I fan della Marvel sono molto eccitati all’idea
di vedere Ghost Rider tornare sui nostri schermi
in un nuovo film dopo quelli con protagonista Nicolas Cage, ma sembra che lo Spirito della
Vendetta potrebbe invece tornare in televisione. Secondo lo scooper
@MyTimeToShineH, il
piano attuale prevede infatti che Ghost Rider diventi una serie TV
Disney+. Non possiamo immaginare che
uno show del genere sia economico da produrre, visti gli effetti
speciali coinvolti, ma potrebbe comunque essere una scommessa più
sicura di un altro film sul personaggio.
Da lì, è facile immaginare che
l’antieroe faccia parte del film Midnight Sons, di
cui
si parla da tempo. Come noto, i Marvel Studios detengono i diritti del
personaggio di Ghost Rider per anni e hanno permesso alla
Marvel Television di
utilizzare la versione di Robbie Reyes in Agents of
S.H.I.E.L.D. per un breve periodo. Si è poi parlato di una
serie televisiva spin-off, che però è fallita quando Kevin
Feige ha assunto il pieno controllo della produzione della
Marvel e la casa di produzione
guidata da Jeph Loeb è stata accantonata dalla
Disney.
Da allora si è diffusa la voce che
Johnny sia effettivamente in procinto di fare il suo debutto nel
MCU, con recenti voci che indicano
addirittura un suo ruolo al fianco di Mefisto in Spider-Man
4. Si dice inoltre che lo stesso Nicolas Cage sia un punto fermo per riprendere
il ruolo nei prossimi film degli Avengers, dopo aver mancato un
ritorno in Deadpool &
Wolverine la scorsa estate. C’è dunque ancora molta
confusione intorno al personaggio e dove potrebbe fare la sua
comparsa nel MCU. Al momento, la notizia di una
serie TV a lui dedicata è nulla più che un rumor e come tale va
preso fino ad una conferma (o smentita) ufficiale.
Chi è Ghost Rider?
Il “mantello” di Ghost
Rider è stato tenuto da diversi personaggi, anche se
Johnny Blaze rimane il più iconico. Con il suo
debutto avvenuto nel 1972, egli è un motociclista acrobatico che,
grazie a un patto con il diavolo, si trasforma in Ghost Rider
quando si trova in presenza del male. Come sicuramente saprete, la
sua testa diventa un teschio fiammeggiante e brandisce una catena
intrisa di poteri mistici, punendo i malvagi e guidando una moto
fiammeggiante. Il personaggio si ispira molto ai generi dell’horror
soprannaturale e dei supereroi, con Danny Ketch e
Robbie Reyes tra coloro che in seguito
erediteranno la maledizione da Johnny.
Netflix
ha guidato la classifica delle cancellazioni per il 2024, mettendo
fine a un numero maggiore di serie rispetto a qualsiasi altra rete
o piattaforma di streaming. Complessivamente, Netflix ha dato l’addio a 22 serie nel 2024, un mix
di cancellazioni definitive e conclusioni programmate. Ciò ha
riaffermato la sua reputazione di alto turnover nella
programmazione originale, dopo il clamore suscitato
dall’apparentemente improvvisa cancellazione di serie amate come
KAOS.
Secondo un nuovo studio di Watch In America, quest’anno il gigante dello
streaming ha cancellato 16 serie in lingua inglese, mentre
ad altre sei sono state concesse stagioni finali per concludere le
loro storie. Ecco l’elenco completo delle serie Netflix cancellate
nel 2024:
Arcane
Avatar (Renewed for
2 seasons, ending after third season)
Blood of
Zeus (Renewed for third and final season)
Cosa significano le cancellazioni
di Netflix nel 2024
Sebbene Netflix sia spesso
criticata per aver “cancellato tutto”, la realtà è più
sfumata. Alcuni show etichettati come “cancellati” nel
2024 erano sempre stati pensati per avere archi narrativi finiti.
Arcane, per esempio, si è concluso naturalmente dopo la
seconda stagione, come deciso dai suoi creatori. L’imminente
conclusione del live-action Avatar dopo tre stagioni
rispecchia la struttura della serie animata originale, che
comprendeva tre libri per raccontare la storia completa di Aang.
Anche Outer Banks, che si conclude dopo la quinta
stagione, è sempre stata concepita come un viaggio di cinque
stagioni.
Questi finali programmati
differiscono nettamente da show come Kaos e Scott
Pilgrim Takes Off, che non hanno superato la prima stagione.
Tuttavia, un altro studio che ha analizzato i tassi di
cancellazione di varie piattaforme tra il 2020 e la metà del 2023,
ha rivelato che Max ha avuto il tasso più alto di
cancellazioni di spettacoli, eliminando il 26,9% dei suoi
spettacoli rispetto al 10,2% di Netflix (via Variety). L’immensa libreria di contenuti originali di
Netflix fa sì che le sue cancellazioni attirino la massima
attenzione. Piattaforme come Peacock, che producono un numero
inferiore di spettacoli, non affrontano lo stesso livello di
controllo, nonostante le percentuali simili di tagli.
L’impareggiabile scala di
produzione di Netflix consente un’ampia gamma di contenuti,
ma garantisce anche un maggior numero di cancellazioni, pianificate
o meno. Mentre alcuni finali onorano le visioni dei
creatori, altri lasciano gli abbonati desiderosi di saperne di più,
cementando il ruolo di Netflix nello Zeitgeist culturale come
creatore prolifico e curatore spietato di programmi originali.
Dopo una pausa di sei mesi, la
stagione 7 di The
Rookie torna sulla ABC martedì 7 gennaio con un
importante cambiamento. Tru Valentino ha annunciato che non tornerà
nei panni dell’agente Aaron Thorsen per i prossimi episodi,
nonostante abbia avuto un ruolo importante nella serie fin dalla
quarta stagione. La notizia ha deluso i fan, vista la facilità con
cui si è inserito nella dinamica di gruppo prestabilita di
Mid-Wilshire.
Parlando con ScreenRant, è
stato chiesto allo showrunner Alexi Hawley se Aaron
potrebbe tornare nel procedurale prima o poi. Ha risposto con
ottimismo, affermando che l’uscita di scena non era affatto dovuta
alla mancanza di capacità dell’attore. Anche se Hawley vorrebbe
riavere Valentino in qualche veste, ha ritenuto che la stagione 7
di The
Rookie avesse bisogno di una svolta a causa della
sua attuale traiettoria creativa. Guardate la sua
dichiarazione completa qui sotto:
ScreenRant:Sappiamo che
Aaron non sarà presente nei prossimi episodi.C’è qualche
possibilità che possa tornare nella serie in futuro?
Alexi Hawley:Certo.Tru [Valentino] è un grande attore ed è stato una parte
importante del nostro show per diverse stagioni, quindi ci
piacerebbe riaverlo in qualche modo.Alla fine ci è sembrato
che, dal punto di vista creativo, per la direzione che stava
prendendo la serie, avessimo bisogno di cambiare un po’.Ma
è ancora molto vivo nel nostro universo.
Cosa significano le
dichiarazioni di Hawley per il futuro di Aaron in The
Rookie
Anche se non sarà a breve, finché
Aaron esisterà ancora nell’universo di The Rookie,
potrà facilmente tornare a far parte della trama.
Lo show ha già colto l’opportunità di incorporare personaggi di
The Rookie:Feds dopo la cancellazione dello
spinoff. I telespettatori dovranno aspettare l’inizio della
stagione 7 per scoprire dove si trova Aaron, ma finché il
personaggio resterà in vita e Valentino sarà disponibile a tornare,
è probabile che in futuro si incroci con la squadra di
Mid-Wilshire.
L’assenza di Valentino si farà
sentire in The Rookie stagione 7
Poiché Aaron è stato introdotto per
la prima volta all’indomani della morte di Jackson, è stato
difficile accettare un altro personaggio principale nell’ovile.
Tuttavia, la sua personalità compassionevole e la sua
natura comica sono diventate esattamente ciò di cuiThe Rookieaveva bisogno
dopo la grave tragedia. Aaron ha instaurato legami genuini con
tutti i membri del dipartimento, facendo anche un parallelo con
Lucy, riuscendo a vedere oltre la facciata di durezza che Tim
mostra.
Indipendentemente
dall’interlocutore, Aaron era abbastanza versatile da
essere sia un confidente che una presenza leggera, a
seconda della situazione. La sua amicizia con Celina è diventata un
punto focale delle storie di entrambi i personaggi e, nonostante
abbiano affrontato molti ostacoli, il loro legame è rimasto
profondamente significativo. Indipendentemente da come lo show
deciderà di affrontarla, l’assenza di Aaron si farà sicuramente
sentire nella stagione 7 di The Rookie.
Creature
Commandos si è dimostrato un ottimo inizio per il
nuovo DCU, anche se sarà Superman
a fare la differenza per i DC Studios e il suo reboot del DC
Extended Universe. L’approccio di James Gunn per ricominciare da capo ha
suscitato molte perplessità, soprattutto perché non si tratta
esattamente di un reboot completo. Se da un lato sta rifondando
personaggi come Superman, Batman
e Wonder Woman, dall’altro diversi attori
di Peacemaker
e TheSuicide
Squad riprenderanno i loro ruoli.
Jason Momoa, invece, abbandonerà il costume di
Aquaman per
entrare ufficialmente in azione come Lobo. Nel corso di una
recente intervista con
Screen Brief, è stato chiesto a Gunn come intende soddisfare le
aspettative dei fan quando si tratta di rivisitare personaggi nuovi
e familiari del DCU. Lo sceneggiatore e regista di Superman
ha parlato in dettaglio della sfida di cercare di accontentare
tutti, in particolare quando questi eroi e cattivi sono stati
rappresentati in tanti modi diversi nel corso degli anni.
“La sfida più grande è che tutti
nel mondo sanno chi è Superman e da dove viene. In parte questo è
un vantaggio, perché in questo film non ci occupiamo di storie di
origini. Praticamente tutti sanno che Clark Kent è arrivato qui su
un razzo da bambino, mandato dai suoi genitori kryptoniani, e che
una coppia di contadini lo ha adottato. Quindi, non dobbiamo
affrontare tutto questo. Questo è un vantaggio, in un certo
senso”.
“Ma anche il fatto che molte
persone in questo mondo sono così intimamente legate a Superman,
Batman e Wonder Woman, i tre grandi. Hanno idee specifiche su ciò
che quel personaggio rappresenta per loro”, spiega Gunn.
“La maggior parte delle persone è venuta da me e mi ha detto:
“Non mi sono mai immedesimato in Superman perché è troppo potente.
Mi sono immedesimato in Batman perché è come un perdente’. È una
cosa che ho preso in considerazione fin dall’inizio: molte persone
non si immedesimano in lui”.
“Penso che abbia un po’ a che
fare con il modo in cui lo vediamo all’inizio del trailer e anche
all’inizio del film. E ad altre persone piace Superman
perché può prendere a pugni interi pianeti. Quindi devi avere a che
fare con tutte queste persone diverse che hanno idee diverse su
cosa dovrebbe essere Superman. E devi affrontarle tutte, sperando
che la gente sia in grado di dire: ‘Bene, ok, mi piace la mia idea
di Superman. Vediamo cos’è questa idea di Superman. Sediamoci per
due ore a guardare questo film e vediamo cos’è’”.
“È quello che devi fare con il
DCU, perché le cose continueranno a cambiare e ad
evolversi. Molte persone continuano a dirmi: ‘Oh mio Dio, hai fatto
questo trailer solo per me! Non posso crederci!”. E sai, altre
persone la penseranno diversamente, ma potranno comunque godersi la
storia e la nostra visione di Superman, o di qualsiasi altro
personaggio DC”. Gunn si dimostra dunque consapevole della
difficoltà di accontentare tutti, confermando di non aspirare a
farlo ma cercando di inserire nei suoi personaggi quegli elementi
ritenuti decisamente “immancabili”.
Superman, tutto
quello che sappiamo sul film di James Gunn
Superman,
scritto e diretto da James Gunn, non
sarà un’altra storia sulle origini, ma il Clark Kent che
incontriamo per la prima volta qui sarà un “giovane reporter” a
Metropolis. Si prevede che abbia già incontrato Lois Lane e,
potenzialmente, i suoi compagni eroi (Gunn ha detto che
esistono già in questo mondo e che l’Uomo di domani non è il primo
metaumano del DCU). Il casting ha
portato alla scelta degli attori David Corenswet
e Rachel
Brosnahan come Clark Kent/Superman e Lois Lane. Nel
casta anche Isabela Merced, Edi Gathegi,
Anthony Carrigan,
Nicholas Hoult e Nathan Fillion.
Il film è stato anche descritto come
una “storia
delle origini sul posto di lavoro“, suggerendo che una
buona parte del film si concentrerà sull’identità civile di
Superman, Clark Kent, che è un giornalista del Daily Planet.
Secondo quanto riferito, Gunn ha consegnato la prima bozza della
sua sceneggiatura prima dello sciopero degli sceneggiatori, ma ciò
non significa che la produzione non subirà alcun impatto in
futuro.
Con la sua solita cifra stilistica,
James Gunn
trasporta il supereroe originale nel nuovo immaginario mondo della
DC, con una singolare miscela di racconto epico, azione, ironia e
sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e
dall’innato convincimento nel bene del genere umano.
“Superman è il vero fondamento
della nostra visione creativa per l’Universo DC. Non solo è una
parte iconica della tradizione DC, ma è anche uno dei personaggi
preferiti dai lettori di fumetti, dagli spettatori dei film
precedenti e dai fan di tutto il mondo”, ha detto Gunn durante
l’annuncio della lista DCU. “Non vedo
l’ora di presentare la nostra versione di Superman, che il pubblico
potrà seguire e conoscere attraverso film, film d’animazione e
giochi”. Il film uscirà nelle sale il 10 luglio
2025.
I precedenti Peter Park del grande
schermo, Tobey Maguire e Andrew Garfield, sono tornati entrambi per
Spider-Man:
No Way Home, unendosi all’attuale Uomo Ragno del MCU di Tom Holland per un’avventura multiversale che
ha incassato oltre un miliardo di dollari in tutto il mondo. Voci
insistenti sostengono che entrambi gli attori siano pronti a
riprendere i rispettivi ruoli per l’ancora senza titolo
Spider-Man 4, ma se i piani sono in atto, Garfield
non ha intenzione di confermare nulla.
“Vi deluderò”, dice
l’attore a GQ. “Ma so che d’ora in poi
nessuno si fiderà più di quello che dico”. Garfield si
riferisce alle numerose volte in cui ha smentito le voci che lo
davano in procinto di tornare per Spider-Man:
No Way Home, per poi invece tornare effettivamente sullo
schermo al fianco di Holland e Maguire. Anche se la Marvel/Sony sembra stesse realmente
considerando di riportare Garfield e Maguire in scena a un certo
punto, i piani potrebbero essere cambiati.
Diversi scoop hanno dichiarato di
aver appreso da fonti attendibili che la storia non si è ancora
concretizzata, indicando che la sceneggiatura potrebbe subire
una profonda revisione a causa di divergenze di opinione tra
Holland e il capo dei Marvel StudiosKevin Feige. A
quanto pare, il film “è ancora lontano dall’inizio della
produzione” perché “non c’è ancora una bozza di ripresa
definitiva”.
Cosa sappiamo su Spider-Man
4?
Precedenti indiscrezioni hanno
affermato che Tom Rothman della Sony e
Kevin Feige, capo dei Marvel Studios,
hanno avuto dei disaccordi per quanto riguarda la storia di
Spider-Man 4, con quest’ultimo che sperava di
ridimensionare il Multiverso per un’avventura più piccola. Rothman,
invece, si dice che voglia capitalizzare il successo di No
Way Home riportando Tobey Maguire e
Andrew Garfield nei rispettivi ruoli di Peter
Parker.
Più di recente, abbiamo sentito che
entrambi gli studios si sono accordati su una storia
prevalentemente terrestre con alcuni elementi multiversali, anche
se il film viene ancora descritto come un “evento di livello
Avengers”. Oltre a Tom Holland, Zendaya dovrebbe
riprendere il suo ruolo di MJ in Spider-Man
4. Si dice inoltre che Sydney Sweeney potrebbe interpretare Black
Cat, mentre è stato ampiamente riportato – ma non confermato –
che Charlie
Cox, Vincent
D’Onofrio e Paul Rudd potrebbero a loro volta apparire
come Daredevil, The Kingpin e Ant-Man.
Si ritiene però che Holland sia
“sempre più diffidente” nei confronti del ruolo dell’iconico eroe,
per cui questa potrebbe essere la sua ultima uscita da solista nei
panni del wall-crawler – anche se quasi certamente avrà un ruolo in
uno o entrambi i prossimi film degli Avengers. Gli sceneggiatori di
No
Way Home, Chris McKenna e Erik
Sommers, stanno scrivendo la sceneggiatura. Mentre a
dirigere il progetto vi sarà Destin Daniel
Cretton, già regista di Shang-Chi e la leggenda dei dieci anelli.
Il 2024 è stato una delizia per i
fan de Il Signore degli Anelli, con
Il Signore degli Anelli:Gli Anelli del Potere Stagione
2 su Prime Video all’inizio di quest’anno e, ora,
Il Signore degli Anelli:La guerra dei Rohirrim sul
grande schermo. Ogni possibilità di tornare nella Terra di
Mezzo è un regalo e quest’ultimo, un anime diretto da
Kenji Kamiyama, è addirittura ambientato nella
stessa continuità della trilogia di Peter
Jackson. Racconta la storia di Héra (Gaia
Wise), figlia del leggendario re di Rohan, Helm
Hammerhand (Brian Cox), ed eroe non
celebrato che ha guidato il suo paese in una guerra contro i
Dunlendings, guidati dal suo frenetico nemico d’infanzia,
Wulf (Luke Pasqualino). Ma perché non abbiamo mai
sentito parlare di lei prima d’ora? Per fortuna, il film risponde a
questa e a molte altre domande.
Di cosa parla “La guerra dei
Rohirrim”?
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim – Un’Immagine dal
film
La guerra dei Rohirrim ha una premessa semplice:
spiegare come il Fosso di Helm, una delle fortezze più iconiche
della Terra di Mezzo, abbia preso il suo nome. Nel trailer
vengono mostrati gli eventi che hanno portato a questo, con
Helm che uccide il padre di Wulf, Freca
(Shaun Dooley), con un solo pugno in un duello dopo che
Freca ha mancato di rispetto al trono offrendo la mano di Wulf a
Héra. Dopo questo fatto, l’amareggiato Wulf scompare con i suoi
alleati, per riemergere qualche tempo dopo con un enorme
esercito di Dunlendings e mercenari per cercare di
vendicarsi di Helm e della sua famiglia.
La famiglia reale si schiera a
difesa della capitale Edoras, ma viene tradita da Lord Thorne
(Jude Akuwudike), uno dei più vecchi alleati di
Helm, che ha costretto il suo re a esiliare il nipote
Fréaláf (Laurence Ubong Williams), il suo
suddito più fedele. Helm e il popolo di Edoras sono
costretti a ritirarsi nella Hornburg, un’antica fortezza
che serve a ricordare la forza e la resistenza di Rohan. Durante la
ritirata, i due fratelli di Héra, Haleth (Benjamin
Wainwright) e Hama (Yazdan Qafouri),
vengono uccisi da Wulf e dal suo esercito, mentre Helm è gravemente
ferito quando arrivano alla Hornburg.
Wulf, che indossa la corona di
Helm, organizza un assedio che si rifiuta di togliere anche
quando arriva l’inverno più rigido della sua vita. Durante
questo periodo, nell’accampamento di Wulf iniziano a
diffondersi voci sulla morte di Helm e i soldati affermano di aver
visto Helm, ora uno spettro, massacrare i loro colleghi a mani
nude. Helm non è morto, ma è scomparso dalla
fortezza e viene ritrovato da Héra solo grazie a un
passaggio segreto che conduce all’esterno. Purtroppo, l’unica via
di ritorno per padre e figlia è il cancello principale.
Helm protegge l’ingresso per permettere a Héra di
sopravvivere e sconfigge da solo innumerevoli Dunlendings e
mercenari, ma finisce congelato dal
clima rigido. Quando l’inverno comincia a passare, Helm viene
trovato congelato, ma in piedi e irremovibile, davanti al cancello
dell’Hornburg.
Con la scomparsa di Helm, Haleth e
Hama, Héra ha la responsabilità di guidare il suo popolo
verso la sopravvivenza. Alla fine, lei e Olwyn (Lorraine
Ashbourne) trovano un abito da sposa dimenticato e una
corona. Il vecchio Pennicruik (Janine Duvitski),
il castellano di Hornburg, le proibisce di indossare gli oggetti,
sostenendo che sono maledetti. Mentre cibo, legna e altre risorse
diminuiscono durante il rigido inverno, Héra escogita un piano
disperato: fare amicizia con laGrande
Aquilache ha il suo nido sopra l’Hornburg e
convincerla a portare l’armatura di Helm a Fréaláf,
sperando che suo cugino e i suoi Rohirrim accettino la sua
richiesta di aiuto.
Héra è all’altezza della
situazione e salva il suo popolo da Wulf
Wulf sta attraversando una crisi
simile: l’inverno è un tributo pesante e prosciuga le sue riserve
d’oro, ma inganna i mercenari facendo credere loro che gli
Hornburg li renderanno ricchi. Inoltre, fa costruire al
suo esercito una macchina d’assedio con un’enorme torre, in modo da
poter invadere la fortezza e portare a termine il lavoro.
Contemporaneamente, il piano di Héra funziona
miracolosamente e il suo aiutante Lief (Bilal
Hasna) inizia a guidare la gente verso le montagne per
metterla al sicuro. Dopo che la prima fase del suo piano ha
funzionato, arriva la seconda: Héra indossa l’abito da sposa
maledetto e la corona per schernire Wulf, dato che si è
rifiutata disposarlo, mentre il suo
popolo fugge. Si incontrano sul ponte della macchina d’assedio e
stringono un accordo: se Héra vince, Wulf si ritira e li
risparmia; se lui vince, lei lo sposerà. Il combattimento
che segue è degno dei migliori anime e si conclude con la vittoria
di Héra. Ella lo schernisce nuovamente dicendo che la
fortezza ora si chiama Fosso di Helm, dal nome del vero re di
Rohan. Wulf, tuttavia, si rimangia l’accordo e ordina al
suo esercito di attaccare e uccidere tutti gli abitanti del Fosso
di Helm.
Héra è costretta a combattere
nuovamente contro Wulf e, durante questo secondo duello, arriva
finalmente Fréaláf. Indossando l’antica armatura reale dello zio,
Fréaláf e i Rohirrim piombano sull’esercito di Wulf proprio come
Éomer (Karl
Urban) e i suoi Rohirrim ne
Il Signore degli Anelli:Le due
torri, solo che
Fréaláf lo fa mentre la luna sta sorgendo, mentre Éomer lo fa al
sorgere del sole. Poiché Wulf si rifiuta di cedere o di
ammettere la sconfitta, Héra è costretta a ucciderlo. Con
il giorno salvato, i sopravvissuti tornano a Edoras per iniziare la
ricostruzione, con Fréaláf come nuovo re.
Come finisce “La guerra dei
Rohirrim”?
Proprio all’inizio de Laguerra dei Rohirrim, Éowyn (Miranda
Otto), che narra il film, dice al pubblico che
il nome di Héra non si trova nei libri. Questo è
importante perché, appena annunciata l’animazione, sono iniziate le
speculazioni su chi sia Héra e perché non venga mai menzionata nei
libri – dopo tutto, J.R.R. Tolkien scrive
che Helm ha due figli, Haleth e Hama, e una figlia senza nome. Ciò
che il film rivela è che Héra non è affatto come i suoi fratelli,
che sono stati cresciuti per riempire i panni del padre ed essere
ricordati nella storia come guerrieri ed eroi. Héra non si
preoccupa di questo e, invece, vuole solo esplorare la Terra di
Mezzo e aiutare chi ne ha bisogno. Difende il suo popolo
perché è suo dovere, ma, una volta terminata la guerra, lascia la
gloria al nuovo re, Fréaláf.
Proprio alla fine del film,
Saruman (Christopher
Lee) visita Edoras per offrire la sua assistenza a
Fréaláf. Il Mago Bianco ha appena ottenuto da Gondor la gestione di
Isengard (che era stata occupata da Wulf all’inizio del film) e,
vista la vicinanza tra i due regni, la loro collaborazione
è vitale per entrambi. Héra stessa decide di continuare a
cavalcare ed esplorare la Terra di Mezzo con il suo fedele
destriero Ashere, accompagnata dal suo protettore Olwyn.
Prima, però, viene convocata per incontrare
Gandalf (Ian
McKellen) e riferire sulla
guerra, vedendo come i mercenari e i loro Mumakil
potrebbero essere legati all’imminente rinascita di Sauron a
Mordor. Il Mago Grigio non appare mai, ma è implicito che
Héra potrebbe diventare uno dei suoi informatori.
La guerra dei Rohirrim non
si avvicina certo alla trilogia del Signore degli Anelli
di Peter Jackson in termini di impatto, ma è sicuramente una grande
storia della Terra di Mezzo che vale la pena di vedere. Nelle mani
di un maestro dell’anime come Kenji Kamiyama, una
storia apparentemente senza importanza diventa un’epopea ricca di
azione, e il regista è abile nel trarre riferimenti e
cenni dall’opera di Jackson per raccontare la storia di Héra. Forse
non avrà il peso della trilogia cinematografica, ma francamente
nulla lo avrà, quindi questo ritorno alla Terra di Mezzo vale come
ogni altro.
Il primo film, come noto, era
l’adattamento dell’omonimo romanzo di W. Bruce
Cameron e questo sequel è in realtà il terzo adattamento
di un’opera di questo scrittore. Nello stesso 2019, infatti, è
uscito anche
Un viaggio a quattro zampe e in tutti e tre i casi,
Cameron ha partecipato alla scrittura della sceneggiatura. Lo
scrittore, attraverso il punto di vista dei cani, riesce infatti a
dar voce a chi non ne ha, portando in primo piano una serie di
tematiche legate ai nostri amici a quattro zampe. Anche con
Qua la zampa 2 – Un amico è per sempre, infatti,
si affrontano il legame e l’amore che uniscono i cani ai loro
padroni umani e viceversa.
Per chi aveva amato il primo film,
commovente e avventuroso, questo sequel è dunque un nuovo
imperdibile tassello del racconto del cane Bailey e del suo viaggio
alla scoperta della vita e dell’amore. In questo articolo,
approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a
Qua la zampa 2 – Un amico è per sempre.
Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare
ulteriori dettagli relativi al libro da cui è
tratto, alla trama, al cast di
attori. Infine, si elencheranno anche le principali
piattaforme streaming contenenti il film nel
proprio catalogo.
Qua la zampa 2 – Un amico è
per sempre è tratto da un libro
Il film, come anticipato, è basato
sull’omonimo romanzo del 2012 di W. Bruce Cameron,
scritto come seguito del libro Qua la zampa!, da cui era
già stato tratto il primo film. Anche questo secondo romanzo, come
il primo, propone una serie di tematiche care all’autore e che
vengono qui esplorate in modo ancor più su larga scala. Il tema
fondante rimane l’amore, che il cane protagonista prova
incondizionatamente per i suoi amorevoli padroni, dimostrando la
natura pura di questi meravigliosi animali. Allo stesso tempo, il
libro è un coming of age per quanto riguarda il personaggio di CJ,
ma anche un’opera sulla reincarnazione e sul karma.
La trama di Qua la zampa 2 – Un amico è per
sempre
Il film racconta la storia del
saggio e divertente golden retriever di nome
Bailey. Dopo gli eventi raccontati in Qua la
zampa!, Bailey è sereno e pensa di aver trovato finalmente la
ragione per cui ha attraversato molte vite. Si trova nel Michigan
nella fattoria del suo amato padrone Ethan e di
sua moglie Hannah, insieme alla loro nipotina di
dieci anni CJ. Bailey trascorre una vita felice in
compagnia di CJ, giocano insieme e si divertono. Questo fino a
quando un giorno Gloria, la mamma disattenta della
piccola e che odia i cani, decide che è arrivato il momento di
lasciare la fattoria.
Porta così via con sé la sua
bambina, con grande dispiacere da parte di Ethan e Hannahm, ma
anche di Bailey. Trascorrono poi 10 anni da quel giorno, Bailey ha
lasciato la sua vita per nuove anime, ma è rimasto fedele alla
promessa fatta al suo padrone: trovare CJ, non abbandonarla,
aiutarla e proteggerla in qualsiasi situazione. Bailey vivrà così
nuove avventure piene d’amore, emozioni indimenticabili, dolori e
gioie, in compagnia di un’ormai cresciuta CJ, e il
suo migliore amico Trent.
Ancora una volta, l’attore
Josh Gad è la voce di Bailey, ma anche di Molly,
Big Dog e Max e delle diverse incarnazioni di “Boss Dog”. In
italiano, Bailey è invece doppiato da Nanni
Baldini, noto per essere la voce degli attori
Anthony Mackie e Chris Rock, ma anche per avero
doppiato Scooby-Doo e
Ciuchino di Shrek. Recita poi nel film l’attore Dennis Quaid, che riprende il ruolo di Ethan
Montgomery, suocero di Gloria, marito di Hannah, proprietario di
Bailey e nonno di CJ. Marg Helgenberger interpreta
Hannah Montgomery, sostituendo l’attrice Peggy
Lipton del primo film, prematuramente scomparsa nel
2019.
L’attrice Betty Gilpin, celebre per la serie
GLOW, interpreta invece Gloria Mitchell, nuora di Ethan e
Hannah e madre trascurante ed emotivamente violenta di CJ.
Quest’ultima, il cui rapporto con Bailey è alla base del film, è
invece interpretata da Abby Ryder Fortson da
giovane e da Kathryn Prescott –
nota per il ruolo di Emily Fitch nella terza e quarta stagione
della serie televisiva Skins – da adulta. Nel ruolo di
Trent, interesse amoroso di CJ, vi è invece Ian
Chen come versione giovane e Henry Lau
nella versione adulta.
Di che razza è il cane protagonista?
Naturalmente, grande protagonista
della vicenda è Bailey, il cane protagonista. Nel corso del film,
le razze di cani in cui l’identità di Bailey è presente in ogni
vita sono un San Bernardo/Pastore Australiano
anziano, un beagle femmina di nome Molly, un
mastino inglese maschio di nome Big Dog e uno
Yorkshire Terrier di nome Max. Si può dunque
riscontrare all’interno del film una varietà di splendide razze,
attraversate di volta in volta dallo spirito di Bailey che si
reincarna in ognuna di esse, mantenendo ovviamente la stessa voce
che ascoltiamo per tutto il film.
Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV
È possibile fruire di Qua la
zampa 2 – Un amico è per sempre grazie alla sua presenza
su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in
rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple
iTunes, Prime Video, Now e
Tim Vision. Per vederlo, una volta scelta la
piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o
sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di
guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film
è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 02
gennaio alle ore 21:30 sul canale
Rai 1.
L’attore Jason Statham è unanimemente considerato una
delle grandi icone del cinema d’azione. Negli anni si è infatti
affermato grazie a titoli come Crank, Parker, Safe, Blitz, Death Race e il recente
Hobbs & Shaw. Uno dei più
affascinanti film da lui interpretati è anche The Bank Job
–La rapina perfetta. Uscito nel 2008,
questo ripercorre le vere gesta di un gruppo di rapinatori e del
colpo da loro messo a segno. Scritto da Dick
Clement e Ian La Frenais, il film è
diretto da Roger Donaldson,
regista anche noto per film di genere simile come Senza via di
scampo, La regola del sospetto e The November
Man.
Per tutti gli appassionati di questo
genere, si tratta dunque di un film da non perdere, dove alla
coinvolgente elaborazione della rapina sono accostati una serie di
personaggi particolarmente affascinanti, a partire proprio da
quello interpretato da Statham. In questo articolo, approfondiamo
dunque alcune delle principali curiosità relative a The
Bank Job – La rapina perfetta. Proseguendo qui nella
lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli
relativi alla trama, al cast di
attori e alla storia vera. Infine, si
elencheranno anche le principali piattaforme
streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
La trama di The Bank Job – La rapina
perfetta
La storia si svolge nella Londra del
1971, dove il venditore di automobili Terry
Leather vive una situazione personale afflitta da grossi
problemi economici. Nonostante ciò, egli ha sempre cercato di
tenersi alla larga dai grossi traffici criminali, preferendo
all’occorrenza dedicarsi giusto a qualche piccolo furto d’auto.
Tutto cambia però quando la sua amica Martine gli
offre un’occasione imperdibile. Vi è infatti la possibilità di
effettuare una rapina perfetta in una banca situata a Baker Street.
Consapevole che quel colpo potrebbe risolvere i suoi problemi,
Terry decide per una volta di accettare il rischio.
Il cast del film
Dotato di grande carisma,
Jason Statham riesce ad
apportare grande fascino ad ognuno dei personaggi da lui
interpretati. Ciò vale anche per il suo Terry Leather, per il quale
si è preparato come suo solito attraverso un rigido allenamento
fisico. Grazie a questo, l’attore ha infatti potuto confermare la
capacità di prendere parte anche alle scene più complesse e
acrobatiche del film, evitando di dover eccessivamente ricorrere a
controfigure. Allo stesso tempo, egli si è documentato a lungo
sulla vera vicenda riproposta nel film, al fine di poter
comprendere meglio le dinamiche di quanto avvenuto ed essere più
realistico nella sua interpretazione.
Accanto a lui, nel ruolo di Martine,
vi è l’attrice Saffron Burrows, nota per le serie
Boston Legal, Mozart in the Jungle e
You. Keeley Hawes è invece Wendy
Leather, la moglie di Terry, mentre Richard
Lintern è l’agente del MI5 Tim Everett. Sono poi presenti
Stephen Campbell Moore nel ruolo di Kevin Swain,
James Faulkner in quello di Guy Singer,
Daniel Mays nei panni di Dave Shilling e
Michael Jibson in quelli di Eddie Burton. Questi
sono i compagni di squadra di Terry per il furto. L’attore
Peter de Jersey interpreta invece il misterioso
Michael X. Nel film è inoltre presente il cantante dei Rolling
StonesMick Jagger con un breve cameo. Egli è
uno degli impiegati nella banca dove si svolge la rapina.
La storia vera dietro il film
Il film è dunque parzialmente basato
su fatti storici realmente avvenuti. Una banda di rapinatori ha
scavato un tunnel in una filiale della Lloyds Bank all’incrocio tra
Baker Street e Marylebone Road a
Londra la notte dell’11 settembre
1971 e ha derubato le cassette di sicurezza che erano
conservate nel caveau. I rapinatori avevano affittato un negozio di
pelletteria chiamato Le Sac a due porte di distanza dalla banca e
hanno scavato un tunnel di circa 12 metri, passando sotto il
ristorante Chicken Inn che si trovava tra il negozio e la banca.
Tale operazione ha richiesto tre settimane di tempo, lavorando nei
fine settimana.
Il furto è stato pianificato da
Anthony Gavin, un noto criminale, che si è
ispirato a “The Red-Headed League“, un racconto della
serie dedicata a Sherlock Holmes, in cui i
criminali si introducono nel caveau di una banca dalla cantina di
un negozio vicino. Una volta entrati, hanno svuotato 268 cassette
di sicurezza. La banda aveva piazzato una vedetta su un tetto
vicino, che era in contatto via walkie-talkie, e le loro
trasmissioni radio furono accidentalmente ascoltate da Robert
Rowlands, un radioamatore appassionato. Egli chiamò la polizia, che
inizialmente non lo prese sul serio, così utilizzò un piccolo
registratore a cassette per registrare le conversazioni dei
ladri.
La seconda volta che contattò la
polizia, questa gli credette e iniziò a dare la caccia ai ladri
mentre l’effrazione era in corso. Hanno setacciato 750 banche in un
raggio di 13 km, ma inizialmente non sono riusciti a individuare la
banda. In seguito, la polizia trovò i rapinatori poiché uno di
loro, Benjamin Wolfe, aveva firmato il contratto
di locazione di Le Sac a proprio nome e alcuni informatori
fornirono informazioni che portarono a Gavin. Alla fine di ottobre
1971 la polizia arrestò Wolfe, Gavin, Reg Tucker e Thomas Stephens.
Continuò a cercare altri membri della banda, tra cui una donna, per
cinque anni, ma non furono effettuati altri arresti.
Gavin, Tucker e Stephens furono
condannati a dodici anni di carcere; Wolfe ricevette una pena di
otto anni, inferiore a quella degli altri perché aveva
sessant’anni. Secondo alcuni, il governo avrebbe tentato di
censurare la stampa su tale vicenda, poiché una delle cassette di
sicurezza rubate sembra contenesse fotografie compromettenti della
Principessa Margaret e dell’attore e criminale
John Bindon e che sono state trovate fotografie di
un ministro del governo conservatore che abusava di bambini. Non ci
sono prove a sostegno di queste affermazioni, che sono state
ampiamente respinte. Alcune di queste voci hanno ispirato la storia
del film del 2008.
Il trailer di The Bank
Job – La rapina perfetta e dove vedere il film in
streaming e in TV
È possibile vedere o rivedere il
film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari
piattaforme streaming presenti oggi in rete.The
Bank Job –La rapina perfetta è infatti
disponibile nel catalogo di Apple iTunes, Now, Tim Vision
Prime Video e Netflix. Per vederlo, in base alla
piattaforma scelta, basterà iscriversi o noleggiare il singolo
film. Si avrà così modo di poter fruire di questo per una comoda
visione casalinga. È bene notare che in caso di solo noleggio, il
titolo sarà a disposizione per un determinato limite temporale,
entro cui bisognerà effettuare la visione. Il film sarà inoltre
trasmesso in televisione il giorno giovedì 2
gennaio alle ore 21:20 sul canale
Rai 4.
Arrivato al cinema nel 1990, il film
Mamma ho perso l’aereo si è in breve affermato
come un successo clamoroso ed è diventato nel tempo uno dei più
celebri film natalizi che il cinema abbia mai prodotto. Si tratta
infatti di una commedia per famiglie capace di divertire grandi e
piccoli, offrendo risate a volontà, colpi di scena imprevedibili e
tante emozioni. Protagonista è il giovane Kevin, il quale
dimenticato a casa dalla sua famiglia mentre questa è partita per
un viaggio a Parigi, si trova a dover fronteggiare due rapinatori
decisi ad introdursi nella sua abitazione. Kevin, come noto, non
manca però di dare loro filo da torcere.
Ecco dieci cose che forse
non sapete suMamma ho perso l’aereo.
Macaulay Culkin protagonista di
Mamma ho perso l’aereo
1. Il ruolo di Kevin è stato
scritto apposta per Macaulay
Culkin. Lo sceneggiatore del film aveva visto il
giovane interprete in un film precedente e aveva deciso di scrivere
la parte per lui. Il regista decise però di tenere ugualmente delle
audizioni, alle quali si presentarono più di 100 attori. Culkin,
alla fine, si dimostrò all’altezza del ruolo, ottenendolo. Inolte,
Macaulay non è stato l’unico Culkin a comparire in Mamma ho
perso l’aereo: il suo fratello più giovane Kieran,
infatti, è comparso nel film nei panni del cuginetto di Kevin che
bagna il letto. È stato il debutto di Kieran, e da allora l’attore
si è costruito una carriera di tutto rispetto: l’abbiamo visto in
Le regole della casa del sidro, Igby Goes
Down,Scott Pilgrim vs. the World, fino alla serie Succession.
2. Lavorare con Macaulay
Culkin ha insegnato una lezione al regista Chris Columbus.
Una lezione che Columbus ha imparato durante le riprese del film è
che quando si accetta di lavorare con un attore bambino, si accetta
anche di lavorare con la famiglia di quel bambino. “Ero molto
più giovane ed ero davvero troppo ingenuo per pensare anche
all’ambiente familiare“, ha dichiarato Columbus al Guardian
nel 2013. “All’inizio non sapevamo molto della famiglia; man
mano che giravamo, abbiamo imparato un po’ di più. Le storie sono
da brivido. Stavo facendo il casting di un ragazzo che aveva
davvero una vita familiare travagliata“.
3. I due ladri sono
interpretati da celebri attori. Il ladro Marv è stato
interpretato da Daniel Stern, che vanta una
filmografia immensa (soprattutto tra gli anni ’80 e ’90) anche se
non di grande rilievo. Il più grande nome del film è però
sicuramente quello di Joe Pesci, noto per la sua collaborazione con
Martin Scorsese in film come
Toro scatenato,
Casinò e
Quei bravi ragazzi, per cui ha poi vinto il premio Oscar
come Miglior attore non protagonista. Nel film, l’attore interpreta
l’altro dei due ladri, Harry.
4. Robert De Niro rifiutò di
fare parte del cast di Mamma ho perso l’aereo. A
proposito di Pesci e Scorsese, inizialmente il ruolo del ladro
Harry era stato offerto proprio all’altro celebre collaboratore del
regista italoamericano, ovvero Robert
De Niro. L’attore, tuttavia, preferì rifiutare la
parte, deciso a dedicarsi a tutt’altro genere di film. Nel 1990,
infatti, oltre a Quei bravi ragazzi, si dedicò anche
al dramma Risvegli e al drammatico
sentimentale Lettere d’amore.
5. Joe Pesci ha evitato
Macaulay Culkin sul set di Mamma ho perso
l’aereo. Come noto, Joe Pesci evitò di incrociare o parlare con
Culkin durante tutto il tempo delle riprese. Voleva
assicurarsi così di avere la performance più autentica possibile da
parte del giovane attore. Evitandolo, infatti, Culkin sviluppò un
certo timore di Pesci, arrivando ad essere realmente spaventato
quando incontrava il premio Oscar.
Altre curiosità su Mamma ho perso l’aereo
6. Mamma ho perso
l’aereo film è entrato nel Guinness World
Record. Nel suo weekend di apertura, il film è stato in
testa al box office, guadagnando 17 milioni di dollari in 1202
sale. Il film mantenne il primo posto per ben 12 settimane e rimase
nella top 10 fino al giugno dell’anno successivo. Divenne il film
di maggior incasso del 1990 e si guadagnò il Guinness World Record
come commedia d’azione dal vivo di maggior incasso a livello
nazionale. Ha mantenuto questo titolo per un bel po’ di tempo, 27
anni per l’esattezza, finché il blockbuster cinese Never Say
Die non l’ha scalzato dal primo posto nel 2017.
7. La villa dove abita Kevin
è divenuta una meta turistica. Situata al 671 di Lincoln
Avenue a Winnetka, Illinois, la cucina, la scala principale e il
pianerottolo al piano terra che si vedono nel film sono stati
girati in questa residenza con cinque camere da letto. (La sala da
pranzo e tutte le altre stanze del primo piano, ad eccezione della
cucina, sono state girate su un palcoscenico). Nel 2012, John e
Cynthia Abendshien, proprietari della casa quando fu utilizzata
come location del film, hanno venduto la proprietà per ben 1,585
milioni di dollari. Ancora oggi, inoltre, è una ricercata meta
turistica dei fan del film.
Mamma ho perso l’aereo: come
sarebbe se fosse accaduto nella realtà
8. Nella vita reale, Harry e
Marv non sarebbero sopravvissuti all’attacco di Kevin.
Colpi di pistola ad aria compressa in fronte e all’inguine, ferro
rovente e una latta di vernice in faccia, una fiamma ossidrica in
testa. I due rapinatori del film hanno sofferto parecchio a causa
degli attacchi di Kevin, un piccolo bambino di otto anni. Hanno
sofferto così tanto che nessuno dei due avrebbe dovuto essere,
teoricamente, in grado di camminare o di restare in piedi alla fine
della serata. Nel 2012, un medico di nome Ryan St. Clair ha
diagnosticato quelli che sarebbero stati gli effettivi danni
causati dagli attacchi di Kevin. Tra gli altri, il ferro avrebbe
dovuto causare fratture, che avrebbero comportato una seria
disfigurazione del viso e l’impossibilità di riparare del tutto la
vista.
I suoi sequel e il remake di Mamma ho perso l’aereo
9. Mamma ho perso l’aereo ha
avuto più di un sequel. I membri originali del cast sono
tornati tutti in Mamma
ho riperso l’aereo: mi sono smarrito a New York (che fu di
nuovo diretto da Columbus). Il successo dell’originale, però, diede
origine ad un intero franchise con quattro sequel, tre videogiochi,
due giochi da tavolo, un romanzo e altro merchandise. I film
realizzati successivamente al secondo sono Mamma, ho preso il
morbillo (1997), Mamma, ho allagato la casa (2002) e
Holiday Heist – Mamma, ho visto un fantasma (2012), ma non
vantando lo stesso cast, nessuno di questi ottenne lo stesso
successo.
10. È stato realizzato un
remake del film. Nel 2021 su Disney+ è stato distribuito un film che
è un remake ma allo stesso tempo di un sequel, poiché in alcune
clip si nota Buzz, che svolgendo il suo lavoro di poliziotto,
racconta ad un collega di quando suo fratello minore Kevin è
rimasto a casa da solo durante le feste natalizie. Inoltre si fa
riferimento ad una ditta di impianti di sicurezza conosciuta come
McAllister il cui logo è la casa presente nella locandina dei primi
due film. Un altro riferimento alle prime due pellicole si vede nel
film di fantascienza che la famiglia
McKenzie sta guardando, che ricorda molto Angels With Filthier
Souls, il film col gangster Johnny che Kevin vedeva nel primo
film (chiara parodia del lungometraggio Gli angeli con la faccia
sporca).
Il trailer di Mamma ho
perso l’aereo e dove vedere il film in streaming e in
TV
È possibile fruire di Mamma
ho perso l’aereo grazie alla sua presenza su alcune delle
più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è
infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim
Vision, Prime Video e Disney+. Per vederlo, una
volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il
singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così
modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità
video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di
giovedì 2 gennaio alle ore 21:20
sul canale Italia 1.
Nonostante non sia esente di
difetti, Il Signore degli Anelli: La Guerra dei
Rohirrim offre diversi momenti emozionanti nei suoi
134 minuti di durata. Il film d’animazione è uscito il 1° gennaio
2024 come prima pellicola anime ambientata nel mondo de Il
Signore degli Anelli, dopo l’uscita del film d’animazione
di Ralph Bakshi nel 1978. Il film La Guerra dei Rohirrim è diretto dal maestro
di Ghost in the Shell Kenji Kamiyama.
Il film ha ricevuto recensioni
contrastanti ma un’accoglienza generalmente positiva da parte del
pubblico, con i fan che hanno commentato l’intrigante
interpretazione del classico racconto di J.R.R.
Tolkien. Basato su “La casa di Eorl“, un racconto
dell’Appendice A del Signore degli Anelli, il film è pieno
di scene che reinventano il classico mondo fantasy.
Un sudrone è un presagio di minacce
lontane
War Of The Rohirrim fa riferimento
al mondo più ampio di Tolkien
Uno dei momenti più
intriganti di La Guerra dei Rohirrim è stata l’apparizione a
sorpresa di un sudrone. Questa misteriosa razza era strettamente
associata alla guerra ne Il Signore degli Anelli, ed era anche
conosciuta come Haradrim. Gli Haradrim provenivano da Harad, una
località a sud ancora più in basso sulla mappa del Signore degli
Anelli rispetto a Mordor.
Situata appena sotto Mordor, Harad
era spesso sotto l’influenza di Sauron. Questo background ha reso
l’apparizione del Sudrone in La Guerra dei Rohirrim un gustoso boccone di
tradizione per i fan di lunga data. Il cadavere in decomposizione
di un Sudrone è stato incluso verso l’inizio del film come presagio
di brutte cose a venire. In effetti, la guerra sta arrivando a
Rohan, mentre la più ampia Guerra dell’Anello stava appena
iniziando a prendere forma.
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim – Un’Immagine dal
film
Il Signore degli Anelli: La
Guerra dei Rohirrim ha riportato in vita il terrificante
Guardiano nell’Acqua di J.R.R. Tolkien. Questa
creatura fantasy ha debuttato sullo schermo nel film Il
Signore degli Anelli: La Compagnia dell’Anello.
Barcollando fuori dal Lago di Sirannon, questa bestia ha cercato di
trascinare Frodo nelle profondità dello stagno. L’iconica
rappresentazione della bestia da parte di Peter Jackson ha ispirato
quella di Kenji Kamiyama.
Il Guardiano nell’Acqua di Kamiyama
era ben lontano da quello di Peter Jackson, dal
momento che ha subito l’influenza della formazione anime del
regista. Anche Ralph Bakshi ha incluso il
Guardiano nell’Acqua nel suo film, ma la bestia di Kamiyama appare
del tutto unica. Con quello che sembravano alberi che crescevano
dalla sua testa, questo mostro si era camuffato perfettamente,
ricordando le creature degli anime classici in stile Pokémon e
creando una delle migliori scene del film.
Le Fanciulle Scudiere fanno
ritorno
L’importanza di Éowyn nel Signore
degli Anelli è riconosciuta
La
Guerra dei Rohirrim ha onorato Éowyn in molti modi, il
che ha portato ad alcune delle migliori scene del film. Il
Signore degli Anelli: La guerra dei Rohirrim è incentrato
su Hèra, la figlia senza nome di Helm Mandimartello in “La casa
di Eorl“. La storia racconta la storia delle shieldmaidens, le
Fanciulle Scudiere, in una delle sue scene di apertura, menzionando
come questa vecchia tradizione si fosse quasi estinta.
Questo ha un forte parallelo con
Il Signore degli Anelli, per cui la tradizione
delle Fanciulle Scudiere era ancora più sconosciuta. Hèra e la sua
ancella, Olwyn, assumono il mantello delle Fanciulle Scudiere in
La Guerra dei Rohirrim. Questo è un riferimento a
Éowyn, ovviamente, una delle donne più forti de Il Signore
degli Anelli e la shieldmaiden più famosa.
L’iconico
Christopher Lee è tornato dai morti per un cameo
perfettamente sincronizzato. Lee ha interpretato Saruman nella
trilogia di Peter Jackson del Signore
degli Anelli, ma purtroppo è scomparso nel 2015. La Guerra dei Rohirrim è riuscita a usare
filmati d’archivio per creare le battute necessarie, mixando
vecchie registrazioni della voce di Lee. Il ritorno di Lee sugli
schermi per Saruman è stata una delle migliori scene del film.
L’apparizione di Saruman nel film
era un elemento canonico dell’adattamento, poiché è apparso anche
verso la fine di “La Casa di Eorl” come presagio del
suo futuro governo. Saruman si stava appena trasferendo a Isengard
al tempo della Guerra dei Rohirrim. Pertanto, concludere il film
con la sua apparizione prefigurava perfettamente la sua ascesa al
potere. L’avatar di Lee nell’anime è molto somigliante all’attore
scomparso.
Hèra cavalca per incontrare
Gandalf
La runa di Gandalf simboleggia un
nuovo inizio
Hèra cavalca per incontrare Gandalf
in un divertente Easter egg, alludendo a uno dei migliori
personaggi del Signore degli Anelli. Alla fine del
film, Hèra sta per partire per un’altra avventura, come Hama aveva
previsto con la sua canzone all’inizio del film. Tuttavia, questa
volta, va a incontrare una figura misteriosa che non appare mai
sullo schermo. Portava con sé una lettera da parte di questa
misteriosa figura, con una specifica runa incisa.
I fan di Lo Hobbit
riconosceranno questa runa come quella che Gandalf ha inciso sulla
porta di Bilbo Baggins nel primo film di Lo
Hobbit. Non molto tempo dopo aver rivelato la runa, il
film conferma che indicava effettivamente la presenza di
Mithrandir, che era presente nella Terra di Mezzo
anche a questo punto della Terza Era. Questa chicca di Tolkien ha
reso questa scena finale uno dei punti salienti di La Guerra dei Rohirrim.
Gli orchi dimostrano che Sauron è
già preoccupato per l’anello
Due orchi sono stati doppiati da un
duo molto speciale
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim – Un’Immagine dal
film
Gli orchi sono apparsi in una delle
migliori scene di Il Signore degli Anelli: La guerra dei
Rohirrim. Come Easter Egg a sorpresa e come riferimento a
Il Signore degli Anelli, questa coppia di orchi è
stata doppiata nientemeno che da Billy Boyd e
Dominic Monaghan. Gli attori, ovviamente, hanno
interpretato Peregrino Tuc e Meriadoc Brandybuck
nella trilogia originale. La loro alchimia è ancora innegabile,
anche come coppia di servitori di Sauron.
Tuttavia, ciò che ha più
affascinante della scena degli Orchi in La Guerra dei Rohirrim è il riferimento a un
mondo più ampio in cui stanno accadendo molte cose. La guerra
dell’anello stava già iniziando a fermentare, anche se i Rohirrim
combattevano i Dunlandiani. Il film lo ha spiegato mostrando come
Sauron stava cercando l’Unico Anello mentre i Rohirrim erano
impegnati nella loro guerra territoriale: uno degli Orchi si
chiedeva ad alta voce cosa volesse Sauron dagli anelli mentre ne
metteva via uno nella sua borsa.
Helm entra in modalità Spettro
nell’anime Il Signore degli Anelli
Helm Mandimartello perde la sua
umanità
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim – Un’Immagine dal
film
Helm Mandimartello è entrato in
modalità demone in La Guerra dei Rohirrim, creando un
potenziamento anime che è stato il momento clou del film. Helm era
il personaggio principale di “La casa di Eorl“, quindi il
suo ruolo nel film doveva essere preponderante. In La Guerra dei Rohirrim Hèra è il personaggio
principale, cosa che ha sorpreso molti fan, dato che le era stata
data solo una battuta nel materiale originale.
Il film è stato saggio a rendere
Hèra la protagonista, perché ha permesso di lasciare Helm, suo
padre, con un elemento di mistero. Ma il film sarebbe stato
sicuramente negligente a tralasciare tutti i momenti salienti di
Helm nel racconto. La Guerra dei Rohirrim ha ottenuto questo
equilibrio nel modo giusto, inclusa la scena essenziale: Helm che
impazzisce e uccide i nemici a mani nude. L’anime era il formato
perfetto per questa follia, con gli occhi di Helm sbiancati per
esprimere la sua discesa nella ferocia.
Hama affronta il suo destino senza
paura
Il fratello di Hèra era l’eroe
misconosciuto del film
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim – Hama in
un’Immagine dal film
Hama ha mostrato più coraggio della
maggior parte dei personaggi nel corso dell’intero film, quando è
sceso da cavallo e ha guardato dritto verso la sua imminente
rovina. Il gentile Hama è stato una delle parti migliori di
La Guerra dei Rohirrim, e questo ha reso il
suo tragico destino ancora più toccante. Hama, come Hèra, era ben
lungi dall’essere un personaggio principale in “La casa di
Eorl“, ma nel film gli è stato dato molto più spazio.
Il fratello di Hèra era più un bardo
che un soldato, preferendo suonare il suo liuto e cantare canzoni
piuttosto che assicurarsi il cavallo più forte dell’esercito. Il
film ha annunciato che Hama aveva un cavallo lento, prefigurando la
sua morte. Quando stava cercando di seminare i Dunlandiani, i suoi
compagni ce l’hanno fatta, ma il suo cavallo rallenta fino a
fermarsi. Hama resta calmo e gentile, accarezza la schiena del suo
cavallo mentre scende e scocca delle frecce, rendendo questa una
delle scene più eroiche di La Guerra dei
Rohirrim.
Helm Mandimartello muore da
guerriero in Il Signore degli Anelli: La Guerra dei
Rohirrim, dando vita a una scena strappalacrime. Helm
doveva morire eroicamente, ma non era certo che il film lo avrebbe
mostrato in tutta la sua gloria. Helm era una figura moralmente
grigia, che esibiva un comportamento brutale e eccessivamente
aggressivo. Il film avrebbe potuto facilmente rendere Helm più
malvagio, ma ha rispettato la sua eredità attraverso la scena della
sua morte.
Helm era famoso nella leggenda
Rohirrim, di “La casa di Eorl“, per aver vagato per le
pianure mentre lui e il suo popolo erano assediati nel Fosso di
Helm. I Dunlandiani hanno tenuto i Rohirrim sotto assedio, ma Helm
non aveva intenzione di lasciare che questo gli impedisse di
tentare di sconfiggerli. Mentre gli altri dormivano, Helm si è
fatto strada verso l’esterno e ha ucciso i suoi nemici uno a uno.
Helm è morto durante questi ultimi tentativi di salvare il suo
popolo nel film, congelato a morte in piedi fuori dalla porta della
fortezza.
La Terra di Mezzo torna al cinema
dopo 10 anni
Il tema musicale di Rohan
riecheggia nelle sale
Il Signore degli Anelli:
La Guerra dei Rohirrim ha sfruttato al meglio la sua
durata per riportare la pura nostalgia agli spettatori. La scena di
apertura del film è facilmente la migliore, nonostante i molti
momenti incredibili a venire. Il tema di Rohan di
Howard Shore è esploso trionfalmente dagli
altoparlanti mentre la scena si spostava con grazia sulle colline
di Rohan, ricordando uno dei migliori film fantasy della
storia.
Il Signore degli Anelli: Le
Due Torri ha introdotto Rohan, esponendo personaggi
leggendari come Gríma Vermilinguo, Théoden e Éomer. Questa colonna
sonora, incorporata in un nuovo brano musicale di Stephen
Gallagher, si è sposata perfettamente con le immagini di
apertura del film. Questa scena iniziale de Il Signore
degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim è incredibilmente
realistica per un anime, evocando gli splendidi paesaggi della
Nuova Zelanda per cui sono noti i film di Jackson.
Emma Corrin ha
incantato il pubblico per la prima volta nel ruolo della
Principessa Diana in The
Crown di Netflix, ma si tratta solo di uno dei
diversi ruoli con cui l’attrice britannica si è ad oggi fatta
notare, passando con naturalezza tra progetti autoriali e grandi
blockbuster. Sebbene non sia il tipo di celebrità da tabloid che
cerca attivamente l’attenzione del pubblico nella sua vita privata,
c’è ancora molto da imparare su questo grande talento. Di seguito,
ecco alcune cose da sapere su Emma Corrin.
2. Ha preso parte ad alcune
note serie TV. Prima di diventare celebre anche grazie ai
film citati, l’attrice si era già guadagnata una buona popolarità
partecipando ad alcune note serie TV. In particolare, è comparsa
nell’episodio 4×04 di Grantchester (2019), a 4 episodi di
Pennyworth (2019) e alla quarta stagione di The
Crown (2020), dove ha interpretato Diana Spencer.
Successivamente ha recitato nell’episodio 1×04 di Ten
Percent (2022) e alla miniserie A Murder at the End of the World (2023). Nel 2025 sarà
tra i protagonisti del primo episodio della settima stagione di
Black Mirror.
Emma Corrin è Lady Diana in The Crown
3. Non era stata presa in
considerazione per il ruolo. Emma ha dato vita al ruolo
della Principessa Diana nella quarta stagione di The
Crown. È però emerso che in realtà originariamente non era
stata presa in considerazione per un ruolo nella serie. Era stata
chiamata solo per leggere di fronte alle attrici che facevano il
provino per il ruolo di Camilla. Sebbene a Emma fosse stato detto
che questa esperienza era ben lontana da un’audizione, si è
preparata come se lo fosse. Tutta questa preparazione ha
sicuramente dato i suoi frutti, poiché ha impressionato i direttori
del casting, che l’hanno subito suggerita per la parte di
Diana.
4. Ha preso lezioni di danza
per la serie. Corrin ha imparato il tip tap, il jazz e la
danza classica per poter assumere il ruolo della giovane Diana,
ossessionata dalle prestazioni, in The
Crown, e riguardo questa preparazione l’attrice ha
dichiarato: “Imparare la danza classica a 24 anni è la cosa
peggiore. È quasi impossibile. È una di quelle cose che devi
imparare da bambino”. Eppure, la fatica è stata del tutto
ripagata quando per la sua intensa interpretazione Corrin ha vinto
il Golden Globe come Miglior attrice non protagonista in una serie
drammatica.
Emma Corrin in Nosferatu
5. Ha dovuto sopportare
alcune scene molto complesse. Per recitare in Nosferatu
nel ruolo di Anna Harding, l’attrice ha dovuto cimentarsi anche con
alcune scene comprendenti orde di roditori. A riguardo ha
dichiarato: “Trenta di loro erano sul mio petto nudo. Cercavo
di mostrarmi coraggiosa, rimanendo stoica e, per così dire, molto
‘british’. Ma girare quella scena è stato semplicemente terribile:
ero senza maglietta, e l’odore era indescrivibile. Non mi aspettavo
poi il problema dell’incontinenza dei roditori, che è stato davvero
pessimo. Era tutto così disgustoso. Inoltre, sembravano adorare i
miei capelli: salivano sulla parrucca e mi arrivavano continuamente
in faccia”.
Emma Corrin è Cassandra Nova in Deadpool &
Wolverine
6. Ha reso omaggio a due
noti attori. Per la sua interpretazione della villain
Cassandra Nova in Deadpool &
Wolverine, Corrin ha raccontato di aver voluto rendere
omaggio alle interpretazioni di Sir Patrick Stewart e James McAvoy nei panni di Xavier – fratello di
Cassandra – nei precedenti film degli X-Men, oltre a
essere fedele alla relazione di Nova con lui nei fumetti.
7. Voleva mettere su
massamuscolare. Spesso quando un attore
viene scelto per un ruolo di rilievo in un film di supereroi, gli
viene chiesto di mettere su muscoli per poter meglio incarnare il
suo personaggio. Anche Emma Corrin, dopo essere stata scelta per la
parte di Cassandra Nova, voleva assumere un personal trainer per
potenziare il suo fisico, ma i Marvel Studios hanno ritenuto che non era
necessario, in quanto il suo personaggio è forte non nel corpo ma
nella mente.
8. Ha una relazione con
l’attore premio Oscar. Corrin è come noto molto riservata
riguardo la sua vita privata e ancor di più quando si parla di
quella sentimentale. Sappiamo però che dal 2023 ha una relazione
con l’attore Rami Malek, premio Oscar per la sua
interpretazione di Freddie Mercury in Bohemian Rhapsody.
Non si sa molto altro sulla loro relazione, che stando però a fonti
vicine alla coppia sarebbe particolarmente seria.
Emma Corrin ha avuto un precedente fidanzato
Prima di intraprendere la sua
relazione con Malek, l’attrice, che si identifica come queer e non
binaria – chiedendo di essere chiamataa con i pronomi “they/them”
-, ha frequentato lo scenografo e direttore artistico
Ibrahim “Ibby” Njoya nel 2021.
Emma Corrin è su Instagram
9.È
presente sul social network. L’attrice è presente sul
social network Instagram, con un proprio profilo verificato seguito
da ben 983 mila persone e dove attualmente si possono ritrovare
circa 80 post. Questi sono principalmente immagini relative a suoi
lavori da attrice e da modella, inerenti il dietro le quinte di
tali progetti o promozionali nei loro confronti. Ma non mancano
anche curiosità, momenti di svago, eventi a cui ha preso parte e
altre situazioni ancora. Seguendola, si può dunque rimanere
aggiornati su tutte le sue novità.
L’età e l’altezza di Emma Corrin
10. Emma Corrin è nata il
13 dicembre 1995 a Royal
Tunbridge Wells, RegnoUnito. L’attrice è alta
complessivamente 1,73 metri.
Il film biografico di Pablo
LarraìnMaria presenta
diverse registrazioni originali di Maria Callas, alcune delle quali
sono eseguite da
Angelina Jolie. Jolie torna a un grande ruolo dopo
anni di assenza dal grande schermo, il suo ultimo progetto era The
Eternals, del 2021. Maria è uscito in sala in Italia
il !° gennaio, distribuito da 01 Distribution dopo la première
all’81° Festival del cinema di Venezia nell’agosto 2024.
Maria
racconta gli ultimi giorni di vita di Maria
Callas, la più grande cantante lirica del mondo. Il film è
ambientato nella Parigi degli anni ’70, mentre la salute di Maria
peggiora. Jolie guida il cast di Maria nel ruolo
della protagonista che vede il mondo attraverso una
lente allucinogena e sbiadita con il suo fedele maggiordomo,
Ferruccio, e la sua cameriera, Bruna. Maria è
diretto dal regista cileno Pablo Larraín,
acclamato da Spencer
(2021) e Jackie (2016).
La voce di Angelina Jolie è
mescolata a registrazioni di Maria Callas in tutto il film
Il film presenta diverse
registrazioni originali di Callas
Angelina Jolie canta in
Maria. Tuttavia, quando Callas è al culmine della sua
carriera nel film, la registrazione è principalmente della stessa
Callas. Le arie che compaiono nel film, come “Ave Maria”
dall’Otello di Verdi, “E che? Io son Medea” di Cherubini,
“Qui la voce sua soave” da I Puritani di Bellini e il
climax “Vissi d’arte” da Tosca di Puccini sono
registrazioni della Callas. Quando la Callas è più anziana nel
film, è per lo più Jolie a cantare con le registrazioni della
Callas mixate e miscelate.
Molte delle interpretazioni finali
nella colonna sonora di Maria sono state ottenute
miscelando la voce di Jolie con le registrazioni della Callas in
post-produzione. Larraín ha detto a IndieWire: “A
volte senti l’1 percento della voce di Angelina, a volte il 5
percento, a volte il quaranta percento, in un paio di occasioni,
non molto spesso, ma succede, ascolti il sessanta o il settanta
percento della voce di Angelina”. Ha spiegato: “Per
renderlo credibile, Angelina ha dovuto cantare a squarciagola di
fronte alla sua troupe e a centinaia di comparse per renderlo
possibile. Senza di ciò, niente di tutto questo sarebbe potuto
accadere”.
Perché Maria ha utilizzato
registrazioni di Maria Callas che cantava invece della sola voce di
Angelina Jolie
Le registrazioni di Callas erano
essenziali, ma il canto di Jolie era pragmatico per la
produzione
In un’altra intervista con
Vanity Fair, Larraín nota che pensava fosse fondamentale
includere la voce della Callas nel suo film biografico, pur avendo
l’attrice che interpretava anche il canto. Dice: “Come puoi
fare un film su Maria Callas senza usare la sua voce? Non
puoi”. Sottolinea anche: “Non puoi fare un film come
questo con un’attrice che non lo canta effettivamente”. Mentre
gli audiofili più devoti e i fan di Callas potrebbero notare le
intricate differenze vocali, Larraín ha combinato con successo i
due elementi per creare una miscela perfetta che è molto
convincente in Maria.
Angelina Jolie interpreta Maria
Callas, la cantante lirica più importante e famosa del XX
secolo, in Maria,
e nel film vediamo tale Mandrax, che gioca un ruolo significativo
nella storia. Il film biografico del 2024, diretto da Pablo
Larraín e scritto da Steven Knight, segue
Callas durante gli ultimi giorni della sua vita. Mentre il film
racconta principalmente il periodo trascorso da Callas a Parigi nei
giorni che hanno preceduto la sua tragica morte, si tuffa anche nel
passato dell’artista e in come è arrivata a quel punto della sua
vita nella Città delle Luci negli anni ’70.
Maria è l’ultimo capitolo della
trilogia di Pablo Larraín che racconta le donne
influenti del XX secolo, seguendo le orme di Jackie (che segue l’ex First Lady degli Stati
Uniti Jackie Kennedy) e Spencer
(che racconta la crisi esistenziale della Principessa Diana durante
il Natale del 1991). Callas ha avuto una vita un po’ travagliata
per vari motivi. Non ha avuto un’educazione molto stabile, poiché i
suoi genitori divorziarono quando era piccola, spingendo Callas a
trasferirsi con sua madre e sua sorella in Grecia, da dove
proveniva la loro famiglia. Dopo essere diventata famosa, la stampa
non fu troppo gentile con lei per quanto riguardava il suo presunto
cattivo carattere. Le relazioni sentimentali di Callas erano anche
le più lontane dalle storie d’amore da favola e iniziò a perdere la
voce tra la metà e la fine degli anni ’50. Di conseguenza, la diva
si ritirò dagli occhi del pubblico e trascorse il resto dei suoi
giorni a Parigi, dove la sua salute peggiorò rapidamente, come
illustrato nel finale di Maria.
Il Mandrax è un sedativo ipnotico
che crea dipendenza
Maria Callas assume il Mandrax nel
film
Maria – Foto Credits Pablo Larraín
Si dice che Maria Callas abbia
assunto numerose pillole da prescrizione (e da banco) nel corso
della sua vita. Per quanto riguarda il personaggio di Angelina Jolie in Maria, uno
dei farmaci che assume Callas è il Mandrax, ovvero il metaqualone,
che negli Stati Uniti è chiamato Quaalude. Il Mandrax è descritto come un
sedativo ipnotico che originariamente veniva prescritto ai pazienti
per aiutarli a rilassarsi e dormire.
Nel film del 2024, Callas assume il
Mandrax per gestire il suo dolore. Sfortunatamente, abusa del
farmaco, il che porta il maggiordomo di Callas, Ferruccio Mezzadri,
a nasconderle le pillole. Secondo la BBC, il Mandrax era piuttosto
popolare negli anni ’70. Tuttavia, il farmaco crea una forte
dipendenza, è pericoloso se usato in modo improprio e veniva spesso
utilizzato per scopi nefasti, motivo per al giorno d’oggi il
Mandrax è illegale.
Maria Callas ha assunto Mandrax
nella vita reale?
La cantante lirica avrebbe avuto un
problema di droga
Foto Credits Pablo Larraín
Non è chiaro se Maria Callas abbia
assunto Mandrax nella vita reale, poiché alcune fonti sono in
conflitto tra loro. Secondo Decider, non esiste alcun
documento pubblico ufficiale che affermi che Callas abbia assunto
la sostanza. Si dice che stesse usando cortisone e
immunosoppressori per curare una malattia degenerativa, ma
apparentemente non c’è nulla che confermi che il
Mandrax fosse uno dei farmaci di cui Callas ha
abusato nella vita vera. D’altro canto, lo scrittore di
MariaSteven Knight ha detto a
USA Today che Callas spesso faceva uso improprio di droghe, tra cui
il Mandrax. Knight ha spiegato:
“Ricordate, questi sono gli anni
’50 e ’60, quando si sapeva meno sulle conseguenze dell’uso di
droghe. [Callas] ha sempre avuto un problema con il suo peso,
quindi era pronta ad assumere sostanze chimiche per gestirlo… Ha
iniziato a usare droghe come il Mandrax per controllare il dolore.
Immagina di essere all’apice (della tua carriera) e all’improvviso
nessuno ti ascolta?”
Il giornalista Mandrax è una
personificazione allucinatoria dell’uso della droga da parte di
Maria Callas
Kodi Smit-McPhee interpreta
Mandrax
Kodi Smit-McPhee in Maria di Pablo Larraìn.
Il regista di MariaPablo Larraìn
mette Mandrax in prima linea nella trama, sia simbolicamente che
fisicamente. Nel film biografico, Kodi Smit-McPhee interpreta Mandrax, un
documentarista che sceglie Callas come soggetto del suo film. La
segue in giro per Parigi con una troupe, ponendo alla cantante
lirica domande sulla sua vita. Tuttavia, l’uomo non è veramente lì:
è semplicemente frutto dell’immaginazione di Callas.
Uno degli effetti collaterali del
Mandrax (il farmaco) sono le allucinazioni, che sono quelle che
Callas sperimenta in Maria. Callas immagina
Mandrax (il documentarista), cosa che viene accennata quando il
film mostra le reazioni perplesse di Ferruccio e Bruna (il suo
maggiordomo e la sua cameriera) quando Callas parla con Mandrax. Il
personaggio di Maria di Smit-McPhee è solo
una personificazione allucinatoria del pericoloso farmaco,
motivo per cui il suo nome è Mandrax.
Il regista di Dune Parte Uno e
DueDenis Villeneuve ha dichiarato di non
avere intenzione di dirigere altri film del franchise dopo il suo
adattamento pianificato di Messiah (Dune
3), ma ciò non significa che Warner Bros.
smetterà di approfondire il franchise, soprattutto alla luce del
successo di Dune:Prophecy, la serie Max che espande
quel mondo.
Secondo lo scooper Daniel
Richtman (e supportato da un rapporto di World of Reel), lo studio sta
pianificando di andare avanti con almeno un altro film e una
seconda serie TV. Prophecy della
HBO non è stato acclamato quanto i film, ma a quanto si dice ha
avuto un discreto successo dal punto di vista degli spettatori.
I primi due film sono stati grandi
successi, ma un quarto capitolo sarebbe comunque sorprendente data
la direzione che la saga di Frank Herbert ha preso
dopo il secondo libro. Villeneuve ha mostrato scarso interesse
nell’adattare i romanzi successivi, Children of
Dune e God Emperor of Dune, poiché
ritiene che la storia stia iniziando a diventare troppo
“esoterica“.
Secondo la fonte di World of
Reel, il regista “era piuttosto irritato da questi
potenziali piani di espandere il franchise, con o senza di
lui”. Pur avendone tutto il diritto, dal momento che lo studio
è detentore dei diritti del franchise, sembra strano che Warner
Bros si approcci a questo mondo così complesso senza la forte
volontà di Villeneuve nel portare avanti il progetto. Resta da
capire quale sarà il successo del terzo capitolo per determinare il
futuro di questi adattamenti.
Mancano circa sei settimane
all’arrivo di Captain America: Brave New World nei cinema di
tutto il mondo e un altro round di promo art è appena arrivato on
line. Questo ci offre finalmente uno sguardo ufficiale al ritorno
di Tim Blake Nelson nel MCU come The
Leader e, nonostante indossi un costume relativamente
realistico, il cattivo sembra uscito direttamente dalle pagine dei
fumetti.
Ci sono anche alcune inquadrature
familiari di Sam Wilson nei panni di Captain America e un sacco di
fantastiche inquadrature di Red Hulk che si scatena in azione. È
ancora un po’ strano pensare che Brave New World
si concentri su due dei più grandi nemici di Hulk e saremmo
scioccati se Bruce Banner non avesse una sorta di ruolo da svolgere
in questa storia. Come minimo, sembra che i Marvel Studios stiano preparando il terreno
per quel tanto atteso progetto di World War Hulk.
Quello che sappiamo sul
film Captain America: Brave New World
Captain America: Brave New
World riprenderà da dove si è conclusa la
serie Disney+The
Falcon and the Winter Soldier, seguendo l’ex Falcon
Sam Wilson (Anthony
Mackie) dopo aver formalmente assunto il ruolo di
Capitan America. Il regista Julius
Onah (Luce, The Cloverfield Paradox) ha
descritto il film come un “thriller paranoico” e ha
confermato che vedrà il ritorno del Leader (Tim Blake
Nelson), che ha iniziato la sua trasformazione radioattiva
alla fine de L’incredibile Hulk del 2008.
Secondo quanto riferito, la star di
Alita: Angelo della BattagliaRosa
Salazar interpreterà la cattiva
Diamondback, mentre Giancarlo Esposito sarà Sidewinder. Harrison Ford, invece, assume qui il ruolo di
Thaddeus “Thunderbolt” Ross, che a quanto rivelato dal primo
trailer si trasformerà ad un certo punto nel Hulk Rosso. Nonostante
dunque avrà degli elementi al di fuori della natura umana, il film
riporterà il Marvel Cinematic
Universe su una dimensione più terrestre e realista, come già
fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America.
Ad ora, Captain America: Brave New World è indicato
come uno dei titoli più importanti della Fase
5. Anthony Mackie ha recentemente dichiarato
che questo film è “10 volte più grande” della sua
serie Disney+ e ha parlato
della dinamica tra Cap e il nuovo Falcon, Joaquin Torres. “Sono
in coppia alla pari“, ha scherzato. “Sono entrambi
militari. Io ero il suo ufficiale comandante. Tra noi c’è più
amicizia rispetto al modo in cui ammiravo Steve o al modo in cui
non mi piaceva Bucky“.
“Questo film è un chiaro reset.
Ristabilisce davvero l’idea di cosa sia e cosa sarà questo
universo“, ha aggiunto Mackie. “Penso che con questo film,
si stia ottenendo un chiaro, nuovo marchio di ciò che
la Marvel vuoole
essere nello stesso modo in cui hanno fatto con Captain America: The Winter
Soldier“.
L’autore di Missing
You Harlan Coben condivide la sua reazione emotiva al
finale dell’adattamento di Netflix. Missing You arriva un anno dopo che Fool Me
Once di Coben ha dominato le classifiche di streaming, con la
nuova serie incentrata su un detective che perde l’amore della sua
vita. È basata sull’omonimo romanzo di Coben del 2014.
L’adattamento è guidato dalla star di Slow Horses Rosalind
Eleazar, con un ensemble che comprende Ashley Walters, Jessica
Plummer e Richard Armitage.
In un’intervista a Variety, Coben ha rivelato che il nuovo show di
Netflix ha suscitato in lui una reazione emotiva. L’autore, che è
produttore esecutivo della serie, osserva che Fool Me Once
ha suscitato in lui una reazione, ma l’ultimo adattamento è
stato quello che lo ha coinvolto maggiormente dal punto di vista
emotivo. La citazione è riportata di seguito:
“Questo è il finale più
emozionante che abbia mai vissuto.Quando ho guardato
l’episodio 5, ho pianto davvero.Credo di aver avuto una
piccola lacrima nell’occhio forse anche con Fool Me Once.Ma
credo che questa sarà la serie più emozionante”.
Cosa succede in Missing You e
cosa significa il finale
Il mystery thriller è incentrato
sulla detective Kat Donovan (Eleazar). Undici anni fa, il
suo fidanzato è scomparso e Kate non ha più avuto
sue notizie. Ma, per caso, mentre scruta un’app di incontri, rimane
scioccata nel vedere il suo volto. L’apparente ricomparsa del
fidanzato costringe la detective a indagare sull’omicidio
del padre e a scavare nei segreti del passato. Tutto
questo arriva al culmine nel
finale di Missing You, che prende pieghe
sorprendenti.
I due uomini della vita di Kate si
rivelano collegati. È il fidanzato di Kate ad aver ucciso
suo padre. Il padre, Clint (Lenny Henry), era un
poliziotto corrotto e viveva una doppia vita. Ma la morte è stata
accidentale. Il fidanzato, Josh (Ashley Walters), stava solo
cercando di impedire a Clint di comportarsi in modo violento e di
fare del male a qualcuno che avrebbe potuto smascherare la sua
doppiezza. Josh, però, se n’è andato perché non riusciva a gestire
il segreto e a mentire a Kate.
Con un cast di Missing You che comprende anche Steve Pemberton, Marc
Warren e Samantha Spiro, la miniserie di cinque episodi si prende
il tempo per esaminare davvero come Kate affronta tutta
l’incertezza e la segretezza nella sua vita. L’attenzione ai
personaggi porta la serie al di là di un semplice thriller, perché
l’impatto su Kate e sulle persone a lei care è evidente,
consentendo al cast di attingere a qualcosa che va oltre i semplici
elementi della soap. Il tutto si realizza grazie alla forza
dell’interpretazione della protagonista Eleazar.
I fan dell’Universo
DC hanno ricevuto un nuovo aggiornamento su
Batman nel franchise di James
Gunn, in quanto il co-CEO dei DC Studios ha anticipato
le novità in arrivo per il Crociato incappucciato. Sebbene il film
The
Brave and The Bold – che sarà il reboot di Batman per il
DCU – sia ancora lontano, questo non ha impedito
al franchise di mostrare l’eroe in altri media legati al nuovo
universo. Dopo
l’ultimo episodio di Creature Commandos, che ha
regalato a Batman il suo ultimo cameo, i fan sono naturalmente in
attesa di vedere cosa succederà in futuro all’icona DC.
In una nuova intervista con
Rotten Tomatoes, Gunn ha parlato del cameo di Batman
nella stagione 1, episodio 6, di Creature
Commandos, offrendo anche un breve aggiornamento sul
Cavaliere Oscuro nella nuova continuity. Senza entrare troppo nello
specifico, Gunn ha sottolineato che essendo Batman il suo supereroe
preferito, non vede l’ora che i fan vedano ciò che i DC
Studios stanno progettando per lui, affermando quanto
segue:
Questo è il Batman del DCU… ascoltate, devo dirvelo, io amo Batman, lo
amo!Lo amo da quando ero un bambino.È uno dei miei
personaggi preferiti, e in passato, quando ero alla Marvel, ho dichiarato: “Il mio
personaggio preferito è Batman, lo amo”.Faremo grandi cose
con lui, è il supereroe più popolare al mondo e non vedo
l’ora che la gente lo veda di più, insieme a Superman e
insieme”.
Cosa significano le
dichiarazioni di James Gunn sul futuro di Batman per il
DCU
Con il film di Gunn
su Superman in arrivo quest’anno, il concetto
di avere Clark Kent e Bruce Wayne di nuovo insieme in live-action è
più vicino che mai. Anche se Batman non è previsto in
Superman, il film potrebbe comunque stabilire se Clark
abbia o meno una dinamica con la versione di Bruce di questa
continuity. Dato che Gunn ha confermato che si tratta di un
DCU con supereroi già affermati, non sarebbe
sconvolgente se questi due si conoscessero già o avessero iniziato
a costruire un rapporto di lavoro insieme.
Per quanto riguarda il futuro di
Batman dopo il cameo in Creature Commandos, stagione 1,
episodio 6, il fatto che The Brave and The Bold sia in ritardonon
significa che il Cavaliere Oscuro non possa apparire in altri
progetti del DCU prima del suo film solista. Bruce
potrebbe facilmente avere un ruolo di supporto in altri film e show
televisivi del DCU, soprattutto se finissero per scritturarlo
prima di The Brave and The Bold. Essendo
Batman un attore così importante per la DC in tutti i media, non
dovrebbe essere sconvolgente che Batman appaia di nuovo prima di
avere un film tutto suo.
La star di Nosferatu
Nicholas Hoult ha rivelato uno dei suoi incontri più
spaventosi durante la produzione del remake horror. Basato sul film
muto del 1922 , a sua volta adattamento non autorizzato del
Dracula di Bram Stoker, Hoult si è unito
al cast del remake di Nosferatu nel ruolo di Thomas
Hutter. Come analogo del personaggio originale di Stoker, Jonathan
Harker, il regista Robert Eggers aveva inizialmente offerto il
ruolo a Bill Skarsgård prima di affidargli il ruolo
dell’antagonista principale del film, il Conte Orlok.
Durante una recente apparizione al
Late
Night With Seth Myers, Hoult è stato interrogato
sulla difficoltà di recitare terrorizzato. Ammettendo che può
essere faticoso simulare la paura, ha rivelato un momento in cui ha
provato un autentico terrore. Spiegando che durante le
riprese di una scena in cui il suo personaggio era
inseguito dai lupi, è scivolato e per poco non è riuscito
a scappare dalla finestra, anche se Eggers alla fine non ha potuto
usare il taglio a causa della faccia stupida che Hoult stava
facendo in risposta. Guardate i suoi commenti e il video qui
sotto:
C’è stato un momento in cui è
stata vera paura.Nel film c’erano dei lupi che mi
inseguivano da una finestra mentre cercavo di fuggire dal castello
del Conte Orlok.E io correvo sul posto e mi eccitavo prima
del ciak, mentre loro mi tenevano al guinzaglio, abbaiando, con la
morte negli occhi.Vogliono mangiare.
E io pensavo: “Ok, questo è
intenso”.E poi c’è un momento in cui corro e scivolo, e per
poco non riesco a uscire dalla finestra mentre mi inseguono, mentre
vengono lasciati liberi.Sono riuscito a uscire, ma poi Rob
[Eggers] mi ha detto: “Taglia, taglia, taglia”.No, hai
fatto una faccia da scemo.Non possiamo usarla”.
Mi ha detto: “Vieni a vedere,
guarda cosa ha fatto la tua faccia”.E la mia faccia fa:
“Weeeh”.E io: “Sì, non è il massimo, ma sai, questa è vera
paura”.Perché mi rendo conto che non ho chiesto cosa
sarebbe successo se i lupi, se i cani mi avessero
raggiunto.
Cosa significa l’esperienza
terrificante di Nicholas Hoult per il remake di Nosferatu
Nonostante Hoult abbia rischiato di
non entrare nel montaggio finale di Eggers, Nosferatu
sembra ancora riempire di terrore ben più delle sue star.
Apprezzato dalla critica e con una percentuale di gradimento
dell’86% sul sito di aggregazione di recensioni Rotten Tomatoes, il
responso della critica su quest’ultima rivisitazione del mito
classico dei vampiri è un netto miglioramento rispetto alla
precedente uscita di Hoult in una storia ispirata a
Dracula, Renfield del
2023.
Scambiando l’umorismo campagnolo per
il terrore genuino, il film di Eggers non solo funge da
contrappunto alla partecipazione di Hoult ai film sui vampiri, ma
anche per il genere nel suo complesso. Accolto dalla critica come
un necessario ritorno agli aspetti orrorifici che sono alla base
della mitologia dei vampiri, il Conte Orlok di Nosferatu è
un tipo di succhiasangue molto diverso rispetto ad alcuni dei suoi
compatrioti più moderni. Scambiando un approccio più simpatico e
fortemente romanzato con quello di tanti altri film, la
chiave del successodi
Nosferatuè proprio il tipo di paura che
Hoult ha provato personalmente sul set.
Nell’episodio di oggi (negli USA) di
Creature
Commandos facciamo visita a Gotham City e diamo la
nostra prima vera occhiata al Batman del DCU.
Mentre il Dottor Phosphorus
determinato a diventare il nuovo Kingpin of Crime di
Gotham, le sue speranze vengono infrante quando Batman appare
sopra di lui. Non vediamo la lotta che segue, ma è lecito supporre
che il Cavaliere Oscuro sia stato il responsabile della fine
dell’ex scienziato sotto la custodia dell’A.R.G.U.S.
Questo Batman è piuttosto
ingombrante e ha sia una cintura portaoggetti che quello che molti
fan sono convinti sia il suo classico costume grigio e blu dei
fumetti. Resta da vedere se questo design sia un’indicazione di ciò
che Gunn ha pianificato per il Cavaliere Oscuro della DCU.
Creature Commandos ha già anticipato
diversi eroi DCU in uno sguardo a un possibile futuro, molti
dei quali indossavano gli stessi costumi che abbiamo visto altrove
nel DCU (Superman, Hawkgirl e Peacemaker, ad esempio).
Nella serie animata, il team di
Creature
Commandos lavora sotto la supervisione di
Amanda Waller. Waller (Viola
Davis) è stata una parte importante di The
Suicide Squad e della sua serie spin-off,
Peacemaker, ed è destinata a fare il suo ritorno
su HBO Max con la sua serie da
solista. Poiché il nuovo DCU intende riutilizzare gli stessi membri del
cast per progetti live-action e animati, Davis è stata finora
l’unico doppiatore che si poteva immaginare far parte del cast di
Creature
Commandos. Tuttavia, sembra che il coordinatore del
team sarà John Economos, uno dei dipendenti più importanti di
Waller. Dal momento che la serie animata presenta
Weasel, che ha fatto il suo debutto in live-action
in The
Suicide Squad, interpretato da Sean
Gunn, ci aspettavamo che il fratello di James
Gunn tornasse per la serie animata, ma è bello vedere
che darà anche la voce anche a un personaggio capace di parlare:
G.I. Robot.
Di cosa parla Creature
Commandos?
La serie animata Creature
Commandos è uno dei progetti sviluppati da James
Gunn e Peter Safran come parte della loro
trama DCU unificata. Lo spettacolo in sette episodi si
concentrerà su un’insolita squadra di personaggi DC, spesso
chiamati mostri. È giusto, quindi, che Creatures
Commandos sia una delle parti centrali dell’arco
“Gods
and Monsters“ del nuovo DCU, il primo capitolo di una storia in due parti
che verrà raccontata nel prossimo decennio.
Alla fine di Nosferatu,
Ellen sacrifica la sua vita per sconfiggere il vampiro, il Conte
Orlok, ma questo finale è tanto simbolico quanto devastante, e il
regista Robert Eggers lo ha mantenuto. Nosferatu è
incentrato su Ellen Hutter, una giovane sposina che inizia a essere
nuovamente perseguitata dalle sue visioni infantili quando suo
marito, Thomas, si reca dal misterioso Conte Orlok. Ellen
scopre presto che un patto fatto da giovane ha conseguenze
terribili per lei, per le persone che ama e per il mondo
intero. Nosferatu è nato come film muto nel 1922.
Nel tipico stile di Eggers,
Nosferatu è caratterizzato da un’atmosfera cupa e da una
storia unica, importante quanto i personaggi. Per quanto Eggers si
ispiri alla storia originale di Nosferatu e al
Dracula di Bram Stoker , questo film del 2024
sembra completamente distinto e fresco. Eggers riesce a
scrostare gli strati di questa storia contorta e a
portarla a un climax teso e scioccante. Anche se potrebbe essere
necessaria più di una visione per capire i meccanismi interni di
Nosferatu, la sottile storia dietro la
scena finale di Ellen e Orlok rende il film molto migliore.
L’inquadratura finale di Ellen
e del conte Orlok in Nosferatu
Nei momenti finali di
Nosferatu, Thomas irrompe in casa sua per scoprire che
Orlok ed Ellen sono morti. Dopo aver attirato Orlok in casa sua,
Ellen fa l’amore con lui, distraendolo mentre Thomas, il dottor
Sievers e il professor Von Franz bruciano la bara di Orlok. Quando
si fa giorno, Ellen spinge Orlok a bere altro sangue,
distraendolo ma rischiando la propria vita. Il sole
finalmente sorge e Orlok inizia a morire, con il sangue che gli
cola dagli occhi e dalla bocca. Ellen, succhiata da tutto il suo
sangue, muore sotto di lui pochi istanti dopo l’arrivo di
Thomas.
Alla fine, il finale di
Nosferatu dimostra che Ellen è il vero eroe di questa storia,
anche se è stata lei a evocare Orlok.
Anche se la morte di Ellen è
deludente, rende il finale di Nosferatu molto migliore.
Eggers non inquadra mai Ellen come una vittima, ma come una donna
che lotta con un’oscurità che nessun altro può vedere. Alla fine
del film, Ellen prende il controllo di questa oscurità e si
lascia sacrificare per un bene superiore. La sua morte
dimostra il suo coraggio, mettendo in risalto anche la sua
inaspettata relazione con Orlok. Alla fine,
il finale
di Nosferatu dimostra che Ellen è il vero eroe di questa
storia, anche se è stata lei a evocare Orlok.
Il significato della visuale di
“Death & The Maiden” di Nosferatu
Il finale di Nosferatu
crea un’immagine stupenda e inquietante che ricorda un motivo
rinascimentale noto come “La morte e la fanciulla”. In queste
immagini, una bella e giovane donna viene visitata nella
notte dalla morte, seduta in fondo al suo letto o distesa
sul suo corpo. Questo fa da parallelo al sogno che Ellen fa
all’inizio del film e all’immagine finale del film, in cui il
cadavere avvizzito di Orlok giace sopra quello di Ellen. Ciò che
“La morte e la fanciulla” rappresenta è il modo in cui l’oscurità
perseguita e travolge giovani donne innocenti.
Nel contesto di Nosferatu,
è chiaro che la Morte è Orlok e la fanciulla è Ellen. Tuttavia, per
quanto Orlok spaventi e respinga Ellen, lei ha anche un
legame insopprimibile con lui. È il suo primo amore, per
quanto sia malvagio. In questo modo, Nosferatu trasforma
“La morte e la fanciulla” in un’inaspettata storia d’amore. Ellen
deve superare la manipolazione di Orlok e cercare di tenersi
stretto il suo vero amore, Thomas. Sebbene Nosferatu sia a
tratti spaventoso e apertamente gotico, è più simile a Cime
tempestose che a Dracula.
Cosa ha detto il regista Robert
Eggers riguardo alla scena finale di Nosferatu
Il regista Robert Eggers alla prima di “Nosferatu”. Foto di Shane
Anthony Sinclair/Getty Images for Universal Pictures)
Naturalmente, dopo la prima di
Nosferatu, il regista Robert Eggers ha fatto dei commenti
sulla scena finale. In un’intervista rilasciata a USA Today, Eggers ha confermato il motivo “La
morte e la fanciulla” e ha aggiunto:“Quando vedi Lily-Rose che
sembra una bambola e Bill che sembra un teschio con i baffi, è un
contrasto potente”. Depp e Skarsgård hanno poi
aggiunto che la scena doveva evocare una certa paura, ma anche una
sensazione di sensualità e desiderio. È questo che
conferisce al finale un tono così agrodolce.
In definitiva,
Nosferatusi distingue come un
film di vampiri che può sorprendere il pubblico. Sebbene
il Conte Orlok sia indubbiamente un cattivo, il suo legame con
Ellen fa la differenza. Inoltre, Ellen non è una semplice vittima
delle circostanze, ma ha un potere e una motivazione reali nel
film. Nel complesso, la stranezza di
Nosferatu è ciò che rende il film così
affascinante.
Maria di Pablo Larrain è
finalmente uscito il 1° gennaio, e in molti si stanno ponendo delle
domande su quello che il regista ha raccontato, soprattutto in
merito alla voce della Callas, che alla fine della sua carriera si
è abbassata. Maria Callas è una delle cantanti liriche più
leggendarie di tutti i tempi, un’acclamata interprete conosciuta in
tutto il mondo dalla fine degli anni ’40 agli anni ’70. Il film è
riuscito a raccontare il mito e l’arte di Maria Callas a un
pubblico completamente nuovo, con una storia che affronta gli
ultimi anni della vita dell’acclamata interprete, incluso il suo
declino vocale.
Maria
è il terzo film della trilogia acclamata dalla critica di
Pablo Larrain che si concentra sulle donne
influenti del XX secolo, e fa seguito a Jackie e Spencer.
Proprio come i due film precedenti di Larrain,
Maria usa trame fittizie per approfondire ciò che
si nasconde dietro l’immagine pubblica del personaggio principale
del film, e Maria esplora alcuni dei momenti più
importanti degli ultimi anni di Callas. Il film tenta di dipingere
un quadro empatico della sua protagonista, con la storia della sua
perdita vocale che è uno degli archi narrativi più tragici del
film.
Quando la voce di Maria Callas
iniziò a declinare e come ciò cambiò la sua carriera
operistica
Tutto iniziò a metà degli anni
’50
Maria – Foto Credits Pablo Larraín
La voce di Maria
Callas iniziò notoriamente a declinare durante la seconda
metà della sua carriera, con un impatto importante sulla sua
carriera operistica. I critici iniziarono a notare per la prima
volta il declino vocale di Callas nel 1954, sebbene fosse ancora
amata dal pubblico. Col passare del tempo, sempre più persone
iniziarono a notare il suo declino vocale, contribuendo alla sua
decisione di smettere di cantare all’opera dopo la sua ultima
esibizione il 5 luglio 1965.
La perdita vocale di Maria
Callas si aggiunse alle varie controversie trattate in
Maria, eventi che danneggiarono la sua immagine
pubblica. Sebbene Callas avesse ancora una voce fantastica, il
danno che la sua voce aveva subito nel corso degli anni incrinò la
sua reputazione presso il pubblico, portandola infine al
ritiro.
Il declino vocale di Maria Callas è
stato attribuito a ruoli operistici stressanti, menopausa e rapida
perdita di peso
Probabilmente è una combinazione di
molti fattori
Foto Credits Pablo Larraín
Ci sono state molte speculazioni su
cosa abbia portato al declino vocale di Maria Callas. Il libro di
John ArdoinThe
Callas Legacy affronta alcune di queste teorie, e la più
popolare afferma che il declino vocale è iniziato con la sua
perdita di peso. Maria Callas perse circa 36 chili tra il 1953 e il
1954, e il suo declino vocale iniziò a manifestarsi più o meno
nello stesso periodo.
Maria Callas interpretò anche alcuni
ruoli operistici incredibilmente impegnativi durante i suoi primi
anni, e alcuni credono che questi le abbiano danneggiato la voce in
modo permanente. Il marito della Callas ipotizzò persino che il
declino vocale fosse dovuto a una menopausa precoce. Sono molti gli
elementi che potrebbero aver influito su questa decadenza vocale,
ma il film di Larrain non dà una risposta univoca.
Quando hai un padre come Stellan
Skarsgård è quasi impossibile non riuscire a sfondare
nel mondo del cinema, specialmente quando si è in possesso del
grandissimo talento di Bill Skarsgård. Figlio
d’arte e attore emergente, Bill ha infatti già dimostrato in più
occasioni di possedere un talento unico per dar vita a personaggi
particolarmente spaventosi per aspetto o natura. Ad oggi, si è
infatti distinto per aver dato vita ad alcuni cattivi già entrati
nell’immaginario collettivo grazie alla reinterpretazione che egli
ne ha dato.
2. Ha preso parte ad alcune
serie TV. Oltre a recitare per il grande schermo,
Skarsgård è apparso anche su quello piccolo grazie a serie come
Hemlock Grove (2013-2015), Castle Rock
(2018-2019), basata sulle storie di Stephen King,
Soulmates (2020) e Clark (2022). Riprenderà poi
il ruolo del pagliaccio Pennywise in Welcome to
Derry, serie prequel dei film It – Capitolo uno e
It – Capitolo
due.
Bill Skarsgård è il pagliaccio
Pennywise in It
3. Ha apportato il suo
inquietante sorriso al personaggio. Bill Skarsgård è in
grado di sorridere in un modo così strano, da aver incuriosire il
regista del film Andy Muschietti. Dopo che il
regista ebbe modo di assistere al suo provino, rimase impressionato
dalle qualità dell’attore e gli chiese di usare quel sorriso per il
clown Pennywise. Skarsgård, come da lui raccontato, aveva
originariamente sviluppato tale sorriso quando era bambino e
cercava di spaventare i suoi fratelli.
4. È rimasto terrificato dal
suo ruolo. Secondo quanto riferito, la preparazione per il
ruolo del Conte Orlok è stata così intensa che Skarsgård ha
dichiarato che si tratta dell’unico ruolo che lo ha veramente
terrorizzato. In un’intervista con il regista Robert Eggers,
Skarsgård ha dichiarato: “Non sono mai stato così terrorizzato
da un ruolo e probabilmente non lo sarò mai più. L’intero viaggio è
stato così intenso. Quando inizi ad evocare qualcosa che non sei
tu, ti senti come un mero contenitore”. Dopo le riprese, ha
dichiarato che “non avrebbe mai più interpretato un ruolo così
malvagio come questo”.
5. Ha svolto un complesso
lavoro sulla voce. Secondo Bill Skarsgård, la sua voce è
stato l’aspetto della parte su cui ha dovuto lavorare di più,
trascorrendo sei settimane prima delle riprese senza fare
“molto altro che registrarmi. E sul set, continuavo a
fare questi esercizi. Sembra una specie di canto di gola
mongolo”. Bill Skarsgård si è inoltre allenato con un
allenatore d’opera per abbassare la sua voce di un’ottava per
rendere la voce del Conte Orlok il più profonda possibile. Il
risultato è però sbalorditivo, con l’attore che è riuscito a
fornire al suo terrificante personaggio una voce assolutamente
memorabile.
Bill Skarsgård in The Crow – Il corvo
6. Ha suggerito alcuni
dettagli per il suo personaggio. Nel film The Crow – Il
corvo, remake del celebre film del 1994, Skarsgård
interpreta il protagonista Eric. Come riportato dal designer
grafico Nikola Prijic, è stato lo stesso attore ad
aver avuto l’idea per il tatuaggio di una poesia sulla schiena del
personaggio che si vede nel film. La poesia si chiama
“Despair” di H.P Lovecraft. Inoltre,
Skarsgård ha suggerito di dar vita ad un trucco che ricordasse
vagamente quello del pagliaccio Pennywise, da lui interpretato in
It – Capitolo
uno e It – Capitolo
due.
I fratelli e il padre di Bill Skarsgård
7. Fa parte di una nota
famiglia di attori. Bill Skarsgård è figlio del famoso
attore Stellan
Skarsgård e della dottoressa My
Günther. Il ragazzo ha ben quattro fratelli e una sorella,
Alexander, Gustaf,
Sam, Valter e Eija. Ma Bill non è il solo
ad aver seguito le orme del padre: Alexader e Gustaf, suoi fratelli
maggiori, già lavorano nel cinema come attori e registi. Bill ha
inoltre due fratellastri, Ossian e
Kolbjörn, nati dal secondo matrimonio del
padre.
8. Ha due
figli Dopo anni di frequentazione con l’attrice
Alida Morberg – con la quale ad oggi non è ancora
sposato -, nell’ottobre del 2018 Bill Skarsgård ha avuto una
figlia. Ma mentre la maggior parte dei neo papà riempie la nursery
dei figli con peluche e decori dai colori pastello, Bill Skarsgård
ha raccontato di aver riempire la stanza di sua figlia con
centinaia di bambole di Pennywise. Nel 2023, i due sono poi
diventati genitori per la seconda volta.
Bill Skarsgård non è su Instagram
9. Non possiede un profilo
sul social network. L’attore ha in più occasioni
dichiarato di non essere una grande fan dei social network, dove
troppo spesso la vita privata si mescola con quella pubblica.
Proprio per perseguire il desiderio di non condividere troppo di
sé, ha deciso di non possedere alcun account ufficiale sul social
Instagram né su altri social. Si possono tuttavia ritrovare alcune
fan page grazie alle quali sarà possibile rimanere aggiornati sui
suoi progetti.
L’età, l’altezza e il fisico di Bill Skarsgård
10. Bill Skarsgård è nato il
9 agosto 1990 a Vällingby,
Svezia.L’attore è alto complessivamente 1,92
metri. Data quest’altezza, l’attore possiede un fisico
particolarmente slanciato ma anche esile, che gli permette di
passare con naturalezza da un ruolo all’altro risultando sempre di
grande impatto come presenza scenica.
Sonic 3 (Sonic
the Hedgehog 3) (qui
la recensione) presenta un’ampia collezione di interessanti
uova di Pasqua, riferimenti ai videogiochi e altro ancora. Con il
Team Sonic che si scontra con il debutto “live-action” di Shadow
the Hedgehog (doppiato da Keanu Reeves), il terzo film di Sonic
adatta diversi elementi dai giochi classici di SEGA, in particolare
da Sonic Adventure 2. A tal fine, ci sono diversi
riferimenti al gioco del 2001, oltre a molti altri divertenti
riferimenti ai primi due film di Sonic, alla cultura pop e
altro ancora.
Ispirato alla prima apparizione di
Shadow in Sonic Adventure 2 al fianco del
nonno di Eggman, Gerald Robotnik (Jim
Carrey), Sonic 3 (Sonic the Hedgehog
3) adatta diversi elementi fondamentali delle origini
del riccio oscuro, come la sua relazione con Maria Robotnik, la
nipote di Gerald. Per questo motivo, nel nuovo film di
Sonic si possono trovare molti collegamenti con i giochi,
oltre ai riferimenti più tipici che il pubblico si aspetta dal
franchise. Per questo motivo, ecco 35 dei più grandi Easter
Eggs e riferimenti che abbiamo trovato in Sonic 3 (Sonic the
Hedgehog 3).
Prison
Island
Da
Sonic Adventure 2
All’inizio di Sonic 3,
Shadow si risveglia dalla stasi 50 anni dopo essere stato
addormentato da GUN. Shadow si risveglia in una struttura a Prison
Island, al largo della costa di Tokyo. L’isola della
prigione era un luogo in cui GUN teneva prigioniero Sonic in
SonicAdventure 2.
Jorma Taccone dei The Lonely
Island
(ha diretto un episodio di
Knuckles)
Jorma Taccone interpreta
l’ufficiale del GUN incaricato di sorvegliare la camera di stasi di
Shadow. Conosciuto soprattutto per essere un membro del
trio comico musicale The Lonely Island con Andy Samberg e Akiva
Schaffer, Jorma Taccone ha anche diretto il quarto episodio della
serie Knuckles , che presentava l’esilarante canzone “The
Flames of Disaster” (con il cantante Michael Bolton).
La gara di Sonic con Knuckles e
Tails
Riferimenti multipli ai
giochi
La gara di Sonic nella
foresta con Knuckles e Tails presenta molteplici riferimenti ai
giochi classici, come la musica della vittoria finale
quando Sonic taglia il traguardo e il palo della porta che gira.
Gli ologrammi di Knuckles e Tails vengono anche mostrati mentre
battono i piedi, una classica animazione dei personaggi inattivi
dei giochi.
Il Team Sonic in uscita da un
elicottero GUN
L’inizio di Sonic Adventure
2
Reclutato dalla GUN per dare la
caccia a Shadow, il Team Sonic salta dall’elicottero della GUN
prima di lanciarsi nella città di Tokyo. Questo rispecchia
l’inizio diSonic Adventure
2, quando Sonic viene mostrato mentre fugge
dalla GUN saltando da un elicottero (e usando una delle
sue porte come tavola da surf).
La moto e la pistola di
Shadow
Riferimenti al gioco in
solitaria di Shadow
Guidando una moto e sparando con
una pistola a un Sonic che lo insegue, Shadow fa una bella entrata
in scena durante il suo primo scontro con il classico porcospino
blu. Allo stesso modo, la moto e la pistola sono
riferimenti al gioco in solitaria di Shadow pubblicato da SEGA nel
2005 (e che potrebbe servire per un epico film
spin-off).
“1,21 Gigawatt”
Ritorno al futuro
Dopo il grave scontro tra Sonic e
Shadow che ha temporaneamente interrotto la rete elettrica della
città, uno stordito Sonic viene aiutato da Tails e Knuckles
mentre mormora“1,21 gigawatt…”.
Questo è un riferimento a
Ritorno al futuro, la quantità di energia necessaria alla
classica DeLorean per viaggiare nel tempo.
Chao Gardens
via EW
Visti in diversi giochi di
Sonic
Dopo essersi riunito, Tails
porta la squadra ai Chao Gardens, un famoso ristorante di
Tokyo che ospita le classiche creature fatate dei giochi. Nel gioco
(come in Sonic Adventure 2), sono presenti diversi Chao
Gardens, luoghi in cui le piccole creature possono essere portate e
curate una volta trovate.
Detective Pikachu
Un altro grande film sui
videogiochi
Tails viene scambiato da
alcuni bambini per il detective Pikachu, con grande
divertimento di Knuckles. Come i film di Sonic, Detective Pikachu è stato un altro adattamento di
successo di un videogioco che ha mescolato personaggi di gioco in
computer grafica con attori umani e ambienti reali.
Shadow, The Ultimate Life
Form
Il suo nome classico
Incontrando il Team Sonic al
ristorante, il comandante Walters conferma che Shadow faceva parte
di un progetto segreto della GUN risalente a 50 anni fa,
quando recuperarono una meteora contenente
“The Ultimate Lifeform”. Questo è il nome classico di Shadow nei giochi
e nei fumetti, a testimonianza dei suoi impressionanti poteri e
abilità.
Robotnik’s Spanish Soap Opera
Visto per la prima volta nella
serie Knuckles (con Cristo Fernández)
Rivelatosi vivo e nascosto in un
gigantesco granchio robot, l‘Eggman di Jim Carrey viene
mostrato mentre mangia e guarda una soap opera spagnola intitolata
“La Ultima Pasión”, con il Cristo Fernández
diTed Lasso nel doppio ruolo di due
fratelli gemelli rivali. Tuttavia, la serie stessa è stata citata
per la prima volta nell’episodio 5 di Knuckles, quando
l’echidna la guarda brevemente nella sua stanza d’albergo a
Reno.
La paura dei fantasmi di
Knuckles
Probabile riferimento a Pumpkin
Hill
Esplorando la facoltà abbandonata
di GUN dove Shadow ha perso Maria, Knuckles cerca di negare
la sua paura dei fantasmi. Questo potrebbe essere un
riferimento a Pumpkin Hill, un livello incentrato su Knuckles in
Sonic Adventure 2 che presentava una collezione di
fantasmi.
La velocità di Keanu Reeves
Il film che ha ispirato il casting
delle ombre di Keanu
Dopo aver incontrato Gerald
Robotnik per la prima volta, Eggman mette alla prova l’intelletto
del suo presunto nonno con banalità ed equazioni. Una di
queste equazioni consiste nel dividere la velocità della luce e del
tempo con la velocità dell’autobus diSpeed, il film del 1994 con Keanu
Reeves che Sonic guarda in segreto con Tom e Maddie
Wachowski nel primo film. Per questo motivo, l’amore professato da
Sonic per Keanu in Speed ha contribuito a motivare il suo futuro casting
come Shadow per Sonic 3.
Cannone a eclissi di Robotnik
Una superarma incredibilmente
potente
Il Gerald di Jim Carrey rivela
all’Ivo di Jim Carrey di aver costruito un’enorme superarma per
GUN, nota come Eclipse Cannon. Si tratta della stessa
superarma costruita da Gerald nella continuità dei giochi
e che è stata utilizzata da Eggman decenni dopo in Sonic
Adventure 2.
Ivo e Gerald Robotnik nel Paese
di Eggman
Apparsi per la prima volta in
Sonic Labyrinth
Trascorrendo un po’ di tempo
insieme utilizzando la VR, Ivo e Gerald vengono mostrati
mentre cavalcano insieme le montagne russe di
“Eggmanland”. Apparso in diversi giochi, Eggmanland è un
luogo classico che è un ibrido tra città e parco a tema, un’utopia
robotica agli occhi di Eggman stesso.
Mr. e Mrs. Smith
Un classico film di spionaggio
citato dai Wachowski
Mentre pianifica l’irruzione nel
quartier generale della GUN a Londra, il Team Sonic chiede l’aiuto
di Tom e Maddie, desiderosi di un po’ di azione. Eccitati dall’idea
di infiltrarsi nella base, Tom e Maddie si definiscono
“Mr.
e Mrs. Smith”, facendo riferimento all’omonimo film di
spionaggio di Brad Pitt e Angelina Jolie (che ha ricevuto un
recente reboot della serie con Donald Glover e Maya Erskine).
Schermata di selezione del
personaggio classico di Sonic
Durante la pianificazione del
colpo
Mentre Tails esamina i
ruoli di ogni persona nella rapina, viene brevemente mostrata una
schermata di selezione dei personaggi. Assomiglia molto a
quella dei giochi classici di Sonic, come Sonic
Adventure 2.
Shadow’s Revenge Guac
Mentre i Robotnik si infiltrano nel
quartier generale della GUN, Shadow è costretto ad aspettare con
Stone che gli offre del guacamole. Rispondendo che si
tratterebbe di “guacamole della vendetta”, questo è un riferimento
al primo filmdi Sonic,
quando Sonic menziona quanto sia strana la parola
“guacamole”.
Camei da Sonic The Hedgehog
2
Jim Carrey in Sonic 2. Courtesia di Paramount Pictures e Sega of
America.
Rachel e Randall
Utilizzando dei travestimenti
olografici, Tom e Maddie si infiltrano nella base nei panni
di Rachel (Natasha Rothwell), sorella di Maddie, e di Randall
Handel (Shemar Moore), suo marito, agente della GUN.
Rachel e Randall appaiono in Sonic the Hedgehog 2, mentre
celebrano il loro matrimonio alle Hawaii.
“Un classico trucco degli anni
’90
Soffiare sulle cartucce
SEGA
Quando la chiavetta USB di Tails
non funziona, Tom ci soffia sopra e la rimette dentro, risolvendo
il problema. Confermando che si tratta di “un classico
trucco degli anni ’90”, questo è senza dubbio un cenno alla
classica soluzione videoludica di soffiare sulle vecchie cartucce
di gioco quando e se non rispondono inizialmente, come
quelle per il SEGA Genesis.
Mentre corre per superare gli scudi
temporaneamente abbassati di GUN, Sonic si prende un
momento per ricreare la classica copertina dell’album Abbey Road
dei Beatles. Tuttavia, lancia una sottile frecciatina a
Ringo, spesso dimenticato.
Il livello antigravitazionale in
Sonic Adventure 2
La migliore difesa di sicurezza
della GUN
L’ultima difesa di sicurezza a
guardia della seconda chiave del Cannone a Eclissi è una stanza con
gravità variabile, con pannelli verdi per una minore quantità di
gravità e pannelli rossi per una maggiore quantità di gravità.
Si tratta probabilmente di un parallelo con il penultimo
livello diSonic Adventure 2,
anch’esso caratterizzato da diversi cambiamenti di gravità.
Le fiamme del disastro di
Knuckles
Apparso per la prima volta
nello spettacolo di Knuckles
Quando si schianta per salvare la
situazione, Knuckles viene mostrato con i suoi pugni
infuocati, noti come “Fiamme del disastro”. Si tratta di
un potere mistico del guerriero che è stato trattato nella serie
spin-off Knuckles.
Le classiche tute di Robotnik
di Ivo e Gerald
Un’evoluzione completa per il
villain di Jim Carrey
Dopo aver ottenuto l’accesso al
cannone Eclipse, Gerald regala a Ivo e a se stesso delle
tute nuove di zecca. Per Eggman in particolare, la nuova
tuta rossa è una copia fedele della sua apparizione nei giochi,
rappresentando la fase finale della sua evoluzione, iniziata con il
suo debutto in live-action nel primo film di Sonic.
Wade Whipple e il Maestro
Emerald
“Il più grande guerriero di
tutti i tempi”.
Deciso a usare il Master Emerald,
Sonic costringe Knuckles a rivelare la sua posizione, che si rivela
essere nelle mani di Wade Whipple (Adam Pally). Knuckles lo chiama
“Il più grande guerriero di tutti i tempi”, in riferimento
alle avventure di Knuckles e Wade nella
serieKnuckles, dove Wade ha
ricevuto un addestramento da guerriero dall’echidna.
Shadow blocca i colpi di Super
Sonic
Rispecchiamento di Neo in
Matrix
Prendendo il potere del Master
Emerald per sé, Shadow diventa Super Shadow per
rivaleggiare con Super Sonic. A tal fine, il riccio più
scuro blocca uno dei primi colpi di Super Sonic in un modo che
ricorda molto il Neo di Keanu Reeves in Matrix che combatte contro l’Agente Smith dopo essere
diventato “The One”.
“Ti sei lasciato
aperto”
Riferimento al classico colpo
alla gola di Robotnik
Quando Eggman colpisce il
nonno alla gola e si rende conto che Gerald intende distruggere il
mondo, gli dice: “Ti sei lasciato
aperto”. Questo è un riferimento al
primo Sonic, quando Robotnik fece e disse la stessa cosa
all’agente Stone.
“Guardare con odio Lanterna
Verde del 2011”
Ryan Reynolds in una scena del poco apprezzato film Lanterna
Verde
Un riferimento brutale alla
DC
Di fronte a suo nipote, Gerald si
arma con un grande nano-pugno. Tuttavia, Eggman non è
impressionato, affermando di non averne più visto uno da quando
“odiava Lanterna Verde del
2011”, una battuta esilarante ma
brutale a spese di uno dei film sui supereroi DC peggio accolti di
tutti i tempi.
“Vivi e impara”
Il tema di Sonic Adventure
2
Quando si riconciliano le loro
differenze e uniscono le forze per la prima volta come Super Sonic
e Super Shadow, inizia a suonare “Live and Learn” dei Crush
40. Questo era il tema principale di Sonic Adventure
2 , quindi il suo utilizzo nella battaglia
finale di Sonic 3 è estremamente appropriato e molto
divertente, adattando efficacemente il finale del gioco
classico.
“Devo andare veloce”
Il classico tormentone di
Sonic
Poco prima che Sonic e Shadow
affrontino le difese di Gerald Robotnik, Sonic usa la sua
classica frase“Gotta Go
Fast”. Il tormentone ha origine
dalla sigla della serie animata Sonic X.
L’esercito di robot di Gerald
Robotnik
Riferimento a E123/Omega di
Sonic Heroes
Scatenando una legione di
robot per affrontare Shadow e Sonic, questi sembrano far parte
della serie E-100 di Robotnik. Nei giochi, E123/Omega è
uno di questi robot che ha finito per cercare uno scopo più grande
e si unisce al Team Dark in Sonic Heroes con Shadow e
Rogue the Bat.
Eggman distrugge la
luna
Ma per un motivo diverso
rispetto a Sonic Adventure 2
In Sonic Adventure 2,
Eggman spara intenzionalmente il cannone Ecplise contro la luna per
dimostrare il suo potere agli abitanti della Terra affinché si
sottomettano al suo dominio. Tuttavia, l’ Eggmandi Sonic 3distrugge la luna per
puro caso, dopo aver acceso il cannone poco prima che
questo distrugga il mondo come desiderava suo nonno. Per questo
motivo, il ruolo di Eggman nel danneggiamento della luna è molto
più altruistico, in quanto era l’alternativa per salvare il
mondo.
“La base di Ball”
Da Sonic The Hedgehog
2
Chiedendo a Knuckles se gli
interesserebbe “The Base of Ball”, Tails lo fa lanciare
dall’echidna in modo che possa salvare Sonic. “The Base of
Ball” è un riferimento alla fine diSonic the
Hedgehog 2, quando il trio gioca a baseball con Tom e
Maddie.
Le ultime parole di
Robotnik
Riferimento ai primi due film
di Sonic
Sacrificandosi per distruggere il
cannone dopo aver distrutto suo nonno, Eggman lascia un
ultimo messaggio all’agente Stone, dicendogli che gli
mancheranno i suoi caffellatte con latte di capra austriaco:
“Mi piace come li fai!”, avendo detto lo stesso nel primo
film di Sonic. Robotnik fa anche la sua classica
imitazione del robot che faceva nei primi due film prima che il
cannone esploda.
Sonic di metallo
Un nuovo classico villain per
Sonic The Hedgehog 4
Nella scena dei titoli di coda di
Sonic the Hedgehog 3, Sonic viene attaccato da
diversi Metal Sonic. Apparso per la prima volta in
Sonic the Hedgehog CD, Metal Sonic era la potente opera
magna delle creazioni di Robotnik, quindi forse questi Metal Sonic
sono stati attivati come emergenza in caso di morte di Robotnik (ma
potrebbe anche significare che Robotnik è ancora vivo). In ogni
caso, sembra che Metal Sonic sarà il cattivo o i cattivi di
Sonic 4 (che
è stato confermato).
Rosa Amy
Impugnando il suo martello Piko
Piko
Sonic viene salvato da
nientemeno che Amy Rose, il classico riccio rosa che si
vede come la fidanzata di Sonic nei giochi, negli spettacoli e nei
fumetti. Impugnando il suo martello piko piko, Amy è una forza da
non sottovalutare nel
post-credits di Sonic 3 e sarà senza dubbio
un’aggiunta molto eccitante al Team Sonic in futuro.
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei
Rohirrim è la prima incursione del franchise
nell’animazione da decenni, ed esplora anche un lato emozionante e
inedito dell’universo fantasy. Sebbene J.R.R.
Tolkien sia principalmente noto per Il Signore
degli Anelli e Lo Hobbit, la sua
mitologia della Terra di Mezzo è molto più profonda, molto simile a
un libro di storia ma con draghi, orchi e gioielli pericolosi.
Mentre The Rings of Power di Amazon fa parlare di
sé non sempre in maniera positiva, altri progetti
pre-Bilbo sono in arrivo.
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei
Rohirrim rappresenta un netto distacco dal genere di
Tolkien con cui il pubblico mainstream ha familiarità, e c’era
ancora molto fermento attorno all’adattamento animato. Sebbene il
film tocchi un angolo ancora inesplorato dell’amato franchise
fantasy, c’è comunque una certa familiarità da parte del pubblico
con la nuova avventura nell’universo di Tolkien. Ambientata molti
anni prima degli eventi de Il Signore degli
Anelli, La Guerra dei Rohirrim segue uno dei leader
più influenti nella storia di Rohan.
Il Signore degli Anelli: La Guerra
dei Rohirrim – Accoglienza della critica e botteghino
Una risposta mista al prequel de Il
Signore degli Anelli
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim – Un’Immagine dal
film
Nonostante sia collegato a uno dei
franchise cinematografici e televisivi più amati di tutti i tempi,
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei
Rohirrim non ha ricevuto un’accoglienza
particolarmente calorosa dalla critica. Il film ha ottenuto solo un
punteggio del 50% su Rotten Tomatoes e molte di quelle recensioni
negative hanno riassunto il film come insipido e inutile. The
Guardian è stato particolarmente duro, definendo l’animazione priva
di personalità e la narrazione “noiosa e senza gioia”.
Anche sul fronte del botteghino, le
cose sono un po’ cupe. Il film è uscito nelle sale cinematografiche
degli Stati Uniti il 13 dicembre 2024. Dopo il primo weekend, è
riuscito a incassare solo circa 10 milioni di dollari (tramite Box
Office Mojo) contro un budget di 30 milioni di dollari. Con un
costo totale stimato di circa 70 milioni di dollari (considerando i
costi di marketing/distribuzione), l’avventura animata è stata ben
al di sotto delle aspettative. Sebbene un’inversione di tendenza
sia sempre possibile, l’inizio da 10 milioni di dollari potrebbe
essere troppo lento per renderlo un successo finanziario.
Cast di Il Signore degli Anelli: La
Guerra dei Rohirrim
Brian Cox guida il cast vocale
Con il cast di Il
Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim composto da
star riconoscibili, l’adattamento animato non è diverso dalle sue
controparti live-action. Brian Cox di
Succession guida il cast vocale come Helm
Mandimartello, il re di Rohan. Inoltre, Miranda
Otto è la voce narrante del film nel ruolo di Éowyn, già
interpretato ne Il Signore degli Anelli.
Gaia Wise (Silent Witness)
interpreta la figlia di Helm, Hera, mentre Luke
Pasqualino (Skins) interpreta Wulf, il
capo antagonista dei Dunlandiani.
Christopher Lee ha
ripreso il suo ruolo del mago Saruman nel film animato. Sebbene Lee
sia scomparso nel 2015 all’età di 93 anni, la sua performance
vocale si basa su battute registrate in precedenza dalla trilogia
de Lo Hobbit. Dal punto di vista della storia,
Saruman era vivo durante la Guerra dei Rohirrim, ma non era ancora
il malvagio alleato di Sauron.
Trailer di Il Signore degli Anelli:
La Guerra dei Rohirrim
Guarda il trailer completo qui
sotto
In previsione della data di uscita
del film a dicembre (da noi il Primo Gennaio), la Warner Bros. ha
lanciato un trailer completo per Il Signore degli Anelli:
La Guerra dei Rohirrim. Dopo aver mostrato filmati
nostalgici dei classici film live-action, il trailer passa
all’animazione e introduce il conflitto tra Helm Mandimartello e i
Dunlandiani (tramite la narrazione di Miranda Otto
nei panni di Éowyn). Vengono anticipate sequenze di battaglie
imponenti e il trailer presenta un piccolo scorcio dell’Unico
Anello come anticipazione extra.
Di cosa parla Il Signore degli
Anelli: La Guerra dei Rohirrim
Una Piccola Nota a Piè di Pagina
nella Storia della Terra di Mezzo
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim – Un’Immagine dal
film
Non sorprende il fatto che
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim
non avrà molte ripercussioni sulle storie future del franchise
perché è un prequel e il finale non è certo controverso. Sebbene
abbia riassunto in modo succinto e ponderato tutti gli archi
narrativi dei personaggi, il finale non è propedeutico a quello che
racconterà poi Il Signore degli Anelli, elemento molto sano e a
favore di questa storia che è a tutti gli effetti uno standalone.
Il finale infatti trova un buon equilibrio tra il muoversi
in punta di piedi intorno alla tradizione consolidata e il
raccontare una storia completa da sola.
Sonic 3 – Il
Film (qui
la recensione) include una manciata di momenti per
preparare gli spettatori all’arrivo di Sonic 4,
già confermato. Nel complesso, il futuro di questo franchise
live-action sembra luminoso, poiché il film del 2024, da noi dal 1°
gennaio, ha effettivamente portato avanti la storia del
Team Sonic.
Sonic 3
ha avuto un finale felice e soddisfacente, ma le due scene
post-credit hanno piantato i semi di un altro sequel, sia
anticipando il fatto che alcuni personaggi presumibilmente deceduti
siano ancora vivi, sia creando nuovi alleati e cattivi. A questo,
vanno aggiunti i sottili riferimenti a più storie da raccontare e
c’è sicuramente molto da aspettarsi in un altro sequel. Il
franchise live-action sta prosperando e l’ultimo capitolo ha fatto
un lavoro spettacolare piantando altri semi per il confermato
Sonic 4. Eccoli!
La morte del Dr. Robotnik (di
nuovo)
Robotnik è tornato una volta, può
farlo di nuovo
Jim Carrey interpreta Ivo e Gerald Robotnik in Sonic 3 – Il
Film
Sonic 3 è il
secondo film del franchise live-action che si conclude con la
presunta morte del Dr. Robotnik. In Sonic 2, si
dava per scontato che il cattivo malvagio fosse stato ucciso quando
il suo robot gli si era schiantato addosso dopo che Sonic aveva
usato il Master Emerald. Tuttavia, il Dottor Eggman si è riunito
alla lotta in Sonic 3, inizialmente alleandosi con
il suo rivale riccio prima di rivoltarsi contro di lui per unirsi
al suo malvagio nonno, Gerald Robotnik (interpretato
sempre da
Jim Carrey).
Ovviamente, Gerald finisce per non
essere in buone mani e il Dottor Robotnik non aveva voglia di
morire insieme al resto del mondo. Il suo obiettivo è in genere
quello di governare la Terra e il piano di suo nonno di distruggere
tutto e tutti non era del tutto in linea con questo. Quindi, il
cattivo di Sonic the Hedgehog di Carrey ha sacrificato la sua vita
per salvare il pianeta. È stato un colpo di scena divertente per il
suo personaggio, ma significa che, ancora una volta, il
Team Sonic crede di aver visto l’ultima volta il
Dottor Robotnik/Eggman.
Poiché Eggman è il cattivo
principale del franchise di Sonic, è difficile che
sia effettivamente morto, o almeno che se ne sia andato per sempre.
Invece, il suo sacrificio alla fine di Sonic 3 non
fa che preparare ulteriormente gli eventi di Sonic
4. Ci sono diverse volte nei videogiochi o negli anime di
Sonic in cui il Dottor Eggman ha finto la propria
morte o ha trovato modi bizzarri per tornare, e ci si può
sicuramente aspettare che accada lo stesso in Sonic
4.
Il ritorno di Shadow
Anche Shadow è pronto a
tornare
Mentre il ritorno del
Dottor Robotnik è presunto ma non confermato, la morte di Shadow
alla fine di Sonic 3 – Il
Film è una storia diversa. L’ingresso di Keanu Reeves nel cast del franchise
live-action di Sonic è stata sicuramente una
notizia entusiasmante, soprattutto perché Shadow era il personaggio
perfetto per l’attore. Tuttavia, in Sonic 3 Shadow
the Hedgehog si è sacrificato per invertire il suo piano e quello
di Gerald Robotnik di distruggere la Terra. La decisione di Sonic
di voltare le spalle alla vendetta ha ispirato il nuovo cattivo di
Sonic, ma per un momento è sembrato che questo eroismo sarebbe
stata la sua ultima azione.
Tuttavia, la scena post-crediti di
Shadow the Hedgehog ha definitivamente dimostrato
che Shadow non è morto. È stato visto camminare verso un cratere e
afferrare uno dei suoi anelli inibitori, che soffocano il suo
potere per prevenire pericolose conseguenze. Li aveva tolti prima
di spingere via l’arma di distruzione della Terra di Gerald
Robotnik. Il fatto che sia vivo e sufficientemente in salute da
reclamare questi anelli suggerisce che tornerà per Sonic the
Hedgehog 4.
Questo è un sollievo ma non una
sorpresa. Sarebbe un vero shock se la Paramount avesse chiamato
Reeves per dare voce a questo iconico personaggio di Sonic
the Hedgehog, solo per ucciderlo dopo un solo film. La
cosa curiosa qui è cosa farà Shadow dopo. Ora che ha lasciato
andare il suo desiderio di vendicarsi dopo la morte di Maria, il
suo percorso è poco chiaro. Ovviamente, decidere di non distruggere
il mondo non significa necessariamente che Shadow collaborerà con
GUN. Questo riccio oscuro sarà sicuramente al centro di ulteriori
conflitti in Sonic 4.
Amy Rose si è unita alla lotta
La scena post-credit di Sonic 3 ha
introdotto Amy Rose
Il ritorno di
Shadow è stata solo una delle scene post-credit di
Sonic
3 – Il Film. L’altra ha visto Sonic prendere parte a
un’altra gara di famiglia attraverso i boschi, solo per ritrovarsi
molto più lontano da casa di quanto avesse inizialmente previsto.
E’ allora che viene improvvisamente attaccato da una lega di nuovi
(ma familiari) cattivi (ne parleremo più avanti), e per un momento
sembra che Sonic venga sopraffatto. Proprio in quel momento, appare
una figura incappucciata che portava un martello piuttosto
potente.
I film di Sonic live-action hanno
lentamente aggiunto sempre più personaggi tradizionali dei
videogiochi e degli anime, a partire da Knuckles e
Tails in Sonic 2 e Shadow in Sonic 3.
Ora, sembra che Amy Rose sia la prossima. Amy si è
unita per la prima volta al franchise dei videogiochi con Sonic CD
del 1993 ed è diventata un personaggio giocabile in Sonic Adventure
del 1998. Possiede abilità di velocità simili a quelle di Sonic. E
brandisce un potente martello che la aiuta in battaglia. Inoltre,
Amy tende ad avere una cotta enorme per Sonic.
La scena post-credit di
Sonic
3 – Il Film dimostra quanto sia abile Amy Rose con il
suo martello, suggerendo che continuerà a essere una risorsa per il
Team Sonic in Sonic 4. Amy e Sonic non si
scambiano parole nella loro breve scena insieme, quindi la prossima
puntata esplorerà sicuramente la loro amicizia in futuro.
Sonic contro Metal Sonic
Il finale di Sonic 3 ha portato un
altro iconico cattivo
Metal
Sonic è un’altra grande rivelazione della prima scena
post-credit di Sonic 3 – Il
Film. Dopo che Sonic credeva di aver vinto la gara di
famiglia, si è improvvisamente ritrovato circondato da decine di
robot, ognuno dei quali sembrava una versione in metallo di lui.
Naturalmente, questo ha inizialmente ispirato una manciata di
battute da parte di Sonic, ma è diventato subito chiaro che quei
robot erano troppo per lui. E’ allora che Amy Rose interviene e
aiuta a salvare la situazione, ma l’implicazione qui è che questa
non sarà la fine di questi Metal Sonic.
Metal Sonic è solitamente
considerato l’avversario più potente di Sonic nell’universo di
Sonic, ed è canonicamente una creazione del Dr.
Robotnik, un altro indizio che l’Eggman di Carrey non è
morto dopotutto. Il finale di Sonic 3 non ha
rivelato da dove provenga questo esercito di Metal Sonic, quindi
questo sarà sicuramente un mistero principale all’inizio di
Sonic 4.
Il debutto di Metal
Sonic nel franchise live-action di Sonic the
Hedgehog contemporaneamente ad Amy Rose è
un altro aspetto intrigante di questa scena post-crediti. Come Amy,
questo cattivo è apparso per la prima volta nel videogioco Sonic
CD. Metal Sonic ha rapito Amy e Sonic e i suoi amici hanno avuto il
compito di salvarla. Sonic 3
che introduce questi personaggi contemporaneamente potrebbe essere
un indizio che Sonic 4 trarrà ispirazione dal
videogioco del 1993.
The Chao Cafe
I Chao fanno ufficialmente parte
del franchise live-action
Molto prima delle scene
post-credit di Sonic 3,
c’era un altro potenziale scenario per un futuro sequel. Dopo
essere atterrati in Giappone per affrontare Shadow, il Team Sonic
si è seduto per un pasto in un Chao Cafe.
Adorabilmente decorato con persone in costumi Chao, questo bar è un
altro riferimento all’universo di Sonic. I Chao sono esseri simili
a folletti che compaiono frequentemente nei giochi di Sonic,
essendo apparsi per la prima volta in Sonic Adventure (il primo
gioco in cui Amy Rose era un personaggio giocabile). Sebbene a
volte siano compagni adorabili, si collegano intimamente con punti
essenziali della trama.
Non c’è mai stato un vero Chao in
Sonic
3, solo persone in costume e immagini che decoravano
le pareti del bar. Tuttavia, il riferimento del franchise
live-action a questi esseri è intrigante, soprattutto considerando
che il Master Emerald era nascosto sulla Terra in Sonic
2. Nel canone, i Chao erano inizialmente guidati da una
divinità chiamata Chaos, guardiano dei Chaos Emerald. In seguito a
un attacco della tribù Echidna, Chaos è sigillato nel Master
Emerald.
È difficile dire come tutto questo
si adatti alla versione canonica del franchise live-action di
Sonic. Tuttavia, il fatto che sia il Master Emerald che l’adorabile
Chaos siano stati presenti nei film di Sonic implica che tutto
questo potrebbe entrare in gioco. Forse Sonic 4
rivelerà da dove è venuta l’ispirazione per il Chao Cafe in
Giappone: potrebbe persino esserci una colonia di veri Chao
nascosta da qualche parte sulla Terra, senza meta senza il loro
leader.
Il ritorno del Master Emerald
Il Master Emerald continuerà
sicuramente a essere la chiave
Il Master
Emerald è stato introdotto in Sonic 2
come obiettivo primario di Kunckles the Echidna e del Dr. Robotnik.
Alla fine è stato rivelato che Sonic poteva usare il Master Emerald
per diventare Super Sonic, ma questo è un potere che la banda ha
deciso fosse troppo per poterlo usare di nuovo in sicurezza.
Ovviamente, Sonic ha buttato tutto dalla finestra in Sonic
3, quando ha usato per la prima volta il Master Emerald
per vendicarsi di Shadow, poi ha usato il suo potere (insieme a
Super Shadow) per salvare la Terra dal terribile piano di Gerald
Robotnik.
Si presume che il Master Emerald sia
di nuovo nascosto dopo gli eventi di Sonic 3.
Tuttavia, il fatto che sia stato riportato in gioco così
rapidamente dopo che il Team Sonic ha promesso di non usarlo mai
più indica che Sonic 4 presenterà di nuovo il
Master Emerald. Ciò è ulteriormente supportato dal riferimento del
terzo film di Sonic ai Chao, che condividono un legame con questa
potente pietra. Forse Sonic 4 vedrà il Dr.
Robotnik rompere il Master Emerald, scatenando così il cattivo
Chaos, ovviamente, solo il tempo lo dirà.
Dopo la stagione 2
di Squid
Game, la competizione continuerà con la stagione
3 di Squid
Game e il gioco più eccitante dei prossimi episodi è già
stato rivelato. I giochi sono sempre la parte più eccitante delle
nuove stagioni di Squid Game, e la stagione 2 ha
introdotto alcuni giochi completamente nuovi con un colpo di scena
a sorpresa. È interessante notare che
il finale della stagione 2 di Squid Game ha già
anticipato ciò che accadrà nella stagione 3, come questo gioco
incredibilmente emozionante.
Mentre nella
stagione 1 di Squid Game è stata coperta l’intera
settimana della competizione, la stagione 2 cambia un po’ le cose
concentrandosi solo sulle prime tre partite, mentre l’ultima metà
sarà al centro della stagione 3 di Squid Game. Ciò
significa che restano tre giochi da vedere nella stagione finale di
Squid Game e, in base ai giochi della stagione 2,
dovrebbero essere diversi da quelli visti in precedenza.
Fortunatamente, la scena mid-credits della stagione 2
diSquid Gamemostra un
po’ di quello che sarà il prossimo gioco, dimostrando che
sarà il più emozionante della terza stagione.
Il primo gioco della stagione 3
di Squid Game sarà il più emozionante
Il finale della stagione 2 di
Squid Game presenta una scena incredibilmente breve a metà
dei titoli di coda, che mostra alcuni elementi chiave del prossimo
gioco della stagione 3 di Squid Game. In primo luogo,
la scena mostra il Giocatore 096, il Giocatore 100 e il
Giocatore 353 che entrano nella stanza della prossima
partita. In essa si vede la bambola gigante nota come Young-hee del
gioco Red Light, Green Light. Accanto a lei, si vede anche un robot
più giovane di nome Cheol-su, che indossa un costume verde. Poi si
vedono una luce rossa e una luce verde lampeggianti prima che la
scena finisca, tornando ai titoli di testa della stagione 2 di
Squid Game.
Il creatore della serie Squid
Game, Hwang Dong-hyuk, ha parlato della scena a metà dei
titoli di coda, fornendo un po’ di contesto in più sul significato
della scena. Ecco i commenti completi del creatore:
“Si tratta in realtà di una
[anticipazione] di Cheol-su, che, come Young-hee, è una nuova
bambola gigante che mostreremo nella terza stagione…Ed è
anche un accenno al gioco più emozionante della terza stagione.Quindi, anche se non è ancora stato condiviso, spero che tutti
siano entusiasti di conoscere Cheol-su e il nuovo gioco”.
Secondo la stessa persona che ha
creato Squid Game, questo gioco sarà il più
emozionante della terza stagione diSquid
Game. Con ancora tre giochi da giocare, questo è
incredibilmente eccitante, perché è sicuro che sarà un affare
importante nella prossima stagione. Ci sono ancora molte domande su
cosa sia questo nuovo gioco, ma se il creatore della popolare serie
di Netflix dice questo sul gioco, allora gli spettatori
possono stare certi che la terza stagione inizierà con il
botto.
Cos’è davvero il nuovo gioco
delle bambole di Squid Game Stagione 3
Il funzionamento del nuovo gioco
delle bambole di Squid Game – Stagione 3 non è ancora
stato rivelato, ma ci sono alcune teorie su cosa sia effettivamente
il gioco. È molto probabile che questo nuovo gioco di bambole sia
un’iterazione del precedente gioco Red Light, Green Light, e questo
è ovviamente il motivo della presenza della bambola Young-hee e
delle luci rosse e verdi lampeggianti. L’aggiunta della bambola
Cheol-su potrebbe consentire ai giochi di vedere anche le spalle
dei giocatori, impedendo loro di nascondersi l’uno dietro l’altro
come facevano nel primo gioco Red Light, Green Light della seconda
stagione di Squid Game.
Un’altra teoria diffusa è che il
gioco potrebbe essere una variante del gioco per bambini Jack e
Jill. In questo gioco, i giocatori lanciano un dado colorato, si
spostano in uno spazio di quel colore e fanno girare una ruota. Se
la ruota finisce su un pozzo, il gioco passa al turno successivo.
Se la ruota finisce su un secchio, il giocatore torna al punto di
partenza. Young-hee e Cheol-su potrebbero essere i
sostituti di Jack e Jill, e le luci rosse e verdi
potrebbero essere un nuovo modo per determinare su quali spazi
colorati atterrano i giocatori. E se la ruota finisce su un
secchio, molto probabilmente i giocatori moriranno.
La terza stagione di Squid Game
continuerà la tradizione della luce rossa e verde dello
show
Anche se il gioco della scena
mid-credits di Squid Game non è Red Light, Green Light, la
terza stagione si prepara a continuare la tradizione Red Light,
Green Light dello show. Come le prime due stagioni, la terza
stagione di Squid Game inizierà con un gioco che avrà come
protagonista la bambola Young-hee, uno dei pezzi più famosi
dell’iconografia di Squid Game.
Nel corso della partita, i
giocatori discuteranno probabilmente dei collegamenti con Red
Light, Green Light, un gioco che hanno giocato solo pochi giorni
fa. In questo modo, gli spettatori vedranno Gi-hun cimentarsi per
la terza volta in un gioco come Red Light, Green Light, dando vita
a un inizio incredibilmente interessante per
l‘ultima stagione di Squid
Game.
Essere il nipote di Ingmar
Bergman e Liv Ullmann e cercare di farsi
strada nel mondo del cinema deve essere complicato. Lo sa bene il
norvegese Halfdan Ullmann Tøndel, che ha
presentato il suo primo lungometraggio,
Armand, al Festival
di Cannes 2024, dove si è aggiudicato la Camera d’Or come
miglior opera prima. Il film, che ha come protagonista la
connazionale Renate Reinsve (La
persona peggiore del mondo) e arriva oggi nelle sale
italiane, ci invita a riflettere su questioni come l’iperprotezione
dei bambini e la facilità con cui l’essere umano tende a giudicare
le persone pur con pochissime informazioni alla mano.
Un incidente scolastico da decifrare
Armand è un bambino di sei anni che non appare mai
direttamente sullo schermo, ma di cui sentiamo parlare
attraverso la sua insegnante e le autorità scolastiche. Da quello
che sentiamo, ha spesso comportamenti “problematici”, ed è stato
coinvolto in una relazione complicata con un
compagno di classe. Nonostante le reticenze, si decide che la madre
debba essere convocata per un incontro. A scuola, la situazione è
gestita con evidente disagio. L’insegnante Sunna
(interpretata da Thea Lambrechts Vaulen), il
personaggio più autentico e credibile del film, appare visibilmente
nervosa, mentre il preside Jarle (Øystein
Røger) e la collega Ajsa (Vera
Veijovic) reagiscono fisicamente al clima di tensione: lui
suda abbondantemente, mentre lei ha un’emorragia nasale. Ma chi è
Armand? Di chi è figlio e cosa ha fatto per rendere tutti così
nervosi?
Tra commedia nera e dell’assurdo
Attraverso il racconto ellittico di Ullmann, la
situazione si chiarisce gradualmente. Armand è il figlio di
Elisabeth (Reinsve), una donna dal passato
travagliato, temuta e evitata da molti. Tuttavia,
Anders (Endre Hellestveit) e
Sarah (Ellen Dorrit Petersen), i
genitori del bambino vittima dell’aggressione, decidono di sporgere
una denuncia formale per porre fine ai comportamenti di Armand. Il
confronto, a quel punto, diventa inevitabile.
L’atmosfera rarefatta che
Armand presenta nella prima parte del
film crea disagio e stranezza, ma in una certa misura questi
sentimenti sono benvenuti: cosa c’è di sbagliato in Elisabeth, che
improvvisamente ha lunghi attacchi di risate che sembrano non
finire mai? Perché il naso di Ajsa continua a sanguinare? Cosa si
nasconde nel passato del trio che fa sì che tutto ciò che è
accaduto, o che si suppone sia accaduto, tra i loro figli, provochi
così tanti sguardi e parole pieni di risentimento e nervosismo?
Questo rischio nella messa in scena rientra nei limiti di un certo
realismo, con un regista che osa spingersi ai margini della
commedia nera e persino dell’assurdo per parlare di un
argomento serio come un’aggressione, apparentemente di natura
sessuale, da parte di un ragazzo all’altro.
Renate Reinsve in una scena di Armand – Cortesia di Movies
Inspired
Ma Ullmann pone sempre più l’accento
sul turbamento personale di tutti i presenti per
trasformare il film in qualcosa di simile a un
balletto, utilizzando i corridoi e le aule di questa
enorme scuola come se fossero i passaggi nella mente di un gruppo
che porta con sé una pesante eredità familiare e continua a
complicarla sempre di più a ogni nuova generazione.
Un dramma che punta sull’approccio minimalista
La grande forza di
Armand sta nella sua capacità di mostrare
come il comportamento dei bambini possa essere un riflesso
distorto di ciò che questi vedono negli adulti che li
circondano: ogni sguardo, ogni silenzio tra i genitori intreccia un
dramma teso e complesso, dove accuse e pregiudizi vengono a galla
in modo esplosivo.
Da parte sua, Renate Reinsve
offre una performance travolgente nel ruolo di una madre
in bilico tra la difesa del figlio e l’incertezza di ciò che è
realmente accaduto. La sua interpretazione è ricca di sfumature e
riflette l’ansia e lo smarrimento di una situazione in cui non ci
sono risposte chiare, mentre la regia di Ullmann Tøndel mostra una
sorprendente maturità nel cogliere la tensione emotiva alla
base delle interazioni più quotidiane.
Armand è due film in uno
Il film si distingue per la
sottigliezza dei toni e la capacità di approfondire gli aspetti più
oscuri della condizione umana senza bisogno di scene esplicite o di
confronti diretti. L’approccio minimalista e la
scelta di concentrare gran parte dell’azione sulle conversazioni
tra i genitori e i membri della scuola rafforzano il senso
di claustrofobia morale che percorre tutto il film. Da
questo punto di vista, Armand lascia lo
spettatore con tante domande piuttosto che con delle risposte,
invitando a una riflessione profonda sui limiti del senso di colpa,
sulla responsabilità genitoriale e sul modo in cui gli adulti
proiettano i propri conflitti sui bambini.
Tuttavia, il film di Ullmann
Tøndel appare in ultima istanza più come una prova di
abilità in divenire che un film con un’idea e un percorso chiari.
Pone un concept di partenza molto forte e lo struttura con un tono
decisamente atipico e personale, ma quella stranezza che gli
conferisce un’atmosfera particolare durante la prima metà rischia
di risultare particolarmente esagerata nella seconda. Vi è, alla
base, un dramma umano inquietante e psicologico che poi si
trasforma in una sorta di gioco coreografico, sperimentale
e onirico che appartiene a un altro film, che ha poco a
che fare con il primo. Legami che sono più nella testa del regista
e negli sforzi dell’attrice protagonista che nella stessa
costruzione cinematografica.
Nell’inverno del 1925, una malattia
mortale colpì la città di Nome, in
Alaska. I negozi di medicinali più vicini erano a
centinaia di chilometri di distanza, nell’interno innevato dello
Stato. Ma questa storia l’avete già sentita. Il film
Balto del 1995 l’ha immortalata per una
generazione: l’omonimo cane ha radunato la squadra che ha portato
il siero salvavita attraverso le terre selvagge dell’Alaska,
salvando eroicamente i bambini della città. Dal 1925, Balto si è
guadagnato il plauso universale, schiere di fan e una statua di
bronzo commemorativa nel Central Park di New York. Ma
Togo, il film
del 2019, ha corretto questo record storico a favore di un
perdente.
Come si è scoperto, Balto era solo
uno degli oltre 100 cuccioli che hanno reso possibile quella
staffetta di cani da slitta salvavita verso Nome. Balto guidò la
squadra canina nell’ultimo tratto di 55 miglia del viaggio (era
ancora in testa al gruppo quando arrivò in città). Ma un altro
cane, Togo, ha percorso più del doppio della
distanza rispetto a qualsiasi altro cane della squadra e l’ha
guidata in alcuni dei punti più rischiosi. Togo,
interpretato da Willem Dafoe, racconta dunque la vita del
cucciolo storicamente trascurato che ha però reso possibile la
consegna di medicinali cruciali. In questo articolo, scopriamo
ulteriori dettagli della vera storia dietro il film.
La vera storia dietro il film Togo
La storia ha inizio quando un medico
diagnostica il primo caso di difterite, una
malattia mortale, in un ragazzo di Nome nel gennaio 1925. La città,
situata a circa 150 miglia a sud del Circolo Polare Artico, contava
poco meno di 1.000 abitanti. La difterite era chiamata
“l’angelo strangolatore dei bambini”, perché rilascia una
tossina che chiude la trachea della vittima. I bambini piccoli
erano particolarmente vulnerabili. Nell’inverno di quell’anno, Nome
aveva una scorta di antitossina, il siero allora usato per trattare
la difterite, ma era tutto scaduto. L’unico medico e le quattro
infermiere della città assistettero così impotenti alla morte di un
bambino di tre anni, presto seguito da una bambina di sette.
Temevano che il tasso di mortalità
delle persone infette fosse del 100%. Alcuni anni prima,
un’epidemia di influenza aveva ucciso metà della popolazione
indigena di Nome. L’équipe medica di Nome lanciò una richiesta di
aiuto e scoprì che la fornitura di siero più vicina si trovava in
un magazzino fuori Anchorage. I treni potevano portarlo a circa 700
miglia da Nome e l’équipe sperava che gli aerei da trasporto
potessero portarlo da lì. Ma quella settimana un freddo record e
venti fortissimi attraversarono l’Alaska, mettendo a terra gli
unici aerei sgangherati della zona.
Gli abitanti di Nome si resero conto
che i cani da slitta avrebbero dovuto trasportare il pacco di 20
libbre di medicinali nella loro città attraverso la tempesta. Era
l’unico modo per poter avere il farmaco. Ed ecco che entra in gioco
Togo, che nel 1925 era già un campione di corsa,
ma i cui giorni migliori erano ormai alle spalle. Era nato nel
1913, un cucciolo più piccolo della media, ma si era subito
distinto come cane da slitta, correndo per la prima volta 75 miglia
in un’imbracatura. Secondo The Cruelest Mile di
Gay e Laney Salisbury, una storia
del 2003 sulla corsa del siero, Togo era una leggenda vivente tra i
conduttori di slitte trainate da cani dell’Alaska, “un cane da
guida nato”.
Sebbene Togo avesse 12 anni nel
gennaio 1925, era ancora veloce e forte. Gli fu così affidato il
compito di guidare la staffetta del siero. “Era il miglior cane
che [il proprietario Leonhard Seppala] avesse a
disposizione per navigare tra i ghiacci marini, e spesso correva
molto avanti alla squadra con un lungo guinzaglio per individuare
il percorso più sicuro e facile attraverso Norton Sound o altre
parti del Mare di Bering”, scrivono i Salisbury. Questo
talento è servito a Togo durante la corsa del siero: a un certo
punto, l’intrepido cucciolo ha guidato la squadra attraverso 40
miglia di ghiaccio del Mare di Bering di fronte a
una tempesta in arrivo.
Nessun singolo cane merita tutto il
merito per aver salvato Nome. Per consegnare l’antitossina, più di
20 mushers e 100 cani hanno trasportato la medicina da una linea
ferroviaria vicino a Fairbanks (dove le
temperature si aggiravano intorno ai -50 gradi), lungo il fiume
Yukon, su una baia ghiacciata e infine lungo la
costa del Mare di Bering. Tuttavia, Togo è stato probabilmente il
cane più sbalorditivo della squadra sia per la distanza percorsa –
ha corso più di 350 miglia in totale, più di qualsiasi altro cane
del gruppo – sia per l’eroismo.
Il film celebra le vere imprese di Togo
Gli spettatori del film
Togo potrebbero pensare che i suoi momenti più
cinematografici siano il prodotto della licenza creativa di
Hollywood, ma si sbaglierebbero. In una scena molto drammatica, ad
esempio, Togo raggiunge la riva, ma la slitta con la medicina è
rimasta bloccata sul ghiaccio galleggiante dall’altra parte di un
canale d’acqua gelida. Con una prodezza atletica e un’ingenuità
francamente non da cane, Togo afferra la corda di piombo in bocca e
tira la slitta a riva. Come riportato da testimoni diretti, tale
atto di forza e coraggio si è verificato davvero.
C’è però anche un altro momento del
flim che sembra troppo bello per essere vero, ma lo è: a causa
delle dimensioni ridotte di Togo da cucciolo, una volta il suo
padrone lo regalò a una famiglia perché lo tenesse come animale
domestico. Nel giro di poche settimane, Togo ne aveva abbastanza
della vita domestica. Ha sfondato una finestra ed è tornato di
corsa al canile per slitte di Seppala, una scena che si verifica
all’inizio del film. La corsa del siero verso Nome aveva forse
bisogno di un riavvio? Si guarda a Togo con scetticismo, ma al
termine della visione ci si convince che il film originale su
Balto ha tralasciato il personaggio più
interessante del viaggio.
Dopo Jackie e Spencer,
l’acclamato Pablo Larraìn completa
la sua trilogia con Maria, ritratto della Divina
Callas, la più grande soprano della storia della
musica e personalità affascinante e per certi versi
misteriosa, che il regista cileno racconta sotto una nuova luce,
negli ultimi giorni di vita, nella sua casa di Parigi.
È il settembre del 1976,
di lì a pochi giorni Maria Callas morirà,
lasciando al mondo un’eredità artistica incommensurabile e
irripetibile, e lei sembra saperlo, per questo si appresta a
scrivere la sua autobiografia, appuntandola attraverso racconti
frammentati, affidati a un amico immaginario che ne raccoglie le
confidenze e i segreti, come un diario che nessuno leggerà. La
giovinezza in Grecia durante la Guerra, l’inizio del successo,
l’amore per Onassis, la solitudine, la malattia, ma soprattutto la
musica, il teatro, il canto. La sua voce. Larraìn ci mostra Maria
mentre cerca di recuperare la sua voce, di tornare a essere non
l’usignolo ma la pura “voce umana”, questa volta solo per se
stessa, senza un secondo fine o uno scopo differente dal piacere
personale della musica.
Pablo
Larraìn sceglie di raccontare una Diva che riprende in
mano la propria vita, travolta dalla malattia e dalle visione ma
apparentemente lucida e presente a se stessa, consapevole e
sprezzante, desiderosa delle lusinghe dei fan, per lei dovute, alla
ricerca di un suo equilibrio che quell’uomo “brutto e
morto” le ha tolto. Si riferisce ovviamente a
Aristotele Onassis, il grande amore di Maria, che
la Storia ha raccontato averla “sedotta e abbandonata” per
l’avvenente Jackie (fu) Kennedy (la stessa che
Larraìn ha raccontato con il volto di Natalie
Portman). Eppure il regista sceglie una strada
diversa: la sua Maria, la Callas è una donna sì desiderosa di
amore, ma mai vittima degli eventi, tutt’altro. È una donna che si
autodetermina, come tutte quelle eroine d’opera che ha interpretato
nel corso della sua sfolgorante carriera. Basti pensare che
nell’ultimo immaginario confronto tra lei e il morente Onassis, la
Maria di Pablo Larrain dice che alla notizia del
suo matrimonio con Jackie, il suo cuore non era spezzato, ma il suo
orgoglio era ferito.
Foto Credits Pablo Larraín
La Divina Callas, tragica
sì, ma consapevolmente fiera
Lei è la Divina, una Diva
che accoglie il successo e le lodi, il servizio e la
subordinazione, ma non è capricciosa e pretenziosa, ha slanci di
bontà, emozioni profonde e reali, affetti preziosi, bisogno di
amore ma anche di essere sempre e comunque se stessa. Larrain
racconta una donna che non solo ha interpretato l’opera ma che l’ha
vissuta, diventando di volta in volta Madama Butterfly,
Violetta, Tosca, tutte le donne che è stata sul
palcoscenico e che attraverso di lei hanno trovato spazio nel
mondo. Il regista accompagna lo spettatore attraverso questa
sovrapposizione tra arte e vita, selezionando attentamente le aree
d’opera da far risuonare di volta in volta, componendo un racconto
avvincente e originale, tragico sì, ma consapevolmente
fiero del proprio valore.
Angelina Jolie è Maria
Callas
A interpretare Maria, il
regista ha voluto Angelina Jolie. Una dei personaggi pubblici
più facilmente accostabili al concetto di Diva, l’attrice studia,
imita, ripete, si cala completamente nel ruolo e riesce a portare
sullo schermo uno strano ibrido in cui Angelina non scompare mai
dietro alla maschera di Maria e allo stesso tempo Callas fa
continuamente capolino attraverso gesti e tono di voce di Jolie.
Un’interpretazione importante nella carriera dell’attrice che però
deve per forza scendere a patti con la sua riconoscibilità: da una
parte quindi lo spettatore è restio ad accettare che proprio quella
lì debba essere Maria Callas, dall’altra offre il
dono prezioso, nei biopic, di aggirare
la mera imitazione e di dare spazio all’interpretazione. Dopotutto
se avessimo voluto vedere la vera Callas, avremmo guardato un
documentario! Per quanto riguarda i primi piani in playback, è un
dazio da pagare per un biopic sulla voce più grande di sempre.
Foto Credits Pablo Larraín
Pablo Larraìn direttore
d’orchestra
Larraìn è il “solito”
direttore d’orchestra impeccabile, conduce le danze con la solita
grazia, scompare dietro ai suoi protagonisti quando è il momento di
ascoltarli ma prende le redini del racconto non appena il racconto
si sposta sulle immagini, i paesaggi, la Parigi degli anni ’70, ma
anche i ricordi in bianco e nero di Maria, che ripercorre a poco a
poco la sua vita, sempre a testa alta, con eleganza e quella
consapevolezza che fanno di lei un personaggio moderno e
trascinante.
Era complicato raccontare
la divinità di Maria Callas, Pablo
Larraìn ne ha offerto una versione moderna, elegante,
convincente, un altro gioiello nella sua splendente
filmografia.
Missing You è l’ultima serie di
Netflix
che merita un’abbuffata, incentrata su una trama piena di colpi di
scena che coinvolge detective, morti e app di appuntamenti – ma è
basata su una storia vera?
È una domanda abbastanza lecita da
porre. Tra tutti i nuovi documentari di cronaca nera che escono
ogni mese, spesso si trova una sorta di scandalo amoroso al centro
di almeno un titolo.
In Missing You, la
trama è incentrata sulla detective Kat Donovan, che rimane
scioccata quando scopre il suo ex fidanzato Josh su un’app di
incontri, più di dieci anni dopo che lui l’aveva abbandonata.
Sebbene si tratti di una finzione,
alcuni elementi della nuova serie televisiva sembrano certamente
una storia strappata alle prime pagine dei giornali. Un mistero
simile a quello della vita reale potrebbe nascondersi sotto la
superficie della trama tortuosa di Missing You?
Missing You è tratto da un
romanzo di Harlan Coben
Rosalind Eleazar e Ashley Walters in Missing You.Netflix
In breve, no. Missing
You non è basato su una storia vera, ma è tratto dall’omonimo
romanzo best-seller di Harlan Coben. L’autore
americano ha pubblicato 35 libri e oltre, specializzandosi in
thriller misteriosi che trattano temi come segreti sepolti, omicidi
e tradimenti.
In altre parole, sono ottimi
adattamenti televisivi e cinematografici, come dimostra il suo
accordo con Netflix. Nel 2018 ha firmato un accordo di cinque
anni per l’adattamento dei suoi libri in show di Netflix, con Coben
in veste di produttore esecutivo per ciascuno di essi, che è stato
esteso di altri quattro anni nel 2022.
Sebbene non siano noti per essere
programmi televisivi di alto livello, ogni adattamento è stato un
successo di ascolti. Missing You, uscito il 1° gennaio 2025,
è l’ultimo ad aggiungersi alla collezione di Harlan Coben di
Netflix, insieme a:
Sicuro
Il bosco
L’innocente
Andato per sempre
Resta vicino
Stringi forte
L’estraneo
Fool Me Once
Coben si ispira alla vita
reale
Sebbene tutti i suoi romanzi siano
di fantasia, alcuni personaggi sono stati ispirati da persone
reali. Per esempio, sul suo sito web ha rivelato che “Win è
vagamente basato sul mio compagno di stanza al college, anche se
nella vita reale è meno, ehm, psicotico della sua controparte
immaginaria”.
Allo stesso modo, anche l’idea di
Maya di Fool Me Once, che sperimenta flashback del suo periodo
nell’esercito, è nata da una persona reale. In una conversazione
con CBS Mornings, Coben ha spiegato: “Ho
incontrato una delle primissime donne che hanno volato in missioni
di combattimento in Medio Oriente ed era così forte che mi sono
detto: ‘Cavolo, voglio basare un personaggio su di lei’”.
Allo stesso modo, ha raccontato che
l’idea di Missing You è nata da un articolo del New York Times che
ha letto e dal mondo degli appuntamenti online. E le sue ricerche
non sono finite qui, perché ha persino creato un falso profilo di
incontri, fingendo di essere una giovane donna in cerca di donne
più anziane per saperne di più su questo mondo.
“La cosa divertente è che tutti
sono uguali quando sono online”, ha detto. “Non so se è
come pensiamo di essere o come vogliamo essere, ma tutte noi amiamo
l’avventura, amiamo viaggiare, vogliamo andare nei musei”.
Quando gli è stato chiesto che tipo
di risposte ha ricevuto, Coben ha confermato di non aver interagito
con nessuno: era semplicemente lì per sfogliare i profili e aiutare
a capire gli appuntamenti online per la sua storia.
Se avete guardato
Missing You fino alla fine, capirete presto come la sua ricerca
non abbia fornito altro che un contesto, poiché la trama contiene
diversi colpi di scena che vanno ben oltre il solito scenario di
appuntamenti online.
![I Marvel Studios starebbero sviluppando una serie TV su Ghost Rider [RUMOR]](https://www.cinefilos.it/wp-content/uploads/2022/05/Ghost-Rider-MCU.jpeg "I Marvel Studios starebbero sviluppando una serie TV su Ghost Rider [RUMOR]")
Uno dei momenti più
intriganti di 
L’iconico
Christopher Lee è tornato dai morti per un cameo
perfettamente sincronizzato. Lee ha interpretato Saruman nella
trilogia di Peter Jackson del Signore
degli Anelli, ma purtroppo è scomparso nel 2015. 
Con il cast di Il
Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim composto da
star riconoscibili, l’adattamento animato non è diverso dalle sue
controparti live-action. Brian Cox di
Il ritorno di
Shadow è stata solo una delle scene post-credit di
Metal
Sonic è un’altra grande rivelazione della prima scena
post-credit di 
Molto prima delle scene
post-credit di 
Il Master
Emerald è stato introdotto in Sonic 2
come obiettivo primario di Kunckles the Echidna e del Dr. Robotnik.
Alla fine è stato rivelato che Sonic poteva usare il Master Emerald
per diventare Super Sonic, ma questo è un potere che la banda ha
deciso fosse troppo per poterlo usare di nuovo in sicurezza.
Ovviamente, Sonic ha buttato tutto dalla finestra in Sonic
3, quando ha usato per la prima volta il Master Emerald
per vendicarsi di Shadow, poi ha usato il suo potere (insieme a
Super Shadow) per salvare la Terra dal terribile piano di Gerald
Robotnik.
