La creatrice di Hazbin Hotel, Vivienne Medrano, ha spiegato come il colpo di scena finale della seconda stagione influenzerà l’arco narrativo della terza stagione di Angel Dust, con la sua storia al centro dell’attenzione. Hazbin Hotel – Stagione 2ha rivelato che Vox aveva ipnotizzato Angel affinché diventasse la sua spia nell’hotel fin dalla prima stagione. In seguito lo ha ipnotizzato per farlo denunciare l’hotel e sostenere la rivolta di Vox contro il Paradiso.
Alla fine di Hazbin Hotel – Stagione 2, Angel decide di lasciare l’hotel, incapace di fidarsi di se stesso dopo quello che ha fatto. Questo include aver quasi ucciso Cherry e Husk quando hanno cercato di salvarlo dai Vee. Torna a lavorare con Valentino, nonostante i suoi amici lo implorino di tornare a casa, impostando la sua trama futura.
Parlando con Collider, Medrano ha spiegato come la terza stagione di Hazbin Hotel vedrà una maggiore attenzione su Angel dopo la rivelazione che Vox lo aveva trasformato in una spia ipnotizzata. Questo include un focus sugli abusi subiti da Valentino, oltre a portare Husk nella storia mentre cerca di aiutare il suo amico. Ecco cosa ha detto Medrano qui sotto:
La terza stagione parla molto di Angel e della sua situazione. E anche di Husk e del fatto che Husk è un personaggio che ha imparato a interessarsi ad Angel, e questa è una posizione davvero difficile perché sappiamo già da “Loser Baby” che hanno un forte legame tra loro, e si trovano entrambi in una situazione molto simile, ma a differenza di Angel, Husk almeno ha qualcuno che – voglio dire, di nuovo, è difficile paragonare gli abusatori in questa serie, ma almeno Alastor ha i suoi obiettivi. Husk è lì solo per aiutarlo a raggiungerli qua e là. Ma con Valentino, è come se Angel fosse questa cosa su cui vuole dominare, e su cui vuole il controllo, e vuole controllare, usare e ferire, e questa è la differenza. E credo che ci sia un elemento che non vedo l’ora che la gente ci veda esplorare, ovvero Husk in questa posizione in cui si rende conto di quanto la situazione di Angel sia diversa dalla sua.
Angel è sotto il controllo dei Vee fin dall’inizio della serie, la sua anima è legata a Valentino. Questo è ciò che ha permesso a Vox di usarlo come spia, ed è il motivo per cui Angel non può lasciare il suo lavoro. Mentre gli abusi di Angel non sono stati oggetto di nessuna canzone nella seconda stagione di Hazbin Hotel, la prima stagione ha presentato il suo assolo, “Poison”, che descrive la sofferenza che ha dovuto sopportare.
In base alla dichiarazione di Medrano, è chiaro che Angel avrà più spazio nella terza stagione, esplorando la sua situazione di abusi e i suoi peccati con maggiori dettagli. La seconda stagione ha già rivelato che il suo peccato è stato uccidere suo padre, un altro problema tumultuoso con cui potrebbe dover fare i conti nei prossimi episodi. Come si evolverà la sua storia, tuttavia, resta da vedere.
Tutti gli episodi di Hazbin Hotel – Stagione 2 sono ora disponibili in streaming su Prime Video.
La stagione finale di Jurassic World: Teoria del caso ci riporta nel mondo dei dinosauri e della corruzione, e il suo finale offre una conclusione definitiva per i Sei di Nublar. La storia riprende da dove si era conclusa la stagione 3 di Jurassic World: Teoria del caso.
Brooklynn, Ben, Darius e Yaz si dirigono al quartier generale della Biosyn per fermare una volta per tutte l’allevamento illegale e il traffico di dinosauri. Nel frattempo, Kenji e Sammy vanno verso la Valle della Biosyn per salvare Bumpy. I personaggi di Teoria del caso rimangono intrappolati nella valle insieme a tutti i dinosauri, e devono correre contro il tempo per fuggire prima che vengano uccisi.
Questo porta a un finale mozzafiato che vede Ben lottare per la vita e il resto dei Sei di Nublar impegnati a tenerlo in vita abbastanza a lungo perché i soccorsi possano salvarli. Le stagioni 3 e 4 di Jurassic World: Teoria del caso si svolgono parallelamente agli eventi di Jurassic World – Il Dominio, collegandosi direttamente a essi.
Come Ben Sopravvive in Jurassic World: Teoria del caso – Stagione 4
A metà della stagione 4 di Jurassic World: Teoria del caso, Ben viene attaccato da un dinosauro, rimanendo ferito mortalmente. La seconda metà della stagione sembra far credere allo spettatore che stia per morire, ma alla fine sopravvive.
Nella narrazione, la sua sopravvivenza viene spiegata grazie all’unione degli altri membri dei Sei di Nublar. Questo è simbolico perché Ben è sempre stato il pilastro sottovalutato del gruppo, colui che ha sempre sostenuto gli altri. I ragazzi lavorano duramente, medicando le sue ferite e persino trasportandolo quando necessario per portarlo all’elicottero medico.
Vederli collaborare per salvare il loro amico contro ogni probabilità è un momento commovente. Ciò detto, la vera ragione per cui Ben sopravvive è che aveva “plot armor”: considerando la gravità della ferita e il tempo impiegato per ricevere cure mediche, avrebbe dovuto morire. È una scelta narrativa un po’ codarda, ma comprensibile per evitare di traumatizzare i giovani spettatori.
Come i Sei di Nublar Fuggono dalla Valle della Biosyn
I Sei di Nublar trovano molte difficoltà a fuggire dalla Valle della Biosyn, ma alla fine riescono grazie a una serie di eventi favorevoli. Innanzitutto, il dottor Wu dà a Ben, Brooklynn, Darius e Yaz un’auto per attraversare la valle relativamente indenni. Lungo il percorso si scontrano letteralmente con Kenji e Sammy.
Li raccolgono e proseguono verso l’altro avamposto per distruggere il backup del programma, il loro obiettivo principale. La corrente salta, ma riescono a riattivarla per il tempo necessario a richiedere un elicottero medico. Poi i T-Rex eliminano i rapaci, salvando così i Sei di Nublar. Infine, usano l’auto di Gia per raggiungere il punto in cui vengono prelevati dai soccorsi.
In definitiva, tutto è andato incredibilmente per il verso giusto, e sono usciti dalla situazione relativamente indenni, a parte la ferita di Ben. È un momento che richiede una forte sospensione dell’incredulità, ma risulta comunque estremamente coinvolgente.
Perché Sammy Perdona Finalmente il Tradimento di Brooklynn
Brooklynn crede che Kenji sarà il più difficile da affrontare e che non la perdonerà facilmente. Tuttavia, è in realtà Sammy la più arrabbiata per il suo tradimento. Ciò probabilmente deriva dal fatto che Sammy sa cosa significa tradire i propri amici per un bene superiore.
Sammy l’ha fatto in Camp Cretaceous per aiutare la sua famiglia, e Brooklynn era rimasta profondamente ferita dalle sue azioni. Brooklynn, in effetti, ha fatto lo stesso: ha tradito i Sei di Nublar per il bene comune. Naturalmente, Sammy reagisce nello stesso modo in cui aveva reagito Brooklynn quando i ruoli erano invertiti.
Alla fine, la gravità della ferita di Ben costringe tutti a lavorare insieme. La situazione disperata permette a Sammy di perdonare Brooklynn. Sammy è ancora arrabbiata e ferita, e ne ha pieno diritto. Tuttavia, riesce comunque a mettere da parte il rancore e a iniziare a ricostruire il loro rapporto.
Chi C’è Davvero Dietro i Dinosauri Assassini
La rivelazione più scioccante della stagione 4 di Jurassic World: Teoria del caso riguarda la persona che ha realmente avviato il Progetto Theropod Axis, il programma che addestrava i dinosauri assassini nelle stagioni precedenti. Non è stata Soyona Santos, né l’Addestratore, né il dottor Lewis Dodgson. È stato invece il dottor Wu, il personaggio originale di Jurassic Park, riportato in scena in Teoria del caso.
Tuttavia, a differenza degli altri membri del progetto, il dottor Wu aveva buone intenzioni all’inizio: voleva addestrare i dinosauri per operazioni di ricerca e salvataggio in situazioni di disastro, proprio come fanno esseri umani e cani nella realtà.
Ma il dottor Lewis Dodgson ha distorto la missione originale, trasformando il programma in un addestramento per rendere i dinosauri aggressivi e letali su comando, creando così assassini perfetti.
In definitiva, il lavoro di Wu ha contribuito involontariamente a molte morti, e lui trascorre Jurassic World Dominion e la stagione 4 di Teoria del caso cercando di rimediare ai suoi errori e migliorare il mondo.
Perché Sammy Non Parla con la Sua Famiglia in Jurassic World: Teoria del caso
Per tutta Jurassic World: Teoria del caso, Sammy Gutierrez non parla con la sua famiglia, un fatto che la turba profondamente. Tuttavia, la serie rivela il vero motivo solo nella stagione finale. Si scopre che la famiglia di Sammy ha deciso di collaborare con il dottor Lewis Dodgson e la Biosyn, ignorando i suoi avvertimenti.
Volevano coltivare piante geneticamente modificate nella loro fattoria, e la Biosyn era il mezzo per raggiungere questo scopo. Sammy sapeva che la Biosyn era una cattiva scelta, ma loro non l’hanno ascoltata. Fortunatamente, nell’ultima scena del finale, scopriamo che Sammy ha ripreso i contatti con la famiglia e stanno lavorando sui loro problemi.
Perché Brooklynn e Darius Non Stanno Insieme in Jurassic World: Teoria del caso – Stagione 4
Una delle parti più sorprendenti del finale di Jurassic World: Teoria del caso è che rimane aperta la possibilità che Brooklynn e Darius possano o meno mettersi insieme. Sono la “ship” più popolare dai tempi di Camp Cretaceous, e il loro tira e molla è diventato ancora più evidente in Teoria del caso.
Sfortunatamente, la serie non dà una risposta chiara. Darius rivela verso la fine della stagione di amarla, ma dice anche di non provare per lei un’intensità emotiva paragonabile a quella di Yaz e Sammy. Allo stesso tempo, non prova quell’intensità per nessun altro. È una scena confusa, lasciata all’interpretazione del pubblico.
Alcuni pensano che sia una conferma che Darius sia aromantico. Altri credono che significhi semplicemente che ama Brooklynn, ma non con la stessa intensità. La scena è ambigua e potrebbe essere interpretata in entrambi i modi. Personalmente, ritengo che avrebbero dovuto scriverla in maniera più esplicita.
Indipendentemente dalla sua interpretazione, penso che la ragione per cui Brooklynn non finisce con Darius o Kenji sia che avrebbe distratto dal messaggio del finale: l’amicizia è la chiave della vita.
L’amicizia ha salvato Ben. L’amicizia li ha fatti uscire dalla Valle della Biosyn. L’amicizia è il cuore dei Sei di Nublar. L’unica eccezione è Yaz e Sammy, che sono una coppia già consolidata sin dalla serie originale.
Il Vero Significato del Finale di Jurassic World: Teoria del caso
L’interpretazione più semplice del finale di Jurassic World: Teoria del caso è che l’amicizia è la chiave di tutto. Questo è il messaggio ribadito in ogni scelta narrativa, ed è ciò che i giovani spettatori recepiranno più facilmente.
Tuttavia, l’interpretazione più adulta è che possiamo sopravvivere alle difficoltà solo se lavoriamo insieme.
Come sottolinea Sammy, le situazioni terribili sono spesso incontrollabili. Brooklynn non è la causa di tutto ciò che va storto nella stagione 4 di Jurassic World: Teoria del caso, proprio come noi non siamo in controllo di tutto ciò che va male nelle nostre vite. Tuttavia, proprio come i Sei di Nublar, siamo più forti insieme che separati.
Il cast di Frozen tornerà ufficialmente per costruire un paio di costosissimi pupazzi di neve. Le star del franchise d’animazione Disney di grande successo avrebbero ottenuto stipendi enormi e da record per il terzo e il quarto film, moltiplicando i 15 milioni di dollari percepiti per il loro doppiaggio in Frozen II.
Secondo The Wrap, Kristen Bell (Anna), Josh Gad (Olaf) e Idina Menzel (Elsa) hanno firmato un contratto del valore di 60 milioni di dollari ciascuno, che è tra gli importi più alti mai pagati agli attori in un progetto animato, superando di gran lunga i 20 milioni di dollari guadagnati da Dwayne Johnson per Oceania 2 e i 25-40 milioni di dollari incassati da Tom Hanks per Toy Story 4.
Questi stipendi mastodontici includeranno, a quanto pare, compensi iniziali e bonus a posteriori, che non saranno erogati in un’unica soluzione, ma piuttosto nel corso delle lunghe produzioni dei futuri film. Una parte degli incassi dipenderà anche dall’andamento del botteghino, ma qualcosa ci dice che non sarà un grosso problema!
Una sinossi di Frozen 3 è stata condivisa online dopo la conferenza di lancio della divisione prodotti di consumo Disney tenutasi a Shanghai a settembre. La traduzione ha rivelato che il terzo capitolo Disney si concentrerà sul matrimonio reale della regina Anna e Kristoff (Jonathan Groff), introducendo anche un “nuovo misterioso membro” della famiglia reale. “In questo nuovo capitolo, assistete al matrimonio del secolo ad Arendelle, mentre la regina Anna percorre la navata e si unisce a Elsa in un nuovo viaggio magico pieno di sfide inedite. E la cosa ancora più emozionante: la famiglia reale sta per dare il benvenuto a un nuovo misterioso membro!”
Il direttore creativo dei Walt Disney Animation Studios, Jared Bush, ha recentemente condiviso il seguente aggiornamento sui progressi dei prossimi due film.
“Alcune informazioni sono riservate, ma quello che vorrei condividere con voi è che al momento il lavoro svolto su Frozen 3, in particolare, è fenomenale. Quando la gente lo vede, penso che tornare in quel mondo con quei personaggi, il valore di intrattenimento di vederli intraprendere un nuovo viaggio, ma che sia molto coerente con la storia che hanno già vissuto, sia fantastico. Personalmente, credo che sia fondamentale assicurarsi che ogni film che realizziamo sia fantastico. Abbiamo il lusso di poter rivedere i film più volte, quindi guardare a Frozen 3 pensando: ‘Possiamo raccontare la storia migliore possibile con questo senza preoccuparci di dove ci sposteremo nella storia successiva’, è in un certo senso importante. Una cosa alla volta è, per me, il modo migliore di affrontare la situazione.”
James Gunn è noto per essere un supereroe di successo, ma è anche un esperto di animazione classica. Oltre ad aver scritto il film Scooby-Doo dei primi anni 2000, ha contribuito alla storia e sta producendo l’attesissimo Coyote vs. Acme. Basato su un articolo del New Yorker del 1990, il film è diretto da Dave Green (Tartarughe Ninja: Fuori dall’ombra) e scritto da Sammy Burch (May December), da una storia di Gunn e Jeremy Slater.
Il progetto adotta un nuovo approccio a Willy il Coyote e alla sua incessante ricerca di Beep Beep. Dopo essere stato ferito per anni in modo orribile da prodotti difettosi della Acme, decide finalmente di intraprendere un’azione legale contro l’azienda con l’aiuto del suo avvocato, Kevin Avery (Will Forte). Le cose non saranno facili per loro, però, poiché dovranno vedersela con l’avvocato di Acme, Buddy Crane (John Cena).
Coyote vs. Acme ha avuto un percorso insolito per l’uscita. Nel 2023, è stato rivelato che la Warner Bros. Discovery aveva cancellato il film, in modo simile a quanto accaduto con Batgirl e Scoob! Holiday Haunted. La mossa ha generato molte polemiche sui social media, che hanno portato la WBD a stipulare un accordo con la Ketchup Entertainment (che ha anche distribuito The Day the Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie) per salvare il film.
Willy il Coyote è stato storicamente rappresentato come un cattivo guidato dalla sua ossessione di catturare Beep Beep. Coyote vs. Acme, tuttavia, adotta un approccio diverso a questa dinamica. Parlando con Empire, il regista Dave Green ha rivelato che uno degli obiettivi del film è dissipare l’idea che Coyote sia un cattivo. Questo, spiega, sarà fatto scavando a fondo nel personaggio: “Quando siamo cresciuti guardandolo, c’era qualcosa di malvagio in lui. Vogliamo sfatare quel mito, entrare nella sua anima e mostrarvi cosa lo spinge davvero.”
Green ha anche detto che il film vi farà tifare per Coyote. Inoltre, ha sottolineato il fatto che, visto dalla sua prospettiva, il personaggio ha effettivamente delle ragioni per essere accusato di Acme: “[Willy il Coyote] è stato assolutamente diffamato per 80 anni. È saltato in aria. È stato schiacciato dalle incudini e completamente maltrattato dalla Acme Corporation. E più leggete questo articolo, più ridete e vi rendete conto che Wile E. ha davvero delle ottime ragioni per essere accusato di questo.”
Il regista ha anche parlato della cancellazione del film e del successivo salvataggio, affermando: “Fare un film è come spingere un masso su per una collina. È quello che Wile E. fa ogni giorno. L’idea di essere qui a parlare con voi oggi, a questo punto, mi sembra assolutamente surreale.”
Uno degli aspetti più intriganti del film è il coinvolgimento di James Gunn. Il co-CEO dei DC Studios è noto soprattutto per il suo contributo al genere dei film sui supereroi, avendo diretto la trilogia dei Guardiani della Galassia per i Marvel Studios (insieme allo speciale natalizio Disney+), The Suicide Squad, Peacemaker e Superman. Il regista non ha scritto il film, ma ha contribuito alla sua storia, che, come accennato, è basata sull’articolo del 1990 del New Yorker, Coyote vs. Acme, scritto da Ian Frazier. Avere la storia (almeno l’ossatura) permeata dalla sensibilità creativa di Gunn rende Coyote contro Acme un progetto particolarmente intrigante.
Nel luglio 2025, quando un fan su Threads gli chiese se avesse co-scritto il film, Gunn rispose: “No, ho scritto una storia, che Jeremy [Slater] ha usato come base per la prima sceneggiatura”. Alla domanda se la sua storia fosse ancora presente nella versione finale del film, il regista ha dichiarato: “Oh, ci sono elementi della storia di base, ma Sammy Burch è sicuramente la sceneggiatrice principale e ha fatto un lavoro meraviglioso!”
L’iniziale cancellazione di Coyote vs. Acme ha suscitato indignazione nell’industria dell’intrattenimento. Come rivelato dall’Hollywood Reporter, in seguito all’annuncio, diversi registi hanno iniziato a sospendere gli incontri con lo studio. Dopo aver salvato il film dalla cancellazione, il CEO di Ketchup Entertainment, Gareth West, ha dichiarato: “Siamo entusiasti di aver stretto un accordo con la Warner Bros. Pictures per portare questo film al pubblico di tutto il mondo. Coyote vs. Acme è un perfetto mix di nostalgia e narrazione moderna, che cattura l’essenza degli amati personaggi dei Looney Tunes e li presenta a una nuova generazione. Crediamo che piacerà sia ai fan di lunga data che ai nuovi arrivati.”
L’uscita di Coyote vs. Acme è prevista per il 28 agosto 2026.
Fandango presenta il trailer di GIOIA MIA di Margherita Spampinato, dall’11 dicembre al cinema. GIOIA MIA, che ha iniziato il suo percorso al 78° Festival di Locarno, con il Premio Speciale della Giuria – Cine+ e il Pardo per la migliore interpretazione femminile ad Aurora Quattrocchi, passando per l’anteprima ad Alice nella città, arriverà al cinema dall’11 dicembre con Fandango.
Margherita Spampinato, alla sua prima regia, racconta in maniera garbata e allo stesso tempo appassionata lo scontro e l’incontro tra due generazioni: da una parte Nico, un bambino scontroso e impertinente, immerso in un mondo moderno, tecnologico e iperconnesso, dall’altro l’anziana zia, signorina religiosissima e scorbutica che vive sola e fuori dal tempo, in un antico palazzo pieno di leggende e superstizioni. I due si trovano a trascorrere insieme, in una Sicilia gattopardesca, un’estate rovente e indolente, che insegnerà ad entrambi a uscire dal proprio guscio e a conoscere meglio l’altro e se stessi…
Un racconto di formazione con un respiro universale, con protagonisti Marco Fiore, classe 2012, apparso per la prima volta in “Supersex” nel ruolo di Rocco Siffredi da bambino, e Aurora Quattrocchi, che vanta numerose performance teatrali e cinematografiche (“Meri per sempre”, “I cento passi”, “Nuovomondo”, “Anime nere”, “Nostalgia”).
GIOIA MIA è una produzione Yagi Media in associazione con Gianluca Arcopinto, Claudio Cofrancesco, Paolo Butini, Ivan Caso, Filippo Barracco e sarà al cinema dall’11 dicembre distribuito da Fandango.
La camera di consiglio è il nuovo film di Fiorella Infascelli che realizza una specie di sequel per Era d’estate, e dirige un gruppo di otto attori guidati da Sergio Rubini e Massimo Popolizio. Il film è stato presentato nella sezione Freestyle della Festa del Cinema di Roma 2025 ed è in sala dal 20 novembre con Notorious Pictures.
Prodotto da Armosia e Master Five Cinematografica con Rai Cinema, il film racconta la camera di consiglio più lunga della storia giudiziaria italiana: 36 giorni in cui 8 giurati, blindati in un appartamento-bunker nel carcere dell’Ucciardone, dovettero decidere condanne e assoluzioni per 470 imputati del Maxiprocesso di Palermo.
Il Maxiprocesso, celebrato alla fine degli anni ’80, rappresenta una delle pagine più decisive della storia della Repubblica: per la prima volta lo Stato riuscì a infliggere una condanna collettiva a Cosa Nostra, riconoscendo l’esistenza dell’organizzazione mafiosa come struttura unitaria. Un momento di svolta giudiziaria e civile che ha cambiato per sempre la storia del Paese.
Un racconto corale con al centro il Presidente della giuria (Sergio Rubini) e il Giudice a latere (Massimo Popolizio), affiancati da Betti Pedrazzi, Roberta Rigano, Anna Della Rosa, Stefania Blandeburgo, Rosario Lisma e con Claudio Bigagli.
La sceneggiatura, firmata da Fiorella Infascelli e Mimmo Rafele con la collaborazione di Francesco La Licata, è stata sviluppata con la consulenza di Pietro Grasso, giudice a latere del Maxiprocesso.
Girato interamente in interni, La camera di consiglio adotta un’impostazione scenica teatrale, che restituisce la tensione e l’isolamento di quei giorni. L’opera si distingue inoltre per l’utilizzo dei materiali di repertorio, capaci di collocare le vicende dei giurati dentro un quadro storico e civile più ampio.
Non semplicemente un film “sulla mafia”, ma un’opera che riflette sul concetto di legge e giustizia, sull’esperienza umana e civile di chi fu chiamato a decidere il destino di centinaia di imputati, in una delle prove più alte e drammatiche della democrazia italiana.
La irresistibilmente accogliente serie crime-comedy di Ted Danson, A Man On The Inside – Stagione 2, torna questa settimana su Netflix con la sua seconda stagione. Sebbene la sitcom presenti molti volti familiari, ci saranno anche alcune entusiasmanti aggiunte al cast che debutteranno nei loro ruoli questa volta.
La leggenda premio Oscar Mary Steenburgen è il nome più notevole aggiunto al cast di A Man On The Inside – Stagione 2, ma ci sono diversi altri nuovi arrivati che probabilmente riconoscerai da altri progetti. Accanto a Danson, Mary Elizabeth Ellis e compagnia, ci saranno anche volti come Max Greenfield di New Girl e Gary Cole di Veep, coinvolti nel nuovo caso della comedy investigativa.
Il trailer della nuova stagione di A Man On The Inside – Stagione 2 ha già rivelato che Charles Nieuwendyk lavorerà al recupero di un laptop da 400 milioni di dollari rubato al presidente di un istituto di istruzione superiore chiamato Wheeler College. La sua missione lo porterà sotto copertura all’università per identificare sospetti tra il personale.
Sono proprio questi membri della facoltà e lavoratori del college a costituire la maggior parte dei nuovi arrivi della serie. Con l’eccezione dell’intrigante interesse amoroso di Steenburgen, Mona Margadoff, naturalmente.
A Man On The Inside – Stagione 2: Cast e Personaggi
Ted Danson è Charles Nieuwendyk
Attore: Conosciuto da generazioni di spettatori per aver recitato in due delle migliori serie NBC di sempre, Cheers e The Good Place, il curriculum televisivo di Ted Danson parla da sé. Dai ruoli celebrati nei franchise crime CSI e Fargo, a innumerevoli interpretazioni comiche sul grande e piccolo schermo, Danson è perfetto per questo ruolo.
Personaggio: Professore universitario in pensione con troppo tempo libero dopo la morte della moglie, Charles Nieuwendyk è uno dei protagonisti più adorabili della TV di oggi. Ma non è solo un vecchio brontolone: Charles ha un acuto senso del dettaglio che, combinato con la sua natura affabile, è perfetto per il suo lavoro sotto copertura.
Mary Elizabeth Ellis è Emily Nieuwendyk
Attore: Mary Elizabeth Ellis è diventata famosa come la cameriera in It’s Always Sunny in Philadelphia, e da allora è diventata una specialista delle sitcom. È apparsa anche nel film Licorice Pizza di Paul Thomas Anderson. Tuttavia, è solo in A Man On The Inside – Stagione 2 che Ellis ha avuto la possibilità di cimentarsi in un ruolo principale più sostanzioso.
Personaggio: Emily Nieuwendyk, la figlia di Charles, ha avuto un rapporto conflittuale con il padre per la maggior parte della prima stagione, e sarà interessante vedere come la loro dinamica sia evoluta nella stagione 2, soprattutto nel contesto della possibile relazione di lui con Mona Margadoff. Sarebbe anche interessante approfondire di più la vita personale di Emily in questa stagione.
Lilah Richcreek Estrada è Julie Kovalenko
Attore:A Man On The Inside – Stagione 2 potrebbe essere il ruolo più importante finora per Lilah Richcreek Estrada, ma i fan dei One Chicago e della sitcom Grace and Frankie la riconosceranno sicuramente. Ha partecipato anche a numerosi podcast horror e sci-fi, oltre che a comparsate nelle sitcom Man with a Plan e Dave.
Personaggio: Julie Kovalenko è la capo esasperata di Charles Nieuwendyk presso l’agenzia investigativa privata Kovalenko Investigations. La sua decisione di assumere Charles è stata altamente non ortodossa e, a giudicare dal trailer, potrebbe pentirsene ancora di più nella stagione 2.
Stephanie Beatriz è Debra “Didi” Santos Cordero
Attore: Sebbene Stephanie Beatriz abbia lavorato molto dopo Brooklyn Nine-Nine, il suo ruolo come la detective Rosa Diaz continua a definire la sua carriera. Tuttavia, la sua interpretazione emotiva di una sopravvissuta a violenza sessuale in The Light of the Moon, insieme alla sua ampia esperienza nel doppiaggio negli ultimi anni, dimostrano la sua versatilità.
Personaggio: Didi gestisce la casa di riposo che Charles ha infiltrato nella stagione 1. Poiché la sua prossima missione lo porterà altrove, probabilmente la vedremo meno in questa stagione. D’altra parte, Charles avrà ancora bisogno dell’aiuto dei suoi amici pensionati di tanto in tanto, il che significa che si scontrerà di nuovo con Didi.
Mary Steenburgen è Mona Margadoff
Attore: L’ingaggio di Mary Steenburgen in A Man On The Inside – Stagione 2 è un grande colpo per la sitcom Netflix. L’attrice veterana ha vinto un Premio Oscar per il ruolo di Lynda West Dummar nel film del 1980 Melvin and Howard di Jonathan Demme. Oggi, però, è probabilmente più nota come Clara in Ritorno al futuro – Parte III e come Carol in Book Club.
Personaggio: Mona Margadoff è un’ex musicista che diventa la donna che cattura l’attenzione di Charles Nieuwendyk nella stagione 2 di A Man On The Inside – Stagione 2. È anche coinvolta nel caso su cui Charles sta indagando. Anche se il suo ruolo non è ancora chiaro, è probabile che prima o poi diventi una sospettata.
Crediti immagine: Colleen E. Hayes/Netflix
A Man On The Inside – Stagione 2: Cast e Personaggi Secondari
Stephen McKinley Henderson è Calbert Graham — Dopo il commovente finale della stagione 1, il nuovo amico di Charles, Calbert Graham, torna per dargli altri consigli nella stagione 2.
Gary Cole è Brad Vinick — Un miliardario dirigente d’azienda che ha studiato al Wheeler College e che ha avuto un ruolo nell’assumere Charles per indagare sul laptop rubato tramite una donazione all’università.
Michaela Conlin è Andrea Yi — Una professoressa di economia progressista al Wheeler College.
Max Greenfield è Jack Beringer — Il presidente del Wheeler College, impegnato a raccogliere fondi per l’istituzione, e proprietario del laptop rubato.
Jill Talley è Holly Bodgemark — La sovraccarica provost del Wheeler College.
Sam Huntington è Max Griffin — Un professore di giornalismo molto schietto al Wheeler.
Constance Marie è Vanessa — Un’abilissima truffatrice che fornisce informazioni sui criminali alla Kovalenko Investigations.
David Strathairn è il Dr. Cole — Un famoso professore a capo del dipartimento di inglese del Wheeler College.
Quando Warner Bros. Discovery ha deciso di cancellare Batgirl, nonostante le riprese principali fossero già state completate, sia i fan che i registi sono rimasti sconcertati. È stata una mossa senza precedenti, che ha visto l’adattamento della DC Comics dei registi di Ms. Marvel Adil El Arbi e Bilall Fallah etichettato come “non distribuibile” nei resoconti dei media specializzati.
Considerando che gli spettatori avevano già sofferto per film come Black Adam eThe Flash, era difficile credere che un titolo realizzato per HBO Max potesse essere davvero così brutto. Alla fine, la teoria prevalente era che David Zaslav volesse risparmiare denaro eliminando il film come “scrittura fiscale”, che non avrebbe recuperato i costi dal debutto in streaming.
Per quel che vale, il co-CEO della DC Studios Peter Safran ha affermato che Batgirl “non era distribuibile” e, forse prevedibilmente, ha elogiato “Zaslav e il team [per aver preso] una decisione molto audace e coraggiosa di cancellarlo perché avrebbe danneggiato la DC”. Come nuovo giustiziere mascherato della DCEU dopo la scomparsa di Ben Affleck in The Flash, Michael Keaton era stato ingaggiato per tornare nei panni di Batman al fianco di Barbara Gordon, interpretata da Leslie Grace.
C’era poi nel cast anche la star di La mummia Brendan Fraser, che avrebbe dovuto interpretare il malvagio Ted Carson, alias Firefly. Proprio quest’ultimo, parlando con l’Associated Press, non ha nascosto la sua opinione sulla decisione dei dirigenti della Warner Bros. Discovery di accantonare Batgirl. “Un intero film”, ha esordito. “C’erano quattro piani di produzione a Glasgow. Mi intrufolavo nel reparto artistico solo per divertirmi. Il prodotto – mi dispiace, il ‘contenuto’ – viene mercificato al punto che è più vantaggioso bruciarlo e incassare l’assicurazione piuttosto che provarlo sul mercato”.
“C’è una generazione di bambine che non ha un’eroina da ammirare e dire: ‘Lei mi assomiglia’”, ha detto riferendosi alla Batgirl di Grace, prima di approfondire le sue preoccupazioni sulla direzione che sta prendendo l’industria. “Con tutto il rispetto, potremmo rovinarci da soli. Stiamo ancora cercando di farci strada tra l’erba alta dell’intelligenza artificiale e tutto il resto”.
Il piano era che Batgirl portasse questo Cavaliere Oscuro al centro della scena in un progetto Batman Beyond, il che probabilmente significava che avremmo potuto aspettarci che la Bat Family facesse parte dell’ormai defunto DCEU. Invece, la DC Studios ha rilanciato il franchise come DCU, con un nuovo Bruce Wayne destinato a diventare protagonista in The Brave and the Bold. Sfortunatamente, James Gunn e Safran non hanno ancora trovato il loro Batman, e il film, che dovrebbe essere diretto da Andy Muschietti, non sembra affatto vicino a diventare realtà, anche se The Batman – Parte II si prepara a iniziare le riprese.
I Beatles hanno trovato il loro leggendario produttore. Harry Lloyd, l’attore britannico noto per aver interpretato Viserys Targaryen nella prima stagione di Game of Thrones, interpreterà George Martin nel prossimo film biografico in quattro parti sui Beatles diretto da Sam Mendes, The Beatles — A Four-Film Cinematic Event.
Il casting è stato rivelato dal figlio di Martin, Giles Martin, in un’intervista preregistrata che andrà in onda venerdì al Ryan Tubridy Show su Virgin Radio UK. “È davvero bravo. È molto impegnato”, ha detto. Variety ha poi confermato il casting con la produzione.
Martin, scomparso nel 2016, era comunemente definito il “quinto Beatle” per il suo ampio coinvolgimento in ciascuno degli album originali della band. Scrisse la maggior parte degli arrangiamenti orchestrali e per archi e suonò anche il pianoforte o le tastiere in diversi brani. Un tempo descritto come “il produttore discografico più famoso al mondo”, in 60 anni di carriera Martin ha prodotto 30 singoli di successo al primo posto nel Regno Unito e 23 negli Stati Uniti, vincendo sei Grammy.
Oltre a Game of Thrones, Harry Lloyd è apparso in importanti serie TV come “Wolf Hall” e “Legion”, interpretando Charles Xavier. Dovrebbe recitare nella prossima sesta stagione di “Slow Horses”.
Molti dei personaggi che vediamo in Hunger Games: L’Alba sulla Mietitura sono già comparsi negli altri film del franchise, e ora che il trailer del film è finalmente disponibile, possiamo vedere che aspetto avranno in questa nuova iterazione. Il prequel sui 50esimi Hunger Games ruota attorno a un giovane Haymitch Abernathy, interpretato da Woody Harrelson nei quattro film originali di Hunger Games.
L’ambientazione nel passato, nella cronologia di Hunger Games, ha costretto il franchise a riassegnare diversi personaggi importanti, dato che nel libro di L’Alba sulla Mietitura ci sono molti personaggi che ritornano. I quattro personaggi familiari presenti nel trailer sono: il mentore di Katniss, Haymitch Abernathy; il principale antagonista del franchise, il Presidente Coriolanus Snow; la scorta di Katniss, Effie Trinket; l’ex Stratega diventato un cospiratore ribelle, Plutarch Heavensbee. Ecco un confronto tra l’aspetto dei personaggi nel prequel e quello dei film precedenti.
Haymitch Abernathy
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Woody Harrelson è Haymitch Abernathy nella saga di Hunger Games
Joseph Zada è Haymitch Abernathy in Hunger Games: L'Alba sulla Mietitura
Precedentemente interpretato da Harrelson, ora tocca a JosephZada interpretare il secondo vincitore del Distretto 12, protagonista del cast di L’Alba sulla Mietitura. Lo si vede con i capelli biondi e ricci, il viso rasato e gli occhi azzurri penetranti per tutto il trailer.
Zada si presenta molto bene come una versione più giovane del personaggio di Harrelson. La differenza fisica più evidente riguarda i capelli di Haymitch, che ora sono ricci, anziché lisci e un po’ più lunghi una volta cresciuto.
Considerando che in L’Alba sulla Mietitura Haymitch ha 16 anni, questa piccola differenza ha senso considerando il divario di 24 anni tra questa storia e la prima apparizione di Harrelson. L’adolescente del Distretto 12 non ha nemmeno la barba, mentre da adulto ne aveva una certa barba.
Presidente Coriolanus Snow
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Donald Sutherland è Coriolanus Snow nella saga di Hunger Games
Tom Blyth è Coriolanus Snow in La ballata dell'usignolo e del serpente
Ralph Fiennes è Coriolanus Snow in Hunger Games: L'Alba sulla Mietitura
Ralph Fiennes interpreta il ruolo del Presidente Coriolanus Snow in Hunger Games: L’Alba sulla Mietitura, e la prima occhiata che ne dà è un ottimo mix delle due incarnazioni precedenti, molto diverse tra loro. Fiennes indossa un abito rosso con una tradizionale rosa bianca appuntata sul bavero. È anche ben rasato e ha i capelli grigi lunghi fino alle spalle, tirati indietro.
Si adatta sicuramente alla parte, collocandosi in modo convincente tra le interpretazioni di Tom Blyth e Donald Sutherland. Il completo rosso è un piacevole richiamo a quello che Snow indossava nel finale di La ballata dell’usignolo e del serpente. Anche il viso appena rasato si adatta bene alla versione più giovane di Blyth, a differenza della barba di Sutherland.
La differenza principale nell’aspetto di Snow qui è il colore dei capelli. Invece di avere i capelli biondi del suo io più giovane o le ciocche bianche e pure della sua età avanzata, il presidente di Panem sta attraversando una fase di transizione tra queste due fasi. Considerando che siamo a 40 anni dalla versione di Blyth e 24 prima di quella di Sutherland, ha senso.
Effie Trinket
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Elizabeth Banks è Effie Trinket nella saga di Hunger Games
Elle Fanning è Effie Trinket in L'Alba sulla Mietitura
Elle Fanning interpreta Effie Trinket in L’Alba sulla Mietitura, mostrando una versione più giovane del personaggio di consigliera interpretato da Elizabeth Banks. La si vede con i capelli biondi arricciati sul lato destro del viso, indossa una collana a farfalla, un abito blu e arancione e un po’ di trucco.
Questa versione più giovane di Effie appare piuttosto diversa dall’interpretazione di Banks. Ciò deriva principalmente dalle scelte di stile di Effie, che, pur essendo uniche, non sono così elaborate e audaci come quelle a cui siamo abituati.
La versione di Banks indossava sempre abiti ampi e stravaganti, con acconciatura e colore in continua evoluzione. Non è chiaro se la versione di Fanning avrà scelte di stile più sobrie per tutto il film o se indosserà abiti più tradizionali per Effie in seguito.
Nonostante questo netto contrasto, Fanning sembra comunque perfetta per una Effie più giovane. Che mantenga questi costumi un po’ più semplici o indossi abiti più vistosi, questo non cambierà.
Plutarch Heavensbee
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Philip Seymour Hoffman è Plutarch Eversbeen nella saga di Hunger Games
Jesse Plemons è Plutarch Eversbeen in L'Alba sulla Mietitura
Jesse Plemons interpreta la giovane Plutarch Heavensbee, interpretata da Philip Seymour Hoffman a partire da Hunger Games:La ragazza di fuoco. Questa versione di Plutarch ha i capelli più lunghi che arrivano fino al colletto della camicia, baffi e basette.
Questo rende Plemons molto diverso da Hoffman in questo ruolo. Il biondo fragola naturale dell’attore viene mantenuto, anche se Plutarch in seguito ha i capelli bianchi o biondo chiarissimo. Tuttavia, questa differenza è accettabile, data la giovane età del personaggio e poiché la versione di Hoffman aveva le sopracciglia più scure che si abbinano meglio al colore dei capelli di Plemons.
I baffi sono un’aggiunta completamente nuova al personaggio, poiché non c’era alcun tipo di barba quando Hoffman lo interpretava. Questo potrebbe essere dovuto a una decisione personale di Plemons, dato che di solito ne ha una nella vita reale, e raderla per questo ruolo potrebbe essere stata ritenuta superflua.
Hunger Games: L’Alba sulla Mietitura deve ancora mostrarci come appaiono le versioni più giovani di Beetee, Wiress e Mags, e ci sono ancora altre rivelazioni sui personaggi più familiari che devono ancora arrivare prima dell’uscita del film il prossimo anno.
La parte più oscura della storia di Wicked, Wicked – Parte 2 (qui la nostra recensione) segue Elphaba Thropp dopo aver sfidato il Mago di Oz ed essere stata bollata come la Malvagia Strega dell’Ovest. Diretto da Jon M. Chu, il film vede protagonisti Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Marissa Bode, Ethan Slater, Michelle Yeoh e Jeff Goldblum. Sia questa Parte 2 che il precedente capitolo sono adattamenti del musical di Broadway Wicked, a sua volta tratto dal romanzo del 1995 Wicked: The Life and Times of the Wicked Witch of the West.
Tutte e tre le versioni della storia affrontano temi più ampi su cosa significhi essere buoni e su come la propaganda possa oscurare un regime corrotto, anche se il musical ha notevolmente smussato i contorni del romanzo. Recentemente, Erivo, che interpreta Elphaba, ha discusso di come questi temi abbiano plasmato la sua versione della strega: “Non ho mai visto Elphaba come un personaggio malvagio, ma penso […] che ciò che mi è stato chiarito è che la percezione è tutto”.
“Ciò che vediamo come buono e ciò che vediamo come malvagio può essere distorto e modificato, a seconda di chi è, di chi stiamo guardando e attraverso quali occhi, attraverso quali lenti stiamo guardando”, ha continuato Erivo. “Quindi, a seconda di come ci sentiamo nei confronti di un certo tipo di persona, a seconda di come ci sentiamo nei confronti della pelle in cui vive quella persona, a seconda di come ci sentiamo nei confronti del modo in cui quella persona parla o appare, è quella la lente attraverso cui guardiamo”.
Allo stesso modo, Erivo ha osservato che il concetto di bontà è soggettivo. “Come usiamo la parola ‘buono’, è davvero buono? O è una sorta di apparizione del bene?”, ha riflettuto l’attrice. “La differenza tra ciò che è realmente buono e ciò che può essere percepito come buono, e ciò che è realmente male e ciò che può essere percepito come male. E a chi possiamo realmente attribuire la colpa, e quanto è facile scaricarla su qualcun altro”.
Da parte sua, Grande, che interpreta l’amica estraniata di Elphaba e una pedina del Mago, ha dichiarato: “Adoro la domanda che pone il film”. Ha poi aggiunto di apprezzare il modo in cui For Good “invita le persone a riflettere sul perché quelle etichette vengano proiettate con tanta facilità”. “Le persone sono una sorta di accumulo di tutte le loro esperienze, delle loro ferite e delle loro cose, e in un certo senso viviamo in un’epoca in cui tutto viene cancellato dal contesto e dall’umanità, e le cose vengono ridotte a una breve frase ad effetto o a un titolo veloce”, ha detto Grande, affrontando il messaggio politicamente connotato del film.
“E penso che, sebbene le persone possano fare cose buone e cose cattive, sia un tema interessante nella storia chiedere alle persone di cercare l’umanità, o ciò che potrebbe esserci dall’altra parte. Non si conosce mai davvero tutta la storia. Non si può sapere”, ha concluso. Sebbene la crociata di Elphaba contro il Mago sia giustificata, l’intero mondo di Oz non la vede in questo modo, e Glinda è costretta a scegliere tra essere buona e compiere azioni buone.
Tra un giustiziere assassino, un mostro furioso e, se le voci sono vere, un sacco di nuovi cattivi, si può dire che l’Uomo Ragno di Tom Holland avrà un bel da fare in Spider-Man: Brand New Day. Ora, sembra che l’eroe, già in difficoltà, dovrà affrontare ancora più problemi di quanto pensassimo. Secondo lo scoop di Daniel Richtman, è stata infatti girata una grande sequenza d’azione “in una prigione con Spider-Man che combatte un esercito di ninja!”.
Ci sono diverse squadre/organizzazioni di ninja o simili nell’universo Marvel Comics, tra cui The Chaste e The Inner Demons (anche se non è prevista la partecipazione di Mr. Negative e della sua banda) e, naturalmente, La Mano. Sebbene Spider-Man potrebbe trovarsi ad affrontare un gruppo casuale di ninja senza alcun legame con i fumetti (si è detto anche che sarà coinvolto un cattivo “samurai”), c’è la possibilità che Spider-Man: Brand New Day introduca questo antico e mistico clan che è strettamente associato a Daredevil.
Se si tratta de La Mano, dovremmo aspettarci anche l’arrivo dell’Uomo senza Paura? Un cameo di Charlie Cox nei panni di Daredevil potrebbe essere improbabile, ma anche Spider-Man ha avuto a che fare con La Mano anche nei fumetti, e il loro coinvolgimento potrebbe gettare le basi per quella tanto attesa collaborazione. Come sempre, questi scoop sono da prendere con leggerezza, in attesa di conferme o smentite ufficiali.
Quello che sappiamo su Spider-Man: Brand New Day
Ad oggi, una sinossi generica di Spider-Man: Brand New Day è emersa all’inizio di quest’anno, anche se non è chiaro quanto sia accurata.
Dopo gli eventi di Doomsday, Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile alleato per proteggere coloro che ama.
L’improbabile alleato potrebbe dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal – recentemente annunciato come parte del film – in una situazione già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi contro la vera minaccia di turno.
Di certo c’è che il film condivide il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry Osborn.
Il film è stato recentemente posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026. Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers. Tom Holland guida un cast che include anche Zendaya, Jacob Batalon,Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas e Jon Bernthal. Michael Mando è stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento di Charlie Cox.
Spider-Man: Brand New Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.
Il franchise di Hunger Games si espande con un nuovo film, Hunger Games: L’alba sulla mietitura. Dopo aver seguito la trasformazione di Katniss Everdeen da leader del Distretto 12 a simbolo di una ribellione per quattro film e aver fatto ritorno agli albori dei giochi per mostrare le origini del Presidente Snow, la serie rivolge la sua attenzione a Haymitch Abernathy.
Il mentore spesso ubriaco interpretato da Woody Harrelson, che ha reso omaggio al Distretto 12 nei film originali di Hunger Games, è ora il fulcro del secondo prequel del franchise. Questa volta, Joseph Zada assume il ruolo, mostrando Haymitch sedicenne quando viene selezionato per partecipare ai 50esimi Hunger Games, noti anche come la Seconda Edizione della Memoria.
La continua crescita di questa serie significa che più epoche nella cronologia del franchise stanno venendo alla luce. L’alba sulla mietitura mostra una parte completamente nuova della storia di Panem, allontanandosi da qualsiasi legame troppo stretto con storie precedenti di questo mondo.
In che modo Hunger Games: L’alba sulla mietitura si inserisce nella timeline di Hunger Games
Il franchise di Hunger Games è iniziato con i 74esimi Hunger Games, proseguendo con La ragazza di fuoco ambientato durante i 75esimi Hunger Games, ovvero la Terza Edizione della Memoria e l’ultima edizione di questa competizione mortale ad aver mai avuto luogo. L’adattamento cinematografico in due parti de Il canto della rivolta ha fatto avanzare ulteriormente il mondo di circa un anno, prima che l’epilogo facesse un salto in avanti di diversi anni per mostrare Katniss e Peeta felicemente sposati con due figli.
Il prequel di Haymitch è ambientato molti anni prima di questi eventi. Poiché riguarda i 50esimi Hunger Games, L’alba sulla mietitura è ambientato 24 anni prima del film e del libro originali di Hunger Games. Ecco perché il film ha dovuto ingaggiare un attore per interpretare versioni così giovani dei personaggi già visti e conosciuti come Haymitch, Effie, Snow, Plutarch, Wiress, Beetee, Mags e Caesar Flickerman.
Questa collocazione temporale significa anche che il film arriva decenni dopo l’ultimo capitolo della saga, La ballata dell’usignolo e del serpente. Quel film era incentrato sui decimi Hunger Games, in cui Snow faceva da mentore a Lucy Gray Baird del Distretto 12. L’alba sulla mietitura è ambientato 40 anni dopo La ballata dell’usignolo e del serpente, dove il Distretto 12 ebbe il suo primo vero vincitore.
Ecco la timeline completa dei film di Hunger Games:
Grazie a questa collocazione temporale, L’alba sulla mietitura colmerà lo spazio tra i due macro eventi già raccontati finora. Avrà importanti collegamenti con La ballata dell’usignolo e del serpente, basato sul libro, ma è anche un prequel più classico della storia incentrata su Katniss, che riporta in scena diversi personaggi e introduce eventi futuri.
Tuttavia, con così tanto tempo ancora inesplorato prima e dopo gli eventi di quest’ultimo film nella linea temporale, c’è spazio affinché il franchise continui ad espandersi oltre, se l’autrice Suzanne Collins scrivesse altri libri.
Secondo un’esclusiva di The Hollywood Reporter, Neal H. Moritz, il produttore noto per Fast & Furious, sarebbe in trattative per dirigere un nuovo film delle Tartarughe Ninja per la Paramount e rilanciare così il franchise. Anche il co-fondatore della sua società di produzione, Original Films, Toby Ascher, dovrebbe produrre il film insieme a lui.
La Paramount, recentemente riorganizzata, sta infatti apportando importanti cambiamenti all’iconico franchise. Uno dei cambiamenti più significativi è avvenuto alcuni mesi fa, quando lo studio ha cancellato Tales of the Teenage Mutant Ninja Turtles (spin-off di Caos Mutante), interrompendo il progetto a metà della produzione senza ripensamenti.
Christopher Yost, showrunner di Tales of the Teenage Mutant Ninja Turtles, ha confermato su Threads che la serie è stata effettivamente cancellata. Ha poi aggiunto: “I prossimi episodi di Tales of the Teenage Mutant Ninja Turtles saranno purtroppo gli ultimi. Fortunatamente, sono i nostri episodi migliori finora”.
Nel frattempo, fonti interne hanno affermato che The Last Ronin, che era in produzione, è stato a sua volta abbandonato. Il film era un adattamento vietato ai minori della serie di fumetti best-seller con lo stesso nome. A quanto pare, Ilya Naishuller era in trattative per dirigere il progetto. Purtroppo, quei piani sono falliti perché la nuova dirigenza dello studio non era interessata a realizzare il primo film live-action delle Tartarughe Ninja in oltre un decennio rendendolo non adatto alle famiglie. Tuttavia, un’altra fonte ha affermato che in futuro potrebbero riconsiderare la decisione.
Nonostante tutte queste cancellazioni e modifiche ai piani, almeno un progetto rimane salvo, almeno per ora. Al momento della pubblicazione di questo articolo, Tartarughe Ninja: Caos Mutante 2 di Seth Rogen, Evan Goldberg e Jeff Rowe è ancora previsto per il 17 settembre 2027. Non resta a questo punto che attendere maggiori informazioni sul nuovo progetto in live action, sperando di poter rivedere presto le Tartarughe Ninja al cinema.
Dopo aver trascorso un decennio in varie fasi di sviluppo, anche Tasha Huo è incerta su cosa stia succedendo con l’adattamento live-action di Naruto. Il film basato sul manga di Masashi Kishimoto, che racconta le vicende di un giovane ninja che si avventura per diventare il leader del suo villaggio, meglio conosciuto come Hokage, è entrato in fase di sviluppo nel 2015 con la produzione di Lionsgate e del fondatore della Marvel Studios, Avi Arad.
Negli anni successivi, il film su Naruto ha registrato progressi lenti ma costanti, con l’aggiornamento più importante arrivato all’inizio del 2024, quando Michael Gracey, regista di The Greatest Showman, ha passato il testimone a Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, per la regia e la co-sceneggiatura. Poco prima, la futura showrunner di Tomb Raider: The Legend of Lara Croft, Tasha Huo, sarebbe stata coinvolta nella sceneggiatura del film, con la sua ultima bozza della sceneggiatura completata entro agosto 2024.
Ora, in un’intervista con ScreenRant per discutere del suo lavoro come showrunner di The Mighty Nein di Prime Video, a Huo è stato chiesto un nuovo aggiornamento sul film live-action di Naruto. La co-sceneggiatrice ha confessato di non avere “novità” sul film, riconoscendo l’agenda sempre fitta di impegni di Cretton con il Marvel Cinematic Universe e dicendo “vorrei avere” più notizie. Tuttavia, non ha ancora perso le speranze sul film, mettendosi nella stessa barca dei fan della serie, poiché “anch’io non vedo l’ora di vedere” l’adattamento.
Da quando ha fatto il suo ingresso nel mondo dei film di successo dopo Shang-Chi, Cretton è diventato uno dei registi più richiesti di Hollywood, in particolare per tutto ciò che riguarda la Marvel. Oltre ai piani provvisori per realizzare un sequel di Shang-Chi, Cretton ha anche co-creato e prodotto la prossima serie Disney+Wonder Man, dirigendo i primi due episodi, e sta attualmente girando Spider-Man: Brand New Day per la sua uscita nel luglio 2026.
Nonostante l’attuale incertezza di Huo, tuttavia, il programma di Cretton dopo Spider-Man potrebbe finalmente aprirgli le porte per lavorare al film Naruto. Si ipotizza che il prossimo Avengers: Secret Wars fungerà da reboot per l’MCU, lasciando incerto il futuro di Shang-Chi e consentendo quindi lo sviluppo di qualcosa di nuovo. Inoltre, dato che quasi tutte le serie Marvel Disney+ hanno una sola stagione, probabilmente non sarà impegnato con i futuri episodi di Wonder Man.
Un altro motivo di fiducia è il continuo entusiasmo di Huo per la direzione del film su Naruto. Sia lei che Kishimoto hanno già espresso la loro fiducia nell’approccio di Cretton al materiale, riconoscendolo come un vero fan dell’iconico manga e, come tale, non prenderà alla leggera l’adattamento per il live-action. Inoltre, dato che One Piece di Netflix si è rivelato il più grande successo internazionale di adattamento di un manga in live-action, sarà interessante vedere quali lezioni lei e Cretton trarranno da questo per adattare un altro franchise iconico.
James Cameron è uno dei registi di maggior successo attualmente in attività ed è famoso per i suoi film all’avanguardia dal punto di vista tecnologico. Un elemento comune dei suoi primi film, in particolare, è la presenza di personaggi femminili forti. Durante una recente intervista con Vanity Fair, Cameron ha riflettuto proprio su come ha interpretato personaggi femminili ormai iconici come Sarah Connor in Terminatored Ellen Ripley in Aliens. Secondo il regista, il suo approccio a questi personaggi deriva in ultima analisi dalle forti influenze femminili nella sua vita.
“Penso che Ripley fosse in qualche modo presente nella mia mente mentre scrivevo Sarah. E Jamie Lee Curtis in Halloween. È stata una strana metamorfosi del tropo della ‘ultima ragazza’, giusto? Dove c’è l’ultima donna che il killer cerca di uccidere, ma lei reagisce e ha la meglio”, ha detto il regista. “E penso che questo derivi dall’avere una madre forte, dall’avere donne forti nella mia famiglia. Probabilmente c’è tutta un’interpretazione freudiana al riguardo. Quindi, in qualche modo, il tropo della ‘ultima ragazza’ nei film horror era più significativo”.
Cameron spiega che, sebbene questi personaggi presentino tratti considerati più tradizionalmente “maschili”, come la forza fisica e la padronanza delle armi, ha cercato di concentrarsi su altri tratti che vedeva nella sua vita. “Si trattava della resilienza, dell’intelligenza, del tipo di forza che una donna apporta a un personaggio, che non è il tipico ‘calcio nella porta’ o ‘sparare con la pistola’ maschile. Anche se le ho dato un po’ di questo in Aliens, è diverso. E penso che questo derivi dalla mia esperienza di vita precedente, che è confluita in quel cliché horror e slasher, e poi improvvisamente ha preso vita propria“.
Secondo James Cameron, è stato solo dopo i suoi primi successi che si è reso conto di stare facendo qualcosa di relativamente unico a Hollywood in termini di rappresentazione dei personaggi femminili. Dopo di che, ha deciso di approfondire la questione. “Quindi, dopo il successo di Terminator e Aliens, mi sono detto: ‘Oh, ora mi rendo conto che sto facendo qualcosa che Hollywood non ha fatto bene’. Sai, nei film mainstream. E ho pensato: ‘Continuerò a farlo’. La gente sta reagendo bene. L’ultima volta che ho controllato, le donne costituivano la metà del pubblico”.
“La domanda è: come posso, in qualità di sceneggiatore e regista maschio che ama l’azione e l’avventura, attrarre contemporaneamente il pubblico maschile e quello femminile? E penso che questo abbia cominciato a concretizzarsi per me in The Abyss e nei film successivi. È diventata una scelta più consapevole, ma sembrava un terreno fertile“, ha aggiunto Cameron.
Sebbene Ripley e Connor rimangano due dei personaggi femminili più memorabili della filmografia di James Cameron, lui non ha abbandonato i tentativi di portare avanti questa ricerca. The Abyss, ad esempio, mette in luce Lindsey Brigman, interpretata da Mary Elizabeth Mastrantonio, e True Lies pone grande attenzione su Helen Tasker, interpretata da Jamie Lee Curtis.
Connor, interpretata da Linda Hamilton, non solo è diventato un personaggio di spicco in Terminator, ma ha acquisito ancora più spessore nell’acclamato Terminator 2 – Il giorno del giudizio. Anche se il personaggio di Hamilton non era presente nei tre sequel successivi, è tornato in Terminator – Destino Oscuro (2019), prodotto da James Cameron. C’è poi stata Rose in Titanic, interpretata da Kate Winslet, fino ad arrivare alla Neytiri diZoe Saldaña nella serie Avatar, che è diventata un personaggio importante per Cameron, a conferma della sua grande attenzione nei confronti di personaggi femminili che riscrivono le regole del gioco.
Volge al termine la XXIII edizione del Trailers FilmFest, l’unico evento in tutta Europa dedicato alla promozione cinematografica, che si svolge a Roma dal 19 al 21 novembre.
Il Trailers FilmFest vuole riconoscere e celebrare tutti i mestieri del cinema che contribuiscono al successo di un film, sta finalmente per iniziare. E quest’anno fa le cose in grande.
We Make It Big, questo infatti è il claim che accompagnerà l’edizione numero ventitré, che punta sicuramente a trovare il giusto posizionamento nel panorama festivaliero, ma soprattutto a radicarsi come un laboratorio permanente, un osservatorio su un settore dell’industria audiovisiva ancora troppo poco analizzato e studiato.
Il terzo e ultimo giorno è dedicato alla premiazione di tutte le categorie, ma anche della attesissima BATTLE OF CREATIVITY. Un evento che segna una assoluta novità per il Trailers FilmFest: “Negli anni precedenti il festival si è chiuso con la proiezione di un film”, ha dichiarato Alessandro De Simone, co-direttore del festival insieme a Francesca Sofia Allegra. “Ma questo festival è troppo peculiare per terminare come tutti gli altri, abbiamo voluto inserire qualcosa che, ancora una volta, celebri proprio i professionisti di questo specifico settore. Per questo abbiamo introdotto la Battle of Creativity”.
The Battle of Multiverse è il format di ADCI – Art Directors Club Italiano, in versione Trailers FilmFest, pensato per esplorare la creatività attraverso il linguaggio del cinema e dell’advertising. Una battle tra professionisti dei due mondi, dove designer, illustratori, grafici, videomaker e creativi di ogni dimensione si confrontano all’ultimo frame.
Ogni partecipante, sul palco, dovrà rispondere a quattro domande poste dal presentatore, utilizzando video, trailer, estratti, reel, short o colonne sonore, purché non più lunghi di 180 secondi.
Non sono ammesse opere personali: per ogni domanda, i concorrenti dovranno selezionare, presentare e raccontare lavori realizzati da altri, che rappresentino al meglio la propria visione creativa. Potranno scegliere liberamente dal Cinema o dall’Advertising. Ogni partecipante guiderà il pubblico in un viaggio attraverso immaginari potenti e iconici, dove la creatività diventa linguaggio universale. E al termine di ogni round, sarà il pubblico, con i suoi applausi, a decretare la vittoria.
Chi otterrà più voti conquisterà la battle e l’onore eterno nel Multiverso Creativo. In questa battle non si gareggia con ciò che si è fatto, ma con ciò che si ammira, si conosce e si sa raccontare bene.
Quattro creativi. Quattro domande. Sedici colpi di genio creativi.
Nell’arena del Trailers FilmFest quest’anno sono scesi:
FRANCESCO MARCHETTI (Founder di AKA LAB)
ROBERTO RECCHIONI (fumettista e sceneggiatore)
MAURO MANCINI (regista di Non odiare e Mani Nude)
LORENZO TERRAGNA (Founder The Teacher Agency)
Di seguito, gli appuntamenti della terza giornata del Trailers FilmFestival XXIII
Ore 10:00 – TrailersLAB – Anatomia di un trailer, terza parte
Un workshop a cura di Vertigo riservato agli studenti ABA, che si terrà presso l’Accademia di Belle Arti di Roma.
Il workshop è dedicato alla creazione di un trailer cinematografico, dall’analisi del film alla costruzione del ritmo e della narrazione visiva. Guidati da professionisti che collaborano con le principali case di produzione e distribuzione nazionali e internazionali, i partecipanti esploreranno tutte le fasi del processo creativo.
Ore 20:00 – Trailers Award
La serata di premiazione si terrà presso il Cinema Moderno – Sala 5. La serata di premiazione sarà arricchita dalla Battle of Creativity.
Finalmente vengono svelati altri personaggi di Odisseadi Christopher Nolan, mentre il film si avvicina alla sua grande uscita nel 2026. Sebbene l’Odissea di Omero sia già stata esplorata in passato in TV e al cinema, Hollywood la vedrà attraverso la regia di Nolan, con il suo adattamento destinato a diventare uno dei film più importanti della prossima estate. Dato che Nolan ha riunito un altro cast stellare, a partire da Matt Damonnel ruolo di Odisseo, Empire ha finalmente rivelato chi interpreteranno Robert Pattinson e Zendayanell’attesissimo film del 2026.
Mentre la rivista ha condiviso nuove immagini del film (le si può vedere qui), è stato confermato che Pattinson interpreterà Antinoo – il più importante e arrogante dei Proci, i pretendenti che assediano la reggia di Itaca e la mano di Penelope, mentre Zendaya interpreterà la dea Atena. La rivista ha anche svelato un’altra immagine, confermando che John Leguizamo, anch’egli scritturato per il cast di Odissea, interpreterà Eumeo, servo di Odisseo.
Quello che sappiamo sul film Odissea di Christopher Nolan
Il film vanta un ricco cast composto da Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Lupita Nyong’o, Robert Pattinson, Charlize Theron, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Elliot Page, Himesh Patel, Mia Goth e Corey Hawkins. Per quanto riguarda la trama, questa segue Odisseo, il leggendario re greco di Itaca, nel suo pericoloso viaggio di ritorno a casa dopo la guerra di Troia. La narrazione descrive i suoi incontri con esseri mitici come il ciclope Polifemo, le sirene e la maga Circe, culminando nel suo tanto atteso ricongiungimento con la moglie Penelope.
Ad oggi sappiamo unicamente che Matt Damon interpreta Odisseo, mentre Tom Holland è suo figlio Telemaco e Charlize Theron è la Maga Circe. L’identità dei personaggi degli altri interpreti è ad oggi segreta. Sappiamo inoltre che Nolan ha girato il film interamente in formato IMAX, avvalendosi di nuove tecnologie realizzate appositamente per Odissea. Il regista ha inoltre limitato quanto più possibile l’uso di CGI, con l’obiettivo di ricreare quanto più possibile in modo pratico l’epico mondo descritto da Omero con il suo poema epico.
Il film sarà distribuito al cinema da Universal Pictures dal 16 luglio 2026.
Brendan Fraserha finalmente parlato del suo ritorno nella serie La mummiaper il quarto film in uscita. Come noto, nel 1999, l’attore ha recitato insieme a Rachel Weisz, John Hannah e Arnold Vosloo in una rivisitazione dell’omonimo film horror del 1932 ed è poi tornato per altri due film della serie nel 2001 e nel 2008. Sebbene ci fossero piani per un altro capitolo, la Universal ha finito per rilanciare la serie con un cast completamente nuovo.
Ora, tuttavia, il gruppo si sta riunendo per un quarto film. Durante un’intervista con l’Associated Press per promuovere il suo ultimo progetto, Rental Family, ha rotto il silenzio su questo entusiasmante sviluppo e ha persino affermato che l’unico film de La mummia che voleva realizzare “non è mai stato realizzato”. “Quello che volevo realizzare non è mai stato fatto. Il terzo era un modello di… come posso dirlo? La NBC aveva i diritti per trasmettere le Olimpiadi quell’anno. Quindi hanno messo insieme le due cose e siamo andati in Cina. Lavorare a Shanghai è stata un’esperienza incredibile. Sono orgoglioso del terzo film perché penso che sia un buon film a sé stante”.
“Abbiamo raccolto le idee e abbiamo fatto quello che sappiamo fare con una troupe diversa, dando il meglio di noi. Ma quello che volevo realizzare sta per arrivare. E ho aspettato 20 anni per questa chiamata. A volte era forte, a volte era un debole segnale. Adesso? È ora di dare ai fan quello che vogliono”. La mummia 4 è così il prossimo grande titolo dove vedremo Fraser, rinato dopo The Whale del 2022 con cui ha vinto il premio Oscar e poi visto anche in Killers of the Flower Moon e in Rental Family. Inoltre, interpreterà Dwight D. Eisenhower nel film di guerra Pressure, in uscita il prossimo anno.
Il nuovo film sarà diretto da Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett – reduci dai successi di Scream 5 e Scream 6, con David Coggeshall che scriverà la sceneggiatura. La pre-produzione de La mummia 4 è ancora nelle fasi iniziali, quindi l’uscita nelle sale è prevista tra qualche anno. Ma con Fraser che esprime sincero entusiasmo per il ritorno nel mondo di quel franchise e afferma che sarà il film che era sempre stato destinato a essere realizzato, l’attesa crescerà sicuramente nei mesi e negli anni a venire.
Il capitolo 1 della DCU, “Dei e Mostri”, è in fase di realizzazione, con diversi film e serie TV già usciti e altri progetti in arrivo dopo Superman, uscito in sala questo luglio. Ancora non sappiamo però con precisione quali personaggi – oltre quelli ovvi – torneranno sullo schermo in futuro. Durante il panel Firefly di ScreenRant, moderato da Joe Deckelmeier, con Alan Tudykal Motor City Comic Con 2025, alla star della DCU è stato proprio chiesto dei suoi numerosi personaggi nella serie di Gunn, in particolare quelli che ha interpretato nei film d’animazione, e se sa quando potrà interpretarne qualcuno in un film live-action.
Tudyk, che ha doppiato il robot Gary in Superman, oltre a interpretare Doctor Phosphorus, Will Magnus e Clayface inCreature Commandos, ha dichiarato: “Non lo so. Ha così tante cose in ballo”. Il veterano della DC ha aggiunto: “Lo lascio fare le sue cose e lui mi chiamerà quando avrà bisogno di me”. Ha anche espresso il proprio entusiasmo per i numerosi progetti di Gunn alla DC Studios, tra cui la serie TV V per Vendetta: “Ha così tanti progetti fantastici in corso, e ogni giorno se ne aggiungono altri. È come dire: “Cosa? Faranno V for Vendetta?” È una cosa che ho visto oggi“.
Ha poi sottolineato che “ci sono cose che non penseresti mai alla DC, ma che provengono sicuramente da un fumetto, e che stanno per arrivare. Se qualcuno è interessato, sappiate che il progetto sta per uscire“. Quando è stato menzionato anche il programma televisivo Jimmy Olsen, Alan Tudyk ha espresso il suo entusiasmo per il progetto, commentando: ”Adoro l’attore che interpreta Jimmy Olsen, [Skyler Gisondo]. È esilarante e mi è sempre piaciuto il suo lavoro. Quindi, sì, probabilmente lo farei. Non lo so“.
Al momento della pubblicazione di questa notizia, Alan Tudyk non è stato annunciato per nessun film DCU in uscita, ma con la seconda stagione di Creature Commandos ufficialmente confermata, il pubblico dovrebbe aspettarsi di rivederlo lì. Anche se la DCU al momento non ha altri progetti in arrivo per il 2025, ci sono diversi titoli in programma per il 2026. Ad esempio, anche se la data della prima non è stata ancora fissata, secondo quanto riferito, la serie TV Lanterns debutterà all’inizio del 2026 su HBO. Sul grande schermo, la DC Studios ha in programma Supergirle Clayfacerispettivamente per il 26 giugno e l’11 settembre 2026.
Il viaggio emotivo di Elphaba e Glinda giunge al termine con il finale di Wicked – Parte 2 (Wicked: For Good), che ridefinisce lo status quo di Oz e insegna a tutti il valore dell’amicizia e della bontà. Adattamento della seconda parte del musical di Broadway, il sequel di Wicked del 2024 vede i personaggi interpretati da Cynthia Erivo e Ariana Grande lottare per un futuro migliore per sé stessi e per i loro concittadini di Oz.
Ricco di ancora più canzoni, il finale di Wicked – Parte 2 (la nostra recensione) ruota attorno a Glinda che si ribella al Mago e Elphaba che si rende conto che non c’è più nulla che lei possa fare per aiutare Oz. Questo dà il via a una conclusione che ricorda il finale de Il mago di Oz, dove la Malvagia Strega dell’Ovest muore, Glinda prende il potere e Oz viene “salvato” da Dorothy.
Analizziamo dove il finale di Wicked – Parte 2 lascia Glinda, Elphaba e Fiyero, come si confronta con lo spettacolo di Broadway e il libro, e se questo prepara il terreno per un seguito.
Il grande colpo di scena di Wicked – Parte 2 è che Elphaba non è morta come credono tutti a Oz, compresa Glinda. Cambiando il destino del personaggio in Il mago di Oz, si scopre che la Malvagia Strega dell’Ovest ha finto la sua morte per mano di Dorothy Gale.
Questo è stato possibile sfruttando la credenza degli abitanti di Oz secondo cui l’acqua la ucciderebbe, dato che Elphaba riempie un secchio da usare contro di lei prima ancora che Dorothy arrivi a Kiamo Ko. Una volta che la ragazza del Kansas getta l’acqua verso la strega dalla pelle verde, lei finge di sciogliersi e scivola in uno dei passaggi segreti nascosti nel pavimento del castello di cui Fiyero le aveva parlato in precedenza.
Elphaba rivela di essere viva solo quando arriva Fiyero, che è stato trasformato nello Spaventapasseri. Lui ha contribuito a mettere in atto questo piano facendo volare Chistery da Elphaba con un messaggio sulla sua situazione, sull’avvicinarsi degli aggressori e, apparentemente, con il suggerimento di nascondersi nel castello fino al suo arrivo.
Il motivo per cui Elphaba prende questa decisione è che ha accettato il fatto che Oz non la accetterà mai veramente e non ascolterà mai ciò che lei ha da dire. Nonostante il suo incredibile potere, è stata trasformata in una figura malvagia che gli abitanti di Oz non sosterranno mai. Ascolta il consiglio di Dulcibear e degli altri animali secondo cui la terra non sarà mai al sicuro finché lei sarà in giro.
Di conseguenza, Elphaba modifica il suo piano in modo che Glinda possa attuare i cambiamenti giusti. Grazie alla sua posizione pubblica, Glinda avrà più facilità a trasformare Oz e a riportare il paese allo stato in cui dovrebbe essere. E poiché Glinda vuole fare del bene e aiutare gli altri, la sua nuova prospettiva di uscire dalla sua bolla è in sintonia con i sogni di Elphaba.
Uno dei momenti finali di Wicked – Parte 2 è Glinda nella Città di Smeraldo con il libro Grimmerie dopo che Elphaba le ha dato l’oggetto magico e le ha detto che dovrà imparare a leggerlo.
Con sua grande sorpresa, vede improvvisamente il Grimmerie aprirsi e fermarsi sulla pagina di un incantesimo. Dato che Glinda non sa fare magie, è curioso il motivo per cui il libro si apra per lei in questo momento, e ci sono diverse possibili spiegazioni.
La prima è che il Grimmerie ha riconosciuto il cambiamento che è avvenuto recentemente in Glinda. Dato che lei non agisce più nel proprio interesse, questo potrebbe essere il momento in cui il libro magico e misterioso le concede la capacità di usarlo.
I film di Wicked hanno mostrato il libro degli incantesimi aprirsi da solo in alcuni momenti, andando alle pagine collegate a ciò che una persona desidera. Glinda potrebbe ora ottenere i poteri che ha desiderato disperatamente per tutta la vita, ora che ha abbracciato la bontà.
Il legame di Elphaba con il Grimmerie apre un’altra possibilità. Anche se non è nelle vicinanze, la strega potrebbe aver aperto il libro, sapendo che Glinda sarebbe stata lì vicino? Se così fosse, questo potrebbe essere il modo intelligente di Elphaba per dire a Glinda che la sua amica è ancora viva, anche se non è più a Oz.
Tuttavia, questo andrebbe contro alcune delle ultime parole di Elphaba, poiché lei ammette a Fiyero di sapere che nessuno può sapere che sono entrambi vivi, compresa Glinda. Tuttavia, con il tema dell’amicizia presente in questa storia e il forte legame formatosi tra le due donne, Elphaba potrebbe aver riconsiderato la sua decisione di dare un po’ di conforto alla sua amica.
Dove vanno Elphaba e Fiyero
Wicked – Parte 2 termina con Elphaba e Fiyero insieme, dopo aver lasciato la terra di Oz. Li vediamo attraversare un luogo arido, ventoso e misterioso. Non si sa ufficialmente dove siano andati Elphaba e Fiyero. È conosciuto solo come il “luogo oltre Oz”.
Questa informazione proviene dalla conversazione di Elphaba con gli animali che cercano di lasciare Oz sotto la strada di mattoni gialli. Sfortunatamente, non ci sono dettagli su dove sia andata la coppia romantica nei libri o nel musical, poiché quest’ultimo mostra solo loro che si recano in un luogo non specificato.
Con Elphaba ormai lontana, Glinda si assume la responsabilità di riportare Oz al suo antico splendore. Manda via il Mago dopo avergli rivelato che Elphaba era sua figlia. Madame Morrible viene poi gettata in prigione per i suoi piani malvagi con il Mago, l’uccisione di Nessarose e così via.
Questo lascia un vuoto di potere a Oz che Glinda riempie, promettendo a tutti gli abitanti di Oz, umani e animali, che finalmente sarà all’altezza del suo nome “Glinda la Buona”. Realizza il piano di Elphaba di consentire agli animali di far parte liberamente della società ancora una volta, poiché vengono mostrati mentre vivono a Munchkinland e nella Città di Smeraldo, con il dottor Dillamond che torna persino a insegnare alla Shiz University.
Cosa è successo a Dorothy, al Leone Codardo e all’Uomo di Latta/Boq?
Dorothy, il Leone Codardo e Boq (dopo la trasformazione dell’Uomo di Latta) hanno ruoli minori sullo schermo in Wicked – Parte 2, e vengono visti per l’ultima volta nella Città di Smeraldo mentre il Mago se ne va con la sua mongolfiera. Il film non chiarisce esattamente cosa succede a questo trio di personaggi del Mago di Oz.
Basandosi sul materiale originale, Dorothy torna a casa in Kansas, anche se alcuni abitanti di Oz credono che sia rimasta. La storia del Leone Codardo continua nei libri, dove alla fine diventa il Ministro del Trono di Oz. Nel frattempo, Boq non è presente in nessuna delle storie future della serie revisionista Wicked.
Il finale di Wicked – Parte 2 prepara il terreno per Wicked 3?
Quindi, cosa ne sarà del futuro del franchise Wicked? Sarebbe comprensibile gettare le basi per future avventure a Oz, nel caso in cui ci fosse una domanda sufficiente per vedere altro dopo Wicked – Parte 2 ed estendere questa storia oltre ciò che ha mostrato il musical.
La verità è che Wicked: For Good non prepara Wicked 3 in modo adeguato. Elphaba e Glinda continuano a vivere come al solito, dando al franchise la libertà di riportare in futuro uno o entrambi i personaggi. Tuttavia, questa è la fine della storia raccontata a Broadway, e il finale è una conclusione appropriata.
Al momento non ci sono indicazioni che Wicked 3verrà realizzato. Ci sono altri libri scritti da Gregory Maguire, come il seguito Son of a Witch, che potrebbero essere trasformati in film se la Universal decidesse di continuare questo franchise. Se ciò dovesse accadere, saranno necessarie alcune grandi rivelazioni per far avanzare la storia come nei romanzi.
Come il finale di Wicked – Parte 2 si confronta con il musical e il libro
Non sorprende che il finale di Wicked – Parte 2 sia incredibilmente fedele al musical. Sebbene lo spettacolo sia basato sul romanzo di Maguire, ha apportato importanti modifiche ai personaggi e alla trama per portare la storia sul palcoscenico. I due film della Universal sono adattamenti più diretti del musical rispetto al libro, e il team creativo non si è discostato sostanzialmente da questa conclusione.
La storia è diversa se si confronta il finale con il libro. Tutto, dalle trasformazioni di Fiyero e Boq, alla sopravvivenza di Dillamond e Morrible, fino alla sopravvivenza di Elphaba, non è presente nel libro. Nel frattempo, il romanzo includeva il figlio di Elphaba e Fiyero, insieme a una moglie e un figlio completamente diversi per Fiyero, che sono tutti assenti dal musical e dal film.
Il vero significato di Wicked – Parte 2
Se Wicked trattava del fatto che una persona nascesse cattiva o lo diventasse, Wicked – Parte 2 continua l’analisi di cosa significhi essere buoni o cattivi. Viene mostrato fino a che punto una persona è disposta ad arrivare per apparire eroica o far apparire qualcun altro come un cattivo, così come fino a che punto gli altri sono disposti ad arrivare per proteggere coloro che amano.
Questo è legato a un altro dei temi principali del film, trovare la propria casa. Elphaba e Glinda devono capire se Oz è un luogo per cui vale la pena lottare e se è un luogo a cui appartengono veramente.
Inoltre, il potere dell’amicizia è un significato fondamentale per Wicked – Parte 2. Il modo in cui le relazioni cambiano una persona in meglio e/o in modo permanente è un tema chiave della canzone “For Good” e, dato che il titolo del film utilizza questa frase, questa idea aleggia su tutto il film mentre l’amicizia tra Elphaba e Glinda viene messa alla prova e si rafforza.
La Grimmerie è uno dei manufatti più importanti in Wicked: Parte 1 e ha un ruolo fondamentale nella storia generale di Elphaba. Adattato dall’omonimo musical di Broadway (a sua volta basato sul romanzo di Gregory Maguire), Wicked racconta la storia di come la ben intenzionata Elphaba diventi la Malvagia Strega dell’Ovest de Il mago di Oz. Un aspetto importante del suo viaggio ruota attorno alla Grimmerie, un potente libro di incantesimi che appare in tutte e tre le versioni della storia e che influisce pesantemente sui segreti del passato, del presente e del futuro di Elphaba.
In Wicked: Parte 1, il Grimmerie finisce per essere una chiave cruciale per rivelare quali dei personaggi di Wicked sono eroici e quali sono segretamente malvagi, creando il conflitto centrale che guida il resto della storia. Se il Grimmerie nel film continua ad essere importante come nella versione del musical, allora la sua presenza crea molti elementi importanti che entreranno nel prossimo film. Ecco come la Grimmerie influisce sul finale di Wicked: Parte 1, come si confronta con altre versioni della storia e come anticipa Wicked: Parte 2.
La storia e il ruolo della Grimmerie in Wicked spiegati
Wicked il film – Cortesia di Universal Pictures
Wicked: Parte 1 rivela la tradizione che circonda la Gremmerie
La Grimmerie è un potente artefatto magico in Wicked e svolge un ruolo fondamentale nell’evoluzione di Elphaba da giovane donna ben intenzionata a strega malvagia ingiustamente diffamata. La Grimmerie è descritta come un potente tomo pieno di antichi incantesimi, la cui tradizione è descritta nella lunga sezione “Wizomania” della canzone “One Short Day”. La canzone viene riprodotta quando Elphaba e Glinda arrivano nella Città di Smeraldo, con la nuova opera teatrale che rivela la storia completa del libro. La Grimmerie è stata creata dai Magici Saggi che vivevano a Oz secoli fa, molto prima degli eventi di Wicked.
Il testo completo della sezione “Wizomania” di “One Short Day” è disponibile sulla Playbill nella sezione dedicata a Wicked: Parte 1.
Prima di morire, i Saggi trascrissero la loro magia in un libro, che divenne il Grimmerie. Tuttavia, la loro antica lingua andò perduta nel corso degli anni, rendendo la magia inaccessibile per generazioni. Anche potenti stregoni come Madame Morrible riescono a tradurre solo poche parole. Tuttavia, i Saggi lasciarono anche una profezia secondo cui un giorno una potente figura magica sarebbe stata in grado di leggere naturalmente il Grimmerie e di usare nuovamente i suoi poteri. Gli abitanti della Città di Smeraldo credono che questa figura fosse il Mago, che si è fatto strada con l’inganno fino a raggiungere una posizione di potere sostenendo di essere in grado di leggere il libro.
Perché Elphaba è in grado di leggere la Grimmerie
Le vere origini di Elphaba potrebbero essere collegate alla sua capacità di leggere la Grimmerie
Sembra che la figura magica profetizzata sia in realtà Elphaba, il cui potenziale magico grezzo ha attirato l’attenzione di Madame Morrible sin dall’inizio. Grazie a questo potere naturale, Elphaba si distingue dalle altre figure mistiche del Paese di Oz. Anche se alla fine Glinda riceve una bacchetta per allenarsi, non mostra alcuna abilità naturale che possa eguagliare quella di Elphaba. Persino una figura esperta e preparata come Madame Morrible sembra impallidire al confronto con Elphaba, la cui mancanza di controllo offre a Morrible l’opportunità di addestrarla e manipolarla per trasformarla in uno strumento per i piani che lei e il Mago hanno per Oz.
Non è mai stato chiarito esattamente da dove provenga il potenziale magico di Elphaba, che le permette di leggere il libro in modo naturale, ma potrebbe essere rivelato in Wicked: Part 2. Potrebbe avere qualcosa a che fare con il misterioso siero che la madre di Elphaba ha preso dallo sconosciuto, che potrebbe anche essere la ragione della pelle verde di Elphaba. Il suo potenziale magico potrebbe anche essere collegato all’uomo che ha sedotto sua madre. La capacità di Elphaba di leggere il Grimmerie la rende una figura fondamentale nel mondo di Oz, poiché sembra essere una delle poche persone viventi in grado di leggere il Grimmerie.
Come Wicked definisce il ruolo della Grimmerie in Wicked 2
Screen dal trailer di Wicked For Good
Prendere la Grimmerie rende Elphaba il bersaglio numero uno di Oz
La Grimmerie finisce per essere un aspetto importante del finale di Wicked: Parte 1, poiché la decisione impulsiva di Elphaba di sottrarla al Mago per cercare di invertire le sue azioni su Oz prepara il climax del film. Prendere il libro porta Morrible a proclamare Elphaba nemica dello Stato, consolidando l’opinione di Oz su Elphaba come strega cattiva. Portando il libro con sé, Elphaba ha accesso a molti altri potenti incantesimi e sortilegi. Tuttavia, come ha scoperto quando ha accidentalmente maledetto le scimmie con le ali, gli incantesimi possono avere terribili complicazioni impreviste.
Il Grimmerie probabilmente avrà un ruolo fondamentale in Wicked: Part 2…
Il Grimmerie probabilmente avrà un ruolo fondamentale in Wicked: Part 2, poiché gli sforzi per recuperarlo potrebbero diventare un fattore determinante nella trama. Il fatto che Elphaba sia l’unica in grado di leggere il libro potrebbe indurre il Mago e le forze di Morrible a rinunciare all’uso di misure letali contro di lei, almeno all’inizio della storia. Gli sforzi di Elphaba per saperne di più sulla Grimmerie potrebbero anche portare all’uso di altri incantesimi pericolosi, riflettendo il modo in cui il libro viene utilizzato nel musical per trasformare i personaggi in nuove forme. La Grimmerie potrebbe diventare uno degli elementi più importanti di Wicked.
Come la Grimmerie in Wicked si confronta con il libro e il musical
La Grimmerie appare in tutte e tre le versioni di Wicked
La Grimmerie è un artefatto importante nella versione originale del romanzo Wicked, così come nel musical di Broadway che ha ispirato il nuovo film. Nel romanzo originale Wicked, il Mago è alla ricerca della Grimmerie, che è stata nascosta nel regno mistico da un misterioso stregone. Il libro finisce nelle mani di Elphaba. A differenza della versione cinematografica della Grimmerie, quella dei romanzi di Wicked non può essere letta da chi è nato a Oz, il che significa che Elphaba, ibrido tra umana e oziana, può decifrarne alcune parti. Il libro rimane importante in tutti e quattro i romanzi.
Il musical Wicked utilizza il Grimmerie in modo simile a come viene rappresentato nel film. Conosciuto come l’Antico Libro della Taumaturgia e degli Incantesimi, il Grimmerie è un potente libro magico che solo chi ha un talento naturale per la magia può leggere. Nel musical, alla fine viene rivelato che lo status di Elphaba come metà umana e metà Oziana è stato utilizzato per giustificare il fatto che potesse leggere il libro, un elemento che probabilmente verrà rivelato nel sequel. Tutto ciò suggerisce che il Grimmerie continuerà ad essere una parte cruciale della storia di Wicked anche nella seconda parte.
La saga della famiglia Murdaugh nella serie Hulu/Disney+Murdaugh: Morte in famiglia giunge al termine con l’ottavo episodio della stagione, in cui Alex affronta finalmente le conseguenze delle sue azioni. L’episodio precedente si era concluso con Alex mandato in riabilitazione dal fratello Randy, dopo che era stata rivelata la verità sulla sua frode finanziaria. Questo episodio si apre con lui in riabilitazione, mentre la notizia dell’omicidio di Paul e Maggie e della frode di Alex (Jason Clarke) è al centro dell’attenzione dei media. Così, quando Alex esce finalmente dalla clinica, trova la polizia ad aspettarlo davanti alla porta. SPOILER IN ARRIVO.
Inizia il processo ad Alex Murdaugh
Dopo che Alex è stato ufficialmente accusato degli omicidi di Paul e Maggie, le cose peggiorano per Buster. Non può bere un drink senza che la gente lo indichi e, oltre ai crimini di suo padre, viene tirata fuori anche la morte di Stephen Smith, anche se Buster non è mai stato formalmente accusato di questo. Crede che suo padre sia innocente e che presto uscirà, ma poi la polizia mostra a lui e agli avvocati il video dal telefono di Paul, girato un paio di minuti prima dell’omicidio. È chiaramente la voce di Alex in sottofondo, anche se lui ha affermato di non essere mai stato al canile quel giorno. Quando Buster lo affronta, lui dice di aver mentito perché sapeva che sarebbe sembrato sospetto. Tuttavia, continua a dichiararsi innocente. Presto inizia il processo e le sue bugie e frodi vengono presentate alla giuria nelle argomentazioni iniziali dell’accusa.
Il figlio di Gloria Satterfield testimonia che Alex ha chiesto loro di fargli causa e poi non ha mai fornito loro l’assegno da un milione di dollari che avevano diritto di ricevere dopo la morte della madre. Viene sollevata anche la questione di altri clienti che sono stati truffati. Con il caso di Alex e la morte di Randolph, l’azienda inizia a sgretolarsi. Mentre Buster e suo zio si trovano sulle rovine dell’impero Murdaugh, Randy gli dice di prepararsi al verdetto di colpevolezza di Alex. Il giorno dopo, Mark Tinsley testimonia e racconta come gli omicidi siano avvenuti tre giorni prima che i documenti finanziari di Alex fossero svelati in tribunale. La tempistica degli omicidi inizia a sembrare ancora più sospetta quando Mark sottolinea che la famiglia di Mallory Beach ha ritirato la causa dopo aver saputo di Maggie e Paul.
Il giorno dopo, la sorella di Maggie, Marian Proctor, sale sul banco dei testimoni. Il giorno prima, dice a Buster che lo farà. Lui è ferito, rendendosi conto che Marian pensa che suo padre abbia ucciso sua madre. Ma poi, nella sua testimonianza, lei menziona che Alex era insistente nel voler portare Maggie e Paul a casa sua. Le parole di Marian sono emotive e di grande impatto, e questo inizia a preoccupare l’avvocato di Alex. Sono particolarmente preoccupati dal fatto che ora sembra che Alex abbia attirato Maggie a casa sua per ucciderla. A peggiorare le cose, viene fuori la registrazione GPS del telefono di Alex, che mostra chiaramente che poco dopo gli omicidi, lui ha guidato velocemente verso la casa di sua madre e ha rallentato nel punto in cui sono stati poi trovati i telefoni delle vittime.
Le affermazioni di innocenza di Alex vengono ripetutamente confutate
Il disperato tentativo di Buster di credere all’innocenza di suo padre inizia a vacillare. Fa un sogno in cui si ritrova in tribunale con suo padre sul banco dei testimoni, e Alex lo deride, dicendogli di porre la domanda che gli frulla in testa. Nel frattempo, dopo la testimonianza di Marian, la difesa teme che il caso sia già perso, quindi chiama Buster a testimoniare, sperando che le parole di un figlio per suo padre possano servire a qualcosa. Buster cerca di dipingere un’immagine positiva di suo padre e della sua famiglia, ma nonostante i suoi sforzi, nulla cambia per Alex, il che lo rende ancora più disperato. Rimprovera i suoi avvocati per non aver saputo gestire il caso e per aver cercato di confutare la tesi del GPS, mentre loro sottolineano che ci sono troppe cose contro di lui.
Alla fine della conversazione, li convince a lasciarlo testimoniare perché è sempre stato bravo a cavarsela con le parole. Questa volta, però, il suo fascino non funziona più. Mentre cerca di usare le emozioni e le lacrime per convincere la giuria, l’accusa sottolinea che ha mentito a tutte le persone che lo circondavano, dai suoi clienti alla sua stessa moglie, il che significa che le sue parole sul banco dei testimoni non hanno alcuna credibilità, per quanto innocente egli affermi di essere. Al termine delle discussioni, la giuria si riunisce per deliberare, ma le bastano solo due ore e mezza per concordare che Alex è colpevole. Alla sentenza, il giudice lo condanna a due ergastoli consecutivi.
Più tardi, Mandy Matney e Mark Tinsley si siedono in un bar per conversare. C’è motivo di festeggiare perché, finalmente, le vittime di Alex hanno ottenuto giustizia. Tuttavia, allo stesso tempo, Mark non può fare a meno di chiedersi se le loro azioni abbiano spinto Alex oltre il limite e se questo sia stato il motivo per cui ha ucciso sua moglie e suo figlio. Si chiede se lei si senta mai responsabile per questo, e lei risponde di no. Gli assicura che le azioni di Alex sono sempre state solo sue, e che nessuno, specialmente loro due, lo ha mai spinto a commettere tutti i crimini che ha commesso. Sebbene le sue parole abbiano senso, Mark non sembra convinto e confessa di sentirsi un po’ in colpa per la morte di Maggie e Paul.
La fiducia di Buster nell’innocenza di suo padre vacilla
In prigione, Buster incontra suo padre e parlano del suo futuro. In precedenza, Buster aveva espresso il desiderio di tornare alla facoltà di legge, ma ora non sembra il momento giusto. Prima di andarsene, chiede a suo padre perché non lo abbia chiamato quel giorno. Secondo la testimonianza di Marian, Alex ha praticamente trascinato Maggie dalla casa al mare a casa loro. Ha usato il peggioramento delle condizioni di salute di Randolph come scusa per riunire Maggie e Paul, ma non ha mai chiamato Buster, anche se avrebbe potuto facilmente prendere un aereo per andare a trovare suo nonno. Questo punto lo tormenta, suggerendo che forse sta cominciando a chiedersi se suo padre non sia così innocente come aveva pensato in precedenza.
Alex, tuttavia, continua a trovare scuse sul fatto che non voleva preoccupare Buster o allontanarlo dal college, dai suoi studi e dalla sua ragazza. Buster se ne va, assolutamente non convinto dalle parole di suo padre. Qualche tempo dopo, Buster va al canile, forse cercando di trovare un indizio che possa aiutarlo a capire cosa sia realmente successo quella notte tra suo padre, sua madre e suo fratello. A casa, tutti gli oggetti hanno il cartellino del prezzo e ci sono molte persone che vogliono acquistare quelli che un tempo erano i beni più preziosi della famiglia Murdaugh. Quando un uomo si avvicina a Buster con la poesia incorniciata chiedendone il prezzo, Buster inizialmente esita, ma poi dice all’uomo di tenerla.
Di chi è il riflesso che Alex vede nello specchio?
Dopo l’incontro con Buster, quando Alex va a letto quella notte, gli eventi di quella fatidica notte gli tornano in mente. Come dimostra il video girato con il cellulare da Paul, Alex era davvero lì quella notte. Il cane di Maggie, Bubba, aveva un pollo in bocca, e Alex glielo tolse e mise il cane nella cuccia. Il trio sembrava di ottimo umore, chiacchieravano e ridevano tra loro e facevano progetti per il futuro. Poi Alex si allontana, indossa una tuta monouso, tira fuori una pistola e spara a Paul. Quando Maggie esce, prende un’altra pistola e spara anche a lei. Prende entrambi i loro telefoni e poi, come dimostrano i dati del suo GPS, fugge dalla scena del crimine. Lungo la strada, si ferma nel bosco e seppellisce le pistole, che non vengono mai ritrovate. Getta via i telefoni, torna a casa, fa una doccia e poi si siede con sua madre per circa mezz’ora prima di tornare e denunciare l’omicidio.
Qualche tempo dopo, vediamo Alex abituarsi alla vita in prigione. Scambia sigarette e altre cose per un po’ di tempo davanti alla TV. Non sembra esserci alcun cambiamento nella sua personalità fino a quando non torna nella sua cella. Quando si guarda allo specchio, non vede se stesso com’è in quel momento. Invece, vede se stesso con indosso la tuta da lavoro, con il sangue di sua moglie e di suo figlio sopra e il proprio sul viso. Questo dimostra che la sua mente è ancora bloccata su quella notte e che le sue notti sono tormentate dalle cose che ha fatto. Il riflesso dimostra che questo è il modo in cui vede se stesso ora, non importa quanto affermi la sua innocenza davanti al mondo. Non importa cosa dice agli altri, lui sa cosa ha fatto e l’orrore delle sue azioni lo accompagnerà per il resto della sua vita. Può mentire al mondo, ma non a se stesso.
La serie NetflixA Man on the Insideè incentrata su un crimine che ha luogo all’interno di una casa di riposo. Charles Nieuwendyk, professore in pensione e vedovo da poco, trova un annuncio sul giornale di una investigatrice privata di nome Julie Kovalenko, che cerca un uomo della sua età disposto a infiltrarsi in una casa di riposo. Il compito è quello di scoprire l’identità di un ladro che ha rubato una preziosa collana a uno dei residenti. Inizialmente, Charles è entusiasta di avere questo lavoro, ma pian piano, conoscendo gli ospiti e il personale della casa di riposo, si imbatte in alcune realtà strazianti. Il luogo non solo gli offre una nuova prospettiva, ma provoca anche un cambiamento in lui che altera la sua vita per sempre. Tuttavia, per quanto possa sembrare allettante, non è possibile prenotare un appartamento alla Pacific View Retirement Residence.
La fittizia Pacific View Retirement Residence è ispirata a un luogo reale
Crediti immagine: Colleen E. Hayes/Netflix
“A Man on the Inside” è ispirato al documentario “The Mole Agent”, ambientato in una vera casa di riposo in Cile. La serie Netflix è stata creata da Mike Schur, che è rimasto incredibilmente colpito dal documentario. Per adattarlo in una serie TV, è stato necessario apportare alcune modifiche, a partire dall’ambientazione della storia. Mentre la storia originale è ambientata in una casa di riposo in Cile, Schur ha trasferito la storia di Charles a San Francisco. Spiegando la logica alla base della sua scelta, ha rivelato che la casa di riposo nel documentario si chiama San Francisco Home, il che gli è sembrato un segno. Inoltre, aveva pensato a Charles come a una persona con un background ingegneristico, e San Francisco offre molte meraviglie architettoniche, il che permette di approfondire il personaggio di Charles.
Poiché la città è una parte così importante della storia, il cast e la troupe dello show hanno trascorso alcune settimane lì per girare diverse scene. Per le scene esterne della fittizia Pacific View Retirement Residence, hanno utilizzato gli esterni dei Cathedral Apartments al 1201 di California Street a Nob Hill. Gli interni, invece, sono stati girati in un set a Los Angeles. Per comprendere meglio il funzionamento delle strutture di assistenza e delle case di riposo, Schur e il suo team hanno studiato tali strutture a Los Angeles, nei dintorni e nella California meridionale. Hanno parlato con le persone che vi lavorano e con i residenti. Hanno scoperto tutte le responsabilità di una persona come Didi, che deve gestire la struttura, per comprendere meglio le sfide quotidiane che devono affrontare e ciò che serve loro per essere emotivamente e mentalmente preparati a gestire i residenti e le loro situazioni.
Crediti immagine: Colleen E. Hayes/Netflix
Schur era anche consapevole che il cambiamento di ambientazione dal Cile a San Francisco avrebbe portato a diversi cambiamenti nel modo in cui le cose si svolgono nel documentario e nel modo in cui si svolgono nella serie, che prende una piega fittizia. La struttura reale in Cile è sostenuta dallo Stato. Sebbene abbia uno staff adorabile che soddisfa ogni esigenza dei residenti, ci sono anche alcune limitazioni. Ad esempio, ai residenti non è permesso uscire dalla struttura da soli. Il cancello rimane chiuso in ogni momento e viene aperto solo quando i visitatori devono entrare o uscire. I residenti hanno bisogno di un permesso speciale e della presenza di un familiare per uscire. Questa limitazione cambia leggermente nell’adattamento di Schur.
A Pacific View, i residenti che sono fisicamente e mentalmente capaci sono liberi di entrare e uscire dalla casa di riposo. Charles e gli altri residenti fanno spesso gite di un giorno e possono anche uscire la sera, purché ne informino il personale. C’è anche un’ala separata, chiamata “Il quartiere”, per le persone che necessitano di maggiori cure, in particolare quelle affette da demenza e altre malattie che le rendono incapaci di vivere da sole. Nella struttura cilena reale non esiste un sistema di questo tipo e tutti i residenti vivono insieme, fornendosi reciprocamente compagnia e assistenza. Alla fine, Schur e il suo team volevano presentare una versione della struttura, in particolare del suo personale, che fosse rispettosa e riconoscente del lavoro che svolgono, e con la rappresentazione di Pacific View ci sono riusciti.
Il cast vocale originale include le voci di Meryl Streep (Insect Queen), Dave Franco (Titus), Kathy Najimy (Dr. Sam), Eduardo Franco (Loaf), Melissa Villaseñor (Ellen), Ego Nwodim (Fish Queen), Vanessa Bayer (Diane), Sam Richardson (Conner), Aparna Nancherla (Nisha), Nichole Sakura (Reptile Queens), Isiah Whitlock Jr. (Bird King), Steve Purcell (Amphibian King), Karen Huie (Nonna Tanaka) e Tom Law (Tom Lizard), insieme ai già annunciati Piper Curda (Mabel), Bobby Moynihan (King George) e Jon Hamm (Sindaco Jerry).
Il trailer offre uno sguardo più da vicino al nuovo film d’animazione Disney e Pixar che presenta Mabel, un’amante degli animali che coglie l’occasione di usare una nuova tecnologia per “trasferire” la sua coscienza in un castoro robotico realistico e comunicare direttamente con gli animali. Grazie a questa tecnologia, Mabel scopre alcuni misteri del mondo animale che vanno oltre ogni sua immaginazione.
Nella versione originale di Jumpers – Un Salto tra gli Animali Bobby Moynihan presta la voce a King George, un castoro innegabilmente ottimista, gentile e fuori dal comune, leader dello stagno e re dei mammiferi. Jon Hamm doppia il sindaco Jerry, un politico in corsa per la rielezione a Beaverton. Sotto i suoi capelli lucenti e perfettamente pettinati e la sua immagine pubblica impeccabile, Jerry sta perdendo la calma per l’unica cosa che non può controllare: Mabel.
Jumpers – Un Salto tra gli Animali è diretto da Daniel Chong (We Bare Bears: Siamo solo orsi), prodotto da Nicole Paradis Grindle (Gli Incredibili 2) e presenta una colonna sonora originale del compositore Mark Mothersbaugh (Thor: Ragnarok). Il film arriverà nelle sale italiane il 5 marzo 2026.
Secondo Los Siete Reinos, Martin ha rivelato all’Iceland Noir Festival del 2025 che, oltre ai prequel spin-off già noti, sono in fase di sviluppo anche “un sequel o due”. Tuttavia, Martin non ha fornito alcuna indicazione su quali personaggi potrebbero essere i potenziali progetti di sequel di Game of Thrones:
Oltre a A Knight of the Seven Kingdoms e House of the Dragon, ci sono altri progetti spin-off di Game of Thrones in fase di sviluppo. La maggior parte sono prequel, e ce ne sono diversi in fase di sviluppo, forse 5 o 6 serie. E non li sto sviluppando da solo, ci sto lavorando con altre persone. E sì, ci sono un paio di sequel [in lavorazione].
Sembra che George R.R. Martin preferisca fare di tutto pur di non terminare le sue Cronache del Ghiaccio e del Fuoco…
Codice Unlocked (qui la recensione) rappresenta uno degli ultimi lavori di Michael Apted (Via dall’incubo, Extreme Measures – Soluzioni estreme, Le Cronache di Narnia – Il viaggio del veliero), regista dalla lunga carriera poliedrica, capace di passare dal documentario al blockbuster senza perdere coerenza narrativa. Nel suo percorso, questo thriller del 2017 si inserisce come un tentativo di tornare alle atmosfere più tese e politicamente sfumate che lo avevano reso celebre con titoli come Gorillas nella nebbia o Il mondo non basta, pur adottando un approccio più asciutto e contemporaneo. Apted dirige con mano solida, mantenendo un ritmo serrato e una struttura classica da spy-movie.
Il film appartiene al genere del thriller d’azione con forte identità da spy-story, dove intrighi, doppi giochi e paranoia governativa si intrecciano fino a creare un mosaico di sospetto continuo. Tematicamente, Codice Unlocked affronta la fragilità della fiducia in un mondo dominato da intelligence internazionali, minacce terroristiche e manipolazioni istituzionali. La protagonista interpretata da Noomi Rapace incarna la figura dell’agente altamente qualificata ma in conflitto con il proprio passato, un archetipo ricorrente nel cinema di spionaggio moderno, qui declinato con un taglio più intimo e disilluso.
Il film può essere accostato a titoli comeThe Bourne Identity, Nessuna verità o Sicario, con cui condivide la rappresentazione crepuscolare dell’anti-eroe e una visione disincantata del ruolo delle agenzie di sicurezza. Tuttavia, Codice Unlocked si distingue per un’impostazione più tradizionale e dialogica, meno spettacolare ma più focalizzata sulla paranoia e sul sospetto come motori narrativi. Nel resto dell’articolo, ci si concentrerà proprio sul finale del film e sulla sua spiegazione, per comprendere come tutte queste tensioni tematiche trovino compimento nella conclusione.
La trama di Codice Unlocked
Protagonista del film è l’agente della CIA Alice Racine (Noomi Rapace). Durante un interrogatorio serrato, riesce a estorcere al prigioniero, un corriere che lavora per una cellula terroristica, preziose informazioni riguardo un imminente attacco a un obiettivo americano nel Regno Unito. Solo dopo aver riferito i delicati risultati dell’interrogatorio a Frank Sutter, uno dei responsabili dell’operazione, si rende conto di aver commesso un errore madornale: se Sutter è una talpa come crede, si è resa involontariamente complice dei terroristi fornendogli le informazioni necessarie a realizzare l’attentato. A questo punto per Alice inizia una corsa contro il tempo, lei è la sola che può fermare l’attacco biologico che sta per colpire Londra.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Codice Unlocked, Alice Racine comprende finalmente l’ampiezza del complotto che l’ha intrappolata sin dall’inizio: non solo i terroristi stanno preparando un attacco biologico durante una partita di football a Wembley, ma pezzi deviati dei servizi segreti, tra CIA e MI5, sembrano volerlo agevolare. Dopo aver scoperto che Eric Lasch è vivo e complice di Frank Sutter, Alice si dirige al punto di incontro organizzato dai due, affrontandoli con crescente lucidità. Ucciso Sutter, Lasch fugge, lasciando ad Alice il compito di intercettarlo prima che il piano raggiunga il suo stadio finale.
Rintracciando Lasch in un magazzino vicino allo stadio gremito, Alice si rende conto che l’attacco è imminente e che la follia ideologica del suo ex mentore vuole trasformare la minaccia in un monito globale. Ne segue un confronto fisico serrato: Lasch rivela di voler colpire gli americani per costringerli a prendere sul serio la guerra biologica, ma Alice riesce a fermarlo, disarmare i canister e interrompere il piano a pochi istanti dal disastro. Eliminato anche Wilson, l’agente corrotto di MI5, la minaccia immediata viene scongiurata.
Il finale, con la morte di Lasch e il piano terroristico disinnescato, porta a compimento i temi cardine del film: la fragilità della fiducia, la manipolazione istituzionale e il conflitto tra lealtà personale e responsabilità morale. Alice, che all’inizio era paralizzata dal senso di colpa per l’operazione fallita di Parigi, ritrova la capacità di agire non per dovere ma per scelta, rifiutando di diventare uno strumento di apparati corrotti. Il tradimento di Lasch rappresenta la prova definitiva: l’unica bussola affidabile è la propria integrità.
La successiva eliminazione di Mercer, l’uomo destinato a proseguire il piano fuggendo verso la Siria, rafforza ulteriormente questo quadro tematico. Alice sceglie di operare fuori dai protocolli e dalle gerarchie che l’hanno tradita, dimostrando che la moralità, nel mondo dello spionaggio, non coincide necessariamente con l’obbedienza. La sua azione finale è brutale ma necessaria: impedisce il prolungarsi della minaccia e, simbolicamente, chiude il cerchio aperto a Parigi, riconsegnandole un ruolo attivo che non dipende più dal giudizio dei superiori.
Ciò che il film lascia allo spettatore è un messaggio amaro ma lucido: nei contesti di intelligence globalizzata, la verità è spesso distorta da interessi politici e personali, e l’eroismo non nasce dall’obbedienza ma dalla capacità di scegliere il bene anche quando il sistema rema contro. Alice Racine emerge come una protagonista disillusa ma resiliente, che riconosce che la sicurezza internazionale non può essere affidata a strutture fragili e corrotte, bensì a chi ha il coraggio di vedere oltre le menzogne e agire di conseguenza.
Il finale di Beast (qui la recensione) porta il film a una conclusione selvaggia tra uomo e animale. Diretto da Baltasar Kormákur, il film vede Idris Elba nei panni di un uomo in vacanza in Sudafrica con le sue due figlie piccole. Tuttavia, mentre esplorano il bellissimo paesaggio, la famiglia viene attaccata e braccata da un feroce leone diventato selvaggio. Il film è un thriller di sopravvivenza, ricco di azione, suspense e una battaglia finale tra il personaggio di Elba e il leone vendicativo assetato di sangue.
Il finale di Beast vede Nate e le sue figlie cercare rifugio in una scuola, ma il leone li rintraccia anche lì. Volendo assicurarsi che le sue figlie abbiano una possibilità di fuga, Nate attira il leone ribelle in una zona dove il giorno prima aveva visto un branco di leoni. Di fronte agli altri animali, Nate e il leone solitario combattono, con il leone che lo aggredisce ferocemente prima che gli altri leoni intervengano e abbattano l’animale fuori controllo. Nonostante le ferite, Nate sopravvive grazie all’arrivo di Banji, un dipendente della riserva, e si ricongiunge con le sue figlie.
Le vere “bestie” del film
Mentre la storia di Beast presenta il leone come l’antagonista principale, i veri cattivi sono i bracconieri che lo hanno inseguito all’inizio del film. Se i bracconieri non avessero cacciato per uccidere il branco del leone solitario, il grande felino non avrebbe cercato vendetta su di loro. I bracconieri rappresentano un problema molto reale che vede tali gruppi cacciare, catturare e uccidere illegalmente animali selvatici.
Sharlto Copley, Iyana Halley, Idris Elba e Leah Sava Jeffries in una scena di Beast.
I bracconieri in questo thriller di sopravvivenza stavano violando la riserva di caccia, cercando i leoni da uccidere e probabilmente vendendo la loro pelle, le ossa e altre parti del corpo sul mercato nero. La vendetta del leone mostra anche come, quando provocati, gli animali selvatici possano e vogliano reagire contro coloro che li danneggiano.
Perché Nate ha combattuto il leone davanti a un altro branco
All’inizio di Beast, Martin ha detto che i leoni maschi avrebbero fatto tutto il necessario per proteggere il loro branco da una minaccia esterna. Era la legge della giungla. Non avendo altre opzioni, Nate ha capito che doveva correre il rischio attirando il leone ribelle davanti al branco. Sapeva che gli altri due leoni avrebbero finito per vedere l’altro felino come una grave minaccia per il loro branco. Desiderosi solo di proteggere il loro branco, i leoni si affrontano in un combattimento all’ultimo sangue, distogliendo una volta per tutte l’attenzione del leone solitario da Nate.
È un piano intelligente che mette gli animali l’uno contro l’altro nel loro habitat naturale, senza coinvolgere gli esseri umani. Storicamente, i leoni maschi hanno combattuto tra loro per il dominio del branco. In genere, i leoni maschi proteggono il loro branco mentre le leonesse cacciano. I leoni maschi nomadi possono vagare in un altro branco e prenderne il controllo, uccidendo gli altri leoni maschi e i loro cuccioli per riprodursi con le femmine. In Beast, i leoni si ribellano perché vedono il loro rivale come una minaccia che potrebbe prendere il controllo del loro branco e ucciderli.
Idris Elba in una scena del film Beast
La spiegazione dei sogni di Nate: perché continuava a vedere sua moglie
Durante tutto il thriller di sopravvivenza, Nate sogna sua moglie. Nei suoi sogni, Nate era spesso alla ricerca di lei, ma non riusciva a trovarla. Quando era vicino, si svegliava, spaventato da ciò che aveva appena visto. È possibile che Nate continuasse a sognare sua moglie a causa del suo rimorso. Si incolpava di non aver visto prima i segni della sua malattia, soprattutto perché è un medico.
Inoltre, Nate chiede sempre a sua moglie dove si trova. È probabile che questi sogni abbiano lo scopo di rivelare al pubblico il suo stato d’animo, oltre che di prefigurare ciò che accadrà. Nate vuole trovare sua moglie in Beast perché si sente perso, fuori dal suo ambiente quando si tratta della sua famiglia e del loro viaggio, e preoccupato di non riuscire mai a rimediare.
Nell’ultimo sogno, tuttavia, Nate trova sua moglie, che gli dice che andrà tutto bene. Questo sogno in particolare fa riferimento al suo sollievo per essersi riunito con la sua famiglia, mentre tutti i suoi sogni precedenti erano pieni di preoccupazione e ansia. I sogni alla fine prefiguravano che, nonostante i sentimenti di disagio di Nate, le cose sarebbero diventate difficili, ma si sarebbero risolte a favore della sua famiglia.
Cosa significa davvero il finale di Beast
Il faccia a faccia di Nate con il leone alla fine di Beast è una metafora del suo confronto con il passato. Nel corso del film, Nate è costretto a fare i conti non solo con il fatto di non essere stato presente per sua moglie mentre era malata, ma anche di non aver colto i segni della sua malattia prima che fosse troppo tardi. Non essendo riuscito a proteggere sua moglie, Nate sentiva anche di aver deluso le sue figlie. Si incolpava per il turbamento che Mer e Norah provavano per la morte della madre e per il fatto che lui le avesse lasciate.
Combattendo il leone, Nate riesce a trovare una sorta di pace con se stesso e con i suoi fallimenti percepiti. È anche riuscito a proteggere le sue figlie, un atto che non era riuscito a compiere prima perché aveva abbandonato la sua famiglia. Nate essenzialmente sacrifica se stesso per salvare Mer e Norah dal leone. Nate sapeva che stava correndo un rischio, ma sapeva anche che era l’unica persona in grado di proteggere la sua famiglia. Per molti versi, combattere il grande leone era la sua occasione di redenzione.
Ha dovuto affrontare il trauma del suo passato rappresentato dal leone, che lo seguiva ovunque andasse. Nate non era al sicuro finché non ha affrontato il leone ribelle alla fine di Beast. Era l’unico modo per andare avanti con la coscienza pulita, liberandosi dei suoi errori passati per essere presente per la sua famiglia in un modo che non era stato in grado di fare prima degli eventi del film.
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Con Liam Neeson nel ruolo principale, L’uomo sul treno – The Commuter (qui la recensione) è un thriller ambientato su un treno che tiene con il fiato sospeso grazie alle sue scene d’azione ben coreografate e alla suspense avvincente. Con i suoi temi sottintesi riguardanti la lotta di classe e i dilemmi morali dei poliziotti, questo film dal ritmo serrato rischia di confondere un po’, ma alla fine risolve quasi tutti i punti della trama. Diretto da Jaume Collet-Serra – con il quale Neeson ha collaborato anche per Non-Stop,Run All Night e Unknown – Senza identità – L’uomo sul treno – The Commuter merita però un chiarimento su alcuni risvolti del finale e in questo approfondimento andiamo dunque ad analizzare proprio la conclusione del film.
La trama di L’uomo sul treno – The Commuter
L’uomo sul treno – The Commuter è incentrato su Michael MacCauley (Liam Neeson), un ex poliziotto che lavora come venditore di assicurazioni sulla vita. Dopo essere stato licenziato dal lavoro, Michael sale sul suo solito treno per tornare a casa e incontra una donna misteriosa di nome Joanna (Vera Farmiga). Sapendo che è un ex poliziotto, Joanna lo inganna facendogli accettare una tangente per localizzare un passeggero sconosciuto, nome in codice “Prynne”. Lei gli assicura che, se farà ciò che le chiede, lo ricompenserà con 75.000 dollari una volta completato il lavoro. Inoltre, gli dice che ha una scadenza per portare a termine il compito, poiché Prynne scenderà dal treno alla stazione di Cold Spring.
Inizialmente spinto dalla ricompensa in denaro, Michael cerca di trovare l’obiettivo individuando tutti i passeggeri che scendono a Cold Spring. Ma presto la sua morale prende il sopravvento e inizia a chiedersi se stia facendo la cosa giusta seguendo gli ordini di Joanna senza nemmeno conoscerne le motivazioni. Sfortunatamente per lui, Joanna è sempre un passo avanti e lo minaccia che, se le disobbedisce, farà uccidere sua moglie e suo figlio. Di conseguenza, Michael corre contro il tempo e cerca freneticamente Prynne per salvare la sua famiglia.
La spiegazione del finale del film: chi è Prynne?
Durante la sua ricerca, Michael inizia a sospettare di un uomo di nome Oliver, che dovrebbe scendere anche lui alla stazione di Cold Spring. La sua ipotesi viene ulteriormente rafforzata quando nota che l’uomo porta con sé una chitarra per mancini, ma in precedenza aveva usato la mano destra per aiutarlo. Tuttavia, con sua grande sorpresa, si scopre che Oliver non è Prynne, ma l’assassino ingaggiato da Joanna, che lo ha tenuto d’occhio per tutto questo tempo. Dopo aver eliminato Oliver, Michael manomette il sistema di climatizzazione del treno e lo fa funzionare male in modo che solo l’ultimo vagone abbia una circolazione adeguata.
Per questo motivo, tutti i passeggeri rimasti si sistemano nell’ultimo vagone, e questo aiuta Michael a restringere la sua ricerca. Poco dopo, Michael inizia a sospettare di Eva, un’infermiera, a causa del suo strano comportamento e della sua ossessione per il telefono. Le punta la pistola contro e la costringe a dire la verità. Tuttavia, si scopre che il suo sospetto era ancora una volta sbagliato. Eva era al telefono solo perché stava cercando di sistemare le cose con il suo ragazzo. Alla fine, dopo aver interrogato quasi tutti i passeggeri in viaggio verso Cold Springs, si ricorda di averne dimenticato uno: una ragazza di nome Sofia che inizialmente aveva cambiato posto dopo essersi irritata con un passeggero sgradevole.
Quando si avvicina a Sofia, la trova intenta a leggere “La lettera scarlatta”, il che gli fa capire che il suo nome in codice, Prynne, deriva dalla protagonista del romanzo, Hester Prynne. In una delle scene iniziali, in cui Michael incontra il suo ex partner Alex Murphy in un bar, un canale televisivo di notizie preannuncia che un urbanista si è buttato dalla finestra ed è morto. Prynne rivela che l’urbanista era suo amico e che non si è buttato dalla finestra. La polizia lo ha ucciso e, proprio perché lei è testimone di quel crimine, ora vogliono uccidere anche lei. Racconta anche a Michael che i poliziotti hanno ucciso il suo amico perché conosceva alcuni segreti compromettenti su persone potenti.
Gli consegna persino l’hard disk del suo amico, che contiene questi segreti. Rendendosi conto che Prynee è innocente, Michael si rifiuta di consegnarla. A causa del rifiuto di Michael, Joanna non ha altra scelta che lasciar morire tutti i passeggeri. Quindi fa deragliare il treno. Alla fine, Michael riesce a salvare tutti facendo deragliare l’ultimo vagone dal resto del treno. Quando il treno si ferma, i poliziotti li circondano e l’ex partner di Michael, Alex Murphy, viene mandato a negoziare. Mentre Michael cerca di raccontare a Murphy della cospirazione, un cecchino punta Michael usando il localizzatore di Murphy.
Sul treno, mentre spiega la situazione a Michael, Murphy dice: “Non esiste nulla di nobile”, una frase che Joanna aveva pronunciato in precedenza. Questo fa capire a Michael che anche il suo ex partner è coinvolto nella cospirazione. I due si affrontano e combattono, ed è allora che Michael ruba abilmente il suo localizzatore. Alla fine, quando il cecchino all’esterno riceve l’ordine di uccidere, spara accidentalmente a Murphy. Dopo essere scesi dal treno, Sofia rende la sua testimonianza alla polizia e Michael diventa un eroe agli occhi di tutti. Uno dei suoi superiori gli dice addirittura che la polizia ha bisogno di uomini leali come lui.
Chi è Joanna?
Nei momenti finali del film, Michael è di nuovo sul treno e per fortuna incontra di nuovo Joanna. Lei finge di non avere idea di chi sia lui. Ma questa volta Michael non cade nel suo tranello e le mostra il suo distintivo della polizia. Il finale suggerisce che Michael abbia ricominciato a lavorare con la polizia e che ora arresterà Joanna per quello che ha fatto a lui e a tutti gli altri passeggeri del treno. Anche se il film non rivela mai chi sia Joanna, probabilmente lavora per persone potenti e le aiuta a nascondere le prove dei loro misfatti. All’inizio del film, manipola facilmente Michael e lo fa cadere nella sua trappola. La sua abilità nel manipolare suggerisce che potrebbe essere una veterana o addirittura un’ex poliziotta come Michael.
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La serie NetflixA Man on the Inside torna con una seconda stagione in cui Charles Nieuwendyk indaga su un altro caso di furto. Nella prima stagione, quando è stato assunto per lavorare sotto copertura, era un novellino della professione e gli ci è voluto un po’ di tempo e di apprendimento per acquisire le competenze necessarie. All’inizio della seconda stagione, è diventato piuttosto esperto. Tuttavia, per acquisire tale esperienza, ha dovuto risolvere una serie di casi banali. È assetato di qualcosa come Pacific View e, proprio quando Julie inizia a spiegargli che Pacific View è un caso unico nel suo genere, un altro caso simile bussa alla loro porta. SPOILER IN ARRIVO.
Cosa succede in A Man on the Inside – Stagione 2
È stato rubato un computer portatile. Non è un computer portatile qualsiasi. Appartiene al presidente del Wheeler College, Jack Berenger, e contiene i dettagli di una donazione che il college sta per ricevere da un ex studente miliardario, Brad Vinick. La donazione ammonta a un paio di centinaia di milioni di dollari e cambierà il destino del college. Tuttavia, c’è qualcuno che non vuole che l’accordo vada in porto. Per questo motivo ha rubato il portatile e minaccia di rendere pubbliche le e-mail private di Berenger, che potrebbero rovinarlo. Poiché le autorità del college non vogliono che la questione finisca sui media, si sono rivolte all’agenzia investigativa di Julie invece che alla polizia.
Poiché il furto è avvenuto all’interno del college e riguarda il destino dell’istituto, è logico che sia stato commesso da qualcuno del corpo docente. Per trovare il colpevole, Charles deve nuovamente andare sotto copertura, questa volta come professore ospite al Wheeler. Deve familiarizzare con i dettagli del luogo e delle persone che lo frequentano. Gli unici a conoscere la vera natura del suo lavoro sono Berenger e la preside del college, Holly. L’indagine porta Charles a scoprire qualcosa di interessante sul college. Si fa nuovi amici e si innamora di nuovo. Nel frattempo, Julie ha un incontro interessante con l’amministratore delegato della Pacific View, Didi. Allo stesso tempo, viene alla luce il suo rapporto difficile con la madre, che era una truffatrice. Alla fine della stagione, Charles e Julie imparano alcune lezioni molto preziose sull’amicizia e la lealtà, e questo è ciò che li porta alla verità.
Una confessione scioccante cambia il corso dell’indagine
Mentre Charles e Julie indagano sul caso, giungono alla conclusione che chiunque volesse ricattare Jack Berenger doveva essere a conoscenza del Progetto Aurora, l’iniziativa che Brad Vinick aveva intenzione di attuare una volta approvata la sua donazione e ottenuto il controllo completo del college. Tuttavia, qualcuno lo ha scoperto e, non volendo che Vinick distruggesse il college, ha deciso di fare qualcosa al riguardo. Il fatto è che solo poche persone erano a conoscenza di Aurora, e Berenger era una di queste. Charles e Julie giungono alla conclusione che forse, quando Berenger ha scoperto Aurora, ha iniziato ad avere dei ripensamenti. Sebbene fosse pronto a trasferirsi in Texas per un altro lavoro, non voleva che Wheeler diventasse una macchia sulla sua carriera.
Così, ha inscenato l’intera faccenda per far sembrare che fosse vittima di un ricatto, perché voleva guadagnare tempo. Berenger rifiuta queste accuse e, come previsto, il dottor Ben Cole si fa avanti, confessando di essere lui l’autore del crimine. Dice di aver sentito Berenger e Vinick parlare dei loro piani, ed è allora che ha deciso di salvare il college. Come prova, restituisce il portatile di Berenger e presenta anche la penna con il pennino speciale che è stata usata per scrivere le note. Questo non lascia alcun dubbio sul fatto che Ben sia il colpevole. Tuttavia, qualche tempo dopo, Charles giunge a una conclusione sorprendente.
Chi è il vero ricattatore?
Quando Emily inizia a lavorare al Wheeler, racconta a Charles di quanto tutti i docenti siano appassionati al college, e questo lo porta a capire che Ben non era l’unico a voler salvare il college. Erano tutti. Mette insieme i pezzi e capisce che l’unica persona che avrebbe potuto scoprire per caso di Aurora era Holly. Inoltre, lei era una dipendente di lunga data della Wheeler e voleva salvarla a tutti i costi. Quindi, ha senso che abbia rubato il portatile, ma non ha fatto il resto da sola. Lentamente e involontariamente, ha iniziato a trovare altri membri della facoltà che si sono uniti alla resistenza contro Vinick. La prima è stata la pittrice Elizabeth Muki, che ha bruciato il ritratto di Vinick dopo aver scoperto che lui avrebbe eliminato il suo dipartimento dal college. Poi, quando hanno voluto che la notizia della commissione di Berenger dall’accordo con Vinick fosse pubblicata, hanno contattato il professore di giornalismo.
A poco a poco, questa catena si è ampliata e un intero gruppo di persone ha lavorato dietro le quinte per impedire al miliardario di distruggere il loro college. È stata Holly a dire a Berenger di assumere un investigatore privato, perché questo non solo le avrebbe evitato di finire in prigione, ma le avrebbe anche permesso di tenere d’occhio le indagini e salvare se stessa e gli altri dall’essere scoperti. Ha cercato di tenere Ben fuori dalla faccenda, ma quando lui l’ha scoperto da altre fonti, lei ha confessato tutto. Gli ha anche detto dove aveva nascosto il portatile, ma non si è resa conto che Ben l’avrebbe preso e poi usato come prova per incriminare se stesso, perché non voleva che Holly perdesse il lavoro e fosse costretta a lasciare Wheeler. Era difficile per lei lasciare che Ben si prendesse la colpa, ma non poteva confessare perché avrebbe significato coinvolgere anche altri membri della facoltà, e questo non sarebbe stato giusto per nessuno. Charles lo capisce, quindi le promette che non lo dirà a nessun altro. Il segreto è al sicuro con lui.
Charles e Mona si lasciano?
Quando incontriamo Charles all’inizio di A Man on the Inside, sta soffrendo per la perdita della moglie. Quindi, quando va al Pacific View, riesce a stringere amicizie ma non legami sentimentali. Nella seconda stagione, però, è passato molto tempo e molte cose sono cambiate. Così, quando va a Wheeler e incrocia Mona, prova le stesse farfalle che aveva provato l’ultima volta con sua moglie. All’inizio è un po’ strano, ma pian piano si innamora sempre più di Mona. Lei è divertente e vivace e lo porta a essere più avventuroso. Tuttavia, col tempo, Charles si rende conto che sono troppo diversi. La natura divertente di Mona può diventare un po’ troppo per Charles, che è abituato ai suoi modi. A volte, lei sembra troppo selvaggia e imprevedibile. Lei abbraccia e accoglie il caos e prospera in esso. Anche se Charles ama questo suo lato, non riesce a immaginare di essere come lei.
Nonostante voglia stare con lei, non riesce a stare al suo passo, e se ne rende conto quando lei gli dice che ha accettato un lavoro in Croazia, il che significa che se ne andrà per un anno. Dato che stanno insieme e si tratta di un’avventura che nessuno dei due ha mai fatto prima, lei crede che Charles la seguirà, e inizialmente lui accetta. Tuttavia, mentre lui prepara i bagagli, Emily nota che non è così entusiasta come dovrebbe, il che lo porta a confessarle i suoi sentimenti. Lei gli dice di essere onesto con Mona, perché non c’è altra scelta. Così, Charles le dice la verità. Confessa che lasciare la vita che si è costruito a San Francisco non è facile per lui, soprattutto la parte che ha ottenuto dopo essere diventato un investigatore privato. Allo stesso tempo, sa che non può trattenere Mona, che crede che la vita sia troppo breve per non cogliere le avventure che capitano una volta nella vita. Così, decidono di comune accordo di chiudere la loro relazione, anche se questo spezza il cuore a entrambi.
Didi e Julie si mettono insieme?
Alla fine della prima stagione di A Man on the Inside, Didi e Julie erano in contrasto tra loro, soprattutto perché Didi aveva scoperto che Julie e Charles stavano conducendo un’operazione segreta nella casa di riposo senza il suo aiuto. Alla fine, però, vede un lato diverso di Julie quando lei e Charles la convincono a mantenere il suo lavoro come direttrice della casa di riposo. Alla fine, Didi chiama Julie per offrirle un altro lavoro, ma Julie sospetta che ci sia un secondo fine dietro. All’inizio pensa che Didi stia cercando di vendicarsi, ma alla fine si scopre che le sue intenzioni sono di natura più romantica. Sembra che quando Julie e Charles hanno convinto Didi a riprendere il lavoro, l’abbiano ricoperta di complimenti, che l’hanno colpita.
Ha pensato di poter conoscere meglio Julie, quindi ha assunto l’investigatore privato per un altro lavoro. Il problema era che, nonostante fosse un’ottima investigatrice privata, Julie non era molto brava a interpretare i sentimenti delle persone, quindi solo quando Didi glielo dice chiaramente capisce cosa sta succedendo. Questo accade alla festa di Charles, dove viene rivelato che lui ha ormai accumulato abbastanza ore sul campo da diventare un investigatore privato autorizzato. Julie è sorpresa quando Didi le chiede di uscire, ma nel corso del caso Wheeler sono successe molte cose per lei. In precedenza, avrebbe potuto rifiutare senza esitazione, ma ora Julie è diventata una persona leggermente più aperta e accogliente, e ha anche imparato ad apprezzare Didi. Quindi, accetta la proposta di andare a bere qualcosa insieme. Questo significa che si daranno una possibilità e esploreranno le cose. Resta da vedere se si trasformerà in un lieto fine.
Cosa dà Charles a Ben? Cosa c’è nella busta?
Quando Charles incontra Ben per la prima volta, si insospettisce immediatamente nei suoi confronti. Ciò è dovuto principalmente al fatto che Ben non è molto cordiale o accogliente con Charles. Tuttavia, col passare del tempo, i due uomini imparano a capirsi e a rispettarsi a vicenda. Quando Ben parla della possibilità di lasciare la Wheeler dopo averle dedicato quarant’anni della sua vita, Charles capisce perché il professore di inglese non sia entusiasta all’idea di andare in pensione. Idealmente, Ben avrebbe voluto lavorare alla Wheeler per il resto della sua vita. Tuttavia, quando si assume la responsabilità per Holly, non ha altra scelta che andarsene.
La decisione non può essere revocata perché significherebbe ritrattare la sua confessione, e questo porterebbe alla luce la verità, con la conseguente perdita del lavoro per Holly e gli altri. Tuttavia, Charles sa che Ben ha bisogno di fare qualcosa che gli dia una seconda possibilità nella vita, e cosa c’è di meglio del Pacific View? Quel posto ha dato a Charles un nuovo scopo e una nuova prospettiva nella vita. Gli ha dato nuovi amici e una nuova passione, e lui sente che la casa di riposo può fare lo stesso per Ben. Tuttavia, sa che Ben non accetterebbe mai l’idea di andare in una casa di riposo. Quindi, ne fa un compito.
Gli dà una busta, che chiede di consegnare a Didi. Le lascia un messaggio, dicendole di aiutare Ben, e lei capisce immediatamente cosa intende. Quando scopre che era un professore di inglese, gli chiede aiuto con la biblioteca. Non avendo altro da fare e dato il suo amore per i libri, Ben decide di aiutarla e, a sua insaputa, questo diventa un nuovo capitolo della sua vita. Il successo del piano di Charles viene confermato nella scena a metà dei titoli di coda, dove vediamo il club del libro Pacific View riunirsi, che include Charles e Ben. Nonostante mostri disgusto per la scrittura, alla fine rivela di averla apprezzata immensamente. Inoltre, sembra anche legare con Elliot, il che significa che sta già stringendo nuove amicizie e voltando pagina.