Uno dei progetti più entusiasmanti
annunciati durante la presentazione del cast di “Gods and Monsters” di James
Gunn e Peter Safran per il DCU è stato Batman:
The Brave and The Bold. Ispirandosi all’acclamata
serie di Grant Morrison, il film avrebbe segnato
il debutto nel DCU di una nuova interpretazione del Cavaliere
Oscuro, così come di Damien Wayne, che avrebbe interpretato
Robin.
“Questa è la storia di Damian
Wayne, il vero figlio di Batman di cui lui ignorava l’esistenza per
i primi otto-dieci anni della sua vita”, disse Gunn all’epoca.
“È stato cresciuto come un piccolo assassino. È il mio Robin
preferito. Stiamo mettendo insieme tutto proprio ora.” Poco
dopo, abbiamo saputo che il regista di The
Flash, Andy Muschietti, era stato
ingaggiato per dirigere il progetto.
“Abbiamo visto The Flash ancor
prima di prendere le redini dei DC Studios, e sapevamo di essere
nelle mani non solo di un regista visionario, ma anche di un grande
fan della DC”, hanno dichiarato Gunn e Safran in una
dichiarazione congiunta. “È un film magnifico – divertente,
emozionante, avvincente – e l’affinità e la passione di Andy per
questi personaggi e questo mondo risuonano in ogni inquadratura.
Quindi, quando è arrivato il momento di trovare un regista per
The Brave and the Bold, c’era davvero
una sola scelta. Per fortuna, Andy ha detto di sì. Barbara ha
firmato per produrre con noi e siamo partiti. Sono una squadra
straordinaria e non potremmo avere partner migliori o più
stimolanti per intraprendere questa nuova ed entusiasmante
avventura nel DCU.”
Questo è accaduto prima che
The Flash arrivasse al cinema, e il deludente
successo del film (per usare un eufemismo) al botteghino ha portato
a ipotizzare che Muschietti potesse essere stato escluso da
The Brave and The Bold. Da allora, Gunn ha
ammesso di avere difficoltà a “decifrare” questo progetto, e sembra
che i piani dei DC Studios di introdurre un nuovo Batman siano
stati per il momento accantonati. Recenti commenti di
Muschietti sembravano suggerire che fosse ancora coinvolto, e il
regista è stato avvistato con il contingente DC al party post-Emmy
Awards.
Ciò nonostante, John
Rocha di The Hot Mic è rimasto irremovibile sul
fatto di essere “fuori” dal progetto durante la puntata di ieri
sera, e il co-conduttore Jeff Sneider sembrava
essere d’accordo.
C’è sempre la possibilità che Gunn e
Safran decidano semplicemente di ingaggiare un nuovo Batman per un
progetto diverso nel frattempo, ma non ci resta che aspettare e
vedere.
Tutto quello che sappiamo su
The Brave and the Bold
Parlando l’anno scorso dei piani dei
DC Studios per
The Brave and the Bold, James Gunn ha detto: “Questa è
l’introduzione del Batman del DCU. È la storia di
Damian Wayne, il vero figlio di Batman, di cui non conoscevamo
l’esistenza per i primi otto-dieci anni della sua vita. È stato
cresciuto come un piccolo assassino e assassina. È un piccolo
figlio di puttana. È il mio Robin preferito“. “È basato
sulla run di Grant Morrison, che è una delle mie run preferite di
Batman, e la stiamo mettendo insieme proprio in questi
giorni“.
Il co-CEO dei DC Studios, Peter
Safran, ha aggiunto: “Ovviamente si tratta di un lungometraggio
che vedrà la presenza di altri membri della ‘Bat-famiglia’
allargata, proprio perché riteniamo che siano stati lasciati fuori
dalle storie di Batman al cinema per troppo tempo“. Alla
sceneggiatura, oltre a Muschietti, dovrebbe esserci anche
Rodo Sayagues, noto per aver firmato le
sceneggiature di
La casa,
Man in the Dark e Alien:
Romulus.
Il grande attore Robert Redford è
scomparso all’età di 89 anni, lasciando dietro di sé un’eredità
di interpretazioni straordinarie e influenti. Acclamato attore,
regista, produttore e fondatore del Sundance Film
Festival, Redford ha attraversato con la sua carriera tutta la
storia della Hollywood moderna, contribuendo in modo significativo
all’arte cinematografica.
Sebbene il lavoro di Robert Redford come regista includa film
acclamati come Gente comune, vincitore dell’Oscar come
miglior film, è il suo lavoro come attore per cui è più conosciuto.
Con la sua personalità affabile e carismatica, Redford è stato
uno degli attori più amati del XX secolo e le sue
interpretazioni in commedie, drammi, thriller e western parlano da
sole.
Bill McKay in Il Candidato
(1972)
Robert Redford ha puntato
l’attenzione sull’assurdità delle campagne politiche americane
nella satira politica intelligente e divertente Il candidato. Con
una sceneggiatura vincitrice di un Oscar scritta dal ghostwriter
Jeremy Larner, il film ha acquisito un ulteriore livello di
autenticità, considerando che Larner ha scritto per il senatore
Eugene J. McCarthy durante la sua candidatura presidenziale
democratica del 1968.
Con il suo intenso carisma e il suo
fascino da protagonista, il bell’aspetto di Redford ricordava
quello di autentici candidati alla presidenza come JFK,
sottolineando come le campagne presidenziali si estendessero a
questioni ben oltre le convinzioni politiche dei candidati. In un
panorama politico in cui la personalità è ora più importante che
mai, il ruolo di Redford nei panni di Bill McKay è diventato ancora
più rilevante nei decenni successivi.
Paul Bratter in A piedi nudi
nel parco (1967)
Il successo di Robert Redford come
protagonista arrivò quando interpretò Paul Bratter in A piedi
nudi nel parco al fianco della sua frequente
co-protagonista Jane Fonda. In questa commedia romantica che
esplora i problemi di coppia di una coppia di neo-sposi, le cose
prendono una brutta piega quando affittano un appartamento
fatiscente a New York e si trovano faccia a faccia con i loro
eccentrici vicini.
Sebbene sia sempre un piacere
vedere Redford e Fonda condividere lo schermo, Redford ha
dimostrato di essere più di un semplice bel viso e di eccellere
davvero nelle commedie con A piedi nudi nel parco. Essendo
il film che ha aperto le porte al brillante futuro di Redford come
star di Hollywood, questa è stata una produzione essenziale nella
sua impressionante carriera.
Roy Hobbs in Il migliore
(1984)
Con il suo fascino tipicamente
americano e la sua maturità rude, Robert Redford era la scelta
perfetta per interpretare Roy Hobbs nel dramma sportivo Il
migliore. Adattamento avvincente del romanzo di Bernard Malamud del
1952, il film ripercorre la carriera di Hobbs, una stella del
baseball dal talento innato, attraverso i decenni.
Redford ha saputo catturare la
speranza, la disperazione e la redenzione della carriera di Hobbs
nel baseball e il modo quasi mitico in cui questa vecchia star
dello sport emerge dal nulla con un talento praticamente
soprannaturale. Sebbene la performance di Redford fosse il cuore
pulsante di Il migliore, essa è stata esaltata dalle
grandi interpretazioni di coprotagonisti come Robert Duvall e Glenn
Close.
Alexander Pierce in Captain
America: The Winter Soldier (2014)
Sebbene la carriera di Robert
Redford abbia subito un rallentamento negli anni 2010 prima del suo
ritiro definitivo nel 2018, l’attore è rimasto in prima linea nella
cultura popolare mainstream quando è entrato a far parte del
MCU in Captain America: The Winter
Soldier. Redford ha interpretato Alexander Pierce, capo
dello S.H.I.E.L.D. e leader della cellula Hydra che gestisce il
Triskelion.
Sebbene la personalità di Redford
si prestasse bene a ruoli eroici e idealistici, la rivelazione a
sorpresa della malvagità di Alexander verso la fine del film è
stata un piacevole cambio di ritmo. L’apparizione di Redford in
The Winter Soldier ha colmato il divario tra la Hollywood
classica e i blockbuster moderni, introducendo una nuova
generazione di spettatori al suo carisma da star.
Anonimo Marinaio in All Is Lost –
Tutto è perduto (2013)
È una testimonianza del talento
intramontabile di Robert Redford il fatto che, alla fine dei suoi
70 anni, abbia offerto una delle sue migliori interpretazioni come
unico membro del cast in un film con solo 51 parole in inglese. Si
tratta del dramma di sopravvivenza All Is Lost, in cui
Redford interpreta un uomo che lotta per sopravvivere mentre è
disperso in mare.
Si trattava di una performance
fisicamente impegnativa che sarebbe stata difficile per un attore
di qualsiasi età, eppure Redford ha offerto una performance
magistrale che ha affascinato il pubblico dall’inizio alla fine.
All Is Lost rappresenta il trionfo della carriera tardiva
di Redford, che avrebbe meritato una nomination all’Oscar.
Three Days of the Condor
ha catturato perfettamente la paranoia di una società
post-Watergate, con Robert Redford nei panni dell’analista
della CIA Joseph Turner, coinvolto in una cospirazione di omicidio.
Turner, un agente studioso che analizza la letteratura a fini di
intelligence, viene catapultato ben oltre la sua zona di comfort
quando trova i suoi colleghi morti e si rende conto che potrebbe
essere il prossimo.
Thriller teso e assolutamente
credibile considerando l’atmosfera di sfiducia che regnava in quel
periodo, I tre giorni del condor ha permesso a Redford di mostrare
la sua capacità di bilanciare vulnerabilità e intraprendenza. Con
Turner nei panni di un eroe comune costretto a sopravvivere, questo
classico di Sydney Pollack è stato davvero uno dei suoi migliori
film.
Jeremiah Johnson In Corvo rosso
non avrai il mio scalpo! (Jeremiah Johnson)
Robert Redford ha offerto una
performance eccezionale nei panni del leggendario uomo di montagna
Jeremiah Johnson in questo classico di Sydney Pollack. Questo ruolo
ha rappresentato una svolta trasformativa per Redford, che ha
abbandonato la sua solita immagine pulita e rasata per interpretare
un uomo duro e autosufficiente che si guadagna da vivere come
cacciatore nelle Montagne Rocciose, ed è stato solo uno dei tanti
esempi in cui l’attore ha messo alla prova le sue capacità
drammatiche.
Mentre gli spettatori più
giovani potrebbero riconoscere il popolare meme di Jeremiah che
annuisce con la testa, il fascino di questo film andava ben
oltre la sua rinascita online. Con Jeremiah Johnson, Redford
ha offerto una performance che ha catturato la gravitas e il
terrore del West americano come pochi film prima di esso, e che
rappresenta un punto culminante della sua carriera.
Johnny Hooker in La stangata
(1973)
La stangata fu un grande
successo sia di pubblico che di critica e vinse ben sette premi
Oscar, tra cui quello per il miglior film e quello per il miglior
regista. Con Robert Redford nei panni dell’affascinante e astuto
truffatore Johnny Hooker, questo film fu la perfetta dimostrazione
del forte carisma dell’attore e della sua capacità di bilanciare
l’arguzia con grandi interessi drammatici.
La storia di due
truffatori che cercano di mettere a segno la truffa definitiva,
l’atmosfera vintage de La stangata, abbinata alla musica
ragtime di Scott Joplin, ha conferito a questo classico del cinema
un’aura senza tempo. Tutto in La stangata ha funzionato
alla perfezione, e vedere Redford condividere nuovamente lo
schermo con il suo co-protagonista in Butch Cassidy, Paul
Newman, è stata la ciliegina sulla torta.
Bob Woodward in Tutti gli
uomini del presidente (1976)
Molti dei ruoli più importanti di
Robert Redford negli anni ’70 si sono concentrati sugli effetti
culturali dello scandalo Watergate, ma è stato Tutti gli uomini del
presidente a raccontare davvero la storia di questo scandalo che ha
cambiato il mondo. Con Redford nei panni del giornalista
investigativo Bob Woodward e Dustin Hoffman in quelli del suo collega Carl
Bernstein, questo thriller politico ha esplorato come un buon
giornalismo abbia portato alla caduta del presidente Nixon.
Tutti gli uomini del
presidente rimane un ritratto storico del giornalismo
investigativo, con Redford e Hoffman che catturano la
concentrazione e la perseveranza necessarie per scoprire la verità.
Anche se le circostanze della vita reale possono sembrare più lievi
se paragonate al clima odierno di sorveglianza e disinformazione,
la storia del film sottolinea l’importanza duratura di combattere
la corruzione e respingere le fake news.
C’era solo una risposta possibile
quando si trattava della migliore interpretazione di Robert
Redford, poiché il suo ruolo in Butch Cassidy e il Sundance
Kid ha segnato una svolta per l’intera industria
cinematografica. Come inizio del movimento New Hollywood, è
possibile tracciare una linea di demarcazione tra questa
interpretazione e il cinema moderno.
Con Robert Redford nei panni di
Sundance Kid e Paul Newman in quelli di Butch Cassidy, questo
western storico vantava tecniche innovative, tra cui fermi
immagine, montaggi e musica contemporanea. Butch Cassidy e
Sundance Kid ha contribuito a inaugurare un’era cinematografica
moderna, con la performance di Robert Redford che ha
influenzato registi come Martin Scorsese e Steven Spielberg, aprendo la strada
a stili di recitazione più naturalistici.
Paramount+ ha formalmente rinnovato il popolare
crime drama di Taylor Sheridan, Tulsa
King, con Sylvester Stallone, per una
quarta stagione. La notizia arriva la sera
dell’evento sul red carpet della terza stagione a New York e in
vista del debutto della stagione su Paramount+ domenica 21
settembre. Deadline ha appreso in esclusiva che c’è un
cambio al timone per la quarta stagione, con il
ritorno di Terence Winter come produttore
esecutivo e capo sceneggiatore e l’uscita dello showrunner della
terza stagione, Dave Erickson.
Il creatore di Boardwalk
Empire, Winter, è stato produttore esecutivo e showrunner
della prima stagione di Tulsa King. Si è dimesso
da showrunner dopo la fine della stagione, prima di tornare nella
serie come capo sceneggiatore/produttore esecutivo nella seconda
stagione. Ha lavorato principalmente nella stanza degli
sceneggiatori, con il regista Craig Zisk che si
occupava dei compiti di showrunner sul set. “Siamo stati tutti
sulla stessa lunghezza d’onda creativa”, ha detto Winter
all’epoca del suo ritorno.
La trama e il cast della stagione 3 di Tulsa
King
Come annunciato in precedenza, la
terza stagione di “Tulsa King” debutterà il 21
settembre. Come nelle stagioni precedenti, i nuovi episodi
saranno disponibili ogni settimana. La descrizione ufficiale della
terza stagione recita: “Man mano che l’impero di Dwight si
espande, aumentano anche i suoi nemici e i rischi per la sua banda.
Ora deve affrontare i suoi avversari più pericolosi a Tulsa: i
Dunmire, una potente famiglia di vecchia data che non rispetta le
regole del vecchio mondo, costringendo Dwight a lottare per tutto
ciò che ha costruito e a proteggere la sua famiglia“.
Oltre a Stallone, il cast della
terza stagione include: Martin Starr, Jay Will, Annabella
Sciorra, Neal McDonough, Robert Patrick, Beau Knapp,
Bella Heathcote, Chris Caldovino, McKenna Quigley Harrington,
Mike “Cash Flo” Walden, Kevin Pollak, Vincent Piazza,
Frank Grillo, Michael Beach, James Russo, con
Garrett Hedlund e Dana Delany.
Samuel L. Jackson sarà guest star in diversi
episodi prima di dirigere la
serie spin-off “NOLA King”. Lo show, che ha ricevuto
il via libera all’inizio di luglio, dovrebbe iniziare le riprese
all’inizio del 2026. Jackson interpreterà un amico di Dwight
conosciuto in prigione che viene mandato a Tulsa per ucciderlo, ma
che finisce per essere ispirato dall’organizzazione di Dwight al
punto da tornare a New Orleans per affermarsi nella malavita della
città.
Il finale dell’episodio 7 di
Alien: Pianeta
Terra (qui
la nostra recensione), intitolato “Emergence”, vede il legame
tra Wendy e Joe messo alla prova dopo la morte di Nibs. L’episodio
presenta anche la morte di diversi personaggi, dopo la distruzione
di Tootle o Isaac nell’episodio 6 di Alien: Pianeta Terra, Arthur torna
brevemente in vita prima che un piccolo Xenomorfo nasca dal suo
petto, nel classico stile della serie Alien.
Dopo aver imparato a comunicare con
lo Xenomorfo catturato nell’episodio
4 di Alien: Pianeta
Terra, Wendy è in grado di
ordinare all’alieno di eseguire i suoi ordini, che consistono nel
massacrare i suoi nemici. Slightly chiede l’aiuto di Smee per
portare il corpo vuoto di Arthur a Morrow, che è accompagnato dai
soldati della Weyland-Yutani.
Alla fine, Morrow viene sconfitto
da Kirsh, che ha catturato lo Xenomorfo ribelle esploso dal petto
di Arthur.
Nel frattempo, Boy Kavalier è
affascinato dall’alieno “occhio”, che potrebbe essere il più
intelligente di tutti. L’alieno comunica con Boy Kavalier recitando
diverse cifre del pi greco, poiché si tratta di un numero
universale che tutte le forme di vita avanzate riconoscono e
comprendono. Boy Kavalier ha la sinistra idea di rimuovere l’alieno
dalla pecora e inserirlo in un essere umano, dicendo di conoscere
la persona giusta per questo compito.
Il legame di Wendy con Joe è
minacciato dopo la morte di Nibs
I momenti finali del penultimo
episodio della prima stagione di Alien: Pianeta
Terra vedono Wendy, in preda alla rabbia, urlare contro
Joe per aver ucciso Nibs. All’inizio dell’episodio, Wendy ha
chiarito a Joe che non avrebbe lasciato Neverland senza gli altri
ibridi, che considera suoi fratelli e sorelle. Questo dimostra che,
sebbene la coscienza di Marcy sia stata replicata nel corpo di
Wendy, Wendy è comunque un essere a sé stante.
Probabilmente Wendy non tradirà Joe
nel finale della prima stagione di Alien: Pianeta Terra,
ma la domanda più importante senza risposta sarà determinare a chi
va la sua vera lealtà. L’alleanza più forte di Wendy è senza dubbio
quella con lo Xenomorfo, che le obbedisce come una madre. Per
questo motivo, Wendy detiene tutto il potere sull’isola, il che
avrà conseguenze quasi certe per Boy Kavalier, che non accetta
risposte da nessuno.
Perché Kirsh ha permesso a
Slightly e Smee di portare Arthur sulla spiaggia
Kirsh aveva osservato Slightly da
lontano mentre Boy Kavalier raggiungeva un accordo con Yutani
nell’episodio precedente. Kirsh ha visto Slightly rinchiudere
Arthur nel laboratorio di sicurezza per farlo diventare preda di un
facehugger. Era anche ben consapevole che Slightly aveva comunicato
con Morrow attraverso una cimice posizionata sul suo collo.
Kirsh sta combattendo la sua
battaglia, che è separata dalla protezione degli interessi di Boy
Kavalier. In quanto synth, Kirsh ha i suoi stratagemmi e le sue
strategie, oltre al risentimento verso l’umanità. Ha aiutato
Slightly e Smee a portare di nascosto Arthur e il facehugger sulla
spiaggia in modo da poter condurre Morrow e i suoi soldati della
Weyland-Yutani dritti in una trappola.
Resta da vedere quali siano le
reali intenzioni di Kirsh, dato che la sua fedeltà a Prodigy è
quantomeno instabile. Sembra preoccupato per gli ibridi e forse ha
dei piani per loro al di fuori del controllo di Boy Kavalier. Con
Morrow catturato, Kirsh apparirà come un eroe agli occhi di Boy
Kavalier, il che potrebbe creare l’occasione perfetta per lui per
colpire il suo padrone.
La spiegazione della scena del
cimitero in Alien: Pianeta Terra, episodio 7
Wendy ha perso fiducia in Dame
Sylvia e Prodigy dopo aver scoperto che hanno cancellato alcuni
ricordi di Nibs per renderla più equilibrata dal punto di vista
comportamentale. Anche se Dame stava solo seguendo gli ordini di
Atom Enis, il braccio destro di Boy Kavalier, Wendy si è assunta la
responsabilità di proteggere Nibs e gli altri ibridi.
Wendy, Nibs e Joe si imbattono in
un piccolo cimitero nella foresta fuori dalle strutture principali
dell’isola di Neverland. Ogni tomba è dedicata a uno dei bambini
umani che sono stati trasferiti nei corpi ibridi. Questo è il
motivo per cui Nibs riconosce la sua lapide e Joe piange sulla
tomba di Marcy, poiché gli sta diventando sempre più chiaro che ha
davvero perso sua sorella, anche se Wendy è proprio dietro di
lui.
Wendy insiste che le loro vecchie
identità umane esistono ancora nei loro nuovi corpi ibridi, ma Nibs
non crede più di essere completamente se stessa dopo aver visto la
propria tomba. Questa scena rappresenta un momento cruciale nella
storia che differenzia Wendy da Marcy. Le due possono essere
incredibilmente simili, ma non sono la stessa cosa.
Cosa aspettarsi dal finale
della prima stagione di Alien: Pianeta Terra
Il finale della stagione 1 di
Alien: Pianeta Terra includerà probabilmente
l’esperimento di Boy Kavalier di inserire l’“occhio alieno” in un
essere umano o sintetico. Boy Kavalier ha detto a Dame Sylvia
all’inizio della serie che ciò che desidera più di ogni altra cosa
è avere una conversazione con qualcuno più intelligente di lui.
Questo è quasi certo che accadrà nell’episodio finale della
stagione 1, e potrebbe costare la vita a Boy Kavalier.
Morrow sarà imprigionato a
Neverland insieme ai suoi soldati Weyland-Yutani, lasciando a Kirsh
o Boy Kavalier il compito di decidere il loro destino. Aspettatevi
qualche colpo di scena da parte di Kirsh che rivelerà le sue vere
motivazioni, che si tratti di tradire Prodigy, abbandonare gli
ibridi o persino allearsi con Morrow, magari in cambio di un
compenso da parte di Yutani.
Per quanto riguarda Wendy, potrebbe
non voler più lasciare Neverland con Joe se non riuscirà a superare
la morte di Nibs. Notando quanto Wendy sia sconvolta, lo Xenomorfo
sicuramente causerà ulteriori danni a chiunque si metta sulla sua
strada. La chiave del finale della prima stagione di
Alien: Pianeta Terra sarà scoprire
cosa vuole Wendy e chi le impedisce di ottenerlo.
Dal
17 settembre 2025
il pubblico italiano può finalmente scoprire La Valle dei Sorrisi, il nuovo horror
diretto da Paolo
Strippoli, già regista di A Classic Horror Story e Piove. Distribuito da Vision Distribution, il film segna un nuovo passo
nel percorso del giovane autore classe 1993, che continua a
esplorare il genere horror con un linguaggio personale e radicato
nella contemporaneità.
Ambientato a Remis, un paesino isolato tra le montagne, il film
racconta la storia di Sergio Rossetti (interpretato da Michele Riondino), un insegnante di
educazione fisica tormentato da un passato misterioso. Trasferitosi
nel borgo, Sergio scopre che gli abitanti, apparentemente felici e
sereni, nascondono un segreto inquietante: ogni settimana
partecipano a un rituale attorno a Matteo Corbin (Giulio Feltri), un
adolescente capace di assorbire il dolore altrui. Il tentativo di
Sergio di salvare il ragazzo lo porterà a confrontarsi con le ombre
più oscure della comunità e con se stesso.
Accanto a Riondino, il cast vede la partecipazione di
Romana Maggiora Vergano, nei
panni della giovane locandiera Michela, figura chiave nel percorso
del protagonista. La sceneggiatura è firmata da Milo Tissone,
Jacopo del Giudice e dallo stesso Strippoli, già premiata con il
Premio Franco Solinas per
il Miglior Soggetto nel 2019.
La
cura visiva è affidata al direttore della fotografia
Cristiano Di
Nicola, con scenografie di Marcello Di Carlo, costumi di
Susanna
Mastroianni e montaggio di Federico Palmerini. Le musiche originali
sono composte da Federico
Bisozzi e Davide
Tomat, a sottolineare l’atmosfera sospesa e perturbante
che accompagna la narrazione.
Prodotto da Fandango e Nightswim in coproduzione con Spok, e realizzato in
collaborazione con Vision
Distribution e Sky, il film ha ricevuto il sostegno del
MIC, di
Lazio
International e della FVG Film Commission. Una produzione importante che
conferma la vitalità del cinema di genere in Italia.
Con La Valle dei Sorrisi, Strippoli
firma un horror che intreccia folklore e contemporaneità, pronto a
conquistare gli appassionati del genere e a dimostrare ancora una
volta che il brivido sul grande schermo parla anche italiano.
È arrivato il primo trailer del
nuovo thriller psicologico Una di famiglia
(The Housemaid), con Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Michele
Morrone, Brandon Sklenar ed
Elizabeth Perkins, e diretto da Paul
Feig (regista di
Le amiche della sposa e Un piccolo favore), che uscirà in esclusiva
nelle sale cinematografiche statunitensi il 19 dicembre.
Nel film, Sweeney interpreterà
Millie, una giovane donna in difficoltà che si sente sollevata
dall’idea di ricominciare da capo come domestica della ricca coppia
Nina (Seyfried) e Andrew. Tuttavia, secondo la logline ufficiale,
“Millie scopre presto che i segreti della famiglia sono molto
più pericolosi dei suoi”.
Sullo sfondo di “Please, Please,
Please” di Sabrina Carpenter, il trailer di Una di
famiglia anticipa quindi la situazione folle in cui
Millie si è cacciata con questo lavoro, sottolineata da quella che
sembra essere una performance efficacemente inquietante di
Seyfried. Una serie di immagini e poster di Una di
famiglia sono stati diffusi nel corso dell’ultima
settimana, ma con il trailer ufficiale ora disponibile, ci si
aspetta un aumento dell’interesse per questa uscita di fine
anno.
Il cast è una parte importante di
questo. Sweeney è pronta per un grande finale del 2025 tra
Una di famiglia e la sua possibile
performance da Oscar in Christy. La carriera di Sklenar continua
invece a decollare dopo grandi ruoli in progetti come 1923,
It Ends With Us e Drop. Poi
c’è Seyfried, che ha avuto molte performance di rilievo nella sua
carriera ed è stata recentemente apprezzata in The Testament of Ann Lee, e che sembra
avere un altro ruolo molto interessante in questo film.
Una di famiglia, in
uscita a dicembre, è uno dei pochi film thriller/horror in
programma per chiudere l’anno. Si aggiunge a Five
Nights at Freddy’s 2, Silent Night, Deadly Night
e al remake di Anaconda con Paul
Rudd come controprogrammazione ai film natalizi/per
famiglie o ai classici film da Oscar che di solito dominano il
mese.
Nella giornata in cui
su Apple
TV+ arriva la quarta stagione di The
Morning Show, l’azienda – come riportato da Deadline – fa sapere che la
serie è stata ufficialmente rinnovata per una quinta
stagione. Intanto, la nuova stagione della serie drammatica,
interpretata da Reese Witherspoon e Jennifer Aniston, si svolgerà quasi due anni
dopo gli eventi della terza stagione. Secondo la trama si avrà a
che fare con la fusione tra UBA e NBN ormai completata, con la
redazione che deve fare i conti con nuove responsabilità,
motivazioni nascoste e la natura sfuggente della verità in
un’America polarizzata.
La quarta stagione dà inoltre il
benvenuto ai nuovi membri del cast Aaron Pierre,
William Jackson Harper, Boyd
Holbrook e ai vincitori dell’Oscar Marion Cotillard e Jeremy Irons, che interpreta il padre di
Aniston. Nel cast figurano anche Billy Crudup, Mark
Duplass, Nestor Carbonell, Karen
Pittman, Greta Lee, Nicole
Beharie e Jon
Hamm.
Aniston interpreta Alex Levy, che
era la conduttrice del programma mattutino The Morning Show della UBA e ora si occupa
delle cose da una nuova posizione, mentre Witherspoon interpreta
Bradley Jackson, che è tornata nonostante abbia lasciato il lavoro
e rischi una punizione per aver aiutato suo fratello a nascondere
il suo coinvolgimento nel 6 gennaio.
Come sempre, ci saranno scoop da
scoprire, storie d’amore da vivere e problemi familiari da
risolvere. Michael Ellenberg, tra i
produttori della serie ha affermato che questa stagione offre al
cast e alla troupe “ancora più spazio per brillare”. “Siamo
molto grati ad Apple TV+ e ai fan di tutto il mondo che ci seguono
ogni settimana, e siamo entusiasti che gli spettatori possano
vedere la prossima stagione e quelle successive”, ha
aggiunto.
La quarta stagione di The
Morning Show sarà composta da 10 episodi e farà il suo
debutto il 17 settembre con il primo episodio, seguito da un nuovo
episodio ogni settimana fino al 19 novembre.
Grazie a The Cosmic
Circus di Alex Perez, abbiamo alcune
indiscrezioni sul ruolo di Dottor Destino in Avengers:
Doomsday, e sembra che il cattivo potenzierà i suoi
poteri dopo essere entrato in contatto con un certo eroe che
brandisce un anello.
Il Dottor Destino di
Robert Downey Jr. si sta ovviamente configurando
come un nuovo, incredibilmente potente cattivo per il Marvel Cinematic Universe, e una
recente sinossi ha confermato che utilizzerà un mix di “scienza
all’avanguardia e magia potente” per “scatenare una crisi
a cascata in tutto il multiverso”.
La scorsa settimana, abbiamo avuto
quello che presumibilmente sarebbe stato il nostro
primo sguardo al character design di Destino per
Avengers:
Doomsday tramite un’immagine promozionale, e il
video dello
spettacolo di luci che lo accompagnava sembrava mostrare il
cattivo che brandisce i Dieci Anelli di Shang-Chi (Simu
Liu).
Nella sua ultima sessione di domande
e risposte, Perez ha condiviso alcuni nuovi dettagli su
come Destino intende potenziare le sue abilità, e sembra
che prenderà di mira il Maestro di Kung Fu per
acquisire gli antichi e incredibilmente potenti artefatti di
Ta Lo. Perez inizia dicendo che
Shang-Chi verrà utilizzato principalmente come
“spalla comica” in Doomsday, presumibilmente dopo che
Destino lo avrà liberato di quegli Anelli!
“Potrebbe sentirsi un po’ fuori
posto perché sarà la sua prima volta in un folto gruppo di eroi
superpotenti. Anche se devo dire, avete visto il recente design di
Destino alla Disney Merchandise Expo del 2026 in Cina?” Perez
descrive anche Destino come “un uomo disprezzato dalle
incursioni che stanno avvenendo nel multiverso, condannando
innumerevoli realtà, e che vuole porre fine a tutto questo con ogni
mezzo necessario”.
Precedenti voci sostenevano che Liu
avrebbe avuto un ruolo importante in Avengers: The Kang
Dynasty prima che la Marvel si concentrasse su
Destino, quindi questo potrebbe essere un po’ un declassamento per
Shang-Chi. Tuttavia, Destino che brandisce i Dieci Anelli insieme
al resto della tecnologia acquisita nei suoi viaggi dovrebbe
renderlo un grande cattivo per sempre.
A seguito della scomparsa
di Robert
Redford, uno dei giganti del mondo del cinema,
avvenuta nella giornata di ieri, Hollywood (ma il mondo della
settima arte in generale) commemora l’attore, regista e produttore
ricordandone non solo le qualità come uomo di cinema ma anche come
essere umano. Barbra Streisand rende così
omaggio al suo compianto collega scrivendo su Instagram: “Ogni
giorno sul set di Come eravamo era emozionante, intenso e pura
gioia… Bob era carismatico, intelligente, intenso, sempre
interessante e uno dei migliori attori di sempre”.
Leonardo DiCaprio si è poi unito alle lodi per
il compianto Robert Redford, sottolineando: “Il suo
impegno incrollabile nella protezione del nostro pianeta e
nell’ispirare il cambiamento era pari al suo immenso talento. Il
suo impatto durerà per le generazioni a venire”. In una
dichiarazione, anche Jane Fonda ha reso omaggio a Redford, con cui
aveva recitato spesso insieme (A piedi nudi nel parco,
L’inseguimento, Il cavaliere elettrico e il
recente Le nostre anime di notte). I due erano amici da una
vita.
“Mi ha colpito molto questa
mattina quando ho letto che Bob se n’era andato”, ha detto la
Fonda nella dichiarazione fornita ai media. “Non riesco a
smettere di piangere. Significava molto per me ed era una persona
meravigliosa sotto ogni aspetto. Rappresentava un’America per cui
dobbiamo continuare a lottare”. Anche Meryl Streep ha reso omaggio al suo
coprotagonista in La mia Africa, dichiarando: “Uno dei leoni se n’è
andato. Riposa in pace, mio caro amico”.
Tom Rothman,
presidente e amministratore delegato della Sony Pictures Motion
Picture Group, ha dichiarato: “Oltre ad essere un attore e
regista di grande talento, come uno dei primi membri del consiglio
di amministrazione del Sundance Institute, ho visto in prima
persona l’impegno appassionato di Sundance Kid nei confronti del
cinema indipendente e dei giovani artisti. Robert Redford ha
davvero dato molto. Senza di lui, l’intero panorama cinematografico
americano sarebbe stato molto più povero. Un’eredità straordinaria
di un uomo straordinario”.
Il Sundance Institute ha dichiarato
in un comunicato: “Siamo profondamente rattristati dalla
perdita del nostro fondatore e amico Robert Redford. La visione di
Bob di uno spazio e di una piattaforma per le voci indipendenti ha
dato vita a un movimento che, oltre quattro decenni dopo, ha
ispirato generazioni di artisti e ridefinito il cinema negli Stati
Uniti e in tutto il mondo. Oltre al suo enorme contributo alla
cultura in generale, ci mancheranno la sua generosità, la chiarezza
dei suoi obiettivi, la sua curiosità, il suo spirito ribelle e il
suo amore per il processo creativo. Siamo onorati di essere tra i
custodi della sua straordinaria eredità, che continuerà a guidare
l’Istituto in perpetuo“.
L’Academy of Motion Picture Arts and
Sciences ha invece pubblicato un video del discorso di
ringraziamento di Redford per l’Oscar onorario ricevuto nel 2002
con questa didascalia: “Robert Redford ci ha ricordato il
potere del cinema, della libertà e degli artisti che rischiano
tutto per raccontare le loro storie. Oggi ricordiamo le sue parole,
la sua vita e la sua carriera che hanno plasmato per sempre il
panorama cinematografico”.
Anche il Festival di Cannes ha espresso il proprio
omaggio: “Per sempre Robert Redford. Per sempre il cowboy, il
fuggitivo, il candidato, il prigioniero, il Grande Gatsby, il truffatore, lo
studente, il playboy, il solitario, il crittografo, il militare, il
giornalista, il campione di rodeo, l’amante, la star del baseball,
il marinaio, l’uomo che sussurrava ai cavalli… Più di 70 ruoli,
nove film diretti, la fondazione del Sundance Independent Film Festival.
E in una vita dedicata al cinema, un’eleganza senza pari nella sua
arte, nei suoi impegni e nelle sue lotte. Redford era più di un
mito: era un modello. Per sempre Robert Redford, un cavaliere
elettrico innamorato della libertà“.
“Ecco com’è un vero eroe
americano. Un uomo che ha unito le persone, ha vissuto e praticato
l’empatia e ha creato organizzazioni valide e utili che hanno
migliorato la vita delle persone e coinvolto chiunque fosse
interessato. Ricordiamolo con affetto“, sono invece le parole
espressa da Mark Ruffalo tramite Instagram. Sullo stesso
social, Ethan Hawke scrive: “Robert Redford, il
nostro campione indiscusso del cinema indipendente, instancabile
sostenitore della narrazione autentica e ambientalista
appassionato. L’eredità di Robert rimane radicata nella nostra
cultura, trasformata dalla sua arte, dal suo attivismo e dalla
fondazione del Sundance Institute e del Film Festival“.
“Sono cresciuto con i suoi film:
le sue interpretazioni tranquille e naturali e la sua grazia sempre
presente. Era LA star del cinema e ci mancherà moltissimo. Riposa
in pace, Robert“, scrive invece James Gunn su X. Infine, un altro dei grandi
di Hollywood, Morgan Freeman, ricorda così il collega e
amico: “Ci sono persone con cui sai che avrai subito
un’intesa. Dopo aver lavorato con Robert Redford in Brubaker nel
1980, siamo diventati subito amici. Lavorare di nuovo con lui in An
Unfinished Life è stato un sogno che si è avverato. Riposa in pace,
amico mio”.
Presentato al Festival di Cannes 2023,
Il coraggio di Blanche (qui
la recensione) segna un nuovo tassello importante nella
filmografia di Valérie
Donzelli, regista capace di affrontare con sensibilità e
rigore temi complessi legati all’intimità, alla famiglia e alle
dinamiche di potere. Il film, tratto dal romanzo
di Éric ReinhardtL’amore e le
foreste (2014), – ispirato da alcune vicende realmente accadute
– porta sullo schermo il racconto di una donna intrappolata in una
relazione tossica, e trova la sua forza proprio nel mostrare con
precisione e delicatezza la progressiva perdita di libertà della
protagonista.
Il
genere si colloca dunque tra il dramma psicologico e il racconto
sociale, con un’attenzione particolare alla violenza domestica e al
processo di manipolazione affettiva che spesso precede l’emersione
della violenza fisica. Temi come l’isolamento, la perdita di
identità e la ricerca di riscatto vengono affrontati con uno
sguardo intimo e realistico, senza cedere a facili stereotipi o
soluzioni narrative consolatorie. In questo senso, l’opera dialoga
idealmente con altri film recenti sul tema della violenza sulle
donne, come L’amore bugiardo – Gone Girl di
David Fincher.
Con Il coraggio di Blanche, Donzelli porta dunque
sullo schermo un racconto che non è solo privato ma universale,
capace di parlare a chiunque abbia vissuto, o conosciuto da vicino,
il peso delle relazioni tossiche. La pellicola non si limita a
denunciare, ma accompagna lo spettatore nel viaggio di
emancipazione della protagonista, mostrando quanto sia difficile e
al tempo stesso vitale affermare la propria libertà. Nel prosieguo
dell’articolo ci concentreremo sul finale del film, analizzandone
la risoluzione narrativa e il significato simbolico, per
comprendere meglio il messaggio che questa storia potente ci
lascia.
Il film racconta la storia
di Blanche Renard
(Virginie Efira), che dopo aver incontrato
Greg Lamoureux (Melvil Poupaud),
è convinta di aver trovato l’uomo della sua vita. Poco dopo, però,
Greg inizierà a mostrare il suo lato possessivo e pericoloso,
tant’è che i due si trasferiranno lontano dalla famiglia di
Blanche. È così la donna si ritrova coinvolta in una relazione
tossica e morbosa, vergognandosi di rivelare la vera natura del suo
nuovo compagno. Quando però capirà che la sua vita è messa in serio
pericolo, dovrà decidere se rimanere in silenzio per sempre od
opporsi all’uomo da cui credeva di essere amata.
La spiegazione del finale
Nel
finale de Il coraggio di Blanche, la protagonista
arriva al punto di rottura con Grégoire. Dopo anni di controllo,
manipolazioni e umiliazioni psicologiche, l’uomo mostra
definitivamente la sua natura violenta tentando di strangolarla
quando Blanche gli annuncia la volontà di divorziare. È un momento
drammatico e rivelatore, che segna la presa di coscienza definitiva
della donna: la sua vita e quella dei suoi figli sono in pericolo.
Con il sostegno della sorella Rose, Blanche trova la forza di
denunciare l’aggressione e di rivolgersi a un avvocato, entrando in
un percorso legale che diventa l’ultima speranza per liberarsi
dalla spirale di abusi.
La
chiusura del film avviene con la scena in tribunale, dove Blanche e
Grégoire si ritrovano faccia a faccia. Lui, fedele al suo
atteggiamento manipolatorio, tenta di riallacciare un contatto, ma
lei non cede e rifiuta persino di guardarlo. È un gesto di rottura
simbolico: Blanche sceglie di non essere più vittima del suo potere
psicologico. Il finale non si concentra tanto sulla condanna o
sull’esito processuale, quanto sulla ritrovata autodeterminazione
della protagonista, che per la prima volta afferma con chiarezza la
propria indipendenza e il proprio diritto a una vita libera.
La
spiegazione di questo finale passa attraverso la rappresentazione
del cammino di emancipazione di Blanche. Dopo aver subito anni di
manipolazioni sottili e di isolamento forzato, il tentativo di
strangolamento diventa il punto di non ritorno, un atto che rende
impossibile qualunque forma di ritorno al passato. Nel rifiuto
dello sguardo finale a Grégoire, il film racchiude il senso della
sua rinascita: non è più disposta a concedergli potere, nemmeno
simbolico, scegliendo finalmente di guardare solo avanti, verso se
stessa e verso i suoi figli.
Il
film lascia così lo spettatore con una riflessione sulla difficoltà
di riconoscere e spezzare i legami tossici. La vicenda di Blanche
mostra come la violenza domestica non sia sempre fatta di gesti
eclatanti, ma spesso di micro-abusi, parole, divieti e
manipolazioni quotidiane che lentamente annientano l’identità della
vittima. La conclusione, pur restando aperta sugli sviluppi legali,
trasmette il messaggio che uscire da una relazione abusante è
possibile, ma richiede consapevolezza, supporto esterno e
soprattutto coraggio.
In
definitiva, Il coraggio di Blanche consegna al
pubblico un messaggio forte e universale: la libertà personale e la
dignità non devono mai essere sacrificate. Anche nelle situazioni
più opprimenti, esiste la possibilità di ribellarsi e ricostruirsi,
purché si trovi la forza di guardare in faccia la verità e di
chiedere aiuto. È questo il lascito più potente del film, che
trasforma una vicenda intima in un monito collettivo contro
l’indifferenza e un inno alla resilienza femminile.
Nella battaglia tra Jason Statham e un gigantesco squalo
preistorico, il finale di Shark – Il primo squalo dimostra
che c’è spazio solo per un solo predatore al vertice della catena
alimentare. Il film si apre con il soccorritore subacqueo
Jonas Taylor (Statham) che perde due amici durante
l’evacuazione di un sottomarino danneggiato. Tuttavia, nessuno
crede alla sua storia secondo cui il sottomarino è stato attaccato
da una grande creatura. Cinque anni dopo, Jonas viene reclutato per
un’altra missione di soccorso che coinvolge la sua ex moglie nella
Fossa delle Marianne. Nella parte più profonda della fossa, un team
di ricercatori scopre una forma di vita marina mai vista prima e un
megalodonte molto affamato.
Jonas, l’oceanografa Suyin
Zhang (Li Bingbing) e il resto
dell’equipaggio della Mana One iniziano così a dare la caccia al
megalodonte, che uccide diversi membri dell’equipaggio, tra cui il
viscido miliardario Jack Morris (Rainn
Wilson). Il finale vede però la gigantesca bestia
dirigersi verso una spiaggia, con Jonas alle calcagna. Qui la
bestia viene infine uccisa in modo creativo e i sopravvissuti che
festeggiano insieme. Tuttavia, Shark – Il primo
squalo termina con una nota che suggerisce che un altro
squalo gigante potrebbe essere fuggito dalla fossa, aprendo così le
porte ad un sequel.
Shark – Il primo
squalo è basato sulla serie di romanzi omonima di
Steve Alten, ma l’adattamento cinematografico ha
richiesto molti anni di sviluppo. A quanto pare, tutto ciò che i
produttori dovevano fare era scritturare Statham e rendere questo
una sorta di film di combattimento. La sequenza iniziale stabilisce
che Jonas ha un conto in sospeso con lo squalo protagonista, e il
finale di Shark – Il primo squalo si concentra
proprio su questo. L’equipaggio del Mana One usa un richiamo per
balene per distrarre Meg dalla spiaggia locale, mentre Jonas e
Suyin progettano un sommergibile e pianificano di ucciderlo con dei
missili.
Naturalmente, la situazione degenera
rapidamente, con il veicolo di Jonas gravemente danneggiato dallo
squalo e Suyin costretta a interrompere l’operazione per salvare il
resto dell’equipaggio. Jonas è così costretto a improvvisare e
decide di sfruttare la natura a suo vantaggio. Taglia il Meg con
alcuni detriti del sommergibile prima di uscire e pugnalarlo
nell’occhio. Jonas completa l’opera conficcando la lancia
profondamente nell’occhio del Meg, il che sembra risolvere la
questione. Tuttavia, il sangue delle sue ferite attira uno sciame
di squali normali, che banchettano con la creatura ferita mentre
Jonas nuota verso la salvezza e si ricongiunge all’equipaggio.
Jason Statham, Cliff Curtis, Bingbing Li, Page
Kennedy e Ruby Rose in Shark – Il primo squalo. Cortesia di Warner
Bros.
Le vittime del megalodonte
Il primo romanzo di Alten è in
realtà più violento del film. Il libro non ha problemi con il
sangue e gli arti mozzati, ma poiché è stato concepito come un
blockbuster estivo per ragazzi, il film è piuttosto moderato dal
punto di vista dello spargimento di sangue. Detto questo, il
regista Jon Turteltaub ha confessato che il film
aveva morti più cruente in una versione precedente, come la testa
decapitata di Jack Morris che era tutto ciò che restava di lui
quando il megalodonte lo ha attaccato. Nonostante la mancanza di
sangue, il film ha comunque ottenuto un numero di vittime
rispettabile.
Includendo gli incidenti causati
direttamente dalla bestia protagonista, lo squale uccide 16 persone
nel corso della storia. Questa cifra include Morris, “The Wall” di
Ólafur Darri Ólafsson e Toshi
(Masi Oka). Durante il finale, due elicotteri
volano poi incautamente vicini per riprendere il megalodonte e
finiscono per scontrarsi, causando altre quattro vittime. Oltre
agli esseri umani, il gigantesco squalo mangia anche un calamaro
gigante e una balena.
La spiegazione del grande colpo di
scena del film
Sembra quasi che il film abbia preso
spunto da Lo squalo 3-D, con un grande colpo di scena a
metà che rivela che non c’è un solo megalodonte in libertà, ma ben
due. Questo viene scoperto dopo che la squadra ha preparato una
trappola, che prevede che Suyin si immerga sott’acqua in una gabbia
a prova di squalo con del veleno. Questa tattica è tutt’altro che
sicura, poiché il megalodonte morde la gabbia e cerca di mangiare
Suyin. Lei riesce però ad uscire con l’aiuto di Jonas e lo pugnala
con il veleno.
Lo squalo muore poco dopo e
l’equipaggio della Mana One recupera il suo corpo. Tuttavia, i
festeggiamenti durano poco. Mentre stanno esaminando il corpo, un
secondo megalodonte ancora più grande emerge dall’acqua, uccidendo
“The Wall” e nutrendosi del cadavere dell’altro squalo. Si conferma
anche che questo squalo è anche il responsabile della morte degli
amici di Jonas e delle altre vittime della storia fino a quel
momento.
Cortesia di Warner Bros.
Jonas e Suyin finiscono
insieme?
Oltre a dare la caccia a uno squalo
preistorico mangia-uomini, Shark – Il primo squalo
trova anche il tempo per una sottotrama romantica. Jonas e Suyin
inizialmente sono irritabili l’uno con l’altra, ma col passare
della storia imparano a rispettarsi a vicenda, e una scena
comicamente imbarazzante all’inizio del film, in cui Suyin
sorprende Jonas nudo dopo la doccia, rende chiaro che tra loro c’è
una certa chimica. Jonas diventa anche molto amico della giovane
figlia di Suyin, Meiying (Sophia
Cai), che incoraggia più che mai qualsiasi tensione
romantica.
Dopo che il megalodonte è stato
sconfitto, si intuisce che Jonas e Suyin proveranno almeno a
frequentarsi. Nel sequel Shark
2 – L’abisso ritorna Meiying, ma Suyin, interpretata
da Li Bingbing, è assente. Questo a causa di una
tragedia che ha avuto luogo tra i due film. Anche se non viene mai
spiegato come sia successo, Suyin muore prima di questo secondo
lungometraggio e Jonas ottiene la custodia della giovane Meiying.
Questo porta a una nuova dinamica padre-figlia, con Suyin che viene
ricordata solo nel sequel.
Shark – Il primo
squalo è stato un successo sorprendente, quindi un sequel
sembrava scontato. Shark
2 – L’abisso vede così il ritorno di Jonas e di alcuni
altri membri del cast originale, tra cui Cliff
Curtis e Page Kennedy. Tra i nuovi
arrivati ci sono la star di Wolf WarriorWu
Jing e Sienna Guillory, mentre
Ben Wheatley di Kill List assume il ruolo
di regista. Il film ha aggiunto alla carneficina i megalodonti che
cacciano in branco, un megalodonte alfa ancora più grande e altri
mostri preistorici che emergono dalla fossa.
Il film mostra anche come Jonas sia
cresciuto dal primo film. Mentre nel precedente capitolo non voleva
avere nulla a che fare con il salvare vite umane o fare altro che
bere, Jonas è ora quasi un agente segreto giramondo, che interrompe
operazioni minerarie oceaniche illegali e traffici illegali con il
suo affiatato gruppo di mercenari. Poiché, come accennato, Suyin è
morta prima del secondo film, Jonas deve anche essere un padre per
Meiying e proteggerla quando tornano i megalodonti. Shark
2 – L’abisso, in sostanza, rende tutto più
grande.
Dopo Jumanji – Benvenuti nella Giungla,
Jumanji: The Next Level (qui la recensione) riporta sul
grande schermo il cast stellare del film precedente, riportando i
giocatori umani nei loro avatar di Jumanji per un’altra avventura. Ma questa
volta ci sono alcuni volti nuovi tra i giocatori (come il nonno di
Spencer, Eddie) e nuovi
personaggi (come Ming il ladro). Tutto culmina in
un assalto esagerato a un castello gigante per salvare il mondo,
come dovrebbe essere in ogni trama di un videogioco. In questo
approfondimento esploriamo allora come si arriva al finale
esplosivo ed emozionante di Jumanji: The Next
Level e come questo potrebbe determinare il futuro della
serie di film.
La storia di Jumanji: The Next Level
Mentre si appresta ad affrontare la
missione finale, il gruppo è ben consapevole della situazione
precaria in cui si trova. La maggior parte del gruppo è stata
ridotta a una sola vita per vari motivi, ad eccezione dei nuovi
arrivati Bethany (nel corpo del cavallo
Cyclone) e Alex (nel corpo di
Seaplane McDonough) che ne hanno ancora tre.
Scoprendo un fiume con le stesse proprietà di scambio dei
personaggi che French e Martha avevano trovato in precedenza nel
film, il gruppo è in grado di riallineare i propri personaggi per
adattarli meglio ai propri punti di forza.
Questo porta il gruppo a tornare
agli avatar che tutti usavano nell’originale
(Spencer come Bravestone,
Martha come Ruby,
Bethany come Shelly e
Fridge come Mouse), lasciando
Eddie nel ladro, Ming Fleetfoot e
Milo all’interno di Cyclone.
Sebbene Eddie e Milo vengano prontamente catturati, il gruppo si
dirige verso il castello del malvagio Jurgen il
Brutale per cercare di salvarli, completando al contempo
l’obiettivo del gioco di rubare la Pietra della Fenice al re
barbaro. Sebbene Spencer e Martha riescano a salvare Eddie, Alex
perde due delle sue vite per liberare Milo.
Nel frattempo, i tentativi di
distrazione di Fridge e Bethany funzionano (in qualche modo)
abbastanza a lungo da permettere alla banda di riorganizzarsi e
combattere Jurgen a testa alta. La battaglia viene vinta facilmente
dai giocatori, mentre Jurgen cerca di fuggire con la pietra
all’interno di un dirigibile. Spencer riesce a stargli dietro e
persino a ucciderlo in battaglia, indebolendolo con una bacca di
Jumanji e placcandolo fuori dall’aereo mentre esplode e inizia a
schiantarsi intorno a loro. Spencer riesce poi a portare la Pietra
della Fenice a Eddie, che sta cavalcando Milo (ora rivelatosi non
solo un cavallo, ma un pegaso), ed Eddie la attiva accidentalmente,
ponendo fine al gioco con la vittoria dei giocatori.
Cosa accade nel finale del film
Dopo aver vinto, il gruppo viene
accolto da Nigel Billingsley, la guida NPC che ha
organizzato la loro missione. Mentre la maggior parte di loro è
felice di lasciare il gioco in pace, Milo decide di rimanere.
Rivela al gruppo (tramite Fridge, che grazie alle sue competenze di
zoologo è in grado di tradurre il linguaggio dei cavalli) di essere
malato terminale, il che spiega perché abbia cercato di fare pace
con Eddie. Ma, in questo mondo, non è in fin di vita. Al contrario,
può rimanere e volare davvero come un pegaso, il che per Milo è
come essere in paradiso. Il gruppo, dunque, lo saluta e Milo spicca
il volo mentre gli altri lasciano il mondo del gioco.
Il gruppo si ritrova così in una
situazione più felice di prima, con Spencer che rientra a pieno
titolo nel gruppo. Anche il suo rapporto con Martha sembra essere
in via di miglioramento. Nel frattempo, Eddie si reca al ristorante
che lui e Milo avevano aperto insieme e che alla fine aveva portato
alla loro rottura. Venendo a sapere che il ristorante attualmente
non ha un gestore e che si trova in difficoltà, Eddie si offre di
aiutarlo in modo da poter tornare al lavoro. Il film si conclude
dunque con una nota felice per quasi tutti, tranne forse per la
madre di Spencer e il tecnico del riscaldamento che finalmente
arriva a casa, che stanno per attivare accidentalmente il gioco
ancora una volta proprio mentre il film finisce.
Come il finale anticipa un sequel
La conclusione più importante di
questo finale è che Jumanji non viene distrutto o nascosto dai
personaggi principali. Con Milo che ora vive in quel mondo, è
possibile che il gruppo abbia deciso di non smantellare il gioco
come aveva fatto in precedenza. In qualsiasi momento, i giocatori
potrebbero tornare in quel mondo e potenzialmente condurre una vita
tranquilla e felice all’interno di esso. Anche se nessuno di loro
sembra entusiasta di tornare indietro, dati i tanti pericoli, ciò
significa che c’è in ogni caso la possibilità di tornare al gioco
in futuro. Ma avrebbero potuto almeno nasconderlo in qualche modo
per impedire a persone curiose come la madre di Spencer di
toccarlo.
Ciò apre ad un possibile sequel in
cui è proprio lei a venire risucchiata nel gioco o che il gioco si
liberi completamente nel mondo reale, come suggerito dallo stormo
di struzzi che corre per le strade durante la sequenza post-credits
del film, in modo simile al film originale
Jumanji. Questa potrebbe essere la direzione che
prenderà la serie in futuro, il che potrebbe portare anche i
personaggi del gioco a entrare nel mondo reale. Inoltre, Dwayne Johnson ha rivelato che il cattivo
Jurgen il Bruto è in realtà un avatar di un personaggio
sconosciuto, che sarà probabilmente esplorato nel sequel. Come
noto,
un Jumanji 4 verrà realizzato a breve,
per cui non resta che attendere di saperne di più.
Nel corso della sua carriera
l’attore Frank Grillo ha recitato in celebri film
d’azione, dimostrando così la sua predilezione per tale genere. Tra
le sue partecipazioni più recenti si annoverano quelle all’interno
del Marvel Cinematic Universe, come
anche i ruoli ricoperti per alcune note serie TV.
2. Ha preso parte a
produzioni televisive. L’attore intraprende la propria
carriera recitando nel ruolo di Hart Jessup nella soap opera
Sentieri (1996-1999). Negli anni seguenti si fa notare
grazie ad alcuni piccoli ruoli in serie come Wasteland
(1999), The Shield (2002-2003), For the People
(2002-2003) e Blind Justice (2005). Diventa poi noto per
il ruolo di Nick Savrinn in Prison Break (2005-2006), per
poi continuare a recitare per il piccolo schermo in serie come
The Kill Point (2007), The Gates (2010),
Kingdom (2014-2017) e Billions (2020), recitando
accanto agli attori Paul Giamatti,Damian Lewis e Maggie Siff.
Nel 2024 recita in Tulsa
King e dà voce a Rick Flag Sr. in Creature
Commandos. Riprende poi il ruolo in live action per la
serie Peacemaker.
3. È anche
produttore. Nel corso degli anni Grillo non si è occupato
solo di recitazione, ma ha ricoperto anche il ruolo di produttore
in diverse occasioni. Tra i film da lui prodotti si annoverano
Point Blank: Conto alla rovescia (2019), con Anthony
Mackie, Quello che non ti uccide (2020) – con
gli attori Mel
Gibson, Naomi Watts
e Michelle
Yeoh – No Man’s Land (2020), Copshop –
Scontro a fuoco (2021), Shattered – L’inganno (2022)
e Hounds of War (2024).
Frank Grillo in Prison
Break
4. Ha avuto un ruolo di
rilievo nella prima stagione. All’interno della prima
stagione di Prison Break l’attore ricopre il ruolo di Nick
Savrinn, avvocato che aiuta Veronica Donovan nel dimostrare che
Lincoln Burrows non ha ucciso Terrence Steadman. Intromessosi in
una storia più grande di lui, Savrinn cercherà fino all’ultimo di
fare la cosa giusta, finendo però ucciso brutalmente.
Frank Grillo ha interpretato
Crossbones per la Marvel
5. Ha interpretato un
celebre villain. Per la Marvel, l’attore ha ricoperto il
ruolo di Brock Rumlow nel film
Captain America: The Winter Soldier. Al termine di questo,
il personaggio getta le basi per assumere i panni di Crossbones.
Questi è uno spietato sicario, dotato di grande forza fisica ed esperienza
nel combattimento corpo a corpo. L’attore ha poi ripreso il ruolo,
seppur brevemente, per Captain America:
Civil War e Avengers:
Endgame.
Frank Grillo è Rick Flag Sr. in Superman e nel
DCU
6. Ha interpretato il ruolo
in più “formati”. Frank Grillo interpreta Rick Flag
Sr. nel DCU, comparendo in Creature
Commandos e Superman.
L’attore ha poi ripreso il ruolo anche per la serie live action
Peacemaker. Grillo
ha inoltre collaborato con James
Gunn per dare al personaggio tratti personali,
inserendo fragilità interiori dietro la forza esteriore. L’attore
ha inoltre rivelato di aver già letto gli script futuri, segno del
ruolo centrale che Flag Sr. avrà nella nuova continuity del
DCU.
Frank Grillo è su Instagram
7. Ha un account
personale. L’attore è presente sul social network
Instagram con un profilo seguito da 302 mila persone. All’interno
di questo Grillo è solito condividere con i propri fan alcuni suoi
momenti quotidiani, da quelli svago a quelli passati ad allenare il
proprio fisico. Non mancano poi anche immagini promozionali dei
suoi progetti da interprete.
Frank Grillo parla italiano?
8. Ha origini
italiane. Frank Grillo ha origini italiane da parte
di entrambi i genitori, ed è spesso orgoglioso delle sue radici,
tanto da parlarne in diverse interviste. Nato e cresciuto a New
York, in una famiglia italoamericana, ha mantenuto un legame forte
con la cultura d’origine, anche attraverso il cibo e le tradizioni
familiari. Tuttavia, non parla fluentemente italiano: conosce solo
alcune parole ed espressioni di base, apprese in famiglia.
Nonostante ciò, il suo background culturale ha influenzato il suo
carattere e spesso anche i ruoli interpretati sullo schermo.
Chi è la moglie di Frank
Grillo
9. Ha sposato una sua ex
collega. Sul set della soap opera Sentieri,
Grillo conosce l’attrice Wendy Moniz. Dopo un
periodo di frequentazione, i due decidono infine di sposarsi nel
2000. Dalla loro unione nasceranno due figli, rispettivamente nel
2004 e nel 2008. Particolarmente legato alla propria famiglia,
l’attore è solito spendere molto tempo con sua moglie e i figli,
come testimoniano le numerose foto presenti a riguardo sul suo
profilo Instagram.
L’età, l’altezza e il fisico di
Frank Grillo
10. Frank Grillo è nato a
New York, Stati Uniti, l’8 giugno 1965. L’attore è alto
complessivamente 179 centimetri. Per quanto riguarda il suo fisico,
negli anni l’attore ha ricoperto in più occasioni ruoli in film
d’azione. Per poter dunque affrontare tali performance al meglio,
Grillo è solito allenarsi diverse ore al giorno, sfoggiando un
fisico marmoreo. Sul suo profilo Instagram è solito condividere con
i propri fan alcuni momenti di tali allenamenti, mostrando anche i
suoi progressi.
Frank Grillo è un esperto di arti marziali
È esperto di arti marziali, in
particolare boxe e Brazilian jiu jitsu, di cui è cintura marrone e
ha partecipato al documentario FightWorld, dove gira il
mondo esplorando vari sport di lotta, come il Muay Thai, il Lethwei
e il Krav Maga.
The
Penguin è stato un successo immediato quando è stato
presentato in anteprima su HBO l’anno scorso. Tornata a Gotham City
dopo l’attacco dell’Enigmista in The
Batman, la serie ha seguito Oz Cobb
mentre scalava i ranghi e diventava il nuovo Re del Crimine.
Con recensioni entusiastiche e
ascolti elevati, non ci è voluto molto prima che iniziassimo a
sentire parlare di una possibile seconda stagione. La serie era
probabilmente pensata come un episodio unico per colmare il divario
tra The Batman e The Batman Part
II. Tuttavia, il successo a questo livello significa che è
inevitabile che i dirigenti spingano per un seguito/espansione.
“Stanno valutando delle idee.
Ovviamente, Matt deve far partire il [prossimo film di ‘The
Batman’]. Credo che sia già in lavorazione”, ha detto Bloys.
“Quindi penso che lui e Lauren [LeFranc] stiano discutendo di
idee. Spero quindi che ci sarà un’altra storia da
raccontare.”
Il dirigente ha anche commentato la
mancata nomination di Colin Farrell come “Miglior Attore”
per The Penguin, nonostante fosse uno dei favoriti per il premio
dopo altri recenti successi per quella che si è rivelata una
performance rivoluzionaria. “Ero molto fiducioso. E ovviamente
aveva vinto molti premi prima di arrivare a questo, quindi di
solito è un buon segno”, ha detto. “Ma ripeto, non si sa
mai. Che venga riconosciuto o meno non influisce sul fatto che la
performance sia stata fantastica. Ma Stephen Graham, ‘Adolescence’
è stata una serie davvero, davvero potente. Una competizione così
dura, e non sempre ti fa vincere. Per Colin, penso che la sua
performance sia stata davvero straordinaria.”
Colin Farrell
tornerà nei panni di Oz Cobb in The Batman Part
II, ma dovrebbe apparire solo in una manciata di scene. Il
piano potrebbe essere che il Pinguino sia il grande cattivo del
terzo film, e se ci sarà una seconda stagione, allora potrebbe
colmare il divario tra il sequel e il terzo capitolo.
The Penguin è ora
disponibile in streaming su NOW, mentre The Batman Part
II uscirà nelle sale il 1° ottobre 2027.
La maggior parte dei fan concorda
sul fatto che i Marvel Studios abbiano sbagliato
con la gestione del personaggio di Brock Rumlow, interpretato da
Frank Grillo. Il cattivo è stato introdotto
come agente sotto copertura dell’HYDRA in Captain America: The
Winter Soldier del 2014 e, dopo un brutale
scontro con Falcon, il palcoscenico era pronto per l’ingresso in
scena di Crossbones. Abbiamo visto la stessa scena in
Captain America: Civil
War due anni dopo, ma dopo un breve scontro con
Steve Rogers, il cattivo ha incontrato una fine
esplosiva, per mano di Scarlet Witch.
L’attore è tornato in
Avengers:
Endgame per un cameo nei panni della sua Variant
del 2012, ma con Creature Commandos,
Superman e la seconda
stagione di Peacemaker, Frank Grillo
ha già collezionato tante apparizioni nel DCU in meno di un anno – nei panni di
Rick Flag Sr. – quante ne ha avute nell’MCU in cinque.
Grillo è uno dei pochi attori con
esperienza lavorativa nell’MCU e nel DCU, e ha condiviso alcune
riflessioni a riguardo durante una recente conversazione con
The Morning After Pod. Secondo l’attore, i
fratelli Russo sono, ai suoi
occhi, “più a loro agio nel dirigere sceneggiature non ancora
del tutto complete”, un processo che riconosce essere “non
raro” nel cinema. Al contrario, con James
Gunn, “Tutto era già pronto. Tutte le
sceneggiature sono pronte in anticipo. Non c’è davvero bisogno di
ritoccarle”.
Frank Grillo sulla differenza tra Marvel e DC
Ha aggiunto: “I fratelli Russo
hanno un sacco di persone che hanno le mani nella marmellata”,
rispetto al regista di Superman, che è co-CEO dei
DC Studios con Peter Safran. Questo porta a
“un modo completamente diverso di fare film. Non è che James
abbia un comitato a cui rispondere. Ci sono lui e Peter Safran,
mentre i fratelli Russo hanno un sacco di persone”.
Se sia un bene per Gunn non
avere nessuno a cui rispondere resta un mistero. Finora,
abbiamo visto il regista scegliere con cura la sua quota di film e
serie TV del DCU (il che è comprensibile), così come progetti – la
seconda stagione di Peacemaker – con amici e
attori con cui ha lavorato nel DCEU.
Tuttavia, Grillo è un fan
dell’approccio di Gunn. “Ha un’idea davvero chiara. La sua
teoria è che non esiste un film senza una sceneggiatura. La
sceneggiatura deve essere il più precisa possibile prima di
iniziare le riprese. Quando guarderemo indietro di 50 anni,
guarderemo a questo periodo e diremo: ‘Beh, questi ragazzi hanno
creato questo genere'”, ha detto dei Marvel Studios e di Gunn.
“Sono tutti fantastici. Lo fanno solo in modo
diverso.”
Il DCU ha avuto un ottimo inizio con
Superman, mentre Creature
Commandos e Peacemaker hanno ricevuto
recensioni positive. Il 2026 sarà un grande test per i DC Studios,
dato che hanno Lanterns, Supergirl e Clayface, tre progetti in cui Gunn non è
stato coinvolto creativamente.
Robert Redford, l’attore dall’aspetto da
ragazzo d’oro che vinse un Oscar per la regia di Gente
comune e divenne in seguito un padrino del cinema
indipendente come fondatore del Sundance Film
Institute, è morto all’età di 89 anni.
Cindi Berger,
amministratore delegato dell’agenzia pubblicitaria Rogers & Cowan
PMK, ha condiviso la notizia in un comunicato al New York Times. Ha
affermato che Redford è morto nel sonno, ma non ha
fornito una causa specifica.
L’attore diventato regista – che ha
avuto un’esperienza stellare in film come “Butch Cassidy”,
“Come eravamo”, “La stangata”, “I
tre giorni del Condor“ e “Tutti gli uomini del
presidente” – aveva lavorato meno frequentemente sia
davanti che dietro la macchina da presa negli ultimi anni.
Il suo ultimo lavoro come attore è
stato in Avengers: Endgame, in cui ha
ripreso il ruolo del Segretario Alexander Pierce e si è unito a
diversi altri veterani della Marvel come Michael
Douglas e Tilda Swinton.
Robert Redford ha avuto ruoli da protagonista
in “A Walk in the Woods“, che è diventato un
successo indipendente, mentre “The
Old Man & the Gun” del 2018 ha ricevuto recensioni
positive. È stato anche produttore esecutivo di numerosi progetti
televisivi, più recentemente per il thriller della AMC
“Dark
Winds“.
Robert Redford non ha mai avuto una gamma
particolarmente ampia di ruoli come attore, ma essendo una star del
cinema nel pieno della sua carriera, pochi potevano eguagliarlo.
“È un attore molto istintivo e impulsivo”, ha detto il
defunto Sydney Pollack a Variety nel 2002.
“Non credo che ci sia nulla di studiato o premeditato nel suo
lavoro. È l’opposto dell’attore che vuole provare e fissare le
cose.”
Robert Redford (nato nel 1936 a Santa Monica)
iniziò la carriera alla fine degli anni ’50 tra televisione e
teatro, debuttando a Broadway con Tall Story e imponendosi
con A piedi nudi nel parco (1963), portato poi al cinema
nel 1967. Il suo esordio sul grande schermo fu con War
Hunt (1962), dove conobbe Sydney Pollack, regista con cui
avrebbe collaborato più volte.
La svolta arrivò nel 1969 con
Butch Cassidy and the Sundance Kid,
accanto a Paul Newman. Negli anni ’70 diventò una star
internazionale con successi come Jeremiah
Johnson, La stangata (Oscar
per miglior film), Come eravamo con
Barbra Streisand, Ilgrande
Gatsby, I tre giorni del
Condor e Tutti gli uomini del
presidente, di cui fu anche produttore.
Negli anni ’80 e ’90 recitò in ruoli
più maturi (Il migliore, La mia Africa,
Proposta indecente) e vinse l’Oscar come regista per
Gente comune (1980). Parallelamente fondò il Sundance
Institute (1981), che divenne un punto di riferimento mondiale per
il cinema indipendente.
Come attore e regista, alternò
storie romantiche, politiche e drammatiche, spesso legate a un’idea
critica dell’America e alla ricerca di verità e giustizia (Quiz
Show, Lions for Lambs, La regola del
sospetto). Tra le sue interpretazioni più tarde spiccano
All Is Lost (2013), Captain America: The Winter
Soldier (2014) e Truth (2015).
Figura complessa e carismatica,
Redford fu attore, regista, produttore, attivista politico ed
ecologista. La sua eredità comprende sia una carriera di icona
hollywoodiana sia l’impulso dato al cinema indipendente con il
Sundance Film Festival.
È stato sposato con Sibylle Szaggars
e ha lasciato due figli e diversi nipoti.
Tron:
Ares ci riporterà sulla Griglia per la prima volta da
Tron: Legacy del 2010, ma il terzo
capitolo sembra destinato a presentare un solo volto noto del
franchise che ha esordito nel 1982.
Stiamo parlando, ovviamente, di
Jeff Bridges nei panni del ritorno di
Kevin Flynn (fortunatamente, questa volta non sarà ringiovanito).
Sembra che non ci sia spazio nel film per Sam Flynn di
Garrett Hedlund, Quorra di
Olivia Wilde o Dillinger Jr. di
Cillian Murphy, uno sviluppo
deludente per i fan che speravano che questo film fungesse da
sequel di Legacy.
Il regista Joachim Rønning
e il produttore Justin Springer hanno condiviso le
loro opinioni a riguardo durante un’intervista con GamesRadar+
(tramite SFFGazette.com), con il primo che ha spiegato: “Queste
non sono solo scelte creative; a volte gli attori non vogliono più
farne parte”. Ha aggiunto: “Ci sono diversi modi di vedere
la cosa, ma credo che la storia sia arrivata a un punto in cui
sentivamo di non aver bisogno che i vecchi personaggi fossero al
centro dell’attenzione. Volevamo dare una nuova direzione, onorando
allo stesso tempo l’universo in cui ci troviamo”.
L’opinione di Springer era che la
priorità di Tron:
Ares fosse quella di presentarci una serie di nuovi
personaggi, a partire da Jared Leto nei panni di Ares. “Stiamo
raccontando una storia ambientata 14 anni dopo, e la cosa più
importante è raccontare questa nuova storia in un modo che
funzioni.”
“Inserire solo dei cameo, una
sfilza di personaggi che amiamo di questo franchise, mi sembra un
fan service che non serve alla storia. Ma siamo decisamente
concentrati su come sorprendere il pubblico.
“Se non tocchiamo qualcosa in
questo film, penso sempre a dove altro potremmo giocare. Ho
prodotto la serie animata [Tron: Uprising] e ho lavorato alle
giostre del parco a tema”, ha continuato. “Ci sono molti
modi diversi per mantenere viva la mitologia, che si tratti di un
film, di una serie o di qualsiasi altra cosa, se siamo così
fortunati.”
Mentre molti fan rimarranno delusi
dalla mancanza di cameo (e dal fatto che non si tratti di un
seguito diretto di Tron: Legacy), sono passati
quindici anni dall’uscita dell’ultimo film, e non è che abbia avuto
un grande successo all’epoca. Resta da vedere se il film avrà
un successo maggiore.
Il
film rappresenta una svolta importante per la saga, introducendo
per la prima volta una narrazione che si estende oltre il confine
digitale, con Ares che entra nel mondo reale. Questo cambio di
prospettiva permette alla saga di esplorare nuove tematiche legate
al rapporto tra intelligenza artificiale e società, con toni che
sembrano più cupi e riflessivi rispetto ai precedenti capitoli.
Le riprese di
Tron: Ares si sono concluse nella primavera del
2024 a Vancouver, dopo numerosi ritardi legati prima allo sviluppo
e poi agli scioperi dell’industria hollywoodiana. La produzione è
stata supportata da tecnologie all’avanguardia per effetti visivi e
scenografie digitali, promettendo un’esperienza visiva innovativa.
La speranza dei fan è che questo nuovo capitolo possa rilanciare
definitivamente il franchise, rimasto dormiente dal 2010, anno di
uscita di Tron:
Legacy.
Nel passaggio dalla pagina allo
schermo, Il club dei delitti del giovedì è
riuscito a mantenere intatta l’atmosfera accogliente del giallo
sotto la regia di Chris Columbus. Tuttavia, sono
state apportate alcune modifiche fondamentali alla trama del libro
di Richard Osman che hanno alterato il corso delle
indagini. Forse il più grande di questi arriva verso la fine,
quando viene rivelato che Bogdan (Henry
Lloyd-Hughes), lo sfortunato tuttofare di cui
Elizabeth (Helen
Mirren) e suo marito Stephen
(Jonathan Pryce) si sono fatti amici, era il
responsabile dell’omicidio del co-proprietario di Coopers Chase,
Tony Curran (Geoff Bell).
Le circostanze dell’omicidio sono
diverse, ma il cambiamento più notevole avviene quando Bogdan viene
arrestato, cosa che non accade mai nel libro perché Elizabeth non
lo denuncia. Ciò è particolarmente significativo considerando il
ruolo che Bogdan svolge nei libri successivi della serie di Osman.
Parlando con Maggie Lovitt di
Collider in una conversazione sugli adattamenti cinematografici
dei libri, a Columbus è dunque stato chiesto se, mentre realizzava
la sua versione di Il club dei delitti del
giovedì, avesse preso in considerazione la possibilità di
realizzare dei sequel basati sugli altri capitoli della serie.
“Oh, Dio, assolutamente, ci
siamo resi conto che questi libri erano incredibilmente popolari
tra il pubblico, non solo nel Regno Unito, ma in tutto il
mondo”, ha risposto. Osman ha altri tre libri da cui
attingere, con un quarto in arrivo. Il processo è stato simile a
quello della serie Harry Potter del regista, dove non solo
ha letto in anticipo, ma anche l’autrice J.K. Rowling ha informato
gli attori su dove stavano andando i loro personaggi man mano che
la storia si svolgeva. “Ho letto tutti i libri disponibili.
Sapevo esattamente dove stavano andando quei personaggi”.
Pertanto, Columbus era ben
consapevole del futuro di Bogdan e ne ha tenuto conto nel
descriverlo mentre affrontava le conseguenze delle sue azioni.
Oltre a ciò, ha fatto uno sforzo in più per assicurarsi che gli
attori avessero tutte le informazioni rilevanti di cui avevano
bisogno dai libri per dare vita agli abitanti di Coopers Chase.
Anche se il film ha dovuto ridurre la storia nella sceneggiatura di
Katy Brand e Suzanne Heathcote,
almeno i piccoli dettagli dei personaggi non sono andati persi
nella traduzione.
“Sapevamo, ad esempio, che
Bogdan e Donna (Naomi Ackie) avrebbero sviluppato una relazione nel
secondo libro, anzi, nel secondo libro, e ancora di più nel terzo
libro. Quindi sapevamo dove stavano andando tutti i personaggi,
anche nei minimi dettagli, come il fatto che Joyce stesse pensando
di comprare un cane. Questo tipo di cose erano importanti per noi
in termini di realizzazione del film, così anche gli attori
sapevano dove stavano andando con i personaggi. Prima di iniziare
le riprese e durante le prove, ho praticamente riletto il primo
libro e tutto ciò che non era nel film, che non era nella
sceneggiatura, l’ho scritto in parti specifiche per ogni
attore”, ha spiegato il regista.
“In altre parole, sono stato in
grado di dare a Joyce, o meglio a Celia [Imrie] e Helen, Pierce
[Brosnan] e Sir Ben [Kingsley], pagine di dialoghi o descrizioni
dei personaggi che erano essenziali per i loro ruoli. Così hanno
potuto leggerle e interpretare al meglio i personaggi. Quindi,
anche se era una cosa inconscia, sapevano dove si trovava il loro
personaggio, da dove provenivano le origini di quei personaggi nel
libro. Quindi tutto ciò che è stato fatto nel primo film è in
realtà una preparazione per i film successivi“.
Il club dei delitti del
giovedì 2 non è ancora stato confermato, ma Columbus
voleva lasciare aperta la porta nel caso in cui il film giallo
avesse avuto successo. Tuttavia, i cambiamenti hanno suscitato
qualche preoccupazione nei lettori, che temevano che Bogdan sarebbe
stato messo da parte per i futuri sequel. Il regista ha però
assicurato che il suo arresto non avrebbe significato un’uscita
definitiva del personaggio. “Per quanto riguarda il film,
abbiamo tutti pensato che sarebbe stato leggermente più
interessante, forse più soddisfacente, se Bogdan fosse stato
arrestato”.
“Non è mai stata nostra
intenzione tenere Bogdan fuori dai sequel. Avrei dovuto concludere
il primo film come hanno concluso tutti i grandi film di James
Bond in passato, con “Bogdan tornerà in L’uomo che morì due
volte”. Quindi, ovviamente, tornerà. Sapete, c’è un motivo per cui
ha ucciso Tony Curran per legittima difesa, gente… basta usare un
po’ di immaginazione e pensare a cosa significa legittima difesa.
Significa che uscirà di prigione molto rapidamente”.
“Ovviamente riporteremo in scena
Bogdan. – ha aggiunto il regista – Ovviamente saremo il
più fedeli possibile al secondo libro. Ma, ripeto, dobbiamo pensare
al fatto che stiamo realizzando un film e che a volte ci sono dei
limiti di tempo. Nel caso di Potter, il primo film durava due ore e
40 minuti ed era già stato ridotto il più possibile rispetto al
primo libro. Lo stesso vale per il secondo e il terzo libro. Quindi
per me era una questione di… ecco perché è andata così. È un po’
deludente leggere questi commenti, che definisco di minoranza, ma
mentre li leggo penso: “Beh, non preoccupatevi. È quello che stiamo
pensando, ci pensiamo noi”.
John Rambo, come
noto, è stato uno dei personaggi più iconici di Stallone, che lo ha
interpretato per la prima volta nel film
Rambo del 1982, per poi riprenderne il ruolo in altri
quattro film, l’ultimo dei quali è stato
Rambo: Last Blood del 2019. Il personaggio, come noto,
tornerà sul grande schermo ma con l’attore Noah
Centineo nel ruolo. Il nuovo film, attualmente
intitolato John Rambo, sarà infatti un prequel del primo
film e racconterà il periodo trascorso da Rambo in Vietnam.
Tuttavia, anche Sylvester Stallone stava lavorando ad un
prequel, che si sarebbe avvalso dell’uso dell’intelligenza
artificiale, ma che è ora stato definitivamente cancellato.
In un’intervista con Liam Crowley di
ScreenRant per la terza stagione di Tulsa
King (in onda dal 21 settembre), è infatti emerso
l’argomento del prequel di Rambo e Sylvester Stallone ha detto di aver avuto
l’idea di utilizzare l’intelligenza artificiale per ricreare una
versione più giovane del personaggio. “Volevo rifarlo con l’AI.
Volevo riscrivere la storia del primo Rambo perché volevo che Rambo
fosse il ragazzo più simpatico della scuola, il miglior studente,
il re del ballo e tutto il resto”.
“E quando va in Vietnam, pensa
che sarà una cosa di tre settimane, e poi lo vedi torturato e
catturato, i suoi amici uccisi, una cosa dopo l’altra, e la [sua]
vita a Saigon. Ed è così che diventa quello che è, ma in origine
era un bon vivant, quel tipo di persona. E ho pensato: “Potremmo
farlo con l’intelligenza artificiale”, ma abbiamo procrastinato
troppo a lungo e loro se ne sono appropriati e, spero, sapete…
buona fortuna”, ha concluso Stallone.
Cosa significa questo per il franchise di Rambo
Sylvester Stallone è stato attivamente
coinvolto nel franchise di Rambo sin dal suo
inizio. Oltre a recitare nei film, ha co-sceneggiato i primi tre
film, ha diretto e co-sceneggiato John Rambo e ha co-sceneggiato
Rambo: Last Blood. Tuttavia, nonostante le sue intenzioni
appena rivelate, Stallone non è coinvolto nel prossimo prequel. Si
tratta di un cambio della guardia per la serie, che è stata
definita da Stallone per più di 40 anni. Tuttavia, per mantenere la
serie Rambo in vita indefinitamente, un nuovo attore avrebbe
comunque dovuto assumere il ruolo alla fine.
Ci sono film che vanno
raccontati con cautela, perché svelarne troppo significa privare lo
spettatore del loro incanto. The Life of Chuck, diretto da
Mike Flanagan e tratto dall’omonimo
racconto di Stephen King, appartiene a questa categoria
rara. È un’opera che non si lascia incasellare facilmente: non è un
dramma convenzionale, non è una commedia, non è un film
catastrofico né un biopic in senso classico. È, piuttosto, una
sinfonia cinematografica che si dispiega in tre “movimenti”,
proprio come una composizione musicale.
Questa scelta strutturale
riflette la natura stessa del racconto originale di King, che non
segue una linearità narrativa tradizionale. Flanagan, fedele
interprete dell’universo kinghiano (già dietro a Doctor
Sleep e alla serie The Haunting of Hill
House), traduce questa fluidità in immagini, restituendo al
pubblico un’esperienza che è tanto emotiva quanto
intellettuale.
Primo movimento:
l’Apocalisse
Il film si apre con un
mondo che sembra avviato verso la fine. Internet collassa,
l’energia elettrica si spegne, il pianeta sembra ribellarsi ai suoi
abitanti. Catastrofi naturali e tecnologiche si susseguono come
presagi di un epilogo ineluttabile. In questo contesto incontriamo
Marty (Chiwetel
Ejiofor) e Felicia (Karen
Gillan), che un tempo erano sposati e che ora si
ritrovano in mezzo al caos.
Flanagan costruisce qui
un’atmosfera sospesa: mentre le notizie apocalittiche si
moltiplicano, immagini enigmatiche di un uomo, Chuck Krantz,
compaiono ovunque. Manifesti, schermi, cartelloni: tutti invitano a
ringraziarlo per “39 meravigliosi anni”. Ma chi è Chuck? Perché il
mondo deve ringraziarlo? L’interrogativo resta sospeso, e la forza
di questa prima parte sta proprio nel non dare risposte immediate,
ma nel seminare un mistero che vibra di inquietudine e fascino.
Secondo movimento: il
cuore di The Life of Chuck
Il secondo movimento
rappresenta il centro pulsante del film. Qui incontriamo finalmente
Chuck adulto, interpretato con sorprendente delicatezza da
Tom Hiddleston. La scena chiave è una sequenza quasi
surreale: Chuck si ferma davanti a un percussionista di strada e
improvvisa un numero di danza sulle sue battute. È un momento
leggero, gioioso, apparentemente insignificante. Ma come spesso
accade nei lavori di Flanagan, dietro la semplicità si nasconde una
profondità abissale.
Chuck invita una
sconosciuta, Janice (Annalise Basso), a unirsi a lui. I due
ballano, si lasciano andare, creano un legame improvviso e fugace
che rimarrà impresso nello spettatore. È un momento che parla della
vita in senso universale: l’importanza dell’attimo, della
spontaneità, della scelta di esserci davvero. È forse la scena più
memorabile del film, quella che rimane negli occhi e nel cuore
anche molto dopo i titoli di coda. Qui Hiddleston regala una
performance misurata e magnetica: non un eroe larger-than-life, ma
un uomo comune che riesce a trasformare la banalità in poesia.
Il finale ci porta
indietro nel tempo, all’infanzia e all’adolescenza di Chuck. È un
capitolo che amplia il respiro narrativo, mostrando come ogni vita
sia un mosaico di istanti, decisioni e ricordi. In questo segmento
spiccano i nonni di Chuck, interpretati da Mark Hamill e
Mia Sara.
Hamill dona al nonno una
gravitas quasi biblica, un uomo guidato da valori forti ma
non sempre dai migliori consigli. Sara, invece, incarna con
dolcezza e vitalità la nonna, amante della danza e custode di una
saggezza fatta di leggerezza. Questa sezione del film ha il sapore
malinconico dei ricordi che scorrono rapidi: ciò che da bambini
sembra eterno, da adulti si riduce a pochi fotogrammi
brucianti.
Flanagan riesce così a
chiudere il cerchio, collegando i frammenti precedenti e dando al
mosaico di Chuck un senso di completezza. Non una risposta
definitiva, ma una risonanza emotiva che invita lo
spettatore a riflettere sulla propria vita.
The Life of Chuck
è stato spesso presentato come un film di fantascienza. In realtà,
le etichette qui stanno strette. Certo, ci sono elementi
apocalittici e atmosfere che rimandano al Vonnegut di
Mattatoio n° 5, ma l’opera di Flanagan è più
vicina a un racconto esistenziale. Non ci troviamo davanti a un
enigma da risolvere, ma a un prisma narrativo: ogni spettatore può
riflettervi dentro il proprio significato, le proprie emozioni, i
propri ricordi.
Le influenze
cinematografiche sono molteplici: da La vita è meravigliosa
a Amélie. Ma Flanagan non si limita a citare: costruisce
un’opera personale, calda, intima, in cui l’elemento soprannaturale
o misterioso non serve a spaventare, bensì a illuminare. L’autore
conferma la sua abilità nel maneggiare il materiale di King senza
ridurlo a un esercizio di genere. Qui non c’è horror, non ci sono
mostri né fantasmi. C’è piuttosto il mistero più grande di tutti:
la vita stessa, con i suoi momenti fugaci e irripetibili.
Emozionante, enigmatico e
sorprendentemente luminoso, The Life of Chuck è un’opera che
invita a ballare, anche solo per un istante, nel mezzo del
caos.
Dopo quasi due anni di attesa,
Gen V
Stagione 2 arriva sugli schermi caricandosi di aspettative
altissime. Non è solo il ritorno del primo e finora unico spin-off
di The
Boys, ma anche un capitolo segnante per il franchise,
reso ancora più delicato dalla tragica scomparsa di Chance Perdomo. L’attore, che interpretava
Andre, è morto a soli 27 anni in un incidente motociclistico poco
prima delle riprese. Il tributo che apre la stagione, con la dedica
a lui, non è solo un omaggio commovente, ma anche una dichiarazione
di intenti: questa stagione sarà inevitabilmente segnata
dal tema della perdita, dentro e fuori dallo schermo.
Lo show riesce a trasformare questa
assenza in un motore narrativo. La morte di Andre non è
liquidata come una nota a margine, ma diventa parte integrante del
percorso dei protagonisti. È un gesto che onora l’attore e
rende più autentico il dolore dei personaggi, creando un
parallelismo tra finzione e realtà che dà alla serie una profondità
inattesa.
L’ombra lunga di Vought e il peso
della continuità
Il mondo di Gen V Stagione
2 riparte esattamente dal punto in cui eravamo rimasti:
Marie, Emma, Jordan e gli altri sono reduci dalla ribellione contro
Vought e dal tentativo di fuga dal sinistro “God U”. Il nuovo
scenario è quello della prigione Elmira, simbolo del controllo
soffocante dell’onnipresente multinazionale. Qui scopriamo che
Andre è morto in un tentativo di evasione, mentre Marie riesce a
fuggire da sola, e Cate ottiene la liberazione degli altri grazie a
una trattativa con Vought.
Certo, la coerenza narrativa non è
il punto forte di questa stagione. Alcuni passaggi sembrano
forzati, come la rapidità con cui i protagonisti tornano in scena
nonostante fossero stati marchiati come traditori. Tuttavia, la
serie sceglie consapevolmente di non perdersi in spiegazioni:
l’importante è mantenere il ritmo, spingere avanti la trama e non
lasciare che i cavilli logici rallentino l’azione. È un approccio
spudorato, ma funziona, perché la forza di Gen V Stagione
2 non sta nelle giustificazioni ma nella capacità di
costruire tensione e conflitti sempre più intensi.
A emergere con forza è la figura di
Cipher, il nuovo decano interpretato da Hamish
Linklater. Enigmatico e inquietante, rappresenta la faccia
apparentemente liscia ma segretamente corrotta del potere di
Vought. Se la prima stagione si era concentrata sul virus in grado
di colpire i super, la seconda sposta il focus su Project Odessa,
un’iniziativa misteriosa che lega Marie e le origini stesse di
Godolkin. Una mossa che rafforza il legame con la mitologia di
The
Boys e amplia la portata dello spin-off.
Gen V Stagione 2: tra satira
universitaria e dramma personale
Una delle caratteristiche che aveva
reso la prima stagione irresistibile era la satira spietata del
mondo universitario. Le confraternite, la competizione tra
studenti, l’ossessione per i social media: tutto filtrato dalla
lente grottesca di un universo in cui i giovani sono manipolati e
sfruttati da un’azienda senza scrupoli.
Gen V Stagione 2 – Cortesia Prime Video
In Gen V Stagione
2, questo elemento non scompare, ma si ridimensiona.
Vediamo Sam alle prese con una confraternita supe e Emma alle prese
con una lezione di marketing da parte di un’influencer dalle ali di
farfalla, ma questi inserti hanno meno spazio rispetto al passato.
La serie sceglie di accelerare la trama principale, sacrificando un
po’ di quella freschezza satirica che l’aveva distinta.
A compensare, però, c’è un
approfondimento emotivo dei personaggi. Marie prosegue la sua
ricerca della sorella, un filo conduttore che mette in luce la sua
vulnerabilità dietro i poteri cruenti che controlla. Emma affronta
la sua lotta con i disturbi alimentari in modo meno metaforico e
più autentico, rendendo finalmente credibile la connessione tra i
suoi problemi interiori e la sua abilità di rimpicciolirsi. Anche
Cate, schiacciata dal senso di colpa, è al centro di una
riflessione dolorosa sul perdono e sulla responsabilità.
Lo spettro di The Boys e il futuro
incerto dello spin-off
Un aspetto evidente di Gen V
Stagione 2 è l’aumento dei legami diretti con The
Boys. Cameo importanti come quello di Sister
Sage e Starlight non sono solo fan
service, ma segnali di una progressiva fusione delle due linee
narrative. È come se Gen V smettesse di essere un
“derivato” per trasformarsi in un capitolo intermedio della saga
principale.
Questo ha i suoi vantaggi: la storia
si arricchisce, le minacce si fanno più grandi e coerenti, e lo
spettatore ha la sensazione di assistere a un mosaico narrativo in
cui ogni tassello si incastra. Tuttavia, c’è anche un rovescio
della medaglia: Gen V rischia di perdere la sua
identità, diventando troppo dipendente dal mondo madre. La satira
universitaria, la freschezza dei personaggi, la voglia di osare, si
diluiscono man mano che il focus si sposta sull’epica più ampia del
franchise.
Gen V Stagione 2 – Cortesia Prime Video
Eppure, nonostante queste criticità,
la stagione funziona. Non è forse al livello folgorante del
debutto, ma resta una serie vibrante, capace di unire umorismo
nero, azione brutale e momenti di autentica commozione.
Soprattutto, riesce a parlare ai fan in un linguaggio emotivo:
il lutto per Perdomo diventa parte della narrazione e
permette agli spettatori di condividere con il cast un processo di
elaborazione collettiva.
Un passo meno sicuro, ma ancora
potente
Gen V Stagione 2
perde un po’ della sua identità, si affida a scorciatoie narrative
e riduce la carica satirica che l’aveva resa speciale. Ma compensa
con una scrittura emotiva più intensa, un villain intrigante e un
legame sempre più stretto con l’universo di The
Boys. La morte di Chance Perdomo pesa come un macigno,
ma la serie riesce a trasformarla in una componente narrativa
potente, rendendo il ricordo dell’attore parte integrante
dell’esperienza visiva. La sua progressiva fusione con la serie
madre non fa che impreziosirne la natura così originale, senza
togliere però lo spazio a questi irresistibili protagonisti per
crescere e raccontarsi allo spettatore.
Il futuro dello spin-off è incerto,
soprattutto con The
Boys vicino alla conclusione e altri progetti già
annunciati. Ma se questa dovesse essere l’ultima stagione,
Gen V Stagione 2 avrebbe comunque centrato
l’obiettivo: lasciare il segno con un racconto di giovani eroi
imperfetti, che combattono non solo contro mostri esterni ma anche
contro i propri demoni interiori.
Gen V Stagione 2 – Cortesia Prime Video
I primi tre episodi di Gen V Stagione
2 saranno disponibili in streaming su Prime Video dal 17
settembre, mentre gli episodi rimanenti andranno in onda ogni
settimana, il mercoledì.
Come ogni attore del MCU, Tom
Hiddleston è famoso oltre l’inverosimile. Ma forse anche di
più: non solo è Loki, ma è anche uno
degli attori chiamati continuamente in causa quando si parla del
prossimo James
Bond. Ha ricevuto un’istruzione di tutto rispetto, ha
frequentato Taylor Swift, ha lavorato in un blockbuster dopo
l’altro.
Tom Hiddleston è sempre sulla
bocca di tutti. Ma c’è qualcosa che non sapete su di lui? Ecco
dieci curiosità sull’attore:
Tom Hiddleston: film e
carriera
1. Tom Hiddleston ha frequentato
Eton College con il Principe William e Eddie Redmayne. Quando
Tom ha frequentato la prestigiosissima scuola, il Principe William
era un anno più sotto di lui. Non sembra che siano amici, ma
Hiddleston ha un’altra amicizia famosa dai tempi della scuola:
Eddie Redmayne. I due sono andati a scuola insieme, e sono
amici da più di vent’anni. Ma le scuole prestigiose frequentate da
Tom Hiddleston non finiscono qui: dopo Eton, ha studiato
all’Università di Cambridge, per poi studiare recitazione in una
delle scuole più prestigiose del Regno Unito, la Royal Academy of
Dramatic Arts.
2. Tom Hiddleston ha cominciato
a recitare per affrontare il divorzio dei genitori. All’epoca
di Eton, i genitori di Tom stavano attraversando il periodo del
divorzio, che lui trovò davvero difficile. Inoltre, frequentando
una scuola per soli maschi, trovava difficile esprimere i propri
sentimenti. In un’intervista con The Sun, ha raccontato:
“C’è un certo livello di spavalderia che devi mantenere, o
vieni preso di mira. Io ero davvero turbato, e probabilmente
triste, vulnerabile e arrabbiato. Recitare mi dava l’opportunità di
esprimere questi sentimenti in modo sicuro”.
3. Tom Hiddleson: i film e la
carriera. Durante l’università, Tom Hiddleston fu notato
dall’agenzia Hamilton Hodell, in occasione di una produzione di
Un treno chiamato desiderio alla quale aveva preso parte, e
firmò un contratto con loro. In seguito, recitò per la prima volta
in televisione in The Life and Adventures of Nicholas
Nickleby (2001), e al cinema in Unrelated (2007). La
svolta arrivò quando Tom Hiddleston interpretò Loki in Thor
(2011), e poi ancora in The Avengers (2012), Thor: The Dark World (2013),
Thor: Ragnarok (2017), e Avengers: Infinity War
(2018). Al di fuori del franchise, ha recitato sia a teatro che in
diversi film, tra cui War Horse (2011), The Deep Blue
Sea (2011), Midnight in Paris (2011),
Solo gli amanti sopravvivono (2013), Muppets 2 –
Ricercati (2014), Crimson Peak (2015),
Kong: Skull Island
(2017), I primitivi (2018). Inoltre, nel 2016 ha
recitato nella serie televisiva The Night Manager (2016). Nel 2018 l’attore è stato
protagonista è tornato nei panni di Loki in Avengers: Infinity War.
Nel 2019 riprende la parte di Loki
in Avengers: Endgame, epilogo della saga dell’infinito del Marvel Cinematic
Universe. Nel 2021 l’attore è stato il protagonista
della nuova serie tv Loki
in arrivo su Disney+. La serie
fa parte del nuovo universo esteso seriale della Marvel per la piattaforma
streaming Disney. L’attore nello stesso anno ha interpretato
Will Ransome al fianco di
Claire Danes nell’annunciata serie The Essex Serpent. Nel
2024/2025 ha interpretato il protagonista nel film The Life of Chuck, adattamento di Mike
Flanagan da Stephen King, con uscita estiva 2025. Tra i suoi
progetti futuri ci sono il biopic Tenzing (2025) in cui sarà Edmund Hillary, e Avengers: Doomsday (previsto
per il 2026), dove riprenderà il ruolo di Loki.
Tom Hiddleston è Loki
4. Le prime scene con Thor
sono state piuttosto dolorose. Se pensate che le
battaglie tra il Thor di
Chris Hemsworth e Tom Hiddleston nei panni di Loki abbiano
l’aria particolarmente realistica, è perché sono state più o meno
reali. Sembra infatti che, durante le riprese delle scene di lotta
per Avengers, il regista Josh Whedon abbia detto a Hemsworth
e Hiddleston che la loro scena non sembrava abbastanza reale. In
nome del realismo, quindi, Tom ha dato il permesso al collega di
colpirlo davvero, convincendolo del fatto che il costume di scena
elaborato lo avrebbe protetto dal colpo. E ha funzionato. Tom
Hiddleston se l’è cavata con qualche livido qua e là, e la
battaglia tra Loki e Thor è fantastica. L‘attore riprenderà
il ruolo di LOKI da protagonista della nuova serie tv Loki
in arrivo su Disney+.
5. Inizialmente, Tom
Hiddleston aveva fatto il provino per il ruolo di Thor.
Durante un’intervisto, Tom Hiddleston ha raccontato di aver
inizialmente fatto l’audizione per il ruolo di Thor. Per il
provino, ha acquisito circa dieci chili di muscoli, in
preparazione. Quando il direttore del cast e il regista lo videro,
però pensarono subito che fosse perfetto per il ruolo di Loki, e
gli chiesero di interpretare quel ruolo.
6.Tom Hiddleston ha recitato in
una pubblicità censurata. Grazie alla popolarità arrivata con i
film del MCU, Tom Hiddleston si è fatto strada anche nelle
pubblicità di lusso come quella della Jaguar. L’attore, insieme ad
altri inglesi famosi per aver interpretato i cattivi di turno, è
apparso in una serie di pubblicità per la F-Type Coupé, dallo
slogan: “Good to Be Bad”. In Inghilterra, però, la pubblicità fu
censurata, dopo che gruppi di genitori si sono lamentati perché, a
quanto pare, incitava a guidare irresponsabilmente.
Tom Hiddleston in Crimson
Peak
7. Tom Hiddleston non era la
prima scelta per Crimson Peak. L’horror del 2015 permise
a Hiddleston di uscire ancora al di fuori del MCU, in un ruolo da
protagonista che non avesse nulla a che fare con il franchise. Tom
Hiddleston, in Crimson
Peak, funziona benissimo grazie al proprio fascino un po’
tetro, ma non era in realtà la prima scelta per il ruolo. Tom
subentrò in realtà a
Benedict Cumberbatch, che dovette rinunciare al ruolo.
Inizialmente, si vociferò che l’avesse lasciato per un ruolo in
Star
Wars, ma l’attore ha poi di aver rinunciato al progetto per
delle divergenze creative con il regista Guillermo Del Toro.
Tom Hiddleston su Instagram
8. Tom Hiddleston, Instagram nel
2016. Tom Hiddleston si è unito a Instagram solamente nel 2016.
Arrivò con un selfie nei panni di Loki e, nel giro di sette ore, la
foto ottenne più di 60.000 like e l’account aveva già all’incirca
300.000 follower. Ora, @twhiddleston ha 5.2 milioni di follower,
anche se lui ha solamente 17 post e segue 32 persone, e sembra che
non lo usi più dal marzo 2017.
Tom Hiddleston e Taylor Swift
9. La relazione tra Tom
Hiddleston e Taylor Swift e le “teorie complottiste”. Non ha
molto senso, ma all’epoca i tabloid ci sono andati pesante con
la relazione tra Tom Hiddleston e Taylor Swift,
accusandoli del fatto che questa fosse in realtà tutta una
montatura. Sembra che ci fossero sei teorie a riguardo, e una di
queste dice che la relazione tra i due fosse cominciata per
promuovere il nuovo album di Taylor: infatti, sembra che i due
siano stati visti insieme su set di un video musicale piuttosto
elaborato, anche se tale video non vide mai la luce. Altre teorie
hanno a che fare con James Bond. Come tanti altri attori inglesi
attraenti, Tom è stato oggetto di pettegolezzi riguardanti il ruolo
di James Bond, e le teorie in
questione sostengono che la relazione tra i due fosse tutto un
complotto per diventare parte del franchise, con Tom nel ruolo di
Bond e Taylor nei panni della nuova Bond Girl.
Tom Hiddleston: la fidanzata
10. Le fidanzate di Tom
Hiddleston. Per anni Tom Hiddleston è stato al centro di
numerosi gossip. Nel 2008 ha avuto una relazione con l’attrice
Susannah Fielding, terminata nel 2011. Negli anni successivi gli
sono stati attribuiti flirt con Kat Dennings, Jessica Chastain, Lara Pulver ed Elizabeth Olsen, tutti mai confermati. Nel
2016 la sua storia più mediatica è stata quella con Taylor Swift,
durata pochi mesi ma seguitissima dalla stampa.
Dal
2022, però, Hiddleston vive una relazione stabile con l’attrice e
drammaturga britannica Zawe
Ashton, conosciuta a teatro e vista di recente in
The Marvels. La coppia ha
accolto il loro primo figlio alla fine del 2022 e continua a
mantenere la vita privata lontana dai riflettori. Al momento (2025)
non risultano sposati, ma sono considerati una delle coppie più
solide del panorama britannico.
Il regista di The
Batman, Matt Reeves, ha recentemente
annunciato di aver finalmente completato la sceneggiatura del tanto
atteso sequel, scritto insieme al co-sceneggiatore Mattson
Tomlin. La gradita notizia è arrivata nel bel mezzo delle
preoccupazioni che il film, che per il momento sembra avere il
titolo ufficiale The
Batman – Parte II, potesse essere stato cancellato o
subire un altro significativo ritardo, con ulteriori speculazioni
secondo cui i co-direttori dei DC Studios James Gunn e Peter Safran
starebbero ancora cercando di capire come gestire la presenza di
più Batman al cinema.
Qualunque sia il futuro del
BatVerse, avremo almeno un altro film con il Cavaliere Oscuro
interpretato da Robert Pattinson in quella che ora sarà
definita una storia Elseworlds. Ora Reeves ha condiviso diversi
aggiornamenti incoraggianti sul red carpet degli Emmy Awards.
Sebbene abbia rifiutato di rivelare dettagli specifici sulla trama,
ha confermato che la produzione dovrebbe iniziare all’inizio del
prossimo anno.
“Stiamo iniziando. Stiamo
assumendo personale. Stiamo ricominciando a riunire la nostra
troupe. Ci stiamo preparando. Stiamo praticamente entrando nella
fase di pre-produzione. Gireremo il film in primavera… siamo super
entusiasti”, ha detto a THR. Il regista ha
poi aggiunto: “Considerando com’era il primo film e com’è The
Batman – Parte II, che è molto più una detective story, l’idea di
cercare di proteggere i segreti del film è estremamente importante
perché si tratta di un mistero”.
“Sarebbe una delusione ancora
più grande se quella parte cominciasse a trapelare. Vogliamo
mantenere la sorpresa in modo che i fan… possano vivere
l’esperienza divertente che io ho sempre amato quando andavo al
cinema, ovvero andare al cinema ed essere sorpreso“. Reeves ha
anche confermato che
Pattinson ha ormai letto la sceneggiatura, che gli è stata
consegnata in una busta altamente sicura che richiedeva un codice
separato per essere aperta, e che è rimasto molto soddisfatto della
storia, che apparentemente porterà l’iconico eroe della DC Comics
“in una direzione che non abbiamo mai visto prima“.
Tutto quello che sappiamo su
The Batman – Parte II
The
Batman – Parte II è uno dei film più attesi del nuovo
panorama DC, ma il suo percorso produttivo non è stato privo di
ostacoli. Inizialmente previsto per ottobre 2025, il sequel diretto
da Matt Reeves è stato rinviato al 1°
ottobre 2027. I ritardi sono stati giustificati da
esigenze legate alla scrittura della sceneggiatura e al calendario
riorganizzato della DC sotto la nuova guida di James Gunn e Peter Safran,
che stanno ristrutturando l’intero universo narrativo. Nonostante
ciò, Reeves ha confermato che
le riprese inizieranno nella primavera
2026 e Gunn ha recentemente letto la
sceneggiatura, definendola “grandiosa”, un segnale incoraggiante
per i fan.
Sul fronte del cast, è confermato il
ritorno di Robert Pattinson nei panni di Bruce
Wayne/Batman, all’interno dell’universo narrativo alternativo noto
come “Elseworlds”, separato dal DCU principale. Dovrebbero tornare anche Jeffrey Wright come il commissario Gordon e
Andy Serkis nel ruolo di Alfred. I rumor più
insistenti ruotano attorno alla possibile introduzione di
Harvey Dent/Due Facce e Clayface (che avrà inoltre un film tutto suo)
come villain principali, anche se nulla è stato ancora
ufficializzato. C’è chi ipotizza un ampliamento del focus sulla
corruzione sistemica di Gotham, riprendendo i toni noir e
investigativi del primo capitolo, con Batman sempre più immerso in
un mondo in cui la linea tra giustizia e vendetta si fa
sottile.
Per quanto riguarda la
trama, le indiscrezioni suggeriscono un’evoluzione
psicologica per Bruce Wayne, alle prese con le conseguenze delle
sue azioni e un Gotham sempre più caotica, anche dopo gli eventi
della serie spin-off The
Penguin con Colin Farrell (anche lui probabile membro del
cast). Alcune fonti parlano di un possibile scontro morale con
Harvey Dent, figura ambigua per eccellenza, o di un Batman
costretto a confrontarsi con i limiti del suo metodo. Al momento,
tutto è però ancora avvolto nel riserbo, ma la conferma della
sceneggiatura completa e approvata lascia ben sperare per l’inizio
delle riprese entro l’autunno e per un sequel che promette di
essere ancora più cupo, ambizioso e introspettivo.
Reeves spera naturalmente che il suo
prossimo film su Batman abbia lo stesso successo del primo.
The Batman del 2022 ha avuto un’ottima performance
al botteghino, incassando oltre 772 milioni di dollari in tutto il
mondo e ottenendo un ampio consenso da parte della critica. Queste
recensioni entusiastiche sono state portate avanti nella stagione
dei premi, visto che il film ha ottenuto quattro nomination agli
Oscar. Nel frattempo, Reeves ha espanso la serie DC
Elseworld con la già citata serie spin-off di Batman,
The Penguin, disponibile su Sky e NOW, per
l’Italia.
Ci sono molti collegamenti nascosti
nel finale di The
Life of Chuck. Il film, scritto e diretto da Mike
Flanagan, è un adattamento dell’omonimo romanzo breve di
Stephen King, ed è il terzo adattamento cinematografico
dell’opera del prolifico autore dopo Gerald’s Game e
Doctor Sleep. Il cast del film include Tom Hiddleston nel ruolo del contabile Chuck
Krantz, affiancato da un nutrito gruppo di attori che comprende
Chiwetel Ejiofor,
Karen Gillan, Matthew Lillard, Carl Lumbly, Mark Hamill,
Antonio Raul Corbo, Nick Offerman e Annalise Basso, oltre
a Jacob Tremblay, Benjamin Pajak e Cody Flanagan
nei panni delle versioni più giovani di Chuck.
Il cast di The Life of Chuck
è così ricco perché il film racconta tre storie apparentemente
quasi del tutto scollegate, andando a ritroso nel tempo. La
prima, l’Atto 3, presenta uno scenario apocalittico in cui la fine
dell’universo è salutata da cartelloni pubblicitari e annunci che
ringraziano Chuck Krantz per 39 anni fantastici. La seconda, l’Atto
2, è incentrata su Chuck stesso che, ispirato dal tamburellare di
un musicista di strada, inizia a ballare improvvisamente con uno
sconosciuto. La terza, l’Atto 3, esplora l’infanzia di Chuck e i
suoi primi incontri con la morte e la danza, a partire dall’essere
rimasto orfano a causa di un devastante incidente d’auto.
Cosa succede nel finale di The
Life of Chuck?
La vita e la morte di Chuck
chiudono il cerchio
Mentre il primo atto procede
generalmente in avanti nel tempo, il finale di The Life of
Chuck segna comunque uno dei momenti iniziali della linea
temporale del film di Stephen King, perché termina con Chuck al terzo
anno delle superiori. Dopo essere stato messo in guardia dal cupola
nella casa dei suoi nonni, che suo nonno Albie (Mark
Hamill) dice essere piena di fantasmi di cose ancora
da venire, coglie finalmente l’occasione per indagare sulla stanza
dopo che Albie muore per un attacco di cuore. Mentre è lì, vede
una visione di se stesso da adulto in un letto d’ospedale, che
muore lentamente.
Tuttavia, invece di disperarsi per
la sua morte in quella che gli sembra un’età relativamente giovane,
impara una lezione dal nonno che lo avverte che la terribile
anticipazione della morte di una persona cara è la parte più
difficile dell’esperienza. In quel momento, decide di dimenticare
completamente ciò che ha appena visto e di abbracciare la
meraviglia della vita, lasciando che finisca quando sarà il suo
momento e apprezzando ciò che accade tra quel momento e la sua
morte finale, in particolare i momenti in cui può essere
meraviglioso, come il ballo nel secondo atto.
Il film parla della vita
piuttosto che della morte
Sebbene all’inizio possa sembrare
poco chiaro, ci sono diversi motivi importanti per cui la storia di
The Life of Chuck è raccontata in ordine inverso. Il primo è
che il terzo atto presenta un mistero che è aggravato dal secondo
atto, apparentemente non correlato, prima che il primo atto
risolva la maggior parte di quei nodi e spieghi la maggior
parte di ciò che è accaduto fino a quel momento. Senza questa
struttura, la storia mancherebbe del mistero essenziale per
esplorare le profondità sconosciute della vita e della morte.
L’altra ragione importante per cui
il primo atto della storia di Stephen King viene per ultimo è che
sarebbe del tutto sbagliato che il film finisse con la morte di
Chuck. Proprio come Chuck stesso, al pubblico viene presentata una
visione della sua morte molto prima che si comprenda il suo esatto
significato. Tuttavia, come dichiara il titolo, il film parla
della vita di Chuck piuttosto che della sua fine, esplorando i
modi in cui la fatidica decisione che ha preso nella cupola gli ha
permesso di abbracciare la vita, influenzare le persone che lo
circondavano e essere influenzato da loro in cambio.
L’atto 1 rivela dove si svolge
effettivamente l’atto 3
Una delle cose più importanti
che viene spiegata nell’atto 1 di The Life of Chuck è
l’evento apocalittico raffigurato nell’atto 3. Questa
spiegazione è fornita dalla filosofia dell’insegnante di Chuck, la
signorina Richards (Kate Siegel), che lei condivide con lui dopo
l’ultima lezione prima delle vacanze estive. Quando spiega cosa
intendeva Walt Whitman quando scrisse “Io contengo
moltitudini”, lei suggerisce che tutto ciò che una persona vede
e immagina costruisce un universo nella sua testa. È la distruzione
di quell’universo che viene descritta nel terzo atto.
Il lento sgretolarsi dell’universo
descritto nel terzo atto è il risultato della lunga e debilitante
malattia di Chuck.
Pertanto, nulla di ciò che
accade nel terzo atto è tecnicamente “reale”, tranne la scena
in cui Chuck riceve la visita della moglie (Q’orianka Kilcher) e
del figlio (Antonio Raul Corbo) sul letto di morte. L’universo che
viene distrutto nella storia è quello che Chuck ha costruito nella
sua mente nel corso di 39 anni, assemblando frammenti di luoghi in
cui è stato realmente (come la casa dei nonni) e persone che ha
conosciuto o visto (tra cui un insegnante della scuola elementare e
l’avvocato che si occupava del patrimonio del nonno), insieme a
elementi che non sono mai esistiti.
Qual è l’importanza della
cupola nella vita di Chuck?
Ha una profonda risonanza
simbolica
Oltre ad aggiungere un elemento di
realismo magico che permette a Chuck di avere un preavviso della
propria morte, la cupola ha un enorme significato metaforico nella
storia. In primo luogo, la sua posizione in cima alla casa la fa
assomigliare a una divinità, che esiste al di sopra della vita
mortale e racchiude segreti terribili e inconoscibili. Il fatto che
la cupola sia una stanza chiusa a chiave nel profondo della casa è
anche una potente metafora visiva del modo in cui Chuck deve
tenere la sua consapevolezza della morte chiusa a chiave nella
sua mente, per evitare che gli impedisca di godersi la gioia di
vivere.
Il vero significato della vita
di Chuck
Ci sono molti temi sia nel
romanzo che nel film
Poiché La vita di Chuck
abbraccia l’intera durata di una vita, ci sono molti temi sotto la
superficie. Uno dei più importanti è l’interconnessione
fondamentale dell’umanità. Il film sottolinea il valore
dell’interazione con gli altri e della trasmissione delle loro
passioni e gioie. Il filo conduttore principale che esplora questo
tema è il fatto che Chuck ha imparato a ballare da sua nonna (Mia
Sara) e ha continuato a usare questa abilità per migliorare la vita
di chi lo circonda, tra cui la sua compagna di classe Cat (Trinity
Bliss) e la sconosciuta Janice (Annalise Basso), appena lasciata,
dell’atto 2.
Il ballo di Chuck e Janice genera
anche un enorme guadagno per il musicista di strada Taylor (Taylor
Gordon).
Un tema direttamente collegato a
questo elemento di The Life of Chuck è
l’importanza delle vite ordinarie. Oltre a rappresentarlo
attraverso le azioni di Chuck, il film lo sottolinea ulteriormente
con il monologo di Albie su come il suo lavoro di contabile possa
non essere affascinante, ma possa salvare la vita dei suoi clienti.
Altri temi esplorati nel film di Mike Flanagan includono
l’accettazione dell’inevitabilità della morte, il potere di
abbracciare il momento, la capacità dell’umanità di essere
resiliente anche nelle circostanze più disperate e molti altri.
Colin Farrell è
uno degli attori più brillanti degli ultimi anni, capace di
dimostrare al mondo le sue qualità attoriali, il suo fascino
irlandese e tutte le sue sfaccettature. L’attore ha svolto una
lunga gavetta per arrivare dove è ora, ha saputo scegliere ruoli
iconici che lo hanno fatto rimanere nell’immaginario collettivo e
ha saputo conquistare una gran fetta di pubblico. Ecco,
allora, 10 cose da sapere su Colin Farrell.
Colin Farrell: i suoi film
1. Colin Farrell: i film
e la carriera. La carriera di Farrell inizia nel 1995
quando appare, seppur non accreditato, nei film Frankie delle
stelle e La scomparsa di Finbar. Comincia a lavorare
assiduamente nel cinema con film come Zona di guerra
(1999), Tigerland (2000), Minority Report (2002),
Daredevil (2003), Alexander (2004), The New
World – Il nuovo mondo (2005) e Sogni e delitti
(2007). La sua carriera continua con i film Parnassus – L’uomo
che voleva ingannare il diavolo (2009), London
Boulevard (2010), Come ammazzare il capo… e vivere felici (2011),
7 psicopatici (2012) e Saving Mr. Banks (2013). Tra i suoi ultimi lavori, vi
sono Storia d’inverno (2014), Miss Julie (2014), The Lobster (2015), Animali fantastici e dove trovarli (2016), L’inganno (2017), Il sacrificio del cervo sacro (2017), Widows – Eredità criminale (2018) e Dumbo (2019). Nel 2020 ha interpretato Artemis
Fowl Sr. in Artemis
Fowl, Simon in Ava. Nel 2021 è stato Richard in Voyagers,
Jake in After Yang. Nello stesso anno sarà inoltre Henry
Drax nella miniserie The North Water. Il 2022 è stato un
anno importante per Colin Farrell che ha
interpretato Oz Cobb in The Batman
di Matt Reeves e soprattutto Pádraic Súilleabháin, protagonista di
Gli spiriti dell’isola, film che gli è valso la
Coppa Volpi a Venezia 79 e la nomination come
migliore attore protagonista agli Oscar 2023. Nel 2024 è stato
protagonista della serie Apple
Tv+Sugar, mentre alla fine del 2024 è arrivata su Sky
e NOW (HBO negli Stati Uniti) la serie Spin-off di The
Batman, The
Penguin, in cui riprende il personaggio di Oz
Cobb.
Tra i titoli più recenti già
annunciati ci sono Ballad of
a Small Player (2025), thriller Netflix diretto da Edward Berger, e A Big Bold Beautiful Journey (2025) con
Margot Robbie. La sua performance in
Gli spiriti dell’isola
(2022) gli ha garantito la Coppa Volpi e una nomination all’Oscar
come miglior attore protagonista.
Colin Farrell è stato The Penguin, ovvero Oswald Cobblepot
Nel
2022 Colin Farrell ha trasformato radicalmente il proprio aspetto
per interpretare Oswald “Oz” Cobblepot, alias The
Penguin, nel film The
Batman di Matt Reeves. Grazie a un trucco prostetico
sorprendente e a un lavoro di recitazione minuzioso, l’attore è
diventato irriconoscibile, ricevendo elogi unanimi da critica e
pubblico.
Il
successo di quella performance ha portato HBO / Max a sviluppare
uno spin-off dedicato al personaggio: The Penguin, uscito su Sky e NOW in Italia a
fine 2024. La serie segue l’ascesa criminale di Oz Cobblepot nel
vuoto di potere lasciato da Carmine Falcone e prepara il terreno
per The Batman – Part II. Farrell, anche
produttore esecutivo del progetto, ha dichiarato che la serie gli
ha permesso di esplorare un lato più intimo e tragico del villain,
arricchendo la mitologia di Gotham e consolidando il suo status di
attore camaleontico.
2. Non solo attore, ma
anche doppiatore e produttore. Nel corso della sua
carriera, Colin Farrell non ha vestito solo i panni dell’attore:
infatti, ha svolto anche l’attività di doppiatore per i film
Kicking It (2008) ed Epic – Il mondo segreto
(2013). Inoltre, l’attore ha svolto anche l’attività di produzione
per i film Kicking It e Triage (2009).
Colin Farrell: True Detective
3. Ha dovuto mettere su
peso. Per interpretare il ruolo del poliziotto corrotto, è
stato necessario
ingrassare. Tuttavia, stando alle parole dell’attore, questo
processo non è stato privo di fatica: “ Le persone pensano che deve
essere divertente mangiare ciò che vuoi, e lo è, il primo giorno.
Al secondo, quando sei già al tuo secondo cheeseburger con patatine
fritte e un frullato al cioccolato alle 11 del mattino, non lo è
poi tanto”.
4. Ha amato il suo
personaggio. Colin Farrell ha ammesso di aver adorato fare
True Detective e di aver avuto un vero
amore per il suo personaggio: “Da uomo, era l’equivalente umano di
un paio di scarpe abbattute, era nato da un’America che faceva
parte di un’epoca passata, anche da un personaggio molto
conflittuale. C’erano un sacco di questioni davvero umane in gioco
e lui aveva un sacco di scene incredibilmente drammatiche con cui
ho avuto il tempo e modo di confrontarmi”.
Colin Farrell fidanzata
5. Colin Farrell si è
sposato una volta e ha avuto una moglie. Nel corso della
sua vita, l’attore ha avuto diverse fidanzate, arrivando a sposarsi
con la collega Amelia Warner, con cui si era
fidanzato nel 2001. Tuttavia, il matrimonio polinesiano non aveva
valore.
6. Ha avuto diverse
relazioni. Tra flirt e frequentazioni di Colin Farrell, si
citano quelle con la modella Kim Bordernave, da
cui ha avuto il figli James Padraig, nato nel
2003, e la ex coniglietta di Playboy, Nicole
Narain. In seguito, ha frequentato l’attrice
Alicja Bachleda-Curus dal 2009, diventando
nuovamente padre di un bambino, Henry Tadeusz. I
due si sono separati nel 2010 e attualmente ha una relazione con
Kelly McNamara.
Colin Farrell figli
7. Suo figlio James ha una
malattia rara. Il primogenito di Colin Farrell è affetto
dalla sindrome di Angelman, una rara malattia genetica che causa
convulsioni, grandi difficoltà di movimento e ritardi sia
intellettivi, che riguardo lo sviluppo. Un bambino speciale che,
nonostante tutto, ha salvato la vita dell’attore e lo ha reso un
uomo nuovo.
Colin Farrell: Alexander
8. Ha definito Alexander un
film unico. Di questo film, Colin Farrell ha ammesso che,
farne parte, è stata un’esperienza unica e capita una sola volta
nella vita per la sua portata ed ambizione. Stando alle parole
dell’attore: “Aveva un regista incredibile e un cast e una
sceneggiatura incredibili. Eppure, in qualche modo, non era quello
che la gente voleva che fosse o che si aspettava. È stato trattato
male da critica e pubblico. Ma la cosa più importante è stata
l’esperienza di aver girato questo film”.
9. È rimasto ferito
dall’insuccesso del film. Se c’è una cosa che
Alexander ha lasciato a Colin Farrell, è l’amaro in bocca.
L’attore, infatti, ha pubblicamente ammesso di esserci rimasto
molto male dall’andamento del film e di non essere riuscito ad
assestare il colpo: “Alexander fa male e ancora una volta le
persone ti dicono “Vai oltre, sei stato pagato bene” e tutto il
resto. Ma Alexander mi ha ferito”.
Colin Farrell: età e altezza
10. Colin Farrell è nato il
31 maggio del 1976 a Castelknock, a Dublino, e la sua
altezza complessiva è di 178 centimetri.
Con DiCaprio nel ruolo di
protagonista, Heat 2 sembra improvvisamente
un evento di portata mondiale, il che probabilmente ha contribuito
a convincere i dirigenti della Warner Bros. Mike De
Luca e Pam Abdy, che secondo quanto
riferito sono ansiosi di realizzare questo film. Inoltre, il cast
che sembra si stia mettendo insieme per il sequel di Mann viene
descritto come “storico” e, a parte i nomi che circolano, tra cui
Austin Butler e Adam Driver, sembrano esserci altre grandi
sorprese in arrivo.
Ad aver favorito la ripresa delle
conversazioni su Heat 2 ci sarebbe anche
la serie di successi consecutivi al botteghino che la Warner Bros.
sta attualmente vivendo. L’idea attuale, per il film, sarebbe
inoltre quella di coinvolgere un partner per avere un
cofinanziamento. Apple, che ha letto la sceneggiatura, starebbe ora
valutando la possibilità di partecipare al progetto. In attesa di
maggiori conferme in merito, ricordiamo che Heat
2 sarà basato sul romanzo sequel/prequel scritto nel
2022 da Mann.
Il libro racconta i primi anni di
Neil McCauley (interpretato da Robert De Niro nel film originale) e Vincent
Hanna (Al
Pacino), seguendo anche la caccia di Hanna a una nuova
minaccia all’indomani della sparatoria culminante del film
originale. Ora, se quanto riportato si rivelerà corretto,
aggiornamenti ufficiali dovrebbero arrivare nelle prossime
settimane. Al momento, in ogni caso, i lavori sul progetto sembra
stiano andando avanti e il resto del cast potrebbe essere svelato a
breve.
Meryl Streep è
considerata come una delle attrici migliori del cinema
internazionale contemporaneo e moderno, piena di talento e con
mille doti che è sempre pronta a sfoderare. Di larghe vedute,
femminista e con gran coraggio, è una delle attrici di Hollywood
che alza spesso la voce per le giuste cause.
Versatile, capace di conquistare il
pubblico di quasiasi generazione, la Streep continua a farsi amare,
sia come attrice che come persona, da più di 40 anni, certi che
continuerà a farlo per almeno altri quaranta.
Ecco dieci cose che, forse,
non sapevate di Meryl Streep.
Meryl Streep: i suoi film
1. Voleva diventare
soprano. All’età di 12 anni la Streep incominciò a
prendere lezioni di canto, in quanto il suo desiderio era quello di
diventare soprano. Ha tuttavia smesso quattro anni dopo per
mancanza di vera passione. La recitazione non era minimamente nei
suoi piani fino a quando non ha preso parte alla recita scolastica
La signorina Julie, al Vassar College. Il suo professore
in seguito affermò “non penso che nessuno abbia insegnato a
Meryl a recitare. Se lo è insegnato dasola“. Dopo la
laurea, dunque, ha intrapreso la carriera di attrice.
2. Ha debuttato al cinema a
quasi trent’anni. Dopo essere stata rifiutata da
Dino De Laurentiis perché venne definita brutta
per partecipare al King Kong, nel 1977 debutta al cinema
con Giulia di Fred Zinnemann e l’anno
successivo comincia ad imporsi nel panorama cinematografico con
Il cacciatore di Michael Cimino,
recitando al fianco di Robert De Niro.
Nonostante Katharine Hepburn la definì come un
nulla di speciale, l’anno successivo vinse l’Oscar alla miglior
attrice non protagonista per Kramer contro Kramer.
3. I film con Meryl
Streep. Gli anni ’80, soprattutto dopo il primo Oscar
conquistato, la lanciano dell’olimpo delle attrici di Hollywood,
prendendo parte a film come La scelta di Sophie (1982),
Silkwood (1983), La mia Africa (1985),
Ironweed (1987), Un grido nella notte (1989),
She Devil – Lei, il diavolo (1989), Cartoline
dall’inferno (1990), La morte ti fa bella
(1992) e I ponti di Madison
County (1995) di e con Clint Eastwood.
Ma ha recitato anche in La stanza di Marvin (1996), La
voce dell’amore (1998), La musica del cuore (1999),
The Hours (2002), Il ladro di orchidee (2002),
The Manchurian Candidate (2004), Il diavolo veste Prada
(2006), Leoni per agnelli (2007) di
Robert Redford,
Mamma mia! (2008),
Julie & Julia (2009), The Iron Lady (2011), Into the woods (2015), Florence Foster Jenkins (2016),
The Post (2017), Panama Papers (2019),
Piccole donne (2019),
The Prom (2020),
Lasciali parlare (2020) e
Don’t Look Up (2021).
Recentemente ha prestato la voce a documentari come Escape from Extinction: Rewilding
(2024) e si prepara a tornare nei panni di Miranda Priestly nel
sequel Il Diavolo veste Prada 2 con
uscita prevista per il 2026.
Meryl Streep: il marito e i
suoi figli
4. Marito e i suoi quattro
figli. Dopo essere stata fidanzata con John Cazale – suo
co-protagonista in Il
cacciatore e morto prematuramente nel 1978 – Meryl Streep
nello stesso anno ha sposato lo scultore Don Gummer. Dal loro
matrimonio sono nati quattro figli: Henry (1979), musicista; Mamie
(1983), attrice di cinema e TV; Grace (1986), attrice anch’essa; e
Louisa (1991), modella. Per oltre quarant’anni Streep e Gummer sono
stati una delle coppie più solide di Hollywood, noti anche per le
generose donazioni a istituzioni artistiche e scolastiche, tra cui
il Vassar College. Nel 2023, però, i portavoce dell’attrice hanno
confermato che la coppia vive separata “da più di sei anni”, pur
mantenendo un rapporto affettuoso e di reciproco sostegno.
5. La recitazione come dote
di famiglia. Sia Mamie che Grace sono entrambe attrici di
un certo rilievo. Mamie, che è il nome d’arte di Mary
Willa, ha partecipato al film Heartburn – Affari di
cuore, per poi prendere parte a L’imbroglio – The
Hoax, mentre nel 2007 recita in Un amore senza tempo,
film nel quale interpreta lo stesso personaggio di sua madre, ma in
versione giovane. Ha recitato anche in Effetti Collaterali
(2013), Cake (2014),
The End of the Tour (2015)
e Dove eravamo rimasti (2015). Grace Jane
invece è apparsa in La casa degli spiriti (1993) e, dopo
il diploma in storia dell’arte e lingua italiana nel 2008, ha preso
parte a L’amore all’improvviso – Larry
Crowne e alle serie tv Zero Hour, American Horror Story e The
Newsroom. Dal 2016 è facente parte del cast di Mr.
Robot.
Meryl Streep e i suoi Oscar
6. Ha vinto 3
Oscar. Meryl Streep, nel corso della sua carriera, ha
vinto ben tre Oscar, arrivando solo seconda a Katharine Hepburn,
che ne vinse 4, e avendo tante statuette quante quelle di
Daniel Day Lewis, Jack Nicholson, Ingrid Bergman, Frances
McDormand e Walter Brennan. La Streep ha
vinto l’Oscar alla miglior attrice non protagonista per Kramer
contro Kramer nel 1980, e due per La Miglior attrice
protagonista per La scelta di Sophie nel 1983 e The
Iron Lady nel 2012.
7. È stata nominata 21
volte. La Streep ha raggiunto il record di nomination
avute per un Oscar, raggiungendo quota 21. Togliendo dalla
classifica le nomination che le hanno poi fruttato le statuette, è
stata nominata per: Il cacciatore, La donna del tenente
francese, Silkwood, La mia Africa, Ironweed, Un grido nella notte,
Cartoline dall’inferno, I ponti di Madison County, La voce
dell’amore, La musica del cuore, Il ladro di orchidee, Il diavolo
veste Prada, Il dubbio, Julie & Julia, I segreti di Osage County,
Into the Woods, Florence Foster Jenkins e The
Post.
Meryl Streep e Tom Hanks
8. Tom
Hanks e Meryl Streep hanno lavorato insieme per The
Post. Nel 2017 i due sono entrati in trattative per
partecipare al film di Steven Spielberg, che narra la
vicenda della pubblicazione di settemila pagine di diversi
documenti ritenuti top secret che rivelavano tutti i segreti sulla
guerra il Vietnam, pubblicati nel 1971 sul New York Times e sul
Washington Post. Un’inchiesta giornalistica, il racconto di
un’amicizia di affetto e stima tra uomo e donna e la storia della
prima donna editrice che si trova a valutare e decidere se
pubblicare i documenti.
9. Sono amici da
tempo. Prima di The Post, paradossalmente, i due
attori, tra i più iconici, noti e premiati della loro generazione,
non hanno mai recitato insieme. Si conoscono però da tempo e sono
amici di lunga data. Il merito della loro conoscenza è tutto di
Nora Ephron, grande amica di Hanks che ha diretto
l’attore in C’è posta per te e Insonnia d’amore.
I due attori, tuttavia, hanno proprio con The Post avuto
modo di frequentarsi per davvero, in quanto prima la loro era
un’amicizia grossomodo a distanza.
Meryl Streep: età e altezza
dell’attrice
10. Meryl Streep è nata il
22 giugno del 1949 a Summit, nel New Jersey, Stati Uniti.
L’attrice è alta complessivamente 1.68 metri.
Robert De Niro è
uno dei migliori attori che la storia del cinema possa avere.
Carismatico e versatile, ha conquistato tante diverse generazioni
di spettatori nel corso dei suoi quasi 50 anni di carriera. Capace
di interpretare qualsiasi ruolo, forte del sodalizio con Martin Scorsese e dell’amicizia con
Joe Pesci, De Niro ha davvero conquistato il mondo
con le sue interpretazioni. Ecco dieci cose che, forse, non
sapevate di Robert De Niro.
Tra i suoi più recenti lavori c’è
Zero Day (2025),
miniserie limitata Netflix in cui interpreta un ex presidente USA
impegnato nella gestione delle conseguenze di un attacco
informatico di portata nazionale. Sempre nel 2025 ha recitato in
The Alto Knights, film
drammatico-mafioso diretto da Barry Levinson, in cui interpreta un
doppio ruolo come boss rivali Frank Costello e Vito Genovese. È
inoltre atteso in Tin
Soldier (2025) e partecipa al prossimo sequel Meet the Parents 4 (previsto per il
2026), che lo riporta nei panni di Jack Byrnes insieme a Ben
Stiller & co.
2. Ha diretto e prodotto
alcuni film. Nel corso della sua carriera De Niro ha anche
ricoperto in due occasioni il ruolo di regista. Egli ha infatti
compiuto il passaggio dietro la macchina da presa per
Bronx, nel 1993, e per The Good Shepherd – L’ombra del
potere, nel 2006. In entrambi i film egli ha anche partecipato
come attore. Negli anni, inoltre, De Niro è stato anche produttore
di diversi film, in maggior parte quelli da lui anche interpretati.
Ha però prodotto anche le serie NYC 22 (2012), About a
Boy (2014-2015) e When They See Us (2019).
3. Ha vinto due
Oscar. De Niro è uno degli attori più premiati di sempre
nel mondo del cinema. In particolare, egli vanta ben sette
nomination come attore ai premi Oscar. È infatti stato candidato
come protagonista di Taxi Driver, Il cacciatore, Risvegli
e Cape Fear, vincendo il premio per il suo ruolo in
Toro scatenato. È poi stato candidato come non
protagonista per Il padrino – Parte II e Il lato
positivo, vincendo per il primo. Nel 2020 è invece stato
candidato come produttore del miglior film The
Irishman.
4. Ha origini
italiane. Robert Anthony De Niro Jr. è nato nel Greenwich
Village, a New York, da Robert De Niro Sr. e
Virginia Admiral. De Niro ha origini italiane da
parte del padre: i bisnonni di Robert, infatti, sono emigrati da
Ferrazzano nel 1980. Il bisnonno si chiamava Giovanni Di
Niro, che venne cambiato in De Niro per una pronuncia
migliore. Dalla parte della nonna, invece, ha origini irlandesi.
Sua madre, Virginia, è stata una poetessa ed una pittrice di
origini inglesi. Robert è cresciuto con la madre (i genitori
divorziarono quando aveva appena due anni) nel quartiere di Little
Italy.
Robert De Niro e il padre pittore
5. Ha dedicato un
documentario al padre. De Niro ha raccontato la vita del
padre nel documentario Remembering the Artist Robert De Niro,
Sr. Il progetto, realizzato da Perri
Peltz e Geeta Gandbhir, è stato
presentato in anteprima europea al Maxxi di Roma nel 2014. Questo
film è un viaggio nel percorso artistico del pittore De Niro Sr.,
del suo successo e decadimento a metà del Novecento, ma che
racconta anche del rapporto tra padre e figlio, dei suoi conflitti
interiori e di quello con l’omosessualità e la sua morte a 71
anni.
Robert De Niro in Toro
scatenato
6. Ha preso molto peso per
il ruolo. In Toro Scatenato De Niro interpreta il
pugile Jake LaMotta. Il film, sceneggiato da
Paul Schrader e diretto da Martin Scorsese, si basa sul libro di memorie
di LaMotta, Raging Bull: My Story. Per questo ruolo
l’attore non solo si è allenato come pugile, ma ha anche guadagnato
circa 30 chili per le scene che vedono LaMotta ormai ingrassato e
invecchiato. Per l’epoca questo fu un record senza precedenti, che
dimostrò la grande dedizione di De Niro verso i suoi
personaggi.
Robert De Niro in una scena di Taxi Driver
Robert De Niro in Taxi
Driver
7. Si è preparato al ruolo
lavorando come tassista. In Taxi Driver, uno dei
più celebri film di De Niro, l’attore interpreta ilproblematico
Travis Bickle, reduce del vietnam ora tassista notturno.
Considerato uno dei più rappresentativi e disturbanti personaggi
della storia del cinema moderno, questo ha richiesto all’attore una
grande preparazione psicologica. Egli, tra le altre cose, si
preparò lavorando realmente come tassista, al fine di comprendere
meglio quell’ambiente e le bizzarre persone che vi si possono
incontrare.
Robert De Niro in Il
Padrino
8. Ha imparato a parlare in
dialetto. Per dare un’interpretazione più convincente del
suo personaggio, De Niro si è allenato a parlare il dialetto
siciliano per ben quattro mesi. Grazie a questo film e alla sua
straordinaria performance, ha ottenuto l’Oscar al miglior attore
non protagonista. Il fatto curioso è che lui e Marlon Brando
hanno ottenuto un Oscar avendo interpretato lo stesso personaggio,
facendo di questo il primo caso in assoluto nella storia del
premio.
Robert De Niro, Tiffany Chen e i suoi figli
9. Ha sette figli.
De Niro vanta ad oggi ben sei figli avuti da quattro donne diverse.
I primi due figli, Drena e
Raphael, li ha avuti dall’attrice Diahnne
Abbott, con quale è stato sposato dal 1976 al 1988. Nel
1995, invece, dalla fidanzata dell’epoca Toukie
Smith ha avuto, tramite madre surrogata, i gemelli
Julian Henry e Aaron Kedrick. Nel
1997 ha invece sposato l’attrice Grace Hightower,
da cui ha avuto Elliot e Helen
Grace, quest’ultima avuta sempre tramite madre surrogata.
Nel 2018 De Niro e la moglie hanno annunciato la separazione. Nel
maggio 2023, dalla relazione con Tiffany Chen,
nasce Gia Virginia.
Robert De Niro: età, altezza e patrimonio dell’attore
10. Robert De Niro è nato
il 17 agosto del 1943 a New York, Stati Uniti. L’attore è
alto complessivamente 1.75 metri. Ad oggi, il patrimonio di De Niro
è stimato intorno ai 500 milioni di dollari, cifra che fa di lui
uno degli attori più ricchi in circolazione.
Anne Hathaway è
una delle migliori attrici della sua generazione, versatile e
brillante, in grado di conquistare una grande fetta di pubblico di
tutto il mondo. Entrare a Hollywood per lei non è stato facile, ma
con le sue forze, con la sua bravura e con il talento innato per la
recitazione, è riuscita a dimostrare quanto vale, senza mediazioni
e puntando solo su se stessa. Ecco dieci cose che non sai
di Anne Hathaway.
Anne Hathaway: film
1. Ha recitato in celebri
film. Il debutto nel mondo del cinema è avvenuto nel
2001 con Pretty Princess.
Grazie a questo film, l’attrice americana comincia ad essere molto
richiesta per diverse produzioni, come Ella Enchanted – Il magico mondo di Ella
(2004), Principe azzurro
cercasi (2004) e Havoc –
Fuori controllo (2005). Ottiene poi grande notorietà con film
come I segreti di Brokeback
Mountain (2005), Il diavolo veste
Prada (2006), Becoming Jane – Il ritratto di una donna contro (2007),
Rachel sta per sposarsi
(2008), Bride Wars (2009),
Appuntamento con l’amore
(2010), Alice in
Wonderland (2010), Amore & altri rimedi (2010) e One Day (2011).
Nel 2012 la sua carriera prende una
svolta importante, interpretando ruoli di spessore in Il cavaliere oscuro – Il
ritorno , Les Misérables (film
per quale vince l’Oscar per la Miglior Attrice non Protagonista),
Interstellar (2014),
Lo stagista inaspettato
(2015) e Alice attraverso lo
specchio (2016). Tra i suoi ultimi film si citano
Colossal (2016), Ocean’s 8 (2018) e
Serenity (2019),
Attenti a quelle due (2019), Cattive acque (2019),
Il suo ultimo desiderio (2019), Le streghe (2020) e
Locked Down (2021).
Dopo la pandemia ha continuato a spaziare tra generi diversi:
Eileen (2023), thriller psicologico
con Thomasin McKenzie; She
Came to Me (2023) commedia romantica con Peter Dinklage; The Idea of You (2024) commedia romantica di
Prime Video tratta dal romanzo di Robinne Lee;
Mothers’ Instinct (2024)
thriller psicologico al fianco di Jessica Chastain. È inoltre attesa
nei progetti Flowervale
Street (sci-fi di David Robert Mitchell, previsto per il 2025)
e Il Diavolo veste Prada 2 (in
produzione, uscita 2026).
2. Anne Hathaway è anche
una doppiatrice eccellente. Nel corso della sua carriera,
Anne Hathaway si è trovata spesso a prestare la propria voce: ciò è
avvenuto per La ricompensa del gatto (2002),
Cappuccetto Rosso e gli insoliti sospetti (2005), alcuni
episodi de I Simpson realizzati tra il 2009 e il 2010, un
episodio de I Griffin (2010) e I Griffin presentano
It’s a Trap! (2010). Inoltre, l’attrice ha lavorato anche al
doppiaggio del film di animazione Rio (2011) e del suo
seguito Rio 2 – Missione Amazzonia (2014).
Anne Hathaway: il suo fisico
3. In Amore e altri rimedi
Anne Hathaway si è messa davvero a nudo. Le scene di nudo
e di sesso sono davvero molte in Amore e altri rimedi, in Anne
Hathaway ha recitato con il collega e amico Jake
Gyllenhaal. A proposito di questo film e delle scene
svolte, l’attrice ha dichiarato che la nudità fa parte dell’essere
attore e basta accordarsi su quanto viene richiesto di fare,
dopodiché basta essere tranquilli e preparati e tutto va
liscio.
4. Anne Hathaway ha una
sensualità innata. L’attrice americana non è una di quelle
persone che mette volutamente in mostra parti del suo corpo per
attirare l’attenzione o per dimostrare la sua carica erotica. Anne
non ha mai rinunciato all’eleganza e al buon gusto, sia che si
tratti di uscite private o di eventi mondani. Eppure, sotto quel
viso da fanciulla e quel corpo perfetto, l’attrice dimostra divere
una sensualità innata, quasi innocente, sempre mostrata con molta
grazia.
Anne Hathaway e Il diavolo veste Prada 2
5.
L’attrice tornerà nei panni di Andy. Tra i ruoli
più iconici di Anne Hathaway c’è senza dubbio quello di Andy Sachs
ne Il diavolo veste Prada
(2006), la giovane assistente che entra nel mondo spietato
dell’editoria di moda accanto a Miranda Priestly/Meryl Streep. A distanza di vent’anni, Hathaway
tornerà a indossare quei panni nell’attesissimo sequel Il diavolo veste Prada 2, attualmente in
lavorazione e in uscita nel 2026.
Il
nuovo film, prodotto da Disney e diretto da David Frankel (già
regista del primo capitolo), esplorerà l’evoluzione del rapporto
fra Andy e Miranda in un’epoca segnata dai social, dagli influencer
e dal cambiamento dell’industria editoriale. In questa nuova
storia, Andy è ormai una giornalista affermata e dovrà confrontarsi
con un mondo della moda completamente mutato, mentre Miranda
continua a dominare l’ambiente con la sua proverbiale autorità.
Per Hathaway il ritorno al personaggio di Andy rappresenta una
sfida entusiasmante: l’attrice ha dichiarato che il sequel non sarà
solo un esercizio di nostalgia, ma offrirà uno sguardo attuale e
ironico su come il lavoro, l’ambizione e il potere siano cambiati
negli ultimi vent’anni. Un modo per rinnovare un cult e parlare a
una nuova generazione di spettatori.
6. Anne Hathaway ha avuto
diverse controfigure. Le scene più pericolose sono state
interpretate da diverse controfigure, più precisamente una per le
scene d’inseguimento in moto e una per i combattimenti più duri.
Tuttavia, una delle sue controfigure è rimasta coinvolta in un
incidente sul set: durante le riprese, la stuntman ha perso il
controllo del mezzo, durante la scena della scalinata in sella al
Bat-Pod, andando a finire contro una cinepresa IMAX, distruggendola
completamente. Fortunatamente, nessuna delle persone presenti si è
fatta male.
Anne Hathaway, il marito e il
figlio Rosebanks Jonathan Shulman
7. È sposata con un
attore. Nel novembre del 2008 l’attrice ha iniziato a
frequentare l’attore Adam Shulman, noto per essere
stato il vice scefitto Enos Strate nel film Hazzard – I
Duke alla riscossa. I due si sono poi sposati il 29 settembre
del 2012 a Big Sur, in California, con una cerimonia interreligiosa
ebraico-cristiana. In molti hanno notato come Shulman abbia una
leggera somiglianza con il drammaturgo inglese William
Shakespeare, la cui moglie si chiamava proprio anne
Hathaway. C’è anche chi crede che i due attori siano propri loro
reincarnazioni, i quali portano così avanti un amore eterno.
8. Ha avuto due
figli. Il 24 marzo 2016 l’attrice americana è diventata
mamma di Rosebanks Jonathan Shulman, il primo
figlio dellla coppia. Da quel momento la Hathaway ha parzialmente
diradato le sue attività lavorative, al fine di prendersi
maggiormente cura del piccolo. Nel 2019 è poi nato il secondo
figlio, chiamato semplicemente Jack.
Anne Hathaway oggi
9. Anne Hathaway ha in
serbo molti progetti. Anne Hathaway continua a essere una
delle attrici più richieste di Hollywood e ha ripreso a pieno ritmo
la sua attività. Dopo Il suo
ultimo desiderio (2020), Le streghe (2020) e Locked Down (2021), è stata protagonista della serie
Apple WeCrashed (2022)
accanto a Jared
Leto e di film come Eileen (2023), She
Came to Me (2023) e The
Idea of You (2024) per Prime Video. Nel 2024 ha condiviso lo
schermo con Jessica Chastain nel thriller psicologico
Mothers’ Instinct, mentre
nel 2025 è attesa nel misterioso sci-fi Flowervale Street diretto da David Robert
Mitchell. Parallelamente è in preparazione l’attesissimo
Il diavolo veste Prada 2
(uscita prevista nel 2026), che la vedrà tornare nei panni di Andy
Sachs insieme a Meryl Streep ed Emily Blunt. Hathaway alterna quindi ruoli in
grandi produzioni commerciali a progetti d’autore, confermandosi
interprete versatile e pronta a rinnovarsi a ogni stagione.
Anne Hathaway: età e altezza dell’attrice
10. Anne Hathaway è nata il
12 novembre del 1982 a New York, Stati Uniti. L’attrice è
alta complessivamente 1.73 metri.
Bon Appetit,
Maestà, una commedia romantica su una chef che
accidentalmente si ritrova catapultata indietro nel tempo, nell’era
Joseon, è l’ultimo drama coreano ad aver riscosso successo su
Netflix. Dopo l’uscita dei primi due episodi della
serie, la storia di un viaggio nel tempo (conosciuta in Corea come
폭군의 셰프, o “The Tyrant’s Chef”) è entrata nella Top Ten italiana,
scalando le posizioni delle classifiche di molti altri Paesi,
dimostrando quanto possa essere popolare una storia d’amore ben
realizzata.
E la nascente storia d’amore tra la
chef del XXI secolo Yeon Ji-yeong (Lim Yoon-a di King the
Land) e il tiranno dell’era Joseon, re Lee Heon (Lee Chae-min
di Hierarchy), è davvero segnata dal destino. Non solo i
due protagonisti provengono da epoche completamente diverse, ma il
personaggio maschile è ispirato, seppur liberamente, a uno dei
sovrani più crudeli della storia coreana.
Grazie a Time.com, abbiamo ricostruito la
storia vera che ha in parte ispirato Bon Appetit,
Maestà e in che modo il K-drama ha scelto saggiamente di
allontanarsi da una rappresentazione diretta di un tiranno
realmente esistito.
Lim Yoon-a in Bon Appetit, Maestà Courtesy di Studio
Dragon/Netflix
L’ambientazione nella dinastia
Joseon di Bon Appetit, Maestà
Ji-yeong sta tornando in Corea dalla
Francia, dopo aver vinto un prestigioso concorso culinario, quando
prende una deviazione imprevista: si ritrova nella Corea dell’epoca
Joseon. I dettagli del viaggio temporale non sono particolarmente
rilevanti — includono un’eclissi solare, un volo al momento giusto
e un antico testo coreano che Ji-yeong sta riportando a casa per
suo padre, studioso accademico. Ciò che conta è il risultato: la
nostra protagonista moderna rimane intrappolata nella storia
coreana. Una volta lì, dovrà mettere a frutto le sue abilità
culinarie per sopravvivere sotto il dominio del re immaginario Lee
Heon.
La dinastia Joseon, durata oltre 500
anni (dal 1392 al 1910), è una delle ambientazioni preferite dei
drama coreani. Diverse epoche della dinastia sono state
rappresentate in serie come The Red Sleeve (ambientata
soprattutto nel tardo XVIII secolo) e Mr. Sunshine
(all’inizio del XX secolo), o reinterpretate in chiave di genere,
come lo zombie drama Kingdom (collocato in una versione
alternativa del XVII secolo). Uno dei drama fondativi della Hallyu,
Jewel in the Palace del 2003 (ambientato nel XVI secolo),
si ispira alla vera storia di Jang-geum, la prima donna a ricoprire
il ruolo di medico reale durante la dinastia Joseon. Questo periodo
storico si sovrappone alla linea temporale in cui è collocato
Bon Appetit, Maestà.
Pur essendo una versione alternativa
della storia di Joseon, Bon Appetit, Maestà sembra
essere ambientato durante il regno di Yeonsangun, che governò a
cavallo tra XV e XVI secolo, dal 1494 al 1506.
Bon Appetit,
Maestà è tratto da un manhwa?
Come molti K-drama, Bon
Appetit, Maestà nasce da una storia già esistente, ma
non da un manhwa (fumetto coreano). La serie è infatti un
adattamento del web novel Surviving as Yeonsangun’s Chef,
scritto da Park Guk-jae. La trama segue Ji-yeong, che viaggia
indietro nel tempo e diventa la cuoca reale del re Yeonsan, figura
storica realmente esistita.
La differenza principale tra il
romanzo originale e la serie Netflix riguarda il nome del tiranno.
Nell’opera di Park, uno dei protagonisti è il vero re Yeonsangun.
Nella serie, invece, il personaggio è stato rinominato re Lee Heon,
creando così una distanza narrativa dalla storia reale.
In che modo il vero re Yeonsan ha
ispirato il personaggio di re Lee Heon
Bon Appetit,
Maestà sostituisce il sovrano dell’era Joseon
con una figura immaginaria, ma il personaggio del romanzo da cui
trae origine si ispira liberamente a Yeonsangun, uno dei governanti
più famigerati della dinastia Joseon.
Come il re fittizio Lee Heon (anche
chiamato Yi Heon) della serie, anche Yeonsangun perse la madre in
giovane età. Cresciuto credendo che sua madre fosse la regina
Jeonghyeon, terza moglie di suo padre, scoprì durante i primi anni
di regno che la sua madre biologica era in realtà la deposta regina
Yun, seconda moglie del sovrano. Quest’ultima era stata costretta
al suicidio con il veleno dopo essere stata esiliata per
comportamenti violenti. Quando Yeonsangun tentò di riabilitarne i
titoli postumi, trovò opposizione e punì con la morte — o con la
violenza diretta — coloro che riteneva responsabili della sua
sorte.
Lee Chae-min in Bon Appétit, Bon Appetit, Maestà di Studio
Dragon/Netflix
Ma questa non fu l’unica ragione dei
suoi crimini. Yeonsangun è ricordato per la brutale repressione
della libertà di parola e dell’istruzione. Chiuse la prestigiosa
università reale Sungkyunkwan, trasformandola in un luogo di svago
personale. Fece rapire centinaia di ragazze e donne da tutto il
paese, per costringerle a intrattenere la corte: una pratica
mostrata anche nei primi episodi di Bon Appetit,
Maestà.
Yeonsangun proibì inoltre l’uso
dell’alfabeto Hangul, la scrittura coreana, poiché veniva usato dai
comuni cittadini per criticarlo tramite manifesti pubblici. Cercò
di ridurre l’influenza del buddismo, chiudendo il tempio Wongaksa e
tentando di abolire il sistema dei monasteri principali e degli
esami religiosi. Represse o giustiziò chiunque si opponesse al suo
potere. Due grandi purghe colpirono la potente classe degli
studiosi Sarim. Dopo 12 anni di regno, Yeonsangun fu deposto da un
gruppo di nobili e funzionari, e sostituito dal fratellastro
minore. Morì due mesi dopo, in esilio.
Rinominando il sovrano come re Lee
Heon, Bon Appetit, Maestà prende le distanze
dal personaggio storico reale. È una scelta intelligente, perché la
serie non punta a raccontare la storia in modo realistico, ma a
proporre una vicenda d’amore avvincente ed evasiva, con la storia
usata come sfondo fantastico. Tuttavia, alcuni elementi narrativi,
come il rapimento sistematico delle donne o la confisca di case per
le riserve di caccia reali, derivano effettivamente da eventi
storici.
Per chi fosse interessato, la figura
storica di re Yeonsan è stata rappresentata più direttamente in
altri prodotti della cultura coreana, come il film Prince
Yeonsan (1961), The King and the Clown (2005) e
The Treacherous (2015).
Il film si apre con un
mondo che sembra avviato verso la fine. Internet collassa,
l’energia elettrica si spegne, il pianeta sembra ribellarsi ai suoi
abitanti. Catastrofi naturali e tecnologiche si susseguono come
presagi di un epilogo ineluttabile. In questo contesto incontriamo
Marty (
1. Colin Farrell: i film
e la carriera. La carriera di Farrell inizia nel 1995
quando appare, seppur non accreditato, nei film Frankie delle
stelle e La scomparsa di Finbar. Comincia a lavorare
assiduamente nel cinema con film come Zona di guerra
(1999), Tigerland (2000), 
