La regista Olivia Wilde ha presentato assieme al cast composto da Harry Styles, Florence Pugh (assente dalla conferenza stampa), Gemma Chan e Chris Pine Don’t Worry Darling, sua seconda incursione dietro la macchina da presa dopo Booksmart – la rivincita delle sfigate e presentato fuori concorso a Venezia 79. Per la prima volta dopo le numerose controversie sorte online e circondanti la produzione del film, il team di Don’t Worry Darling ha affrontato la stampa mondiale che, imperterrita, ha continuato a porre domande sul ritiro di Shia LaBeouf dal progetto e sull’assenza di Florence Pugh dalla conferenza stampa di oggi.

Wilde ha parlato di Florence Pugh e della sua assenza dalla conferenza stampa di Don’t Worry Darling senza aggiungere niente di nuovo rispetto a quanto dichiarato nei giorni scorsi: “Florence è una forza; siamo così grati che riuscirà a venire stasera [alla prima] nonostante stia attualmente girando Dune”. L’attrice e regista si è poi rifiutata di rispondere a chi suggeriva ci fossero ragioni più profonde che potessero giustificare questa assenza. “Per quanto riguarda tutti gli infiniti pettegolezzi e rumori dei tabloid, internet si alimenta da solo. Non sento di dovervi contribuire. È sufficientemente ben nutrito“.

Styles ha riconosciuto a sua volte le forze oscure dei social media. “Ci sono molti lati negativi”, ha detto, “sono piuttosto evidenti per chiunque. Ma è sempre importante ricordare che ci sono anche cose positive che accadono nel mondo grazie ad essi“.

Oltre a spendere parole preziose per i suoi fan, che lo hanno sempre sostenuto negli ormai 10 anni di carriera, Harry Styles ha dovuto rispondere a numerose domande su questa sua propensione alla recitazione: “La musica e la recitazione sono opposte per molti aspetti. Fare musica è una cosa molto personale e ci sono aspetti della recitazione in cui si attinge dall’esperienza, ma per la maggior parte si fa finta di interpretare qualcun altro. È questo che trovo più divertente. Quello che mi piace della recitazione è che mi sembra di non avere idea di quello che sto facendo“.

Il cast ha elogiato soprattutto il lavoro degli scenografi, come ha osservato Harry Styles: “Siamo stati fortunati ad avere quel mondo costruito così bene intorno a noi, in modo da poter giocare e divertirci in questa realtà, non c’era troppa recitazione“.

Chris Pine ha concordato: “La cosa sorprendente è che quel mondo non è poi così diverso da quella che era la realtà qualche decennio fa; per quanto riguarda Harry, non ha dovuto sforzarsi per recitare. Le persone che stavamo interpretando erano persone reali in un mondo che è molto simile al nostro”, ma con uno stile esasperato che “mostra tutte le cose belle che compongono il nostro mondo” e che hanno anche un lato oscuro.

Chris Pine ha poi speso qualche parola in più sul suo personaggio in Don’t Worry Darling, Frank, il “dittatore sexy messianico” di Instagram. “È come se fosse il mio profilo Instagram”, ha risposto. “Tutti i leader usano l’immagine come arma. Non ho basato Frank su nessuno, è essenzialmente un ologramma di sensualità intessuto di un parole bellissime ma subdole“.

Secondo Olivia Wilde Don’t Worry Darling è “purtroppo molto attuale ma è anche un film senza tempo. Non credo che ci sarà mai un momento in cui l’idea di controllare il corpo di qualcuno non sia qualcosa di rilevante contro cui lottare“.

Ha aggiunto: “Eravamo davvero interessati alla natura problematica della nostalgia stessa. Abbiamo iniziato il film nell’era delo slogan “Make America Great Again”, mettendo in discussione il suo significato… Spero che provochi conversazioni e faccia riflettere le persone, mettendo in discussione i differenti sistemi a cui devono sottostare. Voglio che sia divertente e intenzionalmente provocatorio“.

Don’t Worry Darling segue Alice (Pugh) e Jack (Styles) una giovane e appartentemente felicissima coppia che vive nella comunità idealizzata di Victory, una città aziendale sperimentale che ospita gli uomini che lavorano per il progetto top-secret chiamato appunto Victory e le loro famiglie. L’ottimismo della società degli anni Cinquanta, propugnato dall’amministratore delegato Frank (Pine) – in egual misura visionario dell’azienda e life coach motivazionale – sostiene ogni aspetto della vita quotidiana nell’affiatata utopia del deserto.

Mentre i mariti trascorrono ogni giorno all’interno del quartier generale del Victory Project, lavorando allo “sviluppo di materiali avanzati”, le loro mogli – tra cui l’elegante compagna di Frank, Shelley (Chan) – passano il tempo a godersi la bellezza, il lusso e la dissolutezza della loro comunità. La vita è perfetta, con tutti i bisogni dei residenti soddisfatti dall’azienda. Tutto ciò che chiedono in cambio è discrezione e impegno indiscusso per la causa di Victory. La prima del film sarà questa sera, 5 settembre, alla Mostra del Cinema di Venezia 2022.

Presentato a Orizzonti Extra nell’ambito di Venezia 79, Valeria is getting married racconta la storia di una ragazza che accetta un matrimonio combinato pur di avere una vita migliore, ma quando si allontanerà da casa e comincerà a lavorare e a esse indipendente, capirà che forse il matrimonio non è l’unica strada per una donna. Abbiamo incontrato Michal Vinik, regista, che ci ha parlato della la genesi del film e di quello che aveva intenzione di raccontare.

Chi è Valeria? “Una giovane donna ucraina che cerca per sé una vita migliore. Vede la sorella cercare di far Leo stesso e cerca di fare lo stesso”. 

Da dove è venuta l’ispirazione per la storia? “Ho camminato a lungo con il personaggio di Cristina, la sorella, ma poi sono incappata in questo fenomeno dei matrimoni combinati, e mi sono interessata principalmente alle figure maschili, agli uomini. Ho letto diverse chat di queste persone, ho anche partecipato a diverse chat di uomini con i quali per me è stato difficile connettermi. Credo siano persone che non trovano il loro posto nel mondo e cercano di ottenere ciò che possono. A volte pensano che prendere una moglie da un altro paese non sia una cattiva idea. Così la storia ha preso forma.”

Il film si pone in maniera molto equilibrata rispetto ai fatti che mostra, non prende le parti di nessuno, giusto? “Ho cercato di non giudicare nessuno, io scrivo e dirigo. Ho cercato di trovare un equilibrio, perché nessuno pensa a se stesso come al cattivo della storia. Per esempio, prendi le persone che mangiano carne, si vedono come persone buone, ma se chiedi a un maiale magari la risposta è diversa! Ho cercato di difenderli e mi sono sentita anche colpevole in merito. Ma volevo dire qualcosa sulle relazione tra uomo e donna in un mondo governato da uomini”.

Valeria is getting married si avvale di una grande ricchezza linguistica, come ha gestito questo aspetto? “Non dirigerò mai più un film in una lingua che non capisco e parlo fluentemente. È stato molto complicato per me, c’è l’ucraino, il russo, l’inglese e l’ebraico. Sono stata molto aiutata dagli attori e dal personale sul set. Alla fine ci siamo divertiti, perché l’inglese è universale mentre l’ebraico è la nostra lingua madre, mentre russo e ucraino sono la lingua delle nostre attrici. E credo che il risultato sia stato molto autentico.”

Che tipo di società è quella che si affida ai matrimoni combinati? “I matrimoni combinati si verificano intorno a noi, continuamente. In tutto il mondo, non è una pratica che non è illegale. Queste persone si incontrano in rete, su Skype magari, poi magari il matrimonio fallisce nel 90 % dei casi. Ma non è una pratica illegale, nessuno viene rapito!”

Nel film c’è un riferimento ad Anna Karenina, come mai proprio quel romanzo? “Abbiamo cercato di farlo apparire come un vecchio film russo, abbiamo usato delle vecchie lenti per le riprese e tutti i riferimenti culturali dei personaggi sono riferiti alla cultura russa e ucraina. Tutte le foto nella casa del film appartengono all’attrice, quando viveva in Ucraina.”

Presentato nel Concorso di Venezia 79, L’immensità è il nuovo film di Emanuele Crialese, con protagonista Penelope Cruz, e oggi protagonista al Lido. L’immensità, spiega Crialese, “è una storia che mi riguarda molto da vicino, è la mia storia in chiave poetica, sarebbe riduttivo definirlo il mio ‘coming out’, il pubblico penserebbe ad un film sulla transizione ma non è affatto così”.

Il film, che arriverà in sala il 15 settembre, è ambientato in una Roma “metafisica” degli anni ’70, e racconta la storia di una famiglia in cui la madre, infelice, cresce tre figli, la maggiore delle quali rifiuta il suo nome e la sua identità sensuale. In merito alla classificazione di genere, Crialese dice: “I tempi sono cambiati, ai giovani di oggi le classificazioni di genere non interessano più, in questo sono maestri, portatori di una nuova sensibilità, maschio, femmina, sono quel che sono, prima di tutto esseri umani”.

Il regista, che nel film non racconta solo se stesso ma anche la sua famiglia e sua madre, dice: “Sono figlio del mio tempo, ma i tempi oggi sono cambiati. Le famiglie vanno sostenute quando ci sono da fare certi percorsi, mia madre era da sola, non sapeva dove sbattere la testa. Ho cambiato la ‘a’ con la ‘e’ e ho dovuto lasciare un pezzo del mio corpo, ma io sono uomo e no, donna e no e voglio rimanere così e spero di non minacciare nessuno per questo”.

Siamo di fronte al film più personale nella carriera del regista: “L’Immensità – spiega infatti Emanuele Crialese – è il film che inseguo da sempre: è sempre stato ‘il mio prossimo film’, ma ogni volta lasciava il posto a un’altra storia, come se non mi sentissi mai abbastanza pronto, maturo, sicuro. È un film sulla memoria che aveva bisogno di una distanza maggiore, di una consapevolezza diversa. Come tutti i miei lavori, in fondo è prima di tutto un film sulla famiglia: sull’innocenza dei figli, e sulla loro relazione con una madre che poteva prendere vita solo nell’incontro, artistico e umano, con Penelope Cruz, con la sua sensibilità e la sua straordinaria capacità di interazione con tre giovanissimi non attori che non avevano mai recitato prima. Luana, Patrizio e Maria Chiara sono rimasti bambini sempre, e come tali sempre intensamente e immensamente veri”.

“I temi che mi appassionano sono sempre quelli: la donna, i bambini, la migrazione, la transizione. Poi invento storie per raccontare quelle situazioni. Ho dovuto aspettare, per acquisire consapevolezza di me, del mio percorso, del linguaggio cinematografico. Le cose bisogna raccontarle quando si sa parlare, si è capace di esprimersi. Questa storia per me ha rappresentato una rinascita”.

Era uno dei momenti più attesi di Venezia 79, l’esordio di Elodie al cinema con Ti Mangio il Cuore, di Pippo Mezzapesa, nella selezione di Giornate degli Autori. La cantante dà corpo e voce alla prima pentita della mafia foggiana, un personaggio, quello di Marilena, di cui ha detto di essere orgogliosa. 

C’è il rischio che l’attenzione sul suo esordio al cinema possa togliere luce e spazio al film?

“Da tempo avevo pensato che sarebbe stato bello fare un’esperienza da attrice – risponde Elodie – ma attendevo la magia, una storia che mi colpisse e che mi desse la possibilità di fare qualcosa di diverso da quello che faccio quando canto.” E così è nata la volontà di interpretare Marilena. “La sceneggiatura mi ha mostrato un personaggio bello e autentico, molto sfaccettato. Marilena è una donna vera, e ho pensato che fosse pretenzioso da parte mia voler interpretarla ma era anche molto interessante. Ho accettato di parlare con lei, anche perché mi consentiva di andare molto più in profondità rispetto al solito, dal momento che faccio musica di intrattenimento, principalmente. Lidia Vitale mi ha aiutata tanto sul set e non era scontato che un’attrice tanto navigata potesse avere la voglia di starmi accanto e di aiutarmi.”

Di Marilena, personaggio ispirato alla prima collaboratrice di giustizia appartenente alla mafia foggiana, Elodie ha detto: “Sarei orgogliosa di ciò che ha fatto una donna del genere, lei che ha scelto la vita per il bene dei suoi figli, ha deciso di non stare a certi schemi, di uscire da un loop. Sarei orgogliosa.”

E rispetto al lavoro di attrice che ha inaugurato proprio con questo film, la popstar italiana ha detto: “Con questo lavoro, ho scoperto delle cose di me, anche grazie agli altri, ai miei colleghi e alle collaborazioni. Lavorare insieme ti permette di scoprirti, mi sono trovata più volte in difficoltà e ho trovato persone che mi hanno sostenuta intorno a me. Mi piacerebbe replicare l’esperienza, ma sempre scegliendo con attenzione i progetti e starci dentro, immergermi. Potrebbe diventare un ottimo modo di lavorare su me stessa e fare terapia.”

Darren Aronofsky, Brendan Fraser e Sadie Sink hanno presentato in anteprima a Venezia 79 il nuovo film del regista, The Whale. Visibilmente emozionati per il ritorno del regista al Festival dopo Madre! (2017), il cast ha raccontato il loro lunghissimo viaggio – durato quasi 10 anni – per produrre il film.

Aronofsky ha raccontato come si è approcciato per la prima volta al testo teatrale di The Whale. “Ho letto il copione e lo volevo fare subito. Negli ultimi anni abbiamo perso così tanto e il cinema è soprattutto una questione di possibilità: questo è un grandissimo momento per me. Mi ricordo benissimo che lessi una recensione dello spettacolo teatrale sul New York Times, sono andato a vederlo subito, mi sono commosso. Ho voluto poi mettermi in contatto con l’autore Samuel D. Hunter e abbiamo discusso le possibilità di adattare questo film su schermo. Tutti i personaggi sono così ricchi e umani, era un bellissimo copione per poter lasciare fluire la mia immaginazione“.

Il movimento nello spazio gioca un ruolo fondamentale in The Whale: la storia si svolge all’interno di un’ambientazione claustrofobica, che tiene quasi come prigioniero questo uomo gigante. Cosa ha spinto Aronofsky ad interessarsi a un dramma molto più emotivo e contenuto rispetto al suo stile? “Ho iniziato con 20mila dollari per fare il primo film, quelli che sembrano limiti in realtà stimolano soltanto di più quello che fai. Ero interessato non solo all’ambientazione in uno spazio chiuso ma anche a un uomo che non poteva muoversi facilmente. Impari sempre di più da questi personaggi, pian piano metti insieme i pezzi, è una sceneggiatura che ti accende il cervello, sapevo che questo copione avrebbe interessato il pubblico“.

“La mobilità fisica di Charlie è limitata al suo spazio vitale, che è sostanzialmente il divano. La sua storia è raccontata a porte chiuse, ma c’è una luce nell’oscurità. Lui manifesta il suo trauma tramite il fisico. Ho dovuto imparare a muovermi in modo nuovo, sentivo le vertigini alla fine di ogni giorno di prova, questo mi ha fatto apprezzare ancora di più il mio corpo. Devi essere una persona molto forte mentalmente per poter abitare un corpo come questo“, ha aggiunto Fraser. “Penso che Charlie sia il personaggio più eroico che io abbia mai interpretato. Questo è il suo viaggio. Tra tutti gli eroi che ho interpretato, lui è L’EROE“.

Uno dei temi fondamentali di The Whale è il potere salvifico della letteratura, come ha spiegato l’autore del testo teatrale Samuel D. Hunter: Charlie cerca la verità in questa storia, ci sono delle verità brutali del suo passato che non può affrontare, ma deve farlo per salvare le persone vicino a lui. Volevo scrivere la storia di un insegnante di inglese che deve riconnettersi con la figlia e lo vuole fare anche tramite la letteratura”. “C’è tanto di me in questa sceneggiatura. Ho avuto un problema col cibo, ero un ragazzo gay in una scuola cattolica, volevo passare questa mia storia a qualcuno che ne avrebbe capito il senso di speranza e la fede nelle persone perchè è ciò che mi ha salvato“.

Per quanto riguarda il processo di casting per The Whale, Aronofsky ha raccontato che gli ci sono voluti quasi 10 anni per trovare l’interprete perfetto per Charlie. “Ho considerato ogni singola star sulla faccia della terra, ma nessuna mi ha convinto veramente. Poi ho trovato il trailer di un film brasiliano low budget in cui c’era Brendan. E ho capito tutto. Ci siamo incontrati ed è andato tutto benissimo. Sadie, invece, è la mia nuova giovane attrice preferita, ho avuto i brividi dal primo momento in cui si sono incontrati questi due e hanno letto il copione“.

“Le persone non sono in grado di non preoccuparsi per gli altri. Questa è la prospettiva di vita di Charlie e credo che sia il miglior messaggio da lasciare al mondo in questo momento. Stiamo tutti andando verso la disillusione ma non dobbiamo farlo, dobbiamo prenderci cura l’uno dell’altro“, questo il messaggio finale che, secondo Darren Aronofsky, The Whale dovrebbe trasmettere.

La regista Rebecca Zlotowski porta in concorso a Venezia 79 I figli degli altri, film basato su un’esperienza autobiografica e che mira a raccontare il tema della maternità da una prospettiva differente.

La trama de I figli degli altri ruota attorno a Rachel è una donna di quarant’anni, senza figli. Ama la sua vita: gli studenti del liceo in cui insegna, gli amici, il suo ex, le lezioni di chitarra. Quando si innamora di Ali, stringe un legame profondo anche con Leila, la figlia di quattro anni dell’uomo. Le rimbocca le coperte prima di dormire, se ne prende cura, le vuole bene come se fosse sua. Ma amare i figli degli altri è un grosso rischio.

Proprio partendo dal nucleo della sceneggiatura, la regista ha parlato del suo approccio a una storia tanto personale ma che riflette preoccupazioni e sentimenti universali. “Quando si parla di maternità, spesso si creano due fazioni: c’è chi ha fatto questa esperienza e dice che non si può vivere senza. Ma io volevo trasmettere il messaggio che puoi comunque voler sempre dire qualcosa come donna, puoi tracciare il tuo cammino anche senza avere figli. Ho cercato di trovare un equilibrio in termini di storytelling tra le diverse ideologie, che oggigiorno sono anche politiche. Il mio film ha comunque un’ideologia, e sta nel fatto che una donna può esistere anche senza dei figli, c’è una presa di posizione rispetto al fatto che una donna può realizzarsi anche senza figli. La scrittura è sempre un lavoro che cerca di mescolare elementi della quotidianità ed emozioni che potremmo provare: io ho voluto raccontare come sarebbe potuta essere la mia vita, se non fossi stata una regista“.

Abbiamo poi potuto sentire il parere degli attori protagonisti su una questione tanto dedicata, confrontando il punto di vista femminile a quello maschile. La protagonista Virginie Efira ha dichiarato: “Quando ho letto la sceneggiatura di Rebecca ho colto immediatamente la descrizione che voleva fare del momento di una vita della donna che non ho mai visto rappresentato al cinema e che corrisponde a una riflessione che ho fatto a livello personale. Stiamo parlando di qualcosa che appartiene a tutte le donne, fa parte di una sorte di desideri da parte di una donna che spesso si scontrano con l’impotenza e che si può anche esprimere senza avere figli, ma tramite un personaggio che è matrigna della figlia di un compagno. Ci sono tante domande nella sceneggiatura e non abbiamo bisogno di risposte: a me bastava riconoscermi in quelle domande“.

Ha poi proseguito Roschdy Zem: “Voglio condividere con voi l’emozione di sentirmi privilegiato di portare sullo schermo una storia così tipica del 21esimo secolo. Il fatto che una regista abbia avuto l’idea di questo progetto apre la porta a una nuova era della tradizione cinematografica. Ci sono una serie di soggetti e tematiche nuove nel cinema, mai state affrontate prima d’ora nel linguaggio cinematografico. Per me il futuro del cinema è femminile: o sarà donna o non sarà“.

Un aspetto interessante de I figli degli altri è l’indagine interiore anche di Leila, la bambina cui la nostra protagonista stringe un legame inedito. “É sicuramente difficile riuscire a tracciare un ritratto dei bambini nella loro ambivalenza all’interno di una storia. Da un lato sono una benedizione, dall’altro possono anche essere un peso nella vita, anche se sono degli esseri nei confronti dei quali noi proviamo un bene immenso. Alla base del fare un figlio c’è questo conflitto e io volevo mostrarlo. Può anche accadere che non piacciano i figli del compagno che ci scegliamo. Nel cinema siamo cresciuti vedendo rapporti idilliaci tra famiglie e figli. All’inizio del film io ho semplicemente tratteggiato l’innamoramento, volevo più che altro dare una caratterizzazione ai singoli personaggi, non soffermarmi sulla storia d’amore. Virginie è un’insegnante, ha un rapporto molto intimo con la figura infantile. Alla base, è una storia semplice ma arriviamo a coglierne tutte le sfumature“.

Nel film, incontriamo anche il regista Frederick Wiseman in un cameo inedito e Rebecca Zlotowski ha parlato del rapporto che si è instaurato nel corso degli anni tra i due: “Ci siamo incontrati su un ascensore a Venezia, io ero giudice di Orizzonti. Io avevo scarpe brillantinate, lui giganti e sportive. ‘Scarpe da regista’, mi dice lui, ‘Scarpe da regista’, ribatto io riferendomi alle mie. Ci siamo poi incontrati più volte, lui vive a Parigi. Mi è venuto in mente che lui ama recitare ed è una persona scherzosa, con un grande senso dell’umorismo. Gli è piaciuto moltissimo fare questo cameo assolutamente comico. Prima di fare la regista, sono stata insegnante di cinema, in particolare di documentari e mi piace pensare che questa figura possa essere definita come un ricercatore nel museo dell’uomo, mi piaceva l’idea che Wiseman rispecchiasse questo interpretando un ginecologo“.

Rebecca Zlotowski ha poi concluso con una riflessione molto profonda sul ruolo delle donne nella società odierna. “La posizione delle donne è cambiata lentamente ma negli ultimi sessant’anni abbiamo visto che ha assunto anche un importantissimo ruolo sociale, oltre che privato. Riusciamo a definirci in modo differente rispetto al ruolo materno che ci è stato tradizionalmente assegnato. Sicuramente, è ancora fin troppo diffusa l’idea dell’orologio biologico che scadrà, ma dobbiamo chiederci come vogliamo definirci rispetto alla vita che vogliamo fare. É il momento in cui dobbiamo dire che possiamo non volere figli, che l’aborto deve essere un diritto, anche se c’è tanto dolore in tutto ciò. Forse mi sento legittimata a dire questo perchè sono una donna francese e abbiamo solidi diritti. Ma voglio fare sentire la mia voce, questo film è una vera e propria lettera d’amore per tutte le persone che erano come me qualche anno fa“.

Paul Schrader e Joel Edgerton hanno presentato quest’oggi in anteprima fuori concorso alla Mostra del Cinema di Venezia 2022 Master Gardener, “ultimo capitolo” della trilogia di film del regista, composta da First Reformed e The Card Counter.

È proprio con il chiaro parallelismao tra Master Gardener e i precedenti lavori di Schrader che Joel Edgerton ha introdotto il suo personaggio, dichiarando di percepirlo come un continuum dei protagonisti di First Reformed e The Card Counter: “Li unisce la stessa energia. Sono sicuramente stato ispirato dai suoi precedenti due film nella costruzione del mio personaggio. E’ stato un percorso totalmente diverso da ciò a cui sono abituato, ma mi sono voluto mettere nelle mani di Paul per poter esplorare me stesso da un punto di vista mentale più che fisico“.

L’attore ha anche raccontato come pensa si sia evoluta la riflessione sulla religione elaborata da Schrader nei tre film: “Master Gardener è un film che si basa meno sul concetto di religione e più su quello di etica: cosa la nostra memoria incapsula del passato e come ci rapportiamo a ciò che siamo stati. Quando si stringe un legame importante con un’altra persona – in questo caso una donna – si deve essere capaci di poter rivelare ogni parte di se. Dobbiamo sempre fare i conti con una parte del nostro passato, non possiamo lasciarci tutto alle spalle“.

Paul Schrader, che ha ricevuto quest’oggi 3 settembre 2022 il Leone d’Oro alla carriera, ha ricordato con emozione il momento in cui ha capito che avrebbe voluto dedicare la sua vita al cinema: “Devo tutto a Pickpocket (1959) di Robert Bresson: la mattina del marzo 1979 in cui lo vidi mi ha cambiato la vita. Non avevo interesse nel diventare un regista, ero un teologo ritirato, che si era lasciato alle spalle la chiesa. Dopo cinque minuti di visione, ho però realizzato così tante cose. Ho realizzato che si può raccontare tutto al cinema, anche i fatti più triviali. E’ lo stile che li unifica“.

Schrader ha deciso di rendere il personaggio di Edgerton un giardiniere, un uomo con un passato pesante alle spalle, perché riteneva che la professione fosse una “ricca metafora del bene e del male. “Da un lato, un suprematista bianco può dire: ‘Noi siamo i giardinieri, togliamo le erbacce’. Dall’altro lato, un umanista può ribattere: ‘Siamo giardinieri, noi piantiamo i semi e lasciamo germogliare le cose’. Entrambi gli esempi si servono della metafora del giardinaggio: una in senso positivo, l’altra in senso negativo”.

“Non avrei mai voluto concludere la mia carriera senza un film con cui dire ‘ti voglio bene’. Questa è una storia particolare, che farà probabilmente inc****re una porzione di afroamericani, che non accettano il ritratto di dinamiche del genere neanche del mondo dell’analogia e dell’immaginazione. Questo film è tutto un grandissimo “e se”. I personaggi non fanno per forza scelte plausibili. Un padre e una figlia si ritrovano, ma vanno anche a letto insieme. Il protagonista è conteso tra due idee di femminile completamente diverse tra di loro. Il corpo di Joel mi è servito come metafora in questo film. Siamo così abituati a vedere così utilizzato come metafora il corpo femminile, ma preferisce il corpo maschile. Joel ha il fisico da uomo degli anni ‘80“.

Master Gardener racconta la storia di Narvel Roth, il meticoloso orticoltore di Gracewood Gardens. Si dedica tanto alla cura dei giardini di questa bellissima e storica tenuta, quanto all’assecondare la sua datrice di lavora, la ricca signora Norma Haverhill. Quando la signora Haverhill gli chiede di assumere come nuova apprendista la sua bisnipote Maya, ribelle e problematica, il caos si insinua con prorompenza nella spartana esistenza di Narvel. Nel cast, Joel Edgerton (Narvel Roth), Sigourney Weaver (Mrs. Haverhill), Quintessa Swindell (Maya), Eduardo Losan (Xavier).