La quarta stagione di The Witcher è arrivata nel 2025, ma non con i risultati che Netflix si aspettava. Da quando Henry Cavill ha lasciato The Witcher, molti si sono chiesti come la sua assenza avrebbe influenzato la serie fantasy nella sua quarta stagione.
In un rapporto ufficiale di Tudum, sono finalmente arrivati i dati relativi alla quarta stagione di The Witcher, che è tornata su Netflix il 30 ottobre 2025. L’ultima stagione si è classificata al secondo posto nella classifica di Netflix, con 7,4 milioni di visualizzazioni.
Si tratta dei numeri più bassi mai registrati dalla serie, dato che The Witcher – stagione 3 nel 2023, durante la sua prima settimana (dal 26 giugno al 2 luglio 2023), ha avuto 15,2 milioni di visualizzazioni e 73 ore di visione. La stagione 2 ha avuto un rendimento migliore rispetto alla stagione 4, con 142,3 ore di visione. Le stagioni 1 e 2 hanno ottenuto buoni risultati in termini di audience, ma da allora la serie ha registrato un calo.
Dopo l’uscita di Cavill, Liam Hemsworth ha assunto il ruolo di Geralt di Rivia, la cui scelta ha suscitato reazioni estremamente contrastanti o negative. Tuttavia, su Rotten Tomatoes, la stagione 4 ha ottenuto il 75% dei voti della critica e il 46% del pubblico.
L’ultima stagione è descritta da Netflix come segue: Dopo gli eventi della terza stagione che hanno cambiato il continente, Geralt, Yennefer e Ciri si ritrovano separati da una guerra furiosa e da innumerevoli nemici. Mentre le loro strade si dividono e i loro obiettivi si affinano, si imbattono in alleati inaspettati desiderosi di unirsi al loro viaggio. E se riusciranno ad accettare queste nuove famiglie, potrebbero avere la possibilità di riunirsi per sempre…
Nonostante l’accoglienza contrastante riservata alla quarta stagione, The Witcher – stagione 5 è già stata approvata, poiché è destinata a essere l’ultima stagione della serie TV. Le riprese della prossima stagione sono già terminate, poiché il cast e la troupe hanno concluso il lavoro nell’ottobre 2025.
The Witcher stagione 4 è ora disponibile in streaming su Netflix, mentre la piattaforma non ha ancora fissato una data di uscita per la stagione 5.
Negli ultimi anni, le prestazioni di The Witcher sono andate peggiorando. La serie Netflix, partita nel 2019 con un enorme successo e diventata subito un fenomeno culturale, ha iniziato a perdere slancio già con la seconda stagione. Il colpo di grazia è arrivato quando Henry Cavill ha annunciato l’addio al ruolo di Geralt di Rivia, poi affidato a Liam Hemsworth.
Sebbene la quarta stagione non sia stata un disastro e Hemsworth si sia rivelato un degno sostituto, l’immagine complessiva dello show resta segnata da problemi di produzione, incoerenze narrative e un calo di fiducia del pubblico. The Witcher ha avuto momenti brillanti, ma per ogni cosa che ha fatto bene, esiste un’altra serie fantasy che l’ha fatta meglio.
Buffy l’ammazzavampiri
Anche se Buffy the Vampire Slayer ha un tono completamente diverso, questa serie cult ha definito il modello del “mostro della settimana”. Ogni episodio presentava una nuova creatura o minaccia da affrontare, e questa formula episodica le dava un ritmo irresistibile.
In teoria, The Witcher, con il suo protagonista cacciatore di mostri, avrebbe dovuto seguire la stessa formula, magari in modo più sofisticato. La prima stagione ci è andata vicino, ma dalle successive in poi questo elemento è stato accantonato. Nonostante i tentativi di recuperarlo nelle stagioni 3 e 4, Buffy resta imbattuta per capacità di intrecciare mostri, ironia e umanità.
The Magicians
Un altro titolo fantasy interessante è The Magicians, una serie piena di toni ironici e surreali, ma con un grande successo di critica: tutte e cinque le stagioni sono “Certified Fresh” su Rotten Tomatoes.
The Witcher ha reso bene l’aspetto magico dei romanzi di Andrzej Sapkowski, evitando eccessi visivi o effetti ridicoli. Tuttavia, non è bastato. The Magicians dimostra che una trama coerente e costante vale più di effetti spettacolari o combattimenti ben coreografati. La dedizione alla storia, più che alla forma, fa la differenza.
Arcane
Le trasposizioni da videogiochi al cinema o in TV sono spesso rischiose, ma Arcane, ispirata all’universo di League of Legends, è stata un successo totale. La serie animata vanta un rarissimo 100% su Rotten Tomatoes, superando di gran lunga The Witcher.
Curiosamente, anche The Witcher è una saga videoludica oltre che letteraria. Tuttavia, mentre Arcane è riuscita a conquistare anche i fan più esigenti del gioco, la serie Netflix non ha mai pienamente soddisfatto questa fetta di pubblico, che l’ha trovata incoerente rispetto al materiale originale.
His Dark Materials
Basata sulla trilogia Queste oscure materie di Philip Pullman, questa serie è un altro adattamento letterario di successo. Il suo percorso è stato inverso a quello di The Witcher: una partenza discreta con la prima stagione, seguita da un costante miglioramento nei capitoli successivi.
The Witcher, invece, ha mostrato l’andamento opposto: forte debutto, poi un calo di qualità e di consenso sia da parte dei fan che della critica. Chi cerca una serie fantasy che cresce stagione dopo stagione, troverà in His Dark Materials la risposta ideale.
Merlin
Nel panorama fantasy televisivo mancano spesso storie di high fantasy puro, ambientate in epoche mitiche. Merlin, che rilegge le leggende arturiane, è un esempio perfetto del genere. Anche se talvolta un po’ ingenua, ha guadagnato sempre più consensi con il passare delle stagioni.
The Witcher appartiene allo stesso sottogenere, ma Netflix ha tentato di modernizzarne eccessivamente l’estetica e la cultura del Continente. Se nella prima stagione questo equilibrio funzionava, col tempo l’effetto si è perso. Merlin dimostra che, a volte, conservare un’atmosfera antica e autentica è la scelta migliore.
The Sandman
Per chi ama il lato più oscuro e maturo del fantasy, The Sandman è un’ottima alternativa. Basata sull’omonimo fumetto di Neil Gaiman, la serie mescola mitologia, filosofia e oscurità gotica, mantenendo un eccellente 82% su Rotten Tomatoes.
Anche The Sandman ha vissuto turbolenze dietro le quinte, ma i suoi autori hanno saputo concludere la storia in modo dignitoso e coerente. È una lezione che The Witcher avrebbe dovuto imparare: meglio chiudere in bellezza che trascinare una trama logora e disordinata.
Castlevania
Se si cerca un’alternativa più vicina al cuore di The Witcher, la risposta è Castlevania. Anche qui troviamo un cacciatore di mostri, un’ambientazione gotica e toni da dark fantasy. Ma la differenza sta nella qualità: Castlevania ha ottenuto valutazioni altissime, con punte del 100% su Rotten Tomatoes.
La serie animata, tratta da un videogioco, ha saputo migliorarsi stagione dopo stagione, a differenza di The Witcher, che ha perso coesione nel tempo. È la prova che una buona scrittura può rendere grande anche un prodotto di genere.
Good Omens
Per chi apprezza l’umorismo intelligente e il tono ironico che caratterizzava in parte The Witcher, Good Omens è un piccolo gioiello. Anche qui troviamo la mano di Neil Gaiman, ma in una chiave più brillante e surreale.
Il segreto del suo successo risiede nella straordinaria alchimia tra Michael Sheen e David Tennant, che interpretano un angelo e un demone costretti a collaborare per salvare il mondo. Se uno dei due fosse stato sostituito, la serie avrebbe perso il suo cuore — proprio come accaduto a The Witcher con l’uscita di Cavill.
Game of Thrones
Infine, nessun elenco di grandi serie fantasy sarebbe completo senza Game of Thrones. Nonostante i suoi difetti, resta il punto di riferimento del genere.
In particolare, Game of Thrones ha saputo gestire la complessità politica del suo mondo in modo chiaro e coinvolgente, cosa che The Witcher non è riuscita a fare. Le trame politiche della serie Netflix, adattate dai romanzi, si sono rivelate confuse e poco interessanti, mentre Game of Thrones ha mantenuto lo spettatore attento e partecipe.
Se The Witcher ha perso la sua magia lungo il cammino, non mancano alternative in grado di riportare lo spettatore nel cuore del fantasy televisivo — da Buffy a Arcane, da Merlin a Game of Thrones — dimostrando che il genere è più vivo che mai, anche senza Geralt di Rivia.
Netflix ha svelato le prime immagini della nuova serie poliziesca Agatha Christie’s Seven Dials. Basata sull’omonimo romanzo del 1929, la serie sarà interpretata da Mia McKenna-Bruce, che vestirà i panni della giovane protagonista Lady Eileen “Bundle” Brent.
Netflix ha pubblicato un teaser trailer della nuova serie di Agatha Christie, svelando le prime immagini della detective interpretata da Bruce. Il primo sguardo mette in evidenza star che hanno un background familiare nel genere giallo, tra cui Martin Freeman di Sherlock e Helena Bonham Carter di Enola Holmes.
Ambientata nel 1925, la storia segue una festa in casa, dove uno scherzo finisce terribilmente male con un omicidio. Spetterà alla giovane e curiosa detective Bundle indagare sul caso di omicidio, che finirà per cambiare la sua vita.
Chris Chibnall (Broadchurch, Doctor Who) è lo sceneggiatore e produttore esecutivo della serie misteriosa in tre parti, che uscirà il 15 gennaio. Anche il pronipote di Christie, James Prichard, sarà produttore esecutivo della serie attraverso la Agatha Christie Limited.
Foto Simon Ridgway/Netflix
Seven Dials di Netflix è solo il secondo adattamento in assoluto del romanzo giallo di Christie. Il primo tentativo fu il film TV del 1981, diretto da Tony Wharmby. Cheryl Campbell interpretava Blundle, mentre il resto del cast includeva John Gielgud, Harry Andrews, James Warwick e Lucy Gutteridge.
Christie è considerata una delle scrittrici più prolifiche del genere giallo, che le è valso persino i titoli di “Regina del mistero” e “Regina del crimine”. Molte delle sue opere sono state adattate per il grande e il piccolo schermo, tra cui i famosi film di Hercule Poirot di Kenneth Branagh.
Sebbene Poirot e Miss Marple siano alcuni dei personaggi più popolari della Christie, non sorprende che Seven Dials sia stato adattato solo due volte. Il romanzo del 1929 non ricevette recensioni entusiastiche al momento della sua pubblicazione, con molti che espressero il loro disappunto per il cambiamento di stile rispetto alle opere tipiche della Christie.
Foto Simon Ridgway/Netflix
Il personaggio di Bundle è stato introdotto per la prima volta in un romanzo precedente della Christie, The Secret of Chimneys, pubblicato nel 1925. La giovane mondana è descritta come una “it girl” che brama avventure ed emozioni forti, cosa non convenzionale per le donne del suo tempo.
Agatha Christie’s Seven Dials sarà disponibile su Netflix dal 15 gennaio.
Dopo il successo di Alien: Romulus(qui la nostra recensione) nel 2024, era quasi inevitabile che la saga di Alien proseguisse. Il film di Fede Álvarez, che ha riportato in auge il celebre universo creato da Ridley Scott, ha conquistato pubblico e critica grazie al suo ritorno all’horror claustrofobico e viscerale delle origini. Ora, i fan possono esultare: Alien: Romulus 2 è ufficialmente in cantiere.
Álvarez, che ha scritto anche parte della sceneggiatura del seguito, non tornerà però dietro la macchina da presa, lasciando il posto a un nuovo regista ancora da annunciare. Tutto lascia intendere che il secondo capitolo continuerà la storia di Rain e Andy, i due protagonisti sopravvissuti al massacro del primo film, interpretati rispettivamente da Cailee Spaeny e David Jonsson. La loro sopravvivenza era già un chiaro indizio che la saga avrebbe avuto un seguito, e la loro popolarità ha reso naturale costruire il nuovo film intorno a loro.
Ma se Alien: Romulus 2 promette di ampliare il racconto, non può evitare di confrontarsi con un problema che aleggia da anni sul franchise: l’incompiuta storia dei prequel di Ridley Scott, ovvero Prometheus (2012) e Alien: Covenant (2017).
Quando Scott decise di tornare nel mondo che aveva creato nel 1979, lo fece con un approccio ambizioso e atipico. Prometheus non voleva semplicemente raccontare un’altra storia di mostri nello spazio, ma indagare le origini stesse della vita e dell’umanità, toccando temi filosofici e religiosi. Il film, pur ambientato nello stesso universo di Alien, sembrava quasi un’altra cosa: più misterioso, più astratto, e volutamente distante dai codici horror che avevano reso la saga famosa.
Con Alien: Covenant, Scott cercò un equilibrio, riportando gli xenomorfi sullo schermo ma senza abbandonare del tutto le domande metafisiche aperte da Prometheus. Il risultato fu un film che mescolava azione e riflessione, ma che non riuscì a soddisfare tutti. Molti spettatori si sentirono disorientati: troppo diverso per essere un Alien tradizionale, troppo legato ai simbolismi di Scott per essere puro intrattenimento.
Col tempo, però, entrambi i film sono stati rivalutati. Oggi molti fan li considerano opere imperfette ma affascinanti, capaci di espandere la mitologia della saga in direzioni nuove. Eppure, resta un fatto: quella storia non è mai stata completata.
Il finale di Alien: Covenant lasciava aperti innumerevoli interrogativi. Chi sono veramente gli Ingegneri, la razza che avrebbe creato l’umanità e che, per motivi misteriosi, voleva poi distruggerla? Da dove provengono? Qual è il loro legame con gli xenomorfi? E perché hanno abbandonato i loro piani? Le risposte sembravano a portata di mano, ma non sono mai arrivate.
Al centro di tutto c’è David, l’androide interpretato da Michael Fassbender, uno dei personaggi più inquietanti e complessi del franchise. Alla fine di Covenant, si capisce che il suo obiettivo è creare una razza perfetta di xenomorfi, di cui essere il dio e il padrone. Ma il film si interrompe proprio quando il suo progetto sembra cominciare, lasciando intendere che ci sarebbe stato un capitolo successivo in cui il suo piano avrebbe raggiunto l’apice. Quel film, però, non è mai stato realizzato.
Anche l’origine stessa degli xenomorfi è rimasta confusa. Prometheus e Covenant suggeriscono che le creature siano frutto di una lunga catena di esperimenti biologici, manipolazioni genetiche e incidenti evolutivi, ma i dettagli restano oscuri. Scott aveva promesso altri due o tre prequel per completare il quadro e collegarsi direttamente al Alien del 1979, ma il tiepido successo di Covenant fece sfumare i progetti.
Quando poi la Disney acquistò la 20th Century Fox, la direzione cambiò: invece di concludere la visione di Scott, lo studio preferì tornare a un film più tradizionale, più vicino all’horror originale. Così nacque Alien: Romulus.
Credit 20th Century Studios
La mitologia costruita da Scott è troppo importante per essere ignorata
Ridley Scott, nel frattempo, ha espresso opinioni contraddittorie. In alcune interviste ha detto di aver “già dato abbastanza” alla saga, in altre ha lasciato intendere che tornerebbe a dirigerne un altro prequel se trovasse “l’idea giusta”. Questa incertezza ha lasciato il franchise in una sorta di limbo creativo: la mitologia costruita da Scott è troppo importante per essere ignorata, ma al tempo stesso troppo incompleta per integrarsi del tutto con i nuovi film.
Non si può dire che questa mancanza renda Alien: Romulus un film peggiore, ma è innegabile che pesi sulla sua ricezione. Guardando il film, è difficile non pensare a tutto ciò che Prometheus e Covenant hanno lasciato in sospeso: gli Ingegneri, David, il mistero delle origini. Álvarez ha inserito piccoli riferimenti, come la famosa “sostanza nera” di Prometheus, ma è chiaro che quella non era la sua storia da raccontare.
E adesso Alien: Romulus 2 eredita lo stesso problema. I fan, naturalmente, cercano di “collegare i puntini”, di trovare un senso unitario tra vecchi e nuovi film. Ma finché Scott non concluderà la sua trilogia dei prequel, ogni nuovo capitolo porterà con sé questo peso narrativo. È come avere un facehugger invisibile nella stanza: anche se non lo si vede, tutti sanno che è lì, pronto a ricordare che la storia di Alien non è ancora completa.
Le nuove immagini di The Night Manager rivelano il ritorno di Tom Hiddlestondopo nove anni. A lungo in fase di sviluppo, la seconda stagione di The Night Managerriprenderà con Jonathan Pine, interpretato da Hiddleston, che assumerà una nuova identità e incontrerà un mix di volti familiari e nuovi. Il tanto atteso revival vedrà anche l’attrice premio Oscar Olivia Colman riprendere il ruolo di Angela Burr.
Vanity Fairha svelato le prime foto di Hiddleston e Colman mentre si girano per The Night Manager. La galleria, inclusa qui sotto, punta i riflettori su una coppia di membri del cast, come Diego Calva, star di Babylon e On Swift Horses, e Camila Morrone, attrice di Daisy Jones & The Six, nominata agli Emmy.
In programma sulla BBC e BBC iPlayer nel Regno Unito e in streaming su Prime Video negli Stati Uniti, la nuova stagione non ha ancora annunciato una data di uscita. Ma una serie di nuove foto offre un assaggio di ciò che ci si può aspettare dal thriller di spionaggio. È un mix di brivido e urgenza, poiché la spia interpretata da Hiddleston si ritrova in acque pericolose e deve bilanciare alleanze instabili.
La seconda stagione di The Night Manager è composta da sei episodi. Vedrà Jonathan Pine vivere come Alex Goodwin. Goodwin, un ufficiale di basso livello dell’MI6, gestisce una tranquilla unità di sorveglianza a Londra. Tuttavia, l’incontro con un vecchio mercenario al servizio di Roper (Hugh Laurie) catapulta il personaggio di Hiddleston in una nuova e pericolosa missione.
Tale missione metterà Goodwin in contatto con l’uomo d’affari colombiano Teddy Dos Santos (interpretato da Calva) e Roxana Bolaños (Morrone), una donna d’affari che aiuta Goodwin contro Teddy con riluttanza.
The Night Manager è basato sull’omonimo romanzo del 1993 di John le Carré.
Il thriller di spionaggio adattato è già stato rinnovato per la terza stagione, con la seconda in fase di riprese nel Regno Unito, in Colombia, in Spagna e in Francia. Tra gli attori che tornano ci sono Noah Jupe, protagonista di A Quiet Place, nel ruolo di Danny Roper, ormai cresciuto dopo quello che è successo a suo padre alla fine della prima stagione di The Night Manager, oltre ad Alistair Petrie nel ruolo di Alexander “Sandy” Langbourne, Douglas Hodge nel ruolo di Rex Mayhew e Michael Nardone nel ruolo di Frisky.
Con un cast che include Indira Varma, Paul Chahidi e Hayley Squires, e il creatore della serie David Carr che torna come produttore esecutivo, The Night Manager ha il potenziale per diventare una delle migliori serie su Prime Video. Si basa sulle opere di uno degli scrittori di thriller più influenti, ma offre un tocco unico per un ritorno molto atteso.
Ibelin, una storia vera e stimolante legata a World of Warcraft, ha scelto i primi sei attori protagonisti. Il film racconta la vita del giocatore Mats Steen, il cui avatar nel popolare gioco si chiamava Ibelin Redmoore.
Steen era affetto da una malattia muscolare degenerativa nota come distrofia muscolare di Duchenne. Nonostante le difficoltà che questo comportava, ha trascorso gran parte della sua vita giocando a World of Warcraft, dove è diventato un personaggio famoso e parte di una comunità più ampia. È scomparso all’età di 25 anni nel 2014.
Il film Ibelin, di prossima uscita, ha ora scritturato Charlie Plummer (The Long Walk), Stephen Graham (Adolescence), Toni Collette (Hereditary), Isabela Merced(The Last of Us), Maisy Stella (My Old Ass) e Anthony Hopkins (Il silenzio degli innocenti).
Ibelin è diretto da Morten Tyldum, che ha ricevuto una nomination all’Oscar come miglior regista per il suo lavoro in The Imitation Game (2014). Ha anche diretto il film romantico di fantascienza Passengers (2016) con Jennifer Lawrence e Chris Pratt.
La sceneggiatura di Ibelin sarà scritta da Ilaria Bernardini (Citadel: Diana) e Hossein Amini (The Wings of the Dove). Amini ha ottenuto una nomination all’Oscar come miglior sceneggiatura non originale per Le ali dell’amore, mentre Bernardini ha ricevuto una nomination ai BAFTA per il cortometraggio Chalk del 2012.
Oltre a descrivere la vita di Steen, Ibelin sarà basato sul blog Musings of Life del giocatore norvegese, dove ha scritto della sua vita sia dentro che fuori dal gioco. Il film includerà anche la storia dei compagni di gioco con cui ha stretto amicizia e della sua amorevole famiglia. Le riprese dovrebbero iniziare in Europa nella primavera o nell’estate del 2026.
Non è la prima volta che la storia di Steen viene raccontata, poiché è già stata immortalata in un documentario presentato in anteprima al Sundance Film Festival del 2024. Le recensioni di The Remarkable Life of Ibelin sono state incredibilmente positive, con critici e pubblico commossi dalla straordinaria storia. Il documentario candidato agli Emmy Award, disponibile su Netflix, esplora come i genitori di Steen pensassero che il figlio vivesse una vita isolata, solo per poi ricevere messaggi da tutto il mondo che lo piangevano.
Ibelin avrà sicuramente un successo maggiore rispetto a Warcraft(2016), il film tratto dal videogioco che ha ricevuto un punteggio critico del 29% su Rotten Tomatoes. Invece di adattare un universo immaginario, Ibelin racconta una storia completamente diversa e reale su un individuo la cui vita è stata cambiata per sempre dal gioco e dalla comunità che ha trovato al suo interno.
Secondo le recenti indiscrezioni, Martin Scorsese avrebbe scelto il suo prossimo progetto: un adattamento del romanzo “Cose che succedono la notte” di Francis Steegmuller, con Leonardo DiCaprio e Jennifer Lawrence nel cast. La conferma non è ancora ufficiale, anche in considerazione dei numerosi progetti che il regista ha sviluppato negli ultimi anni e che non hanno raggiunto la fase produttiva. Tuttavia, durante il tour promozionale del film Die My Love di Lynne Ramsay, Lawrence ha lasciato intendere che il progetto sia effettivamente in via di definizione, come riportato da IndieWire.
L’attrice ha indicato una possibile partenza delle riprese tra gennaio e febbraio, pur ammettendo che il calendario potrebbe subire variazioni. Altre fonti suggeriscono che l’inizio della produzione potrebbe essere posticipato, considerando il probabile coinvolgimento di DiCaprio nella campagna Oscar per la sua interpretazione in Una battaglia dopo l’altra. In tal caso, le riprese potrebbero slittare alla primavera.
Di cosa parla Cose che succedono la notte?
Cose che succedono la notte segue la storia di una coppia americana che si reca in una cittadina europea coperta di neve per adottare un bambino. Una volta arrivati, soggiornano in un grande hotel quasi deserto, popolato da figure enigmatiche: un cantante eccentrico, un uomo d’affari corrotto e una guaritrice dal forte carisma. Mentre la coppia tenta di riportare il bambino a casa, la situazione comincia a deteriorarsi e la realtà attorno a loro — così come il loro rapporto — inizia a sgretolarsi.
DiCaprio ha raccontato nel podcast The Big Picture che Scorsese gli avrebbe consigliato di rivedere “La donna che visse due volte” di Alfred Hitchcock come punto di riferimento per l’atmosfera del film. Il collegamento appare coerente con le tematiche del romanzo, che esplora una dimensione sospesa tra sogno e realtà e il tema dell’ossessione.
Al momento non sono disponibili ulteriori dettagli sulla produzione o sulla durata prevista del film. Cose che succedono la nottesi prospetta come un progetto differente rispetto alle recenti opere di Scorsese, dopo titoli di ampio respiro come The Irishmane Killers of the Flower Moon. Qualsiasi aggiornamento ufficiale su cast, calendario e distribuzione sarà annunciato dai canali di produzione nelle prossime settimane.
Il creatore di SupernaturalEric Kripke ha rivelato che inizialmente aveva in mente un finale molto diverso per il Supernaturalfinale della quinta stagione, completamente diverso da quello che abbiamo visto alla fine nella quinta o nella quindicesima stagione. I fan di Supernatural sanno che il finale della quinta stagione era il finale originale di Supernatural, ma che la serie è poi continuata per altre 10 stagioni.
Per questo motivo, la serie ha tecnicamente due finali: il finale della quinta stagione, “Swan Song”, che è ampiamente considerato uno degli episodi capolavoro di Supernatural, e il finale di Supernatural nella quindicesima stagione (la vera conclusione della serie). Ogni finale ha sicuramente i suoi pro e i suoi contro, e il dibattito su quale finale fosse migliore rimane aperto.
Tuttavia, sembra che ci fosse una terza opzione che non ha mai visto la luce, o che apparentemente non era nemmeno nota, che avrebbe significato un finale completamente diverso per Sam e Dean Winchester, e tutti dovrebbero essere molto sollevati che non sia mai successo.
Il finale originale della quinta stagione di Eric Kripke significava che la storia si sarebbe ripetuta
L’attore Rob Benedict, che interpreta Dio/Chuck, e l’attore Richard Speight Jr., che interpreta Loki/Gabriel/Trickster, conducono insieme un podcast di rivisitazione di Supernatural, Supernatural Then and Now, in cui parlano con gli attori, gli sceneggiatori e i creatori della serie, insieme a vari altri professionisti che hanno lavorato alla serie.
In un episodio di inizio anno, intitolato “Swan Song Part 2: Kripke Reloaded”, Benedict e Speight Jr. hanno incontrato il creatore di Supernatural Eric Kripke, che ha rivelato che c’era un altro finale alternativo per la serie. Kripke ha spiegato:
“Sam va all’inferno, Dean si fa il culo per cercare di tirarlo fuori in un montaggio, un po’ simile a quello che c’è lì, ma alla fine non ci riesce perché il grande cambiamento emotivo di Dean era che doveva imparare a lasciar andare suo fratello, giusto? … Quindi, penso che fosse più qualcosa del tipo: ‘Oh, dove è andato? Ma lo lascerò andare’”.
Ma questo era ben lontano dall’essere la fine della storia di Dean in questo finale alternativo. Kripke ha invece rivelato che il finale della quinta stagione avrebbe mostrato la storia che si ripete per Dean Winchester in un modo davvero terrificante. Kripke ha spiegato:
“Poi Dean torna da [Lisa] e hanno un bambino, una bambina, che lui chiama Samantha. E poi l’immagine finale sarebbe stata lui con Samantha, che bacia Samantha e poi bacia, sapete, [Lisa], e mette la bambina nella culla, poi se ne vanno, spengono la luce, e poi una figura oscura si avvicina alla culla, e si torna al teaser di Supernatural, quindi c’è una figura oscura, e poi è come un blackout totale, e la forte implicazione è che tutto ricomincerà da capo. Quindi, Dean diventerà John, Samantha sarà la nuova cacciatrice di demoni, sua moglie sarà sul soffitto e Sam ovviamente tornerà dentro.
Questo finale avrebbe cambiato drasticamente la conclusione di Supernatural in molti modi. Per prima cosa, ovviamente, Dean avrebbe avuto un bambino, cosa che non è mai successa nella serie. In realtà, il vero finale di Supernatural ha essenzialmente ribaltato questa narrazione, con Sam che è quello che ha un figlio e gli dà il nome di Dean.
Oltre a questo significativo cambiamento, però, questa conclusione non avrebbe visto la storia di Dean e Sam andare avanti; invece, tutto sarebbe ricominciato da capo, trascinando con sé una nuova generazione. È vero che il finale effettivo di Supernatural è stato controverso, ma questo sarebbe stato un finale ancora peggiore per la serie.
Questo finale sarebbe stato completamente insoddisfacente
Vedere la storia ripetersi sarebbe stato un finale del tutto insoddisfacente. Forse l’aspetto più frustrante di questo arco narrativo sarebbe stato vedere Dean diventare come suo padre. I fan sono molto divisi quando si tratta di esprimere opinioni su John Winchester. Alcuni spettatori provano empatia per lui e credono che abbia fatto del suo meglio, mentre altri pensano che fosse un padre terribile.
Anche le star di Supernatural hanno fatto riferimento alla paternità di John e, nella serie stessa, è un argomento con cui i fratelli devono confrontarsi. Tuttavia, è lecito supporre che la maggior parte degli spettatori avrebbe avuto dei problemi con il fatto che Dean diventasse suo padre. Dopotutto, una delle cose che definiva il rapporto di Dean con Sam era il modo diverso in cui lo trattava.
Per molti versi, Dean era la vera figura paterna di Sam, poiché si prendeva sempre cura di lui; John, al contrario, sembrava mettere sempre la caccia al primo posto. Vedere questo accadere a Dean, che era sempre stato così contrario al comportamento di suo padre, sarebbe stato davvero straziante e avrebbe tradito la caratterizzazione di Dean che era stata costruita nel corso di cinque stagioni.
Inoltre, sapere che i fratelli alla fine non erano davvero sfuggiti a nulla ed erano destinati a entrare nello stesso ciclo brutale e tragico sarebbe stato più che deprimente. In un certo senso, questo avrebbe dato l’impressione che tutto ciò che avevano fatto fosse stato inutile. Anche Eric Kripke sembra esserne consapevole, come ha detto a Benedict e Speight Jr.:
“Quello era il finale, era pieno di punti interrogativi e non era un lieto fine. Era come se fosse un film horror, sapete, con Jason che alla fine salta fuori dall’acqua”.
I fan rimangono divisi sul fatto che Supernatural abbia concluso bene la serie – e ammetto di avere anch’io qualche problema con il finale della stagione 15 – ma se questo finale alternativo fosse stato davvero la conclusione della serie, sarebbe stato molto peggiore del finale che abbiamo avuto nella stagione 5 o nella stagione 15.
Sia il finale della stagione 5 che quello della stagione 15 sono migliori di questo finale
Molti considerano “Swan Song” uno dei migliori episodi di Supernatural, e a ragione. Anche se a suo modo è stato straziante, questo episodio ha chiuso il cerchio della storia di Sam e Dean, e sembrava il vero culmine di tutto ciò che era successo fino a quel momento nella serie.
In realtà, la storia non è mai stata così coerente come in quell’arco narrativo di cinque stagioni, in cui Sam e Dean sono rimasti coinvolti nell’epico scontro tra Lucifero e Michele. Ciononostante, molti erano felici di avere più tempo con Dean e Sam, che alla fine si è tradotto in un intero decennio in più contenente alcune delle storie e dei personaggi più amati di Supernatural.
Tuttavia, soprattutto a causa del modo in cui Dean è morto nel finale della serie, la conclusione della stagione 15 si è rivelata molto meno popolare come finale. Molti sono rimasti scontenti nel vedere Dean morire combattendo un comune vampiro piuttosto che in modo eroico ed epico, e sapere che Sam ha vissuto decenni senza suo fratello è stato come versare sale sulla ferita.
Per quanto alcuni possano trovare deludente questa conclusione, tuttavia, il piano originale di Eric Kripke sarebbe stato il peggiore dei tre finali. Sì, la morte di Dean è stata devastante (e frustrante sotto molti aspetti), ma almeno non ha compromesso la serie. Si può dire che abbia fatto il contrario, uccidendo Dean nel modo in cui lui aveva sempre immaginato di morire.
Premere il pulsante di reset sulla storia di Sam e Dean, ora con una nuova generazione soggetta agli stessi orrori che hanno vissuto loro, sarebbe stato come uno schiaffo in faccia ai fan, quindi sono davvero incredibilmente felice che il finale originale di Supernatural di Eric Kripke non sia mai stato realizzato.
Quattro nuovi attori si sono uniti al remake di Highlander di Amazon MGM Studios con Henry Cavill. L’annuncio arriva dopo la notizia che il film è stato rinviato a causa di un infortunio riportato da Cavill prima dell’inizio delle riprese. La produzione è stata posticipata all’inizio del 2026, dopo che l’inizio del remake del film cult del 1986 era stato precedentemente programmato per settembre.
Oltre a Henry Cavill, che interpreta il ruolo principale del guerriero immortale Connor MacLeod, il cast stellare di Highlander include Russell Crowe, Dave Bautista, Karen Gillan, Jeremy Irons, Djimon Hounsoue Marisa Abela. Il coinvolgimento di Crowe e Hounsou segna una reunion a più di vent’anni dai loro ruoli ne Il Gladiatore di Ridley Scott (2000). Secondo The Hollywood Reporter, il cast di Highlander ora include anche Kevin McKidd, Siobhán Cullen, Jun Jong-seo e Nassim Lyes.
Il ruolo di McKidd rimane segreto, ma ha esperienza nel genere fantasy, avendo precedentemente interpretato Poseidone in Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo: Il ladro di fulmini, oltre ad aver doppiato Lord MacGuffin in Ribelle – The Brave della Pixar e il guerriero mandaloriano Fenn Rau in Star Wars Rebels. È noto anche per i suoi ruoli in Rome e Grey’s Anatomy.
Per quanto riguarda gli altri nuovi arrivati, il personaggio di Cullen è uno psichiatra poliziotto che scopre l’esistenza di esseri immortali e vuole aiutare il personaggio di Cavill. Cullen ha recitato in Bodkin di Netflix e in Obituary di Hulu.
Il personaggio di Jong-seo fa parte della setta degli Osservatori, mentre Lyes è un individuo immortale che dà la caccia a MacLeod. Tra i precedenti ruoli di Jong-seo figurano Burning, il primo film sudcoreano a entrare nella rosa dei candidati agli Oscar per il miglior film straniero, mentre Lyes ha recitato in Under Paris di Netflix.
Il personaggio di Cullen non sarà l’unico alleato di MacLeod, poiché Crowe interpreta Ramirez, uno spadaccino che è mentore e amico del protagonista. Gillan interpreta la moglie di MacLeod, ma a differenza di lui, è mortale.
Il personaggio di Jong-seo interagirà probabilmente con Irons, che guida gli Osservatori, che osservano gli immortali come MacLeod e li considerano una minaccia. Hounsou interpreta un altro guerriero immortale.
Sembra che il personaggio di Lyes sarà un cattivo, probabilmente in un ruolo secondario. Il cattivo principale del film fantasy è Kurgan, interpretato da Bautista.
Cosa sappiamo di Highlander
Il nuovo film Highlanderè il remake di un fantasy d’azione del 1986 su guerrieri immortali, con l’attore Henry Cavill di L’Uomo d’Acciaio e The Witcher nel ruolo principale. La regia è affidata a Chad Stahelski, già regista della serie John Wick. Il resto del cast è poi composto da Russell Crowe nel ruolo del mentore originariamente interpretato da Sean Connery nel classico del 1986, Djimon Hounsou, Drew McIntyre, Dave Bautista,Marisa Abela, Kevin McKidd, Siobhán Cullen, Jun Jong-seo e Nassim Lyes. Jeremy Irons interpreta il leader dei Watchers, un ordine segreto incaricato di tenere d’occhio Cavill e i suoi compagni immortali.
Christopher Lambert e Sean Connery hanno recitato nel film originale Highlander nel lontano 1986. La storia ricca di azione di esseri immortali impegnati in un combattimento eterno ha dato vita a un franchise che comprendeva quattro sequel, un film per la TV, due serie live-action e una serie animata. Sebbene il film originale e i suoi sequel sempre più ridicoli siano ormai entrati a pieno titolo nella categoria dei cult classici, Highlander è stato ritenuto un IP sufficientemente prezioso da giustificare un remake, con Cavill nel ruolo interpretato quasi 40 anni fa da Lambert.
Quale destino ha colpito Sam e Dean Winchester nel finale della serie Supernatural? Non è esagerato affermare che Supernatural è stato un punto fermo della televisione negli ultimi 15 anni. La storia di mostri e miti di Eric Kripke ha sfidato ogni pronostico, conquistando un pubblico appassionato e fedele e guadagnandosi il diritto di concludersi secondo i propri termini. Dopo aver esaurito ogni possibilità di aumentare la posta in gioco stagione dopo stagione, la quindicesima stagione di Supernatural è stata confermata come l’ultima, con uno scontro finale tra i Winchester e Dio dopo che Chuck ha rivelato di essere stato l’artefice di ogni sventura e tragedia nella vita di Sam e Dean come parte di un grande esercizio narrativo.
Il penultimo episodio di Supernatural ha risolto la trama generale di Chuck e si è concluso con Jack che è diventato il nuovo Dio dell’universo. La minaccia dell’apocalisse è passata e i Winchester sono liberi, ma con un altro episodio ancora da vedere, altri colpi di scena attendono inevitabilmente lungo la tortuosa strada della stagione 15 di Supernatural. “Carry On” riduce Supernatural ai suoi elementi fondamentali: Sam e Dean Winchester che salvano le persone e danno la caccia alle creature soprannaturali. Il finale semplice e incentrato sui personaggi rivela come si conclude il viaggio di entrambi i Winchester e offre una serie di scambi strappalacrime tra i fratelli sulla strada verso una conclusione definitiva che lascia poco spazio all’ambiguità.
Come per l’episodio precedente, il finale della serie Supernatural è stato chiaramente influenzato dalle restrizioni dovute al COVID-19, cosa che deve essere tenuta in considerazione nel giudicare i meriti dell’episodio. Ciononostante, la reazione immediata online è stata per lo più negativa. Ecco cosa è successo in “Carry On” di Supernatural e tutto ciò che l’episodio ha rivelato sul destino di Sam e Dean Winchester.
L’ultima caccia soprannaturale di Sam e Dean Winchester
Dopo aver sconfitto Dio, i Winchester affrontano un’altra sfida ardua all’inizio del finale di Supernatural: la vita normale. Sam rifà il letto, Dean mangia un po’ di torta e i fratelli adottano Miracle, il cane scomparso nell’episodio della scorsa settimana. Sam conferma che non si hanno notizie di Castiel o Jack, e i fratelli riprendono la loro vita quotidiana, cercando eventi misteriosi su Internet e viaggiando per il paese per indagare. Pochi si aspettavano che l’ultimo episodio di Supernatural avrebbe assunto la forma di una classica storia “mostro della settimana”, ma è proprio questo il modello scelto da “Carry On”. Usando gli pseudonimi ‘Singer’ e “Kripke” (un cenno al produttore di Supernatural Robert Singer e al creatore Eric Kripke), i Winchester indagano su un nido di vampiri mascherati che attaccano sistematicamente le famiglie e rapiscono i bambini.
Nonostante si presenti (in modo molto convincente) come una missione ordinaria, l’ultima caccia di Supernatural è ricca di simbolismo che richiama le origini della serie. Come nelle stagioni precedenti, Sam e Dean utilizzano il diario del padre come indizio e, facendo irruzione nel covo dei vampiri (un fienile abbandonato sorprendentemente ben illuminato), i Winchester salvano due giovani fratelli catturati. Viene tracciato un parallelo tra Sam e Dean e i due bambini senza nome. Proprio come un evento paranormale traumatico ha privato i Winchester della loro infanzia, i giovani liberati dal covo dei vampiri saranno segnati da questa esperienza per gli anni a venire, forse diventando essi stessi cacciatori o giurando vendetta sui succhiasangue, proprio come la famiglia Winchester ha giurato di uccidere Yellow-Eyes. C’è una certa poesia nel fatto che l’ultimo atto di Dean sulla Terra sia quello di salvare due giovani fratelli che hanno appena perso i genitori.
E sì, avete letto bene. L’ultimo atto di Dean sulla Terra. Durante la lotta contro questi vampiri mascherati e corpulenti, Dean viene sconfitto dal suo più grande nemico, il vero cattivo della stagione 15 di Supernatural… un, ehm… *controlla gli appunti* un paletto arrugginito? Il vampiro che mette fine al potente Dean Winchester è sia mascherato che senza nome – un sicario senza volto in una serie piena zeppa di sicari senza volto – e finire su un paletto è pura sfortuna. Sebbene nulla nel finale lo suggerisca, la morte di Dean potrebbe essere attribuita alla caduta di Chuck. La stagione 15 di Supernatural aveva precedentemente rivelato che la “storia” di Chuck proteggeva i Winchester dal male e dalla sfortuna. Nella sua prima missione da uomo libero, Dean viene ucciso: forse Dio stava davvero facendo tutto il lavoro.
Sebbene le circostanze della morte di Dean siano discutibili, le interpretazioni di Jensen Ackles e Jared Padalecki sostengono l’intero episodio. Mentre i Winchester si salutano, Dean rivela quanto sia orgoglioso di Sammy e chiede a suo fratello di rassicurarlo mentre la morte si avvicina. La scena ripaga il primissimo episodio di Supernatural. Nel 2005, Dean reclutò suo fratello da una promettente carriera legale per unirsi allo stile di vita da cacciatore, e da allora i due sono stati praticamente inseparabili. L’emozionante addio risolve ogni tensione residua tra i due e dà a Sam la chiusura che ha sempre desiderato come “outsider” della famiglia che ha scelto l’istruzione universitaria invece della caccia ai mostri. Dean implora suo fratello di dirgli “va tutto bene, ora puoi andare” e Sam lo accontenta in lacrime. Questa frase riconosce come Dean Winchester sia sempre stato il combattente della squadra, quello che sarebbe morto sul campo di battaglia invece di sistemarsi. Con Dio scomparso, la battaglia è finita e Dean può finalmente riposare.
La vita di Dean in Paradiso, il destino di Castiel e Jack
Il più delle volte, la morte è solo l’inizio in Supernatural, e così è anche per Dean Winchester. Dopo aver ricevuto un funerale da cacciatore a prova di COVID, Dean appare in Paradiso dove si ricongiunge con Bobby Singer. Non Apocalypse Bobby. Non Bobby Singer, produttore, regista e sceneggiatore. Il vero Bobby Singer. In precedenza, il Paradiso era organizzato in stanze, dove ogni residente viveva i propri ricordi più cari, ma Bobby rivela che quando Jack è diventato il nuovo sceriffo della città, sono stati apportati dei cambiamenti. Innanzitutto, Jack ha fatto evadere Bobby dalla prigione celeste. Nella stagione 10 di Supernatural, l’anima di Bobby ha infranto le regole del Paradiso per aiutare Sam e Dean un’ultima volta, e l’anziano cacciatore è stato visto per l’ultima volta mentre veniva arrestato da alcuni angeli dall’aria scontrosa. Presumibilmente per onorare i suoi genitori adottivi, Jack ha liberato Bobby. Il nuovo Dio ha anche abbattuto le barriere dell’aldilà. Invece di confinare ogni anima in una stanza specifica, il Paradiso è ora un gigantesco parco giochi per i buoni, e Bobby (rilassandosi fuori dall’Harvelle’s Roadhouse) rivela che Rufus vive proprio in fondo alla strada… così come una certa coppia di nome Mary e John Winchester.
Sebbene Castiel non compaia nell’episodio finale di Supernatural (una decisione presa, si spera, a causa delle restrizioni COVID e nient’altro), Bobby rivela un destino promettente per l’angelo preferito dei Winchester. Castiel è stato assorbito dal Vuoto diversi episodi prima, ma Bobby sostiene che l’angelo abbia dato una mano a Jack a riformare il Paradiso. Ciò implica che Castiel sia stato liberato dalla sostanza nera e che ora gli sia permesso di camminare in Paradiso come angelo libero. Il pubblico può solo supporre che Castiel alla fine si sia riunito con i fratelli Winchester, forse abbia seguito i suoi sentimenti per Dean, e che tutti abbiano vissuto felici e contenti.
Dopo la sua chiacchierata con Bobby, la prima cosa che Dean fa è bere della birra, guidare la sua auto e ascoltare i Kansas. Non è chiaro quanto duri il viaggio di Dean, ma presto viene raggiunto da un volto familiare…
La vita di Sam Winchester dopo Dean
Sam Winchester è sempre stato il fratello che immaginava una vita al di fuori della caccia: quello che è andato al college, ha avuto una ragazza stabile e mangiava le verdure. È forse appropriato, quindi, che Sam abbia il finale più felice dei due fratelli Winchester. Quando un Winchester è morto in Supernatural (e gli esempi non mancano), il fratello sopravvissuto ha quasi sempre trovato un modo per riportare in vita l’altro, tanta è la loro devozione reciproca. Quando Dean muore in “Carry On”, chiede a Sam di non intraprendere quella strada oscura, riferendosi a tutti i problemi che le loro resurrezioni hanno causato in passato. A differenza delle stagioni precedenti, Sam accetta e mantiene la promessa. Questo potrebbe riflettere quanto i fratelli Winchester siano cresciuti durante le loro avventure. D’altra parte, forse la presenza di Jack e l’apparente mancanza di cattivi importanti nel futuro della Terra significa che Sam non ha mai trovato una ragione giustificabile per riportare in vita Dean.
In lutto per la perdita del fratello, Sam Winchester si ritrova solo nel bunker (almeno Miracle è ancora lì), ma dopo aver ricevuto una richiesta di aiuto da Donna Hanscum delle Wayward Sisters, Sam decide di riprendere a cacciare come lupo solitario. Ma la caccia era sempre stata il sogno di Dean, mentre Sam aveva aspirazioni più ampie.
Fortunatamente, il giovane Winchester riesce a conciliare con successo una vita familiare rosea con i suoi doveri di cacciatore di mostri. Mentre Dean guida l’Impala attraverso le radure canadesi del Paradiso, Sam ha un figlio, che chiama naturalmente come il fratello defunto. Sam costringe anche il bambino a indossare un paio di orribili salopette con il suo nome stampato sopra. Man mano che Dean Jr. cresce, viene rivelata la vita familiare di Sam. Anche se il pubblico non vede chiaramente la signora Winchester (ancora una volta, questo è presumibilmente dovuto alle regole COVID), è lecito supporre che Sam abbia sposato Eileen, la collega cacciatrice con cui ha avuto una relazione durante l’ultima stagione di Supernatural.
Quando Dean Jr. raggiunge l’adolescenza, Sam non è invecchiato di un giorno, ma la clip successiva nel montaggio finale di “Carry On” fa avanzare ulteriormente la linea temporale. Un Sam ormai grigio, con cardigan e occhiali (come altro potremmo sapere che è vecchio?), condivide un emozionante ricongiungimento con l’Impala, che è stata conservata in un garage per tutti questi anni. Alla fine, il vecchio Sam muore con il figlio adulto al suo capezzale. La telecamera indugia su un tatuaggio sul braccio di Dean Jr., che conferma che la stirpe dei cacciatori è continuata nella generazione successiva. Sembra che Sam ed Eileen abbiano continuato a cacciare mostri e abbiano cresciuto il loro figlio nell’attività di famiglia. Per pura coincidenza, le ultime parole di Dean Jr. a Sam sono le stesse che Sam ha detto a Dean all’inizio dell’episodio, accompagnandolo nell’aldilà.
Nella scena finale di Supernatural, Sam e Dean Winchester si riuniscono in Paradiso. Per Sam sono passati decenni da quando ha visto suo fratello maggiore, ma non è chiaro come sia trascorso il tempo dal punto di vista di Dean. Bobby ha affermato che il tempo funziona in modo diverso in Paradiso, e il viaggio di Dean con la sua Impala si intreccia con il montaggio della vita di Sam, con i fratelli che si incontrano di nuovo quando Dean finalmente parcheggia.
I finali delle serie TV sono intrinsecamente complicati, ed è chiaro che il finale di Supernatural è più vicino a quello di Game of Thrones che a quello di Breaking Bad nella mente dei fan. Si possono certamente mettere in discussione alcune delle decisioni creative prese in “Carry On” e, anche tenendo conto delle restrizioni dovute al COVID-19, il finale di stagione di Supernaturalè stato in alcuni punti insoddisfacente. Una cosa che non può essere messa in discussione, tuttavia, è l’intesa tra Jensen Ackles e Jared Padalecki. Il duo protagonista di Supernatural ha sostenuto la serie nei momenti difficili e nelle trame poco ispirate, e il loro rapporto è sempre stato il cuore pulsante della serie. È forse appropriato che in un finale controverso, Sam e Dean Winchester corrano in soccorso di Supernatural un’ultima volta nell’episodio finale.
Ian McKellen e Tramell Tillman sono pronti a unirsi al cast di Ebenezer: A Christmas Carol, la nuova versione del classico romanzo di Charles Dickens prodotta da Paramount e Ti West – quest’ultimo anche alla regia -, con Johnny Deppnel ruolo del protagonista. Anche Andrea Riseborough ha firmato il contratto, e lo studio ha fissato la data di uscita del film per il 13 novembre 2026. La sceneggiatura è stata scritta da Nathaniel Halpern, mentre la produzione è di Emma Watts.
Il classico racconto di Dickens è stato più volte rivisitato nel corso degli anni con la sua storia di un anziano avaro visitato dal fantasma del suo ex socio in affari e dagli spiriti del Natale passato, del Natale presente e del Natale futuro. Questo è anche il secondo film tratto da A Christmas Carol annunciato quest’anno, dopo che la Warner Bros ha avviato lo sviluppo di un adattamento di Robert Eggers con Willem Dafoe nel ruolo di Scrooge.
La versione di Depp, un’emozionante storia di fantasmi ambientata nella Londra di Dickens, segue il viaggio soprannaturale di un uomo che affronta il suo passato, presente e futuro e lotta per una seconda possibilità. Sebbene non sia stato confermato, fonti dicono che Tramell Tillman interpreterà il Fantasma del Natale Presente, mentre non si sa chi interpreteràIan McKellen. Stephen Deuters e Jason Forman sono i produttori esecutivi. Anche Adam Bohling e David Reid sono produttori esecutivi.
Dove abbiamo visto di recente Ian McKellen e Travis Tillman?
Negli ultimi tempi, l’attore Ian McKellen ha preso parte a diversi progetti, tra cui il film drammatico e thriller in costume intitolato Il Critico – Crimini tra le righe. Prossimamente rivedremo l’attore nel ruolo di Magneto in Avengers: Doomsday, che segnerà così il suo ritorno nel mondo dei cinecomic. Inoltre, McKellen ha confermato di essere stato contattato per riprendere il suo iconico ruolo di Gandalf nel film in produzione de Il Signore degli Anelli intitolato The Hunt for Gollum, che dovrebbe uscire nel 2027.
Tillman è reduce dalla sua acclamata interpretazione nell’ultima stagione di Scissionedella Apple, che gli è valsa un Emmy come miglior attore non protagonista quest’anno. Attualmente è impegnato nelle riprese di Spider-Man: Brand New Day della Sony al fianco di Tom Holland. Recentemente ha terminato le riprese del film Your Mother Your Mother Your Mother della Amazon MGM Studios e del film Good Sex di Lena Dunham per Netflix. Questa primavera, Tillman ha recitato al fianco di Tom Cruise in Mission: Impossible – The Final Reckoning, presentato in anteprima mondiale al Festival di Cannes.
Universal ha pubblicato un nuovo trailer diFive Nights at Freddy’s 2, a un mese dall’uscita nelle sale. Diretto da Emma Tammi, il sequel è ambientato un anno dopo, quando Abby (Piper Rubio) cerca di ricongiungersi con i suoi amici animatronici. Le preoccupazioni di Mike (Josh Hutcherson) lo spingono a cercare risposte sulle origini della Freddy Fazbear’s Pizza.
Secondo la Universal, l’ultimo trailer offre una panoramica completa degli animatronici e delle minacce che attendono Mike, Abby e Vanessa (Elizabeth Lail).
Il filmato si apre con Vanessa che si sveglia da un incubo e svela una versione più giovane di lei che scappa e si nasconde da suo padre, William Afton (Matthew Lillard), indicando che il sequel approfondirà la storia delle origini di Springtrap.
Il nuovo filmato mostra anche il ritorno di Lillard nei panni di Springtrap, anche se questo sembra essere riservato ai flashback a causa del destino del suo personaggio alla fine di Five Nights at Freddy’s.
Dopo che Skeet Ulrich di Scream ha confermato la sua partecipazione a Five Nights at Freddy’s 2, il trailer rivela finalmente la sua prima apparizione, apparentemente nei panni di Henry Emily. Mentre Mike indaga, scopre la verità su ciò che è successo alla sua defunta figlia dopo aver saputo dei cinque bambini scomparsi.
Henry è un personaggio fondamentale ma invisibile nella serie di videogiochi originale, che guida i giocatori tramite cassette che li aiutano a sopravvivere contro gli animatronici. Era un ex migliore amico di William e co-fondatore della Fazbear Entertainment.
Con l’ingresso ufficiale di Ulrich nella serie Five Nights at Freddy’s, si segna la sua reunion con Lillard dopo che entrambi hanno interpretato il Ghostface originale. Mentre erano alleati nella serie slasher, la loro dinamica sembra essere diversa nel sequel di Five Nights at Freddy’s, dato che Henry è un avversario dell’antagonista di Lillard.
Il trailer si conclude con uno sguardo terrificante su una serie di animatronici legati, noti come animatronici Withered, che iniziano a terrorizzare gli abitanti della città e Vanessa.
Poiché il trailer suggerisce che il sequel affronterà il retroscena di Springtrap, ciò significherebbe che essi sono una parte fondamentale della storia. I Withered animontronics erano le versioni preesistenti e, a causa del loro stato, sono stati sostituiti dalle loro controparti attuali in vista di una grande riapertura.
In un’intervista all’inizio di quest’anno, Lillard ha rivelato che il team creativo dietro al sequel “ha imparato la lezione… e ha ascoltato il pubblico” dopo che il film originale ha ricevuto un’accoglienza mista. Ha accennato al fatto che il seguito avrebbe avuto più azione e jump scare.
Il primo film è diventato il film di maggior incasso della Blumhouse, guadagnando 297,1 milioni di dollari nonostante le difficoltà causate dalla pandemia. Si prevede che il sequel avrà lo stesso successo, se non maggiore, continuando la serie positiva dello studio in quello che è stato un anno deludente al botteghino.
Five Nights at Freddy’s 2 uscirà nelle sale il 5 dicembre 2025.
Five Nights at Freddy’ssi conclude con un colpo di scena che sconvolge Mike, interpretato da Josh Hutcherson. Tratto dai videogiochi, Five Nights At Freddy’s della Blumhouse è incentrato su Mike che accetta un lavoro notturno alla Freddy Fazbear’s Pizza, dove gli animatronici – Freddy, Chica, Bonnie e Foxy – prendono vita. Desideroso di catturare il rapitore di suo fratello Garrett, Mike accetta di consegnare sua sorella agli animatronici in cambio della verità, ma poi cambia idea. Nel frattempo, Mike scopre che la sua nuova amica, Vanessa, è la figlia di William Afton, il proprietario di Freddy’s Fazbear’s che uccide i bambini.
Il finale di Josh Hutcherson’s Five Nights at Freddy’srivela anche che William ha rapito e ucciso suo fratello Garrett quando Mike aveva 12 anni. Mike combatte William per salvare Abby dall’essere la sua prossima vittima, e Vanessa si unisce a lui ma viene pugnalata da suo padre. Abby mostra agli animatronici la verità su William, e questi finalmente si rivoltano contro di lui, trascinandolo via mentre la sua tuta a molla si guasta.
La trama frenetica di Five Nights at Freddy’s include diversi colpi di scena che tengono gli spettatori con il fiato sospeso fino alla fine.
Il cattivo Yellow Rabbit di William Afton in Five Nights At Freddy’s spiegato
Spring Bonnie è una versione sinistra dell’animatronico
Nel finale di Five Nights at Freddy’s, viene rivelato che il serial killer William Afton in precedenza indossava un costume da coniglio giallo chiamato Spring Bonnie per attirare i bambini che voleva uccidere. Alla fine viene mostrato mentre indossa il costume nel momento culminante del film, quando cerca di uccidere Abby. Il costume accentua il tema dell’orrore trasformando qualcosa che piace ai bambini, un coniglietto, nella causa della loro morte. Il fatto che Afton indossi il costume per uccidere Abby lo rende anche più spaventoso, perché Spring Bonnie è abbastanza inquietante da sembrare pericoloso.
Il costume da coniglio giallo di William Afton è anche estremamente importante se il franchise vuole continuare ad espandersi nel cinema utilizzando la tradizione esistente. Nei videogiochi FNAF, il travestimento di William cambia da Spring Bonnie Springtrap, una versione sinistra e posseduta dell’animatronico. Il film mostra Afton che viene squartato quando il suo costume con chiusura a molla si guasta.
Un vero medico ha spiegato che le ferite di Afton in Five Nights at Freddy’s sarebbero state fatali. Questo lo mette sulla buona strada per diventare Springtrap nei film futuri.
I fantasmi animatronici spiegati: cosa è successo davvero da Freddy’s?
Sono posseduti dai bambini uccisi da William
Gli animatronici sono in realtà posseduti dai fantasmi dei bambini uccisi da William negli anni ’80. Non è che i fantasmi dei bambini animino semplicemente le creature robotiche, ma William ha messo i loro resti all’interno, dove nessuno si sarebbe preso la briga di cercare. L’attaccamento fisico dei bambini dà vita ai fantasmi animatronici in Five Nights at Freddy’s. Freddy’s è chiuso dalla morte dei bambini e i loro fantasmi seguono le orme di William manipolando, terrorizzando e uccidendo chiunque vi entri senza permesso.
Perché William ha tenuto aperto Freddy Fazbear’s Pizza dopo i suoi omicidi
Era per nascondere i crimini
Nonostante fosse ormai inattivo, William Afton ha tenuto aperto Freddy Fazbear’s Pizza invece di chiuderlo e vendere la proprietà. Questa scelta è dovuta a un motivo. Chiudere Freddy Fazbear’s Pizza avrebbe portato alla luce i resti dei bambini, e William non avrebbe permesso che ciò accadesse perché lo avrebbe implicato nella loro morte. Lasciare i bambini in forma animatronica ha dato a William il controllo, e lasciare Freddy’s abbandonato significava che meno persone sarebbero venute a cercare prove. Il fatto che Vanessa sorvegliasse il locale, essenzialmente eseguendo gli ordini di suo padre, era d’aiuto.
Il significato più profondo del fatto che Mike abbia consegnato Abby agli animatronici
Spiegazione del rapporto di Mike con i suoi fratelli
Mike è tormentato dagli incubi sul rapimento di Garrett e usa la Teoria dei sogni in Five Nights At Freddy’s per scoprire tutto il possibile sull’evento. Mike non è riuscito a salvare suo fratello minore ed è così disperato di scoprire l’identità del rapitore che non vive nel presente. Questo traspare in quasi tutte le sue interazioni con Abby. Sebbene sia il suo tutore, Mike ha poca pazienza e cura per la sua sorellina, vedendola come qualcosa di cui è responsabile, piuttosto che come una sorellina che ama.
Mike sceglie di rinunciare ad Abby in cambio della possibilità di cambiare ciò che è successo a Garrett, rivelando l’ossessione del personaggio di assolversi dalla sua colpa.
Mike sceglie di rinunciare ad Abby in cambio della possibilità di cambiare ciò che è successo a Garrett, rivelando l’ossessione del personaggio di assolversi dalla sua colpa. Quando accetta di scambiare Abby con Garrett, fa una scelta attiva che rivela la profondità del suo dolore. Rendendosi conto di aver rinunciato ad Abby, Mike esce dal suo dolore e trova una strada per stare accanto a sua sorella. È stato un campanello d’allarme che lo ha portato a vedere davvero Abby e ad esserci per lei in un modo che prima non aveva mai fatto.
Vanessa si sveglierà mai dal coma?
Se il film avesse voluto che morisse, sarebbe morta sullo schermo
Quando Vanessa finalmente si oppone a suo padre, William la pugnala. È ancora cosciente quando Mike e Abby la trascinano fuori da Freddy’s, ma il finale di Five Nights at Freddy’s rivela che Vanessa cade in coma. Considerando che non muore per la ferita da taglio, Vanessa probabilmente si sveglierà dal coma. Potrebbe volerci un po’ di tempo per riprendersi, ma se Five Nights at Freddy’s avesse voluto ucciderla, l’avrebbe fatto. Vanessa è fondamentale nella lotta contro William e la sua conoscenza del passato è essenziale per qualsiasi film futuro.
Zia Jane è ancora viva alla fine di Five Nights at Freddy’s?
Potrebbe essere stata uccisa da Freddy
Zia Jane è una minaccia in tutto Five Nights at Freddy’s. È determinata a ottenere la custodia di Abby e assume persino un gruppo per saccheggiare Freddy Fazbear’s Pizza per far licenziare Mike. Tuttavia, è praticamente scomparsa dopo essere stata attaccata dallo stesso Freddy Fazbear. Quando Abby viene portata via da casa sua, Jane viene vista sul pavimento del soggiorno, ma non ci sono primi piani o conferme su ciò che le è realmente successo.
È possibile che Freddy l’abbia uccisa come ha fatto con Max e suo fratello. Tuttavia, il fatto che Mike e Abby non la menzionino alla fine del film suggerisce che probabilmente sia sopravvissuta. Sarebbe stato interessante vedere come ha percepito gli eventi e se questo l’ha terrorizzata abbastanza da farle abbandonare la causa per l’affidamento contro Mike, ma se non è morta, allora significa che potrebbe prepararsi a continuare la battaglia per l’affidamento quando si sentirà meno scossa. In ogni caso, la sua sopravvivenza, come quella di Vanessa, è probabile.
Cosa è cambiato in Five Nights At Freddy’s rispetto al gioco
Il film ha personaggi diversi e rivela William Afton più tardi
Nonostante alcune piccole modifiche rispetto a Five Nights at Freddy’s, il filmsegue abbastanza fedelmente il primo gioco. Mike è ancora una guardia di sicurezza notturna che accetta un lavoro per sorvegliare il ristorante abbandonato e anche la storia degli animatronici è simile. Il cambiamento più grande è l’introduzione di Abby, un personaggio creato per il film. Mentre nel gioco i bambini fantasma volevano spingere Mike in un costume animatronico di riserva, nel film è Abby quella che vogliono.
La presenza di Abby in Five Nights at Freddy’s dà a Mike un maggiore sviluppo del personaggio, spingendolo a combattere gli animatronici.
Molti fan hanno ipotizzato che William Afton sia il padre di Mike a causa della somiglianza dei nomi e della mancanza di informazioni su Mike, Garrett e il padre di Abby nel film Five Nights at Freddy’s.
Inoltre, il ruolo di William come serial killer viene rivelato all’inizio del gioco, ma il suo coinvolgimento viene tenuto segreto per tutto il film. Nei giochi, William è già morto e il suo fantasma possiede Springtrap. Tuttavia, il film Five Nights at Freddy’s lo mantiene in vita fino alla fine del film. Elizabeth è il nome della figlia di William, ma il film la sostituisce con Vanessa, una guardia di sicurezza nei giochi.
L’adattamento cinematografico non introduce il figlio di William, Michael, anche se vale la pena notare che Five Nights at Freddy’s non rivela il cognome di Mike.
Come il finale di William prepara Five Nights At Freddy’s 2
Potrebbe seguire la storia del videogioco
Il finale di Five Nights at Freddy’s anticipa il ritorno di William Afton come Springtrap in Five Nights at Freddy’s 2. Poiché Freddy Fazbear’s Pizza rimane intatto, è logico che William possa tornare indipendentemente dal fatto che sia vivo o morto. Se sopravvive, cercherà senza dubbio di uccidere altri bambini. Se il suo fantasma possiede il costume Springtrap, potrebbe dare la caccia ad Abby e Garrett per vendicarsi di averlo sconfitto.
Il coinvolgimento di Mike e Abby nel sequel di Five Nights at Freddy’s rimane nebuloso; tuttavia, potrebbero essere coinvolti nuovamente se Abby decidesse di andare a trovare i suoi amici animatronici. Inoltre, resta da capire dove sia finito il fantasma di Garrett se Afton lo ha ucciso come gli altri. Tutte queste trame potrebbero essere approfondite in Five Nights at Freddy’s 2.
Cosa ha detto la regista Emma Tammi sul finale e sul futuro di Five Nights at Freddy’s
Il futuro è roseo per Five Nights at Freddy’s
Tre mesi dopo l’uscita di Five Nights at Freddy’s, Josh Hutcherson ha confermato che il sequel era ufficialmente in lavorazione con Emma Tammi nuovamente alla regia. In un’intervista con The Hollywood Reporter, Tammi ha discusso del finale del film e dei futuri film della serie. Si è astenuta dal negare le speculazioni sul fantasma di Garrett, dicendo:
Penso che potrebbe essere una cosa interessante su cui riflettere per i fan. Mi piacerebbe non smentire le teorie di nessuno.
Ha detto che dovranno risolvere alcune questioni in sospeso, come la possibile morte di zia Mary nel sequel. Tammi ha anche confermato che tutti sono d’accordo nel realizzare Five Nights at Freddy’s 2. Leggi la sua dichiarazione qui sotto:
Siamo tutti, me compresa, molto entusiasti di continuare a realizzare film in questo universo, se avremo la fortuna di farlo e se il primo avrà successo.
Tra la conferma ufficiale di Five Nights at Freddy’s 2 e l’entusiasmo di Tammi e del resto del team di produzione, il sequel sembra ogni giorno più promettente. Ora non resta che aspettare ulteriori notizie sul prossimo progetto.
Il vero significato del finale di Five Nights at Freddy’s
L’intero significato dietro Five Nights at Freddy’s è una storia di traumi e di come questi possano distruggere la vita di una persona. Nel corso della storia, Mike soffre di disturbo da stress post-traumatico e del trauma di aver visto qualcuno rapire il suo fratellino. Non è riuscito a salvarlo e si incolpa per la sua scomparsa, anche se non avrebbe potuto fare nulla. Di conseguenza, trascura il fratello sopravvissuto e si tormenta regolarmente, ossessionato da ciò che è successo al fratello in quel fatidico giorno.
Tutto questo si ricollega al finale di Five Nights at Freddy’s, dove Mike non trova suo fratello, ma scopre cosa gli è successo tanti anni fa. Ora ha altri bambini che William Afton ha ucciso come animatronici posseduti e assassini, e ha la possibilità di vendicare finalmente la sua perdita e salvare sua sorella allo stesso tempo. È un modo per Mike di assolversi dalla colpa con cui convive, facendo per sua sorella ciò che non ha mai potuto fare prima: salvarla dal boogeyman, l’assassino di bambini.
Mike e sua sorella possono finalmente vivere la vita che meritano, con Mike che finalmente agisce come il responsabile
Tuttavia, c’è anche un colpo di scena finale. Mike salva sua sorella e aiuta a rivoltare gli animatronici contro William Afton. Una volta ucciso e trascinato via il suo corpo, Mike e sua sorella possono finalmente vivere la vita che meritano, con Mike che finalmente agisce come il custode responsabile per lei e i due che superano tutte le loro tragedie. Tuttavia, se gli spiriti dei bambini continuano a vivere nei loro animatronici, anche lo spirito di William Afton dovrebbe continuare a vivere, e potrebbe diventare più letale che mai, il che significa che la pace di Mike potrebbe essere di breve durata nel sequel di Five Nights at Freddy’s.
Come è stato accolto il finale di Five Nights at Freddy’s
I critici hanno odiato il film, mentre i fan si sono divertiti
Five Nights at Freddy’s è stato un film polarizzante che ha visto i critici stroncarlo, con un punteggio del 32% su Rotten Tomatoes, ma i fan lo hanno amato, assegnandogli un punteggio positivo dell’86%. Sono stati l’impostazione e la realizzazione del film a deludere i critici, mentre molti fan erano felici di vedere gli amati animatronici del videogioco sul grande schermo. Tuttavia, anche alcuni fan sono rimasti delusi dal finale, con uno che ha scritto: “Il film ha molto cuore, ma è anche leggermente deludente per la storia straziante del suo personaggio principale, che non viene mai veramente risolta.”
“I realizzatori di ”Five Nights at Freddy’s“ hanno fatto tutte le scelte sbagliate. Invece di dare spazio ai personaggi animatronici, hanno deciso di concentrarsi su una trama sconcertante e sul passato del protagonista. Nel tentativo di adattare il gioco per il grande schermo, hanno dimenticato ciò che rende speciale l’originale”.
C’era anche un thread su Reddit che parlava del finale di Five Nights at Freddy’s, con alcuni che ritenevano che l’impostazione fosse lì per trasformare l’intera serie in un franchise. Ciò era in parte basato sul codice teaser. PuppetGeist ha scritto: “Il destino di Garret è lasciato ambiguo, probabilmente verrà esplorato nei film successivi. Soprattutto perché ci viene dato il teaser durante i titoli di coda di ”COME FIND ME”. L’intero “senso” dell’arco narrativo di Mike era trovare Garret.“
HeroicVolcano44 sembrava essere d’accordo con questa opinione, ma ha affermato che ciò non rendeva il finale soddisfacente. Tuttavia, aveva un’idea migliore di come avrebbe potuto concludersi il finale di Five Nights at Freddy’s. “La scena della molla avrebbe dovuto essere il ”gran finale“ del film (non della serie), a segnare la fine del controllo di Afton sugli animatronici. Lui che cerca di urlare di terrore mentre viene trascinato nelle stanze sul retro dagli animatronici con le molle che continuano a scattare, scuotendo violentemente il suo corpo.”
Nuovi piani per un altro film di Star Trek sono stati rivelati in un rapporto della Paramount, confermando la direzione che prenderà il franchise. I film appartenenti a questo franchise hanno sempre avuto un ruolo di primo piano nella cronologia della più ampia saga fantascientifica. Tuttavia, l’ultima uscita nelle sale risale al 2016 con Star Trek: Beyond, e da allora la serie si è concentrata sui programmi televisivi.
Tuttavia, secondo Variety, ci sono piani in atto per un nuovo film di Star Trek, nella speranza di rinvigorire il franchise di fantascienza sul grande schermo. Tuttavia, non seguirà la linea temporale del reboot “Kelvin Timeline” di J.J. Abrams. Al momento però non sono state rivelate altre informazioni sul prossimo progetto, che sembra essere ancora in fase embrionale al momento della stesura di questo articolo.
La decisione di realizzare un nuovo film di Star Trek arriva a poco più di tre mesi dalla fusione tra Paramount e Skydance, che ha lasciato il CEO David Ellison alla guida dell’azienda. Una delle visioni fondamentali per il futuro dello studio di intrattenimento è quella di rivitalizzare i franchise dormienti. Nel caso di Star Trek, questo significa riportarlo sul grande schermo.
Dalla sua ultima uscita nelle sale nel 2016, il franchise è stato relegato allo streaming, con l’uscita di nuovi show nella timeline originale. Questi includono serie concluse come Discovery e Picard, show in corso come Strange New Worlds e serie in arrivo come Starfleet Academy. Non è chiaro come il prossimo film si collegherà alla timeline, o se sarà autonomo.
In ogni caso non sarà la prima volta che la serie cerca di orientarsi verso il cinema negli ultimi anni. Il film Star Trek: Section 31, stroncato dalla critica, è uscito nel gennaio 2025, con Michelle Yeohnei panni di Georgiou, che riprende il suo ruolo da Discovery. Questo nuovo film sembra invece che sarà molto diverso, pensato per rilanciare il franchise sul grande schermo invece che necessariamente collegarsi a qualcos’altro.
Inizialmente, una sceneggiatura per un sequel di Beyond era in lavorazione da parte di Steve Yockey nel marzo 2024, mentre si diceva che anche la sceneggiatrice di Star Trek: Discovery Kalinda Vazquez avesse un suo film in fase di sviluppo. Queste ultime notizie fanno pensare che invece potrebbe essere data priorità a una nuova idea.
Anche senza alcuna informazione sul film al momento della stesura di questo articolo, sembra che sarà affrontato come un nuovo grande progetto che definirà il futuro del franchise. Non è ancora chiaro se si tratterà di un reboot o di un’aggiunta alla tradizione esistente dell’universo. Ciò che sembra definitivo, tuttavia, è che sarà una mossa importante per Star Trek e i suoi progetti futuri.
L’universo DC avrà il suo Batman, dato che la DC Studios sta ancora sviluppando il film The Brave and The Bold. Mentre l’universo di Batman con Matt Reeves continuerà ad esistere come Elseworlds, il franchise DCU avrà però un attore diverso che interpreterà l’icona DC nell’universo di James Gunn e i fan hanno già i loro candidati ideali. Durante la sua apparizione al The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, l’attore Jonathan Bailey è dunque stato finalmente interrogato sul fancasting che lo vede interpretare Batman nel DCU.
La star britannica ha risposto: “Interpreterei Batman? Sono cresciuto con Val Kilmer, George Clooney, ovviamente Christian Bale e Robert Pattinson”. L’attore di Bridgerton ha continuato: “È un’eredità”, prima di aggiungere: “Penso che James Gunn sia fantastico. Chi lo sa?”. L’attore, dunque, si tiene sul vago e sebbene riconosca che ci sia un’eredità importante di cui farsi carico, sembra anche interessato all’idea di poter ricoprire quello che è a tutti gli effetti un ruolo molto ambito.
Jonathan Bailey sarà il Batman della DCU?
The Brave and The Bold è stato rivelato per la prima volta il 31 gennaio 2023, durante il Capitolo 1: “Dei e Mostri” della DCU della DC Studios. Il 15 giugno 2023 è stato rivelato che Andy Muschietti è stato assunto per dirigere il film per la DC Studios. Mentre il progetto è ancora in fase di scrittura, il 26 ottobre 2025 ha fornito un aggiornamento cruciale sul film Batman della DCU: “Dobbiamo aspettare ancora un paio di mesi prima di poter iniziare a parlarne“.
Gunn ha già parlato della sceneggiatura in fase di scrittura e del fatto che le cose stanno andando in una direzione positiva, anche se non è chiaro chi stia effettivamente scrivendo la sceneggiatura del film The Brave and The Bold. Tuttavia, le cose sono cambiate per quanto riguarda la trama. Il co-CEO della DC Studios ha rivelato a IGN il 26 settembre 2025 che la storia di Robin, che in questo caso sarà Damian Wayne, è stata modificata rispetto all’annuncio iniziale.
Secondo Gunn, “Alcune cose sono cambiate. Molte cose sono in evoluzione per quanto riguarda la sua situazione con i suoi genitori e tutto il resto”. Il fancasting di Bailey per Batman è nato nel dicembre 2024, quando Gunn ha messo “mi piace” a un post su BlueSky in cui alcuni membri del pubblico esprimevano il desiderio di vedere l’attore di Wicked entrare a far parte del DCU in qualche modo.
Il post che ha attirato l’attenzione recitava: “In realtà mi sorprende che non sia un fan casting più popolare per Batman”. Poiché la sceneggiatura è ancora in fase di lavorazione, la DC Studios non ha ancora avviato il processo di casting per il suo Cavaliere Oscuro e The Brave and The Bold non ha attualmente una data di uscita ufficiale.
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Le anteprime si terranno nelle seguenti città:
UCI PALERMO Via Filippo Pecoraino, 90100, 90124 Palermo PA PALERMO mer 12 nov 20.30
UCI CINEMAS MARCIANISE S.S, 87, 81025 Marcianise CE MARCIANISE CE mer 12 nov 20.30
MULTISALA OZ Via Sorbanella, 12, 25125 Brescia BS BRESCIA mer 12 nov 21.30
THE SPACE SALERNO Viale Antonio Bandiera, 84131 Salerno SA SALERNO lun 10 nov 20.30
THE SPACE VIMERCATE Via Torri Bianche, 16, 20871 Vimercate MI VIMERCATE MB lun 10 nov 20.30
MULTICINEMA ARCA Via Federico Fellini, 2, 65010 Spoltore PE SPOLTORE (PE) lun 10 nov 20.45
VICTORIA Via Sergio Ramelli, 101, 41100 Modena MODENA lun 10 nov 21.00
ANDROMEDA Via Bozzano, 1, 72100 Brindisi BR BRINDISI lun 10 nov 21.00
NOTORIOUS CINEMA Piazza Unione Sarda, Via Santa Gilla, 18, 09122 Cagliari CA CAGLIARI mar 11 nov 20.30
NOTORIOUS CINEMA Via Lega Lombarda, 39, 24035 Curno BG CURNO BG mar 11 nov 20.30
MULTIPLEX GIOMETTI Via Pietro Filonzi, 60121 Ancona AN ANCONA lun 10 nov 20.30
MULTIPLEX OMNIA CENTER Via delle Pleiadi, 16, 59100 Prato PO PRATO lun 10 nov 20.30
LE BEFANE Via Caduti di Nassiriya, 20, 47924 Rimini RN RIMINI lun 10 nov 20.30
CIRCUITO SIVORI Salita Santa Caterina, 54/Rosso, 16123 Genova GE GENOVA mar 11 nov 21.00
CINEMA PORTO ASTRA Via Santa Maria Assunta, 20, 35125 Padova PD PADOVA mar 11 nov 20.30
Dopo L’Ultima notte di Amore, Pierfrancesco Favino torna nel nuovo film di Andrea Di Stefano. Insieme a lui nel cast Tiziano Menichelli, Giovanni Ludeno, Dora Romano, Valentina Bellè.
Il trailer di Il Maestro
La trama di Il Maestro
Estate, fine anni Ottanta. Dopo anni di allenamenti duri e regole ferree, Felice, tredici anni e sulle spalle tutte le aspettative paterne, arriva finalmente ad affrontare i tornei nazionali di tennis. Per prepararlo al meglio, il padre lo affida al sedicente ex campione Raul Gatti, che vanta addirittura un ottavo di finale al Foro Italico. Di partita in partita, i due iniziano un viaggio lungo la costa italiana che, tra sconfitte, bugie e incontri bizzarri, porterà Felice a scoprire il sapore della libertà e Raul a intravedere la possibilità di un nuovo inizio. Tra i due nasce un legame inatteso, profondo, irripetibile. Come certe estati, che arrivano una volta sola e non tornano più.
Il Maestro è prodotto da Indiana Production, Indigo Film e Vision Distribution, in collaborazione con Memo Films, in collaborazione con Sky, in collaborazione con Playtime. Opera realizzata con il contributo del Fondo per lo sviluppo degli investimenti nel cinema e nell’audiovisivo del Ministero della Cultura.
Un’altra stagione, un altro rapido rinnovo per Nobody Wants This. Netflix ha ordinato una terza stagione della commedia romantica, con Adam Brody eKristen Bell, che debutterà nel 2026. La notizia arriva 12 giorni dopo l’uscita della seconda stagione di 10 episodi della serie, creata da Erin Foster, il 23 ottobre.
Nei suoi primi 11 giorni, la seconda stagione ha totalizzato 18 milioni di visualizzazioni a livello globale, classificandosi al primo posto nella classifica globale Netflix per due settimane consecutive e raggiungendo la Top 10 in 82 paesi. Sebbene questo risultato sia inferiore a quello della prima stagione, che aveva totalizzato 26,2 milioni di visualizzazioni nei primi 11 giorni, è comunque un risultato positivo per una serie comedy, soprattutto perché la seconda stagione di Nobody Wants This non ha visto grandi traguardi sentimentali. Dopo la prima stagione movimentata, in cui Joanne (Bell) e Noah (Brody) si sono conosciuti, innamorati e si sono lasciati brevemente prima di riunirsi, la seconda stagione ha seguito il corso naturale di una relazione, raccontando in gran parte gli sforzi dei due per fondere le loro vite.
“Non potrei essere più entusiasta di iniziare la terza stagione di questa serie”, ha detto Foster. “È un privilegio poter scrivere della mia coppia preferita su una scala come questa. Purché non mi sottragga troppo tempo ai reality show serali, lo farò finché vorranno!”
A differenza del rinnovo per la seconda stagione di Nobody Wants This, avvenuto 14 giorni dopo il debutto della serie, il rinnovo per la terza stagione non prevede un cambio di showrunner. Jenni Konner e Bruce Eric Kaplan, che si sono uniti alla serie dopo la prima stagione, continueranno a essere co-showrunner e le riprese della serie continueranno a Los Angeles.
“Siamo davvero grati a Netflix e a 20th per averci regalato un’altra stagione di Nobody Wants This”, hanno dichiarato Konner e Kaplan. “Questo lavoro è incredibilmente divertente. Lavorare con la talentuosa Erin Foster, questo incredibile cast di professionisti talentuosi e divertenti, autori straordinari e una troupe incredibile è stata un’esperienza davvero fantastica. Forza Dodgers!”
Erin Foster e Sara Foster sono produttrici esecutive attraverso la loro Fatigue Sisters Productions, insieme a Konner, Kaplan, Steven Levitan, Bell, Danielle Stokdyk, Jeff Morton, Nora Silver e Oly Obst di 3 Arts. La serie è prodotta da 20th Television. Oltre a Bell e Brody, il cast principale di Nobody Wants This include Justine Lupe, Timothy Simons e Jackie Tohn.
Paul Dano e Robert Pattinson hanno dimostrato di essere una coppia vincente, interpretando rispettivamente Batman e l’Enigmista nel film The Batman di Matt Reeves. Tuttavia, in vista diThe Batman 2(la cui uscita è prevista per ottobre 2027), è stata confermata la partecipazione dei due attori a un nuovo film della A24. Questo dramma, intitolato The Chaperones, sarà prodotto dalla società di produzione di Pattinson, Icki Eneo Arlo.
Con India Donaldson (Good One) alla regia, The Chaperones vedrà protagonisti Dano insieme al duo di The Long Walk Cooper Hoffman e David Jonsson, seguendo “tre amici fannulloni che vengono assunti per trasportare un adolescente problematico attraverso il paese” subito dopo Natale, come riportato da Variety. Il nuovo arrivato Sebastian Black sta scrivendo la sceneggiatura, mentre la società di produzione di Brad Pitt, Plan B, sarà anche produttrice.
Si tratta di un progetto entusiasmante per tutti i soggetti coinvolti, vista l’impressionante esperienza di A24 in tutti i generi. La casa di produzione indipendente ha distribuito quest’anno film come Sorry, Baby e If I Had Legs I’d Kick You, entrambi tra i candidati ai Gotham Awards 2025. Altri titoli includono Eddington, Materialists e The Smashing Machine, mentre il principale candidato agli Oscar dello studio, Marty Supreme, deve ancora uscire.
Non essendoci alcuna notizia su quando The Chaperones potrebbe iniziare le riprese, non è chiaro se il pubblico vedrà prima questo film o The Batman 2. Le stelle nascenti Hoffman e Jonsson, famose per Licorice Pizza, Saturday Night, Alien: Romulus e Industry, hanno entrambe altri progetti in programma. Dopo il successo di The Wizard of the Kremlin, Dano sembra concentrarsi solo su questo.
Dano è diventato famoso a metà degli anni 2000 con Little Miss Sunshine del 2006 e There Will Be Blood del 2007, entrambi candidati all’Oscar come miglior film e il secondo sconfitto di misura da No Country For Old Men.
Dano ha continuato a recitare in Escape at Dannemora, Mr. & Mrs. Smith e The Fabelmans, diventando un attore che potrebbe facilmente essere scelto per una nuova e rilevante interpretazione di The Riddler.
Pattinson è diventato famoso con il ruolo di Edward Cullen nella saga di Twilight, dopo aver interpretato il ruolo significativo di Cedric Diggory in Harry Potter e il calice di fuoco. Tuttavia, è da tempo che ha abbandonato il sentimento di basso livello associato a Twilight, lavorando con registi acclamati in Tenet,Mickey 17 e Die My Love, con film in uscita tra cui Dune 3 e The Odyssey di Christopher Nolan.
Dano e Pattinson sono affermati separatamente come creativi di prestigio, ma insieme sono affascinanti, rendendo significativa la loro prossima collaborazione. Tuttavia, The Chaperones sarà accompagnato anche dall’uscita di The Batman 2 e potrebbe spingere il pubblico a chiedersi che tipo di film vorrebbe vedere prossimamente da entrambi gli attori.
Dopo anni in cui i fan hanno chiesto a gran voce il loro ritorno in un nuovo film, Brendan Fraser e Rachel Weisz sono in trattative per un nuovo film della serie La Mummia, al momento noto come La Mummia 4.
Deadline ha infatti riferito che Fraser e Weisz stanno trattando con la Universal Pictures per tornare nella serie La Mummia dopo 24 anni di assenza. Fonti riferiscono che il film La Mummia 4 sarà diretto dal team di ScreamRadio Silence, con la sceneggiatura scritta da David Coggeshall di The Family Plan e la produzione del veterano della serie Sean Daniel.
La saga de La Mummia
In precedenza, Fraser e Weisz avevano recitato insieme in due film della serie La mummia: La mummia del 1999 e La mummia – Il ritorno del 2001, entrambi basati su uno dei mostri originali dei film della Universal dei primi del XX secolo, entrambi diretti da Stephen Sommers e entrambi con un incasso mondiale di oltre 400 milioni di dollari. Il film del 1999 ha presentato Fraser nei panni di Rick O’Connell, un avventuriero americano ribelle ed ex soldato della Legione straniera francese, e Weisz nei panni di Evelyn Carnahan, un’egittologa inglese che lavora al Museo delle Antichità del Cairo.
Nel corso dei due film, i due passano dall’essere partner riluttanti a una coppia sposata con un figlio piccolo, combattendo antiche maledizioni come quella del sommo sacerdote egizio Imhotep, tornato in vita. Evelyn, interpretata dalla Weisz, muore nel secondo film dopo aver scoperto di essere la reincarnazione di una principessa egizia, ma alla fine viene riportata in vita da Rick.
Contribuendo all’ascesa di Fraser come una delle più grandi star della fine degli anni ’90 e dei primi anni 2000, questi particolari film della Mummia erano così popolari da diventare famose attrazioni dei parchi Universal di Hollywood, Orlando, Florida e Singapore. Il franchise è proseguito con lo spin-off del 2002 Il re scorpione, con Dwayne Johnson, che ha incassato oltre 180 milioni di dollari in tutto il mondo, e con La mummia – La tomba dell’Imperatore Dragone del 2008 (403 milioni di dollari in tutto il mondo), in cui Fraser è tornato senza la Weisz sotto la regia di Rob Cohen.
Più recentemente, la Universal ha tentato di rivitalizzare la proprietà intellettuale con La mummia del 2017, con Tom Cruise, che aveva lo scopo di lanciare una nuova serie di film sui mostri sotto la bandiera del Dark Universe. Sebbene il film abbia ottenuto un buon successo al botteghino, incassando 409 milioni di dollari in tutto il mondo, è stato stroncato dalla critica, portando la Universal ad abbandonare i suoi piani più ambiziosi per il Dark Universe.
Tornare al franchise de La mummia ha perfettamente senso per la Universal, data la vera e propria ondata di nostalgia dei millennial per tutto ciò che riguarda Fraser e, in particolare, i suoi film sulla mummia. Questo fandom incorporato sarebbe una risorsa in un momento in cui lo studio ha ottenuto scarsi risultati al botteghino con i suoi tentativi di realizzare film moderni sui mostri, tra cui Abigail, diretto dal duo di Radio Silence.
L’attore Ryan Reynolds ha in programma il suo prossimo film su Netflix, che sarà un adattamento della classica serie di libri Eloise di Kay Thompson. L’attore è famoso soprattutto per aver interpretato il supereroe MarvelDeadpool, molto amato dai fan, e per aver recitato in commedie romantiche come The Proposal, ma ha anche recitato in numerosi film per famiglie, tra cui The Croods, Turbo,e Detective Pikachu.
Ora, Reynolds è pronto a recitare in un film per famiglie live-action che adatta l’iconica serie di libri Eloise, con Mae Schenk nel ruolo del personaggio principale e Reynolds in quello del cattivo.
Amy Sherman-Palladino, creatrice di Gilmore Girls e The Marvelous Mrs. Maisel, è alla guida del progetto come regista e sceneggiatrice, mentre Hannah Marks e Linda Woolverton sono co-sceneggiatrici.
Oltre a unirsi al cast, Reynolds produrrà anche Eloise attraverso la sua società di produzione, Maximum Effort. Mentre la versione di Netflix è basata sulla serie di libri, il film dello streamer con Reynolds sarà una “avventura originale”.
In una dichiarazione, Hannah Minghella, responsabile dei film d’animazione e dei film per famiglie di Netflix, ha affermato che “è un onore” riportare in vita Eloise per una nuova generazione e ha definito il film in uscita “audace, esilarante e sincero”.
Il dirigente ha aggiunto che Reynolds e Sherman-Palladino condividono la “tipica malizia e il fascino” di Eloise, che li rendono i talenti creativi perfetti per guidare Eloise di Netflix davanti e dietro la telecamera. Leggi la dichiarazione qui sotto:
Eloise è amata da generazioni, da quando è stata pubblicata per la prima volta negli anni ’50 fino ad oggi, quando nessuna gita familiare a New York City è completa senza una sosta al Plaza. È un onore reintrodurre questo personaggio amato al mondo con due persone che condividono la sua caratteristica malizia e il suo fascino: Amy Sherman-Palladino e Ryan Reynolds, in questo nuovo film per famiglie audace, esilarante e sincero.
Ryan Reynolds non è nuovo a Netflix, avendo recitato in The Adam Project, 6 Underground e Red Notice. Per quanto riguarda Schenk, secondo i dirigenti della Maximum Effort Ashley Fox e Johnny Pariseau, ha la giusta dose di “brio”, “arguzia” e “malizia” per interpretare il personaggio di Eloise, e hanno capito “immediatamente” che doveva essere nel film.
Quando Amy ci ha presentato Mae Schenk, abbiamo capito subito che era Eloise. Ha la scintilla, l’arguzia e la giusta dose di malizia. Siamo entusiasti di presentarla al mondo insieme ai nostri amici della MRC e di Netflix.
Eloise, la protagonista dei libri per bambini di Thompson pubblicati negli anni ’50, vive al Plaza Hotel di New York City e si ritrova coinvolta in varie avventure con la sua tata, il suo cane e la sua tartaruga.
La serie di libri comprende Eloise: A Book for Precocious Grown-Ups, Eloise in Paris, Eloise at Christmastime, Eloise in Moscow e Eloise Takes a Bawth (quest’ultimo pubblicato dopo la morte dell’autrice).
Eloise è già stata adattata per il cinema. Eloise at the Plaza e il particolarmente citabile Eloise at Christmastime sono stati entrambi trasmessi dalla ABC nel 2003. Tre anni dopo, Starz Kids & Family ha mandato in onda un cartone animato intitolato Me, Eloise! che ha prodotto 13 episodi.
Da allora, altri adattamenti di Eloise hanno cercato di decollare, senza successo. Ma nel 2020, la società di produzione MRC ha finalmente ottenuto i diritti e da allora sta sviluppando un film, con Netflix, Schenk, Reynolds e Sherman-Palladino pronti a riportare in vita il classico personaggio per bambini.
Netflix sta collaborando con gli eredi di Thompson e con l’illustratore originale, Hilary Knight, il che significa che il film Eloise dello streamer rimarrà probabilmente fedele a ciò che ha reso i libri così speciali.
Uscito il 21 aprile 2023 con grande successo di critica, The Covenant di Guy Ritchie è liberamente ispirato alle esperienze di molti interpreti mediorientali che hanno lavorato con le forze armate statunitensi durante la guerra in Afghanistan. Piuttosto che adattare l’esperienza personale di un singolo soldato, il film esplora i sacrifici e le conseguenze subite da molti interpreti anonimi che hanno rischiato la vita per la promessa di un futuro migliore.
Per mettere in luce questo problema reale e ancora attuale, la storia segue John Kinley (interpretato da Jake Gyllenhaal), un berretto verde statunitense in servizio in Afghanistan nel 2018. Quando Kinley viene ferito in battaglia, il vero eroe è Ahmed (Dar Salim), un interprete afghano assunto dall’esercito statunitense che porta Kinley in salvo. Promesso un visto per la sua famiglia in cambio dei suoi sacrifici che mettono a rischio la sua vita, Ahmed viene tradito dal governo statunitense e costretto a nascondersi. Anche se la storia potrebbe non essere basata sull’esperienza precisa di una persona,The Covenant di Guy Ritchie usa un problema reale per fare una profonda dichiarazione sulla generosità umana.
Cos’è “The Covenant” di Guy Ritchie?
The Covenant di Guy Ritchie non è basato su alcun materiale preesistente. La sceneggiatura originale è stata invece scritta da Ivan Atkinson e Marn Davies, collaboratori che hanno già lavorato con Ritchie in film come The Gentlemen, Operation Fortune: Ruse de Guerre e Wrath of Man. Sebbene i loro film precedenti non siano radicati nella precisione storica, The Covenant si ispira a un problema persistente in Afghanistan e in altri paesi del Medio Oriente.
Il problema riguarda gli interpreti afghani assunti dal governo degli Stati Uniti per aiutare i soldati americani a superare la barriera linguistica nella regione. Per aver tradito il proprio paese e aver rischiato la vita, il governo degli Stati Uniti promette di concedere agli interpreti i visti per trasferirsi negli Stati Uniti in sicurezza. Il più delle volte, questo accordo è stato rinnegato dagli Stati Uniti, lasciando molti interpreti afghani in pericolo, con il loro destino in bilico. L’esperienza collettiva di questi coraggiosi interpreti è alla base del film The Covenant di Guy Ritchie, con la storia di Ahmed che funge da allegoria per molte persone in situazioni simili.
Nel film, il sergente maggiore delle forze speciali dell’esercito statunitense John Kinley (Gyllenhaal) e la sua squadra cadono in un’imboscata dei talebani con un’autobomba, che provoca la morte dell’interprete di Kinley. Un afgano di nome Ahmed Abdullah (Salim) accetta di sostituire l’interprete di Kinley, insistendo che lo fa per soldi piuttosto che per compassione. Kinley scopre anche che Ahmed è un ex membro dell’esercito talebano, ma che li ha traditi quando hanno ucciso suo figlio. Mentre Kinley e Ahmed conquistano la fiducia l’uno dell’altro, tutto cambia quando Kinley rimane gravemente ferito in un altro attacco talebano.
Quando Kinley si risveglia dalle ferite, si rende conto di essere tornato negli Stati Uniti e di aver perso ogni contatto con Ahmed. Desideroso di ripagare il favore di avergli salvato la vita e averlo portato in salvo, Kinley cerca di ottenere per Ahmed e la sua famiglia dei visti internazionali che consentano loro di entrare negli Stati Uniti in sicurezza. Purtroppo, il governo americano oppone resistenza per un mese, costringendo Ahmed e la sua famiglia a nascondersi e Kinley a tornare in Afghanistan con lo pseudonimo di Ron Kay per ritrovarlo. Prima di tornare in Medio Oriente, Kinley chiede al suo comandante, il colonnello Vokes (Jonny Lee Miller), di procurare i visti per la famiglia di Ahmed.
Una volta trovato Ahmed in Afghanistan, Kinley convince lui e la sua famiglia a unirsi a lui nel viaggio verso gli Stati Uniti. Vokes informa Kinley che i visti sono stati elaborati e organizza un attacco aereo per sventare un’imboscata dei talebani.
Dopo essersi protetti a vicenda in un intenso scontro, Kinley, Ahmed, la moglie e il figlio di Ahmed vengono portati via dall’Afghanistan e riportati negli Stati Uniti. Anche se le cose sono finite in modo abbastanza felice per Ahmed, il film si conclude con un epilogo sobrio che recita:“Più di 300 interpreti e le loro famiglie sono stati uccisi dai talebani per aver collaborato con l’esercito statunitense. Migliaia di altri sono ancora nascosti”.
Sotto le spoglie di un film d’azione militaristico, The Covenant di Guy Ritchie racconta una storia di guerra semi-vera su un problema reale che persiste ancora oggi in Medio Oriente. Sebbene Ahmed e la sua famiglia siano stati fortunati a sopravvivere nel film, molti interpreti reali nella guerra in Afghanistan non lo sono stati. Il film mira a sensibilizzare l’opinione pubblica su questo tema e a rendere giustizia agli interpreti.
Un precedente storico ha ispirato “The Covenant” di Guy Ritchie
Sebbene The Covenant di Guy Ritchie non sia basato sulla storia vera di una persona, è ispirato a un precedente storico. Nel 2016, due anni prima degli eventi descritti nel film, The Smithsonian ha pubblicato un articolo inquietante intitolato “Il destino inquietante degli interpreti afghani che gli Stati Uniti hanno lasciato indietro”. L’articolo descrive le esperienze di molti interpreti afghani, come Ahmed Abdullah, che hanno tradito il loro Paese per lavorare con il governo degli Stati Uniti in cambio di un visto. Tuttavia, nonostante i loro sforzi eroici, molti interpreti afghani sono stati abbandonati, dimenticati e gli è stato negato il visto dagli Stati Uniti.
L’articolo descrive diversi interpreti afghani che hanno rinunciato a tutto per fuggire in America e vivere una vita migliore, solo per vedersi negare il visto e, in alcuni casi, essere uccisi. Sebbene molte di queste vicende personali siano troppo tragiche e dolorose per essere rivissute sulla carta stampata, l’articolo cita una statistica inquietante:
“Nel 2014, l’International Refugee Assistance Project, un’organizzazione no profit con sede a New York City, ha stimato che ogni 36 ore veniva ucciso un interprete afgano”.
Sebbene si tratti di una questione molto più oscura e complessa di quanto descritto in The Covenant di Guy Ritchie, il film prende spunto dalla storia vera degli interpreti afgani, a lungo dimenticati ma profondamente eroici, e cerca di sensibilizzare l’opinione pubblica attraverso la compassione e la generosità umana.
Il punto di vista di Guy Ritchie su “The Covenant”
Sebbene The Covenant di Guy Ritchie sia basato sulle esperienze di vita reale di molti interpreti afghani sconosciuti, il regista insiste sul fatto che raccontare la storia immaginaria di John Kinley e Ahmed Abdullah significa raccontare il legame umano che si è creato tra due persone molto diverse. Ritchie racconta all’AP:
“Sono rimasto commosso dai legami piuttosto complicati e paradossali che sembravano essere stati creati dal trauma della guerra tra gli interpreti e i loro colleghi, per così dire, dall’altra parte del divario culturale, e da come tutto ciò sia svanito sotto la pressione. L’ironia della guerra è la profondità con cui lo spirito umano può esprimersi, cosa che in qualsiasi altra situazione quotidiana non è mai consentita. È molto difficile esprimere a parole il significato e la profondità di quei legami. Il mio compito era cercare di catturare quello spirito in un film e in una narrazione molto semplice”.
Seguendo una narrazione semplice, The Covenant di Guy Ritchie ha affrontato e portato alla luce una storia vera che continua ad affliggere gli interpreti affiliati agli Stati Uniti all’indomani della guerra in Afghanistan. Questo film di guerra sottovalutato racconta la storia personale di John e Ahmed per sensibilizzare l’opinione pubblica sullo sfruttamento che persiste ancora oggi in Medio Oriente.
Il successo di critica e di pubblico di “The Covenant”
The Covenant è uscito nelle sale il 21 aprile 2023. Ha ottenuto recensioni entusiastiche sia dal pubblico che dalla critica per la sua potente narrazione, la profondità emotiva e la fenomenale interpretazione di Gyllenhaal. Molti hanno elogiato Ritchie per la sua magistrale esplorazione del profondo legame che si instaura tra i soldati e i loro interpreti e per il profondo cameratismo che li unisce. Il film d’azione ha ricevuto un punteggio dell’82% su Rotten Tomatoes e un ottimo 98% su Popcornmeter dai fan, che hanno anche assegnato a “The Covenant” un CinemaScore “A”.
Il film di Guy Ritchie è uscito insieme ad altri film come Evil Dead Rise, Chevalier e Beau is Afraid, e si prevedeva che avrebbe incassato circa 6 milioni di dollari nel suo primo weekend. Alla fine si è classificato terzo dietro al precedentemente uscito The Super Mario Bros. Movie e Evil Dead Rise, incassando 6,3 milioni di dollari. The Covenant avrebbe poi completato la sua corsa nelle sale con un incasso totale mondiale di 21,9 milioni di dollari, diventando un flop al botteghino nonostante l’accoglienza entusiastica della critica, dato il suo budget di 55 milioni di dollari.
Sebbene The Covenant abbia ottenuto risultati deludenti al botteghino, l’avvincente dramma bellico è comunque diventato il film di Ritchie con il punteggio più alto su Rotten Tomatoes, con un impressionante 82% sul Tomatometer. È stato un grande trionfo di pubblico, con il San Diego Reader che ha elogiato il pluripremiato regista e il suo approccio alla narrazione nella sua recensione:
“Il regista Guy Ritchie esercita una notevole moderazione nella sua rappresentazione dell’azione: più e più volte, si accontenta di fare un passo indietro, mantenere l’inquadratura e lasciare che ciò che accade sia sufficiente per coinvolgere lo spettatore. E più e più volte, è più che sufficiente”.
Lo stesso Batman, Robert Pattinson, ha finalmente rotto il silenzio sulla sua partecipazione alla serieDune, acclamata dalla critica e diretta da Denis Villeneuve. L’attore, che si sta preparando a tornare nei panni del Cavaliere Oscuro ma che al momento sta promuovendo la sua commedia nera, Die My Love, non solo ha confermato il suo ruolo nel sequel dell’epico film di fantascienza, ma ha anche offerto alcune anticipazioni su come sia stato girare nel deserto rovente. Attenzione spoiler: fa caldo.
Pattinson si unirà aTimothée Chalamet, Zendaya e Florence Pugh nel prossimo Dune: Parte Tre, e anche se il suo ruolo non è ancora stato rivelato ufficialmente, la teoria più accreditata è che l’attore interpreterà il cattivo della storia: Scytale. Sebbene Pattinson non abbia confermato quale personaggio interpreterà, ha rivelato (tramite IndieWire) che girare in condizioni così torride gli ha permesso di lasciar andare le sue solite preoccupazioni e ansie.
“Quando stavo girando ”Dune” faceva così caldo nel deserto che non riuscivo proprio a farmi domande. Ed era così rilassante, come se il mio cervello non funzionasse, non avevo una sola cellula cerebrale funzionante. E mi limitavo ad ascoltare Denis [Villeneuve]: “Qualunque cosa tu voglia!‘’
Dune: Parte Terza promette grandi cambiamenti
Si pensava che Dune: Parte Terza avrebbe avuto come titolo Dune: Messiah, in linea con il nome del secondo romanzo di Frank Herbert. Tuttavia, è stato ora confermato che il sequel seguirà invece la tendenza del secondo film e aggiungerà invece ”Parte Terza”.
Ma mentre il titolo rimarrà lo stesso dei suoi predecessori, Dune: Parte Terza promette molti cambiamenti. Anche se il candidato all’Oscar Timothée Chalamet tornerà a interpretare Paul Atreides, l’attore sfoggerà un nuovo look significativo per il sequel. L’attore sembra essersi rasato la testa per il suo prossimo viaggio su Arrakis, dato che nelle nuove immagini si vede il celebre attore nascondere un taglio di capelli molto corto sotto un cappello. Per chi conosce ciò che accade a Paul nel prossimo capitolo della serie Dune, i cambiamenti dell’attore non dovrebbero essere una sorpresa.
Il sequel, a seconda di quanto seguirà fedelmente il romanzo, sarà anche molto più orientato alla fantascienza rispetto ai primi due film.
Ciò potrebbe includere il cattivo interpretato da Robert Pattinson, se interpreterà Scytale, sarà quello che viene chiamato Face Dancer o mutaforma. Il terzo capitolo riporterà anche Duncan Idaho interpretato da Jason Momoa che, dopo aver compiuto il sacrificio estremo nel primo Dune, tornerà come ghola. Il che significa essenzialmente che è una sorta di clone.
Oltre a tutti questi cambiamenti, Dune: Parte Tre manterrà intatto un elemento fondamentale: il cast stellare. Oltre a Chalamet, Pattinson e Momoa, il sequel riporterà Zendaya nel ruolo di Chani, Florence Pugh in quello della principessa Irulan, Josh Brolin nei panni di Gurney Halleck, Rebecca Ferguson nei panni di Lady Jessica e Anya Taylor-Joy nei panni di Alia Atreides, mentre si aggiungeranno Nakoa-Wolf Momoa nei panni di Leto II Atreides, figlio di Paul (Chalamet) e Chani (Zendaya), e Ida Brooke nei panni di Ghanima Atreides, sorella gemella di Leto II. Dune: Parte Terza uscirà il 18 dicembre 2026.
The Counselor – Il procuratore (qui la recensione) è uno dei titoli più discussi della filmografia recente di Ridley Scott, autore che, dopo grandi produzioni storiche e sci-fi, torna qui a un crime thriller cupo, asciutto e moraleggiante. Il film rappresenta una parentesi particolare nella carriera del regista: niente eroismi, niente spettacolo epico, ma un racconto cinico e disilluso sul potere della scelta e sulle conseguenze dell’avidità. Scott firma un’opera che rinuncia ai ritmi hollywoodiani tradizionali, privilegiando dialoghi serrati, atmosfere tese e una regia più trattenuta, al servizio dei personaggi e della loro lenta discesa.
Particolarità fondamentale del film è la sceneggiatura originale di Cormac McCarthy, alla sua prima opera scritta direttamente per il cinema. L’autore de La strada e Non è un paese per vecchi porta sul grande schermo la propria visione brutale e filosofica del crimine: in The Counselor – Il procuratore non c’è spazio per il caso o per la redenzione, solo la crudele logica delle conseguenze. Il genere è quello del neo-noir moderno, sporco, violento, carico di fatalismo, dove il protagonista – un avvocato che tenta di arricchirsi entrando nel traffico di droga – si trova rapidamente schiacciato da una spirale fuori dal suo controllo.
I temi centrali sono infatti la responsabilità morale, la corruzione, la fragilità del libero arbitrio e l’illusione di poter controllare un mondo governato da regole spietate. Il cast stellare contribuisce a rendere il film un oggetto di culto: Michael Fassbenderè il procuratore senza nome che precipita nel caos, accanto a Javier Bardem, Cameron Diaz, Penélope Cruze Brad Pitt, tutti coinvolti in ruoli segnati da ambiguità, desiderio e violenza. Le interpretazioni e la scrittura, volutamente filosofica e simbolica, divisero critica e pubblico, facendo di questo un film affascinante e controverso.
La trama di The Counselor – Il procuratore
Protagonista del film è un avvocato di successo, in procinto di sposarsi con la bella fidanzata Laura. Nonostante il suo lavoro, però, l’uomo fatica ad avere le disponibilità economiche necessarie a dar vita al grande evento. Disposto a tutto pur di soddisfare i desideri della sua futura moglie, questi finisce per accettare una controversa proposta da un suo vecchio cliente, Reiner. Questo, che ha contatti con la malavita messicana impegnata nel traffico di droga, assegna all’avvocato il compito di recuperare un carico di cocaina dal valore di 20 milioni di dollari. Per farlo, però, dovrà recarsi al confine con il Messico.
Ad aiutarlo nel corso della missione vi è anche Westray, un tipo dall’aria non raccomandabile e che sembra ben più conscio dei pericoli dell’operazione. Con loro vi è anche Malkina, la conturbante fidanzata di Reiner, la quale li seguirà in ogni loro spostamento per assicurarsi che tutto vada secondo i piani. Naturalmente, però, la situazione sfugge di mano e precipita inesorabilmente in un crescendo di violenza e morte. Ben presto, l’avvocato si renderà conto di non essere affatto portato per quel mondo, ma per uscirne vivo e riabbracciare Laura dovrà andare fino in fondo, dando sfogo a tutta la sua avidità.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto, la spirale di violenza si chiude definitivamente attorno al Procuratore. Il cartello recupera il carico rubato e inizia a eliminare sistematicamente chiunque sia coinvolto. Reiner viene ucciso durante un tentativo di cattura e, subito dopo, Laura viene rapita. Comprendendo di non avere più alcun controllo sulla situazione, il Procuratore tenta un gesto disperato: contatta Jefe, un alto esponente dell’organizzazione, implorando clemenza. Ma l’uomo gli risponde con un monologo filosofico e crudele, chiarendo che non esiste possibilità di tornare indietro. Il destino è ormai già scritto.
Il Procuratore rimane solo, nascosto in Messico, in un limbo di attesa e terrore. Una busta infilata sotto la porta del suo hotel contiene un DVD con scritto “Hola!”. Capendo che il video mostra l’omicidio di Laura, l’uomo crolla definitivamente. La scena successiva conferma la brutalità del cartello: il corpo decapitato della donna viene abbandonato in una discarica, come rifiuto senza valore. Parallelamente, Malkina continua a muoversi come un fantasma inafferrabile: raggiunge Londra, fa uccidere Westray con il micidiale “bolito” e ottiene il controllo dei suoi conti. Il film si chiude con lei, calma e imperturbabile, pronta a spostarsi a Hong Kong.
Il finale sancisce la logica spietata del mondo in cui il Procuratore ha scelto di entrare. Non c’è eroismo, vendetta o salvezza: chi varca quella soglia perde tutto. Il cartello elimina Laura non per necessità, ma come messaggio, dimostrando quanto sia irrilevante la vita di chiunque in quella catena criminale. Jefe, con il suo discorso filosofico, ribadisce un punto chiave: il destino non si compie quando tutto precipita, ma quando si compie il primo passo. Il Procuratore ha creduto di poter rischiare senza pagarne le conseguenze, ma la sua ingenuità è stata punita senza appello.
Ridley Scott e Cormac McCarthy non offrono redenzione. Il film è una meditazione sul prezzo delle scelte e sulla natura amorale del denaro quando entra nei territori del crimine organizzato. The Counselor – Il Procuratore non è un criminale abituale, ma un uomo comune che si è illuso di poter restare pulito. La morte di Laura non è un effetto collaterale: è la prova della sua responsabilità. Malkina, invece, incarna la legge del più forte, dimostrando che la violenza non è caotica, ma pianificata e capitalistica. Il male non solo vince, ma prospera.
Il messaggio che resta è cupo e disturbante: non esiste contrattazione né pentimento in un sistema che vive di sangue e profitto. The Counselor – Il Procuratore mostra come anche una singola decisione sbagliata possa travolgere un’intera esistenza. Il protagonista cercava amore, ricchezza e controllo, ma scopre che la vita comune non ha spazio in un mondo governato dalla crudeltà. La violenza non è spettacolo, è routine. E in questa realtà, l’unico personaggio che “vince” è chi non ha più alcuna umanità da perdere.
Il film Sai tenere un segreto?(qui la recensione) apporta una serie di modifiche al libro di Sophie Kinsella, quindi analizziamo i cambiamenti più significativi e il loro significato. Hollywood da tempo adatta libri amati al grande e al piccolo schermo, prendendo storie familiari e dando loro vita sia in film live-action che in animazione per un pubblico di tutte le età. Alcuni adattamenti sono molto fedeli al materiale originale, mentre altri apportano molte modifiche, nel bene e nel male. Nel caso di Sai tenere un segreto?, lo sceneggiatore Peter Hutchings e la regista Elise Duran sono riusciti ad adattare fedelmente la trama principale del libro di Kinsella, con la maggior parte delle modifiche apportate per ridurla a un film di 90 minuti.
Come il romanzo di Kinsella del 2003, il film segue una giovane collaboratrice del reparto marketing di una grande azienda produttrice di bevande energetiche sportive di nome Emma Corrigan (Alexandra Daddario). Durante un volo turbolento dopo una riunione andata male, Emma confida tutti i suoi segreti a uno sconosciuto, che però si rivela essere Jack Harper (Tyler Hoechlin), uno dei cofondatori della sua azienda. La vita di Emma viene sconvolta da quest’uomo che conosce tutti i dettagli umilianti della sua vita, come il fatto che non si è mai innamorata nonostante abbia una relazione a lungo termine. Ma questa situazione bizzarra avvicina Emma e Jack, permettendo loro di sviluppare una relazione senza finzioni.
La struttura di base della trama del film Sai tenere un segreto? rimane la stessa del libro di Kinsella, seguendo più o meno gli stessi ritmi. Pertanto, la maggior parte delle modifiche apportate nel processo di adattamento riguardano altri aspetti, come l’ambientazione e i personaggi secondari. Oppure le modifiche sono state apportate per ridurre la lunghezza della storia e adattarla ai limiti di un film. Ecco allora tutte le modifiche più significative apportate al film Sai tenere un segreto? rispetto al libro.
Can You Keep A Secret? L’ambientazione è stata cambiata da Londra a New York City
Il cambiamento più evidente apportato al film Sai tenere un segreto? è il fatto che è ambientato negli Stati Uniti anziché nel Regno Unito. Nel libro, l’incontro di Emma si svolge in Scozia ed è con una compagnia petrolifera, mentre nel film il suo incontro è con una compagnia di crociere per anziani con sede a Chicago. Inoltre, invece di vivere a Londra, Emma vive a New York City, il che significa che incontra Jack su un aereo da Chicago a New York.
A seguito di questo cambiamento di ambientazione, molti dei dettagli minori di Sai tenere un segreto? sono stati americanizzati, come il fatto che Emma acquisti i suoi vestiti di seconda mano presso il negozio Beacon’s Closet di New York invece che da Oxfam. Non è chiaro perché Hutchings e Duran abbiano cambiato l’ambientazione della storia a New York City, ma potrebbe avere qualcosa a che fare con le loro conoscenze e con il desiderio di rendere il film attraente per il pubblico statunitense.
Panther Prime diventa Panda Prime
Un altro grande cambiamento dal libro al film è il nome dell’azienda per cui lavora Emma. Invece che per Panther Prime, lavora per Panda Prime. Questo cambiamento in particolare non ha molto senso, dato che Sai tenere un segreto? mantiene il famoso slogan ideato da Jack Harper e dal suo partner: “Don’t pause” (Non fermarti). Nel libro ha senso, dato che Panther è posizionata come un’azienda sportiva al livello di Puma e Nike.
In effetti, si potrebbe dire che lo slogan nel libro di Kinsella assomiglia al marchio “Just do it” della Nike. Quando l’animale viene cambiato in un panda, però, lo slogan “Don’t pause” non ha più molto senso, soprattutto perché Sai tenere un segreto? posiziona l’azienda come più attenta alla salute che aggressivamente attiva. Non è chiaro perché il nome dell’azienda di Jack sia stato cambiato in Panda Prime, ma non funziona altrettanto bene.
La famiglia di Emma è stata completamente eliminata dal film
Ogni volta che un libro viene adattato per il cinema, è inevitabile che ci siano delle vittime sul pavimento della sala montaggio. Nel caso di Sai tenere un segreto?, la vittima più importante del processo di adattamento è la sottotrama riguardante la famiglia di Emma. Nel libro, Emma ha un ruolo secondario rispetto alla cugina maggiore Kerry, che è venuta a vivere con la famiglia di Emma quando era piccola e sua madre è morta. I genitori di Emma adoravano Kerry, che è cresciuta fino a diventare un’imprenditrice di successo, mentre Emma faticava a trovare una carriera.
Tuttavia, quando Jack sconvolge la vita di Emma, rivelando accidentalmente e intenzionalmente i suoi segreti alle persone che la circondano, cambia in meglio le dinamiche familiari. È una sottotrama dolce nel libro, ma è anche la più facile da eliminare per garantire che il film non sia troppo lungo. Sai tenere un segreto? fa comunque un cenno a quella particolare trama, quando Cybill (Laverne Cox) fa riferimento a una giornata aziendale dedicata alla famiglia durante la prima visita di Jack in ufficio: è in quell’evento nel libro che Jack incontra la famiglia di Emma.
Riferimenti aggiornati alla cultura pop
Poiché Sai tenere un segreto? è stato pubblicato originariamente nel 2003, molti dei suoi riferimenti alla cultura pop sono ormai superati e il film cerca di aggiornarli. Ad esempio, la canzone che fa piangere Emma nel libro è “Close To You” dei Carpenters, mentre nel film è “Demons” degli Imagine Dragons. E l’imbarazzante copriletto di Emma nel libro è a tema Barbie, mentre nel film è My Little Pony.
Sono però stati mantenuti alcuni riferimenti più classici, come il romanzo che Emma finge di leggere per il suo club del libro, che rimane “Great Expectations” di Charles Dickens. Ha sicuramente senso aggiornare i riferimenti alla cultura popolare per il film, in modo che non sembri obsoleto, anche se alcuni fan del libro potrebbero obiettare che “Demons” non ha molto senso come canzone che fa piangere qualcuno.
Il cast di supporto è più diversificato
Nel libro, la maggior parte delle persone nella vita di Emma sono uomini e donne bianchi, ma il film Sai tenere un segreto? fa uno sforzo concertato affinché le persone nel mondo di Emma riflettano più accuratamente la New York City dei giorni nostri. Di conseguenza, le coinquiline di Emma, Lissy e Gemma (Jemima nel libro), sono interpretate rispettivamente da Sunita Mani e Kimiko Glenn. Cox interpreta Cybill, il capo di Emma, che sostituisce Paul del libro e che probabilmente è stato adattato dal personaggio di Cyril, il responsabile dell’ufficio.
Inoltre, Katie, la collega di Emma appassionata di uncinetto, cambia sesso e diventa Casey (Robert King), anche se rimane invariato il dettaglio su un potenziale partner che usa Casey per fare riparazioni in casa. Anche il partner di ballo di Lissy è cambiato, diventando Omar invece di Jean-Paul. Tuttavia, sebbene il film Sai tenere un segreto? sia molto più diversificato, nessuno dei due protagonisti – né il fidanzato di Emma, Connor (David Ebert) – fa parte di questa spinta ad aggiungere più rappresentatività.
Il finale è ambientato su un aereo, non all’after party
Il terzo atto di Sai tenere un segreto? si svolge quasi interamente allo stesso modo nel film e nel libro. Jack sorprende Emma a parlare con il giornalista scandalistico assunto da Gemma/Jemima e se ne va infuriato, nonostante Emma protesti dicendo che non avrebbe mai venduto il suo segreto. Tuttavia, nel libro, Jack torna alla festa dove è avvenuto questo scontro e lui ed Emma parlano fuori, passeggiando nel giardino mentre lui le racconta tutti i suoi segreti. Nel film, Emma lo segue sul suo volo per Chicago e si siede nel posto di prima classe accanto a lui per fargli le sue scuse.
Quando è costretta a tornare al suo posto in classe economica, Jack la segue e le racconta i suoi segreti. Si baciano e Jack continua a raccontare a Emma tutto di sé. Questo finale cattura la stessa sensazione del libro, ma riesce a chiudere il cerchio della storia, sia con il discorso di Emma che ambientando la loro riconciliazione su un aereo, riportandola al luogo dove si sono incontrati. Questo è forse il cambiamento più grande apportato al film Sai tenere un segreto?, ma ha anche molto senso ed è senza dubbio un finale ancora migliore rispetto al libro di Kinsella.
L’Uomo d’Acciaio (qui la recensione) rappresenta una rivisitazione radicale di Superman rispetto alle incarnazioni classiche del personaggio, in particolare quelle luminose e ottimistiche legate al cinema di Richard Donner e alla figura iconica di Christopher Reeve. Zack Snyder sceglie un tono più cupo, realistico e drammatico, cercando di raccontare un Superman moderno: un alieno costretto a vivere tra esseri umani che lo temono, in un mondo segnato da paura, geopolitica e diffidenza. Il film mette al centro il conflitto identitario, trasformando Clark Kent in un uomo che deve scegliere chi essere, e non solo un eroe che difende la Terra.
Questa reinterpretazione portò a molte novità apprezzate, come la rappresentazione di Krypton e la sua estetica sci-fi, il ruolo più complesso dei genitori adottivi, e la costruzione di un Superman tormentato, vulnerabile e costretto a confrontarsi con il peso delle proprie responsabilità. Tuttavia, alcune scelte divisero il pubblico e la critica: l’eccesso di distruzione, l’atmosfera troppo cupa e la figura di un eroe meno luminoso rispetto alla tradizione fumettistica. La decisione più controversa fu quella finale: Superman che spezza il collo a Zod, uccidendolo.
Quel gesto, mai visto prima nelle trasposizioni cinematografiche di Superman, cambiò per molti l’essenza del personaggio, solitamente simbolo di speranza, controllo morale e incorruttibilità. Alcuni lo interpretarono come un punto di crescita drammatica, altri come un tradimento dell’icona. Per questo motivo, nel resto di questo articolo verrà proposto un approfondimento sul “finale alternativo” inizialmente considerato dagli autori: un epilogo in cui Superman non uccide Zod. Analizzeremo come questa scelta avrebbe modificato la narrazione, l’evoluzione psicologica del protagonista e il significato complessivo del film.
Il finale alternativo di L’Uomo d’Acciaio: le parole di David S. Goyer
Come già detto, il finale di L’Uomo d’Acciaio potrebbe passare alla storia come uno dei finali più controversi dei film tratti dai fumetti. Tuttavia, la famigerata battaglia tra Superman e Zod nel finale avrebbe potuto prendere una direzione diversa, come rivelato dallo sceneggiatore David S.Goyer, il quale ha però difeso la conclusione poi scelta, spiegando: “Capisco perfettamente che molte persone abbiano avuto dei problemi con questo finale. Quando ho contribuito all’adattamento di queste cose, volevo essere il più rispettoso possibile del materiale originale”. “
Ma non è possibile proteggersi dal fallimento. Bisogna osare. E osare comporta grandi ricompense”. Ma il team ha rischiato di non osare, ha detto Goyer, rivelando che il team aveva preso in considerazione un finale alternativo per L’Uomo d’Acciaio che non avrebbe visto Superman uccidere Zod: “L’idea era che Superman avrebbe… c’era una di quelle capsule criogeniche sulla nave che finisce per diventare la Fortezza della Solitudine, nella quale avrebbe potuto rimettere Zod e poi lanciarlo nello spazio”.
“Ne abbiamo discusso e forse alcune persone sarebbero state più contente di questo finale, ma ci sembrava una scappatoia per la storia che stavamo raccontando”. Quel finale non avrebbe certamente suscitato la reazione e le critiche che ha ricevuto il finale di L’Uomo d’Acciaio, e sarebbe stato più in linea con le rappresentazioni tradizionali di Superman come supereroe non letale. Ma Goyer e i realizzatori del film erano determinati a mantenere il loro approccio realistico a Superman, con un finale che avrebbe messo Superman in una posizione etica difficile, e con nessuna scelta se non quella di uccidere il suo avversario.
“Stavamo cercando di… se si segue la storia dall’inizio alla fine, in termini di emergere di questo personaggio, della sua maturità e della piena comprensione del tipo di potere che ha, e quando combattono il tipo di devastazione che ne deriva. Non è una lotta frivola, è quasi come l’11 settembre quando combattono. Stavamo cercando di creare una situazione di stallo in cui lui non potesse… C’era stata una decisione editoriale nei fumetti secondo cui Superman non uccide, era una regola, ma è una regola imposta a un mondo immaginario. Quando stai scrivendo per la televisione o per un film, non puoi appoggiarti a una stampella, a una norma che trova la sua ragion d’essere al di fuori dell’esigenza narrativa”.
“Nel nostro caso, la situazione era questa: Zod non avrebbe smesso di uccidere degli innocenti finché uno fra lui o Kal-el non fosse morto. La realtà dei fatti è che nessuna prigione sulla Terra avrebbe potuto tenerlo bloccato, il nostro Superman non poteva volare sulla Luna e non volevamo neanche usare una scappatoia come questa. Inoltre, la nostra opera è da intendersi come un “Superman Begins”. Clark non è Superman fino alla fine del lungometraggio. Volevamo che lui avesse sulle proprie spalle il peso dell’aver ucciso qualcuno, in modo tale da poter trasportare ciò anche nel secondo film. Dato che lui è Superman e le persone lo idolatrano, adesso deve ancorarsi a uno standard molto elevato.
Come il finale alternativo avrebbe cambiato il film
L’ipotesi di un finale in cui Superman imprigiona Zod in una capsula criogenica avrebbe radicalmente cambiato la percezione del protagonista e dell’intero film. Avrebbe mantenuto intatta la tradizione dell’eroe non letale, rafforzando l’idea di un Superman moralmente incorruttibile, capace di trovare sempre una soluzione alternativa alla violenza definitiva. La narrazione ne sarebbe uscita più rassicurante, più vicina al mito classico e alla figura del salvatore perfetto, riducendo la componente realistica e tragica che invece caratterizza il finale ufficiale scelto da Snyder e Goyer.
La versione canonica, invece, trasforma la morte di Zod in un punto di trauma e maturazione, segnando l’inizio della consapevolezza del potere e del peso morale che comporta. Un finale alternativo avrebbe invece evitato questa frattura psicologica, privando Superman della colpa e del tormento che lo umanizzano e che giustificano il suo bisogno di controllare sé stesso. Di conseguenza, il film avrebbe trasmesso un messaggio più semplice, meno drammatico, minando l’idea di un supereroe costretto a confrontarsi con le conseguenze reali delle proprie azioni.
Il periodo in cui Sylvester Stallone ha interpretato John Rambo potrebbe essere giunto al termine, ma la storia del suo tormentato veterano della guerra del Vietnam continuerà con un prequel in fase di sviluppo diretto dal regista di SISUJalmari Helander, con Noah Centineo pronto a vestire i panni del protagonista. Sebbene sia ancora nelle fasi iniziali, il prequel di Rambo dovrebbe iniziare le riprese in Thailandia il prossimo anno e ha già ottenuto un accordo di distribuzione.
Joe Deckelmeier di MovieWeb ha incontrato Helander mentre promuoveva SISU: Road to Revenge, il sequel del sanguinoso film d’azione di successo del 2022, e gli ha chiesto del suo prossimo approfondimento sulla storia di uno degli eroi d’azione più longevi del cinema. Alla domanda se il suo Rambo avrebbe avuto lo stesso livello di brutalità creativa di SISU, Helander ha risposto:
“Non ne sono sicuro. Sarà la mia interpretazione di Rambo, questo è certo, ma è un processo. È ancora in corso. Non posso ancora rispondere”.
John Rambo ha fatto il suo debutto nel 1982 in First Blood come uomo distrutto dalle sue esperienze di guerra. Sebbene la serie sia diventata famosa per le sparatorie e per il muscoloso veterano interpretato da Stallone che sconfigge i cattivi, il primo film era tanto un thriller psicologico quanto un film d’azione, quindi come affronterà Helander la storia di come John Rambo è diventato il personaggio che conosciamo? A quanto pare con la stessa combinazione di dramma e azione del film originale.
“È la storia di ciò che è successo a questo soldato in Vietnam e che lo ha reso l’uomo che tutti abbiamo visto in First Blood. Ma ovviamente non è un dramma su qualcuno che ha un crollo mentale, è anche un film d’azione”.
Il franchise di “Rambo” è stato acquisito da un nuovo distributore
Si parla da tempo di un prequel di Rambo, con voci che risalgono a diversi anni fa, e il fatto che finalmente si stia procedendo è entusiasmante per i fan del franchise che erano alla ricerca di nuova linfa dopo l’uscita di Rambo: Last Blood nel 2019, quasi certamente l’ultima apparizione di Stallone.
Come riportato oggi da THR, il franchise di Rambo è stato ora assicurato in un “accordo di diritti ad ampio raggio” tra Lionsgate e Millennium Media. Lionsgate distribuirà ora il prequel di John Rambo e avrà un “ruolo di produzione principale” in qualsiasi progetto televisivo di Rambo. In precedenza si era discusso di una serie TV su Rambo, che era il piano originale per il prequel prima che si passasse alla realizzazione di un film, ma sembra che il nuovo accordo di distribuzione sia stato stipulato con l’intenzione di realizzare comunque un progetto televisivo.
Nel frattempo, Stallone ha recentemente aggiunto il suo peso alla nuova versione di Rambo, dichiarando a EW che ritiene che il prequel potrebbe essere “fantastico, se riusciranno a centrare tutti gli obiettivi”. Condividendo la sua opinione sul passato di John Rambo, Stallone ha detto:
“Ho sempre pensato a Rambo come a un personaggio molto popolare. Era il capitano della squadra di football, prendeva sempre il massimo dei voti. Insomma, era proprio quel tipo di ragazzo, il primo della classe. Poi la guerra lo ha distrutto e lo ha trasformato in una macchina da guerra, affetta da disturbo da stress post-traumatico. Volevo vedere quell’evoluzione da ‘Non vedo l’ora di andare in guerra. Sarà divertente. Finirà tutto in tre settimane’”.
Come molti fan, Stallone potrà ora vedere quella evoluzione nel nuovo film, che si spera sarà all’altezza delle aspettative molto alte.
Predator: Badlandsha già ottenuto un primo riscontro positivo dai social media la scorsa settimana, ma ora anche i critici hanno espresso il loro parere sull’ultimo capitolo dell’iconica saga fantascientifica. Sebbene alcuni fan temessero che Badlandssi allontanasse troppo dalla formula originale, sembra che il film sia comunque riuscito a soddisfare le elevate aspettative create dai sequel più recenti.
Predator: Badlands ha ricevuto recensioni per lo più positive su Rotten Tomatoes, ottenendo un punteggio dell’86% basato su 51 recensioni. Il consenso è finora stellare per il terzo progetto Predator del regista Dan Trachtenberg, con la maggior parte dei critici che lodano l’approccio unico del film alla formula della saga, che si concentra su una storia sentimentale incentrata sul protagonista Yautja di nome Dek, interpretato da Dimitrius Schuster-Koloamatangi.
Bloody Disgusting afferma che il film prende una “deviazione netta verso l’avventura, con la sua azione propulsiva e ricca di creature che si abbina al brivido polarizzante dell’innovazione Yautja”. Nel frattempo, The Film District ha sottolineato il tono relativamente leggero del film, che a volte può assomigliare “al pilot di un cartone animato vintage del sabato mattina”.
“Tra il sagace compagno, l’adorabile animale domestico non verbale e il protagonista che subisce una crescita personale, Predator: Badlands ricorda spesso il pilot di un cartone animato vintage del sabato mattina, ma non è necessariamente una cosa negativa”.
Non tutti hanno amato “Predator: Badlands”, ma le opinioni variano
Sebbene la maggior parte dei critici abbia espresso un giudizio estremamente positivo su Predator: Badlands, non tutti hanno apprezzato la nuova audace direzione intrapresa dal film. Come già detto, il sequel di fantascienza abbandona la maggior parte delle convenzioni che hanno caratterizzato i film di Predator negli ultimi 38 anni. Invece della bestia titolare che dà la caccia al protagonista, ora lo Yautja è l’eroe, che cerca di dimostrare il proprio valore dando la caccia a un mostro ancora più formidabile, insieme a un androide semidistrutto dell’universo di Alien. The Playlist è rimasto particolarmente deluso dal modo in cui Badlands cerca di evolvere la formula, ma non riesce ad essere altro che una “mutazione riuscita solo a metà”.
“Curiosa mutazione riuscita solo a metà nella stirpe di ”Predator“, ‘Badlands’ vuole trascendere gli istinti primari del franchise. Invece, dimostra che a volte sopravvivere significa sapere cosa non evolvere”.
Sembra che molte delle cose che la maggior parte dei critici ha trovato soddisfacenti sembrino invece dare fastidio ad altri. Il cambio di genere è stato apprezzato dalla maggior parte delle recensioni, ma Deadline ha ritenuto che il film perda slancio perché presenta un Predator che non condivide più le qualità di “macchina da guerra spietata e inarrestabile” dei suoi predecessori.
“Le scene d’azione non sembrano mai galvanizzare e, a un certo punto, il predatore, un tempo macchina da guerra spietata e inarrestabile, ha semplicemente perso il suo fascino minaccioso. Il tutto sembra un po’, beh, sciocco”.
In ogni caso, il pubblico scoprirà se Predator: Badlands sarà all’altezza della serie quando uscirà nelle sale alla fine di questa settimana.
Sebbene oggi sia uno dei thriller polizieschi più popolari, le origini di The Blacklist risalgono alla NBC. Creata da Jon Bokenkamp, la serie, incentrata sull’insolita collaborazione tra uno dei criminali più ricercati e l’FBI, ha debuttato nel settembre 2013. In seguito al clamoroso successo della serie, nel 2014 Netflix ha acquisito The Blacklistper la cifra record di 2 milioni di dollari a episodio. Si trattava della cifra più alta mai pagata per un’acquisizione fino a quel momento.
Con un’impresa che solo pochi programmi sono riusciti a realizzare, The Blacklist è riuscita a mantenere gli spettatori incollati allo schermo per tutti i suoi dieci anni di programmazione. Gran parte del fascino della serie è attribuibile a un personaggio senza il quale la trama di The Blacklist non sarebbe stata possibile: Raymond “Red” Reddington (James Spader). La trama centrale di The Blacklist, la “lista nera” stessa, proviene direttamente da Red. Tuttavia, nonostante la vitalità di Red nella storia, un’aura di mistero ha circondato il personaggio per gran parte della serie. A rendere Red ancora più interessante è anche il fatto che il personaggio trova le sue origini in un vero boss mafioso.
Chi è Raymond Reddington in “The Blacklist”?
Apparentemente, Red è una mente criminale. Con i suoi modi affabili e la sua brillante intelligenza, Red è in grado di manipolare le persone con facilità e, sebbene non sia un grande fan della violenza, non esita a ricorrervi quando necessario. Queste qualità rendono Red un criminale davvero formidabile, degno del primo posto che occupa nella lista dei ricercati dall’FBI.
Tuttavia, l’aura di mistero non è mai stata troppo lontana da Red. Anzi, sembra essere una delle caratteristiche più distintive del genio del crimine, che suscita la curiosità degli spettatori e li attira. Red crea un’aura di mistero fin dall’inizio, chiedendo di lavorare solo con Liz, rendendo le domande sul perché Red tenesse così tanto a Liz e su come fossero collegati alcune delle domande più pressanti della serie.
Come serie, The Blacklist ha preservato il mistero di Red fino alla fine. La sua vera identità non viene mai rivelata in modo definitivo. Quando Liz ha lasciato la serie nella stagione 8, credeva che Red fosse suo padre. Tuttavia, questo non è mai stato confermato esplicitamente, anche se c’erano molti indizi che indicavano che Red doveva essere in qualche modo un genitore di Liz. Aggiungendosi all’ambiguità che circonda la sua identità, Red risponde a una battuta fatta dalla figlia di Liz, dicendo che non poteva fare a meno di sembrare una madre. Questo apre una serie di possibilità, dato che i fan avevano già una teoria secondo cui Red era in realtà la madre di Liz, precedentemente nota come Katarina Rostova.
Raymond Reddington è stato ispirato da un boss mafioso di Boston
Con il pubblico già affascinato dall’enigma che era Red in The Blacklist, sapere che quel personaggio ha solide radici nella vita reale non fa che aumentare il suo fascino. Il personaggio di Reddington nella serie è stato ispirato da un famigerato e pericoloso boss mafioso di Boston, Whitey Bulger.
Nato nel 1929, Bulger era un criminale molto ricercato che figurava nella lista dei dieci fuggitivi più ricercati dall’FBI. Controllava la Winter Hill Gang dell’area di Boston ed era una figura temibile nel crimine organizzato dalla fine degli anni ’60 fino agli anni ’90. Analogamente al personaggio di Reddington in The Blacklist, anche Bulger è stato un informatore dell’FBI per un certo periodo, fino a quando il rapporto si sarebbe deteriorato e corrotto. Bulger è stato catturato dalla polizia nel giugno 2011 e condannato nell’agosto 2013.
Il personaggio di Bulger è stato fondamentale nella creazione di The Blacklist, poiché i creatori della serie volevano realizzare uno show incentrato su un boss mafioso. In un’intervista a Collider nel 2013, lo showrunner e produttore esecutivo John Eisendrath ha dichiarato che l’idea iniziale era quella di creare uno show incentrato sulla “caccia ai cattivi”, ma con “un cattivo al centro della trama”. È stato in quel periodo che è stato trovato Whitey Bulger.
“Quindi, l’idea era: ‘Beh, cosa succederebbe se un uomo come Whitey Bulger si costituisse e dicesse: ”Sono qui. Ho alcune regole che voglio che seguiate, ma se le seguirete vi darò i nomi delle persone con cui ho lavorato durante i 20 anni in cui sono stato un fuggitivo”. Quindi, c’è stata un’influenza del mondo reale che ha influenzato la definizione della serie che era già stata pensata… È stata una svolta fortuita, in cui si stava valutando l’idea per una serie e poi è arrivata una storia di vita reale che ha contribuito a darle forma”.
The Blacklist, una serie televisiva trasmessa dalla NBC dal 2013 al 2023, ha tenuto gli spettatori incollati allo schermo per tutti i suoi 10 anni di programmazione. Ad oggi, detiene un punteggio del 91% da parte della critica e del 79% da parte del pubblico su Rotten Tomatoes, e i fan continuano a speculare sulle domande rimaste senza risposta a più di un anno dalla sua conclusione ufficiale. La serie raccontava la storia di Raymond “Red” Reddington, un ex agente governativo diventato latitante che stringe un accordo con l’FBI: in cambio della sua libertà, collaborerà con loro per catturare i membri della “lista nera”.
La lista in questione è un elenco dei peggiori mafiosi, spie e terroristi del mondo nel mirino dell’FBI, un vero e proprio “who’s who” dei criminali più ricercati d’America, che solo una mente come quella di Red poteva comprendere abbastanza bene da catturarli. Era una premessa che ha catturato l’attenzione degli spettatori di tutto il paese, ma era il mistero al centro dello show che faceva sintonizzare i fan ogni settimana: chi è davvero Ray, alias “Red”, e quali sono le sue reali motivazioni per stringere questo accordo con l’FBI?
Chi è Red in apparenza?
Ray “Red” Reddington è considerato una mente criminale, un antieroe altamente intelligente e spietato che è in cima alla lista dei ricercati dall’FBI, e per una buona ragione. È abituato a essere la persona più intelligente nella stanza, sa leggere e manipolare le persone con facilità e, con la sua mancanza di senso morale o empatia per la maggior parte delle persone, può essere un alleato incredibile o un grande pericolo per tutti coloro che lo circondano. Sebbene non provi necessariamente piacere nel fare del male alle persone e non ami uccidere, non è nemmeno contrario a farlo: non lo fa mai per il gusto di farlo, ma lo considera un mezzo per raggiungere un fine, un modo potenzialmente necessario per ottenere ciò che vuole, specialmente dalle persone sulla lista nera.
Red è una figura enigmatica e imperscrutabile, e il mistero che lo circonda è qualcosa che lui stesso si impegna a mantenere. Gli altri personaggi sanno solo ciò che lui vuole che sappiano, vedono solo le parti di lui che è disposto a mostrare, e non è mai del tutto chiaro quanto di ciò che mostra loro sia affidabile e quanto sia invece manipolazione. Per questo motivo, al pubblico vengono forniti solo indizi, pezzi di un puzzle che potrebbero non portare mai al quadro completo, sulle sue vere intenzioni e identità. I fan della serie hanno preso queste informazioni frammentarie e le possibili rivelazioni e hanno fatto ciò che i fan fanno spesso: hanno creato le loro teorie e le possibili risposte su chi sia realmente Red al di là di tutte le bugie e le manipolazioni del suo personaggio.
Cosa vuole Red?
Oltre alla libertà, una delle condizioni di Red per collaborare con il governo è quella di lavorare con una profiler in particolare: Elizabeth Keen. Il suo interesse o il suo legame con lei è sconosciuto agli altri agenti e al pubblico, il che solleva la domanda sul perché sia così insistente nel voler lavorare con lei. Sebbene non manchino suspense e mistero in ogni aspetto della serie, è proprio questo mistero ad aver affascinato maggiormente gli spettatori, che cercano di capire chi sia Liz Keen per Red e perché lui desideri così tanto far parte della sua vita. Nel corso della serie, la domanda su come Red e Liz siano collegati e sul perché Red tenga così tanto a lei è uno dei misteri principali sia per gli altri personaggi che per gli spettatori a casa.
Man mano che la serie procedeva, frammenti del passato di Red e il suo strano legame con Liz venivano lentamente rivelati, o almeno accennati. Alla fine della storia di Liz nella serie nella stagione 8, lei credeva che Red fosse suo padre e gran parte del pubblico, almeno in quel momento, credeva lo stesso, anche se lui negava di esserlo. Una volta rivelato tutto sul suo passato, tranne il suo esatto rapporto con Liz, sembrava ovvio che fosse suo padre.
Chi è Red, in realtà?
Fino alla fine, TheBlacklist non ha mai dato al pubblico una risposta definitiva sull’identità di Red: come ci si aspetta dagli sceneggiatori, essi offrono possibilità ambigue senza dire nulla di definitivo agli spettatori. L’indizio più importante che ha portato gli spettatori a una risposta è stato nel finale, quando Red stava parlando con la figlia di Liz, Agnes. Agnes ha scherzato durante la loro conversazione dicendo che lui sembrava una mamma, e Red ha risposto che non poteva farci niente.Correlati10 momenti scioccanti di The Blacklist che hanno lasciato gli spettatori senza paroleScopri i 10 momenti più sbalorditivi di The Blacklist, tra cui morti sorprendenti, tradimenti e rivelazioni che hanno cambiato le carte in tavola.
Potrebbe non essere una conferma diretta, ma a modo suo ambiguo, questo sembra essere un suggerimento della serie ai fan che la loro teoria sull’identità di Red come madre di Liz, e in precedenza come Katarina Rostova, era corretta. Se questo è ciò che lo showrunner e gli sceneggiatori stavano suggerendo, allora significherebbe che Red aveva cambiato identità prima dell’inizio della serie: una trama potenzialmente interessante che non è mai stata realmente esplorata in The Blacklist, il che forse è meglio, dato che molti spettatori non erano sicuri della capacità della serie di affrontare quella trama con sfumature e complessità.
Questa possibile risposta, come spesso accade in una serie che si basa su intrighi e mistero come The Blacklist, è quanto di più vicino i fan potranno mai arrivare a conoscere la vera identità di Red. Non è una risposta, ma è qualcosa, ed è quanto di più vicino si possa arrivare, senza mai sapere con certezza.
Sarà disponibile dal 15 novembre su RaiPlayLast Swim, l’esordio cinematografico del regista britannico Sasha Nathwani, presentato in anteprima mondiale alla 74ª edizione del Festival Internazionale del Cinema di Berlino nella sezione Generation 14plus. Il film, accolto con entusiasmo da pubblico e critica, si è distinto per la delicatezza con cui ritrae l’adolescenza contemporanea e per la capacità di esplorare temi come l’identità culturale, il senso di appartenenza e la paura del futuro in una Londra multiculturale e vibrante.
Ambientato durante un’estate assolata, Last Swim racconta l’ultima giornata di libertà di Ziba, un’adolescente anglo-iraniana brillante e sensibile che si trova di fronte a una scelta capace di cambiare per sempre la sua vita. È il giorno dei risultati degli esami di maturità, e Ziba, unica del suo gruppo ad aver ottenuto voti eccellenti, decide di attraversare la città con i suoi amici Tara, Shea, Merf e Malcolm per festeggiare l’inizio di una nuova fase. Tra corse nei parchi, bagni nel fiume e la trepidante attesa per un raro evento astronomico, la giovane vive il suo “ultimo tuffo” nell’adolescenza, cercando di affrontare il segreto che la tormenta e la paura di crescere in un mondo incerto.
Last Swim è un racconto di formazione intenso e visivamente potente, che unisce la leggerezza dei momenti di amicizia alla malinconia del cambiamento. Nathwani — nato a Londra da madre iraniana e padre indiano, laureato alla Tisch School of the Arts di New York — firma la regia e la sceneggiatura insieme a Helen Simmons, dando vita a un’opera nata durante la pandemia, capace di riflettere il senso di sospensione e vulnerabilità di un’intera generazione.
«Questo film parla di controllo, di perdita e di come i nostri sogni e le nostre scelte cambino quando gli anni più importanti ci vengono sottratti», ha raccontato il regista. «Ziba rappresenta la tensione tra la voglia di vivere e l’impulso di fuggire dal dolore. È una storia di speranza, di crescita e di resilienza».
Il cast vede protagonista Deba Hekmat nel ruolo di Ziba, affiancata da Narges Rashidi, Denzel Baidoo, Solly McLeod, Lydia Fleming, Jay Lycurgo e Michelle Greenidge. La fotografia è firmata da Olan Collardy, il montaggio da Stephen Dunne, le scenografie da Julija Fricsone-Gavriss, i costumi da Natalie Caroline Wilkins, le musiche originali da Federico Albanese e il suono da George Castle.
Il film è prodotto da Campbell Beaton, Bert Hamelinck, Nisha Mullea, Sorcha Shepherd, Helen Simmons e James Isilay per Caviar London e Pablo and Zeus, con la presentazione di Screencrib e la collaborazione dei produttori esecutivi Ruby Walden, Kelly Peck, Jess Ozeri, Max Fisher e Liam Johnson.
Con il suo sguardo intimo e autentico, Last Swim si impone come uno dei titoli più promettenti del cinema indipendente europeo e segna l’inizio di un percorso autoriale da seguire con grande attenzione.
Anche se Buffy the Vampire Slayer ha un tono completamente diverso, questa serie cult ha definito il modello del “mostro della settimana”. Ogni episodio presentava una nuova creatura o minaccia da affrontare, e questa formula episodica le dava un ritmo irresistibile.
Un altro titolo fantasy interessante è The Magicians, una serie piena di toni ironici e surreali, ma con un grande successo di critica: tutte e cinque le stagioni sono “Certified Fresh” su Rotten Tomatoes.
Le trasposizioni da videogiochi al cinema o in TV sono spesso rischiose, ma Arcane, ispirata all’universo di League of Legends, è stata un successo totale. La serie animata vanta un rarissimo 100% su Rotten Tomatoes, superando di gran lunga The Witcher.
Basata sulla trilogia Queste oscure materie di Philip Pullman, questa serie è un altro adattamento letterario di successo. Il suo percorso è stato inverso a quello di The Witcher: una partenza discreta con la prima stagione, seguita da un costante miglioramento nei capitoli successivi.
Nel panorama fantasy televisivo mancano spesso storie di high fantasy puro, ambientate in epoche mitiche. Merlin, che rilegge le leggende arturiane, è un esempio perfetto del genere. Anche se talvolta un po’ ingenua, ha guadagnato sempre più consensi con il passare delle stagioni.
Per chi ama il lato più oscuro e maturo del fantasy, The Sandman è un’ottima alternativa. Basata sull’omonimo fumetto di Neil Gaiman, la serie mescola mitologia, filosofia e oscurità gotica, mantenendo un eccellente 82% su Rotten Tomatoes.
Se si cerca un’alternativa più vicina al cuore di The Witcher, la risposta è Castlevania. Anche qui troviamo un cacciatore di mostri, un’ambientazione gotica e toni da dark fantasy. Ma la differenza sta nella qualità: Castlevania ha ottenuto valutazioni altissime, con punte del 100% su Rotten Tomatoes.
Per chi apprezza l’umorismo intelligente e il tono ironico che caratterizzava in parte The Witcher, Good Omens è un piccolo gioiello. Anche qui troviamo la mano di Neil Gaiman, ma in una chiave più brillante e surreale.
Infine, nessun elenco di grandi serie fantasy sarebbe completo senza 
A differenza del rinnovo per la seconda stagione di Nobody Wants This, avvenuto 14 giorni dopo il debutto della serie, il rinnovo per la terza stagione non prevede un cambio di showrunner. Jenni Konner e Bruce Eric Kaplan, che si sono uniti alla serie dopo la prima stagione, continueranno a essere co-showrunner e le riprese della serie continueranno a Los Angeles.
