Dadapolis è stato presentato in anteprima durante la Mostra internazionale del cinema di Venezia nella Giornate degli Autori. Questo documentario di Carlo Luglio e Fabio Gargano è in grado di rappresentare quanto Napoli sia cambiata nel bene ma anche nel male. All’interno di questo docufilm si può notare volti noti di scrittori, cantanti, attori e registi napoletani che sono stati chiamati per raccontare, anche in modo differente attraverso l’arte e la musica, la loro città.

Cosa racconta Dadapolis

Questo documentario è liberamente ispirato all’omonima antologia Dadapolis: Caleidoscopio napoletano di Fabrizio Raimondino e Andreas Friedrich Muller del 1989. Dadapolis è diviso in precise parti che sono scandite da quattro macro temi fondamentali che si racchiudono nei quattro elementi naturali: fuoco, terra, acqua ed aria.

Napoli tra fuoco, terra, acqua ed aria

Il primo è il fuoco che viene associato alla creazione della città e le sue trasformazioni ovviamente anche accennando il Vesuvio. Una sagoma identificatoria di Napoli, fonte d’ispirazione come una presenza che inquieta e rassicura come un presagio da sempre per i napoletani. Qui però non ci sofferma tanto sul vulcano ma sulle rive, dove un gruppo di conoscenti composto d’artisti, di tutti i generi e provenienze culturali, si ritrova ed espone i pensieri liberi e non scanditi da un copione. Le spiagge di Napoli sono da sempre il confine permeabile ad ogni sorta di passaggio, dalla Sirena Partenope disperata per non aver ammaliato Ulisse fino alle portaerei degli alleati americani.

Il documentario nella seconda sezione, quella della terra, affronta la creatività e il mercato  nel mondo dell’arte. Si parla di quella contemporanea fatta d’installazione, ma anche dei giovani street artist che stanno cercando un loro posto, con opere che cadono subito all’occhio sui muri abbandonati della città ma anche su vecchi pescherecci al molo. In questa parte appare anche lo psicanalista Guelfo Margherita, che induce un gruppo di ragazzi e ragazze a riflettere sulla riconoscibilità di alcuni valori ad esempio come la libertà nella produzione artistica.

La terza è quella dedicata all’acqua che rappresenta morte e rinascita di Napoli. L’elemento acquatico però è in qualche modo il fil rouge del documentario stesso. Il mare è da sempre presente fin dalla prima scena c’è per i momenti a riva, nel porto, sulle barche e nelle sirene che vengono continuamente citate anche perché Partenope è la dea protettrice della città, come quella omonima del film di Paolo Sorrentino. Dadapolis si conclude con l’aria, con la mobilità, l’immigrazione e uno sguardo al futuro che come dicono tutti i vari interlocutori è molto incerto.

Dadapolis un docufilm non per tutti

Napoli in questo documentario viene raccontata in modo schietto, tante volte i vari artisti affrontano il problema, sottinteso, di quello che si sta trasformando nel cosiddetto luogo di turismo che pensa, come qualsiasi località in Italia, a guadagnare e perdendo la sua essenza. La città partenopea in questi anni sta vivendo una rinascita, basta solo pensare a quanti film o serie televisive sono ambientate lì, ma diventando però tutta stereotipata perché in qualche modo il visitatore, soprattutto quello straniero, vuole e cerca questo.

Dadapolis si rivela un documentario che è riuscito a metà se si vuole pensare ad un pubblico generalista anche perché la modalità si raccontare è molto sperimentale. Interessanti le vedute dall’alto per ammirare la parte più costiera ma non si va mai all’interno, questa si vede che è una scelta specifica per non togliere l’interesse a quello che dicono i vari artisti. Per concludere, visto anche il titolo che cita il movimento dadaista, forse i due registi avrebbero dovuto più concentrarsi sull’aspetto dell’arte che rimane quello più interessante nell’insieme dei vari discorsi.

 

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Il mondo di Solo Leveling, nato dalla penna di Chugong e DUBU e poi trasposto su piccolo schermo nella prima stagione dell’omonimo anime, sta per prendere vita al cinema. Grazie alla sinergia tra Crunchyroll, Sony Pictures Italia e Eagle Pictures, l’atteso lungometraggio animato intitolato Solo Leveling: ReAwakening arriverà infatti nelle sale italiane per un evento speciale di tre giorni, dal 2 al 4 dicembre.

La pellicola, diretta da Shunsuke Nakashige (Sword Art Online), rappresenta un momento cruciale per i fan della serie: un’occasione unica per rivivere le avventure di Sung Jin-woo, il cacciatore più debole diventato il più forte, e immergersi nuovamente nell’affascinante universo dei dungeon e delle creature sovrannaturali.

Prodotto da due dei più importanti studi di animazione giapponesi, A-1 Pictures e Production I.G, Solo Leveling: ReAwakening offrirà un riassunto dettagliato della prima stagione, permettendo a tutti i fan di rinfrescarsi la memoria e di prepararsi all’esaltante anteprima dei primi due episodi della seconda stagione. E, pur vantando una speciale colonna sonora, composta dal talentuoso Hiroyuki Sawano (Attack on Titan) e dal gruppo K-Pop Tomorrow X Together, ha il difficile compito di rendere giustizia alla dinamica e spettacolare narrazione del manhwa originale.

La trama di Solo Leveling: ReAwakening

Dieci anni fa il mondo è cambiato per sempre. All’improvviso, infatti, il pianeta ha conosciuto l’apertura dei “Gate”, portali verso dimensioni oscure abitate da mostri di ogni sorta. Alcuni componenti del genere umano hanno però risvegliato sopite capacità di combattimento con le quali poter affrontare la nuova minaccia. Sono denominati cacciatori, gli Hunters, e si dividono in diverse classi di forza che vanno dalla “S”, la più potente, alla “E”. Di quest’ultima, quella riservata agli hunters di minor valore, fa parte anche Sung Jin-woo, protagonista del racconto, considerato da tutti l’arma più debole del mondo.

Il destino, tuttavia, sembra avere in serbo per Jin-woo un percorso ben diverso. E Solo Leveling – ReAwakening racconta proprio la straordinaria ascesa del protagonista, dalla sua umile condizione di cacciatore di rango E fino a quello di leggenda. Entrato in un dungeon mortale, una missione rivelatasi ben più pericolosa del previsto, il giovane ragazzo ha infatti scoperto un sistema di livellamento unico, destinato a cambiarlo per sempre. E ora, dotato di una nuova consapevolezza e fiducia nei propri mezzi, Jin-woo è ansioso di affrontare nuove sfide e pericoli per divenire l’hunter più potente del mondo. In un’adrenalinica avventura action, che lo condurrà ben oltre i limiti imposti dalla sua classe.

Solo Leveling: ReAwakening: tra struttura e semantica

Solo Leveling: ReAwakening è senza dubbio un lungometraggio bizzarro. Se infatti la sua struttura narrativa, almeno da un punto di vista prettamente contenutistico, ricalca quella di un certo numero di anime – e fa leva sulla classica storia d’evoluzione di un outsider che, mescolata a pratiche tipiche del gaming e grazie a un’animazione di alto livello, regalano due ore di coinvolgente e crudo intrattenimento – è però necessario spendere almeno qualche parola per provare a carpire quella che è la natura semantica di questo prodotto. Di un film che, come accennavamo a inizio articolo, si compone di due differenti sezioni a cavallo tra piccolo e grande schermo.

Solo Leveling: ReAwakening propone infatti un montaggio dei momenti fondanti della prima stagione dell’anime, uscita a partire dal gennaio di quest’anno, unito a un piccolo assaggio della seconda, di cui ci vengono mostrate integralmente le prime due puntate. E, pur non trattandosi di un caso isolato all’interno del proprio universo di riferimento – visto e considerato il precedente dello scorso febbraio targato Demon Slayer – è pressoché innegabile che la scelta di questo formato di distribuzione sia da considerarsi quantomeno curiosa. Specie di fronte di un panorama audiovisivo che, pur avendoci ormai abituato alla dimensione intermediale dei suoi articoli, è però sempre stato dominato da lungometraggi chiamati più che altro a portare avanti o concludere l’arco narrativo della propria controparte seriale (si pensi a Downton Abbey). O, in alternativa, a raccontare storie o frangenti che, godendo del ruolo di spin off, potessero ampliare la nostra conoscenza orizzontale del franchise di turno.

Solo Leveling: ReAwakening: porte aperte sul futuro

Ecco perché il progetto Solo Leveling: ReAwakening (precedenti ed eredi inclusi) impone una serie di domande. Soprattutto in considerazione di un modello di fruizione cine-televisiva che di giorno in giorno continua ad evolversi.

Quali porte, quali gate potrà infatti aprire un’idea di prodotto basata sul concetto di riassuntone/highlights tipico di Youtube, sul “previously on” della serialità anni 2000 e sulla modalità della “sneak peek” figlia, almeno in parte, delle famigerate post credit marvelliane? E quali risposte potrà suggerire, in ottica futura, a case di produzione (Disney su tutte) già da tempo instradate lungo il viale della costante infiltrazione? Ma soprattutto, quali parole potremo utilizzare per descrivere un prodotto che, come Solo Leveling: ReAwakening disperde le proprie anime seriale e cinematografica per assestarsi come esperienza posta all’incrocio tra nostalgia del passato e voglia di futuro? Dovremo forse inventarci nuove parole?

Una cosa è certa: freebooting e rimontaggi sono esperienze già superate. Non resta che attendere la naturale evoluzione di un sistema autonomo ormai inarrestabile.

 

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A meno di un mese dal Natale, Netflix regala in anticipo al suo pubblico una nuova e originale commedia natalizia: stiamo parlando di The Merry Gentlemen. La pellicola leggera e divertente è diretta da Peter Sullivan e scritta dall’attrice e sceneggiatrice Marla Sokoloff (Claire in Desperate housewives). The Merry Gentlemen presenta un cast di figure già note nel panorama cinematografico internazionale. Il protagonista Luke è interpretato da una versione più adulta (e muscolosa) di Chad Michael Murray, attore divenuto noto nei primi 2000 con il ruolo di Tristan in Una mamma per amica e Charlie Todd in Dawson’s Creek. Al suo fianco l’americana Britt Robertson (Tomorrowland, The space between us) è nel ruolo della protagonista femminile Ashley.  Altre figure ricorrenti nel film sono Maria Canals-Barrera ( Camp Rock, I maghi di Waverly) e Beth Broderick (Diane in Lost, Sabrina, vita da strega), rispettivamente nei panni di Denise e Lily, madre di Ashley.

The Merry Gentlemen: un Natale a luci rosse

Ashley vive il suo sogno di quando era bambina di essere una delle Jingle belles, un gruppo di ballerine che inscenano uno spettacolo a tema natalizio in uno degli spettacolari teatri di Broadway. Tutto sembra perfetto fino all’arrivo di una nuova giovane belles: Ashley viene tristemente scaricata perché considerata troppo matura per lo spettacolo e viene liquidata brevemente dalla coreografa poche settimane prima di Natale.

Ashley fa ritorno a Sycamore Creek, la sua città Natale. Qui scopre che il Rhythm room, il locale gestito da tanti anni dai suoi genitori, ha perso fama e ha portato la sua famiglia a indebitarsi. Il Rhythm room non sembra avere altro scampo se non essere trasformato in un juice bar, per non rischiare di divenire un altro buco nel muro tra troppi buchi.

Con l’aiuto di Luke e degli altri ragazzi, Ashley riuscirà a dare una nuova chance al locale portando una ventata di novità da Broadway: uno show di varietà maschile. Lo spettacolo si traduce in un’esibizione molto osé e attraente per il pubblico femminile della città. Mentre il destino di Ashley sembra essere nella sua città d’origine, il capitolo di Broadway non sembra totalmente chiuso: la scelta tra Sycamore Creek e Luke e la città sarà molto difficile.

The Merry Gentlemen: le ingiustizie dello spettacolo

Il punto di partenza di The Merry Gentlemen è una delle tante ingiustizie che si creano in un settore come la danza o lo spettacolo in generale. Sul palco ciò che conta di più è certamente il talento e l’aspetto, ma ciò non giustifica i corpi di ballo a liquidare con tale facilità le proprie ballerine con la comparsa del primo capello bianco.

Come tutte le attività che prevedono una certa prestanza fisica, come anche gli sport, la danza non è certo una disciplina e un lavoro che può essere praticato in maniera indisturbata per tutta la vita. Ciononostante, sembra chiaro fin da subito quanto sia sbagliato che Ashley, a un età identificabile intorno ai trent’anni, venga cacciata dal proprio posto a favore di una se più giovane e soda.

Un Magic Mike versione natalizia

Come spesso accade nelle pellicole di Natale, non sempre si riesce a trovare nuovi elementi di originalità per individualizzare il film. nel caso di The merry gentlemen, l’elemento di novità dovrebbe essere la presenza di giovani e attraenti ragazzi che si esibiscono mezzi nudi per salvare il Rhythm room. Ciò comporta molte scene hot in un clima natalizio. Questo non è di certo il primo film che porta tematiche simili sul grande schermo: già solo a pensare alla serie cinematografica di Magic Mike la quale è incentrata totalmente su un gruppo di spogliarellisti. Già in partenza sembra molto strano immaginare una commedia di natale su degli pseudo spogliarellisti.

Tralasciando questo elemento, tutto il resto del film sembra essere molto standard: una storia a lieto fine con un fantastico miracolo di Natale finale, una romantica storia d’amore e un’atmosfera molto famigliare.

The Merry Gentlemen si rivela una commedia leggera, piacevole da guardare (magari non in compagnia dei propri genitori/figli per evitare un Natale un po’ cringe!). Nonostante ci sia un certo grado di originalità, la contemporanea presenza di spogliarellisti e di spirito natalizio sembra un po’ stridere, stranendo lo spettatore, più abituato alle classiche storie di Natale.

 

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Quando diverse forme d’arte e le tradizioni culturali di un popolo si fondono in un’unica opera, possono nascere autentici gioielli. Se a questa combinazione si aggiungono poi valori e tematiche di forte risonanza sociale, come quelli legati al femminismo, il risultato merita ancora di più l’attenzione e l’interesse del grande pubblico. È il caso di La nostra terra, il nuovo film del duo Dk Welchman e Hugh Welchman, già noti per il loro lavoro nel candidato all’Oscar Loving Vincent, dedicato agli ultimi giorni di Vincent van Gogh. 

Presentato in selezione ufficiale al Toronto Film Festival, La nostra terra è l’adattamento cinematografico del celebre romanzo I contadini (The Peasants) di Władysław Reymont, vincitore del Premio Nobel per la Letteratura nel 1924. Come un dipinto vivo e prezioso, l’opera di Reymont prende forma sul grande schermo grazie alla stessa straordinaria tecnica utilizzata in Loving Vincent: il potere evocativo della pittura a olio sulle immagini pre-registrate secondo l’animazione al rotoscopio.

Ogni fotogramma del film è ispirato alle opere dei pittori polacchi della fine del XIX e dell’inizio del XX secolo, il risultato di un elaborato processo tecnico che ha richiesto anni di lavoro. Distribuito da Wanted, La nostra terra sarà al cinema solo il 2, 3 e 4 dicembre.

Cosa racconta La nostra terra?

Lunghi capelli color oro, occhi tanto chiari quanto sinceri e un volto che sembra appartenere a un angelo: Jagna è una giovane donna di straordinaria bellezza, determinata a ritagliarsi il proprio spazio nel mondo. Vive con sua madre in piccolo villaggio rurale della campagna polacca, Lipce, alla fine del XIX secolo, cercando di sopravvivere in una realtà dominata dal patriarcato, anche in una famiglia priva di una figura maschile. Ben presto, Jagna si trova intrappolata tra i desideri e le ossessioni degli uomini del villaggio. Tra questi ci sono il contadino più ricco, Maciej Boryna, che la costringe a sposarlo, e il figlio maggiore di lui, Antek, di cui Jagna è perdutamente innamorata. In questo ambiente familiare e al tempo stesso spietato, Jagna scopre che la libertà che tanto desidera le è negata, e il destino che credeva di poter controllare si rivela l’ennesima trappola: lei non è altro che una pedina nelle faide familiari, un oggetto di scambio in una realtà dominata dal potere del denaro e della tradizione della sua terra.

“L’amore non dura per sempre. La terra, invece, sì.”

La nostra terra è articolato in quattro capitoli, ognuno dei quali corrisponde a una stagione dell’anno, riflettendo così i cambiamenti della natura che fanno da cornice alle vicende dei tre protagonisti. Questo suggestivo intreccio tra il ciclo della vita e quello della terra diventa lo sfondo ideale per una drammatica storia d’amore intrisa di dolore e ingiustizia. Qui le dinamiche amorose e familiari si fondono tragicamente con le spietate logiche di potere di una società in cui la terra non è soltanto una risorsa vitale, ma rappresenta anche il principale motivo di orgoglio, simbolo di identità e misura di ricchezza.

Il film, realizzato con straordinaria maestria tecnica dai coniugi Welchman, trasporta il pubblico in un viaggio immersivo nella ricca cultura e nelle tradizioni polacche. Le pittoresche celebrazioni, gli abiti tradizionali, le danze vorticose e i canti carichi di emozione e pathos non sono semplici dettagli scenografici, ma elementi vivi e pulsanti che danno voce alla più intima rappresentazione della Polonia rurale. Attraverso questi dettagli, La nostra terra, oltre a celebrare un capolavoro letterario spesso poco conosciuto al di fuori dei confini del Paese, offre anche uno sguardo autentico e intenso sull’identità nazionale della Polonia.

La nobile battaglia di Jagna

Rispetto al romanzo originale, l’opera dei Welchman concentra gran parte della narrazione sul personaggio di Jagna, trasformandola in una potente metafora della lotta femminista in un mondo “a misura d’uomo”. Jagna è una giovane donna di straordinaria bellezza, dolcezza e intelligenza, ma anche caparbietà e sensibilità artistica. Tuttavia, la terra che l’ha vista nascere e crescere non la protegge né la accoglie, anzi la disprezza fino a esiliarla. “All’inizio è invidiata e fraintesa,” ha spiegato DK Welchman, “poi maltrattata e insultata, infine emarginata: per essere bella, per essere sognatrice e artistica, per essere appassionata e, soprattutto, per mettere in discussione il patriarcato, un sistema sostenuto anche dalla chiesa.”

Jagna è dunque un personaggio contemporaneo: una donna complessa e tragicamente incompresa, ribelle e audace, che si scontra con una società in cui il patriarcato e il denaro dettano l’unica legge possibile. Eppure, a lei non importa né dell’uno né dell’altro. In questo mondo, gli uomini, per quanto ipocriti, adulteri, bugiardi o stupratori, mantengono sempre il potere, mentre le donne sono condannate a subire e ad accusarsi l’una con l’altra. Nonostante sia consapevole delle conseguenze delle sue scelte, Jagna accetta le lusinghe di Antek perché innamorata, anche se lui è un uomo sposato e padre. Tuttavia, quando la loro relazione clandestina viene scoperta, il giudizio della comunità si accanisce solo su di lei. Jagna è additata come traditrice, approfittatrice e sgualdrina, mentre Antek, pur colpevole delle stesse azioni, non subisce la stessa condanna sociale.

Jagna però non abbassa mai la testa, diventa simbolo di resistenza e sofferenza femminile, denunciando l’ipocrisia di una società in cui le donne sono ancora oggi condannate a soccombere alle ingiustizie della disuguaglianza di genere. La sua emarginazione non è, infatti, solo il risultato del suo essere diversa, troppo bella e troppo desiderata, ma anche un atto di punizione verso chi osa sfidare i limiti dei ruoli prestabiliti, mettendo in discussione un sistema che trae da sempre forza dalla sottomissione delle donne.

Un’esperienza visiva tanto affascinante quanto memorabile

Di primo impatto, è impossibile non ammirare il lodevole lavoro artistico e la qualità pittorica dell’animazione del duo registico. La nostra terra è un’esperienza visiva tanto affascinante quanto memorabile, capace di catturare lo spettatore e immergerlo all’interno di una storia che pennellata dopo pennellata, prende vita sotto i suoi occhi.

Partendo da un’opera letteraria di Reymont apparentemente semplice e prevedibile, i Welchman trasformano quella storia in un film che parla all’oggi e va oltre il tributo alla scrittura e alla cultura polacca. Il risultato è un’opera cinematografica potente, che si fa veicolo di riflessione e denuncia sociale. Più che un semplice adattamento, il film può essere considerato un crudo e sincero manifesto femminista, dove romanticismo, erotismo, violenza e ossessione si fondono e si scontrano sul grande schermo, evocando un profondo senso di inquietudine e urgenza all’azione.

La nostra terra è una nobile dichiarazione d’intenti: un chiaro memento che ci invita a riflettere sui conflitti di potere intrinseci all’umanità, sul precario equilibrio tra uomo e natura, e sul valore della libertà e della dignità femminile in un mondo ancora troppo spesso crudele e impari.

 

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A dare una scossa alle uscite in sala di giovedì 28 novembre – tra documentari diversi e revival, novità sentimentali, lo splendido dramma con Cillian Murphy, l’Hey Joe con James Franco e il ritorno di Oceania della Disney – attenzione a non perdere il The Strangers: Capitolo 1 di Renny Harlin. Non a caso il film distribuito da Vertice360 è stato scelto come film di apertura della 44esima edizione del Fantafestival di Roma (che lo ha inserito in programma come anteprima nazionale, mercoledì 27), contesto perfetto per presentare al pubblico italiano questo nuovo inizio della saga inaugurata nel 2008 da Bryan Bertino. 

Allora, quel film fu una sorpresa piacevole – oltre che da brividi – e mise le basi per un sequel molto meno fortunato, il The Strangers 2 (Prey at Night) che però incassò poco più di 30 milioni di dollari contro gli oltre 82 del capostipite. E dei già 48 di questo intelligente quanto ambiguo terzo film e primo capitolo di una trilogia che volutamente non è stata indicata né come prequel, né come sequel, né tanto meno come remake o reboot. Anche se di ripartenza non può non parlarsi, vista la dichiarata appartenenza a quell’originale.

La storia di The Strangers: Capitolo 1

In viaggio verso Portland, dove un allettante proposta di lavoro attende Maya (Madelaine Petsch), lei e il suo fidanzato Ryan (Froy Gutierrez) decidono di fare una sosta nella piccola Venus, in Oregon. Ma la sosta al Carol’s Diner si rivela la scelta sbagliata. Costretta a trattenersi nella piccola cittadina, per uno strano guasto meccanico, la coppia raggiunge un cottage isolato nei boschi, dove trascorrere la notte. Che si rivelerà molto meno romantica del previsto, quando la loro permanenza sarà sconvolta dall’arrivo di tre sconosciuti mascherati che iniziano a terrorizzarli facendoli sentire senza possibilità di fuga.

Il passato ritorna

Se la trama vi fa venire in mente un numero imprecisato di altri film del genere, non vi preoccupate, le prime sequenze del film confermeranno l’impressione. Ma sarebbe eccessivamente ottimistico avvicinarsi a un film come questo aspettandosi sorprese, che non siano quelle date da jumpscare e un calibrato uso di modelli classici, e originalità. E rischierebbe di non farvi godere un buon killer drama – ancor più che horror – con alcuni momenti interessanti, soprattutto se vi era piaciuto il The Strangers del 2008.

Certo, come per il sequel del 2018 anche in questo caso dinamica e struttura restano le stesse, e sembra complicato trovare motivi per continuare a seguire le gesta dei tre maniaci mascherati dal modus operandi ripetitivo quanto efficace. O concedere il beneficio del dubbio a un esperto del genere come Renny Harlin (Nightmare 4 – Il non risveglio, 58 minuti per morire – Die Harder, Cliffhanger, L’esorcista – La genesi, The Covenant e via dicendo), intenzionato a dirigere una intera trilogia, e quindi altri due capitoli dopo questo…

The Strangers Trilogy, la scommessa di Renny Harlin

Nei quali potremmo ritrovare i personaggi principali (un asso nella manica del film, visto che si tratta della Madelaine Petsch di Riverdale e del Froy Gutierrez di Cruel Summer e Teen Wolf), anche se è meglio non sapere in che vesti, ma soprattutto scopriremo il bluff organizzato per rilanciare il franchise. Che continua imperterrito a presentarsi uguale a sé stesso – per cui senza svelare o spiegare granché di quel che vediamo da quindici anni – ma nel quale si intuiscono le basi di un universo in costruzione, che nei prossimi film ci regalerà connessioni interne e chiarificatori rimandi al passato.

Che, si spera, si facciano perdonare leggerezze e comportamenti privi di senso messi in scena dopo la lunga fase introduttiva, voluta per creare un minimo di suspense e far crescere l’attesa, compensata dalle immancabili maschere inquietanti, da coreografie accorte e qualche efferatezza in quota gore. E potendo contare sulle statistiche – quelle sì, spaventose – che registrano 1,4 milioni di morti violente ogni anno negli Usa – costruire un prodotto meno convenzionale di questo, o sarà inutile continuare fino al terzo capitolo (le cui riprese in realtà pare siano già terminate, avendo Harlin girato i tre film insieme in 52 giorni tra il settembre e il novembre 2022, a Bratislava, in Slovacchia).

 

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È il 2013 quando, successivamente all’uscita in sala Hayao Miyazaki annuncia il suo ritiro dal mondo dell’animazione e del cinema. È il 2016 quando, nel documentario Never Ending Man: Hayao Miyazaki viene rivelato che Miyazaki sta tornando sui suoi passi, mettendosi al lavoro su un nuovo lungometraggio. È il 2023 quando quel nuovo progetto, Il ragazzo e l’airone (qui la recensione) arriva finalmente in sala, rappresentando morte e rinascita dell’amato maestro dell’animazione (giapponese e non). Questo lungo e tortuoso viaggio, costellato da lutti, fatica, sogni e speranze, viene ora svelato in Hayao Miyazaki e l’airone da Kaku Arakawa, documentario che ci riporta nuovamente all’interno dello Studio Ghibli.

Arakawa – già regista di Never Ending Man: Hayao Miyazaki e della miniserie 10 Years with Hayao Miyazaki – realizza sostanzialmente un’estensione (per non usare il termine sequel) di quel suo documentario del 2016. Se quel progetto seguiva Miyazaki dall’annuncio del suo ritiro passando attraverso il rendersi conto di non saper stare senza matita in mano e fino al suo rimettersi al lavoro, Hayao Miyazaki e l’airone riparte proprio da lì per raccontare quel lungo percorso che dal 2016 al 2023 ha portato alla realizzazione del film che ha incantato il mondo, ottenendo ampi consensi e facendo guadagnare al suo autore il suo secondo Oscar per il Miglior film d’animazione.

Ad unire spiritualmente i due documentari vi sono le continue riflessioni di Miyazaki sull’avanzare della sua età e sul dubitare delle proprie capacità e forze per portare a termine questa nuova fatica. Ancor più di Never Ending Man: Hayao Miyazaki, Hayao Miyazaki e l’airone è però segnato dai lutti, che diventano tuttavia spinta propulsiva per portare a termine quella nuova avventura. È dunque un documentario dal tono malinconico, che ci mostra il lato umano di una leggenda, dove però la speranza e la voglia di scherzare trova infine sempre spazio, proprio come nelle opere realizzate nel corso di oltre quarant’anni da Miyazaki.

Un regista non si ritira

“Un regista non si ritira”, è ciò che un profondamente arrabbiato Isao Takahata, maestro, rivale e amico di Miyazaki, ha detto a quest’ultimo quando annunciò il suo ritiro. Regista di opere come Una tomba per le lucciole, Pom Poko e La storia della principessa splendente, Takahata – da Miyazaki affettuosamente chiamato Paku-san – ha sempre avuto un posto speciale nella vita del collega. Si può dire che è da quel rimprovero che Miyazaki inizia a comprendere che Takahata ha di nuovo ragione, che non ci si può ritirare da ciò che si è. E quando anche la sua storica confidente e color designer Michiyo Yasuda gli chiede di fare un nuovo film, Miyazaki comprende che è ora di rimettersi al lavoro.

Inizia così a prendere forma un nuovo racconto, che è per il regista di La città incantata l’occasione per ripensare a tutta la sua vita e il suo lascito artistico e umano. Il documentario di Arakawa inizia dunque a seguire il regista in modo anche rocambolesco, con riprese quasi rubate di nascosto per cogliere Miyazaki nell’intimo. Non sembra quindi un caso che il film inizia proprio con il regista nudo mentre fa una sauna, quasi come a volerci anticipare che quello che vedremo è un Miyazaki che si metterà a nudo raccontandoci tutto di sé e del proprio lavoro. Arakawa lavora però anche su un ritmo sempre piuttosto serrato, riuscendo a far confluire nelle proprie immagini anche una forte comicità – dovuta in particolare agli scambi di Miyazaki con il suo storico produttore Toshio Suzuki – ma anche tutto quel senso di quiete che lo stile di vita giapponese suggerisce.

Si lavora per accostamenti, tra ciò che accade nella realtà e diretti corrispettivi nei film animati di Miyazaki, dimostrando dunque quanto per il regista il confine tra fantasia e realtà sia esile. Un discorso, questo, che torna più volte nel corso del film, stupendo lo spettatore che si ritrova davanti a situazioni, luoghi e persone che hanno direttamente ispirato precisi elementi delle varie opere realizzate da Miyazaki. In particolare, però, Hayao Miyazaki e l’airone riesce realmente a trasmettere lo sforzo creativo, la fatica, la pazienza e le difficoltà che il lavoro su questo nuovo film ha comportato. Miyazaki, che si concentra prevalentemente sullo storyboard, torna più volte sui suoi disegni, sui suoi tratti, facendo perfettamente comprendere quanto minuzioso lavoro c’è dietro.

Hayao Miyazaki e l’airone: creare per restare vivi

Nel mostrarci tutto ciò, Hayao Miyazaki e l’airone non solo fornisce una vera e propria spiegazione di determinati elementi del film (come le persone che hanno ispirato certi personaggi o lo svelamento di certi simboli), ma porta ovviamente a anche a ripensare a Il ragazzo e l’airone e a farlo apprezzare ancor di più. Ed è proprio nel raccontarci la realizzazione del film, attraverso un lunghissimo conto alla rovescia che porta sino alla sua agognata uscita nei cinema giapponesi, che il documentario ci comunica un secondo importante elemento, ovvero il comprendere – di nuovo – da parte di Miyazaki come sia vero che un regista non si può ritirare, perché “se non realizziamo qualcosa non abbiamo niente”, come dirà Miyazaki stesso.

Hayao Miyazaki e l’airone è dunque anche un’ode all’atto creativo, a quella vocazione che non si può soffocare e che chiede invece di essere liberata, come racconta il regista parlando del “coperchio del suo cervello”. Ed è ancora una volta la vita a guidare la mano dell’artista, “costretto” a portare avanti il suo lavoro mentre il mondo intorno a lui perde pezzi. Se Il ragazzo e l’airone inizia venendo concepito in un modo, la scomparsa di Michiyo Yasuda e soprattutto quella di Isao Takahata influenzano profondamente Miyazaki e il suo lavoro. È proprio nel vedere il regista andare avanti nel suo lavoro nonostante i lutti che segnano il cammino che si ritrova uno degli elementi più toccanti del film.

Sono episodi che danno la misura del tempo, che costringono Miyazaki a riflettere sul senso della vita, sul tempo che gli resta, chiedendosi sé egli stesso riuscirà a vedere finito quel suo nuovo lavoro. Il tono del documentario è dunque spesso funebre, malinconico, ma con la possibilità che una battuta e una risata si intromettano e riportino un equilibrio al tutto, proprio come l’equilibrio ricercato dal personaggio del prozio in Il ragazzo e l’airone (ispirato proprio a Takahata). È così che, passo dopo passo, si giunge al completamento del film, al suo diventare pubblico, al suo trionfo globale. E quando tutto è finito? La risposta ce la offre sempre Miyazaki: “è proprio allora che la vita continua ad andare avanti“. Morte e rinascita, lasciando aperta la porta verso il futuro.

 

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A distanza di anni dalla prima notizia che il musical di successo sarebbe arrivato al cinema, finalmente Wicked – Parte 1 è disponibile in sala, con Universal Pictures Italia, per incantare sia i fan dello spettacolo di Broadway sia il pubblico generalista, portato in sala dalla magica (e massiccia) promozione che sta accompagnando il film. Cynthia Erivo e Ariana Grande guidano un progetto ambiziosissimo, come accennato, la prima delle due parti previste per il maestoso progetto che però è in grado di reggere benissimo anche da sola. Wicked è un adattamento sontuoso e sorprendentemente attuale, che offre una nuova prospettiva sulla dicotomia tra buoni e cattivi, interrogandosi sulle ragioni del male.

Come mai esiste il male? La grande domanda esistenziale di Wicked

Come sappiamo da Il Mago di Oz, la Strega Cattiva dell’Ovest è la villain della storia, d’altronde il nome è inequivocabile! Tuttavia, in Wicked cerchiamo di capire cosa l’ha resa tale, tanto che la domanda che fa detonare la storia è: come mai esiste il male? È una cosa che nasce con noi o che ci viene instillata? L’enormità, la complessità della risposta che una tale domanda richiede ci porta dentro la storia, in cui la cattiveria di Elphaba (la futura Wicked Witch, appunto) e la bontà di Galinda (quella che diventerà la Strega Buona del Nord) vengono in qualche modo ribaltate, diventando caratteristiche sfumate e mutevoli.

Basato sul romanzo di Gregory Maguire e sull’iconico musical di Broadway del 2003, il film esplora i temi di discriminazione, paura dell’altro e manipolazione politica. Questi motivi, già potenti al debutto teatrale, risultano ancora più incisivi in un clima politico globale sempre più polarizzato e incerto.

Wicked è un trionfo visivo e musicale

Diretto da Jon M. Chu, già noto per In the Heights, Wicked è un trionfo visivo e musicale. Il regista abbraccia un’estetica massimalista che combina il tecnicolor degli anni ’30 con le moderne tecniche di CGI. Dai campi di papaveri digitali alla strada di mattoni gialli, ogni fotogramma è un’esplosione di dettagli e colori che incanta e sovrasta, oltre a essere una vera e propria coccola per gli appassionati del mondo di Oz. Questa attenzione al dettaglio si riflette anche nei costumi di Paul Tazewell e nelle scenografie art déco della Città di Smeraldo, magnificenza pura. Il risultato è un film che sembra un’opera d’arte in movimento, progettata per il grande schermo e destinata a lasciare senza fiato.

Cynthia Erivo e Ariana Grande sono mozzafiato

Così come senza fiato lasciano le performance di Cynthia Erivo e Ariana Grande. La prima, nei panni neri e nella pelle verde di Elphaba, è il cuore del film. Con il suo carattere complesso, Elphaba viene interpretata con una profondità emotiva straordinaria. Erivo non si limita a impressionare vocalmente; la sua performance offre sfumature che invitano lo spettatore a comprendere il dolore e l’isolamento del personaggio. Laddove Idina Menzel ha dato un’interpretazione epica e teatrale a Broadway, Erivo opta per un approccio più intimo e cinematografico, che si adatta perfettamente al mezzo e entra a fondo dentro la particolarità di chi a “troppo a cuore” le ferite del mondo che la circonda. La sua versione di “Defying Gravity“, momento iconico del musical, è emozionante e visivamente spettacolare.

Ariana Grande, invece, affronta il compito impegnativo di reinterpretare Glinda, la Strega Buona. Grande, con il suo look da bambola di porcellana e una intonazione impeccabile, incarna l’apparente perfezione del personaggio. Si cimenta con coraggio in una performance comica che però non regge il confronto con quella che Kristin Chenoweth ha reso celebre a Broadway. La sua Glinda è rigida, il che potrebbe anche essere una scelta consapevole per enfatizzare l’ipocrisia e l’egocentrismo del personaggio, in attesa di una trasformazione redentrice.

Il cast di supporto regge il confronto

Anche i comprimari fanno grande sfoggio di sé. Michelle Yeoh è una presenza magnetica come Madame Morrible, mentre Jeff Goldblum, nei panni del Mago di Oz, porta il giusto equilibrio tra fascino e inquietudine. Jonathan Bailey si distingue come Fiyero, un personaggio che promette molte più sfaccettature di quante questa prima parte abbia mostrato.

Dal punto di vista musicale, Wicked rimane fedele al materiale originale, pur con degli aggiustamenti che il cambio di linguaggio richiedeva: la sequenze di “Dancing Through Life” e “Popular” in particolare, sono state arricchite con coreografie spettacolari e una regia lucida e ordinata, che non rinuncia a evoluzioni ardite e che riesce a sfruttare a pieno la dinamicità del cinema, rispetto alla staticità del teatro.

Alcuni punti in sospeso

Considerato che la durata di questa prima parte coincide con la durata del musical, e soprattutto visto che il film si interrompe su un arco narrativo principale apparentemente chiuso, sarà interessante capire in che modo la seconda parte affronterà quel che rimane della storia e soprattutto in che modo farà luce su alcuni dettagli che sono rimasti volutamente in ombra, come l’origine della pelle verde di Elphaba oppure la sua vulnerabilità all’acqua. Ci aspettiamo anche che il discorso politico del film venga portato avanti e approfondito: già in questa prima parte, la persecuzione degli animali parlanti sembra un’allegoria, neanche troppo velata, della discriminazione razziale e della xenofobia. Ma forse il discorso potrebbe assumere dei contorni più definiti.

Wicked è un’esperienza cinematografica gloriosa ed emozionante, che non solo rende giustizia al musical originale, ma lo espande, rendendolo accessibile a una nuova generazione di spettatori. Con performance memorabili, una colonna sonora senza tempo e una produzione visivamente sbalorditiva, il film di Jon M. Chu si conferma uno dei musical imperdibili degli ultimi anni.

 

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Prodotto da Jennifer Lawrence, che sfrutta la sua posizione di primo piano a Hollywood per dare voce a chi non ce l’ha, il documentario Bread and Roses della regista afghana Sahra Mani, è un grido di protesta che mette in luce le devastanti conseguenze del ritorno al potere dei talebani in Afghanistan nel 2021. Attraverso le storie intime di tre donne, Zahra, Taranom e Sharifa, Mani offre un ritratto ravvicinato di una resistenza viva che si aggrappa con coraggio alla speranza e alla forza della condivisione, nonostante le oppressive restrizioni che hanno trasformato le loro vite in una prigione a cielo aperto.

Bread and Roses ci porta nel cuore dell’esperienza quotidiana

Dalla scena di apertura, Bread and Roses si distingue per la sua scelta stilistica di abbandonare qualsiasi voce narrante o intermediario che guidi lo spettatore. Questa decisione conferisce al documentario un’immediatezza cruda e autentica attraverso la quale Mani ci invita a entrare direttamente nella quotidianità delle protagoniste, affidandosi principalmente alla forza delle immagini e delle loro esperienze. È un approccio che richiede attenzione e rispetto da parte del pubblico, e aggira con agilità l’effetto didascalico di molte opere a tema sociale. La vicinanza ai soggetti non sacrifica mai la chiarezza: il contesto politico e storico emerge con forza dalla narrazione stessa, senza bisogno di espedienti invadenti.

Zahra, Taranom e Sharifa: donne di resistenza

Il cuore pulsante del documentario sono le donne che Mani sceglie di seguire. Zahra, Taranom e Sharifa non sono figure passive né vittime rassegnate, come le vorrebbe il regime afghano. Il film evidenzia la loro determinazione a sfidare uno status quo che nega loro dignità e diritti fondamentali, sono donne che rischiano la vita semplicemente per protestare, per cercare di rivendicare ciò che è stato loro strappato. Il punto di maggiore forza del documentario è proprio quello di riuscire a bilanciare la denuncia delle violazioni dei diritti umani e la celebrazione della resilienza e del coraggio delle donne afghane, che attraverso Bread and Roses dimostrano di avere una voce.

L’intuizione che premia il film è quella di mostrare quanto in fretta sia stata trasformata la vita delle protagoniste: la chiusura delle scuole, il divieto di lavorare, l’imposizione di un regime di segregazione che le costringe agli arresti domiciliari. Ogni aspetto della vita è stato ridotto a un binario rigido e soffocante in cui le donne possono assumere soltanto i ruoli di madri rispettose o vergini educate, altrimenti sono considerate “cattive” e private di qualsiasi diritto. Un dualismo cieco che riduce le donne a strumenti di un ordine patriarcale spietato.

Ribellione e solidarietà

Mani non si limita a documentare l’oppressione. L’energia del film deriva anche dalla capacità di mettere in evidenza i momenti di resistenza, i gesti di ribellione e solidarietà che le donne afghane continuano a compiere, nonostante il pericolo costante. Questo non solo serve a veicolare la speranza tra chi deve affrontare il regima, ma evita che il film diventi un racconto in cui la tragicità della situazione raccontata prenda il sopravvento restituendo un quadro di sola disperazione. L’umanità e la forza delle protagoniste emergono in ogni fotogramma, rendendo evidente quanto sia ingiusto e inaccettabile il silenzio della comunità internazionale.

Bread and Roses invita anche a riflettere su un diffuso malinteso sulla condizione delle donne in Afghanistan, dal momento che riferisce con chiarezza che i diritti delle donne afghane non sono un miraggio mai raggiunto: nel 1919, ottennero il diritto di voto prima ancora delle donne italiane. Le protagoniste del film non lottano per ottenere ciò che non hanno mai avuto, ma per riconquistare una libertà che era stata loro garantita. Questo dettaglio storico rende ancora più evidente la regressione imposta dai talebani.

Con una regia sobria e rispettosa, Sahra Mani ci ricorda che ignorare ciò che accade in Afghanistan equivale a condannare metà della sua popolazione all’oppressione e al silenzio. Bread and Roses è un documentario arrabbiato, che non si fa accecare da quella rabbia e anzi, è commovente e pieno di dignità, invita a non voltare lo sguardo e a riconoscere la forza delle donne che continuano a lottare per la loro libertà.

 

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Ci sono storie che non le puoi semplicemente mettere da parte. Storie che sembrano vivere di vita propria, con la capacità e la consapevolezza di attendere il momento giusto per venire allo scoperto. Storie che anzi ottengono da questa attesa un’accresciuto valore, complice quella certa distanza temporale che permette di osservare le cose da nuove e più attente prospettive. È proprio quello che è accaduto con Napoli – New York, il nuovo film del regista premio Oscar Gabriele Salvatores (Mediterraneo, Il ritorno di Casanova), nato però dalla mente e dalle mani di Federico Fellini e Tullio Pinelli.

Un soggetto scritto sul finire degli anni Quaranta e rimasto nel cassetto per decenni, finalmente riscoperto e infine divenuto film, con il quale Salvatores ha potuto tornare a raccontare temi a lui cari come il viaggio, l’altrove, la solidarietà. Il regista – come da lui dichiarato – ha lasciato pressocché intatta la prima parte del film, rielaborando però quella ambientata negli Stati Uniti affinché si avvalesse di uno sguardo meno idealizzato di quello che si poteva avere quando fu scritto il soggetto. In generale, però, Salvatores ha reso Napoli – New York una favola, nella quale come in tutte le favole si ritrova tanta realtà.

La trama di Napoli – New York: un popolo di migranti

Nell’immediato dopoguerra, tra le macerie di una Napoli piegata dalla miseria, i piccoli Carmine (Antonio Guerra) e Celestina (Dea Lanzaro) tentano di sopravvivere come possono, aiutandosi a vicenda. Una notte, s’imbarcano però come clandestini su una nave diretta a New York per andare a vivere con la sorella di Celestina emigrata anni prima. I due bambini si uniscono ai tanti emigranti italiani in cerca di fortuna in America e, con l’aiuto di Domenico Garofalo (Pierfrancesco Favino), sbarcano in una metropoli sconosciuta, che dopo numerose peripezie, impareranno a chiamare casa.

Napoli ferita ma sempre viva

Tutto parte dunque da Napoli, città ferita dal passaggio della guerra ma sempre colorata, profumata, calorosa in tutta la sua incontenibile vitalità. Una città che ci presenta la definizione perfetta di quell’arte di arrangiarsi che tanto ci è propria, con la sua popolazione sempre pronta a rimboccarsi le maniche e vivere come meglio può alla giornata, senza chinare il capo dinanzi ai traumi della guerra. Una Napoli che con questa veste è stata raccontata innumerevoli volte, dal capolavoro del neorealismo Paisà (sceneggiato anche da Fellini e platealmente citato in Napoli – New York) fino al recente Hey Joe (al cinema dal 28 novembre).

Salvatores omaggia dunque la città in cui è nato raccontandola e mostrandocela con quante più sfumature possibili, scegliendo quegli ambienti e quei volti che ne esaltano il bello e il brutto, il sacro e il profano. Una rappresentazione che risulta ancor più realistica proprio in quanto ideata negli stessi anni in cui il film è ambientato, potendo dunque contare su una vicinanza storica che ha permesso di essere fedeli a quanto realmente avveniva tra i vicoli, il porto o gli ambienti più altolocati della città. Il risultato è come sempre suggestivo, coinvolgente, con un che di ammaliante per quel certo qualcosa che ci è come famigliare.

New York terra delle promesse

Ben altro discorso si ha invece per New York, città che Fellini e Pinelli poterono solo immaginare secondo i racconti idealizzati dell’epoca, ma che Salvatores restituisce con un fare favolistico ma decisamente più disincantato. Cambia infatti il linguaggio del film e dall’animo caloroso di Napoli si passa a quello più composto e squadrato di New York, mostrata con colori e ambienti apparentemente da sogno ma dietro i quali si nascondono numerose menzogne, come racconterà poi il sogno americano infranto della sorella di Celestina.

Un’ode alla solidarietà italiana

Nel mezzo, tra Napoli e New York, c’è il lungo viaggio in nave. Un viaggio che ricopre un significato importantissimo all’interno del film, in quanto porta al manifestarsi di tutti quei valori e temi che a Salvatores sta a cuore trattare. Emerge in particolar modo la solidarietà italiana, che porta ad aiutarsi, difendersi e proteggersi senza badare alle possibili “differenze”. Un valore che Salvatores sembra volerci anche ricordare, dato il suo essersi indebolito in questi ultimi difficili tempi. Come ci ricorda anche che migranti lo siamo stati e lo siamo tutt’ora, in un periodo in cui anche questo dettaglio del nostro passato sembra essere stato dimenticato.

Napoli – New York vuole dunque essere sì una favola, proponendoci un racconto appassionante e impreziosito dalle interpretazioni degli attori protagonisti, ma nel guidarci attraverso tutto ciò – tra risate, paure e momenti di grande emozione – ribadisce dunque la forza del popolo italiano davanti alle avversità, purché sappia far fronte comune come gli si vede fare nella Little Italy presente a New York. Una terra lontana eppure uguale a quella Napoli/Italia lasciatasi alle spalle, dove ritrovare tutto il calore e l’affetto, sapendo di poter sempre contare sulla mano di qualcuno che ci salva.

 

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Nel 2008, all’interno delle Giornate degli Autori della 65esima edizione della Mostra del Cinema di Venezia, Sylvie Verheyde aveva presentato Stella, film di stampo autobiografico che ripercorreva l’infanzia della regista. Nel 2022, con Stella è innamorata, Verheyde torna sui passi della bambina che fu, ora diventata adolescente. Siamo ancora a Parigi, nel pieno degli anni ’80. Stella ha 17 anni, ha fame di vita e vuole scoprire chi è davvero e cosa ne sarà del suo futuro. Come ogni giovane a quell’età comincia a sentire il sangue che le ribolle nelle vene a causa di un ragazzo, a sperimentare il desiderio sessuale e a gestire i suoi ormoni ballerini.

È il tempo della spensieratezza, che si alterna alle crisi esistenziali giovanili, dettate dalla poca consapevolezza di quel che si vuole fare da adulti. Stella è innamorata ha debuttato al Locarno Film Festival del 2023, ed è in concorso nella selezione ufficiale dell’edizione 2025 del Prix Palatine (il premio giovani del cinema europeo in collaborazione con Unifrance). Nei panni della protagonista l’ottima Flavie Delangle. La pellicola arriva al cinema il 21 novembre distribuita da No.Mad Entertainment.

La trama di Stella è innamorata

1985. Siamo in Italia, a Napoli. Stella scende da una vespa rossa e dà un bacio al ragazzo che le ha fatto compagnia per tutto il tempo trascorso lì, dove era andata a passare le vacanze estive con le amiche. È tempo ora di tornare a casa, a Parigi, e affrontare il temibile anno della maturità. A Stella però sembra non importare molto dell’ultimo anno di liceo, nonostante sia conscia del fatto che i risultati che raggiungerà decreteranno il suo futuro. Nel bar dei genitori, poi, dove oramai lavora solo la madre lasciata dal padre, non ne vuole proprio sapere di stare. Una sera decide di accompagnare una compagna di classe in discoteca, al Les Bains-Douches, dove scopre la passione per il ballo e il ritmo e un ragazzo, André, di cui si innamora. Da qui cerca di rimettere in prospettiva tutta la sua vita, alla ricerca del suo posto nel mondo, che spera di trovare prima della fine della scuola.

Un sofisticato racconto di formazione

L’adolescenza è il momento più delicato della propria vita. Sono gli anni dell’indecisione, delle insicurezze più radicate, dei dubbi e della fame di libertà. Talmente forte da offuscare il resto. È il periodo in cui i colori sono più vividi che mai, rappresentativi di un momento di transizione fatto di esplosione e curiosità. Difficile trattenersi quando si incrocia lo sguardo di qualcuno che ci piace, e all’improvviso ci si ritrova fra i banchi di scuola a sognare a occhi aperti ripensando al primo incontro. Lo stomaco si controce, le farfalle svolazzano, il desiderio di sapere cosa succede una volta scivolati via i vestiti dal corpo cresce a dismisura. C’è poi l’esigenza di capire cosa ne sarà di sé una volta chiuse le porte della scuola, quando l’ingresso nel mondo degli adulti e delle responsabilità arriva e si è chiamati a compiere delle scelte.

Crescere vuol dire anche chiarirsi le idee, fare i conti con se stessi non prima, però, di essersi lasciati guidare dalle proprie sensazioni. Ed è quello che accade a Stella: da un lato costretta a diplomarsi per non rimanere indietro mentre le sue amiche vanno avanti, dall’altro bisognosa di seguire quell’istinto che la porta a comunicare con il corpo. E così arriva la discoteca, l’impellente esigenza di ballare, ondeggiare con il bacino, assorbire la musica fin dentro le ossa. Un destino che sa appartenerle, nonostante i diversi ostacoli che incontra lungo il cammino, e che dipendono anche dal confronto con le sue compagne di viaggio, ben lontane da lei sia nel pensiero che nelle intenzioni future.

Vivere ascoltando se stessi

La scelta dei primi piani di Sylvie Verheyde sulla sua attrice protagonista è funzionale e necessaria per cogliere le trasformazioni del corpo e della mente che passano prima dal suo viso. Dalle labbra che si inarcano in un sorriso a mezzalunga, dagli occhi pieni di amore e bramosia, dalla fronte corruciata e dalle guance che accolgono lacrime amare. Il campo si restringe spesso su lei e sul sul microcosmo, per cogliere gli attimi catartici di Stella e quell’epifania avuta la prima sera alla discoteca Les Bains-Douches. Attraverso questa ponderata scelta registica il pubblico è ancor più a contatto con lei, vivendo in prima persona l’atmosfera trasognata tipica dell’adolescenza. La regista accarezza con tenerezza la sua Stella, la insegue e la analizza amorevolmente, lasciando solo intuire quel che le accade nel privato, senza mai essere troppo esplicita.

Un racconto elegante ma al tempo stesso frenetico, accentuato da una fotografia dai colori saturi, che si legano alla forza dominante di quegli anni belli quanto complessi. Flavie Delangle recita con talmente tanta naturalezza da avere a volte l’impressione che non lo stia facendo affatto, rendendola una bella promessa per il cinema francese. L’unica pecca è il doppiaggio italiano, attraverso cui si perde un po’ di quella autenticità che caratterizza Stella è innamorata, soprattutto perché Stella, con la voce fuori campo, ci accompagna in tutto il suo viaggio. La sua voce, come quella dei suoi comprimari, è stata affidata a una professionista itaiana che non le rende giustizia come dovrebbe, e questo è un vero peccato ai fini della completa riuscita dell’opera. Avrebbero dovuto fare come accaduto con Chien de la casse: proporre la visione con la versione originale, sottotitolata.

 

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