Quella di Simon Spier è la storia di un diciassettenne ricco di dubbi e insicurezze, che riesce però a scoprire sé stesso e il proprio orientamento sessuale grazie alla presenza di persone speciali intorno a lui. La sua vicenda, raccontata nell’acclamato Tuo, Simon, sembra proprio quella di un perfetto film con lieto fine. Una conclusione a cui però non tutti hanno modo di aspirare. Proprio da questa premessa ha dunque inizio la serie Love, Victor, disponibile su Disney+ a partire dal 23 febbraio. Il giovane protagonista inizia da subito con il prendersela con Simon, poiché non tutti sono fortunati come lui. Seguendo questo nuovo personaggio si ha infatti modo di entrare in contatto con realtà ben diverse e più simili alla realtà dei fatti.

Si tratta dunque di uno spin-off del film, a sua volta basato sul romanzo Simon vs. the Homo Sapiens Agenda. Ideata da Isaac Aptaker ed Elizabeth Berger, la serie segue Victor (Michael Cimino) nel suo viaggio alla scoperta di sé stesso. Da poco trasferitosi in una nuova città, questi si trova infatti a doversi abituare ad un contesto particolarmente nuovo e potenzialmente ricco di insidie. Mentre affronta alcune difficoltà all’interno di un ambiente famigliare di tradizione latino-americana, Victor dovrà fare anche i conti con quello scolastico, tra amici, nemici e potenziali cotte sentimentali. Il suo più grande interrogativo ruota infatti attorno alla scoperta e alla definizione del suo orientamento sessuale.

La complessa scoperta di sé stessi

Sono sempre di più le serie che esplorano il mondo della sessualità giovanile, dalla spensierata Sex Education di Netflix alla più audace Euphoria di HBO. Rispetto a queste due, Love, Victor potrà forse non presentare evidenti particolarità, ma i suoi punti di forza si nascondono proprio in un racconto che trova sincerità nella sua semplicità. Già a partire dalla presentazione del protagonista si delineano infatti una serie di sottotesti e contesti che accrescono l’interesse tanto verso il personaggio quanto per la sua storia. Victor è un giovane di origini latinoamericane, appena trasferitosi dal Texas. Si tratta di uno Stato notoriamente conservatore che, senza voler generalizzare, non è noto per la sua benevolenza verso le minoranze.

Se il “problema” di Simon era “solo” quello di riuscire ad essere accettato per la sua omosessualità, Victor si trova dunque a dover gestire ulteriori problematiche. A partire da ciò si evidenza dunque l’importanza che una serie come questa può avere nell’attuale panorama di prodotti per adolescenti e giovani. Si va infatti a spogliare la storia di Tuo, Simon di quegli elementi che potrebbero averla resa distante dalle problematiche vissute ogni giorno dai ragazzi alla ricerca di sé stessi. Gli amici e i famigliari comprensivi vengono dunque qui sostituiti con personaggi che manifestano più sfumature e che rientrano meno nei classici stereotipi.

Vi sono ovviamente gli elementi ricorrenti di questo genere, dall’amico buffo al bello di turno, dal bullo alla caotica festa in villa. Eppure ognuno di questi riesce a mostrare qualcosa di nuovo capace di renderlo più interessante agli occhi dello spettatore. Più di ogni altra cosa, però, la serie non sembra partire subito con il presupposto che il protagonista sia già consapevole della propria omosessualità. Il suo orientamento è ancora tutto da scoprire e l’attrazione che egli prova tanto per un ragazzo quanto per una ragazza lascia aperte una serie di possibilità particolarmente attraenti. Da questo punto di vista Love, Victor non si configura come la necessità di capire come rivelare qualcosa agli altri, bensì come il bisogno di capire prima di tutto qualcosa di sé, per sé.

Love, Victor: la delicatezza alla base di tutto

Trattare tutto ciò è oggi quanto mai complesso, e rischia di portare in territori particolarmente impervi. Il pericolo è ancor più alto nel momento in cui, come avviene qui, si inseriscono anche elementi relativi all’appartenenza etnica. Per evitare di rendere la serie eccessivamente pesante o involontariamente superficiale, i due autori optano per la strada della delicatezza. Affidandosi ad essa, Love, Victor assume quel tono spensierato che solo le migliori storie di questo genere riescono a vantare. Il protagonista vive con un certo peso ciò che gli accade intorno e dentro di sé, ma si tratta di un percorso vissuto con la consapevolezza che il traguardo ripagherà di fatiche e dolori. L’attore protagonista, Michael Cimino, risulta straordinariamente adatto a far trasparire tutto ciò.

Sin da subito, dunque, Love, Victor si presenta come la storia giusta per raccontare una serie di difficoltà universali. Questa vuole essere un buon esempio, ma sembra anche preannunciare di non avere una risposta valida per tutti. È per questo che lo spettatore viene invogliato a seguire Victor passo dopo passo, scoprendo insieme a lui tutto ciò che conta sapere. Basterà intraprendere la visione dei primi episodi per lasciarsi conquistare dall’atmosfera, scoprendo di trovarsi dinanzi ad un prodotto che non intende affatto addolcire la pillola. La serie, rilasciata come Star Original, era infatti stata giudicata troppo matura per il target di spettatori tipici di Disney+. Ai fini di una più realistica rappresentazione di questo tipo di vicende, ciò non può essere che visto come un bene.

È uno dei titoli che accompagnano l’inaugurazione di Star, Godfather of Harlem, disponibile su Disney+ all’interno dell’offerta del suo nuovo canale che offrirà contenuti più adulti ai suoi abbonati. E non a caso si tratta di una storia di violenza, di mafia, di potere e di lotta per i diritti civili. 

Ispirato a persone ed eventi reali, Godfather of Harlem reimmagina la storia del famigerato boss del crimine Bumpy Johnson (il vincitore Premio Oscar Forest Whitaker), che nei primi anni ’60 torna dopo dieci anni di prigione e trova in rovina il quartiere che un tempo governava. Con le strade controllate dalla mafia italiana, Bumpy deve affrontare la famiglia criminale Genovese, che nel frattempo aveva steso la sua mano su Harlem, per riprendere il controllo. Durante la brutale battaglia, forma un’alleanza con il predicatore radicale Malcolm X (Nigél Thatch) e la loro storia si interseca tra l’ascesa politica di Malcolm, in pieno sconvolgimento sociale, e una guerra di mafia che minaccia di fare a pezzi la città. Godfather of Harlem è una collisione tra la malavita e il movimento per i diritti civili durante uno dei periodi più tumultuosi della storia americana.

Godfather of Harlem: reimmaginando una storia vera

Scritto da Chris Brancato e da Paul Eckstein, Godfather of Harlem deve la sua esistenza al suo produttore esecutivo e protagonista, Forest Whitaker, che ha scelto di indagare per prima cosa luoghi e persone, per ricreare il suo Bumpy Johnson, nato Ellsworth Raymond Johnson, che per 38 anni governò a tutti gli effetti il grande quartiere di New York, per il quale era “uomo d’affari, un padre di famiglia, un poeta, uno stratega, un giocatore di scacchi”, a tutti gli effetti un supervisore, un padrino.

L’aspetto più interessante di questa storia è che la malavita si intreccia con la politica, in una circostanza che però ha come obbiettivo il bene comune, o almeno queste erano le motivazioni di Malcolm X, che si alleò con il boss per portare avanti la sua rivoluzione per la difesa e la promozione dei diritti civili dei neri. A interpretare il politico radicale è stato chiamato Nigél Thatch, che aveva già interpretato il personaggio storico in Selma, di Ava DuVernay, e che qui torna ad offrire non solo i suoi tratti, ma il suo spirito ad una delle figure più fondanti e controverse della storia americana. 

Tra Whitaker e Thatch si inserisce un gigantesco, non solo per la sua stazza, Vincent D’Onofrio, a cui è stato affidato il ruolo di Vincent Chin Gigante, appartenente alla famiglia italiana che aveva preso il controllo della zona in assenza di Johnson, e che era un personaggio violento e profondamente razzista. Molte sono le dichiarazioni di D’Onofrio proprio in merito alla sgradevolezza del suo personaggio, che spesso, ha detto, era difficile da interpretare perché gli lasciava addosso un’energia negativa che lo seguiva fino a casa. Lo sforzo interpretativo dell’attore è stato però premiato da un risultato eccellente, come ci ha abituato da molto tempo fino a oggi. Un’altra difficoltà riscontrata da D’Onofrio, è stata che se Whitaker e Thatch hanno avuto la possibilità di parlare e confrontarsi con i parenti delle persone chiamate ad interpretare, o comunque di avere riferimenti audiovisivi su cui studiare il personaggio, per lui questo non è stato possibile, il che aggiunge un grado di difficoltà ulteriore alla performance.

Tuttavia, proprio questo elemento introduce una componente a cui la piattaforma produttiva tiene molto, ovvero che la storia, pur basandosi su fatti reali, è stata oggetto di drammatizzazione e invenzione, per rendere i fatti raccontati più adatti alla struttura seriale, che prima di tutto tende all’intrattenimento. Nei comunicati ufficiali di Godfather of Harlem si legge infatti che “nonostante questa storia sia ispirata a eventi reali, alcuni personaggi, caratterizzazioni, fatti, luoghi e dialoghi sono stati romanzati o inventati per necessità di drammatizzazione”. 

Se Godfather of Harlem trova il suo punto di forza principalmente nelle interpretazioni degli attori, così solidi e in parte, è anche una serie tv che è un piacere guardare da un punto di vista estetico, visto che offre una ricostruzione davvero curata e attenta degli anni Sessanta ad Harlem, e pure se spesso indugia su scenari trasandati e non certo gradevoli, lo fa con una ricercatezza e una verità filologica che non fanno altro che arricchire il valore complessivo del lavoro svolto.

I primi due episodi di Godfather of Harlem saranno disponibili su Disney+ dal 23 febbraio, mentre dal 26 in poi verranno resi disponibili in streaming gli altri otto episodi della prima stagione.

Lo Stato del Grande Cielo, così viene anche soprannominato il Montana, uno dei meno popolosi ma più belli di tutti gli Stati Uniti. Sotto il suo vasto cielo azzurro, che avvolge le numerose catene montuose qui presenti, si snoda la storia di Big Sky, serie di genere thriller ideata da David E. Kelley. Esperto del genere, questi si è già reso noto per titoli televisivi come Big Little Lies e la recente The Undoing. Con questo nuovo progetto si cimenta invece nell’adattamento di The Highway, scritto nel 2013 dal noto autore di polizieschi C. J. Box. Il libro è il primo di una trilogia dedicata alla detective Cassie Dewell, divenuto in breve un vero e proprio best seller. Quello che ha funzionato sulla pagina non sembra però trovare altrettanta fortuna nella sua trasposizione in immagini, poiché la serie risulta essere particolarmente priva di mordente.

Disponibile dal 23 febbraio su Disney+, la storia qui narrata è quella dei detective privati Cassie Dewell (Kylie Bunbury) e Cody Hoyt (Ryan Phillippe) che uniscono le loro forze con l’ex poliziotta, Jenny Hoyt (Katheryn Winnick), moglie di Cody, per cercare due sorelle rapite da un camionista su una remota autostrada del Montana. Le loro indagini li porteranno ad imbattersi nell’ambiguo agente Rick Legarski (John Carroll Lynch), il quale li informerà che numerose ragazze sono già scomparse in quella zona senza mai essere ritrovate. Per i detective ha così inizio una corsa contro il tempo volta a scoprire l’identità del rapitore e le sue intenzioni prima che sia troppo tardi. Ad ostacolare l’indagine, però, vi è il complesso rapporto tra le due donne, trovatesi a condividere lo stesso uomo.

Un thriller privo di mordente

Un paesaggio di montagna come quello sfoggiato in Big Sky, unito alla sua atmosfera da thriller, non può che far pensare alla celebre I segreti di Twin Peaks. La serie di David Lynch ha infatti contribuito nei primi anni Novanta a definire in modo inequivocabile le caratteristiche indispensabili per questo tipo di racconti. Il nuovo progetto di Kelley segue queste in modo anche particolarmente evidente, tralasciando ovviamente la componente soprannaturale. Le intenzioni di dar vita ad una caratteristica cittadina e i suoi abitanti sconvolta da un nuovo rapimento si manifestano sin da subito. La sua presentazione appare infatti particolarmente precisa in tutte le dinamiche necessarie per la partenza della storia.

Dinamiche che però non risultano sufficientemente accattivanti, ma anzi manifestano una serie di debolezze non indifferenti. La prima e più importante si ritrova proprio nelle due protagoniste. Pur interpretate da valide attrici, queste presentano una serie di carenze nello spessore invece richiesto a personaggi che dovrebbero condurre le diverse puntate previste. Il conflitto tra le due sembra non andare oltre l’aver avuto rapporti con lo stesso uomo, Cody, fermandosi dunque ad uno stereotipo non da poco. Si tratta naturalmente di una linea narrativa ripresa dal romanzo, ma che viene qui riproposta senza nessun apparente sforzo di renderla più coinvolgente per lo spettatore.

Il problema che Big Sky manifesta nei suoi primi episodi sembra racchiuso tutto qui, nell’adattare un dato materiale senza ambire a particolari risultati. A dimostrarlo vi è la troppa semplicità con cui vengono proposte o liquidate alcune situazioni, tra cui lo stesso rapimento. Il risultato è che, almeno nei primi due episodi visti in anteprima, non vi sono personaggi o eventi per cui lo spettatore è attivamente chiamato ad avere un certo trasporto emotivo. Per un’opera di genere thriller questo è un problema letale. L’avere una stagione composta di ben 16 episodi, inoltre, lascia pensare a tempi talmente diluiti da accentuare tale mancanza.

Big Sky: una serie intera sulle spalle di un solo attore

La lunghezza in termini di episodi di Big Sky richiede per forza di cose di rimandare un giudizio definitivo. Se è però vero che un racconto si fonda sulle basi costruite dal suo incipit, la serie in questione presenta un equilibrio a dir poco precario. Non manca certo di rivelare una serie di colpi di scena che risvegliano l’attenzione, ma questi risultano sempre discontinui e mal supportati rispetto alla totalità. In mezzo a tutto ciò, però, vi è un elemento che sembra distinguersi più degli altri, ed è la presenza dell’attore John Carroll Lynch. Noto per aver dato volto a Arthur Leigh Allen, principale sospettato nel film Zodiac, questi sembra essere in Big Sky l’unico realmente interessato ad elevare il livello della serie.

La serie si sorregge dunque su di lui, che però per quanto importante non è il protagonista di turno. In generale, questa risente di una molteplicità di stereotipi e cliché che evidenziano una scrittura ben lontana da quella che invece vanta Big Little Lies. In un contesto dove le serie TV si distinguono per le loro innovazioni e sperimentazioni, Big Sky risulta essere un netto passo indietro. Si configura infatti come un prodotto anomalo, che non sembra realmente appartenere al suo tempo. Lasciando il beneficio del dubbio sul suo sviluppo, risulta difficile non pensare che serie come queste sembrano ormai superate da tempo, o almeno dovrebbero esserlo.

Tutti ci siamo chiesti almeno una volta nella vita cosa penserebbero di noi gli alieni potendoci osservare da vicino. A togliere questo dubbio, dando la propria versione dei fatti, è la nuova serie animata Solar Opposites, in arrivo dal 23 febbraio come uno dei primi Star Originals sulla piattaforma Disney+. Gli appassionati del genere ritroveranno da subito numerose somiglianze tra questa e la celebre Rick and Morty. Il motivo è presto detto, dietro entrambe si nasconde la stessa mente creativa, ovvero quella di Justin Roiland. Per questa nuova avventura, egli è stato affiancato anche da Mike McMahan, ideatore di Star Trek: Lower Decks. Ha così inizio una nuova serie dettata dal desiderio di dar sfogo a tutta una sequela di classici elementi fantascientifici in chiave parodica, come anche una più profonda riflessione sull’umanità e il senso della sua esistenza oggi.

Contrariamente alla prima serie da lui ideata, con Solar Opposites Roiland non porta i suoi spettatori ad esplorare l’Universo, bensì alla scoperta dell’umanità, in tutti i suoi vizi e virtù. Questa è infatti incentrata su un gruppo di quattro alieni che scappano dal loro defunto pianeta e trovano rifugio in una piccola cittadina statunitense. Per due di loro, Korvo e Yumyulack, la Terra è un posto orribile, caratterizzato dall’inquinamento e dal consumismo. Terry e Jesse, invece, entrano subito in sintonia con gli umani e la loro cultura. Nonostante queste divergenze di opinione, i quattro hanno un compito ben preciso: proteggere e far crescere Pupa. Si tratta di un super computer vivente che un giorno si evolverà distruggendo la terra e ricreando il pianeta natale dei quattro alieni.

L’umanità vista dagli extraterrestri

Intraprendendo la visione di Solar Opposites si può inizialmente rimanere frastornati dalla quantità di eventi e informazioni che vengono forniti in brevissimo tempo. Il rischio è di provare un certo distacco per quanto si sta vedendo, domandandosi se ci sia qualcosa di più dietro quella frenesia generale. Occorre dunque la visione di più di qualche episodio per entrare davvero nel cuore del progetto, che a quel punto si manifesterà in modo più chiaro. Con questa nuova serie Roiland e McMahan utilizzano l’arrivo dell’alieno per poter mettere alla berlina una serie di abitudini e stili di vita che caratterizzano l’essere umano del nuovo millennio.

Ogni episodio appare così incentrato a criticare o ironizzare su aspetti di questo tipo, dal sistema scolastico al mondo dell’intrattenimento. Tutto ciò che oggi può sembrare normale e comunemente accettato si trova qui ad essere analizzato fino all’osso, rivelando la propria futilità o insensatezza. La presenza di personaggi in disaccordo sulla cultura umana permette infine di presentare due lati della stessa medaglia, non facendo dunque schierare il progetto unicamente verso una sola direzione. Se questo è l’argomento della serie, il contesto in cui tutto ciò si svolge è estremamente simile a quello a cui Roiland ha già abituato i suoi spettatori con Rick and Morty.

Pur rimanendo sulla Terra, si ha dunque a che fare con un susseguirsi di eventi nonsense di carattere fantascientifico. Si genera così quell’intrattenimento senza limiti che rinuncia ad una coerenza interna in favore di gag e battute a raffica. Elementi, questi, attraverso cui è ulteriormente possibile ironizzare sull’essere umano. Solar Opposites non si riduce però solo a questo. Parallelamente ad una forte narrazione verticale ne porta avanti anche una, meno evidente, di natura orizzontale. Ciò permette di presentare una serie di elementi che si intuisce avranno una loro particolare importanza nel futuro della storia.

Solar Opposites: il valore della satira

Quella che la serie propone è una satira forse semplice nella premessa ma certamente più accattivante nel suo svolgimento. Risulta ormai difficile poter essere realmente pungenti o innovativi nell’affrontare questo tipo di tematiche. Se anche Solar Opposites non riesce sempre ad esserlo presenta ugualmente una serie di elementi, narrativi o visivi, che bastano a garantirgli una propria identità. Ciò risulta evidente a partire dai quattro personaggi protagonisti, ben caratterizzati e accattivanti, a discapito dei secondari che attualmente faticano invece a rendersi memorabili. Da un punto di vista visivo, invece, risulta difficile non rimanere attratti dall’esplosione di colori, forme e invenzioni messe in gioco dagli autori.

A frenare in parte gli intenti vi è però, come precedentemente accennato, un ritmo piuttosto altalenante. Se è vero che vi sono momenti di grande frenesia e follia, è anche vero che vi sono alcuni “momenti morti” che finiscono con il rallentare la visione e il coinvolgimento. Ciò viene tuttavia in parte superato nel momento in cui si va a prediligere la narrazione orizzontale, che sempre più si spera possa però intrecciarsi con quella verticale, comunque fondamentale per un prodotto di questo tipo. La volontà di dar vita a questa unione si manifesta già, seppur ancora in potenza. Si spera possa concretizzarsi ulteriormente con il proseguire degli episodi.