Detective Knight, Survive the Night, Reprisal, I predoni e Trauma Center – Caccia al testimone, questi sono solo alcuni dei film a cui ha preso parte l’attore Bruce Willis negli ultimi anni. Si tratta per lo più di thirller d’azione a basso costo, nei quali Willis ha in realtà spesso e volentieri dei ruoli marginali, ma che i suoi fan apprezzano per il genuino gusto per l’intrattenimento che essi offrono. Tra questi suoi ultimi titoli prima del ritiro forzato, si annovera anche Midnight in the Switchgrass, film del 2021 anche noto con il sottotitolo Caccia al serial killer, diretto da Randall Emmett e basato sulla vera storia di uno dei più crudeli assassini degli Stati Uniti.

Willis, che ha negli ultimi anni ridotto drasticamente i suoi impegni cinematografici, limitandosi a brevi apparizioni che comportano dunque il minimo impegno possibile, si è trovato con Midnight in the Switchgrass a prendere ad un film più impegnativo rispetto agli altri in cui ha recitato in questi ultimi anni. Si tratta inoltre del suo ultimo film uscito al cinema, in quanto quelli venuti dopo sono tutti stati distribuiti direttamente in home-video. Tra thriller, detective story ed elementi orrorifici, questo suo nuovo prodotto è dunque un titolo che i suoi fan non possono perdersi.

Ora che l’attore ha annunciato il suo ritiro, recuperare anche questi suoi ultimi film può essere un dovuto omaggio alla sua carriera. Prima di intraprendere una visione di Midnight in the Switchgrass, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla vera storia a cui si ispira. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama e il cast di Midnight in the Switchgrass

La tranquilla cittadina di Pensacola, in Florida, viene improvvisamente sconvolta da una serie di brutali omicidi. Le forze dell’ordine danno allora il via ad una frenetica operazione di ricerca, con l’obiettivo di svelare chi si nasconde dietro quei raccapriccianti delitti. Ad interessarsi del caso è anche l’agente Byron Crawford, convinto che si tratti dell’opera di un serial killer che sta ricercando da anni. Nel frattempo, però, l’agente dell’FBI Karl Helter e la sua partner sotto copertura Rebecca Lombardi sono impegnati su un caso di traffico sessuale. Ben presto, si renderanno conto di star inseguendo la medesima persona e uniranno le forze per cercare di trovarla e arrestarla.

Come anticipato, Bruce Willis è presente nel ruolo dell’agente Karl Helter, mentre la sua partner Rebecca Lombardi è interpretata da Megan Fox, attrice divenuta celebre grazie alla saga di Transformers. Emile Hirsch, noto in particolare per il film Into the Wild – Nelle terre selvagge, interpreta invece l’aggente Byron Crawford. Fanno poi parte del cast gli attori Lukas Haas nel ruolo di Peter, Colson Baker in quelli di Calvin e Michael Beach nei panni della detective Yarbrough. Completano il cast Caitlin Carmichael nei panni di Tracey Lee e Welker White come Georgia Kellogg. Sistine Stallone, figlia di Sylvester Stallone e qui al suo secondo film, è invece Heather.

Midnight in the Switchgrass è ispirato ad una storia vera?

Il film – pur spostando in Florida la vicenda – è basato sulla storia vera del più pericoloso serial killer del Texas, Robert Benjamin Rhoades, noto anche come The Truck Stop Killer (L’assassino dell’autogrill). Serial killer e stupratore americano, è stato confermato che Rhoades ha torturato e ucciso almeno due coppie in Illinois e in Texas nel 1989 e nel 1990, ed è inoltre sospettato di aver torturato, stuprato e ucciso più di cinquanta donne tra il 1975 e il 1990, sulla base dei dati relativi ai percorsi dei suoi camion e alle donne scomparse in quegli anni che corrispondevano al profilo delle sue vittime preferite.

La prima parte della vita di Rhoades è stata relativamente normale, a parte problemi sociali durante gli anni scolastici. Partecipava però attivamente alle attività extrascolastiche delle scuole che frequentava e si impegnava in vari sport e altri programmi, tra cui calcio, wrestling, coro e club di francese. Durante questo periodo, le attività criminali di Rhoades si limitavano ad un arresto nel 1961 all’età di 16 anni per manomissione di un veicolo e ad un arresto per rissa in pubblico nel 1962 all’età di 17 anni. Dopo essersi diplomato alla Thomas Jefferson High School di Council Bluffs nel 1964, si è arruolato nel Corpo dei Marines, ma venne poi congedato con disonore per il suo coinvolgimento in una rapina.

Le sue attività da serial killer vengono poi alla luce a partire dal 1990, quando l’agente Tim Miller, insospettito dal camion di Rhoades, va a perquisirlo e vi ritrova una donna nuda e ammanettata. Miller procedette subito con l’arresto del proprietario e dopo ulteriori indagini si stabilì un collegamento con alcuni casi precedenti di omicidi. Tra le vittime identificate di Rhoades vi sono la ventiquattrenne Patricia Candace Walsh e il marito ventiseienne Douglas Scott Zyskowski, la quattordicenne Regina Kay Walters e il fidanzato diciottenne Ricky Lee Jones. La diciottenne Shana Holts aveva invece avvisato le autorità di essere stata adescata da Rhoades ma ha poi rifiutato di sporgere denuncia, ritenendo che non sarebbe stata creduta nonostante le numerose prove.

Nel 1994, Rhoades è stato condannato per l’omicidio di primo grado di Regina Kay Walters e all’ergastolo senza condizionale presso il Menard Correctional Center di Chester, Illinois. In seguito Rhoades è stato estradato in Texas per l’omicidio di Walters e Jones, dove Rhoades, in cambio dell’annullamento della pena di morte, si è dichiarato colpevole della loro morte e ha ricevuto una seconda condanna all’ergastolo. Rhoades, oggi 78enne, continua ancora adesso a scontare la sua condanna all’ergastolo senza condizionale presso il Menard Correctional Center di massima sicurezza di Chester, Illinois.

Il trailer di Midnight in the Switchgrass e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Midnight in the Switchgrass grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Google Play, Apple TV, Now e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 22 febbraio alle ore 23:30 sul canale Rai 4.

Il cinema statunitense non tarda mai a celebrare i propri eroi, ma non quelli in calzamaglia della Marvel e della DC, bensì i veri eroi di tutti i giorni dimostratisi pronti a sacrificare la propria vita per salvare quella degli altri in momenti di pericolo. Film come Deepwater – Inferno sull’oceano, Richard Jewell o Boston – Caccia all’uomo sono solo alcuni esempio di questo tipo, tra i quali si può ritrovare però anche Fire Squad – Incubo di fuoco. Diretto nel 2017 da Joseph Kosinski (regista poi divenuto celebre per aver diretto Top Gun: Maverick), questo film ripercorre l’incredibile dimostrazione di coraggio di un gruppo di vigili del fuoco, disposti a tutto pur di fermare l’avanzata di un terrificante incendio.

Un’altra storia vera portata al cinema dunque, con un film che dà un lato mira dunque a celebrare l’eroicità dei coinvolti, ma dall’altro evidenzia anche la forza della natura e il delicato equilibrio che occorre preservare tra questa e l’uomo. Interpretato da noti attori di Hollywood, Fire Squad – Incubo di fuoco è dunque un epico racconto di coraggio, che tuttavia al momento della sua uscita in sala – nonostante sia stato accolto positivamente dalla critica – si è rivelato un cocente flop al box office. A distanza di qualche anno, è tuttavia un film da recuperare e riscoprire, specialmente per la forza del racconto proposto.

Per gli appassionati di queste storie e di questo genere è dunque un titolo da non perdere, che grazie al suo passaggio televisivo permette di riportare notorietà su uno dei più tragici disastri naturali della storia degli Stati Uniti. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama e il cast di Fire Squad – Incubo di fuoco

Protagonista è Eric Marsh, sovrintendente dei vigili del fuoco di Prescott, in Arizona, il quale forma una nuova squadra di pompieri di prima linea con giovani reclute. Grazie a tanti sacrifici, determinazione e all’aiuto del capo divisione Duane Steinbrink, Eric riesce dunque a formare la sua squadra, nota come l’élite dei Granite Mountain Hotshot. Le capacità e il coraggio di questi uomini verranno però messi a dura prova durante l’incendio del 2013 noto come lo Yarnell Hill Fire, che minaccia di arrivare fin dentro Prescott. Il gruppo di diciannove eroici pompieri – tra cui spicca il giovane Brendan McDonough – cercherà dunque in ogni modo di proteggere le proprie case e le vite dei propri cari.

Ad interpretare il ruolo di Eric Marsh vi è l’attore Josh Brolin, mentre nel ruolo di Brendan McDonough si ritrova Miles Teller. L’altro grande nome presente nel cast è quello di Jeff Bridges, nel ruolo di Duane Steinbrink, ma anche quello dell’attrice premio Oscar Jennifer Connelly, nel ruolo di Amanda Marsh. Recitano poi nel film James Badge Dale nel ruolo di Jesse Steed, Alex Russell in quello di Andrew Ashcraf, Dylan Kenin nel ruolo di Robert Caldwell e Taylor Kitsch in quello di Christopher MacKenzie. Completano il cast Geoff Stults nei panni di Travis Carter, Ryan Busch in quelli di Dustin DeFord e Sam Quinn in quelli di Grant McKee.

La storia vera dietro Fire Squad – Incubo di fuoco

Il film si basa sull’articolo No Exit scritto dal giornalista Sean Flynn, che racconta la vera storia dell’incendio di Yarnell Hill del 2013 in Arizona, in cui persero la vita alcuni membri della squadra dei pompieri che cercavano di domare le fiamme. Tutto ebbe inizio quando alle 17.36 del 28 giugno 2013 un fulmine innescò un incendio sulle terre del Bureau of Land Management, vicino a Yarnell in Arizona, una città di circa 700 abitanti a circa 120 chilometri a nord-ovest di Phoenix. Il 30 giugno il forte vento, che raggiungeva più di 35 km/h, spinse il fuoco da 120 ettari a oltre 800 ettari. Una prolungata siccità che interessò l’area conitribuì poi alla rapida propagazione dell’incendio e al suo comportamento irregolare.

Hanno così avuto inizio massicce operazioni di contenimento dell’incendio come anche di salvataggio dei civili rimasti bloccati per via di questo nelle proprie residenze. L’incendio venne poi dichiarato estinto del tutto solo il 10 luglio. Nel corso delle operazioni iniziali, il 30 giugno, 19 membri dell’interagenzia Granite Mountain Hotshots dei Vigili del Fuoco di Prescott sono stati sopraffatti e uccisi dalle fiamme. L’unico sopravvissuto della squadra di 20 uomini era Brendan McDonough, di 21 anni. Lui e Brian Frisby, il sovrintendente degli hotshot di Blue Ridge, stavano spostando i veicoli della squadra in un luogo più sicuro al momento dell’intrappolamento della squadra dei Granite Mountain.

L’incendio di Yarnell Hill è  stato il più letale evento di questo genere avvenuto negli Stati Uniti dall’incendio di East Bay Hills del 1991, che ha ucciso 25 persone, e il più letale incendio boschivo per i vigili del fuoco degli Stati Uniti dall’incendio del Griffith Park del 1933, che ha ucciso 29 vigili del fuoco civili improvvisati. È stato anche il più fatale incidente di qualsiasi tipo che abbia coinvolto i vigili del fuoco statunitensi dopo gli attentati dell’11 settembre, che hanno ucciso 343 persone. Oltre ai 19 pompieri rimasti uccisi, si contano 23 feriti, 600 sfollati, 129 edifici distrutti e un’area di 3.400 ettari andata a fuoco.

Il trailer di Fire Squad – Incubo di fuoco e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Fire Squad – Incubo di fuoco grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Google Play, Apple TV e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 22 febbraio alle ore 21:10 sul canale Rai Movie.

La zona d’interesse (la recensione) di Jonathan Glazer è indubbiamente uno dei film più discussi del 2024, e lo è stato già dalla sua presentazione in concorso al Festival di Cannes 2023, dove si è aggiudicato il Gran premio della giuria. Il film, candidato a 5 premi Oscar, analizza la quotidianità della famiglia del comandante del campo di concentramento di Auschwitz, Rudolf Höss, che cerca di crearsi una vita idilliaca nella loro nuova dimora situata proprio al lato del filo spinato, dall’altra parte del muro dove si svolge tragedia dell’Olocausto.

Basato, in parte, sulla storia dell’omonimo romanzo di Martin Amis del 2014, che racconta in maniera romanzata la vita dell’ufficiale nazista, che Glazer stava cercando di adattare da oltre un decennio. Questo provocatorio dramma sulla Seconda Guerra Mondiale solleva molte domande, lasciando gli spettatori immersi in un silenzio contemplativo anche giorni dopo la visione. In occasione dell’uscita nelle sale italiane de La zona d’interesse, vogliamo analizzare con la voi la tragica storia vera dietro al film di Jonathan Glazer e la prospettiva unica con cui il regista britannico ha scelto di adattarla.

La zona d’interesse: cosa è accaduto veramente

Anche se La zona d’interesse si basa su eventi reali, non tutto ciò che viene rappresentato nel film è necessariamente avvenuto. Gran parte della trama si focalizza sulle dinamiche della famiglia Höss, di cui esistono pochi documenti pubblici, pertanto, una porzione del film si basa su speculazioni e concessioni creative. Tuttavia, il film apporta una significativa modifica rispetto al libro originale.

Al posto di scegliere come protagonista la famiglia Doll, attorno a cui Amis sviluppa la sua narrazione, il regista Jonathan Glazer sceglie di concentrarsi sulla famiglia Höss, realmente esistita. Un approccio che rende il film più fedele alla Storia, poiché permette di esplorare in maniera più accurata i nazisti coinvolti nei crimini di massa perpetrati durante l’Olocausto.

L’orrore di un edificio realmente esistito

La villa degli Höss, nel sud della Polonia, è il luogo d’azione dell’insidioso dramma sull’Olocausto. All’apparenza idilliaco edificio a due piani con un giardino curato alla perfezione, si trova in realtà all’ombra di Auschwitz, il campo di concentramento più grande e più letale del Terzo Reich. Qui viveva il comandante nazista Rudolf Höss,  comandante del campo di Auschwitz dal maggio 1940 al dicembre 1943, assieme alla moglie Hedwig e ai loro due figli.

La zona d’interesse dipinge un ritratto della felicità domestica della famiglia Höss, che ha costruito il proprio paradiso sulle fondamenta di un genocidio, senza mai mettere in contrasto questa utopia con le vittime dell’Olocausto dall’altra parte del muro, e concentrandosi (quasi) esclusivamente sui suoi carnefici. La narrazione si apre con una scena familiare, un tranquillo pic-nic in riva al lago, sotto il sole splendente.

Tuttavia, mentre ci addentriamo nell’intimità domestica di questa famiglia, scopriamo che Rudolf (interpretato da Christian Friedel) è coinvolto direttamente nello sterminio degli ebrei europei. La moglie Hedwig (interpretata da Sandra Hüller), che si autoproclama in maniera agghiacciante “Regina di Auschwitz”, gestisce con rigore una casa in cui le regole vengono poste al di sopra di tutto, persino del legame con il marito. Nonostante la famiglia faccia del suo meglio per soffocare i suoni di disperazione, pianti e spari, le atrocità che avvengono al di là del muro sono innegabili e filtrano attraverso le fessure della normalità apparente.

Ricreare la dimora degli Höss

Lo scenografo Chris Oddy sapeva che il design della casa era fondamentale per l’efficacia del film. “All’inizio siamo partiti dalla casa vera e propria, e credo che l’avremo visitata forse sei o sette volte in totale“, dice Oddy. “Ho familiarizzato molto con la casa e l’ho osservata abbastanza a lungo da capire cosa c’era di originale“. Le ricerche di Oddy gli hanno permesso di ricreare l’intera casa e il suo giardino come si presentavano dopo i lavori di ristrutturazione di Rudolph ed stata costruita nello stesso quartiere, non lontano dal sito originale.

Secondo lo scenografo, la casa era stata sottratta a una famiglia polacca e sottoposta a modifiche architettoniche a immagine e somiglianza della famiglia Höss. Dopo anni di preparazione e quattro mesi “molto efficienti” di sforzi pratici, il team di produzione è stato in grado di allestire un’incarnazione dell’utopia nazista, una casa che diventa importante quanto qualsiasi personaggio sullo schermo.

“Quello che Chris ha costruito lì è davvero una simulazione diretta della casa e del giardino e la sua vicinanza al campo è stata essenziale per noi“, dice Glazer. “Non c’è nessuna messa in scena di fantasia. Si sta guardando come vivevano“. Lo spazio ricreato era una casa a sè stante, così vicina all’indirizzo originale da avere una vista sulla ciminiera del campo di concentramento. Il team ha dovuto rielaborare l’ambiente per garantire spazi dinamici che consentissero agli attori di muoversi, camere da letto e l’ufficio di Rudolph posizionati correttamente, nonché finestre nei punti giusti.

Catturare la banalità del male

Il film La zona d’interesse è stato girato con 10 telecamere nascoste in luoghi diversi della casa e senza troupe sul set, per creare un senso di neutrale obiettività nella narrazione, un approccio “da Grande Fratello”, come è stato definito dal regista stesso. Gli attori entravano sul set “e si limitavano ad esistere“, svolgendo attività domestiche banali nella casa mentre le telecamere giravano.

“Anche se ci troviamo in una sorta di casa intima, non ci lasciamo coinvolgere dalle loro psicologie sullo schermo“, dice Glazer. “Li osserviamo più per il loro comportamento e le loro azioni che per il loro pensiero“. Glazer ha consolidato questa distanza critica evitando le convenzioni e gli strumenti cinematografici come i primi piani, l’illuminazione artificiale e il trucco. In questo modo, lo spettatore non viene manipolato dalla “gloria e dalla glorificazione dei personaggi“, aggiunge. Al contrario, ci viene offerta una visione dettagliata e francamente banale della loro routine domestica: i bambini giocano, marito e moglie rievocano vecchi ricordi e Hedwig si trucca con rossetto e abiti presi da donne ebree. Non ci avviciniamo alla conoscenza di questi colpevoli, eppure le loro vite non appaiono drammaticamente diverse dalle nostre.

Una vita borghese costruita sulla sofferenza

“In genere possiamo pensare ai nazisti e alle persone che commettono atrocità come a dei mostri e quindi non a noi, non a degli esseri umani[…] il che in realtà non ci insegna nulla“, dice Glazer. “Ci lascia una distanza molto sicura, immaginando che nessuno di noi sia in grado di farlo“. Invitando gli spettatori a passare dalla parte del a quella del colpevole, Glazer ci invita a riflettere sulle nostre somiglianze con queste persone, a intendere che potenzialmente siamo tutti capaci di un simile male.

Trascorrendo il tempo da questa parte del muro, ci rendiamo conto di come i coniugi Höss riescano a ripartire senza sforzo il successo materiale che hanno costruito sulla sofferenza. “Erano persone normali che erano riuscite a separare i loro cervelli in modo tale che questo non li preoccupasse“, dice Oddy. “In un certo senso si rallegravano dello stile di vita da nouveau riche che si erano ritagliati grazie a questo, senza battere ciglio“. Questa compartimentazione è presente anche a livello strutturale. Glazer dice che La zona d’interesse è formato da due film sovrapposti, uno auditivo e uno visivo. Il film che sentiamo quando i nostri occhi sono chiusi è informato dai suoni dei filmati d’archivio, dei documentari e dei libri di storia.

Il potere del fuoricampo

L’impatto de La zona d’interesse deriva sia da ciò che mostra sia da ciò che omette, arrivando persino a un frangente documentartistico verso la fine del film. Con il raro permesso degli amministratori del sito, gli spettatori vengono portati all’interno del Museo e Memoriale di Auschwitz-Birkenau nel presente, mentre gli addetti alle pulizie si occupano dello spazio. “Stavano di nuovo catturando ciò che accade realmente al museo ogni mattina di ogni giorno“, dice Oddy. La troupe ha collaborato con il museo per molti mesi, utilizzando la sua biblioteca d’archivio e la sua vasta collezione di immagini per la realizzazione del film.

Le scene girate nel museo sono i nostri unici scorci dell’altro lato del muro, lontano dalla famiglia Höss. Ci rimane la straziante eredità di Auschwitz e ci viene ricordata la portata dei crimini del nazismo. Gli archivi del museo hanno fornito preziose informazioni sulla vita di Rudolph e Hedwig, che iniziarono come una famiglia di operai che aspirava a uno stile di vita borghese. Solo grazie alle promozioni militari di Höss e alla volontà della coppia di compartimentare le sofferenze di cui la loro ideologia è responsabile, hanno potuto raggiungere questo livello di mobilità sociale e finanziare le loro aspirazioni.

Gli ultimi anni di Rudolph

In qualità di comandante di Auschwitz, Rudolph fu responsabile dell’uccisione di quasi un milione di ebrei e di altre persone detenute nel campo. Dopo la fine della guerra, visse sotto falsa identità prima che i servizi segreti britannici lo rintracciassero e lo arrestassero. Ruloph testimoniò al processo di Norimberga – un tribunale congiunto ordinato da Francia, Unione Sovietica, Regno Unito e Stati Uniti tra il 1945 e il 1946 – prima di essere processato in Polonia e impiccato il 16 aprile 1947 sul luogo dei suoi crimini.

Rudolph non ammise mai la colpevolezza delle sue azioni, insistendo fino alla fine – con un ritornello che divenne ossessionantemente familiare come giustificazione di tanti altri nazisti – che stava semplicemente eseguendo gli ordini. Hedwig si rifece una vita in Germania, per poi risposarsi e trasferirsi in America, dove visse fino alla morte, avvenuta a 90 anni. Nel film non vengono mostrate le vite della famiglia Hoss oltre al periodo ad Auschwitz.

Al contrario, Glazer lascia il pubblico nell’ossessione di quello che chiama “genocidio ambientale“. Sono stati realizzati molti film efficaci sull’Olocausto, molti dei quali hanno lasciato agli spettatori immagini indelebili di sofferenza. Glazer ha aggiunto a questo corpus di opere un film in cui le atrocità più terribili sono appena fuori dall’inquadratura. “Le atrocità sono perpetue“, dice, anche se non si possono vedere. “Quando guardo ogni fotogramma del film, sono sempre lì“.

Uno degli elementi che rendono un film una vera opera d’arte, e i nominati agli Oscar 2024 non fanno eccezione, è certamente la precisione con cui i personaggi vengono portati in vita sullo schermo dagli attori, e ciò non riguarda i soli protagonisti. Ogni singolo ruolo può fare la differenza in una pellicola, e a dimostrarcelo sono proprio le cinque grandi attrici in corsa nella categoria miglior attrice non protagonista.

Questa storica categoria ha dato la giusta considerazione a tutte le performance, alle attrici che hanno dato il proprio meglio pur ritrovandosi in un ruolo secondario. Da Hattie McDaniel nel 1940, prima attrice di colore a vincere un premio Oscar per il ruolo di Mami in Via col vento, fino a Jamie Lee Curtis, vincitrice nel 2023, la categoria miglior attrice non protagonista ha premiato negli anni tante stelle del cinema. Per gli Oscar 2024 le cinque attrici che si sono distinte in un ruolo di supporto sono: America Ferrera in Barbie, Emily Blunt in Oppenheimer, Danielle Brooks ne Il colore viola, Jodie Foster in Nyad- oltre l’oceano e Da’Vine Joy Randolph in The Holdovers – lezioni di vita.

Di seguito, ecco le candidate agli Oscar 2024 per migliore attrice non protagonista

America Ferrera: Barbie

La pellicola candidata agli Oscar 2024 che ha generato maggiormente polemiche e controversie sul web è certamente Barbie. La commedia ha ottenuto un’ottima accoglienza dal pubblico, il quale, successivamente alla rivelazione delle nominations, ha accusato di maschilismo l’Academy per le mancate candidature di Greta Gerwig nella categoria miglior regia e di Margot Robbie come miglior attrice protagonista. Nel lamentare queste discriminazioni di genere, sembra che il popolo del web abbia perso di vista la candidatura di un’altra attrice di Barbie agli Oscar: America Ferrara.

L’attrice interpreta qui Gloria, una madre e impiegata di Mattel insoddisfatta della propria vita ormai priva di magia che aiuta Barbie nel mondo reale. Il personaggio di Gloria racchiude perfettamente il messaggio profondo della pellicola: la critica alle dissonanze del patriarcato non passa propriamente attraverso Barbie o Ken, bensì viene trasmesso proprio da Gloria, anche e soprattutto attraverso un monologo che è diventato celebre: “Sono così stanca di vedere me stessa e ogni singola altra donna fare i salti mortali tutti i giorni per riuscire a piacere agli altri. E se tutto questo vale anche per una bambola che rappresenta una donna allora io non so più che dire.”

Il momento più alto di riflessione in Barbie è senza alcun dubbio quel discorso di Gloria su come le donne finiscano inevitabilmente per sentirsi sbagliate. Qui si riescono a racchiudere in pochi minuti le insicurezze di tutte le donne e, in questo caso, addirittura delle Barbie.

Nonostante la serietà delle tematiche trattate attraverso Gloria, America Ferrara riesce a portare nel suo personaggio anche una certa allegria e tenacia: anche nei momenti di crisi nel rapporto con la figlia Sasha o dopo il “colpo di stato” dei Ken a Barbieland, Gloria riesce a ritrovare il sorriso e la forza di continuare ad andare avanti.

Emily Blunt: Oppenheimer

L’attrice, diventata nota al grande pubblico per il ruolo di prima assistente di Miranda Presley ne Il diavolo veste Prada, ha sicuramente vissuto una grande crescita professionale negli ultimi anni. Ed è solamente con il personaggio di Kitty Oppenheimer che conferma una certa maturità attoriale. Emily Blunt si ritrova qui ad interpretare una donna forte, dall’aspetto grave e determinato; una figura estremamente protettiva nei confronti del marito.

Alcune delle scene divenute più celebri di Oppenheimer di Nolan vedono proprio Kitty al centro della scena. Pur essendo un personaggio secondario, esterno al lavoro di laboratorio, Blunt ha permesso a questa donna di trovare il suo spazio nella narrazione.

La scena che dimostra maggiormente la forza d’animo di Kitty si ritrova verso la fine del film: i coniugi Oppenheimer, ormai anziani, incontrano lo scienziato Edward Teller, collaboratore di Robert durante il progetto Manhattan, la cui testimonianza aveva portato al ritiro forzato dalla ricerca di Oppenheimer. Mentre tutti fingono normalità, abbandonando i tristi tradimenti al passato, Kitty si rifiuta anche solo di stringergli la mano.

La bravura nell’interpretazione di tale ruolo da parte di Emily Blunt, tanto da ottenere una candidatura agli Oscar, emerge durante la testimonianza di Kitty davanti al comitato di sicurezza. Qui viene mostrata tutta la forza del personaggio, nell’acutezza con cui vengono formulate le risposte, in un tono di ironica sfida nei confronti di coloro che puntavano solamente a screditare il marito.

Da’Vine Joy Randolph: The Holdovers- Lezioni di Vita

Terza candidata per l’Oscar come miglior attrice non protagonista è Da’Vine Joy Randolph per la sua interpretazione della cuoca Mary Lamb in The Holdovers- Lezioni di Vita. Per quanto la pellicola non lasci molto spazio sullo schermo al personaggio di Mary, essendo più incentrato sul professore Hunham e lo studente Angus Tully, l’attrice riesce a stimolare una certa empatia nel pubblico.

Mary ha da poco perso il proprio figlio, neanche diciottenne, morto nella guerra in Vietnam. Per quanto la donna cerchi di mostrarsi forte e rifiuta spesso l’aiuto e il conforto altrui, questa grande perdita continua a tormentarla. La performance di Joy Randolph, unita al tanto dolore con cui il personaggio è stato ideato, fanno sì che lo spettatore possa sviluppare una forte immedesimazione nello stato d’animo di Mary. La perdita di un figlio, unico affetto stretto della donna, è forse il lutto più grande che una madre possa sopportare.

In The Holdovers però viene mostrata anche l’elaborazione stessa di questo lutto, fin quando Mary riesce ad accettarlo e, con una grande forza d’animo, a superarlo. Rispetto a personaggi come Kitty Oppenheimer o Gloria in Barbie, qui risalta una certa profondità in questo personaggio ed è forse questo il motivo per cui Da’Vine Joy Randolph è generalmente considerata la favorita in questa categoria, specialmente alla luce della vittoria ai Golden Globe, ai Bafta e ai SAG Awards.

Danielle Brooks: Il colore viola

Danielle Brooks interpreta ne Il colore viola la giovane Sofia, moglie di Harpo, figliastro della protagonista Celie. Sofia entra a far parte della narrazione dopo circa mezz’ora di film, facendo delle apparizioni brevi ma molto incisive durante lo svolgimento delle vicende.

Sofia è la prima vera donna temeraria che Celie incontra: una donna che esige rispetto dal marito, in una relazione non di sottomission, ma quasi matriarcale. Sofia lascia Harpo nel momento in cui questo cerca di imporsi su di lei, rispondendo fisicamente con la sua stessa violenza. Lei si mostra agli occhi di Celie e dello spettatore come un essere indomabile, certamente non disposta a farsi piegare da un qualsiasi uomo.

Eppure, in fin dei conti, Sofia finirà per essere piegata da una forza più forte del patriarcato: il razzismo. Questa tematica sembra essere tenuta da parte per gran parte della pellicola; la comparsa di una ricca signora bianca farà irrompere violentemente le discriminazioni di razza ne Il colore viola. Mentre stava prendendo il gelato per i propri figli, viene proposto a Sofia dalla signora di lavorare per lei. Dopo l’insistenza di quest’ultima, Sofia finisce per rispondere in maniera sgarbata, venendo aggredita per questo dal marito della signora. Nel difendersi da tale aggressione fisica, la donna di colore viene arrestata.

La malinconia e il senso d’ingiustizia sembrano pervaderla in un primo momento: non mangia, porta con sé una perenne espressione di totale atarassia. Solo successivamente finirà per ritrovare la sua forza e il suo entusiasmo.

Jodie Foster: Nyad – Oltre l’oceano

L’ultima candidata nella categoria è Jodie Foster; la nota attrice, unica tra le nominate per miglior attrice non protagonista ad aver già ricevuto ben due Oscar, nel 1989 per Sotto accusa e nel 1992 per Il silenzio degli innocenti. Foster ottiene una nomination dopo ben 29 anni di assenza dagli Academy Awards. In Nyad – Oltre l’oceano interpreta Bonnie Stoll, allenatrice e amica della nota nuotatrice Diane Nyad; si tratta di un personaggio abbastanza debole, il quale, specialmente nella prima metà del film, finisce per assecondare in tutto Nyad, protagonista su cui viene focalizzata l’attenzione del pubblico. A differenza delle altre performance candidate in questa categoria, Bonnie Stoll non porta sullo schermo alcun messaggio, non instilla nel pubblico un qualche sentimento di empatia o immedesimazione, proprio perché si tratta di un personaggio debole, poco delineato.

Il centro della narrazione sembra essere sempre e solamente la nuotatrice Nyad, lasciando poco spazio allo sviluppo del personaggio di Bonnie. Nonostante la bravura della Foster, il ruolo qui interpretato sembra essere meno meritevole di un premio Oscar rispetto alle altre candidate, e questo è probabilmente uno dei motivi per cui viene considerata molto improbabile la sua vittoria.

Oscar 2024: chi vincerà?

America Ferrera, Emily Blunt, Danielle Brooks, Jodie Foster e Da’Vine Joy Randolph hanno dato vita a cinque donne, cinque personaggi, storici o inventati che siano, rendendoli così vivi da emozionare il pubblico e la critica. Attraverso le loro performance hanno portato sullo schermo tematiche sociali, storie di perdite incolmabili o di invincibile tenacia, o hanno anche semplicemente rappresentato delle donne forti e determinate. Per quanto tutte siano entrate nei cuori e nelle menti degli spettatori, solo una ne uscirà vincitrice. L’attrice a cui sembra essere destinata la statuetta degli Oscar 2024 è Da’Vine Joy Randolph: il dolore della perdita di un figlio è un sentimento così profondo e difficile da rappresentare, ma la Randolph ci è riuscita alla perfezione, facendo emozionare il pubblico.