La mappa che mi porta a te (The Map That Leads to You), disponibile su Prime Video, è una commedia romantica che racconta la storia di un amore travolgente che cambia la vita della protagonista in modi del tutto inaspettati. Poco prima di iniziare la sua nuova vita a New York, Heather Mulgrew intraprende un grandioso tour europeo con le sue migliori amiche, Connie e Amy. Tuttavia, i suoi piani migliori e più meticolosamente elaborati vengono stravolti quando la sua strada incrocia quella di Jack, un viaggiatore dallo spirito libero sempre alla ricerca della prossima grande avventura.

Ben presto, una connessione fugace nata nel corso di una vacanza si trasforma in qualcosa di infinitamente più significativo. Ma nulla è così semplice, soprattutto quando la vita di Heather negli Stati Uniti torna a farsi sentire. Il film di Lasse Hallström racconta una storia di legami autentici, coincidenze che si trasformano in destino e apertura verso infinite possibilità. Questi temi idealistici completano perfettamente la natura romantica del viaggio di formazione in Europa, conferendogli un senso di realismo.

La mappa che mi porta a te (The Map That Leads to You) è tratto dal romanzo di J.P. Monninger

Nonostante sia un’opera di fantasia, La mappa che mi porta a te (The Map That Leads to You) ha una storia affascinante alle spalle. Il film trae origine dall’omonimo romanzo rosa di J.P. Monninger. Il libro, pubblicato per la prima volta nel 2017, aveva fin dall’inizio il potenziale per essere adattato per il grande schermo. L’idea è nata quando la Temple Hill Productions, una società nota per film per giovani adulti come “The Twilight Saga”, “The Fault in Our Stars” e “My Oxford Year”, ha contattato l’autore. La società di produzione era interessata a sviluppare un libro che potesse essere trasformato in un film. Una volta che Monninger ha ricambiato l’interesse per il progetto, è iniziata la creazione del romanzo.

“Loro (la Temple Hill Production) ci hanno contattato con una breve bozza e ci hanno chiesto cosa ne pensassimo di scriverlo”, ha raccontato Monninger alla NHPR in un’intervista del 2017. “Mi hanno dato una tempistica e mi hanno detto di provarci. Ho consegnato alcune pagine e poi siamo stati tutti d’accordo che era quello che avremmo fatto”. Così, dopo alcuni controlli e consultazioni con gli editori e altre parti della casa di produzione, l’autore ha scritto la storia della rapida realizzazione personale di Heather. Il romanzo utilizza destinazioni reali che si potrebbero visitare durante un Grand Tour europeo per arricchire le esperienze uniche della protagonista e dei suoi amici.

Così, mentre le personalità distinte conferiscono autenticità ai personaggi, la natura familiare delle loro avventure rende le loro narrazioni credibili. Dalle dinamiche interpersonali tra Heather e i suoi amici alle ideologie spirituali isolate di Jack, ogni singolo elemento contribuisce a creare una narrazione realistica. L’adattamento cinematografico, sotto la guida del regista Lasse Hallström, con Leslie Bohem e Vera Herbert alla sceneggiatura, rimane fedele alla maggior parte di questi elementi. Anche se alcune caratteristiche e peculiarità dei singoli personaggi divergono dalle loro controparti letterarie, l’adattamento cinematografico rimane fedele al materiale originale. Così, con l’opera di Monninger come base, La mappa che mi porta a te (The Map That Leads to You) riesce a raggiungere l’autenticità nella sua narrazione fittizia.

La mappa che mi porta a te (The Map That Leads to You) si basa fortemente sulla chimica naturale tra il cast

La mappa che mi porta a te (The Map That Leads to You) è una storia di formazione sul ritrovamento di sé stessi attraverso un viaggio frenetico circondati da amici, vecchi e nuovi. Di conseguenza, gran parte del lavoro più impegnativo del film, in termini di archi emotivi centrali, è svolto attraverso le relazioni individuali tra i personaggi. Sia la storia d’amore tra Jack e Heather, sia l’amicizia determinante di quest’ultima con Connie e Amy, si basano sulla chimica elettrizzante tra gli attori. Tuttavia, sorprendentemente, prima del casting non c’è stata alcuna prova di chimica tra gli attori.

I registi hanno invece adottato un approccio diverso e unico per creare una dinamica spontanea tra i membri del cast principale. In un’intervista con Brit + Co, Sofia Wylie, che interpreta Connie, ha parlato dell’insolito metodo utilizzato per creare un legame tra gli attori prima delle riprese. “Penso che durante la prima settimana, prima ancora che iniziassero ufficialmente le riprese, [ci è stato detto di] andare in giro per l’Europa e semplicemente filmarci, per conoscerci meglio”, ha raccontato l’attrice. “Così siamo andati a Bruxelles, Amsterdam e Parigi in tre giorni e credo che siamo anche andati in un club ad Amsterdam: è stata la serata più bella della mia vita”.

In un certo senso, questo esercizio ha aiutato gli attori a ricreare le storie dei loro personaggi, offrendo loro maggiori opportunità di entrare in sintonia tra loro e con i propri partner sullo schermo. Una volta rafforzati i legami tra gli attori, la loro facile amicizia si è naturalmente trasferita sullo schermo, aggiungendo ulteriore autenticità alle loro relazioni sullo schermo. Di conseguenza, anche senza ispirazioni dirette dalla vita reale che influenzassero le loro interpretazioni, il cast è stato in grado di dare vita ai propri personaggi in modo magistrale. In definitiva, è proprio questa stessa chimica spontanea tra Heather e gli altri, unita alla universalità delle loro esperienze di formazione, a costruire l’autenticità del film.

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Il film Warfare, nelle sale dal 21 agosto, è un film di un veterano, pensato per i veterani. Ray Mendoza, ex Navy SEAL che ha prestato servizio nella guerra in Iraq, ha collaborato con lo sceneggiatore candidato all’Oscar Alex Garland per dirigere un film su una missione del 2006 andata male, in onore del suo amico e collega che all’epoca rimase gravemente ferito e non ha alcun ricordo dell’operazione.

I registi sperano che il film possa essere apprezzato non solo da tutti i veterani di guerra, ma anche dai civili, che potranno così comprendere cosa significhi realmente la guerra moderna. Mendoza afferma che il film mira a essere “la rappresentazione più accurata del combattimento fino ad oggi”.

Nella nostra recensione, abbiamo scritto di Warfare: “Warfare – Tempo di Guerra non cade mai nella trappola della glorificazione. Non ci sono eroi, non c’è nobiltà, non c’è senso. C’è solo l’assurdità della sopravvivenza, la casualità di chi cade e chi si salva. In questo, il film si avvicina più al cinema documentario che al cinema hollywoodiano di guerra. La scena finale, con una donna irachena che domanda ai soldati “Perché?”, senza ricevere risposta, riassume l’intero spirito dell’opera: la guerra è un enigma senza soluzione, un vortice che inghiotte senza dare spiegazioni.”

Ecco uno sguardo agli eventi e alle persone reali che hanno ispirato la sceneggiatura e ai principali spunti di riflessione del film.

La vera storia dietro Warfare

Il film è basato su una missione realmente avvenuta in un’area controllata da al-Qaeda nella provincia irachena di Ramadi, nel novembre 2006. Un gruppo di Navy SEAL americani fu incaricato di sorvegliare un’area residenziale urbana per assicurarsi che le truppe di terra potessero attraversarla in sicurezza il giorno successivo. I soldati entrarono inconsapevolmente in un condominio accanto agli insorti e le forze di al-Qaeda lanciarono una granata attraverso un buco lasciato da un cecchino, ferendo uno dei SEAL, Elliott Miller (Cosmo Jarvis). Quando i suoi commilitoni cercarono di evacuare lui e un altro SEAL ferito, un ordigno esplosivo improvvisato esplose e Miller riportò ferite molto gravi.

Miller sopravvisse, ma non ricordava nulla di quella missione. Mendoza racconta che nel corso degli anni, Miller inviava email ai suoi commilitoni con domande su quel momento. Mendoza ha deciso di realizzare Warfare per contribuire a colmare le lacune nella memoria del suo compagno.

Dopo essersi ritirato dalla Marina, Mendoza lavorò come stuntman a Hollywood, aiutando gli attori a realizzare realistiche sparatorie nei film d’azione. Mentre lavorava al film del 2024 Civil War, strinse amicizia con Alex Garland e gli raccontò la storia dell’evacuazione di Miller.

Garland assistette alla realizzazione di un film e registrò i ricordi di Mendoza sull’operazione Ramadi. Insieme, condussero interviste con ex membri del team Navy SEAL in quella missione, e Miller visitò persino il set. Volevano ricreare la cronologia degli eventi così come si erano svolti nella vita reale, senza inventare personaggi o abbellire dettagli per ottenere un effetto drammatico.

Realizzare la guerra di Warfare

Le riprese si sono svolte fuori Londra, in un aeroporto della Seconda Guerra Mondiale che ora è uno studio cinematografico e televisivo. Gli attori sono stati sottoposti a un vero e proprio campo di addestramento, l’addestramento che i Navy SEAL svolgono per prepararsi allo stress e alla fatica della zona di guerra.

Tra le star presenti nel film figurano Charles Melton, Michael Gandolfini, Will Poulter, Joseph Quinn, D’Pharaoh Woon-A-Tai e Kit Connor. Gli attori divennero così intimi che si scambiarono dei soprannomi, come spesso accade ai militari. Jarvis era conosciuto come “Booger Boo”, il vero soprannome di Miller ai tempi in cui prestava servizio nell’esercito.

Gli attori dovevano indossare circa 23 chili di equipaggiamento tattico durante le riprese, trasportarsi a vicenda per tre chilometri su barelle e padroneggiare il galateo radiofonico, il maneggio delle armi e la terminologia militare.

Il film non ha una colonna sonora. Gli spettatori sono avvolti dai suoni del campo di battaglia e dalle urla di dolore degli uomini, ma c’è una canzone. L’unica scena allegra del film è la prima, quando i soldati si riuniscono ridendo e ballando sulle note di un video musicale per “Call on Me” dell’artista techno Eric Prydz, in cui giovani donne fanno aerobica in modo sessualmente allusivo.

Nella vita reale, gli uomini guardavano questo video prima di ogni missione. È diventato un inside joke. A un certo punto, sono tutti in formazione al buio e poi uno fa un gesto di spinta verso l’altro, e tutti cercano di non ridere.

Nel giro di pochi minuti, gli uomini passano dal ballare al prestare il primo soccorso l’uno all’altro. Si vedono arti smembrati in mezzo alla strada e la colonna sonora del film diventa fondamentalmente quella di uomini feriti che urlano, pensata per immergere gli spettatori nella nebbia della guerra. Sembra che ci voglia un’eternità prima che i soccorritori arrivino perché devono assicurarsi di non passare sopra gli IED. Quando una voce alla radio chiede “dove siete ragazzi?“, un soldato risponde: “Cercate il sangue e il fumo, siamo lì“.

Uno spunto di conversazione

La maggior parte dei dialoghi in Warfare è in gergo militare. Quando gli è stato chiesto in una videochat perché il gergo non fosse stato tradotto in frasi comprensibili per i civili, Mendoza ha risposto semplicemente: “Non l’ho fatto per loro“.

Ha ribadito che il film era dedicato a Miller, quindi voleva che i dialoghi fossero come li ricordavano i suoi compagni. E sostiene che i civili che giocano al videogioco Call of Duty potrebbero riconoscere alcuni dei terminologia militare e che gli spettatori non devono avere una laurea in astrofisica per apprezzare i film di fantascienza.

Inoltre, molti militari tornano a casa e si accorgono che le conversazioni con i civili sono difficili da comprendere. Mendoza spera che il film susciti un dibattito, spiegando: “Volevo creare qualcosa che i veterani potessero usare come punto di partenza, magari per conversazioni che altrimenti non avrebbero potuto avere”.

Joe Hildebrand, uno dei veri Navy SEAL feriti nella fallita operazione di Ramadi, afferma che dopo quasi un decennio trascorso a interiorizzare le emozioni di quel giorno, lavorare al film è stato catartico, spiegando: “Non credo che nessuno di noi abbia davvero iniziato a guarire fino a questo film”.

Mendoza spera che i legislatori guardino il film e capiscano meglio cosa significhi inviare truppe in battaglia. Come dice lui: “Se decidiamo di andare in guerra, allora, come società, dobbiamo prenderci cura delle nostre truppe al loro ritorno”.

Il film Io e Lulù (Dog) segna il debutto alla regia di Channing Tatum, che lo dirige insieme a Reid Carolin, e segna il suo ritorno sul grande schermo in un ruolo da protagonista dopo una breve pausa.

Dog segue le vicende del ranger dell’esercito americano Jackson Briggs (Tatum) e del cane pastore belga Lulu. Briggs sta cercando di ottenere un posto come guardia di sicurezza all’estero, ma viene respinto a causa di un trauma cranico subito in passato. Dopo la morte del commilitone Riley Rodriguez, Briggs viene incaricato di portare Lulu, il cane di Riley, in Arizona affinché possa partecipare al funerale. Se Briggs riuscirà ad arrivare in Arizona e ad addomesticare Lulu, il suo comandante gli prometterà una raccomandazione per il lavoro. Arrivare a destinazione, tuttavia, si rivela un ostacolo più difficile da superare di quanto Briggs immaginasse.

Inutile dire che la vita di Briggs cambia dopo il viaggio con Lulu. Dog ha un finale che non lascia spazio a un sequel o altro, ma c’è ancora molto da esplorare nel contesto della storia. Ecco la spiegazione del finale, compreso il vero significato della decisione finale e delle azioni di Briggs dopo il suo viaggio.

Perché Briggs chiama Lulu “Dog” invece che con il suo nome

Pur conoscendo il suo nome e avendo familiarità con lei prima della morte di Rodriguez, Briggs sceglie di chiamare Lulu “Dog” per la maggior parte del film. Probabilmente perché Briggs non vuole affezionarsi a Lulu, che è destinata ad essere soppressa dopo aver partecipato al funerale di Rodriguez. Il suo rifiuto di chiamarla per nome rivela anche quanto Briggs sia emotivamente chiuso, non disposto ad avvicinarsi a Lulu come aveva fatto Rodriguez. Tenendo il cane a distanza, Briggs non deve fare alcuno sforzo emotivo né diventare abbastanza consapevole da evolversi. Mentre alterna il nome di Lulu con “Dog”, Briggs inizia ad abbandonare quest’ultimo termine man mano che il film va avanti, il che suggerisce che sta finalmente aprendo il suo cuore.

Cosa è successo tra Briggs e Niki?

Il rapporto di Briggs con Niki, la sua ex e madre della loro figlia Sam, è a dir poco tumultuoso. Dog non approfondisce ciò che è successo esattamente tra loro, ma si possono dedurre molte cose dal comportamento di Briggs nel corso del film. Briggs è una persona chiusa ed è possibile che abbia allontanato Niki e Sam al punto che Niki gli ha impedito di vedere Sam. Dopotutto, alcuni dei comportamenti di Briggs erano talmente tossici da renderlo inadatto a stare con sua figlia. Briggs aveva molti problemi, ma non sembrava nemmeno sforzarsi molto di aprirsi, e la sua incapacità di essere presente mentalmente ed emotivamente potrebbe aver portato a una frattura tra lui e Niki che ha influito anche sul suo rapporto con la figlia.

Perché Lulu guarda Grey’s Anatomy in Io e Lulù (Dog)

Quando si tratta di film con protagonisti dei cani, gli animali di solito hanno una loro personalità e non è diverso in Dog. Nel suo diario, Rodriguez scrive che Lulu ama guardare la serie televisiva medica della ABC Grey’s Anatomy. È una serie interessante da guardare per un cane, soprattutto considerando che Lulu non può capire cosa sta realmente accadendo nello show. È possibile che Lulu trovi conforto in Grey’s Anatomy, una serie che ha la sua dose di caos e di trame edificanti. Probabilmente Lulu trova conforto nell’esperienza visiva perché Rodriguez, il suo precedente proprietario con cui aveva un legame stretto, amava la serie e la guardavano insieme. Lulu ha vissuto una vita molto frenetica e Grey’s Anatomy era l’unica cosa che riusciva a calmarla quando si sentiva inquieta. Il medical drama, se non altro, sa sicuramente come calmare i nervi ed è un ottimo programma da guardare per rilassarsi.

Come Lulu e Briggs si rispecchiano l’uno nell’altra

Lulu sarà anche un cane, ma la sua storia e quella di Briggs si rispecchiano l’una nell’altra. Prima di andare in guerra, Lulu era un cane molto più calmo e affettuoso, ma è cambiata dopo le sue missioni militari all’estero. Dopo il suo ritorno negli Stati Uniti, Lulu era cambiata per sempre: sensibile ai rumori e al tatto, aggressiva verso chiunque le si avvicinasse e con un comportamento praticamente selvaggio. Briggs era più o meno allo stesso modo e aveva difficoltà ad adattarsi all’ambiente circostante. Nessuno voleva addomesticare Lulu o essere gentile con lei; Briggs non voleva cambiare né permettere agli altri di stargli vicino. I loro percorsi erano paralleli e, dato che Briggs non avrebbe mai chiesto aiuto e avrebbe continuato a fare le stesse cose nonostante le ripercussioni, l’assegnazione di Lulu a lui ha davvero cambiato la vita di entrambi e alla fine li ha resi migliori in modi evidenti. Briggs ha finalmente visto in Lulu un’anima gemella e le loro esperienze nell’esercito li hanno aiutati a legare.

Il vero significato del finale di Io e Lulù (Dog)

Briggs ha trascorso molto tempo cercando di evitare praticamente tutto nella sua vita prima di Lulu. Tuttavia, alla fine di Dog, Briggs non solo decide di tenere Lulu, ma scrive anche una poesia su come lei lo ha cambiato e reso migliore. All’inizio questo sarebbe stato completamente fuori dal personaggio di Briggs, ma il finale di Dog è indicativo di quanto sia cambiato. Ora è in una posizione in cui può essere un po’ più aperto rispetto a prima, aprendo il suo cuore e permettendosi per una volta di provare le sue emozioni invece di evitarle del tutto.

La presenza di Lulu ha mostrato a Briggs che non può continuare a chiudersi in se stesso e che può esserci una vita per lui dopo il servizio militare; può superare il suo trauma e ricominciare la sua vita se solo ha abbastanza pazienza e volontà di provarci. Salvare Lulu ha permesso a Briggs di salvare anche se stesso e di correre il rischio di adattarsi alla vita civile, cosa che prima non sapeva davvero come fare e che sembrava metterlo piuttosto a disagio. La decisione di Briggs alla fine di Dog e la sua vulnerabilità rivelano che non è pronto a rinunciare a una vita appagante e che tutto ciò di cui aveva davvero bisogno era un po’ di sostegno.