La Toho ha avviato ufficialmente la produzione del sequel di Godzilla Minus One, con l’uscita prevista per il prossimo anno. Takashi Yamazaki tornerà alla regia e si occuperà nuovamente della sceneggiatura e degli effetti visivi (premiati con l’Oscar). Dopo mesi di riservatezza sul possibile seguito, il successo internazionale del film — sia al botteghino che presso la critica — ha reso l’annuncio altamente probabile.
Nel corso del Godzilla Fest 2025, organizzato in occasione del Godzilla Day alla Kanadevia Hall di Tokyo, è dunque stato svelato il titolo del nuovo capitolo del franchise: Godzilla Minus Zero. L’annuncio è stato accompagnato dalla presentazione del logo ufficiale (lo si può vedere qui), realizzato a mano dallo stesso Yamazaki. Al momento non sono state fornite indicazioni sul significato del titolo. Se “Godzilla Minus One” richiamava eventi ambientati prima del film originale del 1954, la nuova rivelazione non aggiunge ulteriori dettagli, limitandosi a rimandare aggiornamenti futuri.
Secondo quanto riportato da The Wrap, la nuova produzione potrebbe rappresentare una reinterpretazione del classico del 1954, ma non è stata ancora confermata alcuna informazione in merito. Le recenti dichiarazioni di Yamazaki suggeriscono comunque una continuità narrativa con Godzilla Minus One, con lo sviluppo dei personaggi principali e una struttura da vero e proprio sequel.
Il progetto, caratterizzato da un budget più elevato e un’impostazione produttiva su scala ampliata, avrebbe già iniziato le riprese tre mesi fa. Nonostante l’assenza di una data ufficiale di uscita, un report di aprile indicava una possibile distribuzione a fine 2026. Godzilla Minus One è stato il 37º film complessivo del franchise e la 33ª produzione Godzilla firmata Toho. Il film ha ottenuto ampi riconoscimenti, ricevendo elogi pubblici anche da parte di registi come Guillermo Del Toro, Steven Spielberg e Christopher Nolan.
La macchina produttiva dei Marvel Studios prosegue senza soste. Nonostante le recenti difficoltà dell’MCU, il franchise è tornato a puntare sui film dedicati agli Avengers. Avengers: Doomsday ha infatti da poco completato la sua lunga fase di riprese nel 2025, lavorando dal 28 aprile fino alla metà di settembre. Terminata le riprese principali, il film entrerà ora in un periodo di post-produzione stimato in circa 15 mesi, salvo eventuali riprese aggiuntive. Secondo quanto riportato da Hollywood North Buzz, la tempistica sarebbe legata alla lavorazione consecutiva del sequel, Avengers: Secret Wars, anch’esso affidato ai fratelli Russo.
Avengers: Secret Wars dovrebbe essere girato nuovamente a Vancouver, tra aprile e settembre del prossimo anno, e seguire un analogo periodo di post-produzione di circa 15 mesi. Entrambi i progetti sono descritti come produzioni di grande scala, caratterizzate da un massiccio impiego di effetti visivi, numerosi cameo e possibili sessioni di riprese supplementari. Sempre Hollywood North Buzz segnala che le riprese aggiuntive di Avengers: Doomsday sarebbero programmate per gennaio 2026. La tempistica suggerisce possibili riscritture o modifiche al cast, nell’ambito della regolare fase di aggiustamento delle produzioni Marvel.
La sinossi ufficiale conferma il ritorno di Robert Downey Jr. all’interno dell’universo Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al momento sotto riserbo. Stephen McFeely e Michael Waldron risultano accreditati come sceneggiatori.
Nel 2026 inizieranno le riprese del prequel di “Ocean’s Eleven”, con Margot Robbie e Bradley Cooper nei ruoli principali. Lee Isaac Chung (“Minari”) sarà il regista, mentre Linus Sandgren (“La La Land”, ‘Saltburn’, “Babylon”) sarà il direttore della fotografia. Secondo alcune indiscrezioni, il premio Oscar Benicio del Torosarebbe in trattative per entrare a far parte del cast del prequel. Anche se i dettagli sui personaggi rimangono segreti, sembra che del Toro sia stato preso in considerazione per un potenziale ruolo da antagonista.
Del Toro, Robbie e Cooper formano sicuramente un cast avvincente, ma ci sono ancora altri membri del cast che devono essere rivelati. Il film è in fase di sviluppo alla Warner Bros. dal maggio 2022; a un certo punto, Ryan Gosling avrebbe dovuto recitare al fianco di Robbie, con Jay Roach alla regia, ma poi le cose sono cambiate. Non resta a questo punto che attendere l’ufficialità del coinvolgimento di del Toro, come anche di avere ulteriori dettagli sul film.
Cosa riserva il futuro alla saga di Ocean’s
Sebbene i dettagli della trama siano stati definiti “definitivi”, secondo Deadline, Roger Friedman di Showbiz411 aveva precedentemente riportato che il film si sarebbe intitolato ‘Oceans’, con Cooper e Robbie nei panni dei genitori di Danny Ocean, il personaggio interpretato da George Clooney nella trilogia originale. Sempre stando a quanto riportato, nel film prequel gli Ocean insegneranno ai loro figli, i giovani Danny e Debbie (quest’ultima poi interpretata da Sandra Bullock in Ocean’s 8), l’arte di rubare ai ricchi.
Ambientato sullo sfondo del Gran Premio di Monaco del 1962, il progetto è stato descritto come un’elegante avventura vecchio stile ispirata a “Caccia al ladro” di Hitchcock. La sceneggiatura attuale è di Carrie Solomon, autrice del film Netflix del 2024 “A Family Affair”, che non ha però riscosso molto successo. Solomon non ha altri crediti come sceneggiatrice elencati sulla sua pagina IMDb.
Clayface ha recentemente concluso le riprese e il protagonista Tom Rhys Harries ha condiviso un’altra foto dal set, che ha rapidamente cancellato. L’immagine potrebbe infatti fornire alcuni indizi su cosa aspettarsi dal prossimo film horror della DCU. La teoria prevalente tra i fan è che le parole scritte sui muri e sulla porta siano battute di dialogo. Fuori contesto, non sembrano rivelare troppo, ma ci deve essere un motivo per cui Harries ha rapidamente rimosso questa foto dopo averla condivisa su Instagram (la si può comunque vedere qui).
Il fatto che Clayface abbia un lungo periodo di post-produzione non è troppo sorprendente, soprattutto perché la trasformazione di Matt Hagen richiederà probabilmente molti effetti speciali. Abbiamo visto alcuni effetti pratici nelle foto dal set, ma questi avranno un effetto limitato quando lui diventerà un mostro di argilla a tutti gli effetti. Nei fumetti, Hagen era il secondo Clayface, un avventuriero che si trasformò in un mostro dopo essere entrato in contatto con una pozza radioattiva di protoplasma.
Questo aspetto è stato modificato in Batman: The Animated Series, dove è stato descritto come un attore che ha usato una crema antietà per sembrare più giovane. Dopo essersi messo contro il suo creatore, Roland Daggett, Hagen è stato immerso in una vasca piena di quella sostanza ed è diventato il “classico” Clayface che tutti conosciamo dai fumetti. In ogni caso, possiamo aspettarci di ascoltare le battute scritte sulla porta nel film, anche se non sembrano rivelare poi molto se non grandi conflitti.
Al momento sono stati rivelati pochi dettagli sulla trama, ma abbiamo appreso che Matt Hagen sarà al centro dell’attenzione. Nei fumetti, era il secondo Clayface, un avventuriero che si è trasformato in un mostro dopo aver incontrato una pozza radioattiva di protoplasma. Questo è cambiato in Batman: The Animated Series, dove è stato ritratto come un attore che usava una crema anti-età per sembrare più giovane. Dopo essersi scontrato con il suo creatore, Roland Daggett, Hagen viene immerso in una vasca di quella sostanza e diventa il “classico” Clayface che tutti conoscete dai fumetti.
Stando ad alcuni rumor emersi online, la storia di Clayface sarà incentrata su un attore in ascesa il cui volto è sfigurato da un gangster. Come ultima risorsa, il divo si rivolge a uno scienziato eccentrico per poter ottenere nuovamente il suo fascino. All’inizio l’esperimento ha successo, ma le cose prenderanno presto una piega inaspettata.
Poiché Clayface sarà ambientato nell’universo DC, i fan dovrebbero aspettarsi molti collegamenti con l’universo più ampio, e saremmo molto sorpresi se Batman apparisse o fosse anche solo menzionato. Il produttore Peter Safran ha condiviso alcuni nuovi dettagli sulla sceneggiatura di Flanagan, sottolineando che il film sarà effettivamente un film horror in piena regola, sulla scia di La mosca di David Cronenberg, ma si dice trarrà anche ispirazione dal successo horror di Coralie Fargeat, The Substance.
“Clayface, vedete, è una storia horror hollywoodiana, secondo le nostre fonti, che utilizza l’incarnazione più popolare del cattivo: un attore di film di serie B che si inietta una sostanza per rimanere rilevante, solo per scoprire che può rimodellare il proprio viso e la propria forma, diventando un pezzo di argilla ambulante”, ha dichiarato Safran.
Tom Rhys Harries interpreterà il personaggio principale di Clayface, il film dei DC Studios. Il film vedrà anche la partecipazione di Max Minghella nel ruolo di John, un detective di Gotham City che inizia a nutrire sospetti sulla relazione tra la sua fidanzata Caitlin e Matt Hagen. Naomi Ackie interpreta invece proprio Caitlin Bates, amministratrice delegata di un’azienda biotecnologica che cura Matt dopo che questi è stato sfigurato.
Il film è basato su una storia di Mike Flanagan, attore di La caduta della casa degli Usher (l’ultima bozza è stata firmata da Hossein Amini, sceneggiatore di Drive), con James Watkins, regista di Speak No Evil, alla regia.
Clayface è attualmente previsto per l’arrivo nelle sale l’11 settembre 2026.
Dopo il grande successo ottenuto con We Bury the Dead, Daisy Ridley ha già messo gli occhi sul suo prossimo grande ruolo.
Deadline riporta che la star britannica ha ottenuto il suo prossimo progetto, Killa Bee, che si concentrerà sulla storia vera di Bryony Tyrell, che vive una vita complicata sia come infermiera di terapia intensiva alle prese con “le sfide del servizio sanitario nazionale”, sia come “una delle promesse britanniche della gabbia” durante la notte.
Originaria di Southampton, ha iniziato a praticare kickboxing durante gli anni dell’università fino a raggiungere il livello di cintura nera, dedicandosi anche alle arti marziali. Durante la sua carriera, Tyrell ha vinto diverse cinture entrando nel mondo dei professionisti.
Il film sulla lottatrice di MMA esplora anche la vita di Tyrell, che ha un master in infermieristica e una laurea in biologia molecolare, e che si destreggia tra la vita di madre di due bambini. Ridley ha condiviso la seguente dichiarazione sul portare in vita la storia dell’infermiera attraverso Killa Bee:
Daisy Ridley: La storia di Bryony è una storia di straordinario coraggio e resilienza. Sono rimasta profondamente commossa dal suo viaggio emotivo e stimolante. Non vedo l’ora di portare il suo spirito sullo schermo”.
Knockout Productions sta producendo Killa Bee, insieme a Picture Perfect. Ruth Sewell, che ha scritto i cortometraggi Kill e Fish Love, ha scritto la sceneggiatura di Killa Bee, che sarà diretto da Farah’s Kenton Oxley. Il produttore esecutivo Michael Foster, insieme ai produttori Mark Vennis e Lucinda Thakrar, ha condiviso questa dichiarazione sull’adattamento della vita di Tyrell al cinema:
Bryony Tyrell è stata coinvolta nel progetto con Kenton Oxley sin dall’inizio e sostiene l’idea di portare la sua storia ispiratrice sul grande schermo. Sta fornendo attivamente la sua consulenza sul progetto. Il processo di scrittura della sceneggiatura è stato modellato in stretto dialogo con la famiglia di Bryony, garantendo la verità emotiva e l’integrità creativa in ogni fase. Il regista Kenton, amico di lunga data di Bryony sin dai tempi della scuola, porta nella storia una visione profondamente personale, radicata nella fiducia, nella storia e in una forte lealtà creativa.
Secondo il settore, Capture inizierà le vendite mondiali di Killa Bee prima dell’American Film Market, che si terrà la prossima settimana. Le riprese principali del film con Ridley sono previste per il secondo trimestre del 2026.
Oltre al suo ultimo progetto, l’attrice 33enne sta anche valutando il suo ritorno nell’universo di Star Wars, dato che un film New Jedi Order con Rey è in lavorazione alla Lucasfilm e alla Disney. Killa Bee al momento non ha una data di uscita definita.
La quinta stagione di Only Murders in the Building si è conclusa in grande stile, con il famoso trio di detective dilettanti della serie che ha risolto il suo ultimo misterioso omicidio in un casinò clandestino nascosto all’interno dell’edificio Arconia. Il titolo dell’episodio finale, “The House Always…” (La casa vince sempre…), allude al vecchio adagio del gioco d’azzardo secondo cui la casa vince sempre, cosa che Mabel, Charles e Oliver possono confermare.
Dimostrando ancora una volta di essere all’altezza dei migliori show polizieschi in circolazione, Only Murders in the Building inizia il finale della quinta stagione invalidando il depistaggio con cui ci aveva stuzzicato alla fine del penultimo episodio della stagione. Nonna Caccimelio, infatti, non ha nulla a che fare con l’omicidio del portiere dell’Arconia, Lester Coluca.
Tuttavia, fornisce al trio di podcaster un indizio importante che restringe il campo dei possibili colpevoli, rivelando che il dito trovato da Oliver tra i piatti del buffet del suo matrimonio apparteneva all’amante di sua figlia Sofia. Mentre stanno interrogando i miliardari amici di poker di Nicky Caccimelio sui loro incontri amorosi con Sofia nel casinò dell’Arconia, il vero assassino entra nella stanza.
La migliore serie TV di Steve Martin è un regalo che continua a dare soddisfazioni agli appassionati di gialli, con la quinta stagione che si rivela avere la trama più elaborata e intricata mai vista. Only Murders in the Building ha fatto nuovamente centro, approfondendo i segreti dell’Arconia per smascherare un altro assassino.
Chi ha ucciso Lester alla fine della quarta stagione di Only Murders in the Building
Come avranno intuito gli appassionati di giochi di parole, Lester Coluca è stato ucciso nientemeno che dal sindaco fittizio di New York Beau Tillman, interpretato da Keegan-Michael Key. Only Murders in the Building ha aggiunto Key al cast della quinta stagione a marzo, ma alla fine è stato solo uno dei tanti volti famosi aggiunti allo show.
Only Murders In The Building StagioneIdentità dell’assassinoStagione 1Jan BellowsStagione 2Poppy White/Becky ButlerStagione 3Donna & Cliff DeMeo
È stato il sindaco Tillman a infliggere a Lester una ferita mortale alla testa, nel cortile dell’edificio dove aveva lavorato come portiere per 32 anni. Anche se la modalità della morte stessa potrebbe essere stata accidentale, non c’è dubbio che Tillman fosse intenzionato a compiere un atto violento.
Perché Lester è stato ucciso nel cortile dell’Arconia
Lester è diventato la vittima principale della quinta stagione di Only Murders in the Building quando il sindaco Tillman lo ha scaraventato contro il centro in pietra della fontana del cortile dell’Arconia. Questo atto di violenza ha apparentemente fratturato il cranio dell’anziano portiere con una forza tale da causarne la morte.
Sembra tuttavia che Tillman non avesse intenzione di uccidere Lester. Voleva semplicemente usare la forza fisica per riavere il suo dito mancante, che era convinto Lester gli avesse nascosto. Tillman aveva giustamente ipotizzato che il suo dito perduto potesse essere usato come prova per implicarlo nella morte del mafioso Nicky Caccimelio, l’altra vittima di omicidio nella quinta stagione.
Come è morto Nicky Caccimelio e chi ha fatto sparire il suo corpo
Lo showrunner di Only Murders in the Building, John Hoffman, aveva rivelato ad agosto che la quinta stagione sarebbe stata un mistero mafioso con una differenza, e così è stato con la morte di Nicky Caccimelio. Gli episodi precedenti della stagione sembravano confermare che Lester Coluca avesse ucciso Nicky, ma il finale presenta una versione più complicata di ciò che è accaduto.
Mentre Nicky inseguiva il sindaco Tillman, l’amante di sua moglie, nella sala del casinò dell’Arconia con una mannaia, Lester lo ha colpito alla nuca con una manovella dell’ascensore dell’edificio, implicandolo nel presunto omicidio. In realtà, Nicky è poi caduto su Lester mentre ancora impugnava la mannaia, infliggendosi accidentalmente una ferita mortale.
Il colpo ben assestato alla testa che Nicky ha ricevuto da Lester potrebbe essere stato sufficiente a ucciderlo, anche se questo scenario è improbabile. Più realistico è che Nicky sia stato ucciso dalla ferita inflitta dal coltello da macellaio e che la sua morte sia stata accidentale.
Come rivela Jay, l’interesse amoroso di Mabel, nell’atto finale dell’episodio finale, su ordine del sindaco, lui e gli altri soci miliardari di Nicky, Camila White e Bash Steed, si sono sbarazzati del corpo di Nicky. Hanno usato il telo da pittura di Camila per trasportare il corpo fuori dalla sala del casinò, la camera criogenica di Bash per congelarlo, e Jay stesso lo ha scaricato nella lavanderia a secco di Nicky.
Perché il dito è finito nei gamberetti del matrimonio di Oliver
Il finale della quinta stagione offre un’altra delle battute più divertenti di Oliver Putnam in Only Murders in the Building, quando lui, Charles e Mabel irrompono nella sala del casinò e dichiarano che il sindaco Tillman è l’assassino. “E il suo dito era nel mio gamberetto!” aggiunge Oliver in modo drammatico.
Si scopre che era davvero il dito di Tillman a trovarsi tra gli antipasti del matrimonio di Oliver, ed era stato Lester a mettercelo. Nel caos che è seguito dopo che Nicky ha tagliato il dito a Tillman, è stato colpito alla testa da Lester e poi si è impalato su una mannaia, Lester è scappato al piano di sopra con il dito mancante.
Sperava che potesse essere usato come prova per smascherare il coinvolgimento corrotto di Tillman con mafiosi e finanzieri disonesti, a patto che riuscisse a consegnarlo a Charles, Mabel e Oliver. Ecco perché lo vediamo dire a Tillman poco prima della sua morte: “I miei amici ti prenderanno”. Lo nasconde nell’unico posto in cui sa che lo troveranno: tra il cibo del matrimonio di Oliver.
Naturalmente, il dito è poi finito nelle mani della famiglia Caccimelio, che lo ha rubato dalla casa di Charles e lo ha venduto ai miliardari, che volevano usarlo come leva su Tillman. È Mabel a rivelare che appartiene al sindaco, quando taglia il suo dito finto con lo stesso coltello da macellaio usato da Nicky.
Come Mabel, Charles e Oliver risolvono l’omicidio
Dato che sono podcaster dilettanti di true crime in uno show comico, è difficile mettere Mabel, Charles e Oliver nella stessa categoria dei migliori detective televisivi. Tuttavia, hanno sicuramente un dono raro quando si tratta di risolvere gli omicidi nel loro palazzo, come dimostra la rapida connessione di Mabel tra il nome del sindaco Beau Tillman e l’ultimo messaggio di testo di Lester.
Quando questo messaggio è apparso per la prima volta in “Flatbush”, il sesto episodio della quinta stagione di Only Murders, si è pensato che Lester stesse semplicemente ricordando con nostalgia la prima volta che aveva parlato con sua moglie. In realtà, però, la parola “beautiful” nel messaggio era una versione autocorretta del nome del sindaco “Beau Tillman”.
Mabel risolve questo enigma quando riceve un messaggio simile da Howard, che poi le invia immediatamente un altro messaggio per correggersi, dicendole: “È Beautiful. Scusa, correzione automatica. È Beau Tillman”. Da questo momento in poi, tutti gli indizi vanno al loro posto e Tillman rivela come ha commesso il suo crimine.
La quinta stagione è l’ultima di Only Murders in the Building?
Possiamo confermare con certezza che la stagione 5 non sarà l’ultima della serie, poiché Hulu ha ora confermato il suo rinnovo per la sesta stagione. In un comunicato stampa, il gigante dello streaming di proprietà della Disney ha annunciato quanto segue:
“La serie comica originale di Hulu Only Murders in the Building, prodotta dalla 20th Television, è stata rinnovata per una sesta stagione composta da 10 episodi”.
Questa notizia potrebbe sorprendere alcuni, soprattutto considerando i commenti di Martin Short su quante stagioni Only Murders in the Building potrebbe continuare ad andare avanti, fatti ad agosto. Ma finché c’è ancora richiesta da parte del pubblico, recensioni entusiastiche da parte della critica e un nuovo omicidio da risolvere all’Arconia, non c’è motivo per cui la serie non debba continuare.
Come il finale della quinta stagione prepara Only Murders In The Building alla sesta stagione
È già stato confermato che Only Murders in the Building stagione 6 cambierà location e si trasferirà a Londra, dove Oliver, Charles e Mabel tenteranno di risolvere un omicidio legato all’altra sponda dell’Atlantico. Il finale della stagione 5 si conclude con la rivelazione che l’omicidio su cui indagheranno è quello della podcaster di true crime Cinda Canning, interpretata da Tina Fey.
Canning era un personaggio secondario di spicco nella seconda stagione della serie e, a quanto pare, era appena tornata dalla registrazione di un podcast sui misteriosi omicidi nel Regno Unito quando è stata trovata morta fuori dall’Arconia. Il trio protagonista della serie stava ascoltando il podcast proprio prima di trovare il corpo di Canning.
Questa situazione suggerisce cosa possiamo aspettarci nella stagione 6 di Only Murders in the Building. Si deduce che le indagini di Canning sull’omicidio britannico per il suo podcast “The Girl with the Curls” l’abbiano portata a scontrarsi con qualcuno di pericoloso. La trama si infittisce quando notiamo che Canning stessa indossa una parrucca rossa riccia quando muore.
La serie televisiva spagnola su NetflixRespira (Breathless) vede i lavoratori dell’ospedale Joaquin Sorolla affrontare nuove difficili sfide, poiché la privatizzazione della struttura porta inevitabilmente a una nuova e fastidiosa gestione. Nicolas, un uomo che condivide un passato familiare sfortunato con Biel, prende il controllo dell’ospedale, più desideroso di realizzare profitti che di fare del bene. Tuttavia, il suo arrivo ha il vantaggio di portare con sé una nuova responsabile del reparto di oncologia, Sophie Lafont, che sta lavorando a un trattamento sperimentale rivoluzionario.
Tuttavia, anche se questo si rivela vantaggioso per la presidente Patricia, Nestor non può fare a meno di rimanere sospettoso nei confronti della nuova oncologa e dei suoi metodi. Nel frattempo, il dramma interpersonale tra i professionisti sanitari rimane più vivo che mai, soprattutto perché le conseguenze dell’aggressione subita da Jesica la costringono a prendere decisioni definitive sul suo futuro. Pertanto, quando alcuni volti nuovi entrano nel gruppo, nel bene e nel male, Sorolla si ritrova ad essere un focolaio di disastri in attesa di verificarsi. SPOILER IN ARRIVO!
Cosa succede in Respira – Stagione 2
All’inizio della stagione, Joaquin Sorolla sta attraversando un periodo difficile mentre il personale affronta le conseguenze dell’accoltellamento di Jesica, con Pilar, Biel e altri membri dello staff che si occupano della sua operazione. Contemporaneamente, viene diffusa la notizia dell’imminente privatizzazione dell’ospedale, secondo la decisione del Presidente. Due settimane dopo, la situazione sembra più cupo che mai. Il chirurgo ferito è in convalescenza e Patricia ha assegnato una nuova direzione all’ospedale: Nicolas. Questa decisione si rivela particolarmente sinistra quando Biel rivela che quell’uomo è suo padre, che lo ha abbandonato insieme alla madre durante la sua infanzia dopo la diagnosi di cancro. Nonostante il loro passato tormentato, Nicolas sostiene di essere un uomo cambiato che vuole solo il meglio per l’ospedale e per suo figlio. Inoltre, chiama Sophie Lafont, una rinomata oncologa francese, per supervisionare Patricia attraverso un nuovo trattamento per il suo cancro al seno.
Naturalmente, Nestor è scontento di questo abuso di potere. Di conseguenza, finisce per rivolgersi ai media, che mettono sotto esame le decisioni di Patricia al punto che l’opposizione lancia l’idea di un voto di sfiducia. Questo costringe il presidente ad annunciare una rielezione che avrebbe avuto luogo tre mesi dopo. Dopo questo annuncio, un problema di salute costringe la donna a sottoporsi a un intervento chirurgico, che riduce ulteriormente le sue possibilità di guarigione. Tuttavia, la natura terminale della sua condizione la rende la candidata perfetta per partecipare alla sperimentazione top-secret di Sophie. Poco dopo, l’oncologa viene assunta a Sorolla, che le garantisce l’istituzione e i finanziamenti necessari per continuare la sua promettente ricerca. Inoltre, Nicolas le assegna anche la carica di nuovo capo del reparto di oncologia.
Nello stesso periodo, le condizioni di Jesica peggiorano, soprattutto dopo che entra in uno stato di delirio durante la convalescenza e finisce per riaprire le ferite. Di conseguenza, finisce per perdere il fegato e i reni. Con il passare del tempo, il suo fidanzato Lluís decide di usare la sua posizione di direttore dell’ospedale per falsificare dei documenti che le consentano di ricevere gli organi di un donatore all’ultimo minuto. A sua volta, Nicolas usa questo fatto per avviare un’indagine contro il medico, destituendolo dalla sua posizione. In sua assenza, offre il ruolo a Pilar, che è critica nei suoi confronti ma capace di gestire l’istituto medico. Nel frattempo, Patricia inizia il suo trattamento con Sophie e fa amicizia con uno degli altri partecipanti, Ximo. Pertanto, i suoi sospetti riguardo al trattamento riservato dell’oncologo aumentano quando quest’ultimo paziente inizia a soffrire di effetti collaterali significativi. Quando si allea con Nestor per indagare sulla situazione, scoprono la sua apparente morte e il fatto che ci sono discrepanze nelle sue cartelle cliniche sigillate.
Tornati al Sorolla, il pronto soccorso deve affrontare problemi di sottofinanziamento e carenza di personale. Tuttavia, invece di trovare una soluzione praticabile, Nicolas propone l’idea di stringere una partnership poco saggia con Healock, l’azienda farmaceutica. Nonostante le preoccupazioni di Pilar riguardo a tale partnership, finisce per dare il via libera all’accordo alle sue spalle. Inevitabilmente, questo accordo porta a una serie di complicazioni, soprattutto per Rocio e gli altri operatori del pronto soccorso. Anche se assumono una nuova dottoressa, Hacia, lei finisce per causare attriti generali quando viene coinvolta nel triangolo amoroso tra Jesica, il suo fidanzato Lluís e il suo ex amante Biel. Tuttavia, quest’ultimo ha problemi più gravi da affrontare, poiché finisce per unirsi a Nestor nella sua missione di scoprire il segreto di Sophie e assicurarla alla giustizia. Anche se il loro piano alla fine funziona, Pilar, un’altra collaboratrice, agisce precipitosamente denunciando l’oncologa alle autorità.
Finale della seconda stagione di Respira: Nicolas ha informato Sophie? È morto?
Alla fine, Nestor, Biel e Pilar sono più vicini che mai a catturare Sophie e a svelare la verità sulla sua ricerca disonesta. Una volta ottenute le prove che dimostrano la falsificazione dei dati sulla terapia da parte dell’oncologa francese, Pilar, che ha un conto in sospeso con Nicolas, è fin troppo ansiosa di denunciarla direttamente alla polizia. L’unico motivo per cui il chirurgo aggira qualsiasi comitato è quello di assicurarsi che Sophie non abbia alcuna possibilità di coprire le sue tracce dopo la prima accusa. Pertanto, allo stato attuale, nessuno al di fuori di Pilar, Biel e Nestor è a conoscenza dell’intenzione delle autorità di arrivare a Sorolla per arrestare Sophie. Questo fino a quando Biel finisce per rivelare il segreto a suo padre, Nicolas.
Biel e Nicolas non hanno certo un rapporto molto stretto. Tuttavia, un’emergenza medica a casa del padre avvicina i due in breve tempo. È evidente che l’uomo più anziano è desideroso di sistemare le cose con suo figlio e guadagnarsi la sua fiducia. Per lo stesso motivo, condivide un segreto con il medico residente, rivelando che ha intenzione di entrare a far parte della Healock Pharmaceuticals, alla luce dell’accordo che ha facilitato tra l’azienda e l’ospedale. Nel tentativo di ricambiare la fiducia, il giovane finisce per rivelare a suo padre il piano di Pilar, avvertendolo che le autorità avrebbero indagato su Sophie. Poiché è stato Nicolas a portare la dottoressa a Sorolla, dopo il suo arresto sarà sottoposto a un controllo particolare. Tuttavia, l’arresto non avrà mai luogo. Così, una volta che diventa evidente che Sophie è stata in qualche modo informata del tentativo di arresto, il sospetto immediato di Biel ricade inevitabilmente su Nicolas.
Nonostante ciò, il padre insiste sulla sua innocenza quando viene confrontato al telefono. Si spinge fino ad accettare di difendere la sua causa di persona. Sfortunatamente, nel bel mezzo di questa intensa conversazione telefonica, l’auto di Nicolas finisce per essere tamponata da un camion. Di conseguenza, questo incidente inaspettato lascia due cose in sospeso. In primo luogo, le condizioni di Nicolas rimangono ambigue, poiché le sue possibilità di sopravvivere al grave incidente sono incerte. Inoltre, questo lascia anche irrisolto il mistero del misterioso collaboratore di Sophie. Anche se è probabile che il padre abbia mentito a Biel per salvarsi la pelle, non sarebbe saggio escluderlo così rapidamente. Fin dall’introduzione di Sophie, la narrazione sottolinea che l’oncologa ha contatti in alto luogo. Per lo stesso motivo, è del tutto possibile che la soffiata provenga da altrove, forse anche dalle autorità stesse.
Patricia vincerà la rielezione? È guarita dal cancro?
Uno degli sfortunati effetti collaterali dell’entusiasmo di Pilar nel riferire la notizia rimane l’effetto che ha sui pazienti attuali di Sophie. Anche se la sua terapia è attualmente in fase sperimentale, è riuscita a procurarsi un certo numero di pazienti volontari, come Patricia. Per la presidente e altri come lei, la terapia era l’ultima speranza di guarigione, poiché ogni altra strada era fallita. Nel caso particolare di Patricia, la terapia sembra addirittura funzionare, quasi curandole le varie cellule tumorali presenti nel suo corpo. Tuttavia, quando Pilar denuncia Sophie, la seduta della politica non è ancora terminata.
Pertanto, una volta che Nestor si rende conto che l’arrivo delle autorità a Sorolla porterà alla chiusura del trattamento, non ha altra scelta che avvisare Patricia. Patricia ha già molto da fare, compresa la rielezione. Si dà il caso che la polizia sia pronta a fare irruzione nell’ala di ricerca di Sophie la notte dei risultati delle elezioni. Pertanto, quando Nestor cerca di accelerare le sedute della politica nel corso di un solo giorno, lei si oppone all’idea. Saltare eventi e comizi la notte della sua possibile rielezione sarebbe un incubo per la presidente, soprattutto perché da tempo mente al pubblico dicendo di essere completamente guarita dal cancro.
Per lo stesso motivo, decide di rimanere con il suo team lontano dall’ospedale mentre la serata volge al termine. Quando si rende conto che sta mettendo a rischio tutta la sua vita, sembra già troppo tardi. Anche il piano rischioso di Nestor di rubare l’ultima dose del trattamento per completare la sua sessione fallisce, poiché il laboratorio di Sophie è stato misteriosamente ripulito. Così, la fine della serata porta una realtà polarizzante per Patricia. Nonostante la natura tesa della sua campagna di rielezione, finisce per vincere, consolidando nuovamente la sua posizione di presidente. Tuttavia, nel bel mezzo dei festeggiamenti, nasconde un segreto enorme. Anche se la cura di Sophie l’ha quasi completamente guarita dal cancro, senza l’ultima seduta è destinato a ripresentarsi.
Cosa nasconde Sophie? Verrà scoperta?
Nestor rimane sospettoso nei confronti di Sophie e della sua cura fin dall’inizio, quando lei insiste costantemente per escluderlo dalla sua ricerca in nome della riservatezza. Sospetta che l’ambiguità che circonda la sua reputazione e la sua abitudine di cambiare continuamente ospedale siano chiari tentativi di nascondere una potenziale storia di cattiva condotta. Inizialmente, Patricia è d’accordo con i suoi piani investigativi. Tuttavia, cede quando Sophie riesce a dimostrare che la sua cura ha effettivamente funzionato per Ximo e che il cancro non è stato la causa della sua morte. Tuttavia, più o meno nello stesso periodo, Biel, che lavora come tirocinante nella sperimentazione di Sophie, scopre alcune prove schiaccianti contro l’oncologa.
Biel scopre che Sophie ha manomesso i dati sui sintomi e gli effetti collaterali del trattamento, modificandoli per presentarli in modo più favorevole nel programma ufficiale. Tuttavia, la rapida occhiata che il tirocinante riesce a dare non è affatto sufficiente per costituire una prova adeguata per intraprendere un’azione ufficiale. Fortunatamente, con un piccolo aiuto da parte di Pilar, riescono a simulare un codice rosso in ospedale, che fa guadagnare al medico oncologo il tempo necessario per ottenere informazioni dall’hard disk personale di Sophie. In questo modo, scoprono che, anche se Sophie sostiene che il suo trattamento ha un tasso di successo del 60%, la statistica reale è più vicina al 40%. Ciò significa che ha utilizzato dati falsificati per portare avanti la sua ricerca e convincere i pazienti a partecipare alle sperimentazioni. Di conseguenza, molti di loro, come Ximo, non sono nemmeno consapevoli delle probabilità a cui si stanno sottoponendo. Tuttavia, Nestor e Biel inizialmente hanno entrambi delle riserve sullo stop all’intero trattamento, poiché la discrepanza nelle statistiche non è astronomicamente alta. Ciononostante, Pilar prende la decisione finale. Tuttavia, nonostante le azioni intraprendenti del chirurgo, Sophie riesce comunque a svignarsela.
Cosa è successo a Lola? È sopravvissuta?
Questa stagione introduce una nuova trama romantica per l’anestesista Quique, la cui vita sentimentale è notoriamente in crisi. La sua relazione con Oscar finisce presto, in parte a causa del suo desiderio e della decisione del giovane di iniziare a curare il suo disturbo bipolare. Tuttavia, non ci vuole molto perché un nuovo uomo misterioso appaia all’orizzonte. Inizialmente, il chirurgo Jon Balanzetegui non porta altro che guai a Quique. Tuttavia, col passare del tempo, i due iniziano ad avvicinarsi. Quest’ultimo ha paura di iniziare una relazione con Jon perché lui è padre e sta divorziando. Le persistenti complicazioni relative alla custodia dei figli costringono l’altro uomo a stare lontano da scene di festa potenzialmente scandalose.
Pertanto, Jon rappresenta un nuovo tipo di pericolo per Quique. Avendo una relazione con lui, accetta una relazione più domestica, priva di sguardi rubati e appuntamenti segreti. Tuttavia, sostituirà anche i rave notturni con la colazione con il suo ragazzo e sua figlia. Nonostante tutto, questa realtà finisce per andare abbastanza bene all’anestesista. Questo fino a quando non si verifica una tragedia e la figlia di Jon, Lola, finisce al pronto soccorso. In seguito, i risultati mostrano che le sue condizioni sono state causate dall’ecstasy che aveva trovato a casa di suo padre. Naturalmente, Quique, le cui tendenze festaioli sono ben note, rimane l’unico sospettato. Alla fine, Lola riesce a sopravvivere all’incidente, superandolo, cosa che non si può dire della relazione tra Quique e Jon.
Irene partorirà? Lei e il suo bambino sopravviveranno?
Irene, la compagna di Nicolas, vive una gravidanza complicata fin dal primo trimestre. Dopo aver avuto un episodio, i medici scoprono che il feto nel suo grembo ha un tumore, che ne renderà quasi impossibile la sopravvivenza. Tuttavia, poiché lei rimane riluttante ad abortire, non hanno altra scelta che operare sia lei che il feto. L’operazione, sebbene snervante, alla fine ha successo. Tuttavia, questa non è la peggiore delle esperienze di Irene. Il giorno dei risultati delle elezioni, Nicolas riesce a convincere Biel a cenare a casa sua, un evento a cui quest’ultimo coinvolge Lucia. Tuttavia, tutti i piani per una piacevole cena vanno in fumo quando la compagna di Nicolas entra inaspettatamente in travaglio.
Anche se Irene è lontana dalla data prevista per il parto, Lucia si rende conto che non c’è modo di evitare il travaglio e che la donna dovrà semplicemente partorire il bambino prematuramente. A peggiorare le cose, i precedenti controlli hanno rivelato che il bambino è in posizione podalica. Per lo stesso motivo, la soluzione più sicura sarebbe quella di procedere con un parto cesareo. Tuttavia, data la posizione remota della casa di Nicolas, sarebbe impossibile per un’ambulanza arrivare sul posto in tempo. Alla fine, Lucia e Biel devono eseguire il parto cesareo da soli, utilizzando strumenti improvvisati e con Leo al telefono che li guida durante il processo. Nonostante le difficoltà, le loro competenze esperte assicurano la sopravvivenza sia di Irene che di suo figlio.
La serie televisiva spagnola diNetflixRespira (Breathless) offre un’esperienza avvincente ai suoi spettatori. Ambientata nell’ospedale Joaquín Sorolla di Valencia, in Spagna, i personaggi centrali si uniscono per creare un dramma medico che è allo stesso tempo accattivante e stimolante. La serie, originariamente intitolata “Respira”, segue Biel, un medico interno di un ospedale pubblico che affronta giornate frenetiche piene di cure d’emergenza e gestione delle risorse per fornire il miglior trattamento possibile ai suoi pazienti. Tuttavia, le sue sfide rivelano che la realtà è ben lontana dall’ideale.
In un sistema sanitario pubblico alle prese con la carenza di risorse, le condizioni di lavoro dei medici negli ospedali sono ben lontane da quelle che meritano. Quando arriva un paziente di alto profilo, le tensioni latenti vengono a galla. Viene annunciato uno sciopero dei professionisti del settore medico, lasciando Biel combattuto tra il sostegno alla causa e il suo impegno nei confronti dei pazienti, che secondo lui non dovrebbero soffrire a causa di queste circostanze. Creata da Carlos Montero, noto per “Elite”, la serie solleva questioni importanti e, date le crescenti crisi sociali e istituzionali, ci si potrebbe chiedere se gli eventi siano basati su una storia vera.
I creatori di Respira hanno prestato grande attenzione all’accuratezza sul set
Scritta da Carlos Montero, Carlos Ruano, Guillermo Escribano e Pablo Saiz, la serie TV di otto episodi non è basata su alcuna storia o incidente reale. Tuttavia, il team ha condotto ricerche approfondite e lavori preparatori per cogliere l’essenza del settore sanitario pubblico del Paese. Il risultato è un ambiente iperrealistico in cui personaggi di fantasia si incontrano e interagiscono. In questo modo, sono riusciti a sollevare questioni di grande rilevanza per il dibattito politico in Spagna e nel mondo.
L’ospedale Joaquín Sorolla, dove è ambientata la serie, è stato realizzato con meticolosa attenzione ai dettagli. Il set è quasi una struttura permanente, con solo alcune pareti progettate per essere mobili per facilitare le riprese. I creatori e tutti i membri del team di produzione si sono impegnati a rendere l’ospedale il più realistico possibile, prestando molta attenzione anche ai minimi dettagli. Ad esempio, i nomi sulle liste d’attesa dei pazienti, i poster alle pareti e persino le etichette sui flaconi dei medicinali sono stati creati con grande precisione. Ci sono voluti quasi sei mesi per completare il set, migliorando notevolmente l’esperienza immersiva degli spettatori.
In un’intervista, Montero ha detto di essere rimasto impressionato da ciò che era stato creato la prima volta che è entrato sul set. Tuttavia, a differenza di un ospedale perfettamente funzionante, ha notato che tutto era troppo ordinato e pulito. Durante le riprese sono stati aggiunti graffi, carrelli abbandonati, scarabocchi sui muri e altri piccoli dettagli per aumentare l’autenticità. Questi tocchi hanno reso il set più simile a un vero ospedale, conferendo alla serie un maggiore senso di realismo.
Echi delle proteste della vita reale in Respira
Inoltre, lo sciopero dei professionisti del settore medico non è raro nella storia spagnola. La prima grande protesta è avvenuta nel 2012, durante il picco della crisi finanziaria spagnola. Conosciuta come il movimento “Marea Bianca”, questa serie di manifestazioni ha visto gli operatori sanitari di tutto il paese scendere in piazza per opporsi alle misure di austerità imposte dal governo. Queste misure includevano tagli al bilancio, privatizzazione dei servizi sanitari e licenziamenti del personale, con gravi ripercussioni sulla qualità dell’assistenza. I professionisti del settore medico, vestiti con camici bianchi, hanno guidato massicce manifestazioni in città come Madrid e Barcellona, protestando contro il deterioramento del sistema sanitario pubblico.
Un’altra importante protesta medica in Spagna si è verificata nel 2018, quando i medici di base della Catalogna hanno organizzato uno sciopero di cinque giorni per chiedere migliori condizioni di lavoro e più tempo da dedicare ai pazienti. Questa protesta ha messo in evidenza la cronica carenza di personale e il sovraccarico di lavoro dei medici, che spesso erano costretti a visitare fino a 40 pazienti al giorno con poco tempo a disposizione per fornire cure di qualità. L’opinione pubblica ha ampiamente sostenuto lo sciopero, poiché molte persone erano frustrate dai lunghi tempi di attesa e dal calo degli standard nell’assistenza sanitaria di base. Le proteste hanno risposto ad anni di tagli ai finanziamenti sanitari, che avevano lasciato il sistema a corto di risorse e sovraccarico. A seguito dello sciopero, il governo catalano ha accettato di assumere più medici e ridurre il carico di pazienti, riconoscendo le questioni critiche sollevate dai manifestanti.
Pertanto, Respira non è solo un’opera creativa che esiste in modo isolato e senza contesto. Oltre al suo obiettivo di intrattenere il pubblico con un dramma ad alto rischio, sottolinea anche il potere della voce del popolo e il suo potenziale di apportare cambiamenti sostanziali. Evidenziando un incidente, anche se fittizio, la serie svolge un ruolo significativo nel fissarlo nella memoria del pubblico e nel ricordargli che il cambiamento è sempre a portata di mano.
Un nuovo film biografico su Audrey Hepburn sta attualmente cercando l’attrice perfetta per interpretare la Hepburn, ma non sarà Lily Collins, che per anni è stata considerata dai fan la candidata ideale per interpretare la defunta attrice.
Deadline ha riportato che il nuovo film biografico su Hepburn, intitolato Dinner With Audrey, ha scelto come protagonista Thomasin McKenzie, nota per i suoi ruoli in Late Night in Soho e Jojo Rabbit. Ansel Elgort apparirà al fianco della Hepburn interpretata da McKenzie nel ruolo dello stilista Hubert de Givenchy. Michael Shannon, due volte candidato all’Oscar, potrebbe partecipare al progetto.
Dinner With Audrey è diretto da Abe Sylvia, che ha al suo attivo Palm Royale,Dead to Me e The Eyes of Tammy Faye. Il film esplorerà i 40 anni di amicizia tra la Hepburn e lo stilista de Givenchy nel corso di una magica notte a Parigi. La cena ha dato il via alla loro lunga collaborazione sugli abiti più iconici della Hepburn, tra cui quelli di Colazione da Tiffany, Cenerentola a Parigi, Sciarada e Sabrina.
Kara Holden, nota per Clouds e Carrie Pibly, sta scrivendo la sceneggiatura. Ashok Amritraj e Priya Amritraj produrranno il film biografico attraverso Hyde Park insieme a Mad Chance e Wayfarer.
McKenzie reciterà nella parodia britannica Fackham Hall al fianco di Tom Felton ed è la voce narrante dell’ultimo film di Mona Fastvold, The Testament of Anne Lee, al fianco di Amanda Seyfried. Elgort è noto per The Fault in Our Stars, West Side Story e Baby Driver.
L’amicizia tra la Hepburn e de Givenchy iniziò nel 1953 e durò fino alla morte dell’attrice, avvenuta nel 1993 all’età di 63 anni a causa di un tumore all’appendice. De Givenchy descriveva spesso la defunta attrice come sua sorella e musa ispiratrice. Si incontrarono per la prima volta quando la Hepburn entrò nell’atelier parigino di Givenchy nel 1953, mentre lui stava aspettando Katharine Hepburn. La loro prima collaborazione fu il guardaroba per il suo ruolo in Sabrina.
Givenchy si ritirò dalla moda nel 1995 e pubblicò un libro con bozzetti di moda intitolato To Audrey with Love, che fu poi oggetto di una mostra nel 2016. Lo stilista francese morì all’età di 91 anni nel 2018.
Molti hanno spesso immaginato Collins nei panni della Hepburn per via delle loro somiglianze fisiche, e la Collins rende spesso omaggio allo stile unico e iconico della Hepburn nella sua ultima serie Netflix, Emily in Paris. Tuttavia, la McKenzie ha un tono di voce morbido e lineamenti simili a quelli della Hepburn e ha offerto interpretazioni crude ed emozionanti nei suoi ultimi ruoli, che possono essere paragonati a quelli della Hepburn.
La CBS ha fatto centro con la sua esilarante sitcom The Neighborhood, che ora tornerà per la sua ottava e ultima stagione. Creata per il piccolo schermo da Jim Reynolds (e debuttata nel 2018), la serie segue la famiglia Johnson, bianca e originaria del Midwest, che si trasferisce in un quartiere prevalentemente nero di Los Angeles. Sebbene la famiglia, eccessivamente cordiale, susciti qualche malumore, stringe un’insolita amicizia con i vicini, i Butler. La sitcom tocca molti temi familiari relativi allo scontro culturale già affrontati in programmi precedenti, ma lo fa con un senso dell’umorismo moderno e aperto.
Le migliori sitcom di tutti i tempi in genere si allontanano dalle trame più attuali, ma The Neighborhood non ha mai avuto paura di affrontare temi scottanti senza alienare il pubblico. Gli spettatori hanno visto le famiglie Johnson e Butler crescere e cambiare insieme nel corso dei quasi dieci anni di durata dello show, e questo tipo di continuità lo ha reso uno dei gioielli della corona della CBS. Purtroppo, The Neighborhood sta iniziando a concludere la sua impressionante permanenza in onda. Anche se la CBS ha rinnovato lo show per l’ottava stagione, questa sarà anche l’ultima.
Ultime notizie su The Neighborhood – Stagione 8
La CBS rinnova e cancella The Neighborhood
Con la rete in uno stato di cambiamento, le ultime notizie confermano che la CBS ha rinnovato e cancellato The Neighborhood. Con una doppia mossa, la CBS ha deciso di riportare le famiglie Butler e Johnson per un’ottava stagione, annunciando al contempo che la stagione 8 sarà l’ultima per The Neighborhood. Questo annuncio arriva in mezzo a una serie di altre cancellazioni alla CBS, e la rete ha già eliminato FBI: International, FBI: Most Wanted e, forse la più controversa di tutte, S.W.A.T.con Shemar Moore.
La CBS aveva precedentemente ordinato uno spin-off di The Neighborhood con Sheaun McKinney e Marcel Spears, che avrebbe dovuto debuttare durante la stagione televisiva 2025-2026. Tuttavia, la rete ha infine deciso di non portare avanti il progetto.
L’ottava stagione di The Neighborhood è confermata come l’ultima
Ritorno a The Neighborhood un’ultima volta
Anche se The Neighborhood è diventata una delle sitcom più popolari della TV generalista odierna, il suo futuro non è mai stato certo alla CBS. Alla fine, la rete ha deciso di rinnovare lo show nel marzo 2025. Tuttavia, con l’avvertenza che l’ottava stagione di The Neighborhood sarebbe stata l’ultima della serie originale. Durante i suoi quasi dieci anni di programmazione, The Neighborhood è stato un successo costante per la CBS, ma tra una serie di cancellazioni, è chiaro che la rete è in uno stato di cambiamento.
The Neighborhood è stato un appuntamento fisso dell’autunno sin dalla sua prima messa in onda, e non c’è motivo per cui l’ottava e ultima stagione non debba seguire lo stesso programma.
Poiché l’ordine di rinnovo è ancora recente, ci sono pochi dettagli sulla prossima stagione finale della serie. La maggior parte delle informazioni sono semplicemente supposizioni e ipotesi plausibili a questo punto. Tuttavia, dato che la CBS sta cercando di eliminare The Neighborhood dal suo palinsesto futuro, la sitcom probabilmente debutterà nell’autunno del 2025. Come la maggior parte dei programmi televisivi, The Neighborhood è stato un appuntamento fisso autunnale sin dalla sua prima messa in onda, e non c’è motivo per cui l’ottava e ultima stagione non debba seguire lo stesso programma.
Dettagli sul cast dell’ottava stagione di The Neighborhood
I Johnson e i Butler torneranno
Le sitcom si affidano alla coerenza del loro cast per garantire continuità da una stagione all’altra, e il legame tra i Johnson e i Butler è il vero cuore di The Neighborhood. Pertanto, non ci saranno grandi cambiamenti nell’ottava stagione e Cedric the Entertainer tornerà ancora una volta a interpretare il burbero ma adorabile Calvin Butler. Ad affiancarlo ci sarà il suo vicino, Dave Johnson (interpretato da Max Greenfield), con cui non sempre va d’accordo. Tichina Arnold tornerà nei panni della molto più comprensiva Tina, moglie di Calvin, mentre Beth Behrs riprenderà il ruolo di Gemma, moglie di Dave.
Anche il resto delle famiglie Johnson e Butler dovrebbe tornare, compreso il giovane Hank Greenspan nei panni di Grover Johnson, il precoce ragazzino. Anche i figli di Calvin e Tina, Marty (il più giovane, interpretato da Marcel Spears) e Malcolm (il più grande, interpretato da Sheaun McKinney), torneranno come personaggi fissi della serie, vista la cancellazione dello spin-off The Neighborhood. Anche Courtney, interpretata da Skye Townsend, è diventata parte integrante della trama da quando ha avuto un bambino con Marty nella sesta stagione.
Dettagli sulla trama dell’ottava stagione di The Neighborhood
Le famiglie Butler e Johnson crescono insieme
È impossibile prevedere esattamente cosa accadrà nella stagione 8 di The Neighborhood, dato che la serie segue ogni anno una formula sitcom molto familiare. Molti episodi contengono solitamente una storia autonoma che esplora un conflitto che viene tipicamente risolto entro la fine. Tuttavia, alcune cose si protrarranno nel futuro, tra cui il percorso genitoriale di Marty e Courtney. Inoltre, dovrebbe entrare in gioco la lotta dei Johnson con Grover che diventa adolescente e Calvin e Tina che diventano genitori con figli ormai grandi.
Durante un’intervista con TV Insider dopo il finale della settima stagione di The Neighborhood, Cedric the Entertainer ha anticipato qualcosa sugli episodi finali della serie. Ha detto: “Non sappiamo esattamente dove andrà a parare la nostra serie, ma per me un buon finale di serie ti dà sempre qualcosa da cui trarre ispirazione, che possa accadere o meno, ma alla fine tutti i tuoi eroi hanno un finale da eroi”.
Gli eventi del finale della settima stagione di The Neighborhood avranno anche un profondo effetto sui prossimi episodi. Durante il finale in due parti, Marty e Malcolm si trasferiscono in una nuova casa a Venice Beach. L’uscita di scena dei due personaggi dalla casa dei genitori avrebbe dovuto preparare il terreno per lo scartato spin-off di Marty e Malcolm di The Neighborhood, ma ora che la CBS non porterà avanti lo show, l’ottava stagione incorporerà le loro nuove avventure. Come sempre, però, lo scontro culturale tra le famiglie sarà il cuore di The Neighborhood, che dovrebbe risultare veritiero nella stagione 8.
Jared Leto ha debuttato nei panni del Joker nel film Suicide Squad del 2016, e qualcosa di curioso è successo con la sua interpretazione. Prima dell’uscita del film, c’era molta eccitazione intorno alla sua scelta per il ruolo. Poi, è stata rilasciata una prima immagine del personaggio e le aspettative nei suoi confronti sono radicalmente cambiate. Ma il peggio doveva ancora arrivare. Il film è stato universalmente disapprovato al momento dell’uscita, e una delle critiche più grandi riguardava proprio il Joker di Leto.
Il film è poi rimasto l’unica incursione dell’attore nell’universo DC per alcuni anni, al punto che sembrava destinato a essere l’ultima. Tuttavia, le cose sono cambiate quando Zack Snyder è stato richiamato dalla Warner Bros. per completare la sua versione di Justice League. Con una mossa a sorpresa, Leto è tornato nei panni del Principe Clown del Crimine per una sequenza post-apocalittica.
Alla fine, la Zack Snyder’s Justice League sarebbe diventata l’ultimo film in cui abbiamo visto il personaggio. Tuttavia, sempre grazie a Snyder, ora abbiamo una nuova immagine del personaggio con un look completamente nuovo. Continuando la sua tendenza a condividere immagini dei progetti DC passati, il regista ha infatti pubblicato questa foto inquietante del Joker di Leto.
Il post era accompagnato dalla didascalia: “Obiettivo 50 mm Dream Leica monocromatico”. Sebbene breve, il suo ritorno nei panni del Joker nella Justice League rielaborata ha permesso al cattivo di Leto di interagire con il Batman di Ben Affleck sullo schermo per la prima volta nel DCEU (anche se gli attori hanno girato le loro scene separatamente). Ad ogni modo, l’immagine ci mostra un Joker potenzialmente pronto allo scontro, cosa che purtroppo non abbiamo avuto modo di vedere nel DCEU.
Diane Ladd è morta all’età di 89 anni. Nata il 29 novembre 1935 a Laurel, nel Mississippi, Ladd è stata candidata tre volte all’Oscar come migliore attrice non protagonista per le sue interpretazioni in Alice non abita più qui (1974) di Martin Scorsese, Cuore selvaggio (1990) di David Lynch e Rambling Rose (1991), con quest’ultimo che l’ha vista recitare insieme alla figlia Laura Dern.
In una dichiarazione rilasciata a The Hollywood Reporter, Laura Dern ha condiviso la notizia della morte di sua madre Diane Ladd. “La mia straordinaria eroina e il mio dono più grande, mia madre Diane Ladd, è venuta a mancare questa mattina, con me al suo fianco, nella sua casa di Ojai, in California. Era la figlia, la madre, la nonna, l’attrice, l’artista e lo spirito empatico più straordinari che solo i sogni avrebbero potuto creare. Siamo stati fortunati ad averla. Ora sta volando con i suoi angeli”.
Diane Ladd era una classica bellezza del sud e un’attrice vivace, nota per le sue interpretazioni intense che combinavano forza, vulnerabilità, umorismo e fascino. Il ruolo che le ha dato la notorietà, quello di Flo, la cameriera dalla lingua tagliente e dai capelli voluminosi in Alice non abita più qui, ha messo perfettamente in mostra il suo talento. Quel film ha segnato anche il debutto di sua figlia Laura Dern, che appare brevemente nella scena finale mentre mangia un cono gelato in una tavola calda all’età di 7 anni.
Il talento di Ladd per l’improvvisazione l’ha aiutata a ottenere il ruolo di Marietta Fortune, la madre autoritaria ed emotivamente segnata di Lula (interpretata sempre da Laura Dern), in Cuore selvaggio. Madre e figlia si sono poi riunite sullo schermo l’anno successivo in Rambling Rose, in cui Ladd interpretava un’eccentrica matriarca del Sud la cui famiglia viene gettata nel caos quando la tormentata Rose (interpretata da Dern) diventa la loro domestica. Anche Dern ha ricevuto una nomination all’Oscar per la sua interpretazione.
Ladd ha incontrato il suo ex marito, l’attore Bruce Dern, in una produzione off-Broadway nel 1958. I due si sono sposati nel 1960 e Ladd ha debuttato al cinema al fianco di lui in The Wild Angels (1966). Ladd ha dato alla luce la loro figlia, Laura Dern, nel 1967, e i due hanno divorziato nel 1969. Tra i film interpretati da Diane Ladd figurano anche Chinatown(1974), Something Wicked This Way Comes (1983), National Lampoon’s Christmas Vacation (1989), Primary Colors (1998) e, più recentemente, Joy(2015).
Tracker stagione 3, episodio 3, “First Fire”, segna la fine di un’era per la serie di successo di Justin Hartley. In testa alla programmazione della CBS per il 2025-2026, la serie procedurale basata sul romanzo “The Never Game” ha riscosso un enorme successo sin dal suo debutto nel febbraio 2024. È impressionante come sia riuscito a mantenere il suo posto come programma televisivo numero 1 nonostante la forte concorrenza di serie consolidate e programmi più recenti.
Aprendo la Tracker – stagione 3 con uno speciale di due episodi, la serie di Hartley ha immediatamente chiarito che non ha intenzione di rallentare il ritmo. Dopo non essere tornato per un’altra apparizione nella seconda stagione, Jensen Ackles ha ottenuto un ruolo più importante, apparendo nei primi due episodi di quest’anno. Tuttavia, man mano che le cose iniziano a stabilizzarsi in “First Fire”, i cambiamenti in Tracker diventano più evidenti, portando alla fine definitiva della sua serie originale.
Tracker Stagione 3, Episodio 3 Completa il Rinnovamento della Squadra di Colter Shaw
Prima del suo ritorno in prima serata, è stato annunciato che Abby McEnany ed Eric Graise non sarebbero tornati nei panni di Velma e Bobby nella terza stagione di Tracker. Francamente, non è ancora chiaro perché siano stati eliminati dalla serie, soprattutto perché entrambi hanno fatto parte della squadra di Colter fin dall’inizio come suoi assistenti e supporto tecnico/informativo. In precedenza, Tracker aveva già perso Robin Weigert nel ruolo di Teddi.
Randy ha effettivamente assunto il ruolo di Bobby in Tracker. Infatti, ha persino stabilito un legame con Reenie trasferendosi nel suo ufficio. Non ci sono stati indizi che lo show stia cercando di sostituire anche Velma; lo show non ha portato nessuno a riempire il posto lasciato libero da Teddi. La situazione cambia, tuttavia, nella terza stagione di Tracker, episodio 3, con l’assunzione di Mel. Lei svolgerà essenzialmente il lavoro che Velma svolgeva sia per Reenie che per Colter. Se rimarrà nel suo posto di lavoro, tuttavia, è tutta un’altra storia.
Vale la pena notare che, sebbene Reenie sia ancora in Tracker, non ha mai fatto parte della squadra di Colter sin dall’inizio. Inizialmente, appariva solo quando c’era un intoppo legale nella missione. Da allora, però, il suo ruolo si è ampliato. Ma per quanto riguarda il vero sistema di supporto di Colter, tutti i suoi membri sono già stati sostituiti, segnando così la fine di un’era per Tracker.
Velma, Teddi e Bobby torneranno mai in Tracker?
Nessuno dei personaggi usciti da Tracker ha avuto un addio adeguato. La loro uscita di scena è avvenuta fuori dallo schermo, con la loro sorte spiegata successivamente attraverso scene espositive. A quanto pare, Bobby ha accettato un lavoro redditizio in una start-up tecnologica, mentre Velma si è riunita con Teddi. Pragmaticamente, tutti i personaggi hanno avuto un’uscita di scena felice e, dato che nessuno di loro è morto, possono essere facilmente reinseriti nella serie.
Il loro ritorno dipende ora dagli sceneggiatori di Tracker, che devono decidere se c’è una valida ragione narrativa per la loro ricomparsa. Naturalmente, dipende anche dalla disponibilità degli attori a riprendere i loro ruoli, ma ci deve essere una giustificazione narrativa per il loro ritorno. Sarebbe irrispettoso riportarli in Tracker per un cameo forzato.
Il futuro della serie The Expendables è stato confermato dopo lo scarso successo di Expend4blesnel 2023. ConSylvester Stallone nel ruolo principale, questa serie d’azione con un cast stellare è iniziata nel 2010, ma l’accoglienza riservata all’ultimo film ha sollevato grandi interrogativi sul suo futuro.
Due anni dopo, Lionsgate ha annunciato di aver acquisito i diritti del franchise Expendables da Millennium Media. Questo accordo conferisce allo studio, che ha distribuito i quattro film del franchise in Nord America e nel Regno Unito, i diritti per sviluppare e produrre tutti i futuri film, programmi TV e videogiochi di quell’universo.
L’accordo tra Lionsgate e Millennium Media include anche i diritti di distribuzione globale del prossimo film prequel di Rambo, John Rambo. Noah Centineo è attualmente in fase di trattative finali per interpretare il ruolo principale precedentemente interpretato da Stallone. Lionsgate è anche diventata lo studio principale e partner di produzione di tutti i futuri film di Rambo.
Il COO di Lionsgate, Brian Goldsmith, ha rilasciato la seguente dichiarazione sull’accordo, esprimendo entusiasmo per il futuro delle serie Expendables e Rambo:
“Questo accordo amplia il portafoglio di Lionsgate di franchise d’azione che definiscono il genere e rafforza il nostro impegno a fornire IP di livello mondiale su più piattaforme. Siamo entusiasti di reimmaginare sia The Expendables che Rambo al cinema e in televisione e, con John Rambo, stiamo riunendo un team creativo audace per reinventare un personaggio classico per una nuova generazione di fan”.
Anche il presidente della Millennium Media, Jonathan Yunger, ha rilasciato una dichiarazione, elogiando Lionsgate come partner forte per il futuro di queste due proprietà:
“Abbiamo sempre creduto nel potere duraturo di questi franchise, e questa partnership offre loro la portata, il supporto creativo e la diffusione globale che meritano. La solida esperienza di Lionsgate con le principali proprietà d’azione la rende il partner ideale per contribuire a plasmare i prossimi capitoli di The Expendables e Rambo”.
L’annuncio include la conferma che Jalmari Helander (Sisu) dirigerà John Rambo e che le riprese del progetto inizieranno il prossimo anno in Thailandia.
Per quanto riguarda il franchise di The Expendables, l’accordo è un segno che questa proprietà intellettuale non è ancora morta. Dopo il successo commerciale dei primi tre film, con The Expendables 2 (2012) che ha segnato il record del franchise con 314 milioni di dollari incassati in tutto il mondo, il quarto capitolo ha fatto registrare un crollo con soli 51 milioni di dollari. Con un budget stimato di 100 milioni di dollari, il film è stato un fallimento significativo.
Dopo aver recitato in tutti e tre i film precedenti, il personaggio di Stallone, Barney Ross, passa in secondo piano in The Expendables 4, che doveva servire da passaggio di testimone a una generazione più giovane di star d’azione, tra cui Jason Statham e Megan Fox. Il punteggio del 14% su Rotten Tomatoes, insieme al risultato al botteghino, suggerisce che il film sia stato ampiamente rifiutato dal pubblico.
La domanda principale che si pone per i film futuri è se riporteranno attori come Stallone, Statham, Fox, 50 Cent, Dolph Lundgren e Iko Uwais, tra gli altri, o se ricominceranno da zero con un nuovo cast di star. Data la reazione a Expend4bles, la seconda ipotesi sembra più probabile, ma Statham rimane una star di successo, grazie a film come The Meg (2018) e The Beekeeper (2024).
Invece di tornare sul grande schermo, è certamente possibile che il franchise faccia prima un tentativo sul piccolo schermo, il che sarebbe un interessante test dell’appeal dell’IP su diversi media. Resta da vedere cosa riserva il futuro a The Expendables, ma il franchise, proprio come Barney Ross di Stallone, è evidentemente difficile da uccidere.
Il finale della prima stagione di One Piecedi Netflix è tutt’altro che definitivo, con molti misteri da risolvere, capitoli da adattare e mari da esplorare per Monkey D. Rufy. Seguendo lo stesso formato dell’iconica serie anime e manga di Eiichiro Oda, la prima stagione di One Piece comprendeva una serie di brevi archi narrativi che introducevano i primi cinque membri dei Pirati di Cappello di Paglia al cast live-action di One Piece. Questa saga iniziale è culminata in una battaglia per la libertà di Nami contro i temibili pirati di Arlong dell’East Blue. Spinto dalla rabbia per la crudeltà dell’uomo-pesce, Rufy ha scatenato le sue tecniche Gum Gum più letali per sconfiggere Arlong e distruggere il suo quartier generale, un parco acquatico. Il villaggio di Nami ha finalmente assaporato la libertà.
Il finale di One Piece ha poi visto Rufy confrontarsi con la trama secondaria, ovvero suo nonno, Monkey D. Garp. Piuttosto che arrestare suo nipote per pirateria, il pestaggio di Garp si è rivelato essere una prova per assicurarsi che il pirata alle prime armi fosse pronto per i pericoli della Rotta Maggiore. Soddisfatto della convinzione di Rufy, Garp ha permesso ai Cappelli di Paglia di salpare, con il quintetto che ha consolidato il proprio status di vera ciurma pirata tramite il cerimoniale calcio al barile. Inevitabilmente, il pericolo è in agguato, poiché il finale della stagione 1 di One Piece rivela nuove minacce in attesa di Rufy Cappello di Paglia nella stagione 2.
Chi è l’uomo misterioso nel finale della prima stagione di One Piece
One Piece La prima stagione si conclude con un’immagine di una figura misteriosa che brucia il poster di Monkey D. Rufy con un sigaro acceso. I capelli chiari e la propensione al tabacco confermano che questo nuovo personaggio live-action è il capitano Smoker, un marine particolarmente potente il cui Frutto del Diavolo gli permette di trasformare il suo corpo in puro fumo, rendendo inefficaci i pugni di Rufy. Un giovane Smoker può essere effettivamente individuato all’inizio della stagione di debutto di One Piece, mentre assiste all’esecuzione di Gold Roger durante il flashback iniziale. Il personaggio è molto simile a Garp dal punto di vista morale. Smoker detesta i pirati e li dà la caccia con tenacia, ma non è corrotto o malvagio come Morgan o l’ufficiale che Arlong pagava.
L’introduzione di Smoker suggerisce che la prima location della One Piece – stagione 2 sarà Loguetown, il luogo nell’East Blue dove Gold Roger è stato giustiziato. Quest’isola è l’ultima tappa prima che i pirati si uniscano alla Grand Line, e Smoker è il capitano della base locale della Marina, che schiaccia i sogni di molti equipaggi di raggiungere il leggendario oceano prima ancora che lo raggiungano. Questo è il motivo per cui Smoker viene mostrato mentre brucia il poster di Rufy nel finale della One Piece stagione 1. Non c’è alcun legame personale tra i due, ma la rapida ascesa di Rufy a pirata più ricercato dell’East Blue è qualcosa che Smoker trova particolarmente irritante.
Sebbene l’inseguimento di Rufy da parte del viceammiraglio Garp durante la prima stagione di One Piece fosse solo un modo per mettere alla prova il suo coraggio prima della fase successiva della sua avventura, Garp ride stranamente quando si rende conto che la determinazione di Rufy a diventare il Re dei Pirati è incrollabile. Questa reazione inaspettata è dovuta al fatto che, in quel preciso momento, Rufy ricorda a suo nonno Gold Roger, il precedente Re dei Pirati.
Roger viene mostrato mentre ride quando Garp assiste alla sua esecuzione nel flashback introduttivo di One Piece e, come rivelato dalla storia originale dell’anime e del manga, i due erano in realtà amici, nonostante fossero su fronti opposti della legge.
Quando Garp tiene Luffy per il collo e suo nipote ride mentre ribadisce il suo desiderio di trovare il tesoro di One Piece, il viceammiraglio ricorda immediatamente il suo defunto amico pirata. Questa consapevolezza si ricollega al commento di Dracule Mihawk a Garp all’inizio della stagione 1 di One Piece, in cui il Warlord sottolineava una strana somiglianza tra Rufy e Roger. Gli spettatori che hanno visto solo la versione live-action potrebbero essere perdonati se pensassero che Roger sia in realtà il padre di Rufy e, quindi, il figlio di Garp. Non è così, ma i personaggi provengono dallo stesso antico clan.
Dove stanno andando ora i Pirati di Cappello di Paglia?
L’introduzione del Capitano Smoker suggerisce fortemente che la seconda stagione di One Piece inizierà a Loguetown, ma il finale della prima stagione ha già preparato il terreno per l’arrivo della Going Merry alla Grand Line. Quando Nami è confusa dalla sua mappa che sembra indicare un fiume che scorre su una montagna nelle scene finali di One Piece, lei preannuncia la famosa Reverse Mountain. Nami presume che si tratti di un errore sulla mappa, ma Reverse Mountain sarà un momento importante nella seconda stagione di One Piece e la pietra miliare in cui la serie Netflix lascerà alle spalle East Blue per spostarsi esclusivamente sulla Grand Line.
Per quanto riguarda ciò che attende dall’altra parte di Reverse Mountain, One Piece di Netflix ha già fatto diversi riferimenti espliciti a una losca organizzazione nota come Baroque Works. I suoi membri saranno i principali antagonisti della seconda stagione di One Piece e, rompendo l’attuale formula episodica della serie, Baroque Works fornirà una trama generale a lungo termine che culminerà con la comparsa di un secondo Warlord of the Sea. Al momento della stesura di questo articolo, Netflix non ha confermato che la seconda stagione di One Piece andrà avanti, ma la prima stagione getta comunque basi significative per le storie future.
Perché Rufy ha una taglia (e perché gli altri Cappelli di Paglia no)
Il Governo Mondiale assegna le taglie in base a quanto considera pericoloso un pirata, e Rufy conclude la stagione 1 di One Piece con un’enorme taglia di 30.000.000 di berry sulla sua testa, nonostante abbia preso di mira solo criminali e altri pirati. Questo perché il Governo Mondiale considera i Pirati di Cappello di Paglia un pericolo per la pace e l’ordine, piuttosto che un pericolo per i cittadini. Sconfiggendo Arlong, il precedente detentore della taglia più alta dell’East Blue, Rufy si vede automaticamente assegnata una taglia più alta. Pertanto, il sistema di taglie di One Piece funziona in linea di massima come un modo per classificare la forza dei pirati, anche se tale confronto non è sempre accurato.
Rufy è l’unico pirata di Cappello di Paglia a ricevere una taglia perché, francamente, gli altri non sono ancora considerati abbastanza importanti dal Governo Mondiale. In qualità di capitano della ciurma, nonché responsabile dell’abbattimento di Arlong, Rufy è l’unico Cappello di Paglia che il Governo Mondiale è attualmente interessato a catturare. Man mano che la notorietà della ciurma aumenterà, la situazione cambierà e tutti i nakama di Rufy finiranno per ricevere a loro volta ingenti taglie.
Arlong è morto dopo la fine della prima stagione di One Piece?
One Piece La fine della prima stagione non chiarisce direttamente cosa succede ad Arlong dopo che Rufy lo sconfigge. Il pirata uomo-pesce viene sepolto sotto le macerie della sua ex casa e solo Rufy emerge. Il viceammiraglio Garp ordina ai suoi marines di dare la caccia ai pirati rimasti che sono fuggiti durante l’attacco dei Cappelli di Paglia, ma questi momenti conclusivi non fanno alcun riferimento ad Arlong. Sebbene Arlong non sia mai tornato fisicamente nel manga One Piece dopo la sua sconfitta, il materiale originale di Eiichiro Oda ha confermato verbalmente che il cattivo è sopravvissuto alla brutale Gum Gum Battleaxe di Rufy.
Lo stesso vale probabilmente per la serie TV One Piece di Netflix, anche se il tono un po’ più cupo e l’approccio più maturo fanno sì che non sia assurdo supporre che Arlong sia stato schiacciato a morte. In entrambi i casi, è altamente improbabile che il cattivo ritorni nella seconda stagione di One Piece. Con molti nuovi nemici da introdurre e nessun precedente per il suo ritorno nel materiale originale, la storia di Arlong sembra conclusa in One Piece.
Cosa significa il nuovo tatuaggio di Nami
Come rivelato in One Piece durante la stagione 1, l’ingresso di Nami nella ciurma dei Pirati di Arlong ha significato per lei l’obbligo di farsi tatuare il simbolo di Arlong sul braccio. Dopo la sconfitta di Arlong, il tatuaggio di Nami è stato modificato, sostituendo la bandiera di Arlong con un disegno meno offensivo. La nuova body art di Nami simboleggia la sua ritrovata libertà dal controllo di Arlong, ma l’immagine del tatuaggio, una girandola combinata con un’arancia, ha un significato ancora più profondo. Nel manga originale, la girandola era un giocattolo regalato a Nami da bambina dal capo del suo villaggio, Genzo, mentre i mandarini erano coltivati come specialità dalla madre adottiva di Nami, Bell-mère.
Nella storia di Netflix, il tatuaggio è un omaggio più generico al villaggio natale di Nami. L’immagine del mandarino rappresenta sia Bell-mère, che coltivava i frutti, sia il villaggio di Coco nel suo complesso, dove sono una specialità locale. I flashback di One Piece di Netflix mostrano Bell-mère che regala a Nami una girandola fatta con la buccia di mandarino, che probabilmente ha ispirato l’elemento della girandola nel nuovo tatuaggio di Nami. Stranamente, però, i flashback mostrano anche il giovane Genzo con una girandola nel cappello, la stessa che regala a Nami nell’anime. Genzo non viene mai mostrato mentre le consegna il giocattolo, quindi il capo del villaggio non ha alcun legame con il tatuaggio ridisegnato di Nami nella versione live-action.
Come Mihawk e Shanks si conoscono
In una scena finale di festa, il finale della stagione 1 di One Piece mostra Shanks il Rosso e la sua ciurma di pirati ai giorni nostri, che brindano allegramente alla prima taglia su Monkey D. Rufy. Stranamente, a loro si unisce Dracule Mihawk, un ufficiale Warlord of the Sea al servizio del Governo Mondiale. Tecnicamente parlando, Mihawk non dovrebbe bere così cordialmente con un pirata del calibro di Shanks. La conversazione tra i due trasuda familiarità, dando l’impressione di una rivalità amichevole che si è protratta nel corso degli anni. La natura completa del rapporto tra Shanks e Mihawk – ammesso che ce ne sia uno al di là delle occasionali scaramucce in mare – deve ancora essere rivelata, anche nel manga One Piece.
Buggy e Alvida stanno formando una squadra?
One Piece La prima stagione si conclude mostrando le reazioni dei vari amici e nemici di Rufy al suo nuovo manifesto di ricercato, e una delle reazioni meno entusiastiche proviene da un cupo Buggy il Clown, ora tornato dalla sua temporanea alleanza con i Pirati di Cappello di Paglia. Lamentandosi del suo nemico elastico, Buggy trova un’anima gemella in Alvida, l’originale capitano di Koby e la pirata che Rufy ha scaraventato in mare durante l’episodio iniziale. Questa scena suggerisce fortemente un’alleanza tra questi due avversari di basso livello nella seconda stagione di One Piece, e questa teoria è supportata dall’anime e dal manga originali, in cui Buggy e Alvida recitano entrambi nell’arco narrativo di Loguetown di One Piece al fianco del capitano Smoker.
È interessante notare che la collaborazione tra Buggy e Alvida in One Piece ha importanti ripercussioni che vanno oltre la sola seconda stagione. Buggy è un personaggio significativo anche nei capitoli attuali del manga, e Alvida rimane parte del suo equipaggio, anche se non ha un ruolo di primo piano. Resta da vedere se la versione di Netflix arriverà a quel punto, ma il finale della prima stagione di One Piece non nasconde nulla nella definizione delle trame future.
“Golden” è il suono perfetto di una canzone pop, ma non è il brano che meglio cattura il messaggio di KPop Demon Hunters. Questo fine settimana sono andato a una proiezione con karaoke di KPop Demon Hunters (Netflix ha riportato il film nelle sale per Halloween, due mesi dopo una distribuzione già storica), che mi ha permesso di rivedere il film con un pubblico che conosceva ogni canzone a memoria.
Da tutti che urlavano “Fit check for my Napalm era” durante “How It’s Done” all’intero cinema che muoveva le spalle al ritornello di “Soda Pop”, è incredibile quanto KPop Demon Hunters abbia risuonato con persone di tutte le età. Ma mentre tutte le canzoni del film sono orecchiabili e si collegano alla storia in modo intelligente, “Golden” è il campione indiscusso quando si tratta di popolarità.
Dopo che “Golden” ha raggiunto il primo posto nella Billboard Global 200, è diventato chiaro che anche HUNTR/X stavano salendo, salendo, salendo nel nostro mondo. La canzone è diventata il simbolo di KPop Demon Hunters, con le voci di Rumi, Mira e Zoey che l’hanno persino eseguita dal vivo al The Tonight Show. Tuttavia, per quanto “Golden” sia fantastica ed emozionante, c’è un’altra canzone degli HUNTR/X che merita lo stesso amore.
“What It Sounds Like” è il vero cuore dei KPop Demon Hunters
Se ‘Golden’ è la canzone che avrebbe suggellato l’Honmoon, “What It Sounds Like” è la canzone che ha creato la nuova versione migliorata di cui parlava Rumi. In “Golden”, Rumi canta di lasciarsi alle spalle gli schemi e diventare la ragazza che tutti vedono. Nel contesto della storia, “Golden” non è mai stata una canzone sull’accettazione.
Si può sentire la voce di Celine nelle parole di ‘Golden’: Rumi, Mira e Zoey sono cacciatrici, hanno voci forti e i loro difetti e le loro paure non devono mai essere visti. Le ragazze dovevano essere perfette, anche se questo significava non affrontare mai i propri demoni. È solo in “What It Sounds Like” che finalmente sentiamo le loro vere voci. È la canzone che non sono riuscite a scrivere, dopotutto.
“What It Sounds Like” è un’esperienza catartica, sia per il pubblico che per le Huntrix. Rumi ha passato tutta la sua vita pensando che ci fosse qualcosa di sbagliato in lei che doveva essere corretto. Ma in “What It Sounds Like” finalmente vede la bellezza nel vetro rotto. Anche Mira e Zoey accettano chi sono, indipendentemente dai loro difetti.
Ammetto che “What It Sounds Like” non è la canzone più commerciale, soprattutto se paragonata a ‘Golden’ o “Soda Pop”. A differenza di queste due, “What It Sounds Like” funziona solo nel contesto del film. Il testo e la melodia sono direttamente legati a ciò che accade sullo schermo, e la canzone perde il suo impatto senza momenti visivi chiave come l’abbraccio di gruppo o il sacrificio di Jinu.
“Golden” è diventata più grande di KPop Demon Hunters
Anche se mi sarebbe piaciuto vedere “What It Sounds Like” diventare un successo ancora più grande, ‘Golden’ merita assolutamente il suo successo. Nonostante la dolceamarezza del testo, “Golden” è una bellissima canzone che parla di trovare la forza di tracciare la propria strada, indipendentemente dal proprio passato o dalle avversità che si sono affrontate.
EJAE, che ha co-scritto la canzone e ha prestato la sua voce a Rumi, ha parlato di quanto “Golden” sia speciale e personale per lei. Con “Golden”, l’ex tirocinante K-pop ha trasformato alcune delle sue difficoltà in un inno che ora sta raggiungendo persone di tutto il mondo.
Anche se Rumi, come personaggio, aveva bisogno di crescere oltre il messaggio di “Golden” nella storia, il testo della canzone non potrebbe essere più stimolante. ‘Golden’ è per KPop Demon Hunters ciò che “Let It Go” è per Frozen: una canzone che forse non definisce completamente il personaggio principale, ma con cui il film sarà per sempre associato.
La seconda stagione dell’adattamento live-action di One Piece di Netflix è in arrivo e ci sono già molte notizie sul cast, sulla trama e sulla data di uscita per quanto riguarda il futuro di Rufy e dei Pirati di Cappello di Paglia. Basato sul manga e sull’anime One Piece, lo show live-action di Netflix racconta la storia di Monkey D. Rufy e della sua ciurma, i Pirati di Cappello di Paglia. Nella prima stagione, Rufy ha riunito la banda, nonostante l’iniziale esitazione di Zoro e Nami, e si è messo alla ricerca del tesoro di Gold Roger, il One Piece, sulla Grand Line.
Poiché è basata sul manga e sull’anime di Eiichiro Oda, c’è già molto da discutere sulla prossima stagione di One Piece su Netflix. La seconda stagione live-action di One Piece seguirebbe gli eventi della prima, che copriva la saga East Blue del manga. Monkey D. Rufy ha giurato di diventare un grande pirata e, alla fine della One Piece – stagione 1, è sulla buona strada per raggiungere i suoi obiettivi, ottenendo il suo poster da ricercato, la sua nave e il suo equipaggio. La One Piece stagione 2 segue l’arco narrativo successivo del manga e dell’anime, la saga di Arabasta, mostrando le prime tappe del viaggio dei Pirati di Cappello di Paglia verso la Grand Line.
Notizie recenti su One Piece – Stagione 3
Un nuovo teaser rivela l’arrivo di Tashigi
A distanza di mesi dalla scelta dell’attrice per interpretare il ruolo, arrivano le ultime notizie sotto forma di un teaser sul personaggio di Julia Rehwald, Tashigi. L’account ufficiale One Piecesu Netflix su X (ex Twitter) ha condiviso un breve video in cui Rehwald risponde a domande su se stessa e su Tashigi, oltre che sul processo di ripresa della seconda stagione. Il video scherzoso non rivela molto sui prossimi episodi, ma è chiaro che, come nell’anime, Tashigi avrà un ruolo importante nella nuova stagione.
La serie live-action di Netflix One Piece è stata rinnovata per la seconda stagione
Presto arriverà ancora più follia con i Cappelli di Paglia
Netflix ha rinnovato One Piece per la seconda stagione. La conferma è arrivata nel settembre 2023, due settimane dopo la prima della serie. Il rinnovo di Netflix One Piece per un’altra stagione non è stato una sorpresa, anche se la notizia è stata comunque accolta con grande entusiasmo. One Piece ha ricevuto recensioni incredibilmente positive ed è stato un successo tra gli abbonati, ottenendo l’82% su Rotten Tomatoes dai critici e un punteggio ancora più alto, pari al 94%, dal pubblico. Con l’enorme successo della serie, sembra che Netflix abbia finalmente spezzato la maledizione degli anime live-action, da tempo noti per essere un genere difficile.
Netflix ha pubblicato tutti gli episodi della stagione 1 di One Piece il 31 agosto 2023.
Stato di produzione della seconda stagione di One Piece live-action
Le riprese sono iniziate nel giugno 2024
Sebbene le notizie siano state piuttosto scarse da quando lo show è stato rinnovato nel settembre 2023, è stato ora rivelato che la seconda stagione di One Piece è entrata in produzione nel giugno 2024 e si è conclusa nel febbraio 2025. La serie, ricca di effetti speciali, avrà probabilmente un periodo di post-produzione prolungato, il che significa che la seconda stagione potrebbe debuttare non prima degli ultimi mesi del 2025. Netflix lo ha confermato quando ha annunciato una finestra di rilascio per la fine del 2025 (tra ottobre e dicembre).
Cast della seconda stagione di One Piece live-action
Il ritorno della ciurma di Cappello di Paglia
Il cast della seconda stagione di Netflix One Piece riporterà molto probabilmente i personaggi della prima stagione nei ruoli principali. A capitanare la Going Merry nel cast di One Piece nei panni di Monkey D. Luffy c’è Iñaki Godoy, affiancato da Mackenyu Arata nel ruolo del suo secondo in comando, Roronoa Zoro. Emily Rudd interpreta la navigatrice della nave, Nami, e Jacob Romero Gibson interpreta il cecchino della ciurma, Usop. Infine, Taz Skylar interpreta il ruolo dello chef, Sanji.
I nuovi arrivati si sono già uniti al cast della seconda stagione, dato che è stata rivelata la Baroque Works. A guidare la squadra c’è David Dastmalchian nel ruolo di Mr. 3, affiancato da Daniel Lasker nel ruolo di Mr. 9. Camrus Johnson è stato scelto per interpretare il ruolo di Mr. 5 e apparirà al fianco di Jazzara Jaslyn, che interpreta Miss Valentine. La Baroque Works è un collettivo di cattivi che sono i principali antagonisti della saga di Arabasta. Alla ciurma della Baroque Works si aggiungono Joe Manganiello nel ruolo di Mr 0. e Lera Abova nel ruolo di Miss All Sunday.
Continuando ad arricchire il team di Baroque Works, Sophia Anne Caruso interpreterà ora l’iconica cattiva Miss Goldenweek, che usa trappole di colore per controllare la mente dei suoi avversari. Chess, l’arciere in bianco e nero di Drum Island, sarà interpretato da Mark Penwill. Allo stesso modo, il più temibile difensore della legge di Drum Island, Kuromarimo, sarà interpretato da Anton David Jeftha.
Si prevede che nella seconda stagione torneranno anche Vincent Regan nei panni di Garp, Morgan Davies nei panni di Koby, Aidan Scott nei panni di Helmeppo, Jeff Ward nei panni di Buggy e Ilia Isorelýs Paulino nei panni di Alvida. Ci saranno anche molti altri nuovi personaggi che la prossima stagione dell’adattamento live-action di One Piece richiederà nuovi attori per interpretare. Ci sono ancora 3 Pirati di Cappello di Paglia che dovrebbero unirsi alla ciurma nella seconda stagione: Chopper, Nico Robin e Jinbe (anche se l’apparizione di Jinbe potrebbe avvenire solo dopo la prossima stagione).
Storia della seconda stagione live-action di One Piece
Sembra che la storia della seconda stagione live-action di One Piece terminerà probabilmente con l’arco narrativo di Loguetown per poi proseguire con la saga di Arabasta, che è la seconda saga del manga dopo quella di East Blue. Per concludere l’arco narrativo di Loguetown, i Cappelli di Paglia dovranno affrontare il capitano Smoker, come anticipato nel finale della prima stagione, ma anche combattere i nemici che vogliono la taglia. Qui viene introdotto anche Monkey D. Dragon.
l’eventuale introduzione del malvagio leader della Baroque Works Crocodile, coinvolto in una grande guerra civile ad Arabasta.
Per quanto riguarda la saga di Arabasta, questa contava 117 capitoli, quindi non è chiaro quanto apparirà nella storia della seconda stagione di One Piece su Netflix. Naturalmente, la saga di East Blue era composta da 100 capitoli e rimane solo l’ultima parte da raccontare. Per quanto riguarda i momenti salienti che potrebbero affrontare i Cappelli di Paglia, questi includono la loro nave che viene inghiottita da una balena gigante, l’introduzione di Mr. 9 e Ms. Wednesday (entrambi della Baroque Works), un’isola piena di dinosauri e l’eventuale introduzione del malvagio leader della Baroque Works Crocodile, che è parte di una massiccia guerra civile ad Arabasta.
La Baroque Works continuerà a essere una spina nel fianco dei Pirati di Cappello di Paglia, dato che la terza stagione di One Pieceha inserito nel cast un personaggio importante dell’organizzazione. La seconda stagione di One Piece introdurrà la Baroque Works, un’organizzazione segreta che opera nella Grand Line e che cerca di ottenere il potere sull’area centrale in cui si svolge la trama.
A cinque mesi dall’introduzione della seconda stagione, Netflixha annunciato sui propri social media che Cole Escola è entrato a far parte del cast della terza stagione di One Piece come membro chiave del gruppo. La star di Big Mouth, che è non binaria e usa i pronomi they/them, interpreterà il membro della Baroque Works Bon Clay, noto anche come Mr. 2 e Bentham.
Bon Clay ha la capacità di trasformarsi in una copia esatta di chiunque abbia mai toccato con la mano destra. La sua interpretazione sarà reimmaginata come una figura non binaria invece che come un personaggio drag, come era stato rappresentato nel manga originale e nell’adattamento anime. Dai un’occhiata all’annuncio ufficiale del casting qui sotto:
Escola si unisce a molti altri nuovi arrivati nel cast di One Piece che interpreteranno i membri della Baroque Works. Tra i nomi più importanti figurano David Dastmalchian nel ruolo di Mr. 3, Sophia Anne Caruso nel ruolo di Miss Goldenweek, Lera Abova nel ruolo di Miss All Sunday, ovvero Nico Robin, e Joe Manganiello nel ruolo di Mr. 0, ovvero Crocodile. Anche Bon Clay è un altro membro importante del gruppo.
Nel manga e nell’anime, Bentham viene introdotto durante l’arco narrativo Little Garden, inizialmente stringendo amicizia con i Pirati di Cappello di Paglia mentre nutre i propri obiettivi malvagi a causa della sua associazione con la Baroque Works. Il suo arco narrativo è però più dinamico rispetto a quello degli altri membri, durando per tutta la saga di Alabasta dell’anime.
Nella versione live-action, tuttavia, non appariranno fino alla terza stagione di One Piece. Poiché Little Garden sarà presente nella seconda stagione, questo segna un cambiamento fondamentale nella loro apparizione. Resta da vedere se questo comporterà anche altre differenze nella trama.
Escola è un attore esperto, il che lo rende una scelta azzeccata per Bon Clay. Recentemente ha prestato la sua voce al dramma animato Boys Go to Jupiter e ha vinto numerosi premi per la sceneggiatura e la recitazione nella commedia Oh Mary!. Il suo background comico e drammatico lo rende perfetto per il ruolo di Baroque Works.
Poiché la seconda stagione di One Piece è ancora lontana, ci vorrà ancora un po’ di tempo prima che la versione di Bentham interpretata da Escola arrivi sullo schermo. La versione rivisitata del personaggio apre le porte a nuove possibilità narrative, pur mantenendo gli stessi elementi per cui è noto nel materiale originale. Questo, insieme alla sua successiva apparizione in live-action in contrasto con l’anime, lo rende ancora più avvincente.
One Piece stagione 2 arriverà il 10 marzo 2026 su Netflix.
Il finale di Prey (qui la nostra recensione) conclude egregiamente questo prequel di Predatore la storia di Naru, ma lascia anche la porta aperta a Prey 2 e a future avventure fantascientifiche con l’iconico cacciatore interstellare. Il film presenta una serie di temi ricorrenti nel corso del film, primo fra tutti quello secondo cui le persone dovrebbero seguire la propria vocazione, indipendentemente da ciò che la tradizione può imporre.
Con Amber Midthunder nel ruolo di Naru, l’ambientazione di Prey ha spostato la serie dal presente al 1719 in Nord America, in una storia che potrebbe benissimo essere la prima spedizione in assoluto della razza Predator sulla Terra. La storia si concentra su Naru, una Comanche che sente la vocazione di diventare una cacciatrice all’interno della sua tribù, ma è ostacolata dal ruolo tradizionale che è destinata a ricoprire.
Nel film, il fratello di Naru, Taabe, combatte il Predator al campo dei cacciatori, ferendo la creatura e poi sacrificandosi affinché Naru possa fuggire, dicendole: “Questo è il massimo che posso fare. Non posso andare oltre. È finita. Porta a casa il risultato“. Mentre era stato catturato dai cacciatori e utilizzato come esca per il Predatore, Taabe rivela di aver catturato il puma utilizzando il piano originale di Naru, dicendo che lei lo aveva indebolito e che era sempre in grado di vedere ciò che lui non vedeva.
Il che significa che forse non avrebbe ucciso la bestia se non avesse utilizzato il piano di Naru. Taabe si rende conto che, sebbene sia un grande cacciatore, Naru è più intelligente e astuta di lui, e alla fine ripone la sua fiducia in lei quando capisce che il Predator sta per ucciderlo, sapendo che lei ha le migliori possibilità di porre fine alla minaccia. Questo momento non solo è stato incredibilmente tragico, ma ha anche aggiunto un significativo peso emotivo alla vittoria finale di Naru contro il guerriero intergalattico durante il finale di Prey.
La spiegazione del piano di Naru per sconfiggere il Predator alla fine di Prey
La battaglia finale tra Naru e il Predator alla fine di Prey è stata uno dei momenti salienti del film, anche perché lei ha usato la sua intelligenza e la sua abilità marziale per sconfiggere il suo temibile nemico. Naru conosceva bene la sua posizione, poiché era fuggita da poco da una pozza di fango vicino al campo dei cacciatori all’inizio del film. Aveva anche notato fin dall’inizio che i mirini laser sulla maschera del Predator avrebbero inviato i proiettili che sparava direttamente dove puntavano i laser.
Rubare la maschera del Predator era una parte fondamentale del suo piano, così come una serie di trappole, tra cui l’uso di esche umane per attirare il Predator, un piano simile a quello usato in precedenza dai cacciatori. Tuttavia, i cacciatori non si rendevano conto che il Predator non voleva esche disarmate, ma voleva cacciare, ed è per questo che Naru dà al cacciatore che cattura un fucile. Naru studia il Predator, osservando come pensa, si muove, combatte e uccide, capendo alla fine come usare tutti i suoi punti di forza e di debolezza contro di lui.
Così, mette insieme un piano basato sulla sua esperienza, creatività e astuzia. Il piano di Naru era quello di ferire ulteriormente il Predator distraendolo con un’altra preda, rubargli la maschera e poi attirarlo verso di lei dove lo attendeva una serie di trappole, tra cui la fossa di fango, dove aveva posizionato la maschera per colpire il Predator e ucciderlo con la sua stessa tecnologia. Naru osserva, pensa e pianifica costantemente, senza mai usare la forza bruta al posto dell’intelligenza, dimostrando che un vero cacciatore è colui che conosce la sua preda.
Cosa significano le ultime parole di Naru al Predator
Ci sono state molte citazioni iconiche nella serie Predator, specialmente quando gli eroi affrontano l’alieno durante i vari finali. Anche il finale di Prey contiene una citazione incredibilmente soddisfacente di Naru, ma il suo significato è un po’ più sfumato rispetto al semplice insultare il suo nemico un’ultima volta. Una volta che Naru si rende conto di aver intrappolato il Predator in Prey e che il colpo finale è inevitabile, pronuncia la frase che suo fratello le ha insegnato all’inizio, la stessa che lui pronuncia prima di sacrificarsi al Predator per permetterle di fuggire.
“Questo è il limite massimo che puoi raggiungere. Non puoi andare oltre. È finita”, dice, proprio prima che il Predator si uccida con la sua stessa tecnologia. La frase è quella che il fratello di Naru le aveva detto di pronunciare quando stava per uccidere la sua preda durante la caccia, e che trova piena realizzazione nel momento in cui lei abbatte il Predator alla fine di Prey. Suo fratello ha accettato il suo destino quando è stato cacciato e ucciso dal Predator, ed è questo che lo ha spinto a dire quella frase a Naru – e il fatto che lei la ripeta quando ha sconfitto la creatura è il completamento del cerchio che la riporta a lei.
Ci sarà un Prey 2? Come i titoli di coda preparano il terreno per un sequel
Il finale del film Prey vede Naru dire alla sua tribù che devono spostare il loro accampamento perché “c’è pericolo nelle vicinanze” e che devono trasferirsi in un “terreno più facile da proteggere”. Il Predator che Naru sconfigge era stato mostrato venire lasciato da una nave Predator all’inizio del film, il che suggerisce che possono facilmente tornare (se non sono già nelle vicinanze). Questa idea è rafforzata dall’animazione dei titoli di coda di Prey, che suggerisce che una flotta di navi Predator arriverà per attaccare nuovamente la sua tribù.
Potrebbe anche semplicemente suggerire che altri Predator stanno arrivando, non necessariamente per vendetta, ma semplicemente perché gli eventi di Prey rappresentano la prima caccia alle creature aliene, che ha portato alla morte di uno di loro, il che significa che ora è considerato un terreno di caccia impegnativo e ricco di prede degne sotto forma di esseri umani. Fortunatamente, i fan della serie avranno delle risposte sul significato del teaser del sequel nei titoli di coda. Prey 2 è stato confermato nel 2024, anche se non ci sono stati dettagli sulle tempistiche, prossimamente il film dovrebbe prendere forma.
Il vero significato del finale di Prey
Il finale di Prey gioca con il doppio significato del titolo e la dualità dei termini predatore e preda, mentre Naru lotta con il suo desiderio di essere una cacciatrice invece che una raccoglitrice, scoprendo ciò che serve per raggiungere questo obiettivo: diventare sia predatrice che preda, così come l’alieno che combatte ricoprendo entrambi questi ruoli. “Vuoi cacciare qualcosa che sta cacciando te?” è una domanda che le viene posta da suo fratello all’inizio del film e che risuona per tutta la durata della pellicola.
Quando Naru ha l’occasione di abbattere un pericoloso puma, sembra fallire la prova, ma si scopre che il suo piano per ucciderlo era più astuto e intelligente di quanto si pensasse inizialmente. Applica le lezioni apprese da quell’esperienza e ritrova la sua sicurezza mentre sfugge più volte all’alieno Predator, studiandolo, imparando i suoi punti di forza e le sue debolezze nel corso del film, prima di applicare le sue conoscenze per intrappolarlo e ucciderlo. Nel finale di Prey, Naru subisce un cambiamento quando diventa lei la predatrice e il Predator la preda, completando il suo percorso per diventare una cacciatrice e una guerriera.
Fuga da Alcatraz, uscito nel 1979 e diretto da Don Siegel, è uno dei titoli più iconici nella carriera di Clint Eastwood e rappresenta la quinta e ultima collaborazione tra l’attore e il regista dopo film come La notte brava del soldato Jonathan e Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo!. Con questo film, Eastwood mette da parte l’azione esplosiva che spesso lo aveva accompagnato negli anni Settanta, abbracciando invece un racconto più essenziale, minimalista e sospeso sulla tensione psicologica. Nei panni del detenuto Frank Morris, l’attore offre una delle sue interpretazioni più asciutte e carismatiche, costruendo un personaggio caparbio, silenzioso e intuitivo.
Il film si colloca nel solco del prison-movie classico, ma ne aggiorna i codici, privilegiando realismo, introspezione e un rigoroso rispetto delle condizioni carcerarie dell’epoca. Fuga da Alcatraz racconta un’evasione realmente avvenuta e lo fa senza colori romanzati, presentando l’isola-prigione come un organismo oppressivo, fatto di regole ferree, spazi angusti e un controllo istituzionale soffocante. Più che la spettacolarità, a dominare è la battaglia mentale: il silenzio diventa linguaggio, l’ingegno arma principale, la resistenza psicologica l’unica possibilità di sopravvivenza.
Tra i suoi temi principali emergono la lotta contro un sistema disumanizzante, la determinazione individuale e la capacità di ribellarsi quando ogni via sembra chiusa. L’evasione non è solo fuga fisica, ma liberazione simbolica dall’autorità assoluta. Nel resto dell’articolo, sveleremo però la storia vera dietro il film, ovvero quella di Frank Morris, che nel 1962 riuscì a fuggire dalla celebre prigione e a far perdere le sue tracce. Una figura, la sua, divenuta una vera e propria icona culturale.
Clint Eastwood in Fuga da Alcatraz
La trama di Fuga da Alcatraz
Nel 1960, l’isolata prigione di Alcatraz è il luogo di detenzione più sicuro degli Stati Uniti d’America. Nel corso dei precedenti ventisei anni, nessuno è mai riuscito a lasciare l’isola. Per questo, dopo aver intrapreso con successo una serie di evasioni da penitenziari minori, il rapinatore Frank Morris (Clint Eastwood) viene condotto nella prigione di massima sicurezza. L’arrivo di Morris scatena le fantasie del detenuto Wolf Grace, che cerca un approccio sessuale ma è brutalmente respinto da Frank. Con il passare del tempo, il nuovo arrivato inizia ad integrarsi e forma una cricca.
Ne fanno parte l’eccentrico Tornasole, l’afro-americano English, il ladro d’auto Charlie Puzo e i fratelli Anglin, esperti rapinatori di banche. Insieme, iniziano ad architettare un piano per la fuga. Il loro progetto è quello di sfruttare l’azione del mare sulle pareti di Alcatraz, rese deboli dall’erosione naturale dell’acqua, scrostando il muro con un tagliaunghie e procedendo per le vie di areazione fino a raggiungere la spiaggia. Il piano richiede diversi mesi di lavoro e segreti, ma le previsioni di Morris si rivelano essere esatte. Parallelamente, tuttavia, Wolf ha meditato di punire Frank per il rifiuto e la sua brama di vendetta rischia di interferire con la fuga.
La storia vera dietro il film
Fuga da Alcatraz si basa sull’omonimo libro di J. Campbell Bruce, pubblicato nel 1963, che ricostruisce in forma giornalistica l’evasione realmente avvenuta nel 1962 dal penitenziario federale di Alcatraz. Il film di Siegel non introduce elementi romanzati o fantastici: al contrario, aderisce con notevole precisione ai fatti documentati dall’FBI e dai rapporti ufficiali dell’epoca. La storia di Frank Morris e dei fratelli Clarence e John Anglin – gli unici evasi dalla prigione considerata fino ad allora a prova di fuga – è rimasta una delle più celebri e misteriose della storia carceraria americana, anche perché, ancora oggi, non esiste una risposta definitiva sul loro destino dopo quella notte.
Frank Lee Morris nacque nel 1926, crebbe in condizioni difficili e passò gran parte della giovinezza tra istituti e carceri minorili. Secondo la documentazione giudiziaria, era dotato di un quoziente intellettivo superiore alla media, oltre che di un carattere estremamente riservato. Le sue condanne furono principalmente legate a rapine e furti. Dopo aver evaso da diversi penitenziari statali, l’ultima volta nel 1960, fu classificato come detenuto ad alto rischio di fuga e trasferito ad Alcatraz, la prigione federale più sorvegliata e sicura degli Stati Uniti.
Clint Eastwood è Frank Morris in Fuga da Alcatraz
Una volta sull’isola, Morris iniziò a lavorare nella falegnameria e a osservare con precisione la struttura del penitenziario. Fu lì che, nel 1961, incontrò i fratelli John e Clarence Anglin, anch’essi rapinatori di banca con diversi tentativi di fuga alle spalle, e il detenuto Allen West. I rapporti investigativi raccontano che, studiando le condutture d’aria e la struttura in cemento ormai deteriorato dall’umidità, Morris ideò un piano meticoloso e quasi ingegneristico: ampliare discretamente le bocche d’aerazione delle celle, risalire nei condotti fino alla zona tecnica non sorvegliata del tetto e realizzare un’imbarcazione improvvisata utilizzando impermeabili rubati e cuciti insieme.
La fuga avvenne nella notte del 11 giugno 1962. Dopo mesi di lavoro, i detenuti erano riusciti a sostituire le griglie metalliche con pannelli finti e a fabbricare dei manichini rudimentali con carta, capelli veri presi dal barbiere del carcere e sapone, così che i secondini, durante il controllo notturno, pensassero che fossero ancora nei letti. Allen West rimase però indietro: il foro nella sua cella non era abbastanza grande e non riuscì a uscire in tempo. Morris e i fratelli Anglin, invece, raggiunsero il tetto, scesero lungo una tubazione posteriore fino alla riva e si allontanarono sulle zattere di fortuna, diretti verso la baia di San Francisco. Dopo la fuga scattò una delle ricerche più estese mai realizzate dall’FBI.
Il mare aperto e le correnti della baia rendevano statisticamente improbabile una sopravvivenza, e i rapporti ufficiali dell’epoca conclusero che i tre detenuti fossero probabilmente annegati. Tuttavia, nessun corpo fu mai recuperato e nessuna traccia certa venne individuata. Negli anni successivi, diverse testimonianze e presunti avvistamenti alimentarono il mito: fotografie, lettere e ipotesi secondo cui i tre si sarebbero rifugiati in Sud America. Nessuna prova definitiva venne mai confermata. È proprio questa ambiguità, fedele alla storia reale, che rende Fuga da Alcatraz un film tanto incisivo: racconta un’evasione autentica, costruita con logica, ingegno e determinazione, lasciando aperta la domanda che da oltre sessant’anni continua ad affascinare pubblico e studiosi.
Con Fast & Furious 5 (qui la recensione), la saga compie una svolta decisiva: non più soltanto corse clandestine e inseguimenti su quattro ruote, ma un vero e proprio heist movie internazionale che trasforma il franchise in un fenomeno d’azione globale. Ambientato soprattutto a Rio de Janeiro, il film amplia l’orizzonte della serie, puntando su set più spettacolari, missioni ad alto rischio e un’organizzazione di squadra che avvicina l’opera ai grandi film coral-action. È a partire da qui che Fast & Furious diventa un universo narrativo più grande, dove la famiglia di Dom Toretto smette di essere un gruppo di piloti e diventa una crew operativa, affiatata e quasi paramilitare.
Le novità non si limitano al cambio di tono e genere: Fast & Furious 5 introduce nuovi personaggi destinati a segnare il futuro della saga, primo fra tutti Luke Hobbs, l’agente DSS interpretato da Dwayne Johnson. La sua presenza inaugura la fase “muscolare” del franchise, impostata su combattimenti corpo a corpo, inseguimenti sempre più estremi e un crescendo di spettacolarità. Tornano inoltre volti fondamentali dei capitoli precedenti, riuniti in un’unica squadra per il colpo più ambizioso mai tentato: derubare il signore del crimine Hernan Reyes, responsabile della corruzione che affligge la città.
A livello tematico, il film rafforza i concetti cardine della saga: la famiglia come legame indissolubile, l’amicizia che supera la legge, la ricerca di una seconda possibilità e il conflitto tra giustizia e libertà personale. Ogni personaggio agisce con obiettivi morali diversi ma complementari, mentre il confine tra buoni e cattivi si fa sempre più sfumato. Fast & Furious 5 non solo segna il passaggio a un nuovo linguaggio d’azione, ma avvia un arco narrativo che cambierà definitivamente la serie. Nel resto dell’articolo si proporrà una spiegazione del finale e di come questo capitolo anticipa gli sviluppi dei sequel successivi.
La trama di Fast & Furious 5
Il quinto film della saga si apre con Brian O’Connor intento a lasciare il ruolo di poliziotto per aiutare l’amico Dominic Toretto ad evadere di prigione. Insieme a Mia Toretto, i due si rifugiano poi a Rio de Janeiro, in casa di un amico di vecchia data. Questi, in cambio dell’ospitalità, propone loro un colpo facile e dal gran guadagno. Si tratta di rubare alcuni automobili di lusso insieme ad un gruppo di malviventi locali. Dominic, Brian e Mia, capiranno però ben presto di essere caduti in una trappola particolarmente pericolosa, che li porterà ad essere incolpati della morte di alcuni agenti DEA.
Tale evento porta l’infallibile agente Luke Hobbs a mettersi sulle tracce della banda di Toretto. Insieme alla collega Elena Neves intraprenderà dunque la propria caccia, con l’obiettivo di consegnare i criminali alla giustizia. Per potersi salvare da quella situazione, Dominic, Brian e Mia dovranno riuscire a dimostrare la colpevolezza del criminale Hernan Reyes, entrando in possesso prima di lui di un chip contenente una serie di dati relativi ai traffici illegali, i quali valgono milioni di dollari. Avranno però bisogno di ricomporre la squadra per poter portare a termine la loro missione. Per dimostrare la loro innocenza, però, dovranno riuscire anche a convincere di questa il temibile Hobbs.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Fast & Furious 5, il piano per impossessarsi dei 100 milioni di dollari di Hernan Reyes raggiunge il suo momento cruciale. Dom e Brian, con l’aiuto dell’intera squadra e dell’insolita alleanza con Hobbs ed Elena, entrano nella stazione di polizia con un veicolo blindato e strappano dalla struttura l’enorme caveau carico di banconote. Ne nasce un inseguimento caotico per le strade di Rio, tra pattuglie distrutte, incidenti spettacolari e un livello di caos raramente visto nella saga. Dom, come sempre, sceglie la strada più rischiosa, fidandosi della velocità, dell’istinto e della squadra.
Quando il gruppo arriva sul ponte, Dom ordina a Brian di continuare da solo, rimanendo a fronteggiare le auto di Reyes e le forze corrotte della città. In un crescendo d’azione, Dom utilizza la stessa cassaforte come arma, travolgendo i veicoli che lo inseguono e bloccando ogni nemico rimasto. Brian torna indietro, eliminando Zizi, mentre Hobbs arriva per concludere la resa dei conti e uccide Reyes per vendicare la sua squadra. Sembrerebbe tutto finito, e Hobbs concede a Dom e Brian una fuga di 24 ore, ma quando apre la cassaforte si accorge che è vuota: la squadra l’ha sostituita durante l’inseguimento.
La spiegazione del finale chiarisce la riuscita perfetta del colpo: l’inseguimento era una distrazione per permettere a Tej, Roman e gli altri di scambiare il caveau con uno identico caricato su un camion della spazzatura. Dom non punta solo sulla forza bruta, ma sull’intelligenza collettiva della “famiglia”, vero motore narrativo della saga. Il successo del furto non è soltanto la conquista del denaro, ma una riscrittura dei ruoli: gli inseguiti diventano i veri giocatori del sistema, superando Stato, criminali e legge grazie alla loro lealtà reciproca.
Tematicamente, il finale incarna i due concetti simbolo della saga: libertà e famiglia. Il sacrificio di Vince, la scelta di Hobbs di cambiare schieramento, e la determinazione di Dom dimostrano che il gruppo non è solo un team di piloti, ma una comunità che sfida strutture più grandi e corrotte. La vittoria non è solo materiale: il film suggerisce che la seconda possibilità non si ottiene attendendola, ma prendendola a forza, un colpo dopo l’altro, senza tradire chi si ama. Il denaro diventa solo un mezzo per un futuro diverso.
Ciò che il film ci lascia è un messaggio di rinascita: nonostante la legge, gli errori e i nemici, il gruppo costruisce una nuova vita cambiando identità e destino. Dom e Brian passano da fuggitivi a uomini liberi, mentre l’ultima corsa senza posta in palio sancisce la loro amicizia come il vero traguardo. Fast & Furious 5 è anche il film in cui il franchise smette di essere un racconto di singoli e diventa definitivamente un’epopea corale, dove la famiglia non è solo sangue, ma scelta.
I sequel di Fast & Furious 5
I sequel confermano questa evoluzione: le vicende proseguono direttamente con Fast & Furious 6, dove Hobbs recluta la squadra per una nuova missione e si scopre che Letty è ancora viva, come anticipato nel mid-credits. Da quel momento la saga apre archi narrativi sempre più ampi, culminando in Fast & Furious 7, Fast & Furious 8, Fast & Furious 9, Fast X e nello spin-off Hobbs & Shaw. Fast & Furious 5 è quindi l’innesco che trasforma un franchise di corse in uno dei più grandi universi action del cinema contemporaneo.
Il documentarioI am Luke Perry, in prima visione su Sky Documentaries il 15 novembre alle 22.50 e disponibile in streaming solo su NOW e on demand, racconta l’incredibile ascesa di Luke Perry: da ragazzo di provincia a icona di Hollywood, attraverso storie inedite, ricordi di famiglia e testimonianze dei suoi colleghi più cari. Un omaggio imperdibile a un talento senza tempo.
I Am Luke Perry è un lungometraggio prodotto dall’amico e co-protagonista di Beverly Hills, 90210 Jason Priestley, che celebra la vita di un talento generazionale: un uomo dalle umili origini, capace di emergere dall’anonimato di una piccola città per diventare un sex symbol di Hollywood e un’icona della cultura pop. Dal ruolo che lo ha consacrato come Dylan McKay in Beverly Hills, 90210 ai suoi film più impegnativi come Normal Life e 8 Seconds, fino alle interpretazioni più mature in Riverdale e in C’era una volta a… Hollywood di Quentin Tarantino, Luke Perry ha costruito una carriera segnata da autenticità e dedizione. Un documentario che celebra il talento di un artista umile e instancabile, capace di superare l’etichetta di “teen idol” per affermarsi come attore maturo e rispettato, il cui lavoro ha toccato milioni di persone.
Cortesia Sky Documentaries
Attraverso una selezione di fotografie e filmati, sia inediti che iconici, provenienti da archivi privati e collezioni internazionali, e grazie a nuove interviste con colleghi, amici e registi, tra cui si annoverano Stephen Baldwin, Jason Priestley, Marisol Nichols e Timothy Olyphant, che lo hanno accompagnato nei suoi trent’anni di carriera, il film ripercorre la straordinaria vita e il percorso di uno degli attori più amati di Hollywood contemporanea.
Una produzione CW Original Network Entertainment, I am Luke Perry è scritto e diretto da Adrian Buitenhuis e ha come executive producer Ali Pejman, Tim Gamble, Erik Dekker, Adrian Buitenhuis, Rob Lee, Brian Gersh, Derik Murray, Kent Wingerak, Paul Gertz, Greg Zeschuk e Jason Priestley ed è prodotto da Stephen Sawchuk e Gemma Strongman.
I AM LUKE PERRY IN PRIMA VISIONE SU SKY DOCUMENTARIES IL 15 NOVEMBRE ALLE 22.50, IN STREAMING SOLO SU NOW E DISPONIBILE ANCHE ON DEMAND.
Jennifer Lawrence definisce Die, My Love una forma di vendetta dopo non essere riuscita a ottenere un ruolo da protagonista in Twilight. La star aveva precedentemente rivelato di aver fatto un provino per il ruolo di Bella nell’adattamento romantico di successo per ragazzi, una parte che alla fine è andata a Kristen Stewart.
Diretto da Lynne Ramsay, il film vede Lawrence e Pattinson nei panni rispettivamente di Grace e Jackson, una coppia che cade in una psicosi condivisa dopo che Grace sviluppa una depressione post-partum. Il film, presentato in anteprima al Festival di Cannes all’inizio di quest’anno, segna il seguito di Ramsay a You Were Never Really Here (2017).
Per Lawrence, Die, My Love rappresenta un ritorno sullo schermo dopo No Hard Feelings (2023) e Causeway (2022). Robert Pattinson, d’altra parte, è reduce dalla deludente interpretazione di Mickey 17 (2025) la scorsa primavera.
Lawrence ha rivelato nel podcast The Rewatchables nel 2023 di aver fatto un provino per Twilight. “Mi hanno rifiutato subito”, ricorda. “Non sono stata nemmeno richiamata.” Questa si è rivelata una benedizione, ovviamente, dato che Lawrence ha ottenuto il ruolo di Katniss Everdeen in Hunger Games poco dopo.
Sia Lawrence che Pattinson hanno recitato in quattro episodi di un importante franchise per ragazzi, ed entrambi hanno intrapreso percorsi di carriera simili negli anni successivi. Entrambi hanno optato per un mix di progetti minori e film sui supereroi, con Lawrence che ha interpretato Mystica in X-Men: Dark Phoenix (2019) e Pattinson che ha interpretato il Crociato Incappucciato in The Batman (2022).
La risposta a Die, My Love è stata finora positiva da parte della critica. Su Rotten Tomatoes, il film ha ottenuto un punteggio dell’80%, con l’interpretazione di Lawrence evidenziata come uno dei momenti salienti.
Il Marvel Cinematic Universe vedrà finalmente i più potenti eroi della Terra riunirsi di nuovo nel 2026 con Avengers: Doomsday. Oltre a diversi nuovi eroi della Saga del Multiverso che uniscono le forze con quelli vecchi, il film di squadra vedrà anche il ritorno degli X-Men della Fox.
Ash Crossan di ScreenRant ha recentemente parlato con Simu Liu per il suo nuovo film, In Your Dreams, in cui è stato menzionato Avengers: Doomsday, chiedendogli di usare tre parole per descriverlo. Liu ha rivelato: “Sì, cinque: un sogno che si avvera”.
L’attore di Shang-Chi ha poi aggiunto: “Voglio dire, ci sono così tanti attori, e lavorare con queste persone come colleghi è davvero incredibile perché sono cresciuto guardandone così tanti”. Il ritorno di Liu nell’MCU è stato rivelato per la prima volta il 26 marzo 2025, durante la grande trasmissione a sorpresa dei Marvel Studios, che ha svelato il cast di Avengers: Doomsday.
Per il neofita dell’MCU, il capitolo della Fase 6 è una celebrazione dell’amato genere. Liu ha spiegato: “Sembra, per molti versi, una lettera d’amore all’intero genere dei film sui supereroi. E penso che ci sia qualcosa di davvero divertente in questo”. Simu Liu ha concluso dicendo che questo film è “per tutti i disadattati, gli strambi e gli sfavoriti che sono cresciuti leggendo fumetti e hanno sentito che in qualche modo c’era speranza per loro – che non importava se non si adattavano – penso che ci sia sempre un posto speciale nel mio cuore per l’intero genere”.
Nonostante le numerose rivelazioni sulla line-up iniziale per l’uscita di dicembre 2026, il presidente dei Marvel Studios Kevin Feige ha dichiarato durante il CinemaCon del 3 aprile 2025 di non aver ancora rivelato il cast completo. Anthony e Joe Russo hanno diretto il film corale e dirigeranno anche Avengers: Secret Wars.
Il punto che sta facendo più discutere diA House of Dynamite di Netflix(La nostra recensione), diretto dalla regista premio Oscar per The Hurt Locker Kathryn Bigelow, è il finale. Il thriller politico segue la risposta del governo e dell’esercito degli Stati Uniti a un imminente attacco missilistico nucleare, lanciato da un paese sconosciuto, mostrando i complessi processi e il processo decisionale in questa situazione potenzialmente inutile.
Tuttavia, l’ambiguo finale di A House of Dynamite non mira a soddisfare il pubblico. Dopo che la linea temporale si resetta due volte, raccontando di tre gruppi di personaggi nella mezz’ora che precede la detonazione, il film termina prima che il missile colpisca effettivamente Chicago e che il Presidente degli Stati Uniti (Idris Elba) prenda una decisione ufficiale sullo schermo su quale sarà la risposta del Paese.
A House of Dynamite mostra efficacemente come il Presidente degli Stati Uniti si trovi in una situazione impossibile e debba scegliere tra accettare la perdita di un’intera città o rischiare di dare il via alla fine del mondo.
Ora, Kathryn Bigelow ha risposto alle divisioni del pubblico sulla conclusione potenzialmente frustrante del film, affermando che riflette il messaggio che intendeva trasmettere. Bigelow dice a Netflix: “Voglio che il pubblico esca dal cinema pensando: ‘OK, cosa facciamo adesso?'”. È un leggero passaggio da un racconto ammonitore che si conclude con una nota cupa a uno con un finale poco definito, per motivare le persone a evitare questa situazione nella realtà.
Bigelow continua: Questo è un problema globale e, naturalmente, spero che un giorno ridurremo le scorte nucleari. Ma nel frattempo, viviamo davvero in una casa di dinamite. Ho ritenuto fosse fondamentale diffondere queste informazioni, in modo da poter avviare un dialogo. È questa l’esplosione che ci interessa: il dialogo che le persone avranno sul film dopo la sua uscita.
Credits Netflix 2025
È stato anche sottolineato che A House of Dynamite mira a mostrare come anche le persone più qualificate non siano realmente preparate ad affrontare la capacità distruttiva delle armi nucleari. In questo, A House of Dynamite riesce, mostrando come i funzionari governativi gestiscano tutto con professionalità ma siano comunque sotto shock. Lo sceneggiatore Noah Oppenheim racconta a Netflix:
Uno degli aspetti più importanti che volevamo evidenziare realizzando questo film è quanto poco tempo avrebbe avuto il governo degli Stati Uniti, o qualsiasi altro governo, per rispondere a un attacco nucleare. Durante quegli stessi 18 minuti, volevamo mostrare cosa stava accadendo nell’intero apparato governativo.
Il film è stato elogiato per la sua rappresentazione assolutamente terrificante del potenziale effetto domino di più paesi in possesso di un arsenale nucleare. Il fittizio Presidente degli Stati Uniti valuta di reagire quando i suoi consiglieri gli fanno notare che potrebbero arrivare altri missili, ma questo causerebbe vittime altrove su una scala senza precedenti.
Il thriller di Netflix ha sicuramente avviato un dibattito, soprattutto dopo che il Pentagono stesso ha criticato A House of Dynamite per aver presumibilmente affermato che il sistema di difesa missilistica americano ha molte meno probabilità di successo di quanto non abbia in realtà.
Tutto esaurito al Teatro del Giglio per il panel di Prime Video dedicato all’Hellaverse, l’universo animato creato da Vivienne “VivziePop” Medrano. Il pubblico di Lucca Comics & Games 2025 è stato trascinato all’inferno – tra anteprime e sorprese – durante un incontro incentrato sulla seconda, esplosiva stagione della dark comedy di culto Hazbin Hotel, approdata su Prime Video il 29 ottobre, e sulla serie spinoff Helluva Boss, già disponibile sulla piattaforma con due stagioni e un episodio speciale.
Rossa Caputo (che presta la voce a Charlie Stella del Mattino), Riccardo Suarez (voce di Angel Dust), Oreste Baldini (Vox nella serie e direttore del doppiaggio di entrambe le serie), Giulia Franceschetti (Vaggie in Hazbin Hotel) e Daniele Giuliani (voce di Blitzo in Helluva Boss), accompagnati sul palco da un coro di angeli indisciplinati, sono stati i protagonisti di uno speciale incontro dedicato alle due serie e hanno infiammato la platea con un medley delle canzoni più famose di Hazbin Hotel. Ad arricchire il panel, uno speciale karaoke “infernale” che ha coinvolto pubblico e fan, al ritmo dei brani ormai cult della serie.
In serata, inoltre, l’universo di Hazbin Hotel si sposta al Cinema Astra, per la proiezione dei primi due episodi della seconda stagione. Tutti gli episodi delle prime due stagioni di Hazbin Hotel e Helluva Boss sono disponibili in esclusiva su Prime Video.
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Cortesia di Prime Video
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Cortesia di Prime Video
Cortesia di Prime Video
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Hazbin Hotel S2 – Sinossi
Dopo la vittoria di Charlie contro l’esercito del Paradiso, l’hotel è in pieno fermento grazie all’arrivo di nuovi ospiti. Tuttavia, con grande disappunto di Charlie, la maggior parte di loro non è lì per le ragioni giuste. Mentre cresce il risentimento nei confronti del Paradiso e i peccatori si rendono conto di poter reagire, molti di loro cercano di approfittare delle crescenti tensioni: in particolare il trio di signori noto come “I Vees”. Mentre Charlie lotta per preservare gli obiettivi originari dell’hotel e proteggere la propria immagine pubblica, i Vees (guidati da Vox) elaborano un piano per conquistare il Paradiso e ottenerne il comando. Nel frattempo, in Paradiso, gli angeli devono affrontare le ripercussioni della redenzione di Sir Pentious e il loro ruolo nelle precedenti atrocità commesse contro l’Inferno. Creata da Vivienne Medrano, Hazbin Hotel è una serie d’animazione basata sul suo popolare episodio pilota, pubblicato su YouTube nel 2019 e che ha rapidamente ottenuto oltre 117 milioni di visualizzazioni e un vasto seguito di fan in tutto il mondo. La serie unisce umorismo per adulti, personaggi indimenticabili e brani musicali accattivanti, creando un mondo completamente unico e inconfondibile. Vivienne Medrano ha diretto tutti gli episodi ed è executive producer della serie insieme a Dana Tafoya-Cameron e Brett Coker. Hazbin Hotel è prodotta da A24, vincitrice di Oscar ed Emmy, e dalla Bento Box Entertainment di FOX Entertainment Studios, vincitrice di Emmy.
Helluva Boss – Sinossi
Ambientato all’inferno, Helluva Boss racconta la storia di Blitzo (la “o” è muta), un diavoletto nato all’inferno, eccentrico leader dell’I.M.P. (Immediate Murder Professionals), una piccola e caotica organizzazione di assassini che prospera grazie a un grimorio magico, e una complicata relazione con il principe demone Stolas. Insieme alla sua squadra altrettanto caotica ed eterogenea – Moxxie, un tiratore scelto ligio alle regole; Millie, un’impulsiva e abile assassina; e Loona, la loro sarcastica receptionist, votata all’inferno – Blitzo viene incaricato di uccidere bersagli nel mondo umano. Cercando di conciliare il lavoro con la vita privata, il gruppo si ritroverà costantemente in situazioni assurde, violente e tragicomiche.
È disponibile il trailer in italiano di BUON VIAGGIO, MARIE, esordio alla regia di un lungometraggio dell’attrice Enya Baroux, che uscirà nelle sale italiane il 20 novembre 2025.
Commedia familiare on the road, il film intavola una importante riflessione sulla vita, all’interno di un discorso sempre più attuale e necessario.
Buon viaggio, Marie sarà distribuito in Italia da Movies Inspired.
Titolo originale: On Ira
Regia: Enya Baroux
Con: Hélène Vincent, Pierre Lottin, David Ayala
Nazione: Francia
Durata: 97 min
Uscita: 20 novembre 2025
La trama di Buon Viaggio, Marie
Marie, 80 anni, è sfinita dalla sua malattia. Ha un piano: andare in Svizzera per porre fine alla sua vita. Ma quando deve dirlo a Bruno, suo figlio irresponsabile, e ad Anna, sua nipote in crisi adolescenziale, va nel panico e inventa una bugia enorme. Accampando la scusa di una misteriosa eredità da riscattare in una banca svizzera, propone loro di fare un viaggio tutti insieme. Complice involontario di questa farsa è Rudy, un assistente sanitario conosciuto solo il giorno prima, che si metterà al volante del vecchio camper di famiglia e condurrà questa famiglia in un viaggio inaspettato.
La Mummia è pronta a risorgere dalla sua tomba ancora una volta, con il regista Lee Cronin alla regia di un nuovo film di Universal e Blumhouse/Atomic Monster. Il regista di Evil Dead Rise ha recentemente annunciato che le riprese principali sono “completamente terminate” e ora abbiamo la notizia che il film ha ricevuto un nuovo titolo. Secondo lo scooper Daniel Richtman, il reboot è stato rinominato The Resurrected, e ha anche condiviso una sinossi con alcuni dettagli molto interessanti sulla trama.
“Dopo il ritorno misterioso della figlia scomparsa otto anni dopo, un padre scopre che la figlia porta con sé lo spirito di un’antica mummia egizia e, mentre il male si diffonde all’altro figlio, deve eseguire un rituale mortale per salvarli, anche se ciò significa diventare lui stesso il mostro.”
Questo non sembra certo il tipico film della Mummia, e questa sinossi suggerisce che la storia includerà elementi di possessione demoniaca.
The Mummy The Resurrected avrà come protagonisti Jack Reynor, Laia Costa, Veronica Falcón, May Calamawy e May Elghety. Non sono stati divulgati dettagli sui personaggi che interpreteranno.
Dopo il successo del suo avvincente e malizioso revival di Evil Dead Rise (leggi la nostra recensione qui), Cronin è stato annunciato come regista di un progetto horror senza titolo, la cui uscita è prevista per il 17 aprile 2026. Blumhouse ha successivamente rivelato che si tratterà di una nuova versione del classico mostro della Universal. Cronin ha anche scritto la sceneggiatura.
“Questo sarà diverso da qualsiasi film della Mummia che abbiate mai visto prima. Sto scavando in profondità nella terra per far emergere qualcosa di molto antico e molto spaventoso”, ha dichiarato Cronin in una dichiarazione all’inizio della produzione.
Atomic Monster e Blumhouse cofinanziano il film, con James Wan, Jason Blum e John Keville come produttori. Michael Clear, Judson Scott e Macdara Kelleher sono i produttori esecutivi. Alayna Glasthal è la responsabile esecutiva del progetto per Atomic Monster.
Ci sono state segnalazioni secondo cui un altro film ambientato nell’universo de La Mummia di Stephen Sommers sarebbe in fase di sviluppo, ma non è stato annunciato nulla di ufficiale.
Quando gli è stato chiesto se fosse interessato a riprendere il suo ruolo più famoso in un’intervista del 2023, la star Brendan Fraser è sembrata più che intenzionata a tornare per combattere le forze dell’oscurità.
“Non sono contrario, non conosco un attore che non voglia un lavoro. Non credo di essere mai stato così famoso e senza stipendio allo stesso tempo nella mia vita professionale, quindi fatemi firmare!”
In un’intervista con Entertainment Weekly, Stone ha espresso le sue preoccupazioni riguardo alla sua audace trasformazione in CEO di un’azienda farmaceutica, Michell Fuller. La Stone ha dichiarato di “meditare sul restare fermi, restare fermi e basta“. Aveva “così paura” di rovinare il momento. Emma Stone ha anche aggiunto che “è stata una sola ripresa e c’erano quattro telecamere installate solo per sicurezza“.
Il film è stato diretto da Yorgos Lanthimos, che ha collaborato con Stone a diversi progetti, tra cui Povere Creature, La Favorita e Kinds of Kindness. Lanthimos ha parlato della dedizione di Stone e ha affermato che non è stato affatto difficile convincere l’attrice a radersi i capelli. Ha continuato dicendo:
“Lesse prima la sceneggiatura, e ha avuto una minima esitazione poco prima, non un’esitazione a farlo, ma una specie di nodo allo stomaco. Ma è successo. Per fortuna, ce l’abbiamo fatta. Avevamo solo un’occasione per riuscirci. E poi si è sentita benissimo. Si è vista, le è piaciuto davvero, e si è sentita molto libera.”
Stone non si è solo rasata la testa per il ruolo, ma si è sottoposta anche a una continua immersione in creme e lozioni: il personaggio di Jesse Plemons, Teddy, credeva che fosse necessario applicarle regolarmente spessi strati di lozione su tutto il corpo per attenuare i suoi poteri alieni. Emma Stone ha spiegato ulteriormente il procedimento e ha affermato che la pelle umana ha una temperatura di circa 37,5 °C, che è “un punto di fusione per molte creme“. Ciò ha richiesto test e una serie di tentativi per far sì che la crema rimanesse intatta. Insomma un’altra prova della dedizione dell’attrice al suo lavoro.
Il film numero uno su Netflix, KPop Demon Hunters, sta conquistando il mondo e la star Rei Ami (Zoey) ha ufficialmente risposto alle voci di un sequel del film d’animazione di grande successo.
Sul red carpet della festa di Halloween di Heidi Klum, Ami (nota per il suo ruolo di Zoey in KPop Demon Hunters) ha parlato con E! News di un possibile sequel. La rapper coreano-americana ha dichiarato di “aspettare la chiamata, proprio come te! Lo scoprirai quando lo scoprirò io, quindi ne parleremo”.
KPop Demon Hunters segue il popolare girl group K-pop mentre domina le classifiche e deve sconfiggere una boy band rivale di demoni per proteggere la luna di miele e salvare il mondo dal dominio demoniaco. Il cast vocale include Arden Cho nel ruolo di Rumi, May Hong in quello di Mira, Ken Jeong in quello di Bobby e Ahn Hyo-seop in quello di Ji-noo.
Ami ha continuato, affermando di non essersi ancora pienamente adeguata alla popolarità mondiale del film. Ha aggiunto: “Questo è un fenomeno culturale. I record, i titoli… è assolutamente senza precedenti. Sono così onorata e ammirata, e penso di essere davvero onorata dal potere della musica e della buona arte e da come possano davvero, davvero – sembra un cliché – cambiare il mondo”.
KPop Demon Hunters è attualmente il film più visto di sempre su Netflix, grazie al suo successo virale e alla colonna sonora da record, con numerosi successi attualmente nelle classifiche di Billboard. Netflix ha distribuito il film in un’edizione cinematografica limitata, con un incasso di 19,2 milioni di dollari.
Si vocifera di un potenziale sequel dopo il successo mondiale, ma non è stato ancora confermato nulla. La produttrice del film, Michelle Wong, ha parlato di un sequel di KPop Demon Hunters e ha dichiarato: “Siamo tutti molto stanchi [ride]. Ma siamo entusiasti del prossimo passo”.
Anche la creatrice e co-regista Maggie Kang ha affrontato le voci e ha aggiunto che non c’è nulla di ufficiale di cui parlare, ma “c’è sicuramente altro che possiamo fare con questi personaggi in questo mondo. E qualunque cosa sarà, sarà una storia che merita un sequel, e sarà qualcosa che vogliamo vedere”.
KPop Demon Huntersha totalizzato 325 milioni di visualizzazioni entro 90 giorni dalla sua uscita nel giugno 2025. Ha un punteggio di Rotten Tomatoes del 95% e rimane nella mente dei fan, con la speranza che un sequel non sia troppo lontano.
