e Sonic 3, Wicked
è riuscito a mantenere un impressionante bottino contro la
concorrenza, guadagnando altri 20 milioni di dollari nel suo sesto
weekend. In totale, Wicked ha raggiunto i 634 milioni di dollari a
livello globale, suddivisi tra gli impressionanti 424 milioni di
dollari del mercato americano e i 210 milioni di dollari dei
mercati esteri. Grazie a questo risultato, il film ha raggiunto
un’altra importante pietra miliare, diventando ufficialmente il
quinto musical cinematografico di maggior incasso di tutti i tempi
a livello mondiale.
In questo modo, Wicked ha superato
il grande successo dell’animazione Sing del 2016 e
Wonka
del 2023, oltre a superare nelle ultime settimane film come Mamma
Mia! e La La Land. Il prossimo titolo sulla strada di
Wicked è Coco, anche se un
divario di 150 milioni di dollari tra i due potrebbe rivelarsi un
ponte troppo distante per l’adattamento di Broadway. In cima alla
lista c’è Frozen II, con un totale di 1,4 miliardi
di dollari che al momento sembra un record che potrebbe resistere
ancora per un bel po’. Al secondo posto della lista c’è il primo
Frozen del 2013, mentre la rivisitazione
live-action de La Bella e la Bestia del 2017
occupa il terzo posto.
L’attesa sequel “Wicked:
For Good” è già in lavorazione
Soprattutto se si considera
l’enorme successo di questa prima parte, il secondo capitolo
dell’adattamento di Wicked sta già suscitando grande entusiasmo,
nonostante manchi quasi un anno. Ora è
confermato il titolo Wicked:
For Good, la seconda parte porterà sicuramente la
stessa esperienza cinematografica mozzafiato che ha già definito il
2024. Con una maggiore enfasi sulla storia d’amore di Nessa
(Marissa Bode) e Boq (Ethan Slater) e sull’imminente tragedia di
Fiyero (Jonathan
Bailey), la seconda parte più cupa del classico di Broadway
sembra pronta per gli schermi cinematografici.
L’eccitazione è alta anche per i
numeri musicali, soprattutto se si considera quanto sono state
impressionanti le prime puntate. Parlando con Variety nel podcast
Awards Circuit, Cynthia Erivo ha condiviso un
assaggio di ciò che ci si aspetta da una delle nuovissime canzoni
di For Good, a cui la Erivo ha collaborato con Stephen Schwartz.
Erivo ha detto:
“Non so se siete pronti per questo.
Voglio dire, amo la canzone e ricordo che quando l’abbiamo girata,
il cast e la troupe piangevano. Quindi non lo so. E non so se è
solo perché erano emozionati quel giorno o se è quello che fa la
canzone”.
What If…? – stagione 3, episodio 8 è l’epico
finale della serie animata del MCUWhat
If…?, iniziata nel 2021. Lo show si conclude con una
nota emozionante, con Uatu l’Osservatore (Jeffry Wright) che
finalmente risponde delle molte volte in cui ha infranto il suo
giuramento solo per osservare il multiverso. Allo stesso modo,
l’episodio finale è ricco di emozionanti varianti nel multiverso
che faranno desiderare anche ai critici più accaniti dello show che
questa non sia la stagione finale, in modo da poter esplorare anche
le loro storie.
Come già visto nel precedente
episodio
What If…? – stagione 3, episodio 7, i Guardiani del
Multiverso e Infinity Ultron si stavano preparando ad accedere alla
Quinta Dimensione, sede del Piano di Osservazione e degli
Osservatori. Dopo aver salvato Uatu e il Capitano Carter in questo
nuovo episodio, si scatena una grande rissa cosmica che chiude in
modo soddisfacente l’intera serie. Con queste premesse, ecco la
nostra analisi completa di What
If…? Stagione 3, episodio 8, il suo finale spiegato e le più
grandi uova di Pasqua del MCU, i riferimenti e le varianti
che siamo riusciti a trovare.
What If…? – stagione
3 – Episodio 8 – Spoiler e anticipazioni principali sulla
storia “What If…?
Uatu viene mostrato nel passato
mentre presta il suo giuramento per la prima volta, mentre
l’Eminenza conferma la sua grande fiducia nel suo allievo. Nel
presente, Uatu è costretto a rispondere delle sue eresie, avendo
infranto più di una volta il suo giuramento per aiutare gli eroi e
salvare il multiverso. Peggy Carter rappresenta la più grande
trasgressione di Uatu, da cui la sua recente cattura da parte degli
altri Osservatori che intendono giustiziare sia Peggy che Uatu.
Infinity Ultron attacca gli Osservatori, tenendoli a bada mentre
gli eroi salvano Uatu e Peggy.
Gli eroi cercano di raggiungere il
nuovo universo di Strange Supreme, dove il potere degli Osservatori
sarà annullato, ma è troppo tardi dopo che Infinity Ultron viene
ucciso. Distrutta la loro nave, gli Osservatori si preparano a
uccidere Uatu e gli eroi, ma Uatu condivide il giuramento degli
Osservatori con i suoi alleati per pareggiare le probabilità.
Con gli eroi ora impregnati del potere degli Osservatori, una
grande rissa cosmica porta all’unione dell’Eminenza con l’Incarnato
e l’Esecutore.
L’Eminenza inizia a cancellare ogni
variante degli eroi da ogni universo prima che Peggy si sacrifichi,
salvando i suoi amici prima di trasportarli tutti nell’universo di
Strange Supreme.
Il loro potere è annullato, Uatu risparmia la vita dei suoi
compagni Osservatori e si offre di insegnare loro a vedere
piuttosto che limitarsi a guardare, per trovare e preservare la
vera bellezza del multiverso, e l’Eminenza accetta.
Gli eroi celebrano un funerale per
Peggy sul Piano d’Osservazione, prima che Uatu concluda la serie
del MCU con una narrazione finale,
mentre vengono mostrate diverse emozionanti varianti.
Spiegato l’importante sacrificio
multiverso di Capitan Carter
Dopo che Uatu ha fatto pronunciare
ai suoi alleati il giuramento degli Osservatori per ottenere i loro
poteri, ciò che segue è un’intensa rissa cosmica di proporzioni
epiche alla fine di What If…? Stagione 3, episodio
8. Dopotutto, l’Eminenza, l’Incarnato e l’Esecutore
credevano di non avere altra scelta se non quella di infrangere i
loro giuramenti per distruggere Uatu e i Guardiani del Multiverso
al fine di ristabilire l’ordine, tanto che vengono mostrati mentre
si fondono come un’unica entità per cancellare simultaneamente ogni
variante degli eroi esistenti in ogni universo. Tuttavia, Peggy si
rifiuta di perdere altri amici.
Grazie alla pura volontà e al suo
nuovo potere cosmico di Osservatore, Peggy si lancia contro
l’Eminenza, ponendo fine al suo attacco cosmico e salvando i suoi
amici e le loro varianti. Inoltre, trasporta tutti nell’universo
vivente di Strange Supreme, che annulla i poteri degli Osservatori.
Tuttavia, questo è stato l’ultimo atto di eroismo del Capitano
Carter, come dimostrato quando gli eroi sopravvissuti hanno tenuto
un funerale con lo scudo di Peggy nel Piano di Osservazione proprio
alla fine di What If… Stagione 3.
Fortunatamente, il sacrificio del
Capitano Carter non è stato vano. Uatu è riuscito a contattare i
suoi compagni Osservatori dopo aver risparmiato loro la vita,
offrendosi di insegnare all’Eminenza tutto ciò che ha imparato su
come vedere veramente il multiverso e la sua bellezza. Anche se
avrebbe potuto infrangere il suo giuramento per preservare tale
bellezza, non ha mai abbandonato completamente la missione e i modi
di fare della sua gente.
La spiegazione della scena finale
di What If…? Stagione 3
Nella scena finale dell’episodio vengono mostrate diverse
varianti interessanti, mentre Uatu chiude la serie con una
narrazione che rispecchia le introduzioni degli episodi. Ecco tutte
le emozionanti varianti del MCU che siamo riusciti a
individuare alla fine di What If…? Stagione 3, episodio 8 (alcune
appaiono piuttosto rapidamente):
Un Uomo Ragno a sei braccia
Un Ghost Rider Samurai (Robbie Reyes)
Riri Williams come Punitore
Gamora in abito da sposa
Blade come nuovo Moon
Knight (che dovrebbe debuttare in Marvel Zombies del 2025)
Sersi che balla in abito da ballo con Dane Whitman
Deadpool con una quantità pazzesca di pistole
Giovane Hela con Mjolnir (da What If…? – An Immersive
Story)
Shang-Chi come Star-Lord (che rispecchia lo Star-Lord di
T’Challa di What If…? Stagione 1)
Sceriffo Loki
La Strega dell’Infinito (da What If…? – An Immersive
Story)
Nova Centurion Carol Danvers (da What If…? – An Immersive
Story)
Una variante di Doctor Strange (è difficile capire le
specifiche)
Alcune di queste varianti, come la
Giovane Hela, la Strega dell’Infinito e la Centurione Carol
Danvers, sono state viste per la prima volta in What If…? – An
Immersive Story, un videogioco in realtà mista spin-off di Marvel e ILM Immersive per Apple
Vision Pro.
Secondo recenti indiscrezioni,
Agatha
All Along tornerà per una seconda serie di episodi e,
sebbene i Marvel Studios non l’abbiano ancora
ufficializzato, lo spin-off di WandaVision – originariamente etichettato come
miniserie – è ora elencato come “stagione 1” su Disney+.
Che la Marvel avesse intenzione di
rinnovare la serie lo avevamo già intuito quando la Disney l’ha
presentata nelle categorie delle commedie per la prossima stagione
dei premi (la star
Kathryn Hahn è stata recentemente nominata per un Golden
Globe), dato che i criteri dell’Accademia della Televisione per le
serie limitate affermano che: “Il programma deve raccontare una
storia completa e non ricorrente e non deve avere una trama o dei
personaggi principali in corso nelle stagioni successive”.
Il finale di stagione si è concluso
con Agatha Harkness (Hahn) che si è sacrificata per salvare Billy
Maximoff (Joe
Locke) dando un bacio al suo ex amante Rio Vidal, alias Morte
(Aubrey
Plaza).
Come sappiamo, la morte nel
Marvel Cinematic Universe non
significa necessariamente la fine della strada, soprattutto per una
potente strega. Nei momenti finali dell’episodio, Harkness ritorna
in forma di spirito e accompagna Wiccan nella sua ricerca di suo
fratello Tommy.
Nonostante la popolarità e la forte
audience dello show, alcuni ritengono che una seconda stagione non
sarebbe necessaria, dal momento che l’imminente serie Vision è
stata descritta come “la terza parte di una trilogia iniziata con
WandaVision e proseguita con Agatha All Along”.
Che Agatha All
Along ritorni o meno per la seconda stagione, sembra che
vedremo molto di più di Wiccan e Ghost Agatha nel MCU nei prossimi anni.
Le riprese di Blade
Runner 2099 si sono svolte negli ultimi sei mesi in
alcune località di Praga e Belfast, e Prime
Video ha ora annunciato che le riprese principali
della serie sequel di fantascienza sono terminate.
Non è stata annunciata una data
ufficiale per la première, e lo streamer ha semplicemente
dichiarato che la serie è “in arrivo su Prime Video”.
Michelle Yeoh (Everything Everywhere All At
Once, Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings) e Hunter Schafer (Cuckoo, Euphoria) interpreteranno i ruoli di
co-protagonisti.
Cosa sappiamo su Blade Runner
2099?
“Nella Los Angeles del 2099,
Cora (Hunter Schafer) ha vissuto tutta la sua vita in fuga, un
camaleonte costretto ad adottare numerose identità. Per assicurare
un futuro stabile al fratello, assume un’ultima identità ed è
costretta a collaborare con Olwen (Michelle Yeoh), una Blade Runner
che sta affrontando la fine della sua vita. I due vengono coinvolti
in una cospirazione sempre più vasta che rappresenta una minaccia
esistenziale per una città che sta lottando per
rinascere”.
Il regista di Shōgun Jonathan van
Tulleken ha diretto e prodotto esecutivamente i primi due episodi.
Ha sostituito Jeremy Podeswa, che originariamente avrebbe dovuto
dirigere la serie prima di essere costretto a rinunciare a causa di
un conflitto di programmazione.
Amazon Studios e Alcon
Entertainment stanno sviluppando il progetto, con il regista del
classico sci-fi originale, Sir Ridley Scott, a bordo come produttore
esecutivo. Silka Luisa (Shining Girls) sarà la showrunner.
“L’originale Blade Runner,
diretto da Ridley Scott, è considerato uno dei più grandi e
influenti film di fantascienza di tutti i tempi, e
siamo entusiasti di presentare Blade Runner 2099 ai nostri clienti
globali di Prime Video”, ha dichiarato Vernon Sanders,
responsabile di Amazon Studios per la televisione globale, in una
dichiarazione rilasciata al momento dell’annuncio della serie.
“Siamo onorati di poter presentare questa continuazione del
franchise di Blade Runner e siamo certi che, grazie alla
collaborazione con Ridley, Alcon Entertainment, Scott Free
Productions e la bravissima Silka Luisa, Blade Runner 2099 manterrà
l’intelletto, i temi e lo spirito dei suoi predecessori”.
I co-CEO e co-fondatori di Alcon
Andrew Kosove e Broderick Johnson hanno aggiunto: “Il pubblico
ha scoperto per la prima volta la brillante visione di Ridley Scott
per Blade Runner 40 anni fa e da allora è diventato uno dei film di
fantascienza più influenti di tutti i tempi. Il seguito di Denis
Villeneuve, Blade Runner 2049, è diventato uno dei
sequel meglio recensiti di tutti i tempi”.
Con un salto temporale così lungo
tra questa serie e Blade
Runner 2049 di Denis Villeneuve, è altamente
improbabile che Harrison Ford riprenda il ruolo di Rick
Deckard. Ryan Gosling è una possibilità, anche se il
suo personaggio di replicante, l’Agente K, sembra essere morto nei
momenti finali del sequel del 2017.
Questo non significa che non possa
tornare, naturalmente, ma sembra improbabile visto che questa serie
si concentrerà su un cast di personaggi nuovi di zecca con legami
minori con i film.
Non abbiamo dettagli su chi
potrebbe interpretare, ma è probabile che non si tratti di un eroe
o di un cattivo specifico. È risaputo che Kevin Feige si rivolge ad attori con cui
desidera lavorare senza avere in mente un personaggio in
particolare, ed è anche possibile che a Jung-jae sia stata data la
possibilità di scegliere tra diversi ruoli.
In realtà non è la prima volta che
si vocifera di un ruolo Marvel per l’attore, visto che
l’anno scorso si era parlato di lui in trattative per interpretare
Mr. Negative in SSU della Sony (ovviamente non se ne fece
nulla).
The
Acolyte si è rivelato uno degli show di Star
Wars della Lucasfilm che ha suscitato più
divisioni, ma la maggior parte dei fan è probabilmente d’accordo
sul fatto che il Maestro Jedi Sol di Jung-jae sia stato un
personaggio di spicco.
Parlando con Vanity Fair della seconda stagione di
Squid
Game – attualmente in streaming – Jung-jae ha riflettuto
sul contraccolpo che la serie ha ricevuto da alcuni fan, con alcuni
membri del cast che sono stati oggetto di abusi razzisti, omofobi e
misogini online.
“I miei sentimenti sono
stati feriti ”, ha ammesso. “Soprattutto per
Leslye Headland, che deve aver sofferto molto.Posso solo avere fede che il razzismo finirà un giorno,
anche se sarà difficile”.
Lee ha aggiunto di essere ottimista
sul fatto che gli spettatori rivedranno L’Accolito più
avanti nel tempo, e potrebbero ottenere un nuovo apprezzamento per
il racconto ambientato nell’Era dell’Alta Repubblica. “Per
alcuni lavori ci vuole tempo per ottenere una certa presa, e io
spero vivamente che alla gente piaccia con il passare del
tempo”.
Sol è stato ucciso nel finale, e
probabilmente non sarebbe tornato per una seconda stagione, ma ci
sono stati molti fili della trama e archi di personaggi lasciati in
sospeso, tra cui la tanto discussa introduzione di Darth Plagueis
nel live-action.
In The Acolyte, un’indagine su una
scioccante serie di crimini mette un rispettato Maestro Jedi (Lee
Jung-jae) contro una pericolosa guerriera del suo passato (Amandla
Stenberg). Man mano che emergono nuovi indizi, i due si inoltrano
in un sentiero oscuro dove forze sinistre rivelano che tutto non è
come sembra.
La serie è interpretata da
Amandla Stenberg, Lee Jung-jae, Manny Jacinto, Dafne Keen,
Charlie Barnett, Jodie Turner-Smith, Rebecca Henderson,
Dean-Charles Chapman, Joonas Suotamo e Carrie-Anne
Moss.
Leslye Headland ha
creato la serie, basata su Star
Wars di George Lucas, e funge da produttore esecutivo
insieme a Kathleen Kennedy, Simon Emanuel, Jeff F. King e Jason
Micallef. Charmaine DeGraté e Kor Adana sono i produttori
esecutivi. Rayne Roberts, Damian Anderson, Eileen Shim e Rob Bredow
sono i produttori.
Headland ha diretto anche gli
episodi iniziali (Eps. 101 e 102). I registi Kogonada (episodi 103
e 107), Alex Garcia Lopez (episodi 104 e 105) e Hanelle Culpepper
(episodi 106 e 108) completano la regia della serie.
FOTO DI COPERTINA: Lee Jung-jae
alla première della seconda stagione di “Squid Game” di Netflix.
Foto di imagepressagency via Depositphotos.com
Oggi è stato finalmente confermato
uno dei segreti di casting peggio custoditi di Hollywood: Jason Momoa vestirà i panni di Lobo nel
DCU dopo aver interpretato Aquaman nell’ormai defunto “DCEU” della Warner
Bros.
Anche in questo caso, la notizia
probabilmente non sarà una grande sorpresa, dal momento che Momoa
ha espresso il suo desiderio di interpretare il personaggio in
diverse occasioni, e diversi scoop affidabili (o almeno
semi-affidabili) hanno affermato che era entrato in trattative per
il ruolo.
Nel caso ci fossero dubbi, il
co-CEO dei DC Studios James Gunn ha dato il benvenuto a Momoa nel
DCU con un nuovo artwork di Lobo.
Anche se molti fan sembrano essere
d’accordo sul fatto che si tratta di un casting azzeccato, la
notizia è stata accolta con una reazione contrastante, dato che
Momoa ha interpretato solo di recente un personaggio DC Comics
completamente diverso. Il DCU è tecnicamente un reboot, ma alcuni
personaggi dell’era precedente – tra cui il Peacemaker di
John Cena e alcuni attori secondari – torneranno.
Cosa sappiamo su
Supergirl:Woman of
Tomorrow
Supergirl:Woman of Tomorrow sarà
girato all’inizio del prossimo anno e vedrà nel cast anche Milly
Alcock (House of the Dragon) nel
ruolo della Ragazza d’Acciaio, Eve Ridley di 3 Body
Problem nel ruolo di Ruthye Mary Knolle e Matthias
Schoenaerts (The Old Guard) nel ruolo del
cattivo Krem of the Yellow Hills. Anche Krypto il supercane
dovrebbe avere un ruolo importante nella storia. Anche Krypto il
supercane dovrebbe avere un ruolo importante nella storia.
La Warner Bros. ha recentemente
annunciato che la nostra nuova Ragazza d’Acciaio prenderà il volo
il 26 giugno 2026. La regia è affidata a Craig Gillespie.
Si dice che questa versione di Kara
Zor-El sia “meno seria e più spigolosa dell’iconica supereroina”,
in quanto Gunn vuole allontanarsi dalle “precedenti
rappresentazioni della Ragazza d’Acciaio, in particolare dalla
lunga serie della CBS/CW interpretata da Melissa Benoist”.
Gunn ha recentemente rivelato che
aveva già in mente la Alcock per interpretare Supergirl dopo aver
visto la sua interpretazione nella serie prequel di
Game of Thrones della HBO. “Milly
è stata la PRIMA persona che ho proposto a Peter per questo ruolo,
ben più di un anno fa, quando avevo letto solo i fumetti”,
ha scritto il regista su Threads. “Stavo guardando
House of The Dragon e ho pensato che potesse avere il taglio, la
grazia e l’autenticità di cui avevamo bisogno”.
Secondo una breve sinossi, la
storia seguirà Kara mentre “viaggia attraverso la galassia
per festeggiare il suo 21° compleanno con Krypto il
Supercane.Lungo la strada, incontra una giovane
donna di nome Ruthye e si ritrova in una ricerca omicida di
vendetta”.
Gunn e Peter Safran hanno
annunciato il reboot di Supergirl durante la giornata stampa dello
studio nel gennaio dello scorso anno, quando è stato rivelato lo
slate del DCU “Gods and Monsters”.
Il progetto sarà basato almeno in
parte sull’omonima serie di fumetti di King del 2022. All’epoca
Gunn aveva dichiarato: “Nella nostra serie vediamo la
differenza tra Superman, che è stato mandato sulla Terra e
cresciuto da genitori amorevoli fin da quando era un neonato, e
Supergirl, che è stata cresciuta su una roccia, una scheggia di
Krypton, e ha visto tutti quelli che la circondavano morire ed
essere uccisi in modi terribili per i primi 14 anni della sua vita,
per poi arrivare sulla Terra quando era una ragazzina.È molto più dura, non è esattamente la Supergirl che siamo
abituati a vedere”.
Sono state diffuse le immagini
della seconda parte della stagione 1 di Doctor Odyssey. La serie medica della
ABC segue le avventure ad alto rischio a bordo di una lussuosa nave
da crociera, soprannominata Odyssey, dove il suo team
medico si occupa di emergenze di vita o di morte in mezzo alle loro
storie d’amore burrascose. Creata da Ryan Murphy, Doctor
Odyssey ha come protagonista Joshua Jackson nel ruolo del dottor Max
Bankman, il medico appena assunto sulla nave, insieme a un cast
d’eccezione che comprende Phillipa Soo, Don Johnson e Sean
Teale.
Secondo TVLine, le nuove immagini evidenziano due grandi guest
star: Shania Twain torna a vestire i panni della civettuola
Heather e Paris Jackson si unisce al cast come nuova
passeggera. Heather, che è apparsa per la prima volta
durante la Settimana dei single e ha fatto il diavolo a quattro con
il Capitano Massey (Johnson), è tornata e sembra riprendere da dove
aveva lasciato. Nel frattempo, il personaggio della Jackson debutta
in modo drammatico: un promo della ABC la mostra svenire ed essere
salvata dal Tristan di Teale (via TV Promos). Entrambe le storyline promettono di alzare
la posta in gioco per la squadra di Bankman quando la serie
continuerà il 6 marzo. Guardate le immagini qui sotto:
Cosa significano queste guest star per Doctor
Odyssey
La Heather di Twain ha già fatto
scalpore a bordo della Odyssey durante la Settimana dei
Single e il suo ritorno sembra destinato a riaccendere il suo
giocoso flirt con il vedovo Capitano Massey. Nella sua prima
apparizione, Heather ha portato un sacco di fascino mentre i due
legavano sulla loro comune perdita del partner. Ora, la sua seconda
visita sembra portare avanti questo legame, con Heather e
Massey che sembrano più vicini che mai. Se questa storia
d’amore prospererà o affonderà rimane un mistero, ma è certo che
esplorerà la sindrome del cuore infranto di Massey con un dramma
più bollente per le relazioni già turbolente della nave.
Il personaggio di Jackson, invece,
entra in scena con un botto, letteralmente sbattendo a terra nella
clip promozionale della ABC. Il suo svenimento attira l’attenzione
di Tristan, suggerendo un nuovo colpo di scena nella sua
complicata relazione con Avery e Max. Mentre attende con
ansia la notizia della gravidanza di Avery, l’infermiere sembra
particolarmente vulnerabile a rimanere coinvolto in un altro
tumultuoso intreccio. Che il personaggio della Jackson porti o meno
una nuova avventura romantica sulla Odyssey, la sua
presenza accanto all’amata cantante country alzerà deliziosamente
la posta in gioco mentre Max soffre la sua crisi medica a
bordo.
Arriva al cinema dal 1° gennaio 2025
Dove osano le cicogne, il nuovo film di
Fausto Brizzi che segna l’esordio al cinema di
Angelo Pintus. Nel film anche Beatrice
Arnera e Andrea Perroni.
L’uscita del film sarà preceduta da
una serie di proiezioni di Mezzanotte per festeggiare l’arrivo del
nuovo anno. Dove osano le cicogne è distribuito da
PiperFilm.
L’attore comico, arriva in sala con
un film scritto da lui stesso, insieme con Herbert
Simone Paragnani, Gianluca
Belardi e Fausto
Brizzi che ne firma la regia. Pintus sarà affiancato
dagli attori Marta
Zoboli, Beatrice
Arnera, Andrea
Perroni, Tullio
Solenghi, Imma
Piro e Maria Amelia
Monti con la partecipazione di Antonio
Catania.
La trama Dove osano le
cicogne
Angelo (Angelo Pintus) è un maestro
elementare. I suoi alunni lo amano perché lo trovano
divertentissimo, il preside (Antonio Catania) lo odia perché lo
considera un pericolo per l’ordine scolastico. È sposato con Marta
(Marta Zoboli) e sarebbero una coppia felice e realizzata se non
fosse per un piccolo particolare: la cicogna sta ignorando casa
loro! Le hanno provate tutte, ma quel maledetto pennuto non ne
vuole proprio saperne di portargli un bebè. È Andrea (Andrea
Perroni), il miglior amico di Angelo, a suggerire alla coppia una
soluzione imprevista. E così, a casa loro irrompe una giovane
spagnola, Luce (Beatrice Arnera), tifosissima del Barcellona,
bella, dolce e con un segreto nascosto gelosamente. Un segreto
molto pericoloso. Il suo arrivo sarà come un ciclone e sconvolgerà
le vite di tutti.
Il film è prodotto
da Attilio De
Razza e Nicola
Picone per Tramp Limited,
PiperFilm e Filippo
Cipriano per Lovit in
collaborazione con Netflix e distribuito
da PiperFilm. Dove osano le
cicogne sarà nei cinema dal 1° gennaio 2025 e in
anteprima dal 31 dicembre.
Dune:Prophecy pone le basi per Dune
3 in diversi modi intriganti. Dune:Prophecyè una serie in sei parti basata sul romanzo del
2012Sisterhood of Dune, scritto
dal figlio dell’autore originale di Dune Frank Herbert,
Brian, e da Kevin J. Anderson. La storia si svolge più di
10.000 anni prima dell’ascesa di Paul Atreidies, raccontata in
Dune (2020) e Dune:Parte seconda
(2024). Dune:Prophecy rivela le origini della
potente sorellanza dell’ombra nota come Bene Gesserit e come hanno
manipolato il destino dell’umanità.
Dune:Prophecy , episodio 1 “La mano
nascosta”, introduce Valya Harkonnen, una leader feroce e
calcolatrice, e la sua sorella biologica, Tula Harkonnen.
Dune:Prophecy episodio 2 rivela
cosa è successo a Lila e a sua nonna, la reverenda madre
Dorotea, dopo che Tula e Valya l’hanno incoraggiata a sopportare
l’Agonia. In Dune:Prophecy, episodio 3, Tula prende in
mano la vita di Lila, apparentemente morta durante il rituale
dell’Agonia, e cerca di resuscitarla attraverso l’uso di una
tecnologia proibita. L’episodio 4 rivela che Lila è stata
resuscitata attraverso la Macchina Pensante, Anirul.
L’episodio
5 mostra l’ascesa al potere di Desmond Hart, mentre l’episodio
6 vede Tula riavvicinarsi al figlio abbandonato dei mezzi-Atreides,
Desmond Hart.
Dune:Prophecy introduce
elementi ancora più strani prima di Dune 3
Uno degli aspetti migliori di
Dune:Prophecy stagione 1 è che introduce nuovi
elementi, e alcuni ancora più strani, rispetto alla recente serie
di film. Ad esempio, il potere della Voce delle Bene Gesserit è uno
degli aspetti più avvincenti della Sorellanza e dei film originali
di Dune. È senza dubbio una delle abilità più potenti
dell’universo di Dune ed è accessibile solo alle Bene
Gesserit. Mentre Lady Jessica e altri usano la Voce nei film di
Dune per scopi intriganti, Dune:Prophecy, stagione 1, rende la
Voce ancora più pericolosa introducendo la sua origine e
la mancanza di limiti morali da parte del suo creatore.
Inoltre, alcuni degli elementi più
strani dell’universo di Dune che vengono introdotti in
Dune:Prophecy includono la tecnologia della
Macchina Pensante e i vari modi in cui viene utilizzata all’interno
della Bene Gesserit e oltre. Questo apre molte opportunità per
l’universo di Dune , in particolare per Dune 3 e altri eventuali film e serie
televisive, di scavare più a fondo in queste aree “più strane”
della storia di Dune. Basato sul materiale di partenza
scritto da Frank Herbert, Dune:Messiahdovrebbe essere un grande
passo avanti in termini di stranezza rispetto ai primi
duefilmdi Dune .
Dune:Prophecy getta le
basi per i Gholas in Dune:Messiah
Dune: Prophecy
Dune:Prophecy
pone con successo le basi per altri tipi di specie nelle future
puntate di Dune , come i Face Dancer e i
Gholas. Il personaggio Theo di Dune:Prophecy è un esempio di introduzione di concetti più
elevati che vanno al di là di quanto visto finora e che mostrano
che c’è di più in questo universo rispetto a quanto già mostrato.
Secondo Dune Wiki, “iFace Dancers erano una razza sterile di
transumani metamorfici creati dai Bene Tleilax”. I Bene
Tleilax, o Tleilaxu, sono “un gruppo di umani segreti e
geneticamente modificati che abitavano Tleilax, l’unico pianeta
della stella Thalim” (via Dune Wiki).
Un altro tipo interessante di
specie di Dune è il ghola. Secondo Dune Wiki, “un
ghola era un umano creato artificialmente, replicato da un
individuo morto”. Questo spiegherebbe il ritorno di un
personaggio decaduto di Dune nel primo film del 2021, Duncan Idaho.
Duncan Idaho ritorna nel libro Dune:Messiah e
dovrebbe tornare anche nel film Dune:Messiah. In
Dune:Prophecy, compresa l’introduzione di una di
esse all’interno di Desmond Hart, il film si trova in una
posizione migliore per realizzare questo elemento chiave del
personaggio inDune:Prophecy.
Dune:Prophecy spiega
meglio le Bene Gesserit in vista del loro ruolo in Dune 3
Se nei film di Dune i Bene
Gesserit sono per lo più una forza sconosciuta e inaccessibile, in
Dune: Prophecy diventeranno parte integrante degli affari
di Paul come Imperatore in Messiah e rimangono uno degli
aspetti più interessanti dell’universo di Dune, motivo per
cui la HBO ha già dato il via libera a una seconda stagione di
Dune:Prophecy.
Bridgerton 4 potrebbe avere un
personaggio chiave per la storia d’amore di Benedict e Sophie.
Basata sulla serie di libri di Julia Quinn, ogni stagione del
popolare period drama di Netflix segue un diverso membro dell’omonima
famiglia mentre trova l’amore in una versione storicamente
alternativa della Londra dell’epoca della Reggenza. La
quarta stagione di Bridgerton si concentrerà su
Benedict (Luke Thompson), il secondogenito della famiglia, e sulla
sua storia d’amore con Sophie Baek, interpretata da Yerin Ha.
Ora, un altro personaggio chiave
nella storia d’amore di Benedict e Sophie potrebbe essere stato
scritturato. Secondo il sito web dell’agenzia di talenti Hamilton
Hodell, tra i crediti dell’attrice Susan
Brown figura il ruolo della signora Crabtree inBridgerton.
Tuttavia, il casting della Brown non è ancora stato confermato
ufficialmente da Netflix o da
chiunque sia coinvolto nella serie.
Che cosa significa il casting
di Susan Brown per la quarta stagione di Bridgerton?
I fan dei romanzi di Julia Quinn
riconosceranno la signora Crabtree come una figura centrale nella
storia d’amore di Benedict e Sophie. La signora
Crabtree è la governante del My Cottage, nella campagna
del Wiltshire, e lavora per Benedict e svolge un ruolo
cruciale nell’unione della coppia nel terzo libro dei
Bridgerton, Un’offerta da un gentiluomo. Nel romanzo,
la signora Crabtree e suo marito si occupano della casa di campagna
di Benedict e, mentre Sophie la assiste nelle faccende domestiche,
la signora Crabtree si impegna a trattarla come un’ospite dopo
averla scoperta al cottage con Benedict.
L’apparente casting di Susan Brown
arriva subito dopo aver dato un’occhiata al table-reading della
quarta stagione di Bridgerton, che ha rivelato un assaggio
del cast che si riunisce per prepararsi alla serie. Oltre
all’apparente casting della Brown, anche Katie Leung e
Isabella Wei sono state scritturate come nuovi personaggi,
rispettivamente Lady Araminta Gun e Posy Li. Anche Ruth Gemmell,
Adjoa Andoh, Hannah Dodd, Florence Hunt, Polly Walker, Martins
Imhange, Victor Alli e Hugh Sachs riprenderanno i loro ruoli.
Il creatore e regista d Squid Game 2, Hwang
Dong-hyuk, affronta le critiche relative al casting di
Park Sung-hoon, un attore maschio cisgender, nel
ruolo di Hyun-ju, una donna trans, nella seconda stagione della
serie di successo di Netflix.
Hyun-ju, ex soldato delle forze speciali, rischia la vita giocando
a una serie di giochi mortali per bambini per finanziare il suo
intervento chirurgico di conferma del genere. Tornando alla serie
distopica, Gi-hun (Lee Jung-jae) e il Front Man (Lee Byung-hun)
dell’enigmatica organizzazione che sta dietro ai giochi sono al
centro di una storia emozionante sul capitalismo, lo sfruttamento,
la disparità di classe e la vera natura dell’umanità.
In un’intervista a TV Guide, Hwang ha spiegato perché ha
preferito Park a un attore transgender per interpretare
Hyun-ju. L’inclusione di un concorrente trans in Squid
Game è un momento significativo per la
rappresentazione LGBTQ+ nei drama coreani, dove i personaggi queer,
soprattutto trans, sono incredibilmente carenti. Tuttavia, la
scelta del cast ha provocato qualche reazione online, con molti che
si sono chiesti perché non sia stato scelto un attore trans per il
ruolo. Ecco cosa ha detto il regista:
Ho previsto che sarebbero sorte
discussioni di questo tipo fin dal primo momento in cui ho iniziato
a creare il personaggio di Hyun-ju.All’inizio stavamo
facendo delle ricerche e pensavo di fare un casting autentico di un
attore trans.Quando abbiamo fatto le ricerche in Corea,
non c’era quasi nessun attore apertamente trans,
per non parlare di quelli apertamente gay, perché purtroppo nella
società coreana la comunità LGBTQ è ancora
emarginata e trascurata, il che è straziante.
Era quasi impossibile trovare
qualcuno che fosse autentico.E questo ci ha portato alla
decisione di scegliere Sung-hoon.Ho osservato il suo lavoro
fin dal suo debutto e avevo piena fiducia in lui, che
sarebbe stato la persona giusta in termini di talento per
interpretare questo personaggio.
Cosa significa l’inserimento
nel cast del personaggio trans di Squid Game
L’inclusione di Hyun-ju nella
seconda stagione di Squid
Game rappresenta un raro caso di rappresentazione LGBTQ+
nei drammi coreani, dove questi personaggi sono pochi e poco
rappresentati. Come donna transgender che affronta sia i pregiudizi
che le competizioni fatali, Hyun-ju dimostra un livello
ammirevole di resilienza e leadership in una società che
spesso emargina i suoi cittadini queer.
Se da un lato la sua presenza nello
show mainstream segna un progresso, dall’altro la decisione
di affidare il ruolo a un uomo cisino ha alimentato un dibattito in
corso sulla rappresentazione autentica nel cinema e nella
televisione. I commenti di Hwang rivelano le sfide
sistemiche del casting di attori LGBTQ+ in Corea del Sud, dove il
matrimonio tra persone dello stesso sesso rimane illegale e le
relazioni omosessuali tra i membri del servizio militare sono
criminalizzate. In un Paese ancora alle prese con i problemi di
uguaglianza, una rappresentazione autentica può essere
un’aspettativa difficile da soddisfare, dove gli attori trans
potrebbero non sentirsi a proprio agio nel dichiararsi.
Sebbene l’interpretazione di Park
abbia portato un livello di sfumature e profondità al personaggio
di Hyun-ju, la scelta del casting rischia anche di
perpetuare idee sbagliate sulle identità trans, come
quella che le donne trans siano “uomini che fingono di essere
donne”. Tuttavia, la controversia su Emilia
Perez ha dimostrato che anche una donna trans che
interpreta un personaggio trans non rende un progetto immune da
critiche di errata rappresentazione. In definitiva, l’arco di
Hyun-ju potrebbe ispirare una maggiore inclusività
nell’intrattenimento coreano, ma evidenzia anche
il lavoro ancora necessario per ottenere una
rappresentazione autentica in tutto il mondo.
Ana de Armas, interprete di
Ballerina, spiega come il suo personaggio
sia diverso da quello di John Wick. Ballerina è un film
spinoff di John Wick che segue la storia di
un’assassina donna di nome Eve Macarro che cerca di vendicarsi per
la morte del padre. Mentre John Wick ha già avuto una
serie televisiva spinoff con The Continental,
Ballerina sarà il primo spinoff
cinematografico del franchise, che finora ha incluso quattro film.
Ballerina presenta un cast di primo piano che comprende de
Armas nel ruolo di protagonista e
Keanu Reeves che torna nei panni di John Wick, con un
cast di supporto che include
Norman Reedus, Ian McShane e Anjelica Houston.
In un’intervista con Collider, de Armas spiega come il suo ruolo di
Ballerina si distingua da quello di John Wick. L’attore ha
iniziato notando le somiglianze tra Ballerina e il resto
del franchise di John Wick, affermando che “ci sono
alcuni marchi di fabbrica nello stile dei combattimenti in John
Wick”. Tuttavia, ha sostenuto che Ballerina è
completamente dal punto di vista di Eve, dimostrando “il
background di quell’addestramento che John aveva”. Ha
dichiarato chiaramente: “Eve Macarro è Eve Macarro.Non è John Wick”. Guardate la citazione completa di de
Armas qui sotto:
“Penso che ci siano alcuni
marchi di fabbrica nello stile dei combattimenti in John Wick, e
cose che fa che sono molto particolari per lui.Ma poiché in
questo film vediamo attraverso gli occhi di Eve il background
dell’addestramento che John ha avuto, e come questi assassini e
ballerine, come queste persone diventano assassini, ci sono alcuni
piccoli dettagli che sono gli stessi, ma Eve Macarro è Eve
Macarro.Non è John Wick”.
La dichiarazione di De Armas su Eve
Macarro potrebbe avere più implicazioni per il film spinoff di
John Wick di quanto si possa pensare. Sulla base del
trailer di Ballerina e delle prime
pubblicità, è facile supporre che il film sia semplicemente una
versione femminile di John Wick. Tuttavia, se Eve è
completamente diversa da John, non sarà così. Questa
differenziazione potrebbe essere un cambiamento gradito per alcuni,
che potrebbero temere che Ballerina manchi di
originalità.
Leggendo tra le righe del commento
di de Armas, sembra che la più grande sovrapposizione tra
Ballerina e il resto del
franchise di John Wick sia lo stile. Anche se le
coreografie cambieranno sicuramente sapore senza la regia di Chad
Stahelski, il tipo di riprese in stile gun-fu è parte di ciò che ha
reso i film di John Wick così iconici e di successo. Il
protagonista di Ballerina afferma che ci sono alcuni
“marchi di fabbrica nello stile dei combattimenti” nel
resto del franchise, indicando che Ballerina cerca di
riprendere alcuni elementi stilistici chiave.
James Marsden è uno
di quegli attori che si è fatto conoscere da grandi e piccini per
il suo talento e per aver interprato ruoli anche molto iconici.
L’attore, che svolge questa professione da molti anni, ha
dimostrato subito di essere molto in gamba e di avere talento anche
per il canto, oltre che per la recitazione.
2. Ha lavorato in molte
serie tv. L’attore non ha prestato la sua attività
lavorativa esclusivamente per il cinema, ma ha partecipato a
numerosi progetti destinati per il piccolo schermo. Infatti, ha
debuttato nel mondo della recitazione con la serie Bayside
School – La nuova classe (1993), per poi apparire in La
tata (1993), Boogies Diner (1994), Cinque in
famiglia (1995), Papà Noè (1996-1997) e Oltre i
limiti (1998). In seguito, prende parte a serie come Ally
McBeal (2001-2002), 30 Rock (2012-2013), Westworld – Dove tutto è concesso (2016-2018),
Amiche per la morte (2019), Mrs. America (2020),
The Stand (2020-2021) e Jury Duty (2023).
James Marsden è Ciclope in X-Men
3.Ha avuto
problemi con il suo costume. James Marsden, che nella
saga degli X-Men ha interpetato Ciclope, ha trovato il
suo personaggio particolarmente difficile, poiché i suoi occhi
erano sempre coperti dalla speciale maschera. La maggior parte
degli attori e delle attrici basavano gran parte delle loro
interpretazioni sull’espressività dei loro occhi, ma per Marsden
ciò non fu possibile. Allo stesso modo, egli ebbe difficoltà nei
movimenti con il costume di lattice ideato per il suo
personaggio.
James Marsden è Ciclope in X-Men
James Marsden in Le pagine della nostra vita
4. Ha un ruolo importante
nel film. Nel celebre film d’amore Le pagine della nostra
vita, con protagonisti Ryan Gosling e Rachel McAdams, l’attore interpreta il ruolo
di Lon Hammond Jr., un giovane avvocato del sud ricco di famiglia
che Allie (McAdams) incontra e con il quale si fidanza. Nonostante
i due arrivino ad un passo dal matrimonio, Allie alla fine sceglie
di tornare dal suo primo amore, Noah, cosa che Lon non le impedisce
di fare. Per Marsden, questo è stato uno dei primi ruoli – insieme
a quello di Ciclope – a conferirgli grande popolarità.
James Marsden in Sonic – Il film
5. Ha lavorato con degli
“speciali” Sonic. Per il film sono stati utilizzati tre
metodi diversi per creare Sonic, il tutto nel tentativo di
assicurarsi che la linea degli occhi di Marsden fosse impostata
correttamente, in modo da far sembrare che stesse davvero parlando
con un riccio blu. Secondo Ben Schwartz, doppiatore di Sonic, sono
infatti state realizzate “tre versioni diverse della bambola.
Una che si può definire una bambola, una che si può tenere in mano.
E poi per James c’era anche una specie di palla da tennis“.
Così facendo, per Marsden è stato più facile capire dove e come
relazionarsi con il personaggio.
James Marsden in Once Upon a
Time in Hollywood
6. È presente nella Extended
cut del film. Nel ricco cast di attori del film C’era una volta a…
Hollywood, l’ultimo film ad oggi realizzato da Quentin
Tarantino, vi è anche James Marsden. Il suo ruolo
tuttavia non è poi stato incluso nella versione proiettata nei
cinema, ma è presente nella Extended Cut. In
questa versione egli compare nei panni del celebre attore
Burt Reynolds, che come gli altri si aggira in
quella Hollywood di fine anni Sessanta fortemente segnata dai
cambiamenti in atto.
James Marsden in Westworld – Dove tutto è concesso
James Marsden, la fidanzata e i figli
7. È padre di tre
figli. Precedentemente, l’attore è stato sposato una volta
con la collega Lisa Linde. I due si sono sposati
nel luglio del 2000 e sono stati insieme per quasi undici anni fino
al 2011, anno in cui la moglie ha chiesto il divorzio. Dall’unione
con Linde, l’attore è diventato padre di Jack
Holden (nato nel 2001) e di Mary James
(nata nel 2005). È poi diventato padre per la terza volta quando
nel dicembre 2012 è nato William Luca, avuto da
una breve relazione con la modella Rose Costa.
8. Ci sarebbe una nuova
fiamma nella sua vita. L’attore è sempre stato piuttosto
riservato riguardo la sua vita privata, ma secondo alcune
indiscrezioni sarebbe stato fidanzato dal 2015 con la cantautrice
Edei, di sedici anni più giovane. Non si sa di
preciso quando, ma la loro storia si sarebbe ormai conclusa da
tempo. Più di recente, infatti, è stato riportato che l’attore ha
una nuova fidanzata, la modella Frederique Brons,
in compagnia della quale è stato in più occasioni fotografato.
James Marsden è su Instagram
9. Ha un profilo molto
seguito. L’attore possiede un profilo Instagram che è
seguito da 1,6 milioni di persone. Sulla sua bacheca sono molte le
foto che vedono protagonista tra momenti lavorativi e di svago,
senza dimenticare foto con i figli e momenti nostalgia. Seguendolo
si può dunque rimanere aggiornati sulle sue attività dentro e fuori
dal set.
L’età e l’altezza di James
Marsden
10. James Marsden è nato il
18 settembre del 1973 a Stillwater, in Oklahoma. La sua
altezza complessiva corrisponde a 1,78 metri.
Nel ultimi vent’anni
Angelina Jolie si è imposta come una vera e
propria diva, una capace con la sua aura di attirare su di sé tutte
le attenzioni. Una personalità larger than life, divisa
tra recitazione, regia e attività umanitarie, tanto da guadagnarsi
nel 2014 il Premio Oscar umanitario Jean Hersholt. Per quanto
riguarda il cinema, sono tanti i memorabili personaggi che ha
portato sul grande schermo nel tempo, dando continuamente prova
della sua grazia e del suo carisma unico.
Ma cosa non sapete su di lei?
Ecco dieci curiosità su Angelina Jolie.
I film di Angelina Jolie
I film da giovane di Angelina Jolie
1. Ha recitato in celebri
film. L’attrice ha debuttato con un piccolo ruolo nel
film Cercando di uscire (1982), poi recitare a
partire dagli anni Novanta nei film Hackers (1995),
Foxfire (1996), George Wallace (1997) e Gia – Una
donna oltre ogni limite (1998). La vera svolta arrivò poi nel
1999, con Il collezionista di ossa e con Ragazze
interrotte: per quest’ultimo vinse un Golden Globe e un Oscar.
In seguito recita in film come Fuori in 60 secondi (2000),
Lara Croft: Tomb Raider (2001) e Tomb Raider – La culla della vita (2003), Amore senza
confini (2003), Identità Violate (2004), Sky Captain
and the World of Tomorrow (2004), Alexander
(2004), Mr.
& Mrs. Smith (2005), Good Shepherd – L’ombra del
potere (2006), La leggenda di Beowulf (2007),
Changeling (2008),
Wanted – Scegli il tuo destino (2008). The
Tourist (2010), Salt (2010),
Maleficient (2014), By the
Sea (2015) e Maleficient – Signora del Male (2019).
I film di oggi di Angelina Jolie
Negli ultimi dieci anni, l’attrice
ha di molto ridotto la sua attività e ha preso parte a pochi film.
A partire dal 2020 l’attrice ha recitato in Alice e
Peter (2020), Quelli
che mi vogliono morto (2021), Eternals
(2021) e Maria
(2024).
Angelina Jolie è Lara Croft
2. È anche regista,
sceneggiatrice e produttrice. Oltre ad aver lavorato come
attrice, Jolie si è nel tempo dimostrata anche talentuosa regista,
dirigendo da prima il documentario A Place in Time (2007)
e successivamente i film Nella terra del sangue e del
miele (2011), Unbroken
(2014), By the
Sea (2015) – dove recita con il marito
Brad Pitt, Per primo hanno ucciso mio padre (2017) e Senza
sangue (2024). Di questi film – tranne l’ultimo – Jolie è
anche sceneggiatrice. Ha poi ricoperto il ruolo di produttrice per
i film Maleficient, Maleficient – Signora del Male, I racconti di
Parvana – The Breadwinner e
L’unico e insuperabile Ivan.
3. Ha partecipato al
doppiaggio di celebri film. Nel tempo, l’attrice ha avuto
modo di cimentarsi anche con il doppiaggio, sia per il
film Shark Tale (2008) che poi per Kung Fu
Panda (2008) e i sequel Kung Fu Panda 2 (2011), Kung Fu Panda
3(2016) e Kung Fu Panda 4. In questi film, in cui
lavora accanto ad attori del calibro di Jack Black
e Dustin Hoffman, dà voce a Tigre. Nel 2020 dà
invece voce all’anziana elefantessa Stella in
L’unico e insuperabile Ivan.
Angelina Jolie è Maria Callas in Maria
4. È davvero lei a cantare
nel film. Angelina Jolie è stata la prima e unica scelta
di Pablo Larraín per interpretare Maria Callas, e
non avrebbe diretto il film senza di lei. Per partecipare al film,
l’attrice rifiutando di essere doppiata e volendo cantare da sola,
ha preso 7 mesi di lezioni di opera. Per le scene ambientate
durante il periodo di massimo splendore della Callas, si stima che
sia stato utilizzato il 90-95% delle registrazioni originali della
Callas, con la Jolie che canta in playback. Tuttavia, il canto
della Jolie emerge durante l’atto finale del film.
Angelina Jolie è Maria Callas nel film di Pablo Larrain. Crediti
Pablo Larrain
La madre e il padre di Angelina Jolie
5. È figlia d’arte.
Nata Angelina Jolie Voight, l’attrice è figlia di
Jon Voight (attore premio Oscar) e
Marcheline Bertrand. Influenzata dalla recitazione
della madre, dopo aver visto i suoi film, Angelina aspira a
diventare attrice, esordendo a soli sette anni, al fianco del
padre, nel film Cercando di uscire. Dopo la separazione
dei genitori, per molti anni non ebbe rapporti con il padre, e ogni
tentativo di riconciliazione fu vano. Nel luglio 2002 l’attrice
chiese e ottenne di poter cambiare legalmente il suo nome in
“Angelina Jolie”, togliendo il cognome paterno Voight.
Angelina Jolie, Brad Pitt e i
figli
6. Ha avuto una celebre relazione
con il collega attore. Nel 2005, dopo essersi conosciuti sul
set di Mr. & Mrs. Smith, Jolie e
Brad Pitt confermano di essere diventati una coppia. Il
continuo interesse dei media per la loro vita privata li ha resi
una delle coppie più chiacchierate di Hollywood, per la quale la
stampa ha coniato il termine Brangelina, dall’unione dei
nomi dei due. Nell’aprile 2012 la coppia si è fidanzata
ufficialmente e si è poi sposata il 23 agosto 2014 nel loro
castello a Miraval, in Francia. Tuttavia, dopo due anni di
matrimonio e undici di relazione, nel settembre 2016 la Jolie ha
presentato istanza di divorzio da Pitt citando differenze
inconciliabili.
I figli di Angelina Jolie
7.Ha diversi
figli tra naturali e adottati. Con
Brad Pitt, Angelina Jolie ha avuto in tutto tre figli
naturali. Prima è arrivata, nel 2006, Shiloh Jolie–Pitt. Nel 2008,
poi, sono arrivati i gemelli Vivienne Marcheline
Jolie-Pitt e il piccolo Knox. L’attrice
ha poi tre figli adottati, a partire da Chivan
Maddox, originario della Cambogia, adottato nel 2002. Nel
luglio 2005 ha invece adottato una bambina di sei mesi, originaria
dell’Etiopia, Zahara Marley. Nel marzo 2007,
invece, ha adottato Pax Thien, un bambino di tre
anni del Vietnam.
8. Oggi avrebbe una nuova
relazione. Da mesi si sostiene che l’attrice abbia
ritrovato l’amore col rapper, poeta e attivista
Akala. I due sono stati paparazzati insieme in
pubblico più volte, ma mai in atteggiamenti compromettenti e ad
oggi non ci sono conferme ufficiali su una loro relazione. Per
quanto lo riguarda, Akala è noto per le sue lotte contro il
razzismo e le ingiustizie sociali ma anche per il suo impegno dalla
parte degli animali. I due, che si sarebbero conosciuti nel maggio
2023 al Calabash Literary Festival in Giamaica, condividono dunque
tanti ideali e forse sono state proprio le comuni passioni ad
avvicinarli.
Angelina Jolie ha prevenuto una malattia
9. Si è sottoposta ad alcune
operazioni per prevenire una malattia. La vita di Angelina
Jolie non è stata priva di dolori e complicazioni. Infatti,
l’attrice e mamma, nel 2015, ha deciso di farsi rimuovere le ovaie
con lo scopo di ridurre il rischio di cancro, dopo che i medici
trovarono degli indicatori di pre-cancro durante un test. Inoltre,
nel 2013, la Jolie aveva deciso di sottoporsi ad una doppia
mastectomia, dopo aver trovato una mutazione del gene BRCA1 che
aumentava il suo rischio di cancro al seno dell’87% e di cancro
alle ovaie del 50%. Come noto, sua madre, sua nonna e sua zia sono
decedute proprio a causa di questo tipo di cancro.
L’età e l’altezza di Angelina Jolie
10. Angelina Jolie è nata il
4 giugno 1975 a Los Angeles, Stati Uniti. L’attrice è alta
complessivamente 1,70 metri.
Dopo aver rivisitato le origini di
Bruce Wayne in una luce più tenebrosa e realistica
con Batman Begins e aver preparato l’imminente
arrivo di Joker, il regista Christopher
Nolanha portato il supereroe di Christian Bale in territori ancora più cupi
con Il cavaliere oscuro (qui
la nostra recensione), uscito in sala nel 2008. Pochi erano
però preparati al rivoluzionario sequel cinematografico che Nolan
ha realizzato. Esso, infatti, ridefinisce i parametri di un film di
supereroi e, in pieno stile Nolan, mescola imprese visive
stupefacenti e ambiziose con personaggi intricati e stratificati,
il tutto avvolto da una premessa morale fondamentale.
Il cavaliere oscuro
eleva dunque l’intero sottogenere dei supereroi e consacra Nolan
come uno dei grandi del cinema moderno. Tutto si basa sulla guerra
filosofica tra il Batman di Bale e il
Joker di Heath Ledger, che sfocia in un terzo atto
perfettamente calibrato che fa scorrere l’adrenalina nelle vene
senza esagerare con l’azione, offrendo conclusioni soddisfacenti
per ogni protagonista. Nel momento culminante, infatti, Joker
inizia una crociata contro Batman, inizialmente in combutta con i
mafiosi locali, ma in realtà per dimostrare che le sue idee
nichiliste sulla natura umana sono vere.
Joker uccide Rachel
Dawes (Maggie
Gyllenhaal) e sfrutta la sua morte per reclutare
Harvey Dent (Aaron
Eckhart) come alleato. Nel frattempo, la perdita di
Rachel rende Bruce Wayne ancora più determinato a dimostrare che il
suo percorso morale è giusto. La loro battaglia culmina in un
cantiere abbandonato, con Joker che tiene in ostaggio un gruppo di
civili e orchestra un “esperimento sociale” con due traghetti,
mentre Harvey Dent tiene sotto tiro la famiglia del commissario
Gordon. C’è molto da dire su questo complesso finale, che
analizziamo dunque qui di seguito.
Utilizzando il suo controverso
sistema di sorveglianza sonar, Batman è in grado
di identificare la posizione di Joker e di
individuare la sua ultima trovata. L’evacuazione è in corso dopo la
furia distruttiva di Joker e due traghetti stanno cercando di
lasciare la città, uno pieno di civili normali e l’altro di
criminali condannati. Joker ha piazzato bombe su entrambi e ogni
nave ha il detonatore per l’altra. Se nessuna nave preme il
grilletto, entrambe saranno distrutte. In genere, Joker ha però un
altro asso nella manica. Gli ostaggi all’interno dell’edificio
Prewitt sono infatti vestiti da scagnozzi, mentre i veri scagnozzi
di Joker sono mascherati da ostaggi.
Naturalmente, Batman se ne accorge
molto prima della squadra SWAT del commissario
Gordon, il che significa che Bruce deve occuparsi
dei lacchè di Joker e allo stesso tempo assicurarsi che la polizia
non sia indotta a uccidere prigionieri innocenti per errore.
Costretto a entrare da solo (anche se con Lucius
Fox nelle orecchie), Batman mette fuori combattimento gli
agenti della SWAT senza far loro del male, usando alcuni esplosivi
e un sacco di cavi ad alta densità per lasciare i malcapitati
poliziotti a penzoloni sul bordo dell’edificio. Picchia poi i
nemici travestiti da operatori dell’ospedale e, in pieno stile
videogioco, trova il suo grande capo all’ultimo piano sorvegliato
da cani feroci.
Mentre i canidi attaccano,
ricordiamo la sequenza d’azione iniziale. In quell’occasione i
morsi dei cani si sono rivelati un punto debole del costume
originale di Bruce all’inizio del film, spingendo Lucius Fox a
creare un design più robusto. Ora meglio equipaggiato per gestire
il migliore amico dell’uomo, Batman respinge i cagnolini di Joker e
si scontra finalmente con la sua nemesi, che è intanto rimasta
amareggiata nel capire che i due traghetti hanno scelto di non
uccidersi a vicenda. Alla fine, Batman ha la meglio sul Joker e lo
lascia appeso all’esterno dell’edificio in attesa che le autorità
lo prelevino. Di fatto, risparmia la vita del Clown Principe del
Crimine.
Batman rivolge poi la sua attenzione
a Due Facce, con un Harvey Dent
trasformato che tiene ancora in ostaggio la famiglia del
commissario. Le capacità di negoziazione di Bruce e Gordon non
riescono a convincere il loro vecchio amico a vedere la luce e
Batman è costretto a spingere Harvey giù da un cornicione,
uccidendolo ma salvando il giovane figlio del commissario.
Piuttosto che dire al pubblico la verità su quello che era ritenuto
un paladino della giustizia alla luce del sole e che si è invece
trasformato poi in cattivo, il vigilante e il commissario accettano
di lasciare che Batman si prenda la colpa, con quest’ultimo che
fugge nella notte con gli agenti alle calcagna.
La scena del traghetto in Il
cavaliere oscuro è un’affascinante visione della mente
contorta del Joker. L’intento del cattivo è quello di dimostrare
che, con le giuste motivazioni e circostanze, le persone normali
possono diventare assassine ed egocentriche come lui. Joker crede
di essere solo un riflesso della corruzione preesistente di Gotham
City, non la corruzione stessa. Coinvolgendo sia i prigionieri che
i civili, Joker costringe il pubblico a riflettere sul valore della
vita. Le azioni sbagliate di una persona significano che la sua
esistenza ha meno valore? Sulla nave dei civili, nessuno ha il
coraggio di commettere un omicidio di massa, ma il traghetto dei
prigionieri usa gli stereotipi per sovvertire le aspettative.
Il prigioniero più duro e cattivo,
con cicatrici sul viso e una struttura intimidatoria, si alza per
fare la scelta giusta. Per un momento siamo portati a credere che
farà esplodere il traghetto con i civili, ma in realtà getta in
acqua il detonatore della sua nave, togliendo così ogni dubbio
sulla loro scelta. Joker mette in atto la sua minaccia di
distruggere entrambe le navi, ma è indubbiamente deluso dal
risultato. Il vero significato della trappola non era quello di
uccidere due navi cariche di persone, ma di costringerne una a
uccidere l’altra. Questo sarebbe servito molto di più agli scopi di
Joker e, mostrando la parte migliore di sé, Gotham City dimostra
che il suo rapitore con la faccia da clown si sbaglia.
In questa scena Nolan si rifà alle
idee filosofiche del contratto sociale e del Dilemma del
prigioniero di Tucker, quest’ultimo un
esperimento sociale progettato per studiare se due parti opposte si
fidano dell’altra per cooperare nella speranza di un risultato
migliore per entrambe. L’esercizio mostra tipicamente una
disposizione umana a lavorare insieme, piuttosto che nell’interesse
personale, e di sicuro è così che si svolge la trappola della barca
di Joker. Gli abitanti di Gotham, civili o criminali che siano, non
sono così terribili come aveva previsto.
Cosa succede a Joker alla fine del
Cavaliere Oscuro
Ancora infastidito dal fatto di non
poter trasformare le persone comuni in assassini, Joker vede
terminare il suo regno del terrore dopo essersi scontrato con
Batman. Mentre cade, però, Joker viene sentito ridere. Piuttosto
che abbracciare la propria fine in questo momento, la risata di
Joker deriva dalla convinzione di aver vinto, che il grande e
incorruttibile Batman abbia scelto di porre fine alla vita di un
nemico. Questo era un altro punto che Joker cercava di dimostrare
ne Il cavaliere oscuro e, mentre cade nel cielo
notturno, assapora brevemente il successo fino a quando la presa di
Batman non gli avvolge la gamba.
Costringere Batman a ucciderlo
sarebbe stato un degno premio di consolazione per Joker dopo essere
diventato una macchia verde e viola sull’asfalto. Joker, però,
viene invece semplicemente arrestato e Batman ribadisce così il suo
impegno nei confronti della giustizia. Anche di fronte a un cattivo
irrimediabilmente malvagio (e all’uomo che ha ucciso Rachel Dawes)
Bruce non toglierà la vita a nessuno. Questo richiama una scena
precedente in cui Maroni dice a Batman che i criminali temono Joker
perché non ha regole. Nella sua vittoria morale e fisica contro
Joker, Batman dimostra che chi possiede limiti morali alla fine
vincerà sempre.
Il destino di Joker, invece, è
ambiguo. Il pubblico è portato a pensare che marcisca per sempre
nel manicomio di Arkham, anche se ciò è in parte dovuto alla
tragica morte di Heath Ledger, avvenuta poco dopo le riprese
del film. La perdita significava che la storia di Joker non avrebbe
mai potuto essere continuata, anche se ciò sarebbe potuto accadere
comunque sotto la direzione di Christopher Nolan. Non è noto se un ritorno
del personaggio era previsto in Il cavaliere oscuro – Il ritorno, progetto che
all’epoca della scomparsa di Ledger era ancora tutt’altro che
definito. Di certo, la scomparsa dell’attore ha escluso un
possibile ritorno del Joker.
L’eredità del Due Facce di Harvey
Dent (e perché Joker vince)
Quando Joker penzola dal Prewitt
Building, apparentemente sconfitto, rivela un altro asso nella
manica. A quanto pare, la trappola della barca non era il suo unico
piano malvagio; egli ha invece corrotto il baluardo della forza
morale di Gotham, Harvey Dent, per dimostrare che
anche il più grande eroe può essere trasformato. Nella scena
finale, Joker promette che quando Gotham City vedrà il suo
Cavaliere Bianco diventare un brutale assassino sfigurato, l’intera
popolazione precipiterà nel caos. In questo senso, Joker rivela che
è Due Facce la sua verà eredità. E si avvicina diabolicamente a
raggiungere questo obiettivo.
Alla presenza di Batman e Gordon,
Due Facce vuole punire tutte le persone coinvolte nella morte di
Rachel, utilizzando il tradizionale lancio della moneta per
decidere i destini di quelli che ritiene gli ultimi due
responsabili. Batman viene colpito, Dent sopravvive, mentre il
turno passa poi al figlio di Gordon. Due Facce vuole che il
commissario capisca il dolore di parlare con una persona cara nei
suoi ultimi momenti, proprio come ha fatto con Rachel. Prima che
possa fare qualcosa, però, Batman affronta Dent e lo uccide. Anche
se forse non ne avrà mai certezza, Joker emerge vittorioso alla
fine del film.
Prima di tutto, Dent è stato davvero
corrotto completamente. Si è rifiutato di farsi convincere e si è
avvicinato pericolosamente a sparare a un bambino a sangue freddo.
Proprio come aveva promesso, Joker è riuscito a plasmare l’uomo più
giusto della città a sua immagine e somiglianza. Creando Due Facce,
Joker costringe anche Batman a uccidere, consolidando la sua
vittoria spirituale ne Il cavaliere oscuro.
Ovviamente, Bruce non aveva scelta, ma Batman ha infranto la sua
unica regola per porre fine a un cattivo creato da Joker stesso. Se
fosse stato informato dell’ultima resistenza di Dent, Joker avrebbe
probabilmente cantato vittoria.
All’inizio de Il cavaliere
oscuro, Rachel chiede ad
Alfred di consegnare una lettera a Bruce,
spiegandogli che non vede l’ora che la sua missione come Batman sia
finita e che ha scelto Harvey al suo posto. Il maggiordomo esita a
eseguire la richiesta dopo la morte di Rachel e alla fine brucia la
lettera nel finale. La brucia perché è la cosa più gentile da fare.
Già in lutto per il suo amore perduto, sapere che Rachel aveva
intenzione di abbandonarlo per Harvey Dent non avrebbe offerto
alcun conforto a Bruce e anzi avrebbe solo aggravato la sua
depressione. Il tenue barlume di speranza che Rachel lo amasse
ancora è, a questo punto, tutto ciò a cui il miliardario si
aggrappa.
Alcuni potrebbero vedere le azioni
di Alfred come un tradimento della volontà di Rachel, ma non è
necessariamente così, poiché l’intenzione originale della lettera è
resa obsoleta dalla sua morte. Rachel ha scritto la lettera perché
Bruce potesse andare avanti dopo che lei si era sistemata con Dent.
Non c’è niente di sano nell’inseguire una causa persa e nel
perseguitare una donna che vuole essere lasciata sola con il suo
nuovo compagno. Tuttavia, Rachel probabilmente non avrebbe voluto
gettare sale sulla ferita di Bruce se fosse morta prima. Il suo
omicidio rende il contenuto della lettera (e la sua scelta tra
Harvey e Bruce Wayne) privo di significato.
Bruce distrugge il sistema
sonar
Sempre durante il finale de
Il cavaliere oscuro, Lucius Fox
ottiene il suo desiderio: Bruce, infatti, innesca la distruzione
del suo sistema sonar in tutta la città dopo la sconfitta di Joker.
Questa decisione non viene presa solo per placare Fox, che ha
sempre ritenuto l’operazione moralmente imperdonabile, ma anche per
consolidare la posizione morale di Batman dopo aver lasciato vivere
Joker. Bruce si rifiuta di lasciare che la sua etica venga
compromessa da Joker, e questo significa eliminare una macchina che
tiene sotto controllo l’intera città.
Questa sottotrama è di fatto il
commento di Nolan alla moderna questione della sorveglianza senza
filtri, che da allora ha attirato maggiori attenzioni grazie alle
imprese di Edward Snowden
(la cui storia è stata raccontata nel film Snowden).
La raccolta di dati su un’intera popolazione è giustificata in nome
della cattura dei cattivi? È un dibattito affascinante e continuo,
senza una risposta chiara, e Il cavaliere oscuro
si schiera decisamente dalla parte di Snowden.
Il sacrificio di Batman: Cosa
significa davvero l’eroe che Gotham merita e l’eroe di cui ha
bisogno
In un momento che da allora è
diventato iconico, Batman e il commissario
Gordon si rendono conto che c’è un solo modo per
evitare che Joker vinca. L’opinione pubblica deve credere che
Harvey Dent sia morto da uomo buono al servizio
della sua città e, a tal fine, Batman si assume la colpa di tutte
le morti che Dent ha commesso sotto l’influenza di Joker. In una
frase di commiato, Il cavaliere oscuro definisce
Batman “l’eroe che Gotham merita” è Dent “l’eroe di
cui Gotham ha bisogno” e questo si inserisce nel tema generale
del Cavaliere Oscuro contro il Cavaliere Bianco.
Harvey Dent è l’eroe di cui Gotham
City ha bisogno, perché è un volto pubblico legittimo e libero
dalla corruzione, e sta avendo un impatto misurabile nell’arrestare
i mafiosi operando all’interno della legge. Dent è un esempio raro
di una via migliore e sia Batman che Gordon credono che possa
ispirare un cambiamento permanente a Gotham, motivo per cui si sono
alleati con lui. Nonostante la sua trasformazione in Due Facce e la
successiva morte, Batman crede che Dent possa ancora fornire quel
faro di speranza, e Il cavaliere oscuro – Il ritorno lo dimostra, poiché
il “Dent Act” diventa responsabile dell’effettiva fine del problema
del crimine a Gotham City.
Batman, invece, non può ispirare lo
stesso cambiamento di Harvey Dent, poiché è un vigilante fuorilegge
dall’identità ignota che sconfigge un criminale dopo l’altro con
abilità ninja avanzate e tecnologie costose. Egli può ispirare
imitatori, ma non può portare un cambiamento culturale su larga
scala come può fare Harvey Dent come procuratore distrettuale
dinamico e integerrimo. Batman è l’eroe che Gotham merita perché
Bruce è un prodotto della storia violenta di Gotham. È nato
dall’infestazione criminale che ha ucciso Thomas e
Martha Wayne, il che significa che la città ha
portato su di sé questo protettore vendicativo, ombroso e
sanguinario. Batman è l’eroe moralmente grigio che Gotham merita,
ma Dent è quello di cui ha bisogno per innescare un cambiamento
significativo.
